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전시회 바틱 및 도자기 이름의 변형. Tatyana Kapustina의 바틱 전시회

1월 말 체레포베츠에서 현지 예술가의 바틱 전시회가 열렸습니다. 카푸스티나 타티아나"서클"이라고 불렀습니다.

Panteleev Memorial Workshop에서 그녀의 바틱 그림을 볼 수 있습니다. 지역 센터에서 이러한 이벤트는 저자에게 처음입니다. Kapustina는 20년 이상 천에 그림을 그려왔습니다.

Tatyana Igorevna는 1949년에 태어나 1973년 Moscow Textile Institute를 졸업했습니다.

전시회는 차갑고 뜨거운 바틱 기법으로 만든 작품을 선보입니다. 이들은 장식 패널, 그림 및 기타 인테리어 아이템입니다. 작품의 특징은 추상, 연상 및 식물 모티프가 우세하다는 것입니다. Tatyana는 작곡에서 꼬이고 소용돌이치는 선을 특히 좋아합니다. 컬렉션 "서클".

전시회를 연 Irina Balashova는 거의 항상 작가의 차가운 바틱이 밝고 대조되는 색상으로 만들어졌지만 그녀의 뜨거운 기술은 단색 조합을 좋아한다는 사실에 주목했습니다.

아마추어뿐만 아니라 동료들도 그림에 대해 많은 아첨하는 리뷰를 남겼습니다. 다음은 지역 예술가 연합 회장의 말입니다.

“작품이 있습니다 – 한 눈에 미끄러 져 갔고 이것들 – 그들은 노래합니다! 그림은 미묘하고 세심합니다. 이 전시를 영적인 측면에서 생각하면 매우 밝고 관객에게 부담을 주지 않고 오히려 영감을 줍니다.”

그녀의 작업은 직물 마스터의 고대 경험과 최신 개발 및 기술, 그리고 그녀 자신의 영적 세계관이 조화롭게 얽혀 있기 때문에 매우 현대적입니다.

작품은 밝고 긍정적이며 특이합니다. 무엇보다도 Tatyana Igorevna는 패널을 만드는 것을 좋아합니다. 인테리어가 그녀의 창의적인 개성을 더 생생하게 표현하는 데 도움이되기 때문입니다. 이 이미지 또는 저 이미지에 대해 저자에게 영감을 주는 것이 항상 흥미로운가요? Kapustina 자신이 이에 대해 말한 내용은 다음과 같습니다.

어떤 이유로 나는 바틱을 예술로 인식하지 않았거나 오히려 그것에 대해 생각하지 않았습니다. Batik은 아름다운 숄, 흥미로운 바느질 작업, 모든 종류의 방울, 물방울, 오버플로 및 실크입니다.
그리고 우연히 물 박물관을 방문했을 때 캔버스가 늘어선 작은 방에 들어갔습니다. 컷에서 나는 그것이 무엇인지 말하고 보여줄 것입니다)

이것은 Carl Faberge의 이름을 딴 예술 공예 대학 학생들의 전시회였습니다. 여기에서 다시 한 번 발견: 그렇게 큰 이름을 가진 기관은 한때 견습생을 위한 학교, 그 다음에는 노동 청소년을 위한 일종의 학교, 그 다음에는 직업 학교, 그리고 지금은 대학이었던 오래된 무언가인 것처럼 항상 나에게 보였습니다. 하지만! 이 학교는 2005년에 설립되었습니다!

놀랍게도 모든 작품에 서명이 없었습니다. 이는 유감스럽고 제 생각에는 어떻게 든 잘못된 것입니다. 그러나 이제 여러 작품에서 한 작가의 손을 구별하는 것이 가능하다는 것을 알게 될 것입니다.

박람회 주석에 따르면 "바틱"이라는 단어는 인도네시아 바틱에서 유래했으며 여기서 ba는 천이고 tik은 방울입니다.

그리고 전시회 설명을 인용하겠습니다. 각 그림은 작가의 영혼과 태도의 일부입니다.

여기 2층 바틱 - 녹인 왁스 붓기, 롤러 등을 이용한 가장 복잡한 도장기법 그리고이 모든 것은 작가에게 놀라운 표현의 자유를 제공하는 풍경 장르로 표현됩니다. 물 세계의 아름다움을 특별한 언어로 전달하는 것은 "바티 키스트"예술가들이 스스로 설정하고 의심 할 여지없이 대처한 작업입니다.

캔버스-강, 제방의 주철 울타리, 석조 주택, 골목, 사원이있는 도시의 조용한 거리-예술가가 물에 대한 인식을 전달하는 얼어 붙은 음악.

그림의 풍경은 차분하고 영적이고 부드럽고 세련되며 반성하기 쉽습니다. 이번 박람회는 관객들로 하여금 바다의 수면과 큰 강과 작은 개울을 따라 여행을 떠나고 신비한 수중 세계까지 들여다보게 하는 것 같다"고 말했다.

물론 정말 죄송합니다. 저는 미술 평론가가 된 적이 없지만 제 생각에는 그들은 설명에 너무 똑똑했습니다.) 전체 박람회를 하나의 주제로 통합하려는 시도를 분명히 느낄 수 있습니다. -the-way는 그것에 대해 계획합니다. 예를 들어 그냥 바틱 심포니라고 부르지 않겠습니까? 아니면 물 박물관에 전시하는 것이 불가능할까요?

그것이 무엇이든 작품 자체가 인상을 남겼습니다! 나야, 다시 미안해, 전화를 클릭했고 모니터가 종종 왜곡됩니다. 일반적으로 내 말을 믿으십시오. 색상, 전환은 단순히 마법입니다!

큰 기쁨으로 사진을 가까이서 보았습니다. "어떻게했는지"가 궁금했습니다.) 감탄하면서-멀리서. 모든 획은 매우 사실적인 그림(플롯에 필요한 경우)으로 합쳐져 볼륨감 있게 보입니다.

다양한 스타일은 기술이 부당하게 관심을 끌지 못한다고 확신합니다. 적어도 나에게는) 응용 예술이 아닌 예술로 바틱을 자주 만나십니까?

여기, 나는 이것을 위해 휴가를 떠납니다) 저와 조금 더 많은 인상을 공유해 주셔서 감사합니다))

추신. 놀랍게도 물 박물관 자체에도 자체 웹 사이트가 없지만 Mosvodokanal 웹 사이트에는 비참한 섹션 만 있습니다. 그래서 이번 전시회 날짜에 대한 정보를 찾지 못했다고 말할 필요가 없기 때문에 아쉽게도 방문을 추천 할 수 없습니다. 하지만 누군가가 정말로 원한다면 박물관에 전화를 걸 수 있다고 생각합니다.

전통 섹션의 간행물

러시아 회화 패턴의 수수께끼

Gzhel 요리는 항상 파란색과 흰색이었고, 10월 혁명 이후에 태어난 전통 그림은 무엇이며, 칠해진 관은 왜 빛을 발합니까? 우리는 민속 공예의 비밀을 이해합니다.

황금 그릇. Khokhloma 그림

주인은 양동이를 쳐서 작업을 시작했습니다. 그는 린든, 아스펜 또는 자작 나무에서 나무 블록 (버클)을 준비했습니다. 그들은 나무 숟가락과 국자, 컵과 소금통을 만들었습니다. 아직 그림으로 장식되지 않은 접시를 린넨이라고 불렀습니다. 리넨은 여러 번 밑칠하고 건조시킨 다음 노란색, 빨간색 및 검은 색 톤으로 칠했습니다. 꽃 장식, 꽃, 딸기, 레이스 잔가지가 인기 있는 모티브였습니다. Khokhloma 요리의 숲 새는 농부들에게 러시아 동화에 나오는 Firebird를 상기시켜주었습니다. “불새가 집을 지나 날개로 그릇에 닿으니 그릇이 금빛이 되었더라”.

도안을 그린 후 제품에 건성유를 2~3회 바르고 주석이나 알루미늄 가루를 표면에 문질러 오븐에서 건조시켰다. 열로 굳힌 후 꿀빛을 띠고 정말 금처럼 빛났습니다.

18 세기 초 러시아 전역의 판매자와 구매자가 모이는 Makariev 박람회에 요리가 가져 오기 시작했습니다. Khokhloma 제품은 전국적으로 알려졌습니다. 19세기부터 유럽과 아시아 전역에서 온 손님이 니즈니 노브고로드 박람회에 오기 시작했을 때 세계 여러 곳에서 채색된 요리가 나타났습니다. 러시아 상인들은 인도와 터키에서 제품을 판매했습니다.

눈 덮인 배경과 파란색 패턴. 그젤

눈 덮인 배경과 파란색 패턴. Gzhel. 사진: rusnardom.ru

눈 덮인 배경과 파란색 패턴. Gzhel. 사진: gzhel-spb.ru

눈 덮인 배경과 파란색 패턴. Gzhel. 사진: Sergey Lavrentiev / Photobank Lori

Gzhel 점토는 14세기부터 Ivan Kalita 시대부터 알려졌습니다. 지역 장인들은 그것을 "약종상의 필요를 위한 그릇", 접시, 어린이 장난감을 만드는 데 사용했습니다. 19세기 초에 도자기가 만들어지는 Gzhel volost에 공장이 나타났습니다. 이곳의 첫 번째 기업은 상인 Pavel Kulichkov가 1810년에 설립했습니다. 처음에는 도자기 접시에 그림을 그렸지만 19 세기 중반에 같은 색조의 흰색과 파란색 네덜란드 타일과 중국 도자기의 유행이 러시아에 왔습니다. 곧 눈 덮인 배경의 파란색 패턴은 Gzhel 페인팅의 특징이 되었습니다.

도자기의 품질을 확인하기 위해 페인팅하기 전에 제품을 fuchsin-red aniline 페인트에 담갔습니다. 도자기는 고른 분홍색으로 칠해졌고 균열이 눈에 띄었습니다. 코발트 페인트로 칠한 마스터 - 소성하기 전에 검게 보입니다. 브러시와 페인트로만 작업하는 특수 기술의 도움으로 아티스트는 20개 이상의 파란색 음영을 만들었습니다.

Gzhel 플롯은 무성한 장미 (여기서는 "agashki"라고 함), 겨울 풍경, 민화 장면입니다. 아이들은 썰매를 타고, Emelya는 연못에서 파이크를 잡고, 마을 사람들은 Maslenitsa를 축하합니다 ... 그림을 그린 후 접시를 유약으로 덮고 해고했습니다. 블랙 패턴의 핑크 제품은 전통적인 모습을 얻었습니다.

빛나는 브로치와 보석 상자. Fedoskino 래커 미니어처

"아텔을 조직했을 때 7인용 푸쉬킨 작품 컬렉션은 단 한 개뿐이었습니다. 이는 우리가 대부분의 미니어처를 푸쉬킨의 이야기에 썼다는 사실을 크게 설명합니다."
Alexander Kotukhin, 미니어처

1932년에 Palekh 예술가들은 Palekh 래커 미니어처라고 불렀던 Maxim Gorky를 만났습니다. "10월 혁명이 만든 기적 중 하나". 그의 요청에 따라 Ivan Golikov는 The Tale of Igor 's Campaign의 디럭스 에디션을 위해 미니어처를 그렸습니다.

2014년 5월 23일부터 6월 29일까지 콜롬나 중앙 전시장에서 "여행으로의 초대" 전시회가 열립니다. 전시회에서 선보인 바틱을 감상해 봅시다.

Lyubov Toshcheva는 공화당, 지역 및 지역 전시회에 정기적으로 참여하는 Malyutin Prize의 수상자 인 러시아 예술가 연합의 회원입니다. 그녀의 작품 중 일부는 모스크바에 있고 다른 많은 작품은 러시아, 독일, 체코, 헝가리, 프랑스 및 이탈리아의 갤러리 및 개인 소장품에 있습니다. 그녀의 스톨은 힐러리 클린턴을 비롯한 유명 여성들이 착용합니다.

Toshcheva Lyubov "Night Fairy" 콜드 바틱, 실크

Toshcheva Lyubov "러시아의 아름다움" 콜드 바틱, 실크

Toshcheva Lyubov "연인" 콜드 바틱, 실크

Toshcheva Lyubov "비밀 문" 콜드 바틱, 실크

Toshcheva Lyubov "Prosperity" 콜드 바틱, 실크

Toshcheva Lyubov "평화" 콜드 바틱, 실크

Toshcheva Lyubov "At the top" 콜드 바틱, 실크

Toshcheva Lyubov "Infinity" 콜드 바틱, 실크

Toshcheva Lyubov "겨울의 여왕" 콜드 바틱, 실크

Toshcheva Lyubov "봄의 여왕" 콜드 바틱, 실크

Toshcheva Lyubov "여름의 여왕" 콜드 바틱, 실크

Toshcheva Lyubov "가을의 여왕" 콜드 바틱, 실크

Toshcheva Lyubov "슬픔의 음악" 콜드 바틱, 실크

Toshcheva Lyubov "기쁨의 노래" 콜드 바틱, 실크

Toshcheva Lyubov 콜드 바틱, 실크

마리나 에드문도브나 오를로바

러시아 연방 명예 예술가 Marina Edmundovna Orlova는 Ivanovo School of Artistic and Industrial Design, 직물 예술 디자인학과를 졸업했습니다. 텍스타일 아티스트로 활동. 1979년부터 그는 미술 전시회에 참가해 왔습니다. 러시아 예술가 연합 회원 (1991), 러시아 디자이너 연합 회원 (2002). 바틱 기술 분야에서 일하는 중요한 마스터 중 한 명은 러시아와 해외에서 모두 알려져 있으며 수많은 연합, 공화당, 지역 및 국제 전시회에 참가했습니다. 2012년 그녀는 삼부작 "대결"로 그랑프리를 수상했습니다. Shadows of the Past"는 모스크바의 장식 및 응용 예술 박물관에서 열린 1812년 전쟁에 관한 전시회에서 전시되었습니다.

러시아의 영예로운 예술가 Marina Orlova "바다의 비밀"(삼부작) Gor. 바틱, 낫. 실크

러시아 명예 예술가 Marina Orlova "Old Leaves"(diptych) Gor. 바틱, 낫. 실크

러시아 Orlova Marina Gor의 영예로운 예술가. 바틱, 낫. 실크

Irina Nikolaevna Kazimirova는 가장 재능있는 바티키스트 중 한 명입니다. 이바노보에서 태어났다. 1974년 그녀는 Ivanovo Chemical-Technological College에서 텍스타일 디자인 학위를 취득했습니다. 그녀의 작품은 장식 예술 분야의 예술가와 전문가들 사이에서 잘 알려져 있습니다. 그녀의 작품은 러시아뿐만 아니라 독일, 인도, 이탈리아, 룩셈부르크에서도 전시되었습니다. 그녀는 러시아 예술가 연합(Union of Artists of Russia)과 국제 미술 협회(AIAP - UNESCO)의 회원입니다.

Kazamirova Irina "승자 경례" Nat. 비단, 산 납결 염색법

Kazimirova Irina "Forbs 1" Nat. 비단, 산 납결 염색법

Kazimirova Irina "By the water 1"Nat. 비단, 산 납결 염색법

Kazimirova Irina "By the water 2"Nat. 비단, 산 납결 염색법

Kazimirova Irina "알파인 힐 1" Nat. 비단, 산 납결 염색법

Kazimirova Irina "Alpine Hill 2" Nat. 비단, 산 납결 염색법

Kazimirova Irina "폭포" Nat. 비단, 산 납결 염색법

Kazimirova Irina "거울" Nat. 비단, 산 납결 염색법

Kazimirova Irina“키퍼. 새" Nat. 비단, 산 납결 염색법

Kazimirova Irina“키퍼. 레오" 냇. 비단, 산 납결 염색법

Kazimirova Irina "Red Irises"Nat. 비단, 산 납결 염색법

Kazimirova Irina "비타민"Nat. 비단, 산 납결 염색법

Kazimirova Irina "On the window"Nat. 비단, 산 납결 염색법

Kazimirova Irina "저녁" Nat. 비단, 산 납결 염색법

밀로세르도바 안나
Anna는 두 번 예술에 입문했습니다. 첫 번째는 예술가 가족에서 태어나고 형성되었으며 두 번째는 Anna가 모스크바 철학 학부에서 교육을받은 독일 철학 분야에서 탄탄한 경험을 가진 이미 성숙한 사람입니다. 그녀가 시 번역의 꿈에 밀려났던 주립대학교.
예술 교육 (가정의 귀중한 분위기 외에도) Anna는 Moscow State Textile Academy에서 받았습니다. Anna의 창의적인 경로의 특징은 시적, 연구 및 예술적 열망이 얽혀 있다는 것입니다. 이교도 문화의 지혜에 대한 사랑, 언어, 심리학 및 민족학의 교차점에서의 연구, 시, 소설, 여러 언어로 된 대중적이고 전문적인 문학의 수많은 번역, 국제 슬라브 언어학 및 지역 연구 학부의 창설 모스크바 대학과 인문학 통합 학부의 지도력, 언어 교육 및 고대 문화 등이이 사람의 관심과 활동 범위입니다. Anna의 작업은 전문가, 매장 동료 및 가장 광범위한 청중 모두에게 똑같이 매력적입니다. 그녀는 예술적 창의성 분야에서 명예 증서와 학위를 반복적으로 수여 받았습니다. 2008년 안나 밀로세르도바는 일련의 바틱과 페인팅 패널로 러시아 예술 아카데미의 디플로마를 받았습니다. 현재 작가는 모스크바 예술가 연합의 AHDI, 러시아 예술가 연합, IHF 및 문화 예술 협회의 회원입니다.

Miloserdova Anna "June rain"시리즈 "나비 날개의 해"실크, 혼합. 면/바틱

Miloserdova Anna "동부 달력"시리즈의 "Dragon"실크, 바틱, 믹스. 기술

계속.

"페인트로 쏟은 영혼"

실제로 일반적인 하드 "캐리어"를 그리는 것이 훨씬 더 편리합니다. 원시 예술가들조차 이것을 알고 있었고 그들의 창조물은 영원히 보존되었습니다. 그러나 일부 예술가는 어려움에 직면합니다. 그들은 천에 그림을 그리는 것을 선택합니다. 동시에 모든 사람은 기질에 따라 "맛보기"기술을 선택합니다. 누군가는 달궈진 밀랍 냄새와 천장의 신비로움에 영감을 받고, 누군가는 자유로운 그림과 현대적인 염료의 편리함에 영감을 받습니다.

Tatyana Shikhireva는 다음과 같이 말합니다. 그리고 내가 빛을 가졌던 것과 어두운 것을 항상 염두에 두어야 합니다. 그런 작품을 거부하기 어려울 정도로 흥미롭고 흥미진진하다.
다른 사람들은 옷을 위해 특별히 직물을 칠하는 것을 선호합니다. 파블렌코).
일부 태피스트리 마스터는 바틱에서도 작업하고 다른 마스터는 한 가지에서 멈춥니다. “항상 더울 때는 그때 어땠는지 생각해야합니다. 항상 눈앞에서 일하는 것이 아니라 밀랍 껍질입니다. 할 때 화재 위험이 있습니다(한 번 발생했습니다!). 추위에-일종의 경박함. 그리고 모든 곳에서 - 기술 - 90%! 태피스트리를 사용하면 모든 것이 정반대입니다. 예, 많은 준비가 있습니다. 그러나 그 과정은 동화입니다. 2x2처럼 간단합니다. 즉, 플롯, 구성, 플라스틱 솔루션의 모든 창의적인 긴장 ... 펜이 깨끗합니다. 이미지는 즉시 볼 수 있습니다. 아마도 모든 것이 측면에 있지는 않지만 뜨거운 바틱에 비하면 아무것도 아닙니다.”라고 Olga Popova는 말합니다.
Elena Dorozhkina는 실크에 그림을 그리는 것을 선호합니다. 그들은 내 창의적인 욕구를 제한하고 복잡한 구성 아이디어를 구성하는 것을 허용하지 않습니다. 콜드 바틱은 윤곽선입니다-경계선이며 미묘하고 그림 같은 색조를 만들 수 없습니다. 뜨겁다-완전히 왁스로 모든 것이 매우 장식적이지만 단음절이고 평평한 이러한 기술은 일반적으로 바틱이 발명 된 의류 용 직물 장식을 포함합니다. 나에게는 충분하지 않습니다. 수년간의 바틱 작업 과정에서 실크에 내 플롯을 실현할 수 있는 나만의 기술을 발견했습니다. 내 기술은 무료 그림입니다. 일반적으로 예비 스케치에 따르면. 실크를 사용하면 페인트가 아름답고 부드럽게 퍼지며 종종 새로운 효과 자체를 제안합니다. 이를 포착하고 보여주고 강조하기만 하면 됩니다. 그 과정은 복잡하고 미묘하지만 흥미롭습니다. 우리는 이 기술과 상호 작용한다고 말할 수 있습니다.” .
도로즈키나 엘레나(Korolev시). 여름. 2005. 실크. 무료 그림. 49x50cm. 와 함께 기다리다

이번에는 소련에서 작가의 바틱의 기원 인 기원으로 다시 돌아 갑시다. 라트비아 태피스트리 학교의 설립자인 예술가 Rudolf Heimrat(1926–1992)는 1950년대에 바틱과 도자기로 경력을 시작했습니다. 1960년대 초, 리투아니아 예술 직물 학교의 설립자인 Juozas Balchikonis(1924–2010)는 뜨거운 바틱 기법에 대한 실험을 시작했습니다. 이들은 리투아니아 민요와 전설을 기반으로 한 리넨 커튼과 벽 패널이었습니다. 그의 경험은 특히 그가 바틱에 식물성 염료를 사용한 유일한 예술가(소련과 현재 러시아)인 것처럼 보이기 때문에 여전히 흥미롭습니다. 예를 들어 작가는 나무 껍질, 이끼, 녹에서 녹색과 갈색 톤을 얻었습니다. 그의 아들 Kestutis도 독창적이고 시적인 작품을 창작했습니다.
발치코니스 케스투티스(리투아니아). Neman에서의 휴가. 1978. 코튼. 뜨거운 바틱. 230x304cm 리투아니아 국립 박물관.
세련된 인물이 노에 앉아 있고 오른쪽에는 세 개의 "은혜"가 춤을 추고 있으며 구성 중앙에는 나무와 백조가 있습니다.

프레스코 화에 가까운 기념비적 인 바틱은 전시회에서 강한 인상을 남겼습니다. 바틱이 공공 인테리어에서 자리를 차지할 가치가 있다는 것이 분명해졌습니다.
1970년대 초 모스크바에서 열린 유오자스 발치코니스(Juozas Balchikonis) 전시회는 이리나 트로피모바(Irina Trofimova)에게 큰 인상을 심어주었고 그녀는 이 예술 형식에 전 생애를 바쳤습니다. 작가는 델리에서 바틱 기법을 공부했다. 그녀는 많은 아시아 공화국과 동남아시아 국가를 방문했습니다. 작가의 바틱에서 반세기 동안 (1962 년부터) 그녀는 뜨거운 바틱, 자신의 스타일 및 캔버스의 기념비적 인 크기 (일반적으로 크기는 265x100cm)를 배신한 적이 없습니다. Irina Trofimova는 전통적인 고대 기술이 작가의 가능성을 제한하지 않고 창의성에 도움이 된다고 믿습니다. 러시아의 영예로운 예술가인 그녀는 30년 이상 "봄" 협회에서 일했습니다. 그녀는 1,000개가 넘는 수상 경력에 빛나는 헤드스카프용 테마 및 기념품 디자인을 만들었습니다. 100개 이상의 기념비적 패널이 있으며, 그 중 다수는 국내외 박물관에 보관되어 있습니다. 그리고 매년 다양한 주제에 대한 새로운 시리즈가 있습니다. 캔버스에는 일반적으로 시대와 정확히 일치하는 의상을 입은 큰 인물, 선택한 주제를 상징하는 물건이 있습니다. 등장인물들은 기도하고, 읽고, 춤추고, 말하고, 그곳에서, 얼어붙은 영원으로부터 우리를 지켜봅니다.
트로피모바 이리나(모스크바). 이집트. 중국. 중세. 삼부작. 2010. 코튼. 뜨거운 바틱. 265x100cm.

2011년 11월, Irina Trofimova는 모스크바의 Belyaevo Gallery에서 열린 독특한 Textile Fresco 전시회의 영감이자 주최자가 되었습니다. 러시아 여러 도시에서 온 예술가들의 대규모 작품(2미터부터)만 여기에 전시되었습니다. 센티미터.
우리 앞에 대형 작업이 있으면 깊은 내용을 기대합니다. 이 특이한 전시회는 바틱의 실용주의가 아닌 고상한 영적 hypostasis를 상기시키기 위해 고안되었습니다.
현재 기념비적인 바틱의 기원은 고대로 거슬러 올라갑니다. 인도 동굴 사원 프레스코화의 복잡한 주제 구성은 나중에 다른 그림 기법을 사용하여 만든 천으로 전환되었습니다. 이들은 벽의 커튼, 벽감 및 사원 문, 의식 전차에 대한 신성한 그림이었습니다. 중세 이후로 보존된 직물에는 신화적이고 서사적인 플롯이 있으며 때로는 궁정 생활의 장면이 있습니다. 사원 커튼이 알려져 있으며 크기는 3x6(8) 미터에 이릅니다. 두꺼운 페인트 스틱으로 그림을 그렸습니다. 왁스 바틱은 인도 남부에서 개발되었습니다.
그러나 우리 나라로 돌아갑니다. Irina Trofimova에 이어 다른 사람들이 바틱에 참여하기 시작했습니다. 그래서 유럽에서 원형 교차로 방식으로 발트해 예술가들을 통해 직물에 패턴을 만드는 예비 기술이 다시 러시아에 왔습니다.
섬유 산업 (직물, 헤드 스카프, 커튼 디자인)에서 일하는 예술가에게 작가의 바틱은 70 년대부터 자유로운 창의력을 발휘할 수있는 출구가되었습니다.
페레스트로이카 시대에 바틱은 소유권이 주장되지 않은 예술가들에게 좋은 도움이 되었습니다. 많은 태피스트리 마스터가 페인팅으로 전환했습니다. 1990년대 말부터 점점 더 많은 학생들이 논문 작업을 위해 바틱을 선택하고 점점 더 노동 집약적인 태피스트리를 선택합니다. 최근 몇 년 동안 장식 예술은 "문제의 시간", 대규모 비엔날레, 트리엔날레 (주최자의 취향에 따라 유보가 있음에도 불구하고)를 통해 모든 지역의 예술가를 동시에 볼 수있는 기회를 제공합니다. 바틱에 대한 그런 전시회는 없었지만 인터넷은 점차 경계와 거리를 파괴하여 "라이브"작품과 가상 작품의 인상이 매우 다를 수 있지만 많은 것을 볼 수 있습니다.
불리 체프 유리.시간. 역학. 앨범.

선택한 기술과 하나의 스타일로 평생 동안 성공적으로 작업해 온 아티스트가 있습니다. 다방면의 작가가 있고 한 작품에서 그들의 작품에 대한 인상을 남기는 것은 불가능하기 때문에 가능한 경우 그들의 사이트 주소를 제공합니다. 우리는 그들 중 일부를 수년 동안 알고 있었고 다른 일부는 다양한 텍스타일 페인팅 기술에서 흥미롭게 작업하기 시작했습니다. 지금 유행하는 "등급"을 만들지 않기 위해 아티스트를 무작위 순서로 제시합니다.

Elena Kosulnikova의 작품에서 좁은 천의 길쭉한 형식 (250 (300) x 90cm)은 "장면 뒤"의 러시아 열린 공간의 폭을 보는 데 방해가되지 않습니다. 원주민과 항상 약간 슬픈 풍경, 수세기 동안 약간의 변화와 페레스트로이카. 이 시리즈의 최근 작업 인 "Russian North"에서는 마치 태양이 나오고 눈이 녹고 우울한 단색을 깨고 다가오는 봄에 우리를 기쁘게하는 것처럼 더 많은 색상이 나타났습니다.
코술니코바 엘레나(모스크바). 러시아 북부. 2011. 뜨거운 바틱.

저자의 최신 작품은 인상을 반영

러시아 명예 예술가 Tatyana Shikhireva의 작품은 무지개의 모든 색으로 반짝이는 "한 예술가 극장"입니다. 실크에 뜨거운 바틱 기법을 사용한 그녀의 작품은 즉시 알아볼 수 있습니다. Beautiful Lady, Columbine, Pierrot, Harlequin의 진지한 열정에 대한 이야기입니다. 각 구성은 다른 나라와 시대의 역사에서 절묘한 이야기가 됩니다. “이 이미지에서 전개되는 드라마, 비극을 보여주고 싶어요. 나는 항상 음모에서 나옵니다. 예를 들어 프릴이 달린 목, 꽃이있는 결혼식과 같이 세부 사항을 그리는 것을 정말 좋아합니다. 다른 시대에 대한 흥미로운 언급. 나는 역사, 다양한 시대의 패션에 관한 책을 많이 파고, 나 자신의 이미지를 찾아 나만의 그림을 만듭니다.”라고 작가는 말합니다. 종종 여러 장면이 시리즈가 아닌 단일 구성을 구성하는 모양이 다른 여러 캔버스에서 한 번에 재생됩니다. 때때로 액션은 프레임에서 계속되며, 여기에서 자신의 캐릭터에 관심을 갖는 작가를 만날 수도 있습니다. 기둥 뒤에 누가 숨어 있습니까? 자신이 아닌가...?
쉬키레바 타티아나(모스크바). 포고. 컴포지션의 왼쪽입니다. 2000. 핫 바틱 앨범.

Ivan Kharchenko의 일련의 바틱에서 사람의 규모, 거의 보이지 않는 머리, 거대하지만 캔버스에 맞지 않는 우아하고 우아한 황소 시체의 숨막히는 차이는 참을 수없는 것 같습니다. 마치 매우 가까운 저점으로 인해 날카롭게 압축된 시각으로 바라보고 있는 것처럼 말이다. 그럼에도 불구하고 러시아 민속 의상을 입은 작은 남자가이 투우에서 승리합니다. "동물 자체"를 극복합니다.
카르첸코 이반(Sergiev Posad). 말괄량이 길들이기. 좋아요. 2010. 코튼. 뜨거운 바틱

그리고 Tatyana Chagorova의 ( "많은 소녀-나는 혼자입니다")와 같은 대담한 음모는 아직 바틱에 없었던 것 같습니다. 형태도 특이합니다. 5 개의 큰 캔버스로 구성된 단일 구성입니다.
차고로바 타티아나(펜자). "많은 여자 - 나 혼자야." Polyptych. 2010. 코튼. 뜨거운 바틱. 180x80cm. 각 부분

바틱은 일반적으로 흰색 캔버스로 시작하기 때문에 눈은 천으로 작업하는 예술가에게 비옥한 주제입니다. 나머지 장소에 색 반점을 적용하는 것만 남아 있습니다 ... Olga Gamayunova의 삼부작은 자개 인레이와 비슷하며 신비한 광채와 부드러운 색조로 유혹합니다. “내 작품의 세계는 이상화 된 중세 시대입니다. 성과 끝없이 펼쳐진 들판과 숲, 산과 강 사이의 작은 마을. 계절은 그곳에서 바뀌고 삶은 평소와 같이 계속됩니다. 물론 Walter Scott과 Tolkien의 영향이 있지만이 모든 것은 이미 내 작품에서 말하려고하는 내 내면의 일부입니다. 세 부분은 형식적으로 연결된 것이 아니라 하나의 구성이다.
가마유노바 올가(모스크바). 겨울. 삼부작의 중앙 부분. 2006. 실크. 콜드 바틱

Marina Lukashevich(1968–2000)는 수년 전에 모든 주제가 바틱에 적합한 것은 아니라는 편견을 반증했습니다. 그녀는 한때 "비단에 생명이 있습니까?"라는 전시회 제목을 생각해 냈습니다. 그리고 그녀의 실크에는 실생활과 멋진 삶이있었습니다. 차가운 바틱 기법의 그녀의 작품에는 절대적인 느슨함, 빛, 자유로운 드로잉, 무한한 상상력, 유머, 밝은 장식성, 독창적 인 손글씨가 보입니다.
마치 경주에 있는 것처럼 이미지는 존재하지 않는 것에서 벗어나기 위해 서두르고 있습니다. 그녀는 얇은 실크에 거의 투명한 두 개의 구성이 병렬로 배치되는 2층 바틱 기술을 발명했습니다. "볼륨" 사진." 그 결과 특히 시청자 자신이 움직이는 경우 생생한 움직이는 이미지의 환상이 나타납니다.
루카셰비치 마리나(모스크바). 천사. 실크.

루카셰비치 마리나.남자와 고양이. 실크. 더블 바틱

(개인 사이트에서 가져온 사진)

재능은 종종 다면적입니다. 카바레 극장 "The Bat"의 여배우로서 그녀는 철학적 주제에 대한 동화와 에세이를 썼고 애니메이션에 참여했습니다. 일찍 세상을 떠난 마리나 루카셰비치의 작품은 이곳에서 감상할 수 있다. 그녀의 웹사이트.

Anna Miloserdova의 비정상적으로 장식적인 작품은 오랫동안 고려되어 점점 더 중요한 세부 사항을 찾을 수 있습니다. 분명히 William Blake는 그러한 예술가에 대해 썼습니다 (S. Ya. Marshak 번역).
“영원을 보기 위해 한 순간에,
광활한 세계는 한 알의 모래 속에 있고,
한 줌에 - 무한대
그리고 하늘은 꽃 한 잔에 있습니다.
가장 작은 세부 사항과 기호의 만화경에서 요염하고 그래픽으로 정확하며 간결한 이미지가 형성되며 그 뒤에는 큰 문화적 계층이 느껴집니다. 실제 새, 호랑이, 뱀, 양이 엄청나게 아름다운 생물로 변합니다. 작품은 예상치 못한 각도, 과장, 친밀하고 친절한 세계관을 끌어들입니다. 새는 특히 좋습니다. 거만한 칠면조, 누군가의 졸린, 솜털과 깃털의 따뜻한 편안함, 봄 웅덩이에서 튀는 참새의 기쁨. 쾌활한 다색 코끼리의 패턴은 치수가없는 여성용 스커트로 밝혀졌습니다 ...
코끼리 상아와 같은 디테일을 결합하여 개별 패널을 하나의 작품으로 연결하는 재치 있는 기법입니다.
밀로세르도바 안나(모스크바). 일의 과정. 삼부작. 2007. 실크. 콜드 바틱, 페인팅. 70x210cm 모스크바, 다윈 박물관 앨범

현대 예술가들의 작품에서 전통적인 상징이 어떻게 형식적인 인용이나 잘 알려진 일련의 기호가 아니라 유기적으로 살아나는지 관찰하는 것은 흥미로운 일입니다. 상징이 새로운 형태를 취할 때 그것은 마치 작가의 오늘날의 삶에 대한 이해와 굴절되어 다시 태어난 것과 같습니다. O. Lozhkina의 작업에서. "조상의 노래"-엘크와 사냥꾼의 원시 그림은 먼 땅에서 볼 수 있도록 바위에서 얇은 천으로 옮겨졌습니다. 그림과 기호는 곱하고 곱하여 직물의 바위 해안을 다른 시대의 고대 기호가 혼합된 것으로 바꿉니다. 마치 “여기 있습니다! 우리는 살아 있고 당신과 함께 있습니다. 우리는 인류가 쓴 최초의 책인 당신의 조상의 목소리이기 때문에 우리를 잊지 마십시오! 더 낮은 섬이 솟아 오르고 살아 나고 신화적인 천상의 무스 중 하나 인 하늘까지 자랍니다-세계의 여주인, 두 번째는 이미 그것에서 분리되었습니다 ...
로지키나 O.(Izhevsk). 조상의 노래. 차가운 바틱. 145x60cm.

진지한 (맞춤 제작이 아닌) 바틱의 철학적 주제는 드물며 해결 된 주제도 흥미롭게 장식적입니다. Svetlana Shikhova는 그림에 전통적인 우즈벡 퀼트 기법을 추가했습니다. 스티치는 리저브 라인을 따라 통과한 다음 컬러 스폿을 분리합니다.
시코바 스베틀라나(우즈베키스탄, 페르가나). 멜론 판매자. 2010. 실크. 70x60cm.

예술가가 Alexander Talaev의 작품에서와 같이 완전히 자유로운 그림과 같은 간단한 기술조차 기초로 삼 자마자 캔버스는 기념비적 인 예술로 바뀝니다.
Talaev Alexander.크리스마스 밤. 2009. 실크. 무료 그림

Maria Kaminskaya의 플롯은 무한히 다양합니다. 이들은 들판과 정원의 꽃, 해양 생물과 곤충, 사실적인 일상의 세부 사항, 풍경, 우아한 장식 구성으로 둘러싸인 실제 및 가상의 인물, 때로는 신비하고 때로는 시적이며 때로는 밝고 때로는 우울합니다. 이 작가의 세계에서는 물고기도 저마다의 얼굴과 성격을 가지고 있다. 내부에는 항상 도시가 진짜이거나 발명된 것 뒤에 있는 창문이 있습니다. 다색 또는 미묘한 단색 패널, 간결하거나 끝없이 볼 수 있는 디테일. 작품에 묘사된 것이 무엇이든 그것은 항상 장식적이고 회화적이며 동시에 사실적이다. 앨범.
카민스카야 마리아(모스크바). 울리야. 실크로드 시리즈에서. 2011. 실크. 그림. 70×70cm.

카민스카야 마리아.잠자리. 실크로드 시리즈에서. 2009. 실크. 차가운 바틱. 33×80cm.

예술에서 나만의 테마, 나만의 스타일을 찾아 서명을 보지 않고도 알아볼 수 있도록하는 것은 작가에게 중대한 과제입니다. 밝은 작가의 손글씨는 예술의 주요 기적을 만듭니다.
예술가가 자신의 계획을 실현하는 데 때때로 얼마나 많은 인내, 시간 및 독창성이 필요한지! 때때로 실험은 Sergei Pushkarev(1954–2006)의 작업에서와 같이 매우 특이한 기술을 발생시킵니다. 그는 수채화로 왁스 종이에 스케치에서 실크 스크린 인쇄를 사용했습니다. 작가는 접힌 천에 염료를 사용하여 페인팅하는 자신만의 기법을 개발했습니다. 플랫한 형태로 이미지를 에어브러시로 추가했습니다. 앨범.
세르게이 푸쉬카레프(Sergiev Posad). 겨울 태양. 1985. 실크. 저자의 기술. 90x160cm

세르게이 푸쉬카레프.고대 음악. 삼부작의 일부. 1980. 실크. 저자의 기술. 90x110cm 모스크바 현대미술관

특이한 기술은 인상, 감정, 삶의 의미에 대한 철학적 탐색과 같이 표현하기 어려운 것을 작업에서 전달하는 데 도움이되었습니다.
“... 우리는 우리 안에서 그리고 우리 위로 무한대로 날아갑니다.
땅의 궁창이 슬프도다
(작가의시에서).

서로 다른 유형의 예술을 결합할 때 종종 흥미로운 것이 나타납니다.
빅토리아 크라브첸코(1941–2009) 바틱에 에칭을 추가했습니다. 더 많은 일.

동시에 바틱 작업을하는 북 그래픽 아티스트 Elena Uzdenikova는 페르시아 동화의 책 삽화와 실크에 그림을 유기적으로 결합했습니다. 출판될 때(고대 두루마리와 달리) 삽화는 일반적인 인쇄 방식으로 만들어지지만 미니어처는 직물에 그리는 특이한 효과를 유지합니다. 앨범.
우즈데니코바 엘레나.페르시아 동화 "황금 잉어" 삽화. 2002. 실크. 콜드 바틱, 페인팅. 15x25cm.

영혼, 아크릴 및 박물관 직물 정보

장식 예술에 대해 이야기 할 때 누군가에게 아무리 이상하게 보일지라도 작가를 흥분시키는 살아있는 감정과 생각은 천에 그림으로 전달할 수 있습니다. 그리고 저자가 실제로 가지고 있다면 해당하는 비표준적이고 자연스러운 구성 솔루션을 쉽게 찾을 수 있습니다. 그런 다음 사각형, 줄무늬 및 기타 기하학적 모양으로 평면을 나누는 형식적인 방법이 필요하지 않습니다. 이러한 "스캐 폴딩"은 의미 론적 부하를 전달하지 않습니다.
Stroganovka에서 교사와 학생의 졸업 프로젝트 스케치에 대한 토론에 참석했습니다. 그녀의 태피스트리는 완전히 정식 버전으로 George the Victorious의 이미지에 헌정되었습니다. 스케치는 유능하게 세 부분으로 나뉘었고 내부의 다른 부분으로도 나뉘어졌습니다. "그녀에게 Hecuba는 무엇입니까?" 어린 소녀가이 음모에 너무 열정적이어서 그녀의 창의적인 삶의 몇 달을 보낼 수 없었던 것 같습니다 ...
"페인트로 당신의 영혼을 쏟으세요", 그리고 당신은 의도적으로 또는 무의식적으로 당신의 고통과 기쁨을 보는 사람과 공유합니다. 그러면 그의 영혼에 응답이 있을 것입니다.
관람자에게 그림의 기법을 이해하지 못한다면 작품이 어떤 기법으로 만들어지는지는 중요하지 않습니다. 그는 이미지를 전체적으로 인식합니다.
꽃잎과 함께 흩날리는 듯한 꽃, 열광하는 관객에게 곧 떨어질 듯한 파도는 환상적인 진정성과 기술력에 놀라움을 금치 못한다. 전문적인 기술은 부정할 수 없이 필요합니다. 그러나 예술 작품에서 기술이 가장 중요하고 사진의 정확성이 작가의 목표입니까? 무엇이든 냅킨에 독창적이고 간결하게 초상화를 그릴 수 있었던 Anatoly Zverev를 회상하십시오.
뜨거운 왁스로 작업하는 것은 매혹적이며 고대 마법과 비슷합니다. 예술가가 뜨거운 바틱의 "순수한"기법으로 작업하는 경우 이는 특히 흥미롭지 만 이것이 차가운 바틱과 다른 작가의 혼합 기술이 "나쁘다"는 의미는 아닙니다. 그것들은 직물을 장식하는 다른 방법일 뿐입니다. 직물에 염료를 묻혀 직접 문양을 만드는 기술은 예약 방식보다 더 오래되었을 가능성이 큽니다. 미네랄 페인트로 실크에 그림을 그리는 것은 중국의 전통입니다. 예를 들어 일본 예술가들은 오랫동안 기모노, 스텐실, 절묘한 그림, 자수, 금박을 동시에 만들어 왔습니다.
키모노.파편. 일본

별개의 예술 유형뿐만 아니라 예술, 기술 및 과학까지 혼합되는 우리 시대에 호기심 많은 예술가가 한 작품에 다른 기술을 결합하는 것은 놀라운 일이 아니지만 특정 유형의 그림의 순수성은 고유 한 매력이 있습니다. . 직물에 대한 새로운 작업 방법이 지속적으로 발명되고 있으며 업계는 새로운 요청에 신속하게 응답하거나 자체적으로 구성합니다.
아크릴 페인트는 고대 광물 페인트의 현대적인 유사품이며 페인트에 소금을 첨가하고 전분, 트라가칸트, 젤라틴 등을 두껍게 만드는 것과 같은 염료 확산을 처리하는 이전 방법입니다. 유성 페인트는 러시아의 오래된 판화에서 연극 의상을 만드는 데 적극적으로 사용되었습니다. . 캔버스에 유화 물감으로 그린 그림도 천에 그림을 그리고 있다. 그러나 예를 들어 유화로 오인될 수 있는 다른 기술로 직물에 그림을 그리는 것은 긍정적인 현상으로 간주될 수 없으며 다른 기술을 통해 한 기술을 모방하는 것입니다. 조밀한 커버링 페인트는 예술가들에게 종이처럼 패브릭에 자유롭게 그림을 그릴 수 있는 기회를 제공했습니다. 작가는 자신의 아이디어를 최대한 표현하는 데 도움이 될 기술적 수단을 선택합니다. 용도에 따라 다양한 유형의 염료가 사용됩니다. 밀도가 높은 염료는 천에 그림을 그리는 데 편리하지만 의류에는 적합하지 않습니다.
“내가 보기에 전문가는 알려진 모든 기술에 익숙하고 사용 가능한 모든 기술을 소유한 사람입니다. 나는 종종 작가의 새로운 효과, 새로운 기술 및 기술을 일으키고 그들과 함께 시청자의 새로운 분위기와 감각, 새로운 세계관까지 ...
저는 아크릴을 적극 활용하는데, 좋은 발명품도 소홀히 해서는 안 된다고 생각합니다. 이것은 다양성, 넓고 활동적인 팔레트, 내구성, 긴 수명, 새로운 효과입니다. 사실, 페인트는 빛에 다르게 반응합니다. 이것을 고려해야합니다 ... 왜 종이가 아닌 직물에 아크릴입니까? 직물은 종이가 아니기 때문입니다. 아크릴은 종이와 직물을 이퀄라이징하지 않으며, 기법의 선택을 결정하지도 않습니다. 다른 속성, 다른 효과, 따라서 다른 솔루션, 다른 결과, 다른 인식. 텍스타일 작업이 종이에 인쇄하지 않는 이유를 제시한다면 저자는 재료를 완전히 알고 이해하지 못하고 그 기능을 사용하는 방법을 모르는 것입니다.”라고 Anna Miloserdova는 말합니다.
실용적인 제품 범주에서 이젤 작업으로 이동 한 바틱은 때때로 장식 효과를 잃고 원근감, 볼륨, 키아로 스쿠로와 같은 그림의 특징을 얻습니다. 뜨겁거나 차가운 바틱의 "순수한"기술은 예술가가 고전적인 방법의 특성을 사용하여 장식 예술의 틀 안에 머물도록 강요합니다.
커버링 아크릴 페인트를 선택하면 작가는 그 아래에 면사가 명확하게 얽혀 있고 실크 실의 생생한 광택이 숨겨 질 것이라는 사실을 찾습니다. 1624년 실크 페인팅 매뉴얼에는 "바디 페인트가 실크 표면을 너무 두껍게 덮어 그림이 빛나고 적절한 투명도를 갖지 못하게 합니다"라고 기록되어 있습니다. 패턴은 통에서 전통적인 바틱 염색이나 액체 염료로 페인팅하는 경우와 같이 직물의 구조에 침투하지 않고 단일 전체로 변하지 않고 표면에 남아 있습니다.
기술이 서로 겹쳐지는 경우가 발생하며 이는 패턴과 직물에 대한 폭력으로 인식됩니다. 가장 간단한 솔루션이 일반적으로 가장 좋은 솔루션입니다.
이젤 바틱에서 연상되는 롤러, 스탬프 또는 기계화 기술의 사용은 의미가 없어 보입니다. 그래서 작가의, 독특하다. 스탬프는 패브릭이나 실용적인 제품의 복제 생산에 적합합니다.
그리고 슬픈 일에 대해 : 점점 더 자주 아름다움의 개념이 예술 작품, 아름다움의 개념을 떠납니다.
밝은 색상은 아직 "밝은" 작업을 보장하지 않습니다. 그렇게 만드는 것은 작가의 개성이다. 분명히 그녀는 또한 자신의 고유한 손글씨를 찾는 데 도움을 줍니다.
개장일, 아트 살롱 및 인터넷을 통해 활발하게 판매되는 바틱은 이제 때때로 매우 전문적으로 만들어지고 있습니다. 그러나 그들은 구매자의 평균적인 취향 ( "사진에서와 같이 상세하고 이해할 수 있고 예쁘다")을 위해 설계 되었기 때문에 심각한 예술적 가치가 없기 때문에 복제되고 자체 작가 스타일이 거의 없습니다.
물론 구현의 문제는 항상 작가에게 맞닥뜨린다. 박물관은 바틱에 거의 관심을 기울이지 않습니다. 얇은 천의 취약성, 빛과 물에 대한 두려움, 태피스트리보다 열등한 바틱의 취약성, 그림 캔버스보다 훨씬 더 구매자의 눈에 그 가치를 낮추고 가격을 낮 춥니 다.
재능있는 손에서 바틱은 무한히 다양합니다. 유리관, 핀 또는 영창으로 그린 선명한 드로잉 라인과 왁스 브러시로 생생하고 독특한 스트로크입니다. 이것은 리저브 라인 내부의 로컬 스폿으로 염색되거나 새로운 재료의 명확한 그래픽과 결합된 무료 페인팅의 부드러운 오버플로입니다.
오늘날 인테리어 디자인에서 바틱을 다른 예술 형식과 합성하여 사용하는 보다 적극적인 실험이 흥미로울 것입니다.
현대 예술가들의 작품은 모든 것이 바틱에 종속되어 있음을 보여줍니다. 모든 테마 및 스케일: 대형, 하이 포맷, 심지어 직렬까지, 따라서 직물 너비의 초기 한계를 극복합니다.
모든 장르는 바틱에 사용할 수 있습니다: 풍경과 초상화, 추상 장식 구성 및 장르 장면, 정물 및 동물.
고디치 마리나.겨울 저녁. 2010. 실크. 차가운 바틱. 56x56cm. 앨범.

바틱은 전시장이나 박물관, 공공장소에서 대형 커튼이나 거창한 크기로 공연 시작 전부터 관객들에게 깊은 인상을 남길 수 있다. 소파 위의 집이나 엄격한 감독실에 걸려있는 작은 그림으로 만족할 수 있습니다. 바틱은 식탁보, 냅킨, 전통적인 국가 및 유럽 의류로 변할 수 있습니다.
그는 단 하나의 약점이 있습니다. 시간에 대한 무방비 상태입니다. 그러나 수명이 짧은 패브릭은 종종 제작자보다 오래갑니다. 모든 작가의 작품을 위한 안식처를 찾을 수 있는 예술 작품 아카이브가 있다면 우리는 훨씬 더 부유해질 것입니다. 지금까지는 박물관만이 이 문제를 어느 정도 극복했습니다. 바틱이 아니라면 일반적으로 직물에 대한 박물관을 러시아에 만들 때입니다. 그리고 역사와 현대 바틱 모두에 전념하는 진지하고 대규모 전시회로 시작할 수 있습니다.

사진에 대해 E. Dorozhkina, M. Kaminskaya, T. Mazhitova, E. Uzdenikova, I. Kharchenko 및 Sergei Pushkarev 가족에게 감사드립니다.
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