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스페인 르네상스 예술가. 스페인의 르네상스

소위 전성기 르네상스라고 불리는 스페인 르네상스 발전의 새로운 단계는 16세기 후반부터 17세기 초까지 거슬러 올라갑니다. 필립 2세(1527-1598)는 반종교개혁(1545년부터)의 엄격한 원칙에 따라 진보적 사상가들을 박해하는 동시에 문화 발전을 장려하고 에스코리알에 도서관을 설립하고 많은 대학을 지원했습니다. 철학과 저널리즘으로 자신을 표현할 기회를 박탈당한 창의적이고 생각하는 사람들은 예술로 전환하여 16-17 세기 후반에 살아 남았습니다. 전대미문의 번영, 이 시대를 "황금 시대"라고 불렀습니다. 일부 시인과 작가의 인본주의에 대한 세속적 사상은 종교적 동기와 얽혀 있습니다.

16세기 후반 17세기 30년대까지. 시가 우세합니다-서정적이고 서사적입니다. 또한 목가적 소설이 유행했고 사실주의 소설과 드라마가 탄생했다. 스페인 서정시에는 세비야와 살라망카라는 두 개의 상반된 시파가 있었습니다. Fernando de Herrera (1534-1597)와 Seville 학교의 다른 시인들은 민사 동기가 종종 들리고 들리는 소박하고 관능적 인 사랑 가사를 선호했습니다.

살라망카 학교의 수장에는 "신비주의자"시의 창시자 인 아우구스티누스 수도사이자 신학 교수 인 Luis de Leon (1527-1591)이있었습니다. 가톨릭 교회와 달리 신비주의자들은 하나님을 아는 개별적인 방법을 옹호하여 그분과 합체했습니다. 이러한 경향의 가장 두드러진 대표자는 Saint Teresa de Jesus로 알려진 Teresa de Cepeda y Aumada(1515-1582)와 Carmelite 교단에 속한 Juan de la Cruz(1542-1591)입니다. 라틴어, 포르투갈어 및 스페인어로 저술한 Dominican Luis de Granada(1504-1588)도 "신비주의자"에 합류했습니다.

높은 수준으로 여겨졌던 고대 시에 대한 동경은 호메로스와 베르길리우스의 서사시의 정신으로 작품을 창작하고자 하는 욕구를 불러일으켰다. 가장 성공적인 시도는 Araucan을 쓴 Alonso de Ercilla i Zúñiga(1533-1594)에 의해 이루어졌습니다.

16세기 후반 목가 소설의 번성으로 표시됩니다. 스페인 장르의 조상은 포르투갈인 Jorge de Montemayor(c. 1520-1561)로 The Seven Books of Diana(1559)를 저술했으며, 그 뒤를 이어 Gaspar Gil Polo의 Diana in Love(1564)와 같은 많은 속편이 이어졌습니다. (1585), Cervantes의 Galatea (1585), Lope de Vega의 Arcadius (1598).

동시에 Ginés Perez de Ita의 Abenserrach의 익명의 역사와 아름다운 Kharifa 및 Granada의 남북 전쟁 (파트 I-1595, 파트 II-1604)과 같은 무어 인의 삶에 전념하는 "무어"소설이 등장했습니다. 다양한 문학 장르에서 자신을 증명한 Miguel de Cervantes Saavedra(1547-1616)의 작품 덕분에 스페인 문학은 세계적인 명성을 얻었습니다. 그의 불멸의 작품-당시 기사도 소설의 패러디로 생각 된 라만차의 교활한 히달고 돈키호테 소설은 세계 문학에서 가장 눈에 띄는 기념물 중 하나가되었습니다.

이 시대에 스페인 국민극의 형성이 완성된다. 그 특징은 Lope F. de Vega Carpio(1562-1635)의 작업에서 가장 완벽하게 구체화되었습니다. 드라마투르기 분야의 혁신가 로페 데 베가의 세계관은 인본주의와 가부장적 사상을 결합했다. 그는 The New Art of Composing Comedies in Our Time(1609)라는 논문에서 드라마에 대한 자신의 견해를 설명했습니다. 17 세기의 고전주의를 예견하는 그의 작품에서 명예 드라마의 창시자 인 Lope de Vega가 등장합니다. 사람에 대한 명예가 열정보다 더 중요하기 때문에 사람의 자유 부족에 대한 생각. 그의 코미디는 조건부로 "궁정 코미디", "망토와 칼 코미디", "나쁜 도덕 코미디"의 세 그룹으로 나눌 수 있습니다. 그는 Guillen de Castro y Belvis(1569-1631), Antonio Mira de Amescua(1574-1644), Luis Vélez de Guevara(1579-1644)와 같은 극작가들에게 영향을 미쳤습니다.

17세기 초. 스페인은 세계 강국의 지위를 유지했지만, 식민지 미국으로부터 막대한 금이 유입되었음에도 불구하고 경제 상황은 급격히 악화되었습니다. 종종 바로크 시대의 특별한 시기로 확인되는 르네상스의 마지막 단계에서 국가에서 일어나고 있는 일을 인간의 악한 성향의 결과로 해석하는 경향이 널리 퍼졌습니다. 탈출구는 마음에 호소하여 사람이 신에게가는 길을 찾도록 돕고 인간 본성과 마음, 아름다움과 추함 사이의 대조에 특별한주의를 기울이는 문학에도 반영되었습니다. 일시적이고 실질적으로 접근할 수 없는 것으로 인식되었습니다.

당시 가장 위대한 시인 Luis de Gongora y Argote(1561-1627)의 이름을 따서 명명된 "곤고리즘"과 "생각"을 의미하는 concepto라는 단어에서 유래한 "개념주의"라는 두 가지 스타일이 시를 지배했습니다. "Gongorism"은 또한 culto ( "cultivated")라는 단어에서 "culteranism"이라고도 불립니다. 이 스타일은 선택되고 교육받은 청중을 위해 설계 되었기 때문입니다. 곤고라는 세속적인 시인으로 그의 작품에서 민중을 모티브로 하여 민중시 장르(로망스, 레트릴라)에 대한 호소력과 절묘한 예술적 기교를 결합하였다. "Conceptism"은 "gongorism"에 반대하는 Spiritual Thoughts (1600) 시집을 출판 한 A. de Ledesma의 창시자입니다. 동시에 "공고주의"에서와 같이 "개념주의"에서 형태, 복잡한 개념의 생성, 말장난, 재치에 많은 관심을 기울였습니다.

"개념주의"의 대표자 중 한 명인 Quevedo는 다양한 장르에서 시도했지만 이 스타일은 그의 풍자적 에세이인 Dreams(1606-1622)에서 가장 크게 발전했습니다. 뛰어난 철학자, 도덕 주의자 및 작가는 가명으로 말하는 예수회 회원 인 Baltasar Gracian y Morales (1601-1658)였습니다. Wit 또는 The Art of the Sophisticated Mind(1648)에서 그는 개념주의의 원칙을 공식화합니다.

따라서 스페인 르네상스의 개별 단계는 다른 국가의 해당 르네상스 단계와 일치하지 않았습니다.

- 스페인 미술에서 15세기는 새로운 예술적 세계관이 탄생한 시기를 나타낸다.
- 16세기 첫 10년 동안 전성기 르네상스와 관련된 문체 현상이 발생했지만 여전히 초기 르네상스 전통이 우세한 것으로 판명되었습니다.
- 스페인 문화의 최고 성취시기는 16세기 후반이다. 위대한 세르반테스의 이름을 언급하는 것만으로도 그 시대의 문헌에 구현된 현실의 깊고 다면적인 문제가 무엇인지 상상하는 것으로 충분합니다. 중요한 예술적 업적은 건축과 회화의 특징입니다.

Escorial과 같은 장엄한 앙상블의 건설은 16세기 2분기로 거슬러 올라갑니다. 그 당시 El Greco로 알려진 그리스 예술가 Domenico Theotokopuli는 스페인에서 작업 중이었습니다. 그러나 르네상스 후기의 이탈리아 (특히 베네치아) 거장들과는 달리 르네상스 이전 단계의 예술적 사상과의 연결과 연속성이 명확하게 표현 된 후기 르네상스 시대의 비극적 위기의 특징 르네상스는 스페인 회화에서 더 예리하게 구현되었습니다.

스페인 르네상스의 일반적인 특징.

스페인 르네상스 문학은 스페인의 역사적 발전의 특성으로 설명되는 독창성으로 구별됩니다. 이미 XV 세기 후반에 있습니다. 여기에서 우리는 부르주아지의 부상, 산업과 대외 무역의 성장, 자본주의 관계의 탄생, 봉건적 제도와 봉건적 세계관의 완화를 봅니다. 후자는 특히 당시 가장 발전된 국가 인 이탈리아에서 침투 한 인본주의 적 아이디어에 의해 훼손되었습니다. 그러나 스페인에서는 그 시대의 스페인 역사에 특유한 두 가지 상황으로 인해 다른 국가와 비교할 때이 과정이 매우 특이한 방식으로 진행되었습니다.

첫 번째는 레콘키스타가 진행된 조건과 관련이 있다. 스페인의 개별 지역이 다른 시간과 다른 조건에서 개별적으로 정복되었다는 사실은 각 지역에서 특별법, 관습 및 지역 관습이 개발되었다는 사실로 이어졌습니다. 서로 다른 장소에 있는 정복된 땅에 기반을 둔 농민과 도시는 서로 다른 권리와 자유를 받았다. 다양한 지역과 도시가 끈질기게 보유한 이질적인 지역의 권리와 자유는 그들과 왕권 사이의 끊임없는 갈등의 원인이었습니다. 도시가 봉건 영주와 연합하는 경우도 종종 발생했습니다. 따라서 스페인의 중세 초기가 끝날 무렵에는 왕권과 대 봉건 영주에 대항하는 도시 사이에 그러한 긴밀한 동맹이 형성되지 않았습니다.

XVI 세기 스페인의 역사적 발전의 또 다른 특징. 다음과 같다. 미국에서 금이 엄청나게 유입 된 결과 모든 제품 가격이 급격히 상승했습니다. 이는 모든 유럽 국가에 영향을 미쳤지 만 스페인에서 특히 두드러진 "가격 혁명"이었습니다. 외국 제품을 구매하는 것이 더 수익성이 높아졌기 때문에 16세기 후반의 스페인 산업. 크게 감소. 농업도 쇠퇴했습니다. 부분적으로는 같은 이유로, 부분적으로는 농민의 막대한 파멸과 다양한 특권을 누린 대지주와의 경쟁을 견딜 수 없었던 수많은 소규모 귀족 농민의 빈곤으로 인해 발생했습니다.

스페인 역사의 모든 특징은 16-17세기 스페인 문학의 일반적인 성격을 결정합니다. 스페인 르네상스 문학은 명확하게 두 기간으로 나뉩니다. 1). 초기 르네상스(1475 - 1550) 및 2). 성숙한 르네상스 (1550 - 17 세기의 첫 수십 년).

대부분의 다른 국가에서와 마찬가지로 스페인에서 이 기간이 시작될 때 르네상스 세계관의 특징인 현실에 대한 새롭고 비판적이며 현실적인 접근 방식의 출현이 관찰됩니다. 스페인에는 오래된 편견을 뒤집고 현대 과학 지식의 길을 닦은 뛰어난 과학자와 사상가가 많이 있습니다.

집중적으로 번역 된 로마와 그리스 작가 인 인쇄소가 있습니다. 1508년 알칼라 데 에나레스에 설립된 대학은 인본주의 운동의 중심지가 됩니다. 그럼에도 불구하고 인본주의 사상은 스페인에서 완전한 철학적 발전을 이루지 못했습니다. 궁정과 귀족들 사이에서 그들 자신에 대한 가장 적대적인 태도에 직면하고 부르주아지의 지원을 찾지 못한 그들은 가톨릭 반응에 의해 침묵했습니다.

스페인 르네상스 문학의 인본주의적 사상은 이론적인 글이 아닌 시적 이미지에서 거의 독점적으로 표현됩니다. 같은 이유로 고대 및 이탈리아 디자인의 영향은 전반적으로 예를 들어 프랑스나 영국보다 스페인에서 훨씬 덜 중요했습니다. 같은 방식으로 양식 숭배는 르네상스 스페인 문학의 특징이 아닙니다. 그녀는 중세 스페인 전통으로 거슬러 올라가는 남성 성, 엄격함, 절주, 이미지와 표현의 구체성이 특징입니다. 이러한 모든 측면에서 르네상스의 스페인 문학은 독특하고 특히 민족적 성격을 가지고 있습니다.

그 시대의 종교적 영향이 이 문헌에 분명히 반영되어 있다. 천주교의 사상과 실천은 민중의 삶과 특권층의 삶에 강한 각인을 남겼다.

XVI-XVII 세기의 문헌에는 어디에도 없습니다. 종교적 주제는 스페인과 같이 눈에 띄는 위치를 차지하지 않습니다. 여기서 우리는 종교적인 시와 가사( 루이 드 레온, 산 후안 데 라 크루스), "기적적인 전환"에 대한 설명, 엑스터시 및 비전( 테레사 데 헤수스), 신학 논문 및 설교 ( 루이스 그라나다). 최고의 극작가 로페 데 베가, 칼데론) 세속 연극과 함께 그들은 종교 연극, 각색 된 전설과 성도들의 삶, 또는 "친교"의 성찬을 주제로 한 "신성한 행동"을 씁니다. 그러나 세속극에서도 종교적이고 철학적인 주제가 자주 등장한다( "세비야 장난꾸러기" 티르소 데 몰리나, 확고한 왕자 칼데론).

스페인의 발전이 지니는 모든 고통스러운 성격으로 인민은 최대의 국력을 보였다. 그는 장애물을 극복하는 데 큰 호기심, 결단력 및 용기를 보여주었습니다. 당시 사람들 앞에 열린 넓은 전망, 정치 및 군사 기업의 범위, 다양한 활발한 활동을위한 풍부한 새로운 인상과 기회-이 모든 것이 16-17 세기 스페인 문학에 반영되었습니다. 뛰어난 역동성과 열정, 풍부한 상상력이 특징입니다.

이러한 특성 덕분에 "황금 시대"(16 세기의 2/3에서 17 세기 중반까지의 기간이라고 함)의 스페인 문학은 르네상스 국가 문학 중 첫 번째 장소 중 하나를 차지합니다. . 모든 장르에서 눈부신 모습을 보여주는 스페인 문학은 소설과 드라마에서 특히 높은 기준을 제시했습니다. 당시 스페인의 전형적인 특징 인 감정, 에너지 및 운동의 열정이 가장 완벽하게 표현 될 수있는 문학적 형식으로.

스페인 전국 드라마 제작.

스페인과 포르투갈 및 다른 국가에는 부분적으로는 종교적 (신비와 기적), 부분적으로는 완전히 세속적 인 만화 (farces)와 같은 중세 극장이있었습니다. 스페인의 중세 종교 극장은 가톨릭 교회가 국가 생활에서 수행 한 엄청난 역할로 인해 매우 안정적이었습니다. 이탈리아와 프랑스에서 일어난 것처럼 르네상스 시대에 사라지지 않았을뿐만 아니라 계속해서 집중적으로 발전했습니다. 16세기와 17세기 내내. .; 더욱이 이런 종류의 희곡은 그 시대의 가장 큰 극작가들에 의해 쓰여졌다. 이 세기 동안 위대한 거장들에 의해 개발된 민속 희극극의 장르는 인기를 유지했습니다.

그러나 이러한 오래된 드라마 장르와 함께 16세기 중반까지. 스페인에서는 르네상스 작가들의 위에서 언급한 오래된 장르의 해석에도 영향을 미치는 새로운 르네상스 드라마투르기 시스템이 개발되고 있습니다. 이 새로운 드라마투르기적 체계는 중세 민속 또는 준민속 전통 연극의 두 원리와 이탈리아에서 또는 고대로부터 직접 유입되었지만 대부분 이탈리아 중재를 통해 들어온 과학적-인본주의적 경향의 충돌에서 비롯되었습니다. 처음에는 이 두 가지 경향을 표현하는 두 가지 유형의 드라마투르기(dramaturgy)가 서로 떨어져 있거나 서로 투쟁하면서 병렬적으로 발전하지만, 곧 그들 사이에 상호작용이 시작되고 결국 하나의 극적 체계로 합쳐진다. . Lope de Vega의 작품으로 인식되어야하는 르네상스 국가 드라마의이 시스템에서 민속 원칙은 여전히 \u200b\u200b주요하지만 원래 마스터 한 이탈리아와 고대 영향이 중요한 역할을했습니다. 형성. 후자는 XVI 세기의 출현으로 촉진되었습니다. Plautus와 Terence의 스페인어 번역.

종교 개혁이 승리 한 영국과 달리 스페인의 문화는 전례없는 종교 재판의 확산으로 표현 된 가톨릭 이데올로기 강화를 배경으로 발전했습니다.

XVI 세기의 1/3에. 스페인 회화에서는 매너리즘으로 대표되는 네덜란드와 새로운 이탈리아의 두 가지 영향이 충돌했습니다. 이탈리아 르네상스와 관련하여 이미 논의되었습니다. 그러나 스페인 회화, 특히 엘 그레코에 대한 매너리즘의 막대한 영향과 관련하여 다시 돌아가는 것이 이치에 맞습니다. XIX 세기까지. 미술사학자들은 매너리즘이 철저하게 모방적이라고 생각하여 부정적인 태도를 보였고, 20세기에 그들은 그들의 입장을 수정하고 매너리즘의 문체적 독립성을 증명했습니다.

사실 매너리즘은 차용 원칙이 아닌 자체 원칙에 기반한 회화의 독창적 인 경향이라는 것이 밝혀졌습니다. 매너리즘의 대표자들은 세계에 대한 르네상스의 조화로운 인식에서 멀어졌습니다. 표면적으로 전성기 르네상스의 거장들을 따르는 매너리스트들은 삶의 비극을 주장했습니다. 삶에 대한 예리한 인식은 예술적 이미지의 "내면의 아이디어"를 표현하려는 욕구와 결합되었습니다. 매너리스트들은 거의 모든 후속 세대의 유럽 예술가들의 특징인 순수 예술에 대한 탐색을 개척했을 수 있습니다.

20세기의 초현실주의, 표현주의, 추상주의는 주관주의로의 후퇴, 예술적 이미지의 극화와 함께 매너리즘의 창조적 연속입니다. "마니에라"의 개념은 형식적 완벽함과 기교의 이상을 추구하는 데 초점을 맞추고 있으며, 인간 정신의 끊임없는 경향을 표현합니다.

오늘날 미술사학자들은 고대, 신 고딕, 이탈리아, 독일 및 네덜란드 예술에서 이미 매너리즘의 기원을 봅니다. "매너리즘"이라는 용어는 유행하게 되었고 라파엘의 죽음(1520)부터 고전주의와 바로크의 시작까지 16세기의 전체 그림을 가리키는 데 사용되었습니다. 많은 연구자들이 선호하는

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Pava i 유럽주의자! 르네상스

이 예술을 르네상스와 바로크 사이의 기간으로 정의하기 위해 녹습니다.

1530년 이후 매너리즘은 거의 모든 유럽을 정복했습니다. 스페인 사람들, 그리고 무엇보다 위대한 엘 그레코(1541-1614)는 매너리스트의 우아한 창조물에 감탄했습니다. 어렸을 때 그는 크레타에서 Candian 승려들과 함께 아이콘 그림을 공부했으며 1560 년부터 Tintoretto 학교에서 베니스에서 계속 그림을 그렸습니다. 1577년부터 화가는 스페인 톨레도에서 살았다. 그의 색채의 대담한 밝음과 성서 장면의 자유로운 해석은 특히 필립 2세 왕으로부터 비판을 받았지만 그럼에도 불구하고 그는 교회와 개인으로부터 많은 의뢰를 받았습니다. 스페인에서는 엘 그레코 특유의 개성 있는 스타일이 마침내 발전했다. 그는 자신이 묘사한 사람들을 이상화하고 그들의 몸과 얼굴을 길게 하여 이미지 표현력의 자연스러운 비율을 종속시켰습니다. 평면 그림의 비잔틴 전통은 베네치아 학교 고유의 밝고 어두운 톤의 대비와 결합되었습니다. 스페인의 영향은 신비로운 글쓰기 방식에 반영되었습니다. 그는 종교, 신화, 풍속화, 초상화, 풍경화를 창조했습니다(“오르가즈 백작의 매장”, 1586-1588, “톨레도의 전망”, 1610-1614).

16세기가 이탈리아 르네상스의 표징 아래 스페인에서 지나가면 17세기에는 네덜란드 회화가 지배하기 시작합니다. 17세기는 네덜란드와 마찬가지로 스페인에서도 "황금기"로 간주됩니다. "황금 시대"라는 용어는 주로 Cervantes, Gongora 및 Lope de Vega 시대의 스페인 문학 전성기를 의미합니다. 그러나 Zurbaran, Velazquez 및 Murillo와 같은 위대한 예술가의 은하계에도 적용될 수 있습니다.

17세기 전반기에는 주로 베네치아 거장인 이탈리아 예술가들의 영향이 여전히 영향을 미쳤습니다. 이 기간 동안 발렌시아와 톨레도의 예술 학교가 주도적이었습니다. 그러나 세기 후반에 Flemings, 특히 Rubens와 Van Dyck의 작품이 이탈리아 회화를 대체했습니다. 세기 전반기의 복잡한 어두운 구성은 보다 균일한 조명을 사용하는 역동적인 작업에 자리를 내주었습니다. 마드리드와 세비야는 주요 예술 중심지가 되었습니다.

프란시스코 데 수르바란(Francisco de Zurbaran, 1598-1664)은 17세기 스페인 회화를 유럽 최초의 장소 중 하나로 가져온 예술의 거장 중 한 명입니다. 비정상적으로 강력한 현실감이 Zurbaran의 예술적 언어의 특징적인 특징을 결정했습니다. 극도로 간결하고 심각한 기념비로 자연에 대한 헌신입니다. 그의 관심은 성도들의 삶과 관련된 초상화와 전설이라는 두 영역에 집중되었습니다. 묵상이나 황홀한기도에 사로 잡힌 엄격한 수도사를 묘사 한 Zurbaran은 그리스도와 마리아의 어린 시절을 주제로 한 그림의 모델로 기꺼이 아이들을 그렸습니다.

디에고 벨라스케스(1599~1660)는 '스페인 궁정의 초상화가'로 불린다. 필립 4세의 궁정 화가이자 스페인 학교의 확실한 수장인 벨라스케스의 삶은 많은 예술가들의 운명을 보여주는 생생한 예입니다. 세련미와 용감함은 왕의 우정과 부러워하는 수많은 사람들의 존경을 얻었으며 합당하고 현명한 삶을 살았습니다. , 법정 음모조차도 흔들릴 수없는 사건으로 인해 거의 부담이 없습니다.

1659년 왕의 은총으로 피의 "순도"를 오랫동안 점검하고 무역 활동을 하지 않은 후 그는 성 베드로 기사단의 예복을 받습니다. 제이콥은 예술가에게 비교할 수 없는 영예입니다. Velasquez는 왕실 구성원의 초상화뿐만 아니라 종교 및 신화 주제 ( "Bakh"), 역사적 캔버스 ( "Surrender of Breda")에 대한 그림을 만들었으며 장르 장면 ( "Breakfast", "Spinners")으로 지속적으로 전환되었습니다. . 시적 세계에 다소 신비한 성격을 부여한 후기 벨라스케스의 작품은 인상파의 예술을 예견합니다. 그들 중 한 사람인 마네는 벨라스케스를 "화가 중의 화가"라고 불렀습니다.

문학계에서는 의협소설과 피카레스크 소설이 보편화되고 있다. 이 장르의 가장 위대한 대표자는 세계적으로 유명한 소설 Don Quixote의 저자인 위대한 Miguel de Cervantes(1547-1616)였습니다. 그의 책에서 세르반테스는 넘쳐나는 기사도 로맨스를 패러디합니다.

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스페인 도서 시장. 17세기 초 기사도의 이상은 구식이 된 지 오래되었습니다. 그럼에도 불구하고 세르반테스의 책은 인간 본성의 두 가지 원칙인 낭만적 이상주의와 냉정한 실용성에 관한 이야기가 되었다. 세르반테스 자신은 가난한 기사 가정에서 태어나 스페인 군대에서 오랫동안 복무 한 후 의무 봉사에서 생계를 꾸 렸습니다. 세르반테스의 소설은 철저하게 실용주의적인 세상에서 기사도적 가치를 완고하게 지키는 이상주의 기사 돈키호테의 모험을 따라간다. 그는 주변의 현실에 눈을 감고 풍차와 싸운다. 그리고 종종 그는 환상의 포로에서 벗어날 수 없으며 악의 세력의 계략으로 현실과 이상 사이의 모순을 설명합니다. 이 책은 저자에 의해 재미있는 읽기로 생각되었지만 세계 문학에 대한 진지한 도덕 문학의 모델이 되었습니다.

스페인 국극의 창시자는 로페 데 베가(1562~1635)였다. 젊은 동시대인 Tirso de Molina(c. 1583-1648) 및 Calderon de La Barca(1600-1681)와 마찬가지로 극작가는 진정으로 엄청난 작품(2000개 이상의 작품, 500개가 알려져 있음)으로 스페인의 급속한 개화에 기여했습니다. 희극은 당시 운문으로 쓰여진 3 막 연극으로 간주되었습니다. Peru Lope de Vega는 역사 및 사회 정치 드라마, 사랑에 관한 코미디를 소유하고 있습니다 (가장 유명한 것은 "Dance Teacher"와 "Dog in the Manger"입니다).

레콘키스타의 완성과 카스티야와 아라곤의 통일은 스페인 문화 발전에 강력한 자극을 주었다. XVI-XVII 세기에는 "황금 시대"로 알려진 번영의 기간을 경험했습니다.

XV 말과 XVI 세기 전반기. 스페인에서는 선진 사상이 예술적 창의성 분야뿐만 아니라 자유로운 사상이 깃든 저널리즘과 과학 작품에서도 큰 발전을 이루었습니다. Philip II의 반동적 정책은 스페인 문화에 큰 타격을 입혔습니다. 그러나 그 반응은 16 세기 말과 17 세기 전반에 나타난 사람들의 창조력을 억누를 수 없었습니다. 주로 문학과 예술 분야에서.

르네상스의 스페인 문화는 깊은 민속적 뿌리를 가지고 있었습니다. 카스티야 농민이 결코 농노가 아니었다는 사실(F. Engels, Letter to Paul Ernst, K. Marx and F. Engels, On Art, M.-L. 1937, p. 30 참조), 그리고 스페인 도시들이 정복했습니다. 독립 초기에 국가에서 자신의 존엄성을 의식한 상당히 광범위한 계층의 사람들을 만들었습니다.(F. Engels, Letter to Paul Ernst, K. Marx and F. Engels, On Art, M.-L. 1937, 30쪽)

스페인의 도시와 일부 소작농의 발전에 유리한 시기는 매우 짧았지만, 영웅 시대의 유산은 스페인 국민의 마음 속에 계속 살아 있었습니다. 이것은 고전 스페인 문화의 높은 성취의 중요한 원천이었습니다.

그러나 스페인의 르네상스는 다른 유럽 국가보다 더 논란이 많았습니다. 스페인에서는 예를 들어 경제 생활과 문화가 부상하는 시대에 이탈리아 도시에서 발생한 중세 봉건 가톨릭 이데올로기와의 급격한 단절이 없었습니다. 그렇기 때문에 Cervantes와 Lope de Vega와 같은 스페인의 선진 사람들조차도 가톨릭 전통을 완전히 깨뜨리지 않습니다.

16세기 전반의 스페인 인문주의자.

16 세기 전반에 활동 한 스페인의 선진 사상 대표자들은 "Erasmists"(로테르담의 유명한 인본주의 자 Erasmus의 이름을 따서)라는 이름을 받았습니다. 그중에서 우선 그리스 풍자가 Lucian의 정신으로 날카 롭고 가성적인 대화의 저자 인 Alfonso de Valdes (1532 년 사망)는 교황권과 가톨릭 교회를 공격하여 이기심과 음탕함을 비난합니다. 언급해야 합니다. 뛰어난 스페인 철학자인 Juan Luis Vives(1492-1540)도 에라스무스와 관련이 있었습니다. 발렌시아 출신인 Vivss는 파리에서 공부하고 영국과 플랑드르에서 살았습니다. 그는 범유럽 인본주의 운동에 참여했습니다. 이미 그의 초기 작품 중 하나 인 그리스도의 승리에서 Vives는 르네상스 이탈리아 철학자의 정신으로 플라톤 철학에 반대하면서 아리스토텔레스 학파주의를 비판합니다.

더 중요한 것은 중세 스콜라주의를 거부하고 Vives가 경험을 전면에 내세운다는 사실입니다. 관찰과 실험을 통해 자연의 깊이에 침투하고 세계 지식의 길을 열 수 있습니다. 따라서 Vives는 Francis Bacon의 전임자 중 하나입니다. 사람은 그의 개념의 중심입니다. Vives는 심리학이 과학으로 발전하는 데 중요한 역할을 했습니다. 그의 작품 "On the Soul and Life"에서 그는 지각의 문제를 자세히 고려합니다. 팜플렛 The Sage에서 Vivss는 오래된 학문적 교육 방법에 대한 인본주의적 비판을 제공하고 고전 언어, 역사 및 자연 과학 연구를 포함하는 진보적인 교육 시스템을 개발합니다. Luis Vives는 또한 여성 교육의 지지자였습니다.

스콜라주의와 스콜라주의에 의해 해부된 아리스토텔레스에 반대한 또 다른 스페인 사상가는 프란시스코 산치스(Francisco Sanchss, 1550-1632)였다. 그러나 Luis Vives와 달리 자유로운 탐구 정신은 Sanchez를 회의론으로 이끈다. 그의 주요 작품은 "지식이 없다는 것"(1581)입니다. 인간의 인지 과정에 포함된 모순을 탐구하면서 Sanchez는 우리가 아는 모든 것이 신뢰할 수 없고 상대적으로 조건적이라는 순전히 부정적인 논제에 도달합니다. 중세 질서와 독단적 사상의 붕괴 시대에 제시된 이러한 비관적 논문은 특히 날카로운 사회적 모순과 가혹한 생활 조건을 가진 스페인에서 드물지 않았습니다.

민요

15세기는 스페인에게 민속 예술의 전성기였습니다. 이때까지 많은 로맨스가 나타났습니다. 스페인 로망스는 짧은 서정시 또는 서정시인 국가적 시 형식입니다. 로맨스는 영웅의 착취, 무어와의 투쟁의 극적인 에피소드를 불렀습니다. 연인들의 사랑과 고통을 시적인 빛으로 묘사한 서정적 로맨스. 로맨스는 카스티야 농민의 특징 인 애국심, 자유에 대한 사랑, 시적 세계관을 반영했습니다.

민속 로맨스는 스페인 고전 문학의 발전을 비옥하게 했으며 16-17세기의 위대한 스페인 시가 탄생한 토양이 되었습니다.

인문주의 시

다른 나라와 마찬가지로 스페인에서도 르네상스 문학은 민속 예술과 진보된 형태의 인본주의 문학의 종합을 기반으로 발전했습니다. 스페인 르네상스의 첫 번째 시인 중 한 명인 Jorge Manrique (1440-1478)는 "아버지의 죽음에 대한 커플"이라는 화려한시를 만들었습니다. 그의 작품의 엄숙한 연에서 그는 죽음의 전능함에 대해 말하고 불멸의 영웅의 착취를 찬양합니다.

이미 XV 세기에 있습니다. 스페인시에서는 이탈리아 르네상스 문학을 모델로 한 "배운 가사"를 만들기 위해 노력하는 귀족적 경향이 나타났습니다. 초기 스페인 르네상스의 가장 위대한 시인인 Garcilaso de la Vega(1503-1536)도 이러한 경향에 속했습니다. 그의 시에서 Garcilaso는 Petrarch, Ariosto, 특히 이탈리아의 유명한 목가 시인 Sannazaro의 전통을 따랐습니다. 가르실라소의 시에서 가장 가치 있는 것은 자연의 품에서 사랑에 빠진 양치기들의 삶을 이상화한 형태로 그린 eclogues이다.

종교적 가사는 르네상스 시대의 스페인 시에서 널리 발전되었습니다. Luis de Leon(1527-1591)은 소위 신비주의 시인 은하계의 우두머리였습니다. 정통 가톨릭 신자인 살라망카 대학의 아우구스티누스 수도승이자 신학박사였던 그는 그럼에도 불구하고 이단 혐의로 기소되어 종교재판소에 투옥되어 4년 넘게 감금되었습니다. 그는 자신의 결백을 증명할 수 있었지만 시인의 운명 자체는 그의 작품에서 종교적 사상의 단순한 반복 이상의 존재를 말합니다. Luis de Leon의 웅장한 가사에는 사회적으로 의미 깊은 내용이 담겨 있습니다. 그는 “시기”와 “거짓말”이 지배하는 삶, 불의한 재판관들이 심판하는 삶의 부조화를 뼈저리게 느끼고 있습니다. 그는 자연의 품에서 고독한 관상 생활에서 구원을 구합니다 ( "행복한 삶" 송가).

Luis de Leon은 종교 재판의 표적이 된 유일한 시인이 아닙니다. 그녀의 지하 감옥에서 스페인 사람들의 많은 재능있는 아들들이 고통스러운 고문을 받았습니다. 이들 시인 중 한 명인 다비드 아베나토르 말로(David Abenator Malo)는 가까스로 자유를 얻어 네덜란드로 도망쳤습니다. 그의 석방에 대해 이렇게 썼습니다.

XVI 세기 후반. 스페인에서는 영웅적인 서사시를 만들려는 시도가 있습니다. 스페인 군대에 입대하여 미국에서 싸운 Alonso de Ersilya (1533-1594)는 스페인 사람들의 착취를 노래하고 싶었던 긴시 "Araucan"을 썼습니다. Ercilia는 Virgil의 고전시 "Aeneid"를 모델로 선택했습니다. Ersilya의 거대하고 혼란스러운 작업은 전체적으로 실패했습니다. 가짜 샘플과 조건부 에피소드로 가득 차 있습니다. Araucan에서는 스페인 정복자로부터 독립을 수호 한 인도 부족 인 자유를 사랑하는 Araucans의 용기와 결단이 묘사 된 곳 만이 아름답습니다.

고대 방식의 서사시 형식이 우리 시대의 사건을 반영하는 데 적합하지 않다면 삶 자체가 묘사에 더 적합한 또 다른 서사시 장르를 제시했습니다. 이 장르는 소설이었습니다.

스페인 로맨스

XVI 세기 초부터. 스페인에서는 기사도 로맨스가 널리 퍼졌습니다. 이러한 후기 봉건 문학 작품의 자유로운 환상은 위험한 항해를 시작하고 먼 땅을 방황하는 르네상스 사람들의 심리학의 일부 측면과 일치했습니다.

XVI 세기 후반. Garcilaso de la Vega가 스페인 문학에 도입한 목가적 모티프도 소설의 형태로 발전했습니다. 여기서 Jorge de Montemayor의 "Diana"(1559년경 작성)와 Cervantes의 "Galatea"(1585)를 언급할 필요가 있습니다. 이 소설들에서 '황금기'라는 주제는 나름대로 굴절되어 자연의 품에서 행복한 삶을 꿈꾼다. 그러나 스페인 소설의 가장 흥미롭고 독창적인 유형은 이른바 피카레스크 소설(novela picaresca)이었다.

이 소설들은 스페인 생활에 대한 통화 관계의 침투, 가부장적 유대의 붕괴, 대중의 파멸과 빈곤을 반영했습니다.

스페인 문학의 이러한 추세의 시작은 Celestina로 더 잘 알려진 Calisto와 Melibea의 Tragicomedy (약 1492)에 의해 마련되었습니다. 이 단편 소설(적어도 주요 부분은)은 Fernando de Rojas가 썼습니다.

Celestina가 등장한 지 60 년 후인 1554 년에 세 도시에서 동시에 피카레스크 소설의 첫 번째 완성 사례가 작은 소책자 형태로 출판되어 유럽 문학의 발전에 큰 영향을 미쳤습니다. 토르메스. 이것은 많은 주인의 종인 한 소년의 이야기입니다. 존재할 권리를 지키기 위해 Lazaro는 교활한 속임수에 의지해야하며 점차 완전한 도적으로 변합니다. 그의 영웅에 대한 소설 작가의 태도는 양가 적입니다. 그는 속임수에서 중세 사람들이 접근할 수 없는 손재주, 지능 및 독창성의 표현을 봅니다. 그러나 Lazaro에서는 새로운 인간 유형의 부정적인 특성도 분명하게 나타났습니다. 이 책의 강점은 스페인의 사회적 관계에 대한 솔직한 묘사에 있습니다. 스페인에서는 캐삭과 고귀한 망토 아래에 이윤의 열병으로 생겨난 가장 비열한 열정이 숨겨져 있습니다.

Lazarillo s Tormes의 무명 작가의 후계자는 뛰어난 작가인 Mateo Alemán(1547-1614)으로, 가장 인기 있는 피카레스크 소설인 The Adventures and Life of the Rogue Guzmán de Alfarache, Watchtower of Human Life의 저자입니다. Mateo Alemán의 책은 사회적 배경의 폭과 새로운 사회적 관계에 대한 어두운 평가에서 전임자의 소설과 다릅니다. 인생은 터무니없고 냉소적이라고 Aleman은 맹인을 열정으로 말합니다. 자신 안에 있는 이러한 불순한 열망을 정복해야만 이성적이고 도덕적으로 살 수 있습니다. Aleman은 고대 로마 작가로부터 르네상스 사상가가 물려받은 Stoic 철학의 지지자입니다.

미겔 데 세르반테스

피카레스크 소설은 세르반테스의 리얼리즘의 승리를 특별한 힘으로 준비한 스페인 문학 발전의 한 노선을 나타냅니다.

새로운 스페인 문학의 창시자 인 가장 위대한 스페인 작가 Miguel de Cervantes Saavedra (1547-1616)의 작품은 이전 개발의 모든 업적을 종합하여 발생했습니다. 그는 스페인어와 동시에 세계 문학을 새로운 차원으로 끌어 올렸습니다.

세르반테스의 젊음은 그의 시대의 모험적인 성격에 부채질되었습니다. 그는 이탈리아에 살았고 레판토 해전에 참가했으며 알제리 해적에게 체포되었습니다. 5년 동안 세르반테스는 자유를 되찾기 위해 영웅적인 시도를 거듭했습니다. 포로 상태에서 풀려난 그는 가난하게 집으로 돌아갔다. 문학 작품으로 살 수 없다는 것을 알게 된 세르반테스는 관료가 될 수밖에 없었다. 그의 인생의 이 기간 동안 그는 그의 돈키호테에서 매우 훌륭하게 묘사된 전 세계와 함께 산문적인 실제 스페인과 대면했습니다.

세르반테스는 풍부하고 다양한 문학적 유산을 남겼습니다. 목가 소설 Galatea를 시작으로 그는 곧 희곡 쓰기로 전환했습니다. 그들 중 하나-비극 "Numancia"는 로마 군단에 맞서 싸우고 승자의 자비에 항복하는 것보다 죽음을 선호하는 스페인 도시 Numancia 주민들의 불멸의 영웅주의를 묘사합니다. 세르반테스는 이탈리아 단편 소설의 경험을 바탕으로 삶에 대한 폭 넓은 묘사와 설교를 결합한 독창적인 유형의 스페인 단편 소설("교훈 소설")을 만들었습니다.

그러나 그가 만든 모든 것은 그의 뛰어난 작품 The Cunning Hidalgo Don Quixote of La Mancha(1605-1615) 앞에서는 빛이 바래집니다. Cervantes는 환상적이고 삶의 기사 로맨스와는 거리가 먼 영향을 파괴하는 겸손한 작업을 설정했습니다. 그러나 사람들의 삶에 대한 그의 뛰어난 지식, 예리한 관찰 및 독창적인 일반화 능력은 그가 훨씬 더 중요한 것을 창조했다는 사실로 이어졌습니다.

돈키호테와 산초 판자. 세르반테스의 돈키호테 초판 중 하나의 제목 페이지에서 판화.

돈키호테는 오래 전에 사라진 시대에 기사도 시대를 되살리는 꿈을 꾼다. 그는 혼자서 기사도가 그 시대보다 오래되었고 마지막 기사처럼 코믹한 인물이라는 것을 이해하지 못합니다. 봉건시대에는 모든 것이 제1법에 기초하여 세워졌다. 그리고 이제 Don Quixote는 손의 힘에 의존하여 기존 질서를 바꾸고 과부와 고아를 보호하고 범죄자를 처벌하기를 원합니다. 사실 그는 불안을 일으키고 사람들에게 악과 고통을 초래합니다. 마르크스는 "돈키호테가 부랑 기사가 사회의 모든 경제적 형태와 동등하게 양립할 수 있다고 상상했을 때 자신의 실수에 대해 막대한 대가를 치렀을 것"이라고 말했습니다.

그러나 동시에 돈키호테의 행동 동기는 인간적이고 고귀합니다. 그는 자유와 정의의 확고한 수호자, 연인의 후원자, 과학과 시의 팬입니다. 이 기사는 진정한 휴머니스트입니다. 그의 진보적 이상은 르네상스의 위대한 반봉건 운동에서 비롯되었습니다. 그들은 계급 불평등과 낡은 봉건적 삶의 형태에 맞서는 투쟁에서 태어났습니다. 그러나 그것을 대체하기 위해 온 사회조차도 이러한 이상을 실현하지 못했습니다. 냉담한 부자 농민, 빡빡한 여관 주인 및 상인은 돈키호테, 가난하고 약한 사람들을 보호하려는 의도, 관대함 및 인간성을 조롱합니다.

돈키호테 이미지의 이중성은 그의 진보적 인본주의 이상이 반동적이고 쓸모없는 기사의 형태로 나타난다는 사실에 있습니다.

Don Quixote 옆에 농부 Squire Sancho Panza가 소설에서 연기합니다. 시골 생활 조건의 한계가 그에게 흔적을 남겼습니다. Sancho Panza는 순진하고 때로는 어리석은 사람입니다. 그는 Don Quixote의 기사 적 넌센스를 믿었던 유일한 사람입니다. 하지만 산초에게 좋은 자질이 없는 것은 아니다. 그는 자신의 독창성을 드러낼 뿐만 아니라 수많은 속담과 속담으로 제시하는 민중의 지혜의 전달자로 밝혀졌습니다. 인본주의 기사 돈키호테의 영향으로 산초는 도덕적으로 발전한다. 그의 놀라운 자질은 Sancho가 그의 세속적 지혜, 무관심 및 도덕적 순결을 드러내는 유명한 총독 에피소드에서 드러납니다. 서유럽 르네상스의 어떤 작품에도 농민에 대한 그러한 신격화는 없습니다.

환상적이고 순진한 생각을 가진 소설의 두 주인공은 거만한 귀족, 여관 주인과 상인, 부유 한 농민과 노새 운전사의 나라 인 진정한 일상 스페인을 배경으로 보여집니다. 이 일상 생활을 묘사하는 예술에서 세르반테스는 동등하지 않습니다.

돈키호테는 스페인 문학의 훌륭한 기념비이자 스페인에서 가장 위대한 민속서입니다. 세르반테스는 봉건 스페인의 방언 중 하나인 카스티야 방언을 신흥 스페인 국가의 문학적 언어로 변환하는 작업을 완료했습니다. 세르반테스의 작품은 스페인 땅에서 르네상스 문화를 발전시킨 최고점입니다.

루이스 드 공고라

17세기 문학에서 스페인의 점진적인 쇠퇴 시대 대중 의식의 내부 붕괴를 반영하여 우울하고 절망적 인 분위기가 점점 더 심해지고 있습니다. 인본주의의 이상에 대한 반응은 "곤고리즘"이라는 특별한 스타일을 개발한 시인 Luis de Gongora y Argote(1561-1627)의 작품에서 가장 분명하게 표현되었습니다. 곤고르의 관점에서 보면 삶과는 동떨어진 예외적이고 기이할 정도로 복잡한 것만이 아름다울 수 있다. 고뉴라는 환상의 세계에서 아름다움을 찾고, 현실마저도 환상적인 장식적 화려함으로 탈바꿈시킨다. 그는 단순함을 거부하고 그의 스타일은 어둡고 이해하기 어렵고 복잡하고 복잡한 이미지와 과장으로 가득 차 있습니다. Gongora의 시에서 귀족의 문학적 취향이 표현되었습니다. 질병과 같은 Gogorism은 유럽 문학 전체에 퍼졌습니다.

프란시스코 데 케베도

가장 위대한 스페인 풍자가는 Francisco de Quevedo y Villegas(1580-1645)였습니다. 귀족 가문에서 태어난 Quevedo는 이탈리아에서 스페인의 정치적 음모에 외교관으로 참여했습니다. 스페인 소유의 정치 체제에 대한 지식은 그를 깊은 실망으로 이끌었습니다. Quevedo는 법원과의 근접성을 이용하여 Philip IV에게 구절로 메모를 제출하여 왕에게 세금을 줄이고 사람들의 상황을 개선하도록 요청했습니다. 메모 작성자는 인퀴 지션에 체포되어 투옥되어 4 년 동안 사슬에 묶여 있었고 육체적으로 망가진 사람이 나왔습니다. 석방된 직후 그는 사망했습니다.

Quevedo의 유명한 피카레스크 소설인 The Life Story of a Rogue Called Pablos, an Example of Vagabonds and a Mirror of Fraudsters는 그의 생애 초기에 쓰여진 것으로 보입니다. 이 책은 부정할 수 없이 가장 심오한 피카레스크 소설이다. 도둑 이발사와 매춘부의 아들 인 불행한 Pablos의 이야기를 들려주는 Quevedo는 전체 아동 학대 시스템을 보여줍니다. 그런 환경에서 자란 파블로스는 악당이 되었다. 그는 스페인을 방황하고 엄청난 빈곤과 오물이 그 앞에 드러납니다. Pablos는 사람들이 존재하기 위해 서로를 속이는 방법을보고 그들의 모든 에너지가 악을 향하고 있음을 봅니다. Quevedo의 소설은 괴로움으로 가득 차 있습니다.

활동의 두 번째 기간에 Quevedo는 풍자적 인 팜플렛을 만듭니다. 그들 중 특별한 장소는 그의 "비전"으로 가득 차 있습니다. 그로테스크하고 패러디 한 정신으로 내세의 이미지를 묘사하는 여러 풍자 및 저널리즘 에세이입니다. 그래서 "악마에게 홀린 경찰"이라는 에세이에는 왕과 궁정 카마릴라, 상인과 부자들이 불타고 있는 지옥이 제시된다. 지옥에는 가난한 자들을 위한 자리가 없습니다. 그들에게는 아첨꾼과 거짓 친구가 없고 죄를 지을 기회가 없기 때문입니다. 17세기 피카레스크 소설 장르의 변질 과정이 시작되었습니다.

스페인 극장

영국과 프랑스와 마찬가지로 스페인은 XVI-XVII 세기에 경험했습니다. 드라마와 연극의 큰 꽃. Lope de Vega에서 Caldera까지의 스페인 드라마의 사회적 내용은 강렬한 드라마로 가득 찬 Reconquista 동안 스페인 귀족, 도시 및 Castilian 농민이 얻은 구 스페인의 자유와 절대 군주제의 투쟁입니다.

고대 모델을 기반으로 한 프랑스 비극과 달리 스페인에서는 매우 독창적이고 인기있는 국가 드라마가 탄생했습니다. 공공 극장을 위해 극적인 작품이 만들어졌습니다. 애국심이 강한 관중들은 조상들의 영웅적 행위와 우리 시대의 시사적 사건을 무대에서 보고 싶어했습니다.

로페 데 베가

스페인 국립극의 창시자는 위대한 극작가 로페 펠릭스 데 베가 카르피오(1562-1635)였습니다. 무적함대(Invincible Armada)의 군인, 명석한 세속인, 저명한 작가인 로포 데 베가(Lopo de Vega)는 평생 종교인으로 남아 있었고, 노년기에 사제가 되었고 심지어 "거룩한" 조사. 이러한 이중성 속에서 로페 데 베가는 스페인 르네상스의 특징을 보여주었다. 그는 그의 작품에서 이 놀라운 시대의 인본주의적 열망을 표현했으며 동시에 당시의 선진인 로페 데 베가는 봉건적 가톨릭 스페인의 전통을 깨뜨릴 수 없었습니다. 그녀의 사회 프로그램은 인본주의 사상과 가부장적 관습을 조화시키려는 것이었다.

Lope de Vega는 드문 창의적 다산의 예술가였으며 1800 개의 코미디와 400 개의 단막 우화 컬트 연극을 썼습니다 (약 500 개의 작품이 우리에게 내려 왔습니다). 그는 또한 영웅적이고 코믹한 시, 소네트, 로맨스, 단편 소설 등을 썼습니다. 셰익스피어와 마찬가지로 Lope de Vega는 그의 연극의 줄거리를 발명하지 않았습니다. 그는 다양한 출처를 사용했습니다 - 스페인 민속 로맨스와 연대기, 이탈리아 govels 및 고대 역사가의 책. Lope de Vega의 대규모 연극 그룹은 여러 민족의 삶에서 나온 역사 드라마입니다. 그는 또한 17 세기 초의 사건에 전념하는 "모스크바 대공"이라는 러시아 역사의 연극을 가지고 있습니다.

그의 주요 작품에서 Lope de Vega는 왕권 강화, 반항적 인 봉건 영주 및 무어 무리에 대한 스페인 왕의 투쟁을 묘사합니다. 그는 봉건 영주의 자의에 저항할 수 있는 비계급적 정의의 대표자로서 국왕에 대한 국민의 순진한 믿음을 공유하면서도 스페인 통일의 진보적 의미를 그리고 있다.

Lope de Vega의 역사극 중 민속 영웅 드라마("Peribanes and Commander Ocanyi", "The Best Alcalde is the King", "Fu-ente Ovejuna")는 특히 중요하며 세 가지 사회적 힘의 관계를 묘사합니다. 농민, 봉건 영주 및 왕권. 농민과 봉건 영주 사이의 갈등을 보여주는 Lope de Vega는 전적으로 농민 편에 서 있습니다.

이 연극 중 최고는 "Fuente Ovejuna"입니다. 스페인어뿐만 아니라 세계 연극에서도 가장 위대한 드라마 중 하나입니다. 여기서 Lone de Vega는 어느 정도 그의 군주적 환상을 물리칩니다. 연극은 15세기 후반에 일어난다. Calatrava 교단의 사령관은 그의 마을인 Fuente Ovehuna(Sheep Spring)에서 소작농 소녀들의 명예를 침해하고 있습니다. 그들 중 하나 인 Laurencia는 열정적으로 농민을 일으켜 반란을 일으키고 가해자를 죽입니다. 농민들이 왕의 순종적인 신민이었고 사령관이 왕좌와의 투쟁에 참여했다는 사실에도 불구하고 왕은 농민들에게 살인자를 배신하도록 요구하면서 고문을 명령했습니다. "Fkhonte Ovehuna가 해냈습니다." 누만시아 비극의 저자인 세르반테스에 이어 로페 데 베가는 국가적 영웅주의, 도덕적 힘과 체력에 관한 드라마를 만들었습니다.

그의 여러 작품에서 Lope는 왕권의 독재를 묘사합니다. 그 중에서도 명작 드라마 세비야의 별이 눈에 띈다. 폭군 왕은 그들의 명예와 고대의 자유를 수호하는 세비야의 주민들과 마주하고 있습니다. 왕은 이 사람들 앞에서 물러서서 그들의 도덕적 위대함을 인정해야 합니다. 그러나 "세비야의 별"의 사회적, 심리적 힘은 셰익스피어의 비극에 가깝습니다.

Lope de Vega의 이중성은 스페인 귀족의 가족 생활에 전념하는 드라마, 소위 "명예의 드라마"( "부재의 위험", "명예의 승리"등)에서 가장 분명했습니다. Lopo de Vega에게 결혼은 상호 사랑에 기반해야 합니다. 그러나 결혼 후 그 기초는 흔들리지 않습니다. 아내를 반역죄로 의심하는 남편은 아내를 죽일 권리가 있습니다.

소위 망토와 검의 희극은 새로운 유형의 젊은 스페인 귀족들이 감정의 자유, 행복, 아버지와 보호자의 전제적 권력에 맞서 싸우는 것을 묘사합니다. Lope de Vega는 어지러운 음모, 우연과 사고에 대한 코미디를 만듭니다. 이 코미디에서 인간의 사랑과 자유 의지를 찬양하는 Lope de Vega와 르네상스의 인본주의 문학 운동과의 연관성이 가장 분명했습니다. 그러나 Lope de Vega에서 르네상스 청년은 셰익스피어 코미디에서 우리를 기쁘게하는 내면의 자유가 없습니다. Lope de Vega의여 주인공은 고귀한 명예 이상에 충실합니다. 그들의 외모에는 그들이 같은 계급의 편견을 공유한다는 사실과 관련된 잔인하고 매력적이지 않은 특징이 있습니다.

로페파의 극작가

Lope de Vega는 혼자 공연하는 것이 아니라 은하계 전체의 극작가와 함께합니다. Lope의 직계 학생이자 후계자 중 한 명은 Tirso de Molina로 알려진 Gabriel Telles 수도사(1571-1648)였습니다. Tirso가 세계 문학에서 차지하는 위치는 주로 그의 코미디 The Seville Mischievous Man 또는 Stone Guest에 의해 결정되며 유명한 여성 유혹자 Don Juan의 이미지를 만들었습니다. 연극의 주인공 Tirso는 후기 작가의 Don Juan 이미지에서 우리를 사로 잡는 매력이 아직 없습니다. Don Juan은 타락한 귀족으로 첫날밤의 봉건적 권리를 염두에두고 쾌락을 위해 노력하고 자신의 것을 달성하기 위해 어떤 수단도 경멸하지 않는 유혹자입니다. 이것은 모든 계층의 여성을 모욕하는 법원 카마릴라의 대표자입니다.

페드로 칼데로이

스페인 드라마는 Pedro Calderón de la Barca(1600-1681)의 작품에서 다시 한 번 절정에 달했습니다. 칼데론의 모습은 논란의 여지가 많습니다. 고귀한 귀족 가문 출신인 칼데라는 산티아고 기사단의 기사였습니다. Philip IV 왕의 사제이자 명예 목사. 그는 민중뿐만 아니라 궁중극장을 위해서도 글을 썼다.

칼데론의 세속극은 로페의 드라마투르기와 직접적으로 인접해 있다. 그는 "망토와 칼 코미디"를 썼지 만 칼데라는 그의 "명예 드라마"에서 특별한 현실적 힘을 얻었습니다. 따라서 드라마 Doctor of His Honor에서 칼데론은 17세기 스페인 귀족의 표현적인 초상화를 그렸습니다. 무자비한 절주, 예수회 교활함 및 냉정한 계산과 함께이 dgoryanin에는 광신적 인 종교성과 똑같이 광신적 인 명예에 대한 헌신이 공존합니다.

드라마 칼데론 "Salamei alcalde"는 Lope de Vega의 동명 연극을 재 작업 한 것입니다. 품위가 발달하고 농민 출신을 자랑스러워하는 마을 판사 Pedro Crespo는 딸을 모욕한 귀족 장교를 비난하고 처형했습니다. 강간범 귀족에 맞서는 평범한 마을 판사의 투쟁이 뛰어난 예술적 힘으로 그려져 있습니다.

칼데론 유산의 큰 부분은 "성도의 삶"으로 각색 된 종교 드라마로 가득 차 있습니다. 이 연극의 주요 아이디어는 순전히 가톨릭입니다. 그러나 칼데론은 보통 종교적인 기적을 냉정하게 비웃는 광대를 내세운다.

멋진 드라마 '신기한 마술사'는 종교극에 가깝다. 마르크스는 이 작품을 "카톨릭 파우스트"라고 불렀습니다. 연극의 주인공은 수색하고 대담한 사람입니다. 그의 영혼에는 여성에 대한 관능적 매력과 기독교 사상 사이의 투쟁이 있습니다. 칼데론의 희곡은 기독교적 금욕적 시작의 승리로 끝나지만 위대한 예술가는 세속적이고 감각적인 요소를 강력하고 아름다운 것으로 묘사합니다. 이 연극에는 두 명의 광대가 있습니다. 그들은 종교 소설에 대한 조야한 불신으로 기적을 비웃습니다.

특별한 힘으로 칼데론의 철학적 개념이 그의 드라마 인생은 꿈에 반영되었습니다. 연극에서 일어나는 사건들은 실제적일 뿐만 아니라 상징적이기도 하다. 점성술사이자 마술사인 폴란드의 왕 바실리오는 갓 태어난 아들이 악당이자 살인자가 될 것이라는 사실을 알게 됩니다. 그는 아들 Sehismundo를 사막 지역에 위치한 탑에 가두어 사슬에 묶고 동물 가죽을 입혔습니다. 따라서 Sehismundo는 태어날 때부터 죄수입니다. 사슬에 묶인 청년의 이미지는 사회적 조건에 노예처럼 의존하는 인류의 상징적 이미지입니다. 신탁의 말을 확인하기 위해 왕은 잠자는 세히문도를 궁전으로 옮기라고 명령합니다. 깨어나 자신이 통치자라는 사실을 알게 된 Sehismundo는 즉시 독재자와 악당의 특징을 보여줍니다. 그는 궁중을 죽음으로 위협하고 자신의 아버지에게 손을 들었습니다. 인간은 죄수, 쇠사슬에 묶인 노예, 전제군주이자 폭군입니다. 이것이 바로 칼데론의 사상입니다.

칼데론이 도달한 결론은 환상적이고 반동적인 성격을 띤다. 탑으로 돌아온 Sehismundo는 깨어나 궁전에서 그에게 일어난 모든 일이 꿈이었다고 결정합니다. 그는 이제 인생이 꿈이라고 믿습니다. 수면 - 부와 가난, 권력과 복종, 권리와 불의. 그렇다면 그 사람은 열망을 포기하고 억제하고 삶의 흐름을 받아들여야 합니다. 칼데론의 철학극은 로페 데 베가에게 알려지지 않은 새로운 유형의 극작이다.

칼데로이는 그의 작품에서 깊은 사실주의와 반동적 특징을 결합합니다. 그는 고귀한 명예 숭배에서 봉건 가톨릭 반동의 사상을 따르는 현실의 비극적 모순에서 벗어날 길을 봅니다.

16-17세기 스페인 문학에 내재된 모든 모순에도 불구하고, 그것이 창조한 예술적 가치, 특히 스페인 소설과 희곡은 세계 문화에 대한 탁월한 공헌이다.

건축학

조형예술도 이 시대에 절정에 이르렀다. 16세기 스페인에서 오랜 고딕 지배와 무어 건축의 전성기를 지나고 이탈리아 르네상스 건축에 대한 관심이 깨어나고 있다. 그러나 그의 패턴에 따라 스페인 사람들은 원래 이탈리아 건축 양식을 변형시킵니다.

특별한 스타일의 "herreresque"를 창안 한 뛰어난 건축가 Juan de Herrera (1530-1597)의 활동은 16 세기 후반으로 거슬러 올라갑니다. 이 스타일은 고대 건축의 형태를 취합니다. 그러나 Herrera의 가장 위대한 창조물 인 Philip II Escorial의 유명한 궁전은 전통적인 형태의 고전 건축 양식과 거의 유사하지 않습니다.

왕궁이자 수도원이자 무덤인 에스코리알이라는 개념 자체가 반종교 개혁 시대의 특징이다. 외관상 Escorial은 중세 요새와 비슷합니다. 모퉁이에 탑이 있는 정사각형 건물입니다. 일련의 사각형으로 나누어 진 사각형-격자를 연상시키는 Escorial의 계획입니다 (격자는이 건물이 헌정 된 St. Lawrence의 상징입니다). 우울하지만 장엄한 Escorial의 부피는 그대로 스페인 군주제의 가혹한 정신을 상징합니다.

건축의 르네상스 모티프는 이미 17세기 후반에 나타났습니다. 가식적이고 귀여운 것으로 전락하고, 위험한 형태의 대담함은 내면의 공허함과 내용의 부족만을 숨긴다.

그림

회화는 스페인이 세계사적으로 중요한 가치를 창조한 문학 다음의 두 번째 영역이었다. 사실, 스페인 예술은 15-16세기 이탈리아 회화 정신의 조화로운 작품을 알지 못합니다. 이미 XVI 세기 후반에 있습니다. 스페인 문화는 놀라운 독창성을 지닌 예술가를 탄생시켰습니다. El Greco (1542-1614)로 알려진 크레타 출신 인 Domeviko Theotokopuli입니다. El Greco는 이탈리아에서 오랫동안 살았으며 베네치아 학교의 유명한 거장 인 Titian과 Tintoretto로부터 많은 것을 배웠습니다. 그의 예술은 원래 스페인 토양에서 개발된 이탈리아 매너리즘의 파생물 중 하나입니다. 그레코의 그림은 궁정에서 성공하지 못했으며, 그는 톨레도에 살았고 그곳에서 그의 재능에 찬사를 보내는 사람이 많았습니다.

그레코의 예술에는 그 시대의 고통스러운 모순이 극적인 힘으로 반영되어 있습니다. 이 예술은 종교적인 형태로 옷을 입습니다. 그러나 교회 주제에 대한 비공식적 해석은 엘 그레코의 그림을 국가 소유의 교회 예술 템플릿과 거리를 두게 합니다. 그의 그리스도와 성도들은 종교적 엑스터시의 상태로 우리 앞에 나타납니다. 금욕적으로 여위고 길쭉한 그들의 모습은 불꽃처럼 구부러져 하늘에 닿을 듯하다. 그레코 예술의 이러한 열정과 심오한 심리학은 그를 시대의 이단 운동에 더 가깝게 만듭니다.

에스코리알. 건축가 후안 데 에레라. 1563년

스페인 회화는 17세기에 진정한 전성기를 누렸습니다. XVII 세기의 스페인 예술가 중. José Ribeiro(1591-1652)를 먼저 언급해야 합니다. 이탈리아 Caravaggio의 전통을 고수하면서 완전히 독창적 인 방식으로 개발했으며 스페인에서 가장 뛰어난 국가 예술가 중 한 명입니다. 그의 유산의 주요 장소는 기독교 고행자와 성도의 처형을 묘사하는 그림으로 가득 차 있습니다. 작가는 어둠 속에서 튀어나온 인체를 능숙하게 조각한다. 특징적으로 Ribeira는 그의 순교자들에게 사람들의 사람들의 특징을 부여합니다. Francisco Zurbaran(1598-1664)은 종교적 주제에 대한 대규모 작곡의 거장으로, 기도하는 엑스터시와 오히려 차가운 현실주의를 하나의 전체로 결합했습니다.

디에고 벨라스케스

가장 위대한 스페인 예술가인 Diego de Silva Velasquez(1599-1960)는 필리프 4세의 궁정 화가로 그의 생애가 끝날 때까지 남았습니다. 다른 스페인 예술가들과 달리 Velasquez는 종교화와는 거리가 멀고 풍속화와 초상화를 그렸습니다. 그의 초기 작품은 민속 생활의 장면입니다. Velazquez의 Bacchus(1628)와 Vulcan의 Forge(1630)의 신화적 장면은 이 장르와 어떤 면에서 연결되어 있습니다. 그림 "Bacchus"(그렇지 않으면 "Drunkens")에서 와인과 포도의 신은 농부처럼 보이며 무례한 농부들에게 둘러싸여 있으며 그중 한 명은 꽃으로 왕관을 씁니다. The Forge of Vulcan에서 아폴로는 일을 그만두고 놀란 표정으로 그를 바라보는 반쯤 벗은 대장장이들 사이에 나타납니다. Velasquez는 민속 유형과 장면을 묘사하여 놀라운 자연 스러움을 얻었습니다.

작가의 완전한 성숙의 증거는 그의 유명한 그림 "The Capture of Breda"(1634-1635)였습니다. 깊이 생각한 구성과 얼굴에 대한 미묘한 심리적 해석이있는 축제 군사 장면입니다. Velázquez는 세계에서 가장 위대한 초상화 화가 중 한 명입니다. 그의 작업은 종종 무자비한 진실한 심리 분석으로 표시됩니다. 그의 최고의 작품 중에는 Olivares 공작 (1638-1641), Pope Innocent X (1650) 등 스페인 왕이 가장 좋아하는 인물의 초상화가 있습니다. Velazquez의 초상화에서 왕실 구성원은 포즈를 취합니다. 중요성, 엄숙함 및 웅장 함으로 가득 차 있습니다. 그러나 과시적인 웅장함도 이 사람들이 타락의 낙인 찍혀 있다는 사실을 숨길 수 없습니다.

Velazquez의 특별한 초상화 그룹은 광대와 괴물의 이미지입니다. 그러한 캐릭터에 대한 관심은 이 시대의 스페인 예술가들에게 전형적입니다. 그러나 Velasquez는 추함이 아름다움뿐만 아니라 인간성에 속한다는 것을 보여주는 방법을 알고 있습니다. 그의 난쟁이와 광대의 눈에는 슬픔과 깊은 인간성이 종종 빛납니다.

Velasquez의 작품에서 특별한 장소는 태피스트리 제조를위한 왕실 제조소를 묘사 한 그림 "Spinners"(1657)가 차지합니다. 전경에는 여성 노동자들이 있습니다. 그들은 양털을 잣고, 잣고, 바구니를 나른다. 그들의 포즈는 자유로운 용이성으로 구별되며 움직임은 강하고 아름답습니다. 이 그룹은 태피스트리로 짜여진 것과 매우 유사한 제조소를 조사하는 우아한 여성과 대조됩니다. 작업실로 스며드는 햇빛은 모든 것에 밝은 흔적을 남기고 일상 생활의 그림에 시를 가져다줍니다.

벨라스케스의 그림은 형체의 움직임, 빛, 공기의 투명함을 자유로운 다채로운 선으로 전달한다.

Velázquez의 제자 중 가장 저명한 사람은 Bartolome Esteban Murillo(1617-1682)였습니다. 그의 초기 작품은 도시의 더러운 거리에 자유롭고 자연스럽게 자리 잡은 거리 소년들의 모습을 묘사하며 누더기 옷을 입은 진짜 신사 같은 느낌을 준다. Murillo의 종교 그림은 감상적인 특징이 특징이며 위대한 스페인 학교의 초기 쇠퇴를 증언합니다.

르네상스 (르네상스). 이탈리아. XV-XVI 세기. 초기 자본주의. 이 나라는 부유한 은행가들이 통치하고 있습니다. 그들은 예술과 과학에 관심이 있습니다.

부자와 권력자는 재능 있고 현명한 사람들을 주위에 모읍니다. 시인, 철학자, 화가, 조각가는 후원자와 매일 대화를 나눕니다. 어느 순간 사람들은 플라톤이 원했던 대로 현자들에 의해 다스려지는 것 같았다.

고대 로마인과 그리스인을 기억하십시오. 그들은 또한 주요 가치가 사람인 자유 시민 사회를 건설했습니다 (물론 노예는 포함하지 않음).

르네상스는 단순히 고대 문명의 예술을 베끼는 것이 아닙니다. 이것은 혼합물입니다. 신화와 기독교. 자연의 리얼리즘과 이미지의 진정성. 육체적, 영적 아름다움.

그것은 단지 섬광이었습니다. 전성기 르네상스의 기간은 약 30년! 1490년대부터 1527년까지 레오나르도의 창의력이 꽃피기 시작했을 때부터. 로마 약탈 전.

이상세계의 신기루는 순식간에 사라졌다. 이탈리아는 너무 약했다. 그녀는 곧 다른 독재자의 노예가 되었습니다.

하지만 이 30년이 앞으로 500년을 위한 유럽 회화의 주요 특징을 결정지었습니다! 까지 .

이미지 리얼리즘. 인간중심주의(세계의 중심이 인간일 때). 선형 관점. 오일 페인트. 초상화. 경치…

놀랍게도 이 30년 동안 여러 뛰어난 거장들이 동시에 일했습니다. 다른 때는 1000년에 한 번 태어납니다.

Leonardo, Michelangelo, Raphael 및 Titian은 르네상스의 거물입니다. 그러나 두 전임자 Giotto와 Masaccio를 언급하지 않는 것은 불가능합니다. 그것 없이는 르네상스가 없을 것입니다.

1. 지오토(1267-1337)

파올로 우첼로. 지오토 다 본도니. 그림 "피렌체 르네상스의 다섯 거장"의 단편. 16세기 초. .

XIV 세기. 프로토 르네상스. 주인공은 Giotto입니다. 혼자서 예술에 혁명을 일으킨 거장입니다. 전성기 르네상스 200년 전. 그가 아니었다면 인류가 자랑스러워하는 시대는 오지 않았을 것이다.

Giotto 이전에는 아이콘과 프레스코 화가있었습니다. 그들은 비잔틴 대포에 따라 만들어졌습니다. 얼굴 대신 얼굴. 평평한 수치. 비례 불일치. 풍경 대신 - 황금 배경. 예를 들어 이 아이콘과 같습니다.

귀도 다 시에나. 동방 박사의 숭배. 1275-1280년 Altenburg, Lindenau 박물관, 독일.

그리고 갑자기 Giotto의 프레스코 화가 나타납니다. 그들은 큰 수치를 가지고 있습니다. 고귀한 사람들의 얼굴. 늙은이와 젊은이. 슬퍼. 슬퍼. 놀란. 다른.

파도바의 스크로베니 교회에 있는 조토의 프레스코화(1302-1305). 왼쪽: 그리스도의 애도. 중간: 유다의 입맞춤(디테일). 오른쪽: 성 안나(마리아의 어머니)의 수태고지, 단편.

Giotto의 주요 작품은 Padua의 Scrovegni Chapel에 있는 그의 프레스코화의 순환입니다. 이 교회가 교구민들에게 문을 열었을 때 수많은 사람들이 그 안으로 쏟아져 들어왔습니다. 그들은 이것을 본 적이 없습니다.

결국 Giotto는 전례 없는 일을 했습니다. 그는 성경 이야기를 단순하고 이해하기 쉬운 언어로 번역했습니다. 그리고 그들은 평범한 사람들이 훨씬 더 쉽게 접근할 수 있게 되었습니다.

지오토. 동방 박사의 숭배. 1303-1305 이탈리아 파도바 스크로베니 예배당의 프레스코화.

이것은 르네상스의 많은 거장들의 특징이 될 것입니다. 이미지의 간결함. 캐릭터의 생생한 감정. 실재론.

기사에서 주인의 프레스코 화에 대해 자세히 알아보십시오.

지오토는 감탄했다. 그러나 그의 혁신은 더 이상 발전되지 않았습니다. 국제 고딕 패션이 이탈리아에 왔습니다.

100년 후에야 조토의 가치 있는 후계자가 나타날 것입니다.

2. 마사치오(1401-1428)

마사치오. 자화상 (프레스코 "강단의 성 베드로"의 일부). 1425-1427 이탈리아 피렌체 산타 마리아 델 카르미네의 브란카치 예배당.

15세기 초. 소위 초기 르네상스. 또 다른 혁신가가 등장합니다.

Masaccio는 선형 원근법을 사용한 최초의 예술가였습니다. 그의 친구인 건축가 브루넬레스키가 설계했습니다. 이제 묘사된 세계는 실제 세계와 비슷해졌습니다. 장난감 건축은 과거의 일입니다.

마사치오. 성 베드로는 그의 그림자로 치유합니다. 1425-1427 이탈리아 피렌체 산타 마리아 델 카르미네의 브란카치 예배당.

그는 Giotto의 사실주의를 채택했습니다. 그러나 그는 전임자와 달리 이미 해부학을 잘 알고 있었다.

블록 캐릭터 대신 Giotto는 아름답게 지어진 사람들입니다. 고대 그리스인처럼.

마사치오. 신입생의 세례. 1426-1427 이탈리아 피렌체에 있는 산타 마리아 델 카르미네 교회의 브란카치 예배당.

마사치오. 낙원에서 추방. 1426-1427 이탈리아 피렌체 산타 마리아 델 카르미네 브란카치 예배당의 프레스코화.

Masaccio는 짧은 인생을 살았습니다. 그는 아버지처럼 예기치 않게 사망했습니다. 27세에.

그러나 그는 추종자가 많았습니다. 다음 세대의 거장들은 그의 프레스코화를 배우기 위해 브란카치 채플에 갔다.

그래서 Masaccio의 혁신은 전성기 르네상스의 모든 위대한 예술가들에 의해 선택되었습니다.

3. 레오나르도 다빈치(1452-1519)

레오나르도 다빈치. 자화상. 1512 이탈리아 토리노 왕립 도서관.

Leonardo da Vinci는 르네상스의 거물 중 한 명입니다. 그는 회화의 발전에 큰 영향을 미쳤습니다.

작가 자신의 위상을 높인 것은 다빈치였다. 그 덕분에 이 직업의 대표자는 더 이상 단순한 장인이 아닙니다. 이들은 정신의 창조자와 귀족입니다.

Leonardo는 주로 인물 사진에서 획기적인 발전을 이루었습니다.

그는 어떤 것도 메인 이미지에서 벗어나서는 안 된다고 믿었습니다. 눈은 한 세부 사항에서 다른 세부 사항으로 방황해서는 안됩니다. 이것이 그의 유명한 초상화가 등장한 방식입니다. 간결한. 조화로운.

레오나르도 다빈치. ermine을 가진 숙녀. 1489-1490년 체르토리스키 박물관, 크라쿠프.

Leonardo의 주요 혁신은 그가 이미지를 생생하게 만드는 방법을 찾았다는 것입니다.

그 앞에서 초상화 속 인물들은 마네킹처럼 보였다. 선은 분명했습니다. 모든 세부 사항은 신중하게 그려집니다. 그린 그림은 살아있을 수 없습니다.

Leonardo는 sfumato 방법을 발명했습니다. 그는 선을 흐리게 했습니다. 빛에서 그림자로의 전환을 매우 부드럽게 만들었습니다. 그의 캐릭터는 간신히 알아볼 수 있는 안개에 가려진 것 같습니다. 캐릭터가 살아났습니다.

. 1503-1519년 루브르, 파리.

스푸마토는 미래의 모든 위대한 예술가들의 활동적인 어휘에 들어갈 것입니다.

물론 Leonardo는 천재이지만 끝까지 가져 오는 방법을 몰랐다는 의견이 종종 있습니다. 그리고 그는 종종 그림을 끝내지 않았습니다. 그리고 그의 프로젝트 중 많은 부분이 종이에 남아있었습니다 (그런데 24 권으로). 일반적으로 그는 의학에 던져진 다음 음악에 던져졌습니다. 한 번에 봉사하는 기술조차도 좋아했습니다.

그러나 스스로 생각하십시오. 19 그림 - 그리고 그는 모든 시대와 민족의 가장 위대한 예술가입니다. 그리고 누군가는 평생 6,000개의 캔버스를 쓰면서 위대함에도 못미친다. 분명히 누가 더 높은 효율성을 가지고 있습니다.

기사에서 주인의 가장 유명한 그림에 대해 읽어보십시오.

4. 미켈란젤로(1475-1564)

다니엘레 다 볼테라 미켈란젤로(세부). 1544 뉴욕 메트로폴리탄 미술관 소장.

미켈란젤로는 자신을 조각가라고 생각했습니다. 그러나 그는 보편적인 주인이었습니다. 그의 다른 르네상스 동료들처럼. 그러므로 그의 회화 유산은 그다지 웅장하지 않습니다.

그는 주로 신체적으로 발달된 캐릭터로 알아볼 수 있습니다. 그는 육체적인 아름다움이 영적인 아름다움을 의미하는 완벽한 남자를 묘사했습니다.

따라서 그의 모든 캐릭터는 너무 근육질이고 강건합니다. 여성과 노인도.

미켈란젤로. 바티칸 시스티나 예배당에 있는 최후의 심판의 프레스코화 조각.

종종 미켈란젤로는 인물을 알몸으로 그렸습니다. 그리고 위에 옷을 입혔습니다. 몸을 가능한 한 엠보싱 처리합니다.

그는 혼자서 시스티나 예배당의 천장을 그렸습니다. 이것은 수백 자리이지만! 그는 아무도 페인트를 문지르지 못하게 했습니다. 예, 그는 사교적이지 않았습니다. 그는 거칠고 다투는 성격을 가졌습니다. 그러나 무엇보다도 그는 자신에 대해 불만족했습니다.

미켈란젤로. 프레스코 "아담의 창조"의 단편. 1511년 바티칸 시스티나 성당.

미켈란젤로는 장수했습니다. 르네상스의 쇠퇴에서 살아남았습니다. 그에게 그것은 개인적인 비극이었습니다. 그의 후기 작품은 슬픔과 슬픔으로 가득 차 있습니다.

일반적으로 미켈란젤로의 창의적인 길은 독특합니다. 그의 초기 작품은 인간 영웅에 대한 찬사입니다. 자유롭고 용감합니다. 고대 그리스 최고의 전통에서. 그의 다윗처럼.

지난 몇 년 동안 - 이들은 비극적 인 이미지입니다. 일부러 거칠게 다듬은 돌. 마치 우리 앞에 20세기 파시즘의 희생자들을 기리는 기념비가 있는 것처럼. 그의 "피에타"를 보세요.

피렌체 미술 아카데미에 있는 미켈란젤로의 조각품. 왼쪽: 데이빗. 1504 오른쪽: 팔레스트리나의 피에타. 1555년

이것이 어떻게 가능한지? 한 예술가는 일생 동안 르네상스에서 20세기까지 예술의 모든 단계를 거쳤습니다. 다음 세대는 무엇을 할 것인가? 자신의 길을 가십시오. 막대가 매우 높게 설정되었음을 알고 있습니다.

5. 라파엘(1483-1520)

. 1506 우피치 미술관, 피렌체, 이탈리아.

라파엘은 결코 잊혀지지 않았습니다. 그의 천재성은 생전과 사후에 항상 인정되었습니다.

그의 캐릭터에는 관능적이고 서정적인 아름다움이 부여됩니다. 지금까지 만들어진 가장 아름다운 여성 이미지로 정당하게 간주되는 사람은 바로 그 사람입니다. 외적인 아름다움은 여 주인공의 영적 아름다움을 반영합니다. 그들의 온유함. 그들의 희생.

라파엘. . 1513 독일 드레스덴 올드 마스터스 갤러리.

"아름다움이 세상을 구할 것이다"라는 유명한 말 Fyodor Dostoevsky가 정확히 말했습니다. 그가 가장 좋아하는 사진이었습니다.

그러나 관능적인 이미지만이 라파엘의 장점은 아니다. 그는 그림의 구성에 대해 매우 신중하게 생각했습니다. 그는 회화에서 타의 추종을 불허하는 건축가였습니다. 또한 그는 항상 공간 구성에서 가장 단순하고 조화로운 솔루션을 찾았습니다. 그렇지 않을 수 없는 것 같습니다.

라파엘. 아테네 학교. 1509-1511년 바티칸 사도 궁전의 방에 있는 프레스코화.

라파엘은 겨우 37년을 살았습니다. 그는 갑자기 죽었습니다. 감기에 걸리고 의료 오류가 발생했습니다. 그러나 그의 유산은 과대 평가할 수 없습니다. 많은 예술가들이 이 거장을 우상화했습니다. 그리고 그들은 수천 개의 캔버스에 그의 관능적인 이미지를 곱했습니다..

Titian은 탁월한 컬러리스트였습니다. 작곡에도 많은 실험을 했다. 일반적으로 그는 대담한 혁신가였습니다.

그런 뛰어난 재능 때문에 모두가 그를 사랑했습니다. "화가의 왕이자 왕의 화가"라고 불립니다.

Titian에 대해 말하면 각 문장 뒤에 느낌표를 넣고 싶습니다. 결국 그림에 역학을 가져온 것은 바로 그 사람이었습니다. 파토스. 열광. 밝은 색. 색상의 광택.

티치아노. 마리아의 승천. 1515-1518년 베니스의 산타 마리아 글로리오시 데이 프라리 교회.

말년에 그는 특이한 글쓰기 기술을 개발했습니다. 스트로크는 빠르고 두껍습니다. 페인트는 브러시 또는 손가락으로 적용되었습니다. 이것으로부터 이미지가 더욱 생생하고 숨 쉬고 있습니다. 그리고 플롯은 훨씬 더 역동적이고 극적입니다.

티치아노. 타르퀴니우스와 루크레티아. 1571 Fitzwilliam 박물관, 케임브리지, 영국.

이것은 당신에게 아무것도 생각 나지 않습니까? 물론 기술입니다. 그리고 XIX 세기 예술가의 기술 : Barbizon and. 미켈란젤로처럼 티치아노도 일생에 500년의 그림을 그리게 됩니다. 그래서 그는 천재입니다.

기사에서 마스터의 유명한 걸작에 대해 읽어보십시오.

르네상스 예술가들은 위대한 지식의 소유자입니다. 그런 유산을 남기기 위해서는 공부를 많이 해야 했다. 역사, 점성술, 물리학 등의 분야에서.

따라서 각각의 이미지는 우리를 생각하게 만듭니다. 왜 표시됩니까? 여기서 암호화된 메시지는 무엇입니까?

그들은 거의 틀리지 않습니다. 앞으로의 일을 철저히 생각했기 때문입니다. 그들은 지식의 모든 짐을 사용했습니다.

그들은 예술가 그 이상이었습니다. 그들은 철학자였습니다. 그들은 그림을 통해 우리에게 세상을 설명했습니다.

그렇기 때문에 그들은 항상 우리에게 매우 흥미로울 것입니다.

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