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일종의 문학으로서의 드라마투르기. 문학의 서사적 장르

드라마(δρᾶμα - 증서, 행동) - 서사시 및 가사와 함께 세 가지 유형의 문학 중 하나는 문학과 연극의 두 가지 유형의 예술에 동시에 속합니다.

무대에서 상연되도록 의도된 드라마는 그 안의 텍스트가 등장인물과 작가의 발언의 복제 형태로 제시되고 원칙적으로 행동과 현상으로 구분된다는 점에서 형식적으로 서사시나 서정시와 다릅니다. 코미디, 비극, 드라마(장르로서의), 희극, 보드빌 등을 포함하여 대화 형식으로 만들어진 모든 문학 작품은 어떤 식으로든 드라마를 의미합니다.

고대부터 다양한 민족 사이에서 민속이나 문학 형식으로 존재했습니다. 서로 독립적으로 고대 그리스인, 고대 인도인, 중국인, 일본인, 아메리카 인디언은 그들만의 극적인 전통을 창조했습니다.

문자 그대로 고대 그리스어로 번역된 드라마는 "액션"을 의미합니다.

드라마의 종류(드라마 장르)

비극
범죄 드라마
운문의 드라마
멜로드라마
히에로드라마
신비
코메디
보드빌

드라마 역사

드라마의 기초-나중에 등장한 가사, 서사시 및 드라마의 요소가 음악 및 모방 운동과 관련하여 합쳐진 원시시에서. 다른 민족보다 먼저 특별한 종류의 시로서의 드라마가 힌두교인과 그리스인 사이에서 형성되었습니다.

심각한 종교적, 신화적 플롯(비극)과 현대 생활에서 끌어낸 재미있는 플롯(코미디)을 전개하는 그리스 드라마는 높은 완성도에 도달했으며 16세기에는 유럽 드라마의 모델이 되었습니다. (미스터리, 학교 드라마 및 막간, fastnachtspiel, sottises).

그리스 극작가를 모방한 프랑스 극작가들은 드라마의 미학적 존엄성을 위해 불변하는 것으로 간주되는 특정 조항을 엄격히 고수했습니다. 무대에 묘사된 에피소드의 길이는 하루를 초과해서는 안 됩니다. 조치는 동일한 장소에서 이루어져야 합니다. 드라마는 플롯(캐릭터의 초기 위치 및 특성 찾기)에서 중간 변덕(위치 및 관계의 변화)을 거쳐 최종(일반적으로 재난)까지 3-5막으로 올바르게 전개되어야 합니다. 배우의 수는 매우 제한적입니다(보통 3~5명). 이들은 대화와 발언의 편의를 위해 무대에 소개되는 사회의 최고 대표자 (왕, 여왕, 왕자 및 공주)와 그들의 가장 가까운 하인, 동료들입니다. 프랑스 고전극(코르네이유, 라신)의 주요 특징들이다.

고전적인 스타일의 요구 사항에 대한 엄격함은 코미디(Molière, Lope de Vega, Beaumarchais)에서 이미 덜 존중되었으며 점차 관습에서 평범한 삶의 묘사(장르)로 이동했습니다. 고전적 관습에서 벗어난 셰익스피어의 작품은 드라마의 새로운 길을 열었습니다. 18세기 말과 19세기 전반에는 레싱, 쉴러, 괴테, 휴고, 클라이스트, 그라베와 같은 낭만적이고 민족적인 드라마가 등장했습니다.

19세기 후반에는 유럽 드라마(Dumas son, Ogier, Sardou, Paleron, Ibsen, Zuderman, Schnitzler, Hauptmann, Beyerlein)에서 사실주의가 우세했습니다.

19세기의 마지막 분기에 Ibsen과 Maeterlinck의 영향으로 상징주의가 유럽 무대를 장악하기 시작했습니다(Hauptmann, Przybyszewski, Bar, D'Annunzio, Hofmannsthal).

오리진 드라마 더 보기

러시아 드라마

드라마는 17세기 말 서양에서 러시아로 전해졌다. 독립 극문학은 18세기 말에야 등장한다. 19세기 1/4분기까지 비극과 희극, 희극 오페라 모두에서 고전적 연출이 우세했다. 최고의 작가: Lomonosov, Knyaznin, Ozerov; I. Lukin의 러시아 생활과 관습 묘사에 대한 극작가의 관심을 끌려는 시도는 헛된 것으로 남아 있습니다. 그들의 모든 연극은 유명한 "Undergrowth"와 "The Brigadier"Fonvizin을 제외하고는 생명이없고 죽고 러시아 현실에 이질적입니다. " The Yabeda" Kapnist 및 I. A. Krylov의 일부 코미디.

19 세기 초 Shakhovskoy, Khmelnitsky, Zagoskin은 가벼운 프랑스 드라마와 코미디의 모방자가되었고 Dollmaker는 과장된 애국 드라마의 대표자였습니다. Griboyedov의 코미디 Woe from Wit, 나중에 Gogol의 Inspector General, Marriage는 러시아 일상 드라마의 기초가되었습니다. 고골에 이어 보드빌에서도(D. Lensky, F. Koni,

서사시와 마찬가지로 극적인 작품 (또 다른 gr. 액션)은 일련의 사건, 사람들의 행동 및 그들의 관계를 재현합니다. 서사적 작품의 작가와 마찬가지로 극작가도 "행동 발전의 법칙"을 따릅니다. 하지만 드라마에는 디테일한 서사적 묘사가 없다.

실제로 여기서 저자의 연설은 보조적이고 일시적입니다. 그러한 목록은 때때로 간략한 특성, 시간 지정 및 행동 장소를 동반하는 배우 목록입니다. 연기 및 에피소드 시작 시 무대 상황에 대한 설명, 캐릭터의 개별 복제본에 대한 설명 및 움직임, 제스처, 표정, 억양(설명)의 표시.

이 모든 것은 극작의 부차적 텍스트를 구성하며, 주요 텍스트는 일련의 등장 인물 진술, 복제본 및 독백입니다.

따라서 드라마의 일부 제한된 예술적 가능성. 작가 극작가는 소설이나 서사시, 단편 소설 또는 단편 소설의 창작자가 사용할 수 있는 시각적 수단의 일부만을 사용합니다. 그리고 서사에 비해 덜 자유롭고 충만하게 드라마에서 등장인물들의 캐릭터가 드러난다. T. Mann은 "나는 드라마를 실루엣의 예술로 인식하고 말하는 사람만을 볼륨 있고 통합적이며 실제적이고 조형적인 이미지로 느낍니다."라고 말했습니다.

동시에 극작가는 서사시 작가와 달리 연극 예술의 요구 사항을 충족하는 구두 텍스트의 양으로 자신을 제한해야 합니다. 드라마에서 묘사되는 액션의 시간은 무대 시간이라는 엄격한 틀에 맞아야 한다.

그리고 새로운 유럽 극장에 익숙한 형식의 공연은 아시다시피 서너 시간을 넘지 않습니다. 그리고 이를 위해서는 적절한 크기의 극적 텍스트가 필요합니다.

무대 에피소드 동안 극작가가 재현하는 사건의 시간은 압축되거나 늘어나지 않습니다. 드라마 속 등장인물들은 눈에 띄는 시간차 없이 발언을 주고받으며, 그들의 발언은 K.S. Stanislavsky, 견고하고 연속적인 선을 구성하십시오.

내레이션의 도움으로 액션이 과거로 각인되면 드라마의 일련의 대화와 독백이 현재의 환상을 만듭니다. 여기의 삶은 마치 자신의 얼굴에서 나온 것처럼 말합니다. 묘사된 것과 독자 사이에는 중간 내레이터가 없습니다.

액션은 극중에서 최대한 즉각적으로 재현된다. 마치 독자의 눈 앞에서 흐른다. F. Schiller는“모든 내러티브 형식은 현재를 과거로 옮깁니다. 모든 드라마는 과거를 현재로 만든다.”

드라마는 무대 지향적이다. 그리고 극장은 대중적이고 대중적인 예술입니다. 공연은 마치 그들 앞에 일어나는 일에 반응하여 하나로 합쳐지는 것처럼 많은 사람들에게 직접적인 영향을 미칩니다.

푸쉬킨에 따르면 드라마의 목적은 다중에 대해 행동하고 호기심을 채우는 것입니다." 그리고 이를 위해 "열정의 진실"을 포착합니다. "드라마는 광장에서 태어나 사람들의 오락을 구성했습니다. 사람들은 아이들처럼 오락과 행동이 필요합니다. 드라마는 그에게 범상치 않은 기이한 사건들을 선사한다. 사람들은 강한 감정을 원합니다. 웃음, 연민, 공포는 드라마틱한 예술에 의해 흔들리는 우리 상상의 세 줄이다.

문학의 극적 장르는 특히 웃음의 영역과 밀접하게 연결되어 있습니다. 극장은 놀이와 재미의 분위기 속에서 대규모 축제와 밀접하게 연결되어 통합되고 발전되었기 때문입니다. O. M. Freidenberg는 "만화 장르는 고대에 보편적이었습니다."라고 말했습니다.

다른 나라와 시대의 연극과 연극에 대해서도 마찬가지다. T. Mann이 "코미디언 본능"을 "모든 극적 기술의 기본 원리"라고 부른 것은 옳았습니다.

드라마가 묘사된 내용을 외적으로 화려하게 표현하는 데 끌리는 것은 놀라운 일이 아닙니다. 그녀의 이미지는 과장되고 눈길을 끌며 연극적이고 밝습니다. N. Boileau는 “극장은 음성, 암송, 몸짓 모두에서 과장된 대사를 요구합니다.”라고 썼습니다. 그리고 무대 예술의 이러한 속성은 드라마 작품의 영웅들의 행동에 변함없이 그 흔적을 남깁니다.

Bubnov (At the Bottom by Gorky)는 "그가 극장에서 어떻게 행동했는지"라고 말하면서 일반적인 대화에 예상치 못한 침입으로 연극 효과를 준 필사적 인 Klesh의 열광적 인 열광에 대해 언급합니다.

(극적인 종류의 문학의 특징으로서) W. 셰익스피어에 대한 톨스토이의 비난은 과장이 풍부하다는 점에서 중요합니다. 그 때문에 "예술적 인상의 가능성이 침해되었습니다." 그는 비극 "리어 왕"에 대해 "처음부터" "사건의 과장, 감정의 과장, 표현의 과장 등 과장을 볼 수 있습니다."라고 썼습니다.

L. Tolstoy는 셰익스피어의 작품을 평가하는 데 틀렸지만 위대한 영국 극작가의 연극 과장에 대한 헌신에 대한 생각은 완전히 정당화됩니다. 그다지 이유가없는 "리어 왕"에 대해 말한 것은 고대 코미디와 비극, 고전주의의 극적인 작품, F. Schiller와 V. Hugo 등의 연극에 기인합니다.

19-20세기 문학에서 세속적 진정성에 대한 열망이 만연했을 때 드라마 고유의 관습은 덜 분명해졌고 종종 최소한으로 축소되었습니다. 이 현상의 기원에는 D. Diderot과 G.E. 레싱.

XIX 세기의 가장 큰 러시아 극작가의 작품. 그리고 20세기 초 - A.N. Ostrovsky, A.P. Chekhov와 M. Gorky - 재창조 된 생명체의 신뢰성으로 구별됩니다. 그러나 극작가들이 타당성에 시선을 두었을 때에도 플롯, 심리적, 실제로 언어적 과장은 지속되었습니다.

연극 적 관습은 "생생함"의 최대 한계 인 체호프의 드라마 투르 기에서도 느껴졌습니다. 삼자매의 마지막 장면을 보자. 한 젊은 여성은 사랑하는 사람과 10분에서 15분 전에, 아마도 영원히 헤어졌습니다. 또 5분 전에 그녀의 약혼자의 죽음에 대해 알게 되었습니다. 그리고 이제 그들은 맏이이자 세 번째 누이와 함께 과거의 도덕적, 철학적 결과를 요약하고 세대의 운명과 인류의 미래에 대한 군사 행진의 소리를 생각합니다.

이런 일이 현실에서 일어나는 것은 상상하기 어렵습니다. 그러나 우리는 드라마가 사람들의 삶의 형태를 크게 바꾼다는 사실에 익숙하기 때문에 The Three Sisters의 결말이 믿기지 않는다는 것을 알아 차리지 못합니다.

전술한 내용은 "극적 예술의 본질 자체가 개연성을 배제한다"는 A. S. 푸쉬킨의 판단(이미 인용된 기사에서)의 정의를 확신합니다. “시나 소설을 읽으면서 우리는 종종 우리 자신을 잊고 묘사된 사건이 허구가 아니라 진실이라고 믿을 수 있습니다.

송시에서, 비가에서 시인이 실제 상황에서 자신의 진정한 감정을 묘사했다고 생각할 수 있습니다. 그러나 두 부분으로 나뉘는 건물의 신뢰성은 어디에 있으며 그 중 하나는 동의 한 관중으로 가득 차 있습니다.

극작에서 가장 중요한 역할은 종종 격언과 격언으로 가득 찬 대화와 독백이 연설에서 말할 수있는 발언보다 훨씬 더 광범위하고 효과적인 것으로 판명되는 등장 인물의 연설 자기 공개 관습에 속합니다. 비슷한 삶의 상황.

레플리카 "제외"는 기존의 것으로, 무대 위의 다른 캐릭터에게는 존재하지 않지만 청중에게는 명확하게 들리며 캐릭터 만이 혼자서 말하는 독백은 순전히 무대입니다. 내면의 말을 끄집어내는 기법(고대 비극이나 현대의 드라마투르기 같은 독백이 많다).

일종의 실험을 설정하는 극작가는 말로 자신의 기분을 최대한 충만하고 밝게 표현하면 사람이 자신을 어떻게 표현하는지 보여줍니다. 그리고 극적인 작품의 연설은 종종 예술적인 서정적 연설이나 웅변적 연설과 유사합니다. 여기서 등장 인물은 즉흥 시인 또는 대중 연설의 대가로 자신을 표현하는 경향이 있습니다.

따라서 드라마를 서사적 시작(사건성)과 서정적(말의 표현)의 종합으로 간주한 헤겔은 어느 정도 옳았다.

말하자면 드라마는 연극과 문학이라는 예술의 두 가지 삶을 가지고 있습니다. 구성에 존재하는 공연의 극적 기반을 구성하는 극적 작품은 독서 대중에게도 인식됩니다.

그러나 항상 그런 것은 아닙니다. 무대에서 드라마의 해방은 수세기에 걸쳐 점진적으로 수행되었으며 비교적 최근에 18-19 세기에 끝났습니다. 창작 당시 세계적으로 유명한 드라마 (고대부터 17 세기까지)의 예는 사실상 문학 작품으로 인정되지 않았습니다. 그들은 공연 예술의 일부로만 존재했습니다.

W. 셰익스피어나 J. B. 몰리에르는 동시대인들에게 작가로 인식되지 않았습니다. 18세기 후반 위대한 극시인 셰익스피어의 '발견'은 연극을 무대 제작뿐만 아니라 독서를 위한 작품으로 생각을 강화하는 데 결정적인 역할을 했다.

19세기 (특히 전반부에서) 드라마의 문학적 가치는 종종 풍경적 가치보다 높게 평가되었다. 그래서 괴테는 "셰익스피어의 작품은 육신의 눈을 위한 것이 아니다"라고 믿었고, 그리보예도프는 무대에서 "Woe from Wit"의 구절을 듣고 싶다는 그의 욕망을 "유치하다"라고 불렀습니다.

독서에 대한 지각에 주목하여 만들어진 이른바 레세드라마(독서를 위한 연극)가 보편화되었다. Goethe의 Faust, Byron의 극적인 작품, Pushkin의 작은 비극, Turgenev의 드라마는 저자가 "무대에서 불만족스러운 내 연극은 독서에 약간의 관심이있을 수 있습니다. "라고 말했습니다.

Lesedrama와 작가가 무대 제작을 지향하는 연극 사이에는 근본적인 차이점이 없습니다. 읽기 위해 만들어진 드라마는 종종 잠재적으로 무대 드라마입니다. 그리고 극장 (현대 극장 포함)은 완고하게 열쇠를 찾고 때로는 발견합니다. 그 증거는 Turgenev의 "A Month in the Country"(우선 유명한 혁명 이전 공연입니다. Art Theatre) 및 수많은 (항상 성공한 것은 아니지만) 20 세기 푸쉬킨의 작은 비극을 무대로 읽습니다.

오래된 진실은 여전히 유효합니다. 가장 중요한 드라마의 주요 목적은 무대입니다. A. N. Ostrovsky는 "무대에서 공연할 때만 작가의 극적 소설이 완전히 완성된 형태를 취하고 작가가 달성하려는 목표로 설정한 도덕적 행동을 정확하게 만들어 낸다"고 말했습니다.

극적 작품을 기반으로 한 공연의 창작은 창의적 완성과 관련이 있습니다. 배우는 자신이 연기하는 역할에 대한 인토네이션 플라스틱 그림을 만들고, 아티스트는 무대 공간을 디자인하고, 감독은 미장센을 개발합니다. 이와 관련하여 연극의 개념은 다소 변경되고 (일부 측면에 더 많은 관심을 기울이고 다른 측면에는 덜 관심을 기울임) 종종 구체화되고 풍부 해집니다. 무대 제작은 드라마에 새로운 의미 론적 음영을 도입합니다.

동시에 문학을 충실히 읽는 원칙은 연극에서 가장 중요합니다. 감독과 배우는 무대 작품을 최대한 완성도 있게 관객에게 전달해야 한다는 소명을 갖고 있다. 무대 리딩의 충실함은 감독과 배우가 드라마 작품의 주요 내용과 장르, 스타일을 깊이 이해하는 데서 나온다.

무대 제작(및 영화 각색)은 감독과 배우, 그리고 극작가의 아이디어 범위 사이에 (상대적일지라도) 합의가 있는 경우에만 합법적입니다. 무대 작품, 장르의 특징, 스타일의 특징, 텍스트 자체까지.

18-19세기의 고전적 미학, 특히 헤겔과 벨린스키에 의해 드라마(주로 비극의 장르)는 문학적 창의성의 가장 높은 형태, 즉 "시의 왕관"으로 간주되었습니다.

일련의 모든 예술적 시대는 실제로 극 예술에서 주로 나타났습니다. 고대 문화 전성기의 Aeschylus와 Sophocles, 고전주의 시대의 Moliere, Racine 및 Corneille은 서사시 작가들 사이에서 동등하지 않았습니다.

이 점에서 중요한 것은 괴테의 작품입니다. 위대한 독일 작가에게는 모든 문학 장르를 사용할 수 있었지만 그는 극적인 작품 인 불멸의 파우스트를 만들어 예술 생활을 장식했습니다.

지난 세기(18세기까지) 동안 드라마는 서사시와 성공적으로 경쟁했을 뿐만 아니라 종종 시공간에서 삶의 예술적 재생산의 주도적인 형태가 되었습니다.

이것은 여러 가지 이유 때문입니다. 첫째, 연극 예술은 (손으로 쓴 책과 인쇄된 책과 달리) 사회의 가장 넓은 계층에 접근할 수 있는 큰 역할을 했습니다. 둘째, "사전 현실주의"시대의 극적 작품의 속성 (명백한 특징을 가진 캐릭터 묘사, 인간의 열정의 재현, 파토스 및 그로테스크에 대한 매력)은 일반적인 문학 및 일반 예술 경향과 완전히 일치했습니다.

그리고 XIX-XX 세기에도 불구하고. 서사문학의 한 장르인 사회심리소설은 문학의 최전선으로 옮겨갔고, 극작품은 여전히 명예로운 자리를 지키고 있다.

V.E. 칼리체프 문학 이론. 1999년

비극(Gr. Tragos-염소 및 ode-노래에서)-극복할 수없는 외부 상황과 비정상적인 성격의 화해 할 수없는 갈등을 기반으로하는 드라마 유형 중 하나입니다. 보통 영웅은 죽습니다(로미오와 줄리엣, 셰익스피어의 햄릿). 비극은 고대 그리스에서 시작되었으며 이름은 포도주 양조의 신인 디오니소스를 기리는 민속 공연에서 유래했습니다. 그의 고통에 대한 춤, 노래 및 이야기가 공연되었으며 마지막에는 염소가 희생되었습니다.

코메디(Gr. comoidia. Comos - 쾌활한 군중 및 ode - 노래) - 사람들의 사회 생활, 행동 및 성격에서 만화를 묘사하는 일종의 극적인 의지. 상황 코미디 (음모)와 캐릭터 코미디를 구별하십시오.

드라마 -비극과 희극 사이의 중간 드라마투르기(A. Ostrovsky의 뇌우, I. Franko의 Stolen Happiness). 드라마는 주로 개인의 사생활과 사회와의 첨예한 갈등을 그린다. 동시에 특정 캐릭터의 행동과 행동에 구현된 보편적인 인간 모순이 강조되는 경우가 많습니다.

신비(Gr. mysterion에서-성사, 종교 예배, 의식)-서부 Nvrotta 국가에서 흔히 볼 수있는 중세 후기 (XIV-XV 세기)의 대중 종교 극장 장르.

여흥(lat. intermedius에서-중간에있는 것)-메인 드라마의 액션 사이에서 수행되는 작은 만화 연극 또는 장면. 현대 팝아트에서는 독립된 장르로 존재한다.

보드빌(프랑스어 vaudeville에서) 극적인 행동이 음악과 춤과 결합된 경쾌한 희극.

멜로드라마 -날카로운 음모, 과장된 감정, 도덕적이고 교훈적인 경향이 있는 연극. 멜로 드라마의 전형은 맛있는 것의 승리 인 "해피 엔딩"입니다. 멜로드라마라는 장르는 18세기와 19세기에 유행하다가 나중에는 부정적인 평판을 얻었습니다.

소극(라틴어 farcio I start, I fill에서)는 14-16세기 서유럽 민속 코미디로 재미있는 의식 게임과 막간에서 유래했습니다. 희극은 대중적 성격, 풍자적 성향, 무례한 유머의 대중적 표현의 주요 특징이 특징입니다. 현대에는 이 장르가 소극장 레퍼토리에 진입했다.

언급한 바와 같이, 문학적 표현 방법은 종종 개별 유형과 장르 내에서 혼합됩니다. 이러한 혼란은 두 가지 종류가 있습니다. 어떤 경우에는 주요 일반 특성이 보존될 때 일종의 산재가 있습니다. 다른 경우에는 일반 원칙이 균형을 이루고 작업을 서사시, 성직자 또는 드라마에 기인 할 수 없으므로 인접 또는 혼합 형성이라고합니다. 대부분의 경우 서사시와 가사가 혼합됩니다.

민요(Provence ballar에서 춤까지)-예리한 극적인 사랑 음모, 전설-역사, 영웅-애국 또는 동화 콘텐츠가 포함 된 작은 시적 작품. 사건의 이미지는 뚜렷한 권위적인 느낌과 결합되고 서사시는 가사와 결합됩니다. 장르는 낭만주의 시대에 널리 퍼졌습니다 (V. Zhukovsky, A. Pushkin, M. Lermontov, T. Shevchenko 등).

가사 서사시-V. Mayakovsky에 따르면 시인이 시간과 자신에 대해 이야기하는 시적 작품 (V. Mayakovsky, A. Tvardovsky, S. Yesenin 등의시).

극적인 시- 대화 형식으로 작성되었지만 무대 상연을 목적으로 하지 않은 작품. 이 장르의 예: Goethe의 "Faust", Byron의 "Cain", L. Ukrainka의 "In the Catacombs" 등.

이 모든 것은 극작의 부가 텍스트를 구성하며, 주요 텍스트는 캐릭터의 진술, 복제 및 독백의 체인입니다.

따라서 드라마의 일부 제한된 예술적 가능성. 작가 극작가는 소설이나 서사시, 단편 소설 또는 단편 소설의 창작자가 사용할 수 있는 시각적 수단의 일부만을 사용합니다. 그리고 서사에 비해 덜 자유롭고 충만하게 드라마에서 등장인물들의 캐릭터가 드러난다. T. Mann은 "나는 드라마를 실루엣의 예술로 인식하고, 서술된 인물만을 볼륨 있고 통합적이며 실제적이고 조형적인 이미지로 느낀다"고 말했습니다.

드라마는 무대 지향적이다. 연극은 대중적이고 대중적인 예술입니다. 공연은 마치 그들 앞에 일어나는 일에 반응하여 하나로 합쳐지는 것처럼 많은 사람들에게 직접적인 영향을 미칩니다.

푸쉬킨에 따르면 드라마의 목적은 다중에 대해 행동하고 호기심을 채우는 것입니다." 그리고 이를 위해 "열정의 진실"을 포착합니다. "드라마는 광장에서 태어나 사람들의 오락을 구성했습니다. 사람들은 아이들처럼 오락과 행동이 필요합니다. 드라마는 그에게 기이하고 기묘한 사건을 선사한다. 사람들은 강한 감정을 원합니다. 웃음, 연민, 공포는 드라마틱한 예술에 의해 흔들리는 우리 상상의 세 줄이다.

다른 나라와 시대의 연극과 연극에 대해서도 마찬가지다. T. Mann이 "코미디언 본능"을 "모든 극적 기술의 기본 원리"라고 부른 것은 옳았습니다.

"그가 극장에서 어떻게 행동했는지"Bubnov (At the Bottom by Gorky)는 절망적 인 Klesch의 열광적 인 열광에 대해 언급합니다.

따라서 드라마를 서사적 시작(사건성)과 서정적(말의 표현)의 종합으로 간주한 헤겔은 어느 정도 옳았다.

Lesedrama와 작가가 무대 제작을 지향하는 연극 사이에는 근본적인 차이점이 없습니다. 읽기 위해 만들어진 드라마는 종종 잠재적으로 무대 드라마입니다. 그리고 극장 (현대 극장 포함)은 완고하게 열쇠를 찾고 때로는 발견합니다. 그 증거는 Turgenev의 "A Month in the Country"(우선 유명한 혁명 이전 공연입니다. Art Theatre) 및 수많은 (항상 성공하지는 못했지만) 20 세기 푸쉬킨의 작은 비극을 무대로 읽습니다.

극적 작품을 기반으로 한 공연의 창작은 창의적 완성과 관련이 있습니다. 배우는 자신이 연기하는 역할에 대한 인토네이션 플라스틱 그림을 만들고, 아티스트는 무대 공간을 디자인하고, 감독은 미장센을 개발합니다. 이와 관련하여 연극의 개념은 다소 변경되며 (일부 측면에 더 많은 관심을 기울이고 다른 측면에는 덜 관심을 기울임) 종종 구체화되고 풍부 해집니다. 무대 제작은 드라마에 새로운 의미 론적 음영을 도입합니다.

이 점에서 중요한 것은 괴테의 작품입니다. 위대한 독일 작가는 모든 문학 장르를 사용할 수 있었지만 그는 극적인 작품 인 불멸의 파우스트를 만들어 예술 생활을 장식했습니다.

지난 세기(18세기까지) 동안 드라마는 서사시와 성공적으로 경쟁했을 뿐만 아니라 종종 시공간에서 삶의 예술적 재생산의 주도적인 형태가 되었습니다.

그리고 XIX-XX 세기에도 불구하고. 서사문학의 한 장르인 사회심리소설은 문학의 최전선으로 옮겨갔고, 극작품은 여전히 명예로운 자리를 지키고 있다.

V.E. 칼리체프 문학 이론. 1999년

드라마(기타 그리스 드라마 - 액션)는 현재 일어나는 행동에 삶을 반영하는 일종의 문학입니다.

연극 작품은 상연을 목적으로 하며, 이에 따라 드라마의 구체적인 특징이 결정됩니다.

1) 내러티브 설명 이미지의 부재;

3) 극작품의 본문은 등장인물의 복제(독백과 대화)의 형태로 제시된다.

4) 일종의 문학으로서의 드라마는 서사시와 같은 다양한 예술적, 시각적 수단을 가지고 있지 않습니다. 말과 행동은 영웅의 이미지를 만드는 주요 수단입니다.

5) 텍스트의 양과 작업 기간은 무대 프레임워크에 의해 제한됩니다.

6) 공연 예술의 요구 사항은 "사건의 과장, 감정의 과장 및 표현의 과장"(L.N. Tolstoy)-즉, 연극 적 화려 함, 증가 된 과장 (과장)과 같은 드라마의 특징을 지시했습니다. 표현력; 연극의 시청자는 A.S.가 아주 잘 말한 무슨 일이 일어나고 있는지 조건을 느낍니다. 푸쉬킨: “극적 예술의 본질은 타당성을 배제합니다... 시, 소설을 읽을 때 우리는 종종 자신을 잊고 설명된 사건이 허구가 아니라 진실이라고 믿을 수 있습니다. 송시에서, 비가에서 시인이 실제 상황에서 자신의 진정한 감정을 묘사했다고 생각할 수 있습니다. 그러나 건물의 신뢰성은 두 부분으로 나뉘며 그 중 하나는 동의 한 관중으로 가득 차 있습니다.

드라마 (고대 그리스어 δρᾶμα - 행동, 행동) - 서사시 및 가사와 함께 세 가지 유형의 문학 중 하나는 문학과 연극의 두 가지 유형의 예술에 동시에 속합니다. 무대에서 상연되도록 의도된 드라마는 그 안의 텍스트가 등장인물과 작가의 발언의 복제 형태로 제시되고 원칙적으로 행동과 현상으로 구분된다는 점에서 형식적으로 서사시나 서정시와 다릅니다. 코미디, 비극, 드라마(장르로서의), 희극, 보드빌 등을 포함하여 대화 형식으로 만들어진 모든 문학 작품은 어떤 식으로든 드라마를 의미합니다.

문자 그대로 고대 그리스어로 번역된 드라마는 "액션"을 의미합니다.

드라마 종류비극극(장르) 낭독극(독극)

멜로드라마 히에로드라마 미스터리 코미디 보드빌 소극 자주

드라마 역사드라마의 기초-나중에 등장한 가사, 서사시 및 드라마의 요소가 음악 및 모방 운동과 관련하여 합쳐진 원시시에서. 다른 민족보다 먼저 특별한 종류의 시로서의 드라마가 힌두교인과 그리스인 사이에서 형성되었습니다.

디오니소스적 춤

19세기 후반에는 사실주의가 유럽 드라마(Dumas son, Ogier, Sardou, Paleron, Ibsen, Suderman, Schnitzler, Hauptmann, Beyerlein)에서 이어졌습니다.

19세기의 마지막 분기에 Ibsen과 Maeterlinck의 영향으로 상징주의가 유럽 무대를 장악하기 시작했습니다(Hauptmann, Przybyszewski, Bar, D'Annunzio, Hofmannsthal).

드라마틱한 작품의 디자인다른 산문 및 시 작품과 달리 극 작품은 엄격하게 정의된 구조를 가지고 있습니다. 극적인 작업은 각각 고유한 목적을 가진 교대로 텍스트 블록으로 구성되며 서로 쉽게 구분할 수 있도록 타이포그래피로 강조 표시됩니다. 극적인 텍스트에는 다음 블록이 포함될 수 있습니다.

캐릭터 목록은 일반적으로 작품의 본문 앞에 있습니다. 여기에는 필요한 경우 영웅에 대한 간략한 설명이 제공됩니다 (나이, 외모 특징 등).

외부 발언 - 캐릭터의 행동, 상황, 외모 및 이탈에 대한 설명. 축소된 크기로 입력되거나 복제본과 동일한 글꼴이지만 더 큰 형식으로 입력되는 경우가 많습니다. 외부 비고에서 영웅의 이름을 지정할 수 있으며 영웅이 처음 등장하면 그의 이름이 추가로 강조 표시됩니다. 예:

여전히 보육원이라고 불리는 방. 문 중 하나는 Anna의 방으로 연결됩니다. 새벽, 곧 해가 뜰 것입니다. 벌써 5월이고 벚꽃은 피었지만 정원은 춥고 마티네입니다. 방의 창문은 닫혀 있습니다.

양초를 들고 Dunyasha에 들어가고 손에 책을 들고 Lopakhin에 들어가십시오.

복제품은 캐릭터가 말하는 단어입니다. 발언은 배우의 이름이 선행되어야 하며 내부 발언을 포함할 수 있습니다. 예:

두냐샤. 난 당신이 떠난 줄 알았는데. (듣습니다.) 여기에서 그들은 이미 가고있는 것 같습니다.

LOPAKHIN (듣다). 아니요 ... 짐을 찾으십시오. 그러면 예 ...

내적 발언은 외적 발언과 달리 주인공이 레플리카를 발음할 때 일어나는 행위나 발음의 특징을 간략하게 기술한다. 단서를 발화하는 동안 복잡한 동작이 발생하면 외적 단서를 사용하여 설명해야 하며, 내적 단서의 도움을 받아 내적 단서를 사용하거나 내적 단서를 사용하여 행동 중에 배우가 계속 말하고 있음을 표시해야 합니다. 인사이드 노트는 특정 배우의 특정 대사만을 가리킨다. 대괄호로 복제본과 구분되며 이탤릭체로 입력할 수 있습니다.

가장 흔한 것은 극적인 작품을 디자인하는 두 가지 방법, 즉 책과 영화입니다. 책 형식에서 다른 글꼴 스타일, 다른 크기 등을 사용하여 극적인 작업의 일부를 분리할 수 있는 경우 영화 시나리오에서는 고정폭 타자기 글꼴만 사용하고 작업의 일부를 분리하려면 패딩을 사용하는 것이 일반적입니다. 다른 형식으로 설정, 모든 대문자로 설정, 방전 등 - 즉, 타자기에서 사용할 수 있는 수단만 있습니다. 이를 통해 가독성을 유지하면서 스크립트를 제작하면서 여러 번 수정할 수 있었습니다. .

러시아 드라마

드라마는 17세기 말 서양에서 러시아로 전해졌다. 독립 극문학은 18세기 말에야 등장한다. 19세기 1/4분기까지 비극과 희극, 희극 오페라 모두에서 고전적 연출이 우세했다. 최고의 작가: Lomonosov, Knyaznin, Ozerov; I. Lukin의 러시아 생활과 관습 묘사에 극작가의 관심을 끌려는 시도는 헛된 것으로 남아 있습니다. 유명한 "Undergrowth"와 "Foreman"Fonvizin, "Yabeda"를 제외하고 그들의 모든 연극은 생명이없고 죽었으며 러시아 현실에 이질적입니다. " I. A. Krylov의 Kapnist 및 일부 코미디 .

19 세기 초 Shakhovskoy, Khmelnitsky, Zagoskin은 가벼운 프랑스 드라마와 코미디의 모방자가되었고 Dollmaker는 과장된 애국 드라마의 대표자였습니다. Griboyedov의 코미디 Woe from Wit, 나중에 Gogol의 Inspector General, Marriage는 러시아 일상 드라마의 기초가되었습니다. Gogol 이후 vaudeville (D. Lensky, F. Koni, Sollogub, Karatygin)에서도 삶에 더 가까워지고 싶은 욕구가 눈에 띕니다.

Ostrovsky는 많은 놀라운 역사적 연대기와 일상 코미디를 제공했습니다. 그 후 러시아 드라마는 확고한 기반을 다졌습니다. 가장 저명한 극작가 : A. Sukhovo-Kobylin, I. S. Turgenev, A. Potekhin, A. Palm, V. Dyachenko, I. Chernyshev, V. Krylov, N. Ya. Solovyov, N. Chaev, gr. A. 톨스토이, c. L. Tolstoy, D. Averkiev, P. Boborykin, Prince Sumbatov, Novezhin, N. Gnedich, Shpazhinsky, Evt. Karpov, V. Tikhonov, I. Shcheglov, Vl. Nemirovich-Danchenko, A. Chekhov, M. Gorky, L. Andreev 및 기타.