음악에서 오페라란 무엇인가: 장르의 출현. 오페라

오페라의 장르와 음악수업에서 오페라를 다루는 방법을 고려하기 전에 오페라가 무엇인지 정의하고 싶습니다.

"오페라는 당신을 사람들에게 더 가깝게 만들고, 당신의 음악을 실제 청중과 관련되게 만들고, 당신을 개별 서클뿐만 아니라 유리한 조건 하에서 전체 사람들의 재산으로 만드는 것은 오페라뿐입니다." 이 가사는 러시아의 위대한 작곡가인 표트르 일리치 차이코프스키의 것입니다.

이것은 일반적으로 오케스트라와 함께 전체 또는 부분적으로 노래되는 무대 공연을위한 뮤지컬 드라마 작품 (종종 발레 장면 포함)입니다. 오페라는 특정 문학 텍스트를 위해 작성됩니다. 극작의 임팩트와 오페라 속 배우들의 연기는 음악의 표현력에 의해 무한히 증폭된다. 그 반대도 마찬가지입니다. 음악은 오페라에서 비범한 구체성과 구상성을 얻습니다.

음악의 도움으로 연극 작품의 영향력을 높이려는 욕구는 극 예술의 존재가 시작된 아주 먼 시대에 이미 일어났습니다. 야외에서, 산기슭에서 계단 형태로 처리 된 슬로프가 관중을위한 장소로 사용되었으며 축제 공연이 고대 그리스에서 열렸습니다. 가면을 쓴 배우들은 키가 커진 특별한 신발을 신고 노래하는 목소리로 낭송하며 인간 정신의 힘을 찬양하는 비극을 연기했습니다. 이 먼 시대에 만들어진 Aeschylus, Sophocles, Euripides의 비극은 오늘날에도 예술적 의미를 잃지 않았습니다. 음악과 함께하는 연극 작품은 중세에도 알려졌습니다. 그러나 현대 오페라의 이러한 모든 "조상"은 일반적인 구어체 연설과 번갈아 가며 노래하는 반면 오페라의 특징은 텍스트가 처음부터 끝까지 노래된다는 점에서 다릅니다.

현대적 의미의 오페라는 16세기와 18세기 초 이탈리아에서 시작되었습니다. 이 새로운 장르의 창시자는 고대 예술을 숭배하고 고대 그리스 비극을 되살리려는 시인과 음악가였습니다. 그러나 그들은 뮤지컬 및 무대 실험에서 고대 그리스 신화의 음모를 사용했지만 비극을 되살리지 않고 완전히 새로운 종류의 예술인 오페라를 만들었습니다.

오페라는 빠르게 인기를 얻었고 모든 국가에 퍼졌습니다. 각 국가에서 특별한 국가적 특성을 얻었습니다. 이것은 플롯 선택 (종종 특정 국가의 역사, 전설 및 전설에서)과 음악의 본질에도 반영되었습니다. 오페라는 이탈리아의 주요 도시(로마, 파리, 베니스, 피렌체)를 빠르게 정복했습니다.

오페라와 그 구성요소

드라마의 예술적 효과를 높이기 위해 오페라에서 음악이 갖는 의미는 무엇인가? 이 질문에 답하기 위해 오페라를 구성하는 주요 요소에 대해 알아보자.

오페라의 주요 부분 중 하나는 아리아입니다. 단어의 의미는 "노래", "챈트"에 가깝습니다. 실제로 첫 번째 오페라의 아리아는 멜로디의 특성상 노래에 가깝고 클래식 오페라에서 많은 아리아 노래를 찾을 수 있습니다 (Ivan Susanin의 Vanya 노래, Martha의 노래 in Ivan Susanin) 코반시치나 ).

그러나 일반적으로 아리아는 노래보다 형식이 더 복잡하며 이는 오페라에서의 아리아 자체의 목적에 따라 결정됩니다. 드라마의 독백과 같은 아리아는 하나 또는 다른 영웅의 특징 역할을합니다. 이 특성은 일반화 (영웅의 일종의 "음악적 초상화")이거나 작품 행동의 특정 상황과 관련 될 수 있습니다.

그러나 드라마의 액션이 독백만으로 이루어질 수 없듯이, 완성된 아리아의 교대만으로 오페라의 액션이 전달될 수는 없다. 캐릭터가 실제로 행동하는 오페라의 순간-서로의 실시간 의사 소통, 대화, 분쟁, 충돌-아리아에서 매우 적절한 형식의 완성도가 필요하지 않습니다. 그것은 행동의 발전을 방해할 것입니다. 이러한 순간에는 일반적으로 완전한 음악 구성이 없으며 캐릭터의 개별 문구가 오케스트라 에피소드와 함께 합창단의 느낌표와 번갈아 나타납니다.

암송, 즉 선언적 노래가 널리 사용됩니다.

많은 러시아 작곡가, 특히 A.S. Dargomyzhsky 및 M.P. 무소르그스키. 음악의 사실주의, 음악적 특성의 가장 큰 진실성을 위해 그들은 주어진 캐릭터의 가장 특징적인 음성 억양의 음악적 구현에서이 목표를 달성하는 주요 수단을 보았습니다.

오페라 앙상블도 빼놓을 수 없는 부분입니다. 앙상블은 2개의 목소리에서 10개의 목소리까지 양적 구성이 매우 다를 수 있습니다. 이 경우 음역과 음색의 음색은 일반적으로 앙상블에서 결합됩니다. 앙상블을 통해 하나의 감정을 전달하고 여러 영웅을 포용하며, 이 경우 앙상블의 개별 부분은 대립하지 않고, 말하자면 서로를 보완하며, 종종 유사한 선율 패턴을 갖습니다. 그러나 종종 앙상블은 감정이 다르고 반대되는 캐릭터의 음악적 특성을 결합합니다.

심포니 오케스트라는 오페라 공연의 필수적인 부분입니다. 그는 성악과 합창 부분을 반주할 뿐만 아니라 음악적 초상화나 풍경화를 "그릴" 뿐만 아니라. 자신의 표현 수단을 사용하여 그는 행동의 "시작"단계, 개발의 물결, 절정 및 비난의 요소 구성에 참여합니다. 또한 극적인 갈등의 측면을 나타냅니다. 오케스트라의 가능성은 전적으로 지휘자의 모습을 통해 오페라 공연에서 실현됩니다. 뮤지컬 앙상블을 조정하고 가수-배우와 함께 캐릭터를 만드는 데 참여하는 것 외에도 지휘자는 공연의 템포 리듬이 그의 손에 있기 때문에 전체 무대 동작을 제어합니다.

따라서 오페라의 모든 구성 부분이 하나로 결합됩니다. 지휘자는 작업을 하고 있고, 합창단의 솔리스트들은 각자의 역할을 배우고 있으며, 감독은 무대를 연출하고 예술가들은 풍경을 그리고 있습니다. 이 모든 사람들의 공동 작업의 결과로만 오페라 공연이 발생합니다.

장르의 역사

자코포 페리

오페라의 기원은 고대 비극으로 간주 될 수 있습니다. 독립적인 장르로서 오페라는 16세기와 17세기 초 이탈리아 피렌체의 음악가, 철학자, 시인 집단에서 시작되었습니다. 예술 애호가의 서클은 "kamerata"라고 불 렸습니다. "kamerata"참가자들은 드라마, 음악, 춤을 하나의 공연으로 결합하여 고대 그리스 비극을 되살리는 꿈을 꾸었습니다. 첫 번째 공연은 1600년 피렌체에서 열렸으며 오르페우스와 에우리디케에 대해 이야기했습니다. 뱀 파이썬과 아폴로 신의 투쟁에 관한 고대 그리스 신화의 음모로 1594 년에 노래와 함께 첫 번째 뮤지컬 공연이 상연 된 버전이 있습니다. 점차적으로 오페라 학교는 이탈리아의 로마, 베니스, 나폴리에 나타나기 시작했습니다. 그런 다음 오페라는 유럽 전역에 빠르게 퍼졌습니다. 17 세기 말과 18 세기 초에 오페라-세리아 (대형 진지 오페라)와 오페라-부파 (코믹 오페라)와 같은 주요 오페라가 형성되었습니다.

18세기 말 상트페테르부르크에 러시아 극장이 문을 열었습니다. 처음에는 외국 오페라만 있었다. 최초의 러시아 오페라는 코믹했습니다. Fomin은 제작자 중 한 명으로 간주됩니다. 1836 년 Glinka의 오페라 A Life for the Tsar의 시사회가 상트 페테르부르크에서 열렸습니다. 러시아의 오페라는 완벽한 형태를 얻었고 그 특징은 결정되었습니다. 주인공의 밝은 음악적 특성, 구어체 대화의 부재. 19세기에 러시아 최고의 작곡가들은 모두 오페라로 전향했습니다.

다양한 오페라

역사적으로 특정 형태의 오페라 음악이 발전했습니다. 오페라 극작술의 일반적인 패턴이 존재하는 상황에서 모든 구성 요소는 오페라 유형에 따라 다르게 해석됩니다.

• 그랜드 오페라( 오페라 세리아- ital., 비극 서정시, 나중에 그랜드 오페라- 프랑스어)
• 세미코믹( 세미세리아),
• 코믹 오페라( 오페라 부파- ital., 오페라 코미크- 프랑스어, Spieloper- 독일어.),
• 낭만적 인 음모에 대한 낭만적 인 오페라.
• 세미 오페라, 세미 오페라, 쿼터 오페라( 두 가구 연립 주택- 위도. 하프) - 구술 드라마(장르) 드라마, 성악 미장센, 호윅 및 교향곡을 결합한 영국 바로크 오페라의 한 형태. 세미 오페라의 지지자 중 한 명은 영국 작곡가 Henry Purcell /

코믹 오페라, 독일어와 프랑스어에서는 뮤지컬 번호 사이에 대화가 허용됩니다. 예를 들어 대화가 삽입된 진지한 오페라도 있습니다. 베토벤의 '피델리오', 케루비니의 '메데아', 베버의 '매직 슈터'.

• 희가극에서 나온 오페레타는 19세기 후반에 특별한 인기를 얻었다.
• 어린이 공연용 오페라(예: Benjamin Britten의 오페라 - The Little Chimney Sweep, Noah's Ark, Lev Konov의 오페라 - King Matt the First, Asgard, The Ugly Duckling, Kokinvakashu).

오페라의 요소

드라마 투르 기, 음악, 미술 (장식, 의상), 안무 (발레) 등 다양한 유형의 예술을 단일 연극 활동으로 결합한 합성 장르입니다.

오페라 그룹의 구성에는 솔리스트, 합창단, 오케스트라, 군악대, 오르간이 포함됩니다. 오페라 목소리: (여성: 소프라노, 메조-소프라노, 콘트랄토; 남성: 카운터테너, 테너, 바리톤, 베이스).

오페라 작품은 막, 그림, 장면, 숫자로 나뉩니다. 막이 시작되기 전에 프롤로그가 있고 오페라가 끝나면 에필로그가 있습니다.

오페라 작품의 일부-암송, 아리오소, 노래, 아리아, 듀엣, 트리오, 사중주, 앙상블 등 교향곡 형식-서곡, 소개, 중간 휴식, 판토마임, 멜로 드라마, 행렬, 발레 음악.

캐릭터의 성격은 가장 완벽하게 드러납니다. 솔로 번호(아리아, 아리오소, 아리에타, 카바티나, 독백, 발라드, 노래). 오페라의 다양한 기능은 암송- 인간 음성의 음악적 억양 및 리드미컬한 재생산. 종종 그는 (플롯 및 음악적 용어로) 별도의 완성된 숫자를 연결합니다. 종종 뮤지컬 극작술에서 효과적인 요소입니다. 어떤 장르의 오페라에서는 레치타티브가 아닌 희극이 주를 이룬다. 말하기, 일반적으로 대화에서.

무대 대화, 오페라의 극적 공연 장면은 다음과 같다. 뮤지컬 앙상블(duet, trio, quartet, quintet 등) 갈등 상황을 만들 수있는 특이성은 행동의 발전뿐만 아니라 캐릭터와 아이디어의 충돌도 보여줍니다. 따라서 앙상블은 종종 오페라 액션의 절정이나 마지막 순간에 등장합니다.

성가대오페라는 다양한 방식으로 해석됩니다. 메인 스토리와 무관한 배경일 수도 있고, 때때로 무슨 일이 일어나고 있는지에 대한 일종의 해설자; 그것의 예술적 가능성은 민속 생활의 기념비적 인 그림을 보여주고 영웅과 대중 사이의 관계를 드러내는 것을 가능하게합니다 (예 : MP Mussorgsky의 민속 뮤지컬 드라마 "Boris Godunov"및 "Khovanshchina"에서 합창단의 역할).

오페라의 뮤지컬 드라마투르기에서 큰 역할은 다음과 같습니다. 오케스트라, 심포닉한 표현 수단은 이미지를 더욱 완벽하게 드러내는 역할을 한다. 오페라에는 서곡, 중간 휴식 (개별 공연 소개)과 같은 독립 오케스트라 에피소드도 포함됩니다. 오페라 공연의 또 다른 요소 - 발레, 플라스틱 이미지가 뮤지컬 이미지와 결합되는 안무 장면.

오페라 극장

오페라 하우스는 오페라 작품을 상영하기 위해 특별히 설계된 뮤지컬 극장 건물입니다. 야외 극장과 달리 오페라 하우스에는 오케스트라 피트와 하나 이상의 계층에 있는 강당을 포함하여 값비싼 기술 장비를 갖춘 대형 무대가 있거나 상자 형태로 디자인되어 있습니다. 이 오페라 하우스의 건축 모델이 주요 모델입니다. 관객석을 기준으로 세계에서 가장 큰 오페라 하우스는 뉴욕의 메트로폴리탄 오페라(3,800석), 샌프란시스코 오페라(3,146석), 이탈리아의 라 스칼라(2,800석)입니다.

대부분의 국가에서 오페라 하우스 유지는 수익성이 없으며 정부 보조금이나 후원자의 기부가 필요합니다. 예를 들어, 라 스칼라 극장(이탈리아 밀라노)의 연간 예산은 2010년 현재 1억 1,500만 유로(40% - 국가 보조금, 60% - 개인 기부금 및 티켓 판매)에 달했으며, 2005년에는 라 스칼라 극장이 4억 6400만 유로의 25%를 받았습니다. 이는 미술 발전을 위해 이탈리아 예산에서 제공한 금액입니다. 그리고 2001년 에스토니아 국립 오페라는 에스토니아 문화부 자금의 5.4%에 해당하는 700만 유로(1억 1200만 크론)를 받았다.

오페라 목소리

오페라가 탄생할 당시에는 아직 전자 음향 증폭 장치가 발명되지 않았을 때 오페라 가창의 기법은 반주하는 교향악단의 소리를 커버할 수 있을 만큼 큰 소리를 추출하는 방향으로 발전했다. 세 가지 구성 요소(호흡, 후두의 작용 및 공명 공동의 조절)의 조정 작업으로 인한 오페라 음성의 힘은 1미터 거리에서 120dB에 도달했습니다.

성악가는 오페라 파트에 따라 목소리의 유형(질감, 음색, 성격)에 따라 분류됩니다. 남성 오페라 목소리에는 다음이 있습니다.

• 카운터 테너,

그리고 여성들 사이에서:

• 같은 기간 동안 가장 인기있는 오페라 작곡가는 Verdi, Mozart 및 Puccini-각각 3020, 2410 및 2294 공연입니다.

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또한보십시오

노트

연결

• 오페라 및 오페라 행사 전용 러시아어 사이트
• M. S. Druskin이 편집한 참고서 "100개의 오페라". 오페라의 간략한 내용(시놉시스)

음악 형식
보컬 형식	2련 형식 코러스-코러스 형식
단순한 모양	마침표 간단한 두 부분 형식 간단한 세 부분 형식
복잡한 모양	복합곡 형식 론도 변주 형식 소나타 형식 론도 소나타
순환 형태	모음곡 소나타 - 교향곡 순환 칸타타 오라토리오
다음 형식	캐논 푸가
유럽의 특정 형태 중세와 르네상스	Bar Virelet ́ Ballata ́ Estampi ́ La Madrigal
바로크 시대의 특정 형태	바로크 시대의 단순 형식 고대 소나타 형식 바로크 시대의 복합 형식 고대 콘서트 형식 합창 편곡
낭만주의 시대의 특정 형태	자유 형태 혼합 형태 단일 부분 순환 형태
뮤지컬 극장의 형태	오페레타 발레
음악 음악 이론

오페라자귀

극장 방향
극장

기사의 내용

오페라,음악에 맞춰진 드라마나 코미디. 오페라의 극적인 텍스트가 노래됩니다. 노래와 무대 동작은 거의 항상 기악(보통 오케스트라) 반주가 수반됩니다. 많은 오페라는 또한 관현악 막간(서론, 결론, 간격 등)과 발레 장면으로 가득 찬 줄거리 나누기가 있는 것이 특징입니다.

오페라는 귀족들의 오락으로 탄생했지만 곧 일반 대중의 오락이 되었습니다. 최초의 공공 오페라 하우스는 장르 자체가 탄생한 지 불과 40년 후인 1637년 베니스에서 문을 열었습니다. 그런 다음 오페라는 유럽 전역에 빠르게 퍼졌습니다. 대중 오락으로서 19세기와 20세기 초에 최고로 발전했습니다.

역사를 통틀어 오페라는 다른 음악 장르에 강력한 영향을 미쳤습니다. 이 교향곡은 18세기 이탈리아 오페라의 기악 서문에서 비롯되었습니다. 피아노 협주곡의 거장 악절과 카덴차는 주로 건반 악기의 질감에 오페라 성악의 기교를 반영하려는 시도의 결과입니다. 19세기 장대 한 "뮤지컬 드라마"를 위해 그가 만든 R. Wagner의 조화롭고 오케스트라적인 작문은 20 세기에도 여러 음악 형식의 추가 발전을 결정했습니다. 많은 음악가들은 바그너의 영향으로부터의 해방을 새로운 음악을 향한 움직임의 주류로 간주했습니다.

오페라 형식.

소위. 오늘날 오페라 장르의 가장 널리 퍼진 형태인 그랜드 오페라에서는 전체 텍스트가 노래됩니다. 코믹 오페라에서 노래는 대개 대화 장면과 번갈아 나타납니다. "코믹 오페라"(프랑스의 오페라 코미크, 이탈리아의 오페라 부파, 독일의 징슈필)라는 이름은 대체로 조건부입니다. 대화). 파리와 비엔나에서 널리 퍼진 일종의 가볍고 감상적인 코믹 오페라가 오페레타라고 불리기 시작했습니다. 미국에서는 뮤지컬 코미디라고합니다. 브로드웨이에서 명성을 얻은 음악(뮤지컬)이 있는 연극은 일반적으로 유럽 오페레타보다 내용이 더 진지합니다.

이러한 모든 종류의 오페라는 음악, 특히 노래가 텍스트의 극적인 표현력을 향상시킨다는 믿음에 기반을 두고 있습니다. 사실, 때때로 다른 요소가 오페라에서 똑같이 중요한 역할을 했습니다. 따라서 특정 기간의 프랑스 오페라(및 19세기 러시아 오페라)에서 춤과 화려한 측면은 매우 중요한 의미를 갖게 되었습니다. 독일 작가들은 관현악 파트를 반주가 아니라 그에 상응하는 성악 파트로 간주하는 경우가 많았습니다. 그러나 오페라의 역사를 통틀어 노래는 여전히 지배적인 역할을 했습니다.

가수가 오페라 공연을 리드하는 경우 오케스트라 부분은 프레임을 형성하고 액션의 기초를 형성하고 앞으로 나아가며 미래의 이벤트를 위해 청중을 준비시킵니다. 오케스트라는 성악가를 지원하고 절정을 강조하며 대본의 빈틈이나 장면 전환의 순간을 소리로 메우고 마지막으로 오페라의 막이 내릴 때 공연한다.

대부분의 오페라에는 청취자의 인식을 설정하는 데 도움이 되는 기악 도입부가 있습니다. 17~19세기 그러한 서론을 서곡이라고 불렀습니다. 서곡은 간결하고 독립적인 콘서트 작품으로 주제가 오페라와 관련이 없어 쉽게 교체할 수 있습니다. 예를 들어, 비극 서곡 팔미라의 아우렐리안 Rossini는 나중에 코미디 서곡으로 변했습니다. 세비야의 이발사. 그러나 19세기 후반. 작곡가들은 분위기의 통일성과 서곡과 오페라 사이의 주제 연결에 훨씬 더 큰 영향을 미치기 시작했습니다. 예를 들어 Wagner의 후기 뮤지컬 드라마에서 오페라의 주요 주제 (leitmotifs)를 포함하고 직접 실행하는 도입 형식 (Vorspiel)이 생겼습니다. "자율적인" 오페라 서곡의 형태는 쇠퇴하고 있었고, 갈망 Puccini(1900) 서곡은 단지 몇 개의 오프닝 화음으로 대체될 수 있습니다. 20세기의 여러 오페라에서. 일반적으로 무대 액션을 위한 음악적 준비는 없습니다.

따라서 오페라 액션은 오케스트라 프레임 내부에서 발전합니다. 그러나 오페라의 본질은 노래하는 것이기 때문에 드라마의 최고의 순간은 음악이 전면에 등장하는 아리아, 듀엣 및 기타 기존 형식의 완성된 형식에 반영됩니다. 아리아는 독백과 같고 듀엣은 대화와 같으며 트리오에서는 다른 두 참가자에 대한 캐릭터 중 하나의 상충되는 감정이 일반적으로 구현됩니다. 더 복잡해지면 4중주와 같은 다양한 앙상블 형식이 발생합니다. 리골레토베르디 또는 육중주 루시아 데 라메르무어도니제티. 그러한 형태의 도입은 일반적으로 하나(또는 여러) 감정의 발달을 위한 여지를 만들기 위해 행동을 중지합니다. 앙상블로 단합 된 가수 그룹 만이 진행중인 이벤트에 대한 여러 관점을 한 번에 표현할 수 있습니다. 때때로 합창단은 오페라 영웅들의 행동에 대한 해설자 역할을 합니다. 일반적으로 오페라 합창단의 텍스트는 상대적으로 느리게 발음되며 청취자가 내용을 이해할 수 있도록 문구가 반복되는 경우가 많습니다.

아리아 자체는 오페라를 구성하지 않습니다. 고전적인 유형의 오페라에서 음모를 대중에게 전달하고 행동을 발전시키는 주요 수단은 암송입니다. 간단한 코드로 지원되고 자연스러운 음성 억양을 기반으로하는 자유 미터의 빠른 멜로디 암송입니다. 코믹 오페라에서 암송은 종종 대화로 대체됩니다. 레치타티브는 구어체의 의미를 이해하지 못하는 청자에게는 지루해 보일 수 있지만, 오페라의 내용 구조에서 없어서는 안될 경우가 많다.

모든 오페라에서 암송과 아리아 사이에 명확한 선을 긋는 것이 가능한 것은 아닙니다. 예를 들어 Wagner는 음악적 행동의 지속적인 발전을 목표로 완전한 성악 형식을 포기했습니다. 이 혁신은 많은 작곡가들에 의해 다양한 수정과 함께 채택되었습니다. 러시아 땅에서 지속적인 "뮤지컬 드라마"에 대한 아이디어는 Wagner와 독립적으로 A.S. Dargomyzhsky에 의해 처음 테스트되었습니다. 스톤 게스트그리고 M.P. 무소르그스키 결혼하다- 그들은 이 형식을 "대화 오페라", 오페라 대화라고 불렀습니다.

드라마로서의 오페라.

오페라의 극적인 내용은 대본뿐만 아니라 음악 자체에도 구현되어 있습니다. 오페라 장르의 창시자들은 그들의 작품을 "음악으로 표현된 드라마"인 dramma per musica라고 불렀습니다. 오페라는 삽입된 노래와 춤이 있는 연극 그 이상입니다. 연극은 자급자족할 수 있습니다. 음악이 없는 오페라는 극적 통합의 일부일 뿐이다. 이것은 음성 장면이 있는 오페라에도 적용됩니다. 예를 들어 이러한 유형의 작업에서 마농 레스코 J. Massenet - 뮤지컬 번호는 여전히 핵심 역할을 유지합니다.

오페라 대본이 드라마틱한 작품으로 상연되는 것은 극히 이례적이다. 드라마의 내용이 말로 표현되고 특징적인 무대 장치가 있지만 그럼에도 불구하고 음악이 없으면 중요한 것, 즉 음악으로만 표현할 수 있는 중요한 것이 사라진다. 같은 이유로 드라마틱한 연극을 대본으로 사용하는 경우는 등장인물 수를 줄이고 줄거리와 주인공을 단순화하지 않고는 거의 사용되지 않습니다. 음악이 숨쉴 공간을 남겨두어야 하고, 반복해야 하고, 오케스트라 에피소드를 형성하고, 극적인 상황에 따라 분위기와 색감을 바꿔야 한다. 그리고 노래는 여전히 단어의 의미를 이해하기 어렵기 때문에 대본의 텍스트는 노래할 때 인식될 수 있을 정도로 명확해야 합니다.

이런 식으로 오페라는 훌륭한 극극의 어휘적 풍부함과 세련된 형식을 자신에게 종속시키지만, 청취자의 감정에 직접적으로 호소하는 고유한 언어의 가능성으로 이러한 피해를 보상합니다. 예, 문학적 출처 나비부인 Puccini - 게이샤와 미국 해군 장교에 대한 D. Belasco의 연극은 절망적으로 구식이며 Puccini의 음악에 표현된 사랑과 배신의 비극은 시간이 지나도 사라지지 않았습니다.

오페라 음악을 작곡할 때 대부분의 작곡가들은 특정 관습을 준수했습니다. 예를 들어, 높은 음역의 목소리나 악기의 사용은 "열정"을 의미했고, 불협화음 하모니는 "두려움"을 표현했습니다. 그러한 관습은 자의적이지 않았습니다. 사람들은 일반적으로 흥분했을 때 목소리를 높이고 두려움의 육체적 감각은 부조화입니다. 그러나 숙련된 오페라 작곡가들은 음악의 극적인 내용을 표현하기 위해 더 미묘한 수단을 사용했습니다. 멜로디 라인은 그것이 떨어지는 단어와 유기적으로 일치해야 했습니다. 조화로운 글쓰기는 감정의 밀물과 썰물을 반영해야 했습니다. 성급한 선언 장면, 엄숙한 앙상블, 사랑의 듀엣 및 아리아를 위해 다양한 리듬 모델을 만들어야했습니다. 다양한 악기와 관련된 음색 및 기타 특성을 포함하여 오케스트라의 표현 가능성도 극적인 목표를 위해 배치되었습니다.

그러나 극적 표현력만이 오페라 음악의 유일한 기능은 아니다. 오페라 작곡가는 극의 내용을 표현하는 것과 듣는 이에게 즐거움을 주는 것, 이 두 가지 상반된 과제를 해결한다. 첫 번째 작업에 따르면 음악은 드라마에 도움이 됩니다. 두 번째에 따르면 음악은 자급 자족합니다. Gluck, Wagner, Mussorgsky, R. Strauss, Puccini, Debussy, Berg와 같은 많은 위대한 오페라 작곡가는 오페라의 표현적이고 극적인 시작을 강조했습니다. 다른 작가들로부터 오페라는 더 시적이고 절제된 실내 모습을 얻었습니다. 그들의 예술은 하프톤의 미묘함으로 표시되며 대중의 취향 변화에 덜 의존합니다. 오페라 가수는 어느 정도 배우 여야하지만 그의 주된 임무는 순전히 음악적이기 때문에 가사 작곡가는 가수들에게 사랑 받고 있습니다. 그는 뮤지컬 텍스트를 정확하게 재현하고 소리에 필요한 색상을 부여하고 아름답게 표현해야합니다. 작사에는 18세기 나폴리인, 헨델, 하이든, 로시니, 도니제티, 벨리니, 베버, 구노, 마네, 차이코프스키, 림스키-코르사코프가 포함됩니다. Monteverdi, Mozart, Bizet, Verdi, Janacek 및 Britten 중에서 극적 요소와 서정적 요소의 거의 절대적인 균형을 이룬 작가는 거의 없습니다.

오페라 레퍼토리.

전통적인 오페라 레퍼토리는 주로 19세기 작품으로 구성되어 있습니다. 18세기 말과 20세기 초의 여러 오페라가 있습니다. 고상한 행위와 먼 땅에 매력을 느끼는 낭만주의는 유럽 전역에서 오페라 창작의 발전에 기여했습니다. 중산층의 성장으로 민속적 요소가 오페라 언어에 침투했고 오페라에 감사하는 많은 청중을 제공했습니다.

전통적인 레퍼토리는 오페라의 전체 장르 다양성을 "비극"과 "코미디"라는 두 가지 매우 큰 범주로 줄이는 경향이 있습니다. 첫 번째는 일반적으로 두 번째보다 넓게 표시됩니다. 오늘날 레퍼토리의 기초는 이탈리아와 독일 오페라, 특히 "비극"입니다. "코미디"분야에서는 이탈리아 오페라 또는 적어도 이탈리아어 (예 : 모차르트의 오페라)가 우세합니다. 전통적인 레퍼토리에는 프랑스 오페라가 거의 없으며 일반적으로 이탈리아 방식으로 공연됩니다. 여러 러시아 및 체코 오페라가 레퍼토리에서 자리를 차지하고 거의 항상 번역으로 공연됩니다. 일반적으로 주요 오페라단은 원어로 작품을 공연하는 전통을 고수합니다.

레퍼토리의 주요 규제자는 인기와 패션입니다. 일부 오페라(예: 보좌관 Verdi)는 종종 필요한 성부가 있는지 여부에 관계없이 수행됩니다(후자가 더 일반적임). 거장 콜로라투라 부분과 우화적인 음모가있는 오페라가 유행을 벗어난 시대에 적절한 제작 스타일에 관심을 가진 사람은 거의 없었습니다. 예를 들어, 헨델의 오페라는 유명한 가수인 조안 서덜랜드와 다른 사람들이 그것을 공연하기 시작할 때까지 무시되었습니다. 그리고 여기서 포인트는 이 오페라의 아름다움을 발견한 '신규' 관객뿐 아니라 세련된 오페라 파트에 대처할 수 있는 높은 발성 문화를 가진 다수의 가수들의 등장이다. 같은 방식으로 Cherubini와 Bellini의 작품의 부활은 그들의 오페라의 화려한 공연과 오래된 작품의 "참신함"발견에서 영감을 받았습니다. 초기 바로크의 작곡가들, 특히 Monteverdi뿐만 아니라 Peri와 Scarlatti도 마찬가지로 망각에서 벗어났습니다.

이러한 모든 부흥에는 주석판이 필요하며, 특히 17세기 작가의 작품은 정확한 정보가 없는 도구와 동적 원리에 대해 설명합니다. 소위 끝없는 반복. 나폴리 학교 오페라와 헨델의 다 카포 아리아는 우리 시대, 즉 다이제스트 시대에 상당히 지루합니다. 현대 청취자는 19세기 프랑스 그랜드 오페라에서도 청취자의 열정을 거의 공유할 수 없습니다. (Rossini, Spontini, Meyerbeer, Halevi) 저녁 내내 (따라서 오페라의 전체 점수를 차지한 엔터테인먼트에) 페르난도 코르테스휴식 시간을 제외하고 5시간 동안 Spontini가 울립니다. 악보의 어두운 부분과 그 크기가 지휘자나 무대 감독이 숫자를 자르고, 재정렬하고, 삽입하고, 심지어는 새 조각을 삽입하도록 유혹하는 것은 드문 일이 아닙니다. 대중 앞에서.

가수.

성악의 범위에 따라 성악가는 보통 6가지 유형으로 나뉜다. 고음에서 저음까지 세 가지 여성 유형의 목소리-소프라노, 메조-소프라노, 콘트랄토 (후자는 요즘 드뭅니다); 세 남자 - 테너, 바리톤, 베이스. 각 유형 내에는 목소리의 품질과 노래 스타일에 따라 여러 아종이 있을 수 있습니다. 가사 콜로라투라 소프라노는 가볍고 매우 움직이는 목소리를 가지고 있으며 이러한 가수는 거장 악절, 빠른 음계, 트릴 및 기타 장식품을 연주할 수 있습니다. Lyric-dramatic (lirico spinto) 소프라노 - 매우 밝고 아름다운 목소리. 드라마틱 소프라노의 음색은 풍부하고 강하다. 서정적인 목소리와 극적인 목소리의 구분은 테너에게도 적용됩니다. 베이스에는 두 가지 주요 유형이 있습니다: "진지한" 파티를 위한 "노래하는 베이스"(basso cantante)와 코믹한(basso buffo).

점차 특정 역할에 대한 노래 음색을 선택하는 규칙이 형성되었습니다. 주인공과여 주인공의 역할은 일반적으로 테너와 소프라노에게 맡겨졌습니다. 일반적으로 나이가 많고 경험이 많은 캐릭터일수록 목소리가 낮아야 합니다. 순진한 어린 소녀 - 예를 들어 Gilda in 리골레토베르디는 서정적인 소프라노이며, 오페라 생상스의 간사한 유혹자 들릴라입니다. 삼손과 들릴라- 메조소프라노. 활기차고 재치 있는 모차르트의 영웅 피가로의 일부 피가로의 결혼식그리고 로시니 세비야의 이발사두 작곡가가 바리톤을 위해 작곡했지만 주인공의 일부인 피가로의 일부는 첫 번째 테너를 위해 의도되었어야 했습니다. 농민, 마법사, 성인, 통치자 및 노인의 일부는 일반적으로베이스 바리톤 (예 : Mozart 오페라의 Don Giovanni) 또는베이스 (Mussorgsky의 Boris Godunov)를 위해 만들어졌습니다.

대중 취향의 변화는 오페라 성악 스타일을 형성하는 데 특정한 역할을 했습니다. 사운드 생성 기술, 비브라토("흐느끼는 소리") 기술은 수세기에 걸쳐 변화했습니다. J. Peri(1561–1633), 가수이자 부분적으로 보존된 최초의 오페라( 다프네)는 르네상스가 끝날 때까지 유행했던 악기로서의 목소리의 해석에 따라 비브라토가 거의 또는 전혀 없는 비교적 평평하고 변하지 않는 스타일로 백색 목소리로 알려진 것으로 추정됩니다.

18세기 동안 거장 가수의 숭배가 처음에는 나폴리에서, 그다음에는 유럽 전역에서 발전했습니다. 그 당시 오페라에서 주인공의 일부는 남성 소프라노-castrato, 즉 거세로 인해 자연스러운 변화가 멈춘 음색에 의해 수행되었습니다. 가수-카스트라티는 목소리의 범위와 이동성을 가능한 한계까지 끌어올렸습니다. 카스트라토 Farinelli (C. Broschi, 1705–1782)와 같은 오페라 스타는 이야기에 따르면 소프라노가 트럼펫 소리를 능가했으며 메조 소프라노 F. Bordoni는 그녀가 할 수 있다고 말했습니다. 그들이 연주한 음악을 작곡한 작곡가들의 기술에 완전히 종속된 세계의 모든 가수들보다 더 오래 소리를 낸다. 그들 중 일부는 스스로 오페라를 작곡하고 오페라단(Farinelli)을 감독했습니다. 작곡가가 작곡한 선율에 자신의 즉흥적인 장식으로 장식하는 것은 오페라의 줄거리 상황에 부합하든 그렇지 않든 가수들이 당연하게 여겼다. 모든 유형의 음성 소유자는 빠른 패시지 및 트릴 연주에 대한 훈련을 받아야 합니다. 예를 들어 로시니의 오페라에서 테너는 소프라노뿐 아니라 콜로라투라 기법도 숙달해야 합니다. 20세기에 그러한 예술의 부활. Rossini의 다양한 오페라 작품에 새로운 생명을 불어 넣을 수 있습니다.

18세기의 단 하나의 창법. 오늘날까지 거의 변하지 않은 - 코믹 베이스의 스타일. 단순한 효과와 빠른 수다로 인해 개별 해석, 뮤지컬 또는 무대를 위한 여지가 거의 없기 때문입니다. 아마도 D. Pergolesi(1749–1801)의 지역 희극은 적어도 200년 전에 오늘날 공연되고 있습니다. 수다스럽고 성미가 빠른 노인은 오페라 전통에서 매우 존경받는 인물이며, 성악 광대가 되기 쉬운 베이스가 가장 좋아하는 역할입니다.

18세기 말과 19세기 전반, 19세기 후반의 모차르트, 로시니 및 기타 오페라 작곡가들에게 사랑받았던 벨칸토(bel canto)의 순수하고 무지개 빛깔의 창법. 점차 더 강력하고 극적인 노래 스타일로 바뀌었습니다. 현대 화음과 관현악 작문의 발달은 오페라에서 오케스트라의 기능을 반주자에서 주인공으로 점차 변화시켰고, 결과적으로 가수들은 악기에 목소리가 묻히지 않도록 더 크게 노래할 필요가 있었다. 이러한 경향은 독일에서 시작되었지만 이탈리아를 포함한 유럽의 모든 오페라에 영향을 미쳤습니다. 독일어 "영웅적인 테너"(Heldentenor)는 바그너 오케스트라와의 결투에 참여할 수 있는 목소리의 필요성에 의해 분명히 생성됩니다. Verdi의 후기 작곡과 그의 추종자들의 오페라에는 "강한"(di forza) 테너와 에너지 넘치는 극적인(spinto) 소프라노가 필요합니다. 낭만주의 오페라의 요구는 때때로 작곡가 자신이 표현한 의도와 상반되는 것처럼 보이는 해석으로 이어지기까지 한다. 그래서 R. Strauss는 "Isolde의 목소리를 가진 16 세 소녀"와 같은 이름의 오페라에서 Salome을 생각했습니다. 그러나 오페라의 악기 편성은 너무 조밀해서 주요 부분을 연주하기 위해서는 성숙한 기혼 가수가 필요합니다.

과거의 전설적인 오페라 스타 중에는 E. Caruso(1873–1921, 아마도 역사상 가장 인기 있는 가수), J. Farrar(1882–1967, 항상 뉴욕에서 추종자들의 뒤를 따랐음), F. I. Chaliapin이 있습니다. (1873-1938, 강력한 저음, 러시아 사실주의의 대가), K. Flagstad(1895-1962, 노르웨이의 영웅적인 소프라노) 및 기타 다수. 다음 세대에는 M. Callas(1923–1977), B. Nilson(b. 1918), R. Tebaldi(1922–2004), J. Sutherland(b. 1926), L. Price(b. . 1927) ), B. Sills(b. 1929), C. Bartoli(1966), R. Tucker(1913–1975), T. Gobbi(1913–1984), F. Corelli(b. 1921), C. Siepi(b. . 1923), J. Vickers(b. 1926), L. Pavarotti(b. 1935), S. Milnes(b. 1935), P. Domingo(b. 1941), J. Carreras(b. 1946).

오페라 극장.

오페라 하우스의 일부 건물은 특정 유형의 오페라와 관련이 있으며 어떤 경우에는 실제로 극장 건축이 특정 유형의 오페라 공연으로 인해 발생했습니다. 따라서 파리 오페라(그랜드 오페라라는 이름은 러시아에서 고정됨)는 현재 건물이 1862~1874년(건축가 Ch. Garnier)에 지어지기 오래 전부터 밝은 광경을 연출하기 위한 것이었습니다. 발레의 풍경과 무대에서 펼쳐지는 장엄한 행렬과 경쟁하십시오. 바이에른의 바이로이트 마을에 있는 "엄숙한 공연의 집"(Festspielhaus)은 1876년 바그너가 그의 서사시적인 "뮤지컬 드라마"를 상연하기 위해 만들었습니다. 고대 그리스 원형 극장의 장면을 모델로 한 무대는 깊이가 깊고 오케스트라는 오케스트라 피트에 위치하고 청중에게 숨겨져있어 소리가 사라지고 가수가 목소리를 과도하게 낼 필요가 없습니다. 뉴욕의 원래 메트로폴리탄 오페라 하우스(1883)는 세계 최고의 가수와 존경받는 롯지 가입자를 위한 쇼케이스로 설계되었습니다. 홀이 너무 깊어서 "다이아몬드 편자" 상자는 상대적으로 얕은 무대보다 서로를 볼 수 있는 기회를 더 많이 제공합니다.

거울과 같은 오페라 하우스의 모습은 공적 생활의 현상으로서의 오페라의 역사를 반영합니다. 그 기원은 귀족계에서 고대 그리스 극장의 부흥에 있습니다. 이 기간은 Vicenza의 A. Palladio가 지은 가장 오래 살아남은 오페라 하우스 인 Olimpico (1583)에 해당합니다. 바로크 사회의 소우주를 반영한 ​​건축 양식은 특징적인 말굽 모양의 계획을 기반으로 하며, 상자 층이 중심인 왕실 상자에서 펼쳐져 있습니다. La Scala (1788, 밀라노), La Fenice (1792, 1992 년 베니스, 베니스), San Carlo (1737, Naples), Covent Garden (1858, London) 극장의 건물에도 유사한 계획이 보존되어 있습니다. ). 상자는 적지만 강철 지지대 덕분에 층이 더 깊어진 이 계획은 브루클린 음악원(1908), 샌프란시스코의 오페라 하우스(1932), 시카고(1920)와 같은 미국 오페라 하우스에서 사용되었습니다. 보다 현대적인 솔루션은 뉴욕 링컨 센터(1966)와 시드니 오페라 하우스(1973, 호주)에 있는 메트로폴리탄 오페라의 새 건물을 시연합니다.

민주적 접근 방식은 Wagner의 특징입니다. 그는 관객들에게 최대한의 집중을 요구하며 객석이 전혀 없는 극장을 지었고, 객석은 단조롭게 연속적으로 배열되었다. 엄숙한 바이로이트의 인테리어는 뮌헨 대극장(1909)에서만 반복되었다. 제2차 세계 대전 이후에 지어진 독일 극장도 이전 사례로 거슬러 올라갑니다. 그러나 Wagnerian 아이디어는 경기장의 개념을 향한 움직임에 기여한 것 같습니다. 일부 현대 건축가가 제안한 프로시니엄 없는 극장(원형은 고대 로마 서커스): 오페라는 이러한 새로운 조건에 적응하도록 남겨졌습니다. 베로나의 로마 원형극장은 다음과 같은 기념비적인 오페라 공연을 상연하기에 적합합니다. 아이다베르디와 윌리엄 텔로시니.

오페라 축제.

Wagnerian 오페라 개념의 중요한 요소는 여름 바이로이트 순례입니다. 1920년대에 오스트리아의 잘츠부르크 시는 주로 모차르트의 오페라 전용 축제를 조직하고 M. Reinhardt 감독과 A. Toscanini 지휘자와 같은 재능 있는 사람들을 초대하여 프로젝트를 구현했습니다. 1930년대 중반부터 모차르트의 오페라 작품은 영국 글라인드본 페스티벌을 형성했습니다. 제 2 차 세계 대전 후 주로 R. Strauss의 작업에 전념하는 축제가 뮌헨에 나타났습니다. 플로렌스는 초기 오페라와 현대 오페라를 아우르는 매우 광범위한 레퍼토리가 공연되는 "플로렌스 뮤지컬 메이"를 개최합니다.

이야기

오페라의 기원.

우리에게 내려온 오페라 장르의 첫 번째 예는 에우리디체 J. Peri (1600)는 프랑스 왕 Henry IV와 Maria Medici의 결혼식을 계기로 Florence에서 만든 겸손한 작품입니다. 예상대로 궁정에 가까운 젊은 가수이자 마드리갈 연주자는 이 엄숙한 행사를 위해 음악을 주문받았다. 그러나 Peri는 목가적 인 주제에 대한 일반적인 madrigal주기가 아니라 완전히 다른 것을 제시했습니다. 음악가는 과학자, 시인 및 음악 애호가로 구성된 Florentine Camerata의 회원이었습니다. 20년 동안 Camerata의 회원들은 고대 그리스 비극이 어떻게 공연되었는지에 대한 질문을 조사해 왔습니다. 그들은 그리스 배우들이 연설과 실제 노래 사이의 특별한 선언 방식으로 텍스트를 낭송했다는 결론에 도달했습니다. 그러나 잊혀진 예술의 부활에 대한 이러한 실험의 실제 결과는 "모노디"라고 불리는 새로운 유형의 독창이었습니다. 모노디는 가장 단순한 반주와 함께 자유로운 리듬으로 연주되었습니다. 따라서 Peri와 그의 librettist O. Rinuccini는 7 개의 악기 앙상블이 아닌 작은 오케스트라의 화음으로 지원되는 암송으로 Orpheus와 Eurydice의 이야기를 시작하고 Florentine Palazzo Pitti에서 연극을 발표했습니다. 이것은 Camerata의 두 번째 오페라였습니다. 첫 번째 점수, 다프네 Peri (1598), 보존되지 않음.

초기 오페라에는 전작이 있었습니다. 7세기 동안 교회는 다음과 같은 전례 드라마를 발전시켜 왔습니다. 다니엘에 관한 게임솔로 노래가 다양한 악기 반주와 함께하는 곳. 16세기 다른 작곡가들, 특히 A. Gabrieli와 O. Vecchi는 세속 합창단이나 마드리갈을 스토리 사이클로 결합했습니다. 그러나 여전히 Peri와 Rinuccini 이전에는 단조로운 세속적 음악-극적 형식이 없었습니다. 그들의 작품은 고대 그리스 비극의 부활이 되지 못했다. 그것은 더 많은 것을 가져 왔습니다. 새로운 실행 가능한 연극 장르가 탄생했습니다.

그러나 Florentine camerata가 제시 한 musica 장르의 드라마의 가능성에 대한 완전한 공개는 다른 음악가의 작업에서 발생했습니다. C. Monteverdi(1567-1643)는 Peri와 마찬가지로 귀족 가문에서 교육받은 사람이었지만 Peri와 달리 전문 음악가였습니다. 크레모나 출신인 몬테베르디는 만투아에 있는 빈첸초 곤차가의 궁정에서 유명해졌으며 성 베드로 대성당 합창단을 지휘했습니다. 베니스의 마크. 7년 후 에우리디케 Peri, 그는 Orpheus의 전설에 대한 자신의 버전을 작곡했습니다. 오르페우스의 전설. 흥미로운 실험과 걸작이 다른 것처럼 이 작품들은 서로 다르다. Monteverdi는 오케스트라 구성을 5배로 늘려 각 캐릭터에게 자신만의 악기 그룹을 제공하고 서곡으로 오페라를 시작했습니다. 그의 레치타티브는 A. Strigio의 텍스트처럼 들렸을 뿐만 아니라 그 자체로 예술적인 삶을 살았습니다. Monteverdi의 조화로운 언어는 극적인 대조로 가득 차 있으며 오늘날에도 그 대담함과 그림 같은 느낌이 인상적입니다.

Monteverdi의 후속 살아남은 오페라에는 다음이 포함됩니다. 탄크레드와 클로린다의 결투(1624)의 한 장면을 바탕으로 해방된 예루살렘 Torquato Tasso - 십자군에 관한 서사시; 율리시스의 귀환(1641) 고대 그리스의 오디세우스 전설로 거슬러 올라가는 음모; 포페아의 대관식(1642), 로마 황제 네로 시대부터. 마지막 작품은 작곡가가 죽기 1년 전에 만든 작품입니다. 이 오페라는 그의 작품의 정점이었습니다. 부분적으로는 성악 부분의 기교 때문이었고 부분적으로는 기악 작문의 화려함 때문이었습니다.

오페라 배급.

Monteverdi 시대에 오페라는 이탈리아의 주요 도시를 빠르게 정복했습니다. 로마는 1647년 파리에서 오페라를 공연한 오페라 작가 L. Rossi(1598-1653)에게 오르페우스와 에우리디케프랑스 세계 정복. F. Cavalli(1602–1676)는 베니스의 Monteverdi's에서 노래를 불렀으며 약 30편의 오페라를 창작했습니다. M.A. Chesti(1623–1669)와 함께 Cavalli는 17세기 후반 이탈리아 오페라에서 중요한 역할을 한 베네치아 악파의 창립자가 되었습니다. 베네치아 악파에서는 피렌체에서 온 모노딕 양식이 레치타티보와 아리아 발전의 길을 열었습니다. 아리아는 점점 더 길고 복잡해졌으며, 일반적으로 카스트라토인 거장 가수들이 오페라 무대를 지배하기 시작했습니다. 베네치아 오페라의 줄거리는 여전히 신화나 낭만적인 역사적 에피소드에 기반을 두고 있었지만, 이제는 메인 액션과 무관한 소극적인 막간과 가수들이 그들의 기교를 보여주는 화려한 에피소드로 장식되었습니다. 명예의 오페라에서 황금 사과(1668)은 그 시대의 가장 복잡한 작품 중 하나로 50명의 배우와 67개의 장면, 23개의 장면 전환이 있습니다.

이탈리아의 영향력은 영국까지 도달했습니다. Elizabeth I의 통치가 끝날 무렵 작곡가와 librettists는 소위를 만들기 시작했습니다. 가면 - 암송, 노래, 춤을 결합하고 환상적인 이야기를 기반으로 한 궁정 공연. 이 새로운 장르는 1643년에 음악을 작곡한 G. Lowes의 작업에서 큰 비중을 차지했습니다. 코머스 Milton, 그리고 1656년에 최초의 실제 영국 오페라를 만들었습니다. 로도스 공성전. Stuarts의 복원 후 오페라는 점차 영국 땅에 발판을 마련하기 시작했습니다. J. 블로우(1649–1708), 웨스트민스터 대성당의 오르간 연주자, 1684년 오페라 작곡 비너스와 아도니스, 그러나 구성은 여전히 ​​마스크라고 불렀습니다. 영국인이 창작한 진정으로 위대한 유일한 오페라는 디도와 아이네이아스 G. 퍼셀(1659–1695), 블로우의 제자이자 후계자. 1689년경 여대에서 초연된 이 작은 오페라는 놀라운 아름다움으로 유명합니다. Purcell은 프랑스와 이탈리아 기술을 모두 소유했지만 그의 오페라는 일반적으로 영국 작품입니다. 가사 불평, N. Tate가 소유했지만 작곡가는 극적인 특성의 숙달, 아리아와 합창단의 비범 한 우아함과 풍부함으로 표시되는 그의 음악으로 부활했습니다.

초기 프랑스 오페라.

초기 이탈리아 오페라처럼 16세기 중반 프랑스 오페라 고대 그리스 연극의 미학을 되살리려는 욕망에서 출발했다. 차이점은 이탈리아 오페라가 노래를 강조한 반면 프랑스 오페라는 당시 프랑스 궁정에서 가장 좋아했던 연극 장르인 발레에서 파생되었다는 점이다. 이탈리아 출신의 유능하고 야심찬 무용가 J. B. Lully(1632-1687)는 프랑스 오페라의 창시자가 되었습니다. 그는 루이 14세의 궁정에서 작곡기법의 기초를 배우는 등 음악교육을 받은 후 궁정작곡가로 임명되었다. 그는 무대에 대한 뛰어난 이해력을 가지고 있었는데, 이는 몰리에르의 여러 희극, 특히 귀족의 상인(1670). 프랑스에 온 오페라단의 성공에 감명을 받은 Lully는 자신의 극단을 만들기로 결정했습니다. Lully의 오페라, 그가 "서정적 비극"(tragédies lyriques)이라고 불렀습니다. , 특히 프랑스 뮤지컬 및 연극 스타일을 보여줍니다. 플롯은 고대 신화 또는 이탈리아 시에서 가져왔으며 엄격하게 정의된 크기의 엄숙한 구절이 있는 대본은 극작가 J. Racine인 Lully의 위대한 동시대의 스타일을 따릅니다. Lully는 사랑과 명성에 대한 긴 토론으로 줄거리의 전개를 산재시키고 프롤로그와 줄거리의 다른 지점-춤, 합창단 및 웅장한 풍경이 있는 장면-에 다양성을 삽입합니다. 작곡가 작품의 진정한 규모는 그의 오페라 제작이 재개되는 오늘날 명확해집니다. 알세스테 (1674), 아티사(1676) 및 아르미데스 (1686).

"체코 오페라"는 슬로바키아의 친러시아와 체코의 친독이라는 두 가지 대조적인 예술 경향을 가리키는 관례적인 용어입니다. 체코 음악계에서 인정받는 인물은 Antonín Dvořák(1841–1904)이지만 그의 오페라 중 하나만이 깊은 파토스로 가득 차 있습니다. 인어-세계 레퍼토리에 자리 잡았습니다. 체코 문화의 수도 프라하에서 오페라계의 주역은 스메타나(Bedřich Smetana, 1824~1884)였다. 물물교환된 신부(1866)은 일반적으로 독일어로 번역되는 레퍼토리에 빠르게 진입했습니다. 코믹하고 복잡하지 않은 음모로 인해이 작품은 Smetana의 유산에서 가장 접근하기 쉬웠지만 그는 역동적 인 "구원의 오페라"라는 두 개의 열렬한 애국 오페라의 저자입니다. 달리보르(1868) 및 그림 서사시 리부샤(1872, 1881년 상연)은 현명한 여왕의 통치 아래 체코인의 통일을 묘사한다.

슬로바키아 학교의 비공식 중심지는 무소르그스키와 드뷔시의 정신으로 음악에서 자연스러운 암송 억양을 재생산하는 또 다른 열렬한 지지자인 레오 야나체크(Leos Janacek, 1854–1928)가 살면서 일했던 브르노(Brno) 시였습니다. Janacek의 일기에는 말과 자연스러운 소리 리듬에 대한 많은 음표가 포함되어 있습니다. 오페라 장르에서 초기에 여러 번 성공하지 못한 경험을 한 후 Janáček은 처음으로 오페라에서 모라비아 농민의 삶에서 놀라운 비극으로 눈을 돌렸습니다. 에누파(1904, 작곡가의 가장 인기있는 오페라). 후속 오페라에서 그는 가족의 억압에 대한 항의로 불법적 인 연애에 들어가는 젊은 여성의 드라마 ( 카티아 카바노바, 1921), 자연의 생명( 교활한 살구, 1924), 초자연적 사건( Makropulos 치료법, 1926) 및 그가 고된 노동에 보낸 세월에 대한 도스토옙스키의 설명( 하우스 오브 더 데드의 노트, 1930).

Janacek은 프라하에서의 성공을 꿈꿨지만 그의 "깨달은"동료들은 작곡가의 생애 동안과 사후에 그의 오페라를 경멸했습니다. Mussorgsky를 편집한 Rimsky-Korsakov와 마찬가지로 Janáček의 동료들은 그의 악보가 어떻게 들려야 하는지 저자보다 더 잘 알고 있다고 생각했습니다. Janáček의 국제적인 인정은 나중에 John Tyrrell과 호주 지휘자 Charles Mackeras의 복원 노력의 결과로 이루어졌습니다.

20세기의 오페라

제 1 차 세계 대전은 낭만주의 시대를 종식 시켰습니다. 낭만주의 고유의 감정의 숭고함은 전쟁 시대의 격변에서 살아남을 수 없었습니다. 기존 오페라 형식도 쇠퇴하고 있었고 불확실성과 실험의 시대였습니다. 중세 시대에 대한 갈망은 특별한 힘으로 표현되었습니다. 파르지팔그리고 펠레아스, 다음과 같은 작품에서 마지막 번쩍임 세 왕의 사랑(1913) 이탈로 몬테메치(1875–1952), 에케부 기사단(1925) 리카르도 잔도나이(1883–1944), 세미라마(1910) 및 불꽃(1934) 오토리노 레스피기(1879-1936). Franz Schrekker(1878–1933; 먼 소리, 1912; 낙인찍힌, 1918), 알렉산더 폰 젬린스키(1871–1942; 피렌체의 비극;난쟁이– 1922) 및 Erik Wolfgang Korngold(1897–1957; 죽은 도시, 1920; 헬리아나의 기적, 1927)은 영적 사상이나 병리학적 심령 현상의 예술적 탐구를 위해 중세 모티프를 사용했습니다.

Richard Strauss가 선택한 Wagner 유산은 소위에게 전달되었습니다. 새로운 비엔나 학파, 특히 A. Schoenberg(1874–1951)와 A. Berg(1885–1935)의 오페라는 일종의 반낭만적 반응입니다. 특히 고조파, 선택 "폭력적인"장면에서. 베르크의 첫 번째 오페라 보체크(1925) - 불행하고 억압받는 군인의 이야기 - 매우 복잡하고 고도로 지적인 형식에도 불구하고 눈을 뗄 수 없을 정도로 강력한 드라마입니다. 작곡가의 두 번째 오페라, 룰루(1937, 작가 F. Tserhoy의 죽음 이후 완성)는 냉담한 여성에 대한 표현력이 풍부한 뮤지컬 드라마입니다. 일련의 작고 예리한 심리적 오페라 이후 가장 유명한 것은 기대(1909), Schoenberg는 평생을 음모 작업에 바쳤습니다. 모세와 아론(1954, 오페라는 미완성 상태로 남아 있음)-말이 묶인 예언자 모세와 이스라엘 사람들이 금 송아지에게 절하도록 유혹 한 웅변가 아론 사이의 갈등에 대한 성경 이야기를 바탕으로합니다. 구성의 극도의 복잡성뿐만 아니라 모든 연극 검열을 격분시킬 수있는 난교, 파괴 및 인간 희생 장면은 오페라 하우스에서의 인기를 방해합니다.

바그너의 영향으로 여러 국립 학교의 작곡가들이 등장하기 시작했습니다. 따라서 Debussy의 상징주의는 헝가리 작곡가 B. Bartok(1881–1945)이 그의 심리적 우화를 만드는 원동력이 되었습니다. 듀크 블루비어드의 성(1918); 오페라에서 또 다른 헝가리 작가 Z. Kodály 하리 야노스(1926)은 민속 자료로 전환했습니다. 베를린에서 F. Busoni는 오페라의 오래된 음모를 다시 생각했습니다. 할리퀸(1917) 및 파우스트 박사(1928, 미완성으로 남아 있음). 언급된 모든 작품에서 바그너와 그의 추종자들의 만연한 교향곡은 모노디가 우세할 정도로 훨씬 더 간결한 스타일로 자리를 내줍니다. 그러나이 세대 작곡가의 오페라 유산은 상대적으로 적고, 이러한 상황은 미완성 작품 목록과 함께 표현주의 시대와 임박한 파시즘 시대에 오페라 장르가 겪었던 어려움을 증언합니다.

동시에 전쟁으로 황폐해진 유럽에서 새로운 흐름이 나타나기 시작했습니다. G. Puccini의 작은 걸작에서 이탈리아 코믹 오페라가 마지막 탈출구를 내놓았습니다. 잔니 스키키(1918). 그러나 파리에서 M. Ravel은 희미해지는 횃불을 들고 자신만의 멋진 작품을 만들었습니다. 스페인어 시간(1911) 그리고 나서 아이와 마법(1925, 콜레의 대본으로). 스페인에 오페라 등장 - 짧은 인생(1913) 및 마에스트로 페드로 부스(1923) 마누엘 드 팔라.

영국에서 오페라는 수세기 만에 처음으로 진정한 부흥을 경험했습니다. 가장 초기의 표본 불멸의 시간(1914) Rutland Baughton(1878–1960) 켈트 ​​신화를 주제로, 배신자(1906) 및 뱃사공의 아내(1916) 에델 스미스(1858~1944). 첫 번째는 목가적인 사랑 이야기이고 두 번째는 가난한 영국 해안 마을에 집을 짓는 해적에 관한 것입니다. Smith의 오페라는 Frederic Delius(1862–1934)의 오페라와 마찬가지로 유럽에서도 어느 정도 인기를 누렸습니다. 로미오와 줄리엣 마을(1907). 그러나 Delius는 본질적으로 갈등 드라마투르기(텍스트와 음악 모두)를 구현할 수 없었기 때문에 그의 정적인 뮤지컬 드라마는 거의 무대에 나타나지 않았습니다.

영국 작곡가들의 화끈한 문제는 경쟁적인 플롯을 찾는 것이었다. 사비트리 Gustav Holst는 인도 서사시의 에피소드 중 하나를 기반으로 작성되었습니다. 마하바라타(1916) 및 휴 더 드로버 R. Vaughan-Williams (1924)는 민요가 풍부한 목가적입니다. Vaughan Williams의 오페라에서도 마찬가지입니다. 사랑에 빠진 존 경셰익스피어에 따르면 팔스타프.

B. Britten(1913–1976)은 영국 오페라를 새로운 차원으로 끌어올리는 데 성공했습니다. 그의 첫 번째 오페라는 성공을 거두었다. 피터 그라임스(1945)-중심 인물이 신비한 경험에 사로 잡힌 사람들에게 거부당한 어부 인 해변에서 일어나는 드라마. 코미디 풍자의 출처 앨버트 청어(1947)은 모파상의 단편소설이 되었고, 빌리 버드선과 악을 다룬 멜빌의 알레고리적 이야기가 사용된다(역사적 배경은 나폴레옹 전쟁 시대이다). 이 오페라는 일반적으로 Britten의 걸작으로 인정되지만 나중에 "그랜드 오페라"장르에서 성공적으로 작업했습니다. 예는 다음과 같습니다. 글로리아나(1951), 엘리자베스 1세 통치의 난기류 사건에 대해 이야기하고, 여름밤의 꿈(1960; 셰익스피어의 대본은 작곡가의 가장 친한 친구이자 공동 작업자인 가수 P. Pierce가 만들었습니다.) 1960년대에 브리튼은 우화 오페라에 많은 관심을 기울였다. 우드콕 강 – 1964, 동굴 액션 – 1966, 탕자- 1968); 그는 또한 텔레비전 오페라를 만들었습니다. 오웬 윙그레이브(1971) 및 실내 오페라 스크류 턴그리고 루크레시아의 모독. 작곡가의 오페라 작품의 절정은 이 장르의 마지막 작품이었습니다. 베니스에서의 죽음(1973), 탁월한 독창성이 위대한 성실성과 결합된 곳.

Britten의 오페라 유산은 너무나 중요해서 Peter Maxwell Davies의 오페라(b. 1934)의 유명한 성공은 언급할 가치가 있지만 다음 세대의 영국 작가 중 소수만이 그 그림자에서 벗어날 수 있었습니다. 선술집 주인(1972) 및 Harrison Birtwistle(b. 1934)의 오페라 가반(1991). 다른 나라의 작곡가에 관해서는 다음과 같은 작품을 주목할 수 있습니다. 아니아라(1951) Swede Karl-Birger Blomdahl(1916–1968) 작, 행성 간 우주선에서 액션이 발생하고 전자 사운드 또는 오페라 사이클을 사용함 빛이 있으라(1978–1979) 독일 Karlheinz Stockhausen(주기는 자막이 있음) 창조의 7일일주일 이내에 완료될 것으로 예상됩니다). 그러나 물론 그러한 혁신은 한순간입니다. 독일 작곡가 칼 오르프(1895-1982)의 오페라가 더 중요합니다. 안티고네(1949)는 금욕적인 반주(주로 타악기)를 배경으로 리드미컬한 낭송을 사용하는 고대 그리스 비극을 모델로 삼았다. 뛰어난 프랑스 작곡가 F. Poulenc(1899–1963)는 유머러스한 오페라로 시작했습니다. 티레시아의 가슴(1947), 그런 다음 자연스러운 음성 억양과 리듬을 최전선에 두는 미학으로 전환했습니다. 그의 최고의 오페라 두 편이 이런 맥락에서 쓰여졌다. 인성장 콕토(Jean Cocteau, 1959; 여주인공의 전화 통화처럼 만들어진 대본)와 오페라 가르멜회의 대화, 프랑스 혁명 동안 가톨릭 수녀들의 고통을 묘사합니다. Poulenc의 하모니는 믿을 수 없을 정도로 단순하면서도 동시에 감정을 표현합니다. Poulenc 작품의 국제적 인기는 또한 그의 오페라가 가능할 때마다 현지 언어로 공연되어야 한다는 작곡가의 요구에 의해 촉진되었습니다.

I.F. Stravinsky(1882-1971)는 다양한 스타일의 마술사처럼 저글링을 하며 인상적인 수의 오페라를 만들었습니다. 그들 중 - 디아길레프의 기업가 낭만주의를 위해 작성 나이팅게일 H.H. Andersen(1914)의 동화를 바탕으로 한 Mozartian 갈퀴의 모험 Hogarth (1951)의 판화와 골동품 프리즈를 연상시키는 정적을 기반으로 함 오이디푸스 렉스(1927), 극장과 콘서트 무대를 위해 똑같이 의도되었습니다. 독일 바이마르 공화국에서 K. Weil(1900–1950)과 B. Brecht(1898–1950)는 거지의 오페라 John Gay는 더욱 인기 있는 쓰리페니 오페라(1928), 날카롭게 풍자적인 음모로 지금은 잊혀진 오페라 작곡 마하고니 시의 흥망성쇠(1930). 나치의 부상으로 이 유익한 협력에 종지부를 찍게 되었고, 미국으로 이주한 베일은 미국 음악 장르에서 활동하기 시작했습니다.

아르헨티나의 작곡가 알베르토 히나스테라(1916~1983)는 1960년대와 1970년대에 표현주의적이고 노골적으로 에로틱한 오페라가 등장하면서 큰 인기를 끌었습니다. 돈 로드리고 (1964), 보마르조(1967) 및 베아트리체 센시(1971). 독일인 Hans Werner Henze(b. 1926)는 1951년 그의 오페라가 대로 외로움 Manon Lescaut의 이야기를 기반으로 한 Greta Weill의 대본; 작품의 음악적 언어는 재즈, 블루스 및 12음 기법을 결합합니다. Henze의 후속 오페라는 다음과 같습니다. 젊은 연인들을 위한 엘레지(1961; 액션은 눈 덮인 알프스에서 발생하며 악보는 실로폰, 비브라폰, 하프 및 첼레스타 소리에 의해 지배됨), 영주, 블랙 유머로 촬영(1965), 바사리과(1966; 의해 박채 Euripides, C. Cullman과 W. H. Auden의 영문 대본), 반군사주의자 우리는 강에 올 것이다(1976), 어린이 동화 오페라 폴리치노그리고 배신당한 바다(1990). 영국에서 Michael Tippett(1905–1998)은 오페라 장르에서 일했습니다. ) : 한여름밤의 결혼식(1955), 정원 미로 (1970), 얼음이 깨졌다(1977) 및 SF 오페라 새해(1989) - 모두 작곡가의 대본으로. 아방가르드 영국 작곡가 Peter Maxwell Davies는 앞서 언급한 오페라의 저자입니다. 선술집 주인(1972; 16세기 작곡가 John Taverner의 생애에 대한 줄거리) 및 부활 (1987).

주목할만한 오페라 가수

Björling, Jussi (요한 조나단)(Björling, Jussi) (1911–1960), 스웨덴 가수(테너). 그는 스톡홀름 왕립오페라학교에서 공부했고 1930년 그곳에서 단역으로 데뷔했다. 마농 레스코. 한 달 후, Ottavio는 노래를 불렀습니다. 돈환. 전쟁 기간을 제외하고 1938년부터 1960년까지 그는 메트로폴리탄 오페라에서 노래했으며 특히 이탈리아와 프랑스 레퍼토리에서 성공을 거두었습니다.
갈리-쿠르시 아멜리타 .
고비, 티토(Gobbi, Tito) (1915-1984), 이탈리아 가수(바리톤). 그는 로마에서 공부했고 그곳에서 제르몽으로 데뷔했다. 라 트라비아테. 그는 런던과 1950년 이후 뉴욕, 시카고, 샌프란시스코에서 특히 베르디의 오페라에서 많은 공연을 했다. 이탈리아의 주요 극장에서 계속 노래했습니다. Gobbi는 그가 약 500 번을 불렀던 Scarpia 부분의 최고 연주자로 간주됩니다. 그는 오페라 영화에서 여러 번 연기했습니다.
도밍고, 플라시도 .
칼라스, 마리아 .
카루소, 엔리코 .
코렐리, 프랑코- (Corelli, Franco) (b. 1921–2003), 이탈리아 가수(테너). 23세에 그는 Pesaro Conservatory에서 한동안 공부했습니다. 1952년에 그는 피렌체 뮤지컬 5월 페스티벌의 성악 콩쿠르에 참가했는데, 로마 오페라의 감독이 그를 스폴레토 실험 극장에서 시험에 합격하도록 초대했습니다. 곧 그는 Don José의 역할로이 극장에서 공연했습니다. 카르멘. 1954년 라 스칼라 시즌 개막 당시 그는 마리아 칼라스와 함께 노래를 불렀다. 처녀스폰티니. 1961년 만리코로 메트로폴리탄 오페라 데뷔 음유 시인. 그의 가장 유명한 파티 중에는 Cavaradossi가 있습니다. 토스카.
런던, 조지(London, George) (1920-1985), 캐나다 가수 (베이스 바리톤), 실명 George Bernstein. 그는 로스엔젤레스에서 공부했고 1942년 할리우드에 데뷔했다. 1949년 비엔나 오페라에 초청되어 보좌관. 그는 메트로폴리탄 오페라(1951-1966)에서 노래를 불렀고 1951-1959년 바이로이트에서 Amfortas and the Flying Dutchman으로 공연했습니다. 그는 Don Giovanni, Scarpia 및 Boris Godunov의 역할을 훌륭하게 수행했습니다.
밀스, 셰릴 .
닐슨, 비르기트(Nilsson, Birgit) (1918–2005), 스웨덴 가수(소프라노). 그녀는 스톡홀름에서 공부했고 그곳에서 아가사로 데뷔했다. 자유형 사수웨버. 그녀의 국제적인 명성은 1951년 Elektra를 불렀을 때로 거슬러 올라갑니다. 이도메네오 Glyndebourne Festival의 모차르트. 1954/1955 시즌에 그녀는 뮌헨 오페라에서 브룬힐데와 살로메를 불렀습니다. 그녀는 런던 코벤트 가든(1957)에서 브룬힐데(Brunnhilde)로, 메트로폴리탄 오페라(1959)에서는 이졸데(Isolde)로 데뷔했다. 그녀는 또한 다른 역할, 특히 Turandot, Tosca 및 Aida에서도 성공했습니다. 2005년 12월 25일 스톡홀름에서 사망.
파바로티, 루치아노 .
패티, 애들린(Patti, Adelina)(1843-1919), 이탈리아 가수(콜로라투라 소프라노). 그녀는 1859년 뉴욕에서 Lucia di Lammermoor로 데뷔했고, 1861년 런던에서 몽유병자). 그녀는 23년 동안 Covent Garden에서 노래를 불렀습니다. 훌륭한 목소리와 화려한 기술을 가진 Patti는 진정한 벨 칸토 스타일의 마지막 대표자 중 한 명이었지만 음악가로서 그리고 여배우로서 그녀는 훨씬 약했습니다.
프라이스, 레온티나 .
서덜랜드, 조안 .
스키파, 티토(Schipa, Tito) (1888-1965), 이탈리아 가수(테너). 그는 밀라노에서 공부했고 1911년 베르첼리에서 알프레드(Alfred)로 데뷔했다. 라 트라비아타). 밀라노와 로마에서 끊임없이 공연되었습니다. 1920~1932년에 그는 시카고 오페라에서 약혼했고 1925년부터 샌프란시스코와 메트로폴리탄 오페라(1932~1935, 1940~1941)에서 끊임없이 노래를 불렀다. 그는 Don Ottavio, Almaviva, Nemorino, Werther 및 Wilhelm Meister의 역할을 훌륭하게 수행했습니다. 미뇽.
스코토, 레나타(Scotto, Renata) (b. 1935), 이탈리아 가수(소프라노). 그녀는 1954년 나폴리 신극장에서 비올레타로 데뷔했다. 라 트라비아타), 같은 해에 그녀는 La Scala에서 처음으로 노래를 불렀습니다. 그녀는 Gilda, Amina, Norina, Linda de Chamouni, Lucia di Lammermoor, Gilda 및 Violetta와 같은 벨 칸토 레퍼토리를 전문으로 했습니다. 에서 Mimi로 그녀의 미국 데뷔 보헤미아그녀의 레퍼토리에는 Norma, Gioconda, Tosca, Manon Lescaut 및 Francesca da Rimini의 역할도 포함됩니다.
시에피, 체사레(Siepi, Cesare) (b. 1923), 이탈리아 가수(베이스). 1941년 베니스에서 스파라푸칠로로 데뷔 리골레토. 전쟁 후 그는 La Scala 및 기타 이탈리아 오페라 하우스에서 공연을 시작했습니다. 1950년부터 1973년까지 그는 메트로폴리탄 오페라에서 리드 베이스 연주자였으며, 그곳에서 그는 Don Giovanni, Figaro, Boris, Gurnemanz, Philipp 등을 불렀습니다. 돈 카를로스.
테발디, 레나타(Tebaldi, Renata) (b. 1922), 이탈리아 가수(소프라노). 그녀는 파르마에서 공부했고 1944년 로비고에서 엘레나로 데뷔했다. 메피스토펠레스). Toscanini는 La Scala (1946)의 전후 개막식에서 공연하기 위해 Tebaldi를 선택했습니다. 1950년과 1955년 런던에서 공연했으며 1955년 메트로폴리탄 오페라에서 Desdemona로 데뷔했으며 1975년 은퇴할 때까지 이 극장에서 노래를 불렀습니다. 그녀의 최고의 역할 중에는 Tosca, Adriana Lecouvreur, Violetta, Leonora, Aida 및 기타 극적인 Verdi의 오페라에서 역할.
파라, 제랄딘 .
표도르 이바노비치 샬리아핀 .
슈바르츠코프, 엘리자베스(Schwarzkopf, Elisabeth) (b. 1915), 독일 가수(소프라노). 그녀는 베를린에서 사사했으며 1938년 베를린 오페라에서 꽃처녀 중 한 명으로 데뷔했다. 파르지팔바그너. 비엔나 오페라에서 여러 번 공연한 후, 그녀는 주연을 맡아 달라는 요청을 받았습니다. 나중에 그녀는 Covent Garden과 La Scala에서도 노래를 불렀습니다. 1951년 베니스에서 스트라빈스키 오페라 초연 갈퀴의 모험 1953년 라 스칼라에서 안나 역을 불렀고 그녀는 오르프의 무대 칸타타 초연에 참여했습니다. 아프로디테의 승리. 1964년 그녀는 메트로폴리탄 오페라에서 처음으로 공연했습니다. 그녀는 1973년에 오페라 무대를 떠났다.

문학:

마크로바 E.V. 20세기 후반 독일 문화의 오페라 하우스. 1998년 상트페테르부르크
사이먼 G. W. 100개의 위대한 오페라와 그 줄거리. M., 1998



기사의 내용

오페라 코믹,용어의 원래 의미: 1730년대에 발생하여 19세기 초까지 지속된 일련의 국가적 오페라 장르. 미래에 그 용어는 모호성을 잃었습니다. 오늘날 코미디 콘텐츠의 다양한 유형의 뮤지컬 및 엔터테인먼트 공연(farce, buffoonery, vaudeville, operetta, musical 등)과 관련하여 자주 사용됩니다.

장르의 기원과 특징.

코믹 오페라는 17세기에 그 원리를 발전시킨 궁중 오페라 세리아(it.opera seria-serious opera)의 대안으로 오페라 문화가 발달한 나라에서 발전했다. 나폴리 학교 (특히 A. Scarlatti)의 이탈리아 작곡가. 18세기까지 이탈리아 궁정 오페라는 발전의 위기에 접어 들었고 "의상 콘서트"로 변모했습니다. 화려하고 거장 보컬 효과로 가득 차 있지만 정적 인 광경입니다. 반면에 코믹 오페라는 새롭고 젊은 예술 형식의 특징인 유연성이 더 많았고 따라서 더 큰 역동성과 발전 가능성을 가지고 있었습니다. 새로운 연극 장르는 유럽 전역에 널리 퍼졌고 각 나라마다 고유한 다양한 코믹 오페라를 개발했습니다.

그러나 모든 국가적 특성에도 불구하고 코믹 오페라의 일반적인 발전 경로는 비슷했습니다. 그 형성은 계몽주의의 민주적 원칙에 의해 결정되었습니다. 덕분에 만화 오페라에서 음악과 오페라 드라마의 새로운 경향이 생겼습니다. 일상 생활과의 근접성, 포크 멜로디 (보컬 및 댄스 에피소드 모두), 패러디, 원본, "가면", 캐릭터 특성화. 코믹 오페라의 줄거리 구성에서 오페라 세리아의 장르 적 특징으로 남아있는 엄숙한 골동품과 역사적 전설적인 대사는 일관되게 발전하지 못했습니다. 민주주의 경향은 구어체 대화, 암송, 행동의 역동성 등 코믹 오페라의 형식적 특징에서도 볼 수 있습니다.

코믹 오페라의 국가적 다양성.

이탈리아는이 장르가 오페라 부파 (이탈리아 오페라 부파-코믹 오페라)라고 불리는 코믹 오페라의 발상지로 간주됩니다. 그 출처는 17 세기 로마 학교의 코미디 오페라였습니다. 그리고 commedia dell'arte. 처음에는 오페라 세리아의 막 사이에 감정적 해방을 위해 삽입된 재미있는 막간이었습니다. 최초의 부파 오페라는 여주인 하녀 G. B. Pergolesi, 작곡가가 자신의 오페라 세리아의 막간으로 작곡 자랑스러운 죄수(1733). 앞으로 부파 오페라는 독립적으로 공연되기 시작했습니다. 그들은 작은 규모, 적은 수의 등장인물, 어릿광대형 아리아, 보컬 파트의 후두둑, 앙상블의 강화 및 발전(솔로 파트가 기본이고 앙상블과 합창단이 거의 사용되는 오페라 세리아와 반대됨)으로 구별되었습니다. 사용하지 않음). 노래와 춤 민속 장르는 뮤지컬 드라마투르기의 기초가 되었습니다. 나중에 서정적이고 감성적인 특징이 부파 오페라에 침투하여 거친 코미디 델라르테에서 기발한 문제와 C. Gozzi의 플롯 원칙으로 전환했습니다. 오페라 부파의 발전은 작곡가 N. Picchini, G. Paisiello, D. Cimarosa의 이름과 관련이 있습니다.

코믹 오페라의 스페인어 버전 토나딜라(스페인어 tonadilla - 노래, tonada - 노래에서 줄임). 오페라 부파와 마찬가지로 토나디야는 연극 공연을 시작하거나 막 사이에 공연되는 노래와 춤 번호에서 태어났습니다. 나중에 별도의 장르로 형성되었습니다. 최초의 토나딜라 여관 주인과 운전사(작곡가 L. Mison, 1757). 장르의 다른 대표자는 M. Pla, A. Guerrero, A. Esteve i Grimau, B. de Lacerna, J. Valledor입니다. 대부분의 경우 작곡가가 tonadilla의 대본을 직접 썼습니다.

프랑스에서는 장르가 이름으로 발전했습니다. 오페라 코미크(fr.-코믹 오페라). 그것은 "그랜드 오페라"의 풍자 패러디에서 시작되었습니다. 이탈리아의 발전 방식과 달리 프랑스에서는 처음에 극작가가 장르를 형성했으며, 이로 인해 음악적 숫자와 구어체 대화가 결합되었습니다. 따라서 J.J. Rousseau는 프랑스 최초의 오페라 코미크( 마을 마법사, 1752). 오페라 코미크의 음악 극작술은 작곡가 E. Duny, F. Philidor의 작업에서 발전했습니다. 혁명 이전 시대에 오페라 코미크는 진지한 감정과 시사적 내용으로 가득 찬 낭만적 인 성향을 얻었습니다 (작곡가 P. Monsigny, A. Gretry).

영국에서는 전국적인 코믹 오페라를 발라드 오페라라고 부르며 주로 사회 풍자 장르에서 발전했습니다. 클래식 패턴 - 거지들의 오페라(1728) 작곡가 J. Pepush와 극작가 J. Gay는 영국 귀족 관습의 재치있는 패러디가되었습니다. 발라드 오페라 장르에서 활동한 다른 영국 작곡가들 중에서 가장 유명한 사람은 Ch. .

독일과 오스트리아의 다양한 코믹 오페라는 같은 이름을 가졌습니다. 노래방(독일 Singspiel, singen에서 노래하고 Spiel에서 게임으로). 그러나 독일과 오스트리아의 징슈필에는 고유한 특성이 있었습니다. 독일에서는 영국 발라드 오페라의 영향으로 장르가 형성되었다면 오스트리아에서는 이탈리아의 코메디아 델라르테와 프랑스의 오페라 코미크의 영향을 받았다. 이것은 18세기에 오스트리아의 수도가 된 오스트리아의 수도 비엔나의 문화적 독창성 때문입니다. 다른 민족의 음악 예술이 종합되는 국제 센터. 오스트리아의 징슈필은 독일의 것과 달리 2행 및 발라드 번호와 함께 아리아, 앙상블, 잘 발달된 피날레와 같은 대규모 오페라 형식을 포함합니다. 오케스트라 파트는 또한 오스트리아 징슈필에서 더 발전했습니다. Singspiel의 가장 유명한 작곡가는 J. Shtandfuss, J. A. Giller, V. Müller, K. Dietersdorf 등입니다.

장르 변환.

18세기 말까지 "순수한"형태의 코믹 오페라 국가 장르의 발전이 쇠퇴하기 시작했습니다. 그러나 이를 바탕으로 여러 유형의 음악 및 엔터테인먼트 예술의 새로운 원칙이 한 번에 형성되었습니다. 그리고 여기서 주역은 다시 비엔나 음악 학교에 속합니다.

한편으로는 일반적으로 코믹 오페라, 특히 징슈필은 W. A. ​​모차르트가 큰 역할을 하는 클래식 오페라 예술의 개혁에 기여했습니다. 이전 음악 형식의 내부 갱신 및 합성 경로를 따라 모차르트는 자신의 오페라 개념을 만들어 징슈필과 오페라 부파의 다소 단순한 구성을 풍부하게 하고 심리적 설득력과 현실적인 동기를 도입하고 뮤지컬로 보완했습니다. 진지한 오페라의 형식. 그래서, 피가로의 결혼식(1786)은 오페라 부파의 형식과 사실적인 내용을 유기적으로 결합합니다. 돈환(1787)은 코미디와 실제 비극적 사운드를 결합합니다. 마법의 피리(1791)은 화려한 노래, 코랄, 푸가 등 고전적인 징슈필에 다양한 음악 장르를 포함합니다.

Mozart와 병행하여 오스트리아의 동일한 원칙에 따라 J. Haydn은 오페라의 혁신적인 개정을 수행했습니다. 진정한 불변성, 1776; 달의 세계, 1977; 철학자의 영혼, 1791). 징슈필의 메아리는 L. 반 베토벤의 유일한 오페라에서 분명하게 들립니다. 피델리오 (1805).

Mozart와 Haydn의 전통은 이탈리아 작곡가 G.A. Rossini (에서 결혼 약속 어음, 1810년 이전 세비야의 이발사, 1816, 및 신데렐라, 1817).

코믹 오페라 발전의 또 다른 지점은 비엔나 고전 오페레타 학교의 출현 및 형성과 관련이 있습니다. 18세기라면 다양한 종류의 코믹 오페라는 종종 오페레타(이탈리아 오페레타, 프랑스 오페레트, 조명. - 작은 오페라)라고 불렸으며, 그 후 19세기에 이르렀습니다. 별도의 독립 장르가되었습니다. 그 원칙은 작곡가 J. Offenbach에 의해 프랑스에서 형성되었으며 그의 Bouffe-Parisien 극장에서 형성되었습니다.

비엔나 클래식 오페레타는 주로 I. Strauss(아들)의 이름과 관련이 있습니다. 그는 이미 수많은 클래식 왈츠의 세계적으로 유명한 작가였을 때 인생의 50년에 늦게 이 장르에 왔습니다. 슈트라우스의 오페레타는 선율의 풍부함과 다양한 음악 형식, 절묘한 오케스트레이션, 댄스 에피소드의 상세한 교향곡 모티프, 오스트리아-헝가리 민속 음악에 대한 꾸준한 의존이 특징입니다. 이 모든 것에서 의심 할 여지없이 코믹 오페라의 전통을 읽습니다. 그러나 오페레타를 장르로 발전시키는 과정에서 음악과 공연(오케스트라와 성악-안무 모두) 기술에 중점을 두었습니다. 영국 발라드 오페라와 프랑스 오페라 코미크에서 성공적으로 발전한 드라마투르기의 텍스트 라인은 사라지고 원시적인 극적 기술인 리브레토로 전락했습니다. 이와 관련하여 Strauss가 쓴 16 개의 오페레타 중 3 개만이 이후 극장의 레퍼토리에서 살아 남았습니다. 박쥐, 베니스의 밤그리고 집시 남작. 가벼운 엔터테인먼트 장르에 대한 오페레타의 전통적인 속성도 연결되는 것은 도식 대본과 함께입니다.

종합적인 뮤지컬과 장엄한 연극에 깊이와 볼륨을 되돌리려는 열망은 음악 장르의 추가 형성과 발전을 가져왔고, 텍스트, 조형, 음악 드라마투르기 중 어느 하나의 지배적인 압력 없이 불가분의 통일성으로 존재합니다.

러시아의 코믹 오페라.

18세기 마지막 3분의 1까지 러시아 뮤지컬 극장의 발전. 서유럽 미술을 기반으로 했다. 특히 이것은 "외국인"예술가에 대한 Catherine II의 특별한 성향에 의해 촉진되었습니다. 이때까지 러시아 드라마 극장에서 국내 극작가 A. Sumarokov, M. Kheraskov, Y. Knyaznin, D. Fonvizin 등의 이름이 이미 잘 알려져 있다면 발레와 오페라단의 공연은 작품에만 기반을 두었습니다. 외국 작가들의 연극 "국가"를 담당했던 Catherine II 내각 장관 Ivan Elagin은 러시아 아마추어 및 전문 그룹과 함께 프랑스 오페라 코미크와 이탈리아 오페라 부파를 궁정 극장 ​​투어에 초대했습니다. 이것은 주로 Catherine II의 영향력있는 예절 (Prince Potemkin, Count Bezborodko 등)의 연극 외 이익 때문이었습니다. 당시에는 외국 여배우와 관계를 갖는 것이 좋은 형식으로 간주되었습니다.

이러한 배경에서 러시아 오페라 학교와 세속 작곡가 학교의 형성은 국가 희극 오페라의 형성으로 시작되었습니다. 이 경로는 매우 자연스러운 것입니다. 근본적으로 민주적 성격으로 인해 국가 자의식을 표현할 수있는 최대 기회를 제공하는 것은 코믹 오페라입니다.

러시아에서 코믹 오페라의 창작은 작곡가 V. Pashkevich의 이름과 관련이 있습니다. 마차의 문제, 1779; 적은, 1782), E. 포미나( 준비 중인 코치맨, 또는 우연한 게임, 1787; 미국인, 1788), M. Matinsky( 상트페테르부르크 고스티니 드보르, 1782). 음악은 러시아 노래의 멜로디를 기반으로했습니다. 무대 해석은 암송과 선율 노래의 자유로운 교대, 민속 캐릭터와 일상 생활의 생생하고 사실적인 발전, 사회 풍자 요소가 특징입니다. 가장 대중적인 코믹 오페라 Melnik - 마법사, 사기꾼 및 중매인극작가 A. Ablesimov (작곡가-M. Sokolovsky, 1779; 1792 년부터 E. Fomin의 음악에 맞춰 연주 됨)의 대본에. 나중에 러시아 코믹 오페라(및 유럽 품종)에 서정적이고 낭만적인 모티프가 추가되었습니다(작곡가 K. Kavos - 이반 수잔인,니키티치,불새등; A. 베르스토프스키 - 판 트바르도프스키,아스콜드의 무덤등).

러시아 코믹 오페라는 19세기에 형성의 시작을 알렸다. 국립 뮤지컬 및 엔터테인먼트 극장의 두 방향. 첫 번째는 M. Glinka, A. Dargomyzhsky, M. Mussorgsky, A. Borodin, N. Rimsky-Korsakov, P. Tchaikovsky 등의 재능으로 인해 개발이 급속히 급증한 고전 러시아 오페라입니다. 그러나이 음악 예술 분야에는 원래 장르의 특징 인 포크 멜로디와 개별 코미디 에피소드에 대한 의존도가 감소했습니다. 전반적으로 러시아 오페라는 오페라 클래식의 일반적인 세계 전통에 유기적으로 진입했습니다.

두 번째 방향은 코미디의 특정 기능을 더 명확하게 보존했습니다. 이것은 재미있는 음모를 바탕으로 한 대화와 재미있는 행동이 음악, 구절 및 춤과 결합된 러시아 보드빌입니다. 어떤 의미에서 러시아 보드빌은 유럽 오페레타의 일종의 "가벼운 장르"라고 할 수 있지만 고유 한 특징이 있습니다. 보드빌의 극적 기반은 대본이 아니라 잘 짜여진 희곡이다. vaudeville의 러시아 최초 작가 중 한 명은 A. Griboyedov ( 자신의 가족 또는 결혼한 신부, A. Shakhovsky 및 N. Khmelnitsky와 공동으로 1817; 누가 형제인가, 누가 자매인가, 속고 속이고, P. Vyazemsky와 공동 작업, 1923). A. Pisarev는 보드빌 장르에서 일했으며 나중에 F. Koni, D. Lensky (그의 보드빌 레프 구리치 시니치킨현재까지 상연됨), V. Sollogub, P. Karatygin 등 따라서 러시아 보드빌의 기초는 음악이 아니라 문학 극작술이며 음악은 삽입 된 대련에서 보조 역할을합니다. 19세기 후반 A. Chekhov는 보드빌 개발에 기여했습니다. 곰,권하다,기념일,혼례등), 장르의 정적인 틀에서 벗어나 캐릭터의 캐릭터를 풍성하게 한다.

20세기 초 러시아에서는 오페레타의 전통과 캐릭터의 세밀한 심리 발달의 결합을 바탕으로 코믹 오페라 장르를 발전시키려는 시도가 모스크바 예술극장을 포함하여 20세기 초 러시아에서 이루어졌다. . 그래서 V. Nemirovich-Danchenko는 1919년 뮤지컬 스튜디오(코믹 오페라)를 만들고 배우들과 함께 모스크바 예술 극장을 상연했습니다. 앙고의 딸르꼬끄와 페리콜 Offenbach, "멜로 드라마 광"으로 결정되었습니다. 20년대 초반, 네미로비치-단첸코가 이곳에서 코믹 오페라를 상연했습니다. 리시스트라타아리스토파네스, 1923; 카르멘시타와 군인, 1924.

사회주의 리얼리즘을 예술의 주요 원칙으로 선언한 소비에트 시대에 "오페레타"의 경솔한 장르 정의는 점차 중립적인 "뮤지컬 코미디"로 가려졌습니다. 사실, 이 일반적인 용어의 틀 내에서 고전적인 오페레타에서 고전적인 보드빌에 이르기까지 다양한 종류가 있었습니다. 재즈 접근에서 뮤지컬, Brechtian 종 오페라에 이르기까지; "한심한 코미디"등

뮤지컬 극장에 대한 러시아 드라마 아티스트의 관심은 항상 매우 컸습니다. 그들은 새로운 장르에서 자신을 시도하고 보컬 및 플라스틱 능력을 드러내는 기회에 매료되었습니다. 동시에 합성 음악 장르는 의심 할 여지없이 특히 매력적이었습니다. 전통적인 러시아 연기 학교는 오페레타 또는 보드빌에 너무 의무적이지 않은 심리학을 지속적으로 육성합니다. "철의 장막"이 파괴되고 전 세계 문화 흐름에 익숙해지면서 러시아는 당시 전 세계를 정복했던 합성 장르 뮤지컬 개발의 새로운 기회를 얻었습니다. 그리고 오늘날 세계에서 가장 인기 있는 음악 장르의 역사가 18세기 전반에 시작되었다는 사실을 기억하는 사람은 거의 없습니다. 코믹 오페라에서.

타티아나 샤발리나

오페라는 클래식 음악의 보컬 연극 장르입니다. 배우들도 무대에 둘러싸이고 의상을 입고 연기를 펼치는 가운데 배우들이 말을 하지 않고 노래를 부른다는 점에서 고전 연극극장과 다르다. 액션은 문학 작품 또는 특히 오페라를 기반으로 만들어진 대본이라는 텍스트를 기반으로 합니다.

이탈리아는 오페라 장르의 발상지였습니다. 첫 공연은 1600년 피렌체의 통치자인 메디치가의 딸과 프랑스 왕의 결혼식에서 조직되었습니다.

이 장르에는 여러 종류가 있습니다. 진지한 오페라는 17세기와 18세기에 등장했습니다. 그 특이성은 역사와 신화의 음모에 대한 호소였습니다. 그러한 작품의 줄거리는 감정과 파토스로 강렬하게 포화되었고 아리아는 길고 풍경은 웅장했습니다.

18세기에 관객들은 지나친 화려함에 싫증이 나기 시작했고, 가벼운 코믹 오페라라는 대체 장르가 등장했습니다. 관련된 배우의 수가 적고 아리아에 사용되는 "경솔한"기법이 특징입니다.

같은 세기 말에 진지한 장르와 코믹 장르가 혼합 된 성격을 지닌 세미 진지한 오페라가 탄생했습니다. 이런 맥락에서 쓰여진 작품들은 항상 해피엔딩으로 끝나지만, 그 줄거리 자체는 비극적이고 심각하다.

이탈리아에 등장한 이전 품종과 달리 소위 그랜드 오페라는 19 세기 30 년대 프랑스에서 탄생했습니다. 이 장르의 작품은 주로 역사적 주제에 전념했습니다. 또한 5막의 구조가 특징적이며 그 중 하나가 춤과 풍경이 많다.

오페라 발레는 프랑스 왕실에서 17-18 세기 초에 같은 나라에 나타났습니다. 이 장르의 공연은 일관되지 않은 플롯과 다채로운 제작으로 구별됩니다.

프랑스는 오페레타의 발상지이기도 합니다. 의미가 단순하고 내용이 즐겁고 가벼운 음악과 소수의 배우가 19 세기에 상연되기 시작했습니다.

낭만주의 오페라는 같은 세기 독일에서 시작되었습니다. 장르의 주요 특징은 낭만적인 플롯입니다.

우리 시대에 가장 인기있는 오페라로는 Giuseppe Verdi의 La Traviata, Giacomo Puccini의 La bohème, Georges Bizet의 Carmen 및 P.I의 Eugene Onegin이 있습니다. 차이코프스키.

옵션 2

오페라는 음악, 노래, 공연, 능숙한 연기의 조합을 포함하는 예술 형식입니다. 또한 오페라에서는 풍경이 사용되어 관객에게이 행동이 일어나는 분위기를 전달하기 위해 무대를 장식합니다.

또한 연극 장면에 대한 시청자의 영적 이해를 위해 주인공은 노래하는 배우이며 지휘자가 이끄는 브라스 밴드의 도움을 받는다. 이러한 유형의 창의성은 매우 깊고 다면적이며 이탈리아에서 처음 등장했습니다.

오페라는이 이미지로 우리에게 오기 전에 많은 변화를 겪었습니다. 일부 작품에서는 그가 노래하고시를 썼고 자신의 조건을 지시하는 가수 없이는 아무것도 할 수 없었던 순간이있었습니다.

그러던 어느 순간 아무도 문자를 듣지 않고 모든 청중이 노래하는 배우와 아름다운 의상만 바라보는 순간이 왔다. 그리고 세 번째 단계에서 우리는 현대 사회에서 보고 듣는 데 익숙한 종류의 오페라를 얻었습니다.

그리고 이제서야 우리는 이 작업의 주요 우선 순위를 골라냈지만 음악이 먼저 나오고 그다음에 배우의 아리아가 나오고 그다음에 텍스트가 나옵니다. 결국, 아리아의 도움으로 연극의 영웅들의 이야기가 전해집니다. 따라서 배우들의 메인 아리아는 드라마투르기의 독백과 같다.

하지만 아리아 중에는 이 독백에 해당하는 음악도 들려서 무대에서 펼쳐지는 전체 동작을 더 생생하게 느낄 수 있습니다. 이러한 행동 외에도 음악과 결합 된 시끄럽고 성실한 진술로 완전히 구성된 오페라도 있습니다. 이러한 독백을 암송이라고합니다.

아리아와 암송 외에도 오페라에는 합창단이 있으며 많은 활성 라인이 전송됩니다. 오페라에는 오케스트라도 있는데, 오케스트라가 없었다면 지금의 오페라는 없었을 것입니다.

실제로 오케스트라 덕분에 해당 음악이 들리고 추가적인 분위기를 조성하고 연극의 전체 의미를 드러내는 데 도움이됩니다. 이러한 유형의 예술은 16세기 말에 시작되었습니다. 오페라는 고대 그리스 신화가 처음으로 상연된 피렌체에서 이탈리아에서 시작되었습니다.

형성되는 순간부터 주로 신화적인 플롯이 오페라에 사용되었으며 이제 레퍼토리는 매우 광범위하고 다양합니다. 19세기에 이 예술은 특수 학교에서 가르치기 시작했습니다. 이 훈련 덕분에 세계는 많은 유명한 사람들을 보았습니다.

오페라는 전 세계 모든 국가의 문학에서 가져온 다양한 드라마, 소설, 단편 소설 및 연극을 기반으로 작성되었습니다. 뮤지컬 대본이 작성된 후 지휘자, 오케스트라, 합창단이 연구합니다. 그리고 배우들은 텍스트를 가르친 다음 풍경을 준비하고 리허설을 진행합니다.

그리고 지금은 이 모든 사람들의 작업 끝에 많은 사람들이 보러 오는 오페라 공연이 탄생했습니다.

• Vasily Zhukovsky - 메시지 보고서

  감상주의와 낭만주의의 방향에서 18 세기의 유명한 시인 중 한 명인 Vasily Andreevich Zhukovsky는 당시 꽤 인기가있었습니다.

  현재 지구의 생태를 보존하는 문제는 특히 심각합니다. 기술 진보, 지구 인구의 증가, 끊임없는 전쟁과 산업 혁명, 자연의 변화와 에큐멘의 확장