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뱅가드 재즈. 아방가르드 재즈 아방가르드 재즈

2013년 4월 25일

"아방가르드는 대중성과 순전히 상업적인 것에 반대한다는 명목으로 존재한다..."

미술 이론가이자 시나리오 작가인 로버트 맥키(Robert McKee)

지난 세기의 50년대 후반과 60년대 초반에 등장한 혁신적인 재즈 음악은 프리 재즈에 매우 근접한 사운드로 아방가르드 사운드와 전통 재즈의 요소가 혼합된 것이었습니다. 이것은 20세기의 가장 강력한 음악 현상 중 하나인 아방가르드 재즈였습니다.

플래시처럼

세계적인 규모의 아방가르드 재즈 발전은 John Coltrane과 같은 밝고 다채로운 성격의 영향을 받았습니다. 이 웅장한 재즈 뮤지션은 즉흥 연주 학교, 특히 아방가르드 재즈에 영향을 준 재즈 음악의 역사에서 진정으로 중요한 인물이 되었습니다.

“나의 주요 목표는 영적인 삶을 살고 음악으로 표현하는 것입니다. 이렇게 살면 음악이 그런 삶의 일부가 되기 때문에 쉽게 연주할 수 있다고 믿습니다. 음악은 우리 안에 아주 아주 깊숙이 있습니다. 우리 각자에게. 내 음악은 경험, 믿음, 내 존재의 표현이다…” - Coltrane의 이 말은 그의 작품을 가장 잘 특징짓는 말입니다.

1940년대에 이 음악가는 거의 알려지지 않았고 주로 소규모 오케스트라에서 연주했습니다. 그러나 1955년에 John Coltrane은 당시 인기가 있었던 Miles Davis 밴드의 일원이 되었습니다(조금 후에 다시 돌아올 예정입니다). 하지만 그것은 무대에 불과했다. 잠시 후 Miles와 John 간의 협업이 중단됩니다. 60년대 초에 John Coltrane은 그의 미래 작업을 결정하는 솔로 음악을 만들기 시작했습니다. 이것이 그의 가장 전설적인 앨범 A Love Supreme, Giant Steps, Africa/Brass 및 Coltrane Jazz가 탄생한 방식입니다. 이 작품들은 아방가르드 재즈의 기초를 연구하는 독자가 되었다. 그리고 앨범 A Love Supreme은 그래미상 후보에 2번 올랐고 그의 베스트 셀러 창작물이 되었습니다.

아반떼가든

1960년대에 등장한 아방가르드 재즈는 전통적인 재즈를 '족쇄'에서 해방시켜 리듬의 조화를 강화하려는 광적인 욕망이 특징이었다. 이 방향은 재즈에서 근본적으로 새로운 음악적 표현 수단에 의존하기 시작했으며 이전에는 알려지지 않은 특이한 기술이 나타났습니다. 많은 아방가르드 재즈 연주자들은 "명확한 경계가 없을 때 사운드의 새로운 측면을 찾기 위한 유익한 창의성을 위한 더 많은 공간이 있습니다"라고 말했습니다. 그리고 그들은 옳았습니다.

전 세계 수백만 명의 사람들의 마음 속에 사랑하는 이 위대한 음악가는 41세까지만 살았습니다. 그의 경력은 플래시 같았고 밝고 강력했지만 짧았습니다. 33세에 유명해진 John Coltrane은 여전히 재즈계에서 가장 뛰어난 인물 중 한 명입니다. 또한 그는 Harveyites의 아프리카 정교회에 의해 시성되었습니다.

논란이 많고 독창적인

토네이도와 뇌운이 자주 방문하는 주 일리노이에 사는 수줍은 소년은 학업 연주자이자 가장 재능있는 재즈맨을 꿈꾸며 원하는 모든 것을 이뤘습니다. 전 세계가 Miles Davis라는 위대한 음악가를 인정했습니다.

쿨재즈, 모달재즈, 퓨전재즈, 아방가르드재즈 등 다양한 재즈음악 발전의 원점에 선 인물이다. 그의 위대한 작품은 3대에 걸친 음악 애호가들에게 재즈 사운드의 표준을 단번에 정의했습니다.

Davis의 작업을 통해 비밥(20세기 40년대 후반)에서 현대 실험적 틈새 및 스타일에 이르기까지 현대 재즈 음악 발전의 역동성을 추적할 수 있습니다.

다른 재즈 뮤지션과 비교할 때 Miles Davis는 특정 스타일에 자신을 제한하지 않았습니다. 그는 믿을 수 없을 정도로 넓은 소리를 포용했기 때문에 청취자들과 사랑에 빠졌습니다. 그의 재능의 다양성은 많은 비평가들과 재즈 전문가들에 의해 강조되었습니다. 그리고 Duke Ellington은 그의 창작 능력을 Picasso의 작품과 비교했습니다. Miles Davis의 음악은 논란의 여지가 있는 동시에 끝없이 포화되어 있습니다. 나중에 그것은 그의 특징이되었습니다.

Davis의 경력은 도전적이고 논란이 많았습니다. 50년대에 그는 마약에 중독되어 4년 동안 재즈 씬에 나타나지 않았다. 이러한 "공격"은 나중에 발생했습니다. 그러나 여전히 인기의 새로운 라운드는 오래지 않았습니다. 1960년대 후반에 Davis는 록 음악의 영향을 받은 전동 공구를 실험하기로 결정했습니다. 그는 재즈 패턴이 특징인 사운드를 완전히 포기했다. Davis는 매우 긴 구성이 결합되어 짧은 리프와 "시멘트 처리"된 완전히 새로운 유형의 편곡을 개발했습니다.

70년대에 Miles Davis는 아방가르드 재즈 감정가들 사이에서 큰 인기를 얻은 새로운 유형의 재즈 쇼인 그의 평생의 꿈을 실현했습니다. 그 후 뮤지션은 많은 유럽 및 미국 재즈 및 록 페스티벌에서 환영받는 손님이되었습니다. 그러나 Davis의 건강은 극도로 악화되었고 친구의 죽음, 질병 (폐렴), 심각한 교통 사고, 다시 마약 및 법적 문제로 인해 무관심과 장기간의 우울증이 발생했습니다. 1975년 이후 마일즈 데이비스는 6년 동안 무대에 나오지 않았다.

몇 년 후, 그의 무대 복귀는 1981년 녹음 The Man With A Horn으로 예고되었습니다.

그의 새로운 연주 스타일인 펑크 록 재즈는 1986년에 발매된 Tutu 앨범에서 소개되었습니다. 이 앨범은 "10년의 사운드트랙"이라고 불렸습니다.

Miles Davis는 그의 죽음(1991년)까지 그의 아방가르드 재즈 작곡의 흉내낼 수 없는 공연으로 투어와 기쁨을 계속했습니다. 장르의 팬들은 Seven Steps To Heaven, All Blues, Bitches brew, So What, Solar, Tune Up 및 Milestones와 같은 Davies의 테마가 얼마나 훌륭한지 알고 있습니다.

Miles Davis의 업적에는 독특한 스타일의 트럼펫 연주가 포함되어 있으며 나중에 쿨하고 비밥 스타일로 연주하는 뮤지션의 작업에 큰 영향을 미쳤습니다. 그는 또한 재즈 록과 퓨전과 같은 흥미로운 재즈 트렌드의 기원에 서 있었습니다. Davis는 흉내낼 수 없었습니다!

맥박이 있다!

오늘날 아방가르드 재즈는 다양하고 때로는 기괴한 형태로 존재합니다. 진지한 컨셉아트입니다. 스타일, 미학 및 사운드의 절충적인 혼합은 모두 현대 아방가르드 재즈 음악에 존재합니다. 이 장르의 구성을 감상하는 동안 우리는 전통적인 재즈 사운드의 아름다움에서 아방가르드의 기이한 매력으로 자연스럽게 전환되는 것을 느낍니다. 아방가르드 재즈는 우리 현실의 일부로서 자연스럽고 매일 우리의 정맥에서, 우리 자신 안에서 맥동합니다.

친구들에게 말하세요:

/ 아방가르드 재즈(프랑스 아방가르드에서 유래) 전위)- 음악 언어의 현대화, 새로운 비전통적 표현 수단 및 기법의 개발에 중점을 둔 현대 재즈의 스타일 및 경향 그룹에 대한 일반적인 이름(무조성, 모달 즉흥 연주 및 구성, 음향학, 전자 사운드 합성 등). 아방가르드 재즈를 프리 재즈, "제3의 트렌드", 전자 재즈, 일부 실험적인 형식의 하드 밥, 쿨 재즈, 재즈 록 등으로 부르는 것이 관례입니다.

Arrangement / Arrangement (영어 배열 배열, 배열, 정리) - 연주자의 특정 구성을 위해 설계되고 악보로 녹음된 뮤지컬 프리젠테이션. 재즈에서 편곡은 앙상블이나 오케스트라 해석의 일반적인 아이디어를 고정하는 방법이며 스타일의 주요 운반체이며 그 결과 학술 음악의 작곡보다 덜 중요해집니다.

고대(초기) 블루스/ 고풍(초기) 블루스 - 미국 남부에서 지난 세기 전반기에 개발된 것으로 추정되는 가장 오래되고 전통적인 유형의 블루스이며 아프리카 기원 및 기타 전통과 밀접한 관련이 있습니다. 미국 흑인 민속 음악의 장르(예: 워크송, 홀러, 발라드 및 영가).

구식(초기) 재즈/ 고풍(초기) 재즈 - 지난 세기 중반부터 미국 남부 여러 주에 존재해 온 가장 오래되고 전통적인 유형의 재즈를 가리키는 명칭. 고대 재즈는 특히 19세기 흑인과 크리올 마칭 밴드의 음악으로 대표되었습니다. 고풍스러운 재즈 시대는 뉴올리언스(클래식) 스타일의 출현에 앞서 있었습니다.

Sound Attack / Attack - 재즈에서 소리 생성의 중요한 동적 특성 중 하나이며, 악기 연주나 노래에서 소리를 받아들이는 초기 순간과 관련됩니다. 날카롭게 강조되거나 공격적이거나 이완될 수 있습니다. 사운드 어택의 질은 주로 재즈 사운드에 의해 결정됩니다.

아프리카의 "핸드 피아노"/ 아프리칸 핸드 피아노 - 아프리카(서해안과 대륙 남부)에 널리 퍼져 있는 실로폰과 관련된 뜯는 리드 악기로, 공명하는 본체 길이가 10cm에서 1m에 이르고 1줄 이상의 다른 피치의 소리에 해당하는 나무 또는 금속으로 만든 다양한 크기의 갈대. Sanza, Mbira, Mbila, Kalimba, Ndimba, Ndandi, Izhari, Mganga, Likembe, Selimba 등 많은 지역 이름이 있습니다. 미국의 유럽 식민지화 기간 동안 Sanza는 흑인 노예에 의해 쿠바로 옮겨져 여전히 존재합니다.

베이스 / 베이스 (영문하부, 베이스, 지지대)- 반주 독창자의 기능을 수행하는 앙상블 또는 앙상블의 일부.

발라드 / 발라드 (lat. ballo I dance에서)- 고대의 둥근 춤곡에서 유래하여 많은 민족들 사이에서 발견되는 노래 장르. 발라드의 전형적인 특징은 서사적 내러티브와 서정성, 유절 형식, 느리거나 중간 정도의 템포가 플롯과 음악적 소재의 전개를 통해 조합된 것입니다. 미국 흑인의 민속 음악에서는 블루스와 약간의 공통점이 있고 아프리카 전통과의 연결을 유지하는 원래 유형의 발라드가 개발되었습니다. 재즈에서는 서정적인 발라드 스타일의 기악 연주와 노래가 널리 퍼졌습니다.

Banjo / Banjo (Bonjo) - 만돌린 및 기타와 관련된 아프리카 기원의 현악기. 솔로 및 반주 악기로 미국 흑인의 포크 뮤잉 관행에 매우 널리 퍼져 있습니다. 밴조를 위한 흑인 민속 음악의 원래 장르는 래그타임과 초기 재즈 형식의 출현에 기여했습니다.

이발소 하모니("헤어드레싱 하모니")/ 이발소 하모니 (eng. 이발소 이발소)- 화음(주로 7화음)을 연결할 때 성부의 반음계 움직임에 기초한 선율의 화성 반주의 일종. 이 보이스 리딩 기법은 연주 연습에서 밴조의 운지법에 해당하며 분명히 이 독특한 화성 스타일이 형성되었습니다. 또한 그 기원은 당시 마을 사람들의 레크리에이션과 오락을 위해 가장 좋아하는 장소였던 이발소에서 연주되는 작은 앙상블에 의해 연주되는 반 민속 아마추어 음악의 전통이 구 미국에 존재한 것과 관련이 있다고 가정합니다. 이발소에는 일반적으로 술집과 노래하고 춤추는 방이 있습니다.) . 이발소 앙상블은 미국 민스트럴 극장(민스트럴 쇼 참조)과 래그타임의 발전에 영향을 미쳤습니다.

배럴 하우스 스타일/ 배럴 하우스 스타일, 배럴 하우스 피아노 (eng. 배럴 하우스 선술집, 비어 하우스)- 지난 세기 후반에 발생하여 20세기 초에 널리 퍼졌습니다. 흑인 피아노 재즈의 고풍스러운 스타일. 배럴 하우스 음악은 피아니스트의 오른손과 왼손의 기능을 명확하게 분리하여 페달없이 날카롭게 실신되고 타악기적인 방식으로 피아노에서 연주되었습니다 (오른손 부분-무료 실신 멜로디, 왼손에는 부분 - "베이스 - 코드"와 같은 엄격하게 지속되는 메트릭 맥동이 있는 반주). 배럴 하우스 스타일은 피아노 외에도 밴조, 기타, 만돌린, 하모니카, 베이스 및 타악기뿐만 아니라 원시 민속 악기(kazoo, 저그, "노래하는 톱", 빨래판, 티슈 페이퍼 등으로 빗질하십시오).

바운스 / 바운스 (영어 점프, 점프)- 1. 소절의 주요 비트에 중점을 둔 적당한 속도의 일종의 스윙, 탄력있는 리드미컬 한 움직임. 단순하고 약간 흔들리는 비트와 매우 빠른 템포로 점프의 반대입니다. 2. 4/4 박자에 적당한 속도의 세련된 북미 댄스로 느린 폭스트롯과 비슷합니다.

Begin / Veguine - 적당한 속도로 4배 미터로 라틴 아메리카에서 기원한 춤(아마도 마르티니크 섬에서 온 것으로 추정됨). 그것은 탱고와 룸바와 몇 가지 유사점이 있습니다. 30년대에 국제 배급을 받았습니다. 20 세기 K.Porter의 뮤지컬 "Jubilee"(1935)의 멜로디 "Begin the Beguine"은 가장 인기있는 재즈 테마 중 하나입니다.

비밥 - 밥 참조.

빅 밴드 (대형 오케스트라) / 빅 밴드 - 특정 악기 구성 (관악기의 주역 포함), 악기 그룹 (섹션)의 특정 분할, 앙상블의 독특한 기술로 구별되는 재즈 오케스트라의 특징적인 다양성 연주 (솔로이스트의 즉흥 연주와 편곡 된 섹션의 조합, 특수 유형의 오케스트라 반주 사용-배경, 특수 유형의 메트로 리듬 맥동, 혼합 음색 등). 빅 밴드의 뮤지션 수는 10~20명입니다. 일반적인 라인업: 트럼펫 4개, 트롬본 4개, 색소폰 5개 및 리듬 그룹(피아노, 기타, 베이스, 드럼); 일부 다른 변형이 가능합니다. 색소폰 섹션(갈대), 금관 섹션(평영) 및 리듬 섹션이 있어야 합니다. 목관 악기 섹션(우드)과 스트링 그룹을 추가할 수 있습니다. 빅밴드의 발전은 20대, 30대 초반부터 시작됐다. 이를 기반으로 오케스트라 재즈의 기본 스타일 중 하나 인 스윙이 형성되었습니다.

Beat / Beat (영어 비트) - 넓은 의미에서 - 음악의 메트로 리듬 맥동. 재즈에서 박의 종류(groundbeat, off-beat, on-beat, too-beat, four-beat 등)는 마디의 미터법 구조 해석, 형평성과 리듬 악센트의 비율, 일치 또는 불일치의 정도. 일반적으로 보다 자유롭고 유연한 리듬은 규칙적이고 엄격하게 조직된 박자에 반대됩니다. 비트와 관련된 리드미컬한 악센트의 지속적으로 발생하는 마이크로 믹싱은 음악적 움직임의 충동, 내부 갈등 및 긴장의 인상을 강화합니다.

Block chords / Block chords - 피아니스트의 양손 파트에서 평행한 모노리듬의 코드 움직임을 기반으로 한 재즈 피아노 연주 기법. 그것의 또 다른 잘 알려진 이름은 묶인 손의 기술입니다. 40대 초반에 처음 개발되었습니다. 결과적으로 이러한 유형의 코드 텍스처는 소규모 앙상블(콤보) 및 빅 밴드의 연주 연습에 적용되었습니다.

블루스 / 블루스

블루스; 파란색은 파란색을 의미하기도 함)흑인 음악 문화의 가장 높은 성취 중 하나인 아프리카계 미국인 음악의 전통적인 장르. 아프리카의 기원과 밀접한 관련이 있으며 남미, 중미 및 북미 흑인의 민속 음악에서 다양한 장르로 표현됩니다. 연구자들에 따르면 블루스는 많은 흑인 포크 보컬 장르에서 발전했으며, 그 중 가장 중요한 것은 노동가, 홀러, 블랙 발라드 및 영가입니다. 블루스의 밝고 독특한 모습은 억양 구조, 선법, 선율, 화성, 형식의 특징으로 나타난다. 블루스 전통은 거의 모든 주요 재즈 스타일로 표현됩니다. 20세기의 주요 학술 작곡가들은 작품에서 그녀를 언급했습니다. (Ravel, Milhaud, Gershwin, Copland, Honegger, Martin 등 포함); 그녀의 영향으로 현대 대중 음악과 댄스 음악의 다양한 형태와 장르가 등장했습니다.

블루스 형식 - 블루스 스탠자 구조의 특징적인 유형입니다. 대부분의 경우 블루스 형식은 "세 번째 변경" 원칙에 따라 반복되는 "질문" A와 일회성 "답변" B가 있는 고전적인 12마디 AAB 질문 및 답변 구조를 나타냅니다. 이 구조는 유럽 음악에 아날로그가 없는 전형적인 블루스 케이던스 D-S-T가 있는 특정 기능-화성 모델(사각형)에 해당합니다. 반복적으로 반복되는 '블루스퀘어'의 안정감은 선율적 즉흥연주를 구성하는 요소로 작용한다. 블루스 형식의 특이성은 다른 음계(8, 10, 16, 20, 24, 32 마디)의 주제 구조 내에서도 나타날 수 있습니다.

"블루 톤"/ 블루 노트 - 옥타브를 유럽 관행에서 허용되는 톤 및 반음으로 나누는 것과 일치하지 않는 프렛의 개별 단계의 불안정한 (불안정한) 억양 영역. 일반적으로 재즈와 모든 흑인 음악의 전형입니다. 7단계 소리(heptatonic)에서 그들은 III 및 VII 단계("블루스 3도" 및 "블루스 7도")에 가장 자주 위치하며, 조건부로 장조의 III 및 VII 단계가 낮아진 것으로 표기됩니다. 유럽인의 "블루스 톤"에 대한 인식이 부적절하여 Negro 블루스가 슬프고 슬픈 음악이라는 잘못된 생각이 나타났습니다 (유럽 규범의 관점에서 메이저의 III 및 VII 단계를 낮추었습니다. 모드는 일종의 "ominor" 전공을 생성합니다.)

"블루스 스케일"/ 블루 스케일 - 평균율 시스템 및 관련 표기 시스템에 의해 제한되는 흑인 음악(주로 블루스)의 스케일 기반에 대한 유럽 아이디어를 반영하는 조건부 개념입니다. 이 아이디어에 따라 "블루스 스케일"은 추가 "6 블루스 톤"이 있는 7단계 자연 장조로 간주됩니다(낮은 III 및 VII 단계). 사실, 이러한 "계단"은 특수 억류 구역의 일부이며, 유사한 수준의 유럽 규모와는 다른 피치 볼륨을 가지고 있습니다.

빅 밴드 - 빅 밴드를 참조하십시오.

Bongos / Vongos - 라틴 아메리카의 다양한 스네어 드럼 (아마도 인도 출신). 일반적으로 크기가 다른 두 개의 봉으로 구성된 블록이 사용되며 나무 블록으로 서로 연결됩니다. 팝과 댄스 음악에서 봉고는 제2차 세계대전 이후에 널리 퍼졌습니다. 재즈에서는 가끔 사용됩니다.

Bop / Thief - 40년대 초에 발전한 재즈 스타일. 성별은 "bebop", "beebap", "ribap", "mintons-style"이라는 이름으로도 알려져 있습니다. 거의 모든 이름(마지막 이름 제외)은 의성어이며 스캣 보컬 연습과 관련이 있습니다. "mintons-style"이라는 용어는 창립자 인 bop의 첫 번째 뮤지션이 공연 한 Harlem 클럽 "Minton 's Playhouse"의 이름에서 유래되었습니다. Bop은 스윙을 대체하여 소규모 앙상블의 Negro 재즈의 새로운 실험적 방향으로 부상했습니다 ( bop을 특징짓는 가장 중요한 경향 - 올드 핫 재즈의 현대화, 무료 솔로 즉흥 연주 숭배, 멜로디, 리듬, 하모니, 형식 및 기타 표현 수단 분야의 혁신. 모던 재즈.

Boper / Boper - 밥을 연주하는 뮤지션.

브라스 밴드 / 브라스 밴드 (영어 브라스 - 구리, 브라스; 밴드 - 오케스트라) 고대 재즈 시대를 가리키는 흑인 브라스 밴드의 이름 중 하나. 때때로 클래식 재즈와 현대 Dixieland 재즈 앙상블의 이름에서 발견됩니다. 마칭 밴드도 참조하십시오.

Break / Vreak (영어 돌파, 중단, 변경) - 앙상블의 사운드를 방해하는 짧은 솔로 즉흥 연주 삽입물. 그것은 케이던스 "답변"(질문-답변 원칙 참조)의 역할을 할 수 있고, 재즈 곡의 어떤 섹션을 완성하거나, 솔리스트의 반주 즉흥 합창에 대한 소개를 할 수 있습니다.

고장(breakdown) / 고장(영어 고장) 붕괴, 혼란, 뒤죽박죽)- 빠르고 변덕스러운 흑인 포크 댄스. 19세기 중반. 민스트럴 극장 덕분에 폭 넓은 인기를 얻었습니다 (민스트럴 쇼 참조). 모든 참가자의 자유로운 집단 즉흥 연주를 기반으로 한 대규모 댄스 장면의 최종 공연에서 여기에서 사용되었습니다. 이 용어는 금세기의 처음 20년 동안 시카고에서 유행했던 관련된 부기우기 피아노 스타일을 가리키기도 합니다.

다리 / 다리 (영어교량, 건널목)- 재즈 테마 구조의 중간 섹션으로, 최종 재현 섹션에 선행합니다(예: 표준 32-마디 AABA 스탠자에서 세 번째 8-마디 B). 즉흥 연주에 대한 추가 인센티브 역할을 하는 주제별 개발 또는 대조 요소를 포함합니다. 브리지의 다른 이름은 rilis(eng. 릴리스 - 해방) 및 채널(eng. 채널 - 경로, 소스)입니다.

Boogie-woogie / Boogie woogie (onomatopoeic) - 흑인 기악 블루스의 초기 변종 중 하나인 피아노 블루스 스타일(구식 기타 블루스, 6arrel 하우스 블루스 등과 함께). 아마도 블루스 노래에 반주로 사용되는 밴조 및 기타 기술이 북미 흑인이 연주하는 피아노 음악 연습으로 이전된 결과일 것입니다. 부기우기 스타일은 19세기 후반 미국에서 시작되었습니다. 소위 덕분에 우리 세기의 첫 수십 년 동안 널리 퍼졌습니다. 하우스 렌트 파티. 그의 고전적인 이미지는 20대로 거슬러 올라간다. 스윙 기간 동안 boogie-woogie는 6g 밴드의 레퍼토리에 진입했습니다. 피아노 부기우기의 특징적인 특징은 블루스 전통에 대한 의존, 메트로 리듬 및 오프 비트 프레이징의 우세, 브레이크 및 리프의 포화, 즉흥 연주, 기술적 기교, 특정 유형의 반주(워크인 베이스 - "방랑하는 베이스")입니다. 베이스") 및 피아니스트 왼손 부분의 리듬(셔플 리듬). 재즈 부기우기의 일부 기능(12마디 블루스 스퀘어, 모터 리듬, 빠른 템포, 베이스 형상의 오스티나토 반복)은 30년대에 생성된 속성이 되었습니다. 1945년 이후 유럽에서 인기를 끌었던 같은 이름의 패셔너블한 괴짜 댄스의 상업 엔터테인먼트 산업.

배경/바스크그라운드 (영문 배경, 배경)- 리드 선율이나 솔리스트 파트의 반주를 나타내는 용어. 다음 유형의 배경이 구별됩니다. 1) 화음(배경은 주제의 고조파 사각형에 해당하는 일련의 화음입니다); 2) 선율적(리딩 보이스가 반주에서 반주 멜로디 보이스와 대조됨); 3) 리프(리프 기법 기반 - 오스티나토 반복 멜로디 패턴); 4) 베이스 (반주의 역할은 멜로디의 기능적 하모닉 지원인 베이스 라인에 의해 수행됨); 5) 리드미컬(소절의 주요 비트에 악센트가 있는 명확하게 조직된 리드미컬한 맥동의 형태); 6) 혼합(위 유형의 기능 결합).

"재즈 시대" - "재즈 시대"를 참조하십시오.

웨스트 코스트 재즈 (웨스트 코스트 재즈)/웨스트 코스트 재즈 - 50년대 캘리포니아의 여러 도시에서 형성된 모던 재즈의 양식적 방향. (첫 번째 샘플은 1949년으로 거슬러 올라갑니다). 웨스트 코스트 재즈는 주로 프로그레시브 및 밥 스타일의 영향을 받아 등장했지만 심포닉 재즈, 스윙, 쿨 재즈 및 유럽 학술 음악과 같은 다른 스타일 연결도 있습니다. 그것은 감정적 절제, 형식과 목소리의 엄격함, 선형-대위법 기법을 사용하는 경향, 적당한 템포와 둥근 칸틸레나 선율(발라드와 상록수 정신에서), 소리 생성의 부드러움(이 의미에서, West Coast 재즈는 hot-dkazu가 아닌 cool에 더 가깝습니다), 고조파 및 음색 수단의 정교함, 온음계의 lado-tonal 기반과 그것을 "색상화"하는 색채주의의 조합 및 다양한 변조 기술, 리드의 "편안한"특성 맥동과 차분하고 고른 리듬과 함께 완벽하고 대칭적인 표현 경향. 웨스트 코스트 재즈와 전통 재즈 사이의 연관성은 음악가들이 이 스타일을 사용하는 것으로 나타납니다.

동시 그룹 즉흥 연주. 실내악 앙상블 음악 제작 분야에서 웨스트 코스트 재즈는 대규모 오케스트라의 연주 기법(앙상블 전체를 하나의 기악 그룹으로 바꾸는 것까지, 빅 밴드 섹션과 유사)을 차용하는 것이 일반적입니다. West Coast Jazz의 오케스트라 연습에서는 실내 연주 스타일, 음색의 개별화, 솔로 즉흥 연주의 역할 강화와 같은 반대 경향이 관찰됩니다. 또한 주목할만한 것은 오보에, 잉글리시 호른, 바순, 베이스 클라리넷, 베이스 트럼펫, 바스트롬본, 호른, 하프, 휘어진 현과 같이 이전에는 재즈 앙상블에서 거의 사용되지 않는 악기의 악기 편성에 포함된다는 것입니다. 일반적인 것은 낮은 목관 악기와 색소폰의 조합입니다. 서부 해안 재즈 스타일은 유럽화된 콘서트 재즈의 발전에 크게 기여했습니다.

Vaudeville / Vaudeville - 현대적인 의미에서 뮤지컬 넘버, 2련, 댄스, 판토마임 및 트릭 장면이 포함된 일종의 일상 코미디입니다. 미국에서는 소위. American voleville (및 그 다양성 - Negro vaudeville), 그 세부 사항은 음모 및 음악의 국가적 특성과 관련이 있으며 지역 민속 및 일상 자료에 대한 호소와 민스트럴 극장의 영향과 관련이 있습니다 (참조 민스트럴 쇼).

"딕시랜드와 뉴올리언즈 재즈의 부흥" - 부흥을 보십시오.

Q&A(책임) 원칙 / 응답원리 (responsory, responsorium) (lat.respondeo에서 답변까지) - 음악 구성의 보편적이고 기본적인 원칙 중 하나로, 형식의 요소(건물, 섹션, 부품, 모티프, 구, 문장 등) 간의 연결 유형을 제공하여 이러한 요소가 상호 보완적인 쌍을 형성합니다. "질문"의 기능을 수행하는 음악 구성의 존재(따라서 불안정성, 불완전성, 개방성과 같은 속성을 가짐)는 "답" 구성의 출현을 결정하는 요소입니다(보다 안정적이고 완전하며 이전의 복원 교란된 동적 레이어 균형). 질문 대응 원리는 많은 유럽 음악 형식(모방, 재현, 후렴구; 동심 계획, 거울 대칭, 주기적 반복 등)에 적용됩니다. 실습에서이 원칙을 구현하는 가장 간단한 방법은 소위 말하는 것입니다. antiphon (lat. antiphonos-counter-sound)-앙상블의 두 그룹의 교대, 솔리스트 간의 롤 콜, 솔리스트와 앙상블 간의 롤 콜. 아프리카계 미국인 음악의 반응 기술(작업곡, 홀러, 영적, 블루스) 및 재즈는 가장 단순한 것(롤 콜)에서 가장 복잡한 것(즉흥 연주 및 구성, 하모니 및 멜로디의 논리 분야에서 개별 연주자와 악기 그룹 간의 기능).

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할렘 재즈 / 할렘 재즈 -뉴욕 할렘의 음악 생활과 관련된 출현 인 20 ~ 30 년대 흑인 재즈 스타일의 일반적인 이름. 여기에서 원래 스타일의 블루스 연주(할렘 블루스)가 개발되었고 자체 피아노 재즈 학교(할렘 스트라이드 스타일)가 형성되었으며 특별한 종류의 챔버 및 오케스트라 스윙(할렘 점프)도 형성되었습니다. 20대에. Negro vaudeville은 Harlem에서 절정에 달했습니다. 많은 할렘 클럽에서 자신의 오케스트라와 함께 공연하고 여기에서 수많은 독창적인 스타일 컨셉(정글 스타일, 콘서트 스타일, 서정적인 "무드 스타일")을 창조한 Duke Ellington의 유익한 콘서트 및 작곡 활동의 시작은 같은 시기로 거슬러 올라갑니다. 시간. 40년대 할렘 재즈의 전통에 영향을 받음. 비밥 스타일이 개발되었습니다(밥 참조).

헤미올라 / 헤미올라(헤미올) (lat. 1.5)- 전체 길이가 메인 미터의 비트 주기와 일치하지 않는 지속 시간 그룹이 형성되는 리드미컬한 그룹화 유형(예: 2개의 3박자 막대에 3개의 2박자 그룹 등). 운율과 리드미컬한 악센트 사이의 결과적인 불일치는 운율의 일시적인 변화의 인상을 만들고 그 안정성을 위반하여 음악적 표현을 역동적으로 만듭니다. 이 원리는 아프리카계 미국인 음악과 재즈로 옮겨진 아프리카 리듬의 매우 특징적입니다(patteri, stomp 참조).

"말하는 드럼"/ Talkint 드럼 - 장거리(최대 10 - 15km)에 걸쳐 메시지를 전송하도록 설계된 특별한 유형의 아프리카 드럼. "말하는 드럼" 장치를 사용하면 다양한 피치 및 음색 음영으로 사운드를 추출할 수 있습니다. 덕분에 연주자는 특수 사운드 신호 시스템을 사용하여 다양한 정보를 인코딩하고 전송할 수 있습니다. 드럼 소리의 피치와 음색의 변화는 일반적으로 중앙과 가장자리 사이의 전체 영역에 걸쳐 멤브레인의 장력이 다르기 때문에 달성됩니다. "말하는 드럼"을 연주하는 기술 중 일부는 타악기 연주의 재즈 연습에 적용되었습니다.

복음성가 (eng.Gospel - 가스펠; 노래 - 노래)- 1930년대 미국에서 널리 퍼진 복음주의 주제의 흑인 종교 노래 장르. 민속 기원의 다른 흑인 영적 장르(예: 영적, 희년 등)와 달리 괴펠송의 텍스트와 음악은 주로 전문 작가에 의해 만들어졌습니다. 복음성가는 또한 대부분 솔로 연주를 위한 것이며 블루스 전통과 훨씬 더 밀접하게 관련되어 있고 즉흥 연주로 더 포화되어 있으며 발전된 기악 반주를 가질 수 있다는 점에서 합창 영가와 다릅니다. 카렐라).

펑키 스타일

1950년대 중반에 재즈는 그리스가 아닌 재즈의 본질에서 벗어나기 시작했습니다. 이를 피하기 위해 많은 음악가들이 미국 흑인들의 포크 음악으로 눈을 돌렸습니다. 이 소리는 여전히 전통적인 블루스와 종교적인 가스펠에 남아 있습니다. 일부 연주자들은 최초의 보퍼들에 의해 재즈에 도입된 복잡한 하모니를 포기하기 시작했습니다. 멜로디 라인과 리드미컬한 라인이 단순해졌습니다.

재즈의 발전하는 새로운 방향은 뚜렷한 비트를 기반으로 특별한 표현으로 느리거나 중간 템포로 사용되는 블루스를 자연스럽게 흡수했습니다. 혁신적인 Boper의 작업보다 더 민주적이고 더 많은 청중을 대상으로했습니다. 이 스타일을 펑키라고 합니다. 펑키(Funky)라는 단어는 속어이며 날카롭고 자극적인 냄새 또는 맛의 증폭된 정의를 의미합니다. 재즈에서는 평범한 "진짜" 음악과 동의어입니다. 재즈 펑크는 상업적인 성공을 거두었으며 당시 출시된 대부분의 레코드판에 수록되었습니다. 그러나 70년대와 80년대에 아날로그 신디사이저의 등장으로 큰 인기를 얻었고 댄스 플로어용 재즈가 되었습니다.

펑키 재즈의 역사에서 특히 중요한 것은 유명한 드러머 Art Blakey (Art Blackey) "Jazz Messengers"그룹, 재즈 펑크의 아버지 인 Horace Silver, Ronald Kirk, Julian Adderley 등입니다.

무료 재즈. 전위

60 년대 초는 피부색 (히피 운동, 무정부주의, 동양 신비주의에 대한 열정)과 무관 한 항의의 물결, 사회적 불안정의 출현시기입니다. 이러한 정서는 주류 사운드와 근본적으로 다른 완전히 새로운 "프리 재즈"(Free Jazz)의 출현에 기여했습니다. 영적 및 미적 경험의 충만 함과 음악 자료 구성에 대한 근본적으로 새로운 접근 방식의 결합은 대중 예술 영역에서 새로운 재즈를 완전히 차단했습니다. 그것을 만든 음악가들은 그들에게 장벽으로 보이는 것으로부터 재즈를 "해방"한다는 생각에 사로잡혀 있었습니다. 그들은 유럽 음악과 재즈가 기반으로하는 모든 것에서 화음, 친숙한 하모니, 소절, 절제된 튜닝, 한마디로 그들을 보았습니다. 음악가들에게 가장 중요한 것은 궁극적인 표현력, 영적 벌거벗음, 엑스터시였습니다.

60년대의 프리 재즈는 주로 표현의 자유와 사랑, 사회 활동과 노력의 통합에 대한 혼란스러운 요구에 기반한 특정한 이데올로기적 요소를 지니고 있었습니다. 이러한 아이디어는 재즈 아방가르드의 많은 구성원에게 창의적인 신조가 되었습니다. 일부 음악가들에게 자신의 작품을 평가하는 기준은 더 이상 대중의 승인이 아니라 연주자 간의 정서적 관계의 존재였습니다. 집단 즉흥 연주가 선호되었습니다. 타악기가 앞으로 밀려났습니다. 앙상블의 모든 구성원은 동등한 것으로 간주되었습니다.

새로운 재즈 뮤지션 Cecil Taylor, Ornette Coleman, Don Cherry, John Coltrane, Archie Shepp, Albert Ayler의 첫 경험은 주류 규범과의 관계를 끊지 않았습니다. 최초의 프리 재즈 녹음은 여전히 하모닉 패턴에 호소합니다. 그러나 점차 프리 재즈는 전통에서 완전히 멀어지고 있습니다. Ornette Coleman이 뉴욕 청중에게 무료 재즈를 완전히 소개했을 때 많은 비밥 뮤지션과 재즈 전문가는 이 음악이 재즈뿐만 아니라 실제로는 음악으로 간주될 수 없다는 결론에 도달했습니다. 따라서 이전의 급진주의자들은 15년 이내에 보수주의자가 되었습니다. New Jazz의 이정표는 1960년 Ornette Coleman의 더블 라인업 "Free Jazz"로 녹음된 디스크였습니다.

프리 재즈는 예를 들어 리듬 구조의 형식과 순서를 사용할 수 있는 다른 아방가르드 무브먼트와 종종 교차합니다. 프리재즈는 초기부터 소수의 전유물로만 남아있고 보통 언더그라운드에서 발견되지만 현대의 주류에 매우 강력한 영향을 미치고 있다. 전면적인 거부에도 불구하고 프리 재즈에서는 특정 규범성이 발전하여 다른 새로운 재즈 트렌드와 구별할 수 있습니다. 이러한 관습은 작품의 일반적인 계획, 음악가의 상호 작용, 리듬 지원 및 물론 감정적 계획과 관련이 있습니다. 오래된 형태의 집단 즉흥 연주가 프리 재즈에서 다시 등장했다는 점에 유의해야 합니다. 특정 구조에 얽매이지 않는 '열린 형식'으로 작업하는 것이 프리재즈의 특징이 됐다. 유럽의 음악 규범에서 "뉴 재즈"를 거부하면서 비유럽 문화, 주로 동양 문화에 큰 관심을 갖게 되었습니다. John Coltrane은 인도 음악, Don Cherry - 인도네시아 및 중국, Farow Sanders - 아랍어에 대해 매우 진지했습니다. 더욱이 이 방향은 피상적이고 장식적인 것이 아니라 해당 음악의 전체 특성뿐만 아니라 그 미적 및 영적 환경을 이해하고 흡수하려는 열망으로 매우 깊습니다.

70년대 초에 프리 재즈에 대한 관심은 유럽의 창의적인 음악가들을 사로잡기 시작했는데, 그들은 종종 "자유"의 원칙을 20세기 유럽 음악 연습의 발전과 결합했습니다. 기타 한편, 프리 재즈의 일부 지도자들은 극단적인 급진주의에서 벗어나고 있으며, 80년대에는 음악의 오리지널 버전이기는 하지만 약간의 타협을 향해 나아가고 있습니다. 그중에는 Prime Time 프로젝트의 Ornette Coleman, Archie Shepp 등이 있습니다.