음악 용어 사전. 노래하거나 말합니까? 음악에서 레치타티브란 어떻게 새로운 형식이 등장했는가

로드 싱어 누구의 암송. 자연스러운 음성의 리드미컬하고 인토네이션 패턴을 재현합니다. 본문의 주요 레치타티브는 시와 산문이 될 수 있습니다.

다양한 유형의 암송이 있습니다.

• 건조 (secco) 및 동반 (accompagnato);
• 측정(템포);
• 멜로디(아리오소와 동일).

모든 유형의 암송에서 정확하고 의미 있는 암송은 매우 중요합니다.

바로크와 비엔나 고전의 성악에서는 레치타티보 secco와 accompagnato가 사용되었으며, 나중에는 다른 유형의 레치타티보가 종종 혼합되었습니다.

오페라와 오라토리오에서 레치타티브는 보통 건조한 반주를 동반하며 아리아 사이의 연결 고리 역할을 합니다. 동시에 극적인 행동은 암송에 반영되고 이에 대한 캐릭터의 감정적 반응은 아리아에 반영됩니다.

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✪ 암송? 이게 뭔가요?

자막

건성 암송

가수는 일반적으로 일련의 코드(장식 및 선율 없음)로 구현되는 연속 저음의 반주에 맞춰 노래하며 분위기를 표현하지 않고 단지 가수의 음조를 나타내고 구두점을 강조하는 역할만 합니다. 화음은 주로 레치타티보에 휴식이 있는 곳에서 사용됩니다. 가끔 쉼표가 있는 두 악절 사이에 짧은 리토르넬로가 삽입되어 분위기를 표현하는 도형이 나온다. 그러한 레치타티보에는 선율적인 내용이 거의 없습니다. 텍스트의 각 음절에는 하나의 소리만 필요합니다. 그러한 암송의 형식은 불명확하며 텍스트에 전적으로 의존합니다. 가수는 템포가 아닌 자유롭게 노래합니다.

암송 반주

가수가 바소콘티누오 파트(오르간, 하프시코드 등)만 반주하는 건식 암송과 달리, 아콤파냐토 레치타티브(이탈리아어 반주, 문자 그대로 "반주 포함")에서는 글로 된 파트가 있는 악기가 사용됩니다(최대 전체 오케스트라). 이러한 유형의 레치타티보는 하이 바로크(J.S. 바흐의 열정)와 고전주의 시대의 음악(K.F. 글럭, A. 살리에리 등의 오페라)에서 발전했습니다.

측정 암송

측정 레치타티브(템포)는 4/4, 3/4 등 다양한 크기로 발생합니다. 특별히 멜로디가 풍부하지 않은 레치타티브를 부르는 동안 반주는 트레몰로로 지속되거나 연주되는 화음의 형태로 끝까지 진행됩니다. . 그런 반주에는 지휘 동기, 즉 그림이 없다. 형식은 불명확하고 키의 교대는 임의적입니다. 음절당 하나의 음표가 있습니다. 이러한 레치타티브는 템포로 연주되며 전체적으로 지휘됩니다.

노래하는 암송

노래하는 암송(아리오즈 가창)은 가장 발전된 암송 형식입니다. 보컬 부분은 멜로디 콘텐츠로 구별됩니다. 단어의 한 음절은 때때로 두 개 이상의 소리를 가질 수 있습니다. 측정된 것과 마찬가지로 이 레치타티브는 전조 계획에 의해 제약을 받지 않습니다. 양식은 대부분 무료입니다. 반주의 음악적 내용은 이전 레치타티보와 비교하여 화성적 및 리듬적 용어 모두에서 더 풍부합니다. 그 안에 그림 (동기)이 담겨 있습니다.

둥글고 완성도가 높지만 무릎 길이의 창고가 부족한 노래를 부른다.

오페라, 오페레타, 뮤지컬 등. 종종 작은 음악 형식은 그것 없이는 할 수 없습니다. 그리고 그는 음악에 대한 일반적인 이해를 완전히 대체하여 음악 작품의 머리가되었습니다. 암송이란 무엇이며 음악에서 어떤 역할을 하는지 이 기사에서 알아봅니다.

개념

암송은 리듬과 멜로디의 영향을 받지 않는 음악의 보컬 형식입니다. 반주가 있을 때 소리가 날 수도 있고 실제로 일반적인 음악 설정 중간에 있는 것처럼 들릴 수도 있습니다. 음악에서 암송이 무엇인지 이해하기 위해서는 이 요소가 존재하는 음악 작품을 보다 자세히 분석할 필요가 있다.

암송은 구절의 일반적인 암송에 기인할 수 없습니다. 왜냐하면 이 구절에는 운율이 항상 포함되어 있지 않기 때문입니다. 암송을 표현 수단으로 생각하면 영웅의 감정 상태와 멜로디 기법으로 표현할 수없는 주요 경험을 자주 반영하는 사람은 바로 그 사람입니다.

새로운 형태가 탄생한 방법

기원에 대해 이야기하면 고대로 깊숙이 들어갑니다. 서사적이고 의식적인 노래, 민요 및 동요는 종종 암송에 지나지 않았습니다. 고대의 전문 음악도 대화의 순간이 풍부했습니다. 우선 이것은 시편, 전례와 같은 신성한 음악에 적용되었습니다.

그러나 레치타티브가 무엇인지에 대한 개념 자체는 오페라 장르의 출현과 함께 탄생했습니다. 첫 번째 표현은 선율적인 암송이었습니다. 사실 초기 낭송은 선율적인 낭송 방식으로 고대 비극을 되살리려는 의도였다.

시간이 지남에 따라 멜로디는 그 의미를 잃어 버렸고 17 세기 말에 암송은 명확한 윤곽을 얻었으며 성악에서 독립적 인 장르로 확고하게 자리 잡았습니다.

암송이란 무엇인가

암송이 일반적으로 인정되는 음악, 리듬 및 멜로디 법칙을 따르지 않는다는 사실에도 불구하고 이 장르를 음악에 조화롭게 포함시킬 수 있는 규칙이 여전히 있습니다.

레치타티티브 곡에 라임과 명확한 리듬이 없으면 드라이 세코로 간주됩니다. 스타카토 화음의 빈약한 반주로 발음됩니다. 이 경우 반주는 극적 효과를 높이는 역할을 한다.

레치타티티브에 라임이나 명확한 리듬이 부여되면 측정된 템포라고 하며 오케스트라와 함께 연주됩니다.

또한 이 장르는 멜로디 라인으로 구성되어 있습니다. 이 경우 암송이 무엇인지 이해하려면 음악 형식의 정의를 참조해야 합니다. 암송 노래는 단순히 그것을 가지고 있지 않을 수 있습니다. 자유로운 형식과 연주 방식은 선율적인 레치타티보 또는 아리오소의 존재를 나타냅니다.

레치타티브는 어디에 사는가

구어체 형식은 클래식 오페라 음악에서 가장 자주 사용됩니다. 레치타티보의 발전에 무한한 가능성을 열어준 것은 성악 장르였다. 오페라에서 그것의 주요 목적은 일반적인 음악 내용에 반대하고 극적인 악센트를 만드는 것이었다. 단일 보컬리스트, 앙상블 또는 합창단이 무대에서 연주할 수 있습니다.

이 장르는 J.S. Bach의 작품에서 훌륭하게 응용되었습니다. 요한에 따르면 수난에서 특히 두드러졌습니다. J.S. 바흐는 이런 의미에서 그의 모든 동시대 사람들을 능가했다고 말해야 합니다. 가장 좋아하는 극적 기법은 K. V. Gluck과 W. A. ​​Mozart의 레치타티보였습니다.

러시아 오페라 음악에서는 레치타티보가 다소 늦게 등장했다. Dargomyzhsky, M.P. Mussorgsky, N. A. Rimsky-Korsakov의 음악에서 가장 분명하게 나타납니다. P.I. 차이코프스키는 특히 아리오소 형식을 능숙하게 사용했습니다. 소비에트 고전에 관해서는 S.S. Prokofiev와 D.D. Shostakovich가 암송 발전에 특별한 공헌을했습니다.

레치타티보: 현대 음악의 예

영화 "Irony of Fate, or Enjoy Your Bath"에서 주인공은 A.S. Kochetkov의 "The Ballad of a Smoky Carriage"를 공연합니다.

얼마나 고통스러워, 자기야, 얼마나 이상해

가지와 얽힌 지구와 비슷합니다.

얼마나 고통스러워, 자기야, 얼마나 이상해

톱 아래에서 둘로 나뉩니다.

암송이 클래식 음악에만 국한된 현상이라고 생각한다면 현대에서 찾아보십시오. 이를 위해서는 음악과 함께 시나 산문을 낭송하는 것을 상상하는 것으로 충분하다.

위에 제시된 암송은 기악 반주를 따르지 않기 때문에 건조한 것으로 간주됩니다.

랩과 힙합은 현대에서 측정된 레치타티보의 가장 놀라운 예라고 할 수 있습니다. 암송의 새로운 측면과 가능성을 열어준 것은 현대 음악의 이러한 영역입니다.

록 오페라와 같은 현대 음악 장르에서 암송 없이는 상상할 수 없습니다. 오페라의 클래식 버전에서와 같이 노래는 때때로 구어로 바뀝니다.

숙련된 음악가도 그 다양성과 형식에 혼란스러워할 수 있습니다. 하지만 이제 레치타티보가 무엇인지 알게 되었고, 어떤 것과도 혼동하지 않을 것입니다.

발레(이탈리아 볼로의 프랑스 발레 - 댄스, 댄스) - 주요 예술적 수단이 춤인 대형 뮤지컬 - 오케스트라 음악과 함께 그림 같은 장식 디자인으로 극장 무대에서 공연되는 판토마임. 독립적 인 댄스 장면 형태의 발레는 때때로 일부입니다.

여흥(lat. intermedia - 중간에 위치) - 1. 큰 작품의 더 중요한 부분 사이에 배치되는 작은 뮤지컬. 2. 주요 연극 작품에 삽입되거나 직접적으로 관련되지 않은 작업의 개발을 중단합니다. 3. 일반적으로 기악 작품에서 지나가는 에피소드에서 두 공연 사이를 연결합니다.

인터메조(it.intermezzo - 일시 중지, 중단) - 더 중요한 섹션을 연결합니다. 또한 다양한 성격과 내용의 분리된, 주로 도구적인 부분의 이름입니다.

소개(lat. 소개 - 소개) - 1. 작은 오페라 하우스, 직접 실행. 2. 음악의 고유하고 특성이 있는 모든 것의 첫 부분.

칸트(lat. cantus에서-노래)-17-18 세기 러시아, 우크라이나 및 폴란드 음악에서 반주없이 3 부 합창단을위한 서정적 노래; Peter I 시대에 공식 축하 행사에서 수행되는 쾌활한 행진과 같은 (참조) 캐릭터의 인사 성가가 퍼졌습니다.

코다(it. coda - 꼬리, 끝) - 일반적으로 활기차고 성급한 성격의 음악 작품의 마지막 부분으로 주요 아이디어, 지배적 이미지를 주장합니다.

콜로라투라(it. coloratura - 채색, 장식) - 채색, 다양한 유연하고 움직이는 구절, 장식으로 멜로디를 변경합니다.

착색(라틴어에서 색상-색상) 음악에서-다양한 사용 및 기타 표현 수단을 사용하여 달성되는 에피소드의 주된 감정적 색상.

축가-크리스마스 축하 (새해 전야)와 관련된 이교도 기원의 슬라브 민속 의식의 일반 이름.

지폐(fr. coupure - 클리핑, 감소) - 제거, 건너뛰기, - 또는에 의한 음악 조각 축소.

레즈긴카- 변덕스럽고 성급한 코카서스 사람들 사이에서 흔히 볼 수있는 춤; 크기 2/4 또는 6/8.

동기(그것에서. motivo - 이유, 동기 부여 및 lat. motus - 움직임) - 1. 독립적인 표현적 의미를 갖는 부분; 소리 그룹은 하나의 악센트 - 스트레스를 중심으로 결합된 멜로디입니다. 2. 상식적으로 - 멜로디, 멜로디.

야상곡(fr. nocturne-night)-19 세기에 퍼진 표현적인 멜로디 캐릭터를 가진 비교적 작은 기악 (드물게-) 서정적 명상 캐릭터의 이름.

하지만(lat. nonus-ninth에서)-9 명의 참가자를위한 비교적 드문 유형의 오페라 또는 실내악.

오 예(Greek ode)-엄숙한 칭찬 캐릭터의 문학 (더 자주-)에서 빌린 음악 작품의 이름.

팔중주(lat. octo - 여덟) - 여덟 참가자.

풍자적 개작 시문(그리스어 parodià, para - 반대 및 ode - 노래, 노래, 편지, 그 반대로 노래) - 왜곡, 조롱을 목적으로 한 모방.

전주곡, 전주곡(라틴어 prae - before 및 ludus - game에서 유래) - 1. 서론, 작품의 서론 또는 완성된 뮤지컬 등 2. 다양한 내용, 성격 및 구조의 작은 기악 작품에 대한 통칭.

첫날- 첫 공연, 극장에서; 음악 작품의 첫 공연(주요 작품에만 적용).

어릿광대-XI-XVII 세기의 러시아 민속 예술 운반자, 순회 배우, 음악가 및 무용수.

소나타 알레그로- 소나타의 첫 부분이 쓰여지는 형식과 - 빠르게 지속되는 형식(알레그로). 소나타 알레그로 형식은 제시부, 전개부, 재현부의 세 부분으로 구성됩니다. 박람회는 메인과 사이드에서 생성된 두 개의 중앙 대조되는 음악적 이미지의 프레젠테이션입니다. 개발-