Chardin Jean Baptiste 사진 및 전기. Chardin, Jean Baptiste Simeon 회화 기법과 새로운 주제

Jean-Baptiste Lamarck(1744-1829) 자연주의자, "생물학"이라는 용어 도입

Pierre Teilhard de Chardin(1881-1955), 철학자, 신학자 Willy-nilly, 인간은 다시 자신에게로 와서 그가 보는 모든 것에서 자신을 고려합니다. 인간의 결합 밖에서 진화의 결과로 예상되는 미래는 없습니다. 우리는 우리 자신을 알고

Teilhard de Chardin Pierre (1881-1955) - 프랑스 자연 주의자, 예수회 회원 (1899), 사제 (1911 이후), 사상가 및 신비주의자. T.의 어머니의 종조부였던 Voltaire의 후손으로 "기독교 진화론" 개념의 저자. 지질학과 교수

장 밥티스트 시메옹 샤르댕 - 18세기 프랑스의 위대한 화가. 그는 정물화와 풍속화의 탁월한 거장으로 가장 잘 알려지게 되었습니다. Chardin의 작품은 18세기 사실주의의 개화에 큰 영향을 미쳤습니다.

프랑스 화가 장 밥티스트 시메옹 샤르댕은 1699년에 태어났습니다. 그는 Saint-Germain-des-Pres 지역의 파리에서 평생을 살았습니다. 예술가의 교사는 Pierre Jacques Kaz (1676-1754)와 Noel Nicolas Coypel (1690-1734)이었습니다. 그는 1728년에 자신의 그림 몇 점을 선보인 "데뷰탄트 전시회" 이후 유명해졌습니다. 나중에 그는 "꽃, 과일 및 장르 장면의 화가"로 아카데미에 입학했습니다. 작가의 동시대 사람들과 그 이후의 회화 감정가들은 항상 대상의 본질을 보고 모든 범위의 색상과 음영을 전달하는 Chardin의 능력에 감탄했습니다. 이 아티스트의 기능을 통해 그는 비정상적으로 사실적이고 깊은 캔버스를 만들 수 있었습니다. 그의 그림은 감정의 미묘함, 세부 사항의 정교함, 이미지의 선명도, 조화 및 풍부한 색상이 특징입니다. 그의 초상화의 주인공은 일상적인 일로 바쁜 제 3 영지의 평범한 사람들입니다.

1728년 장 밥티스트 시메옹 샤르댕은 파리 예술 아카데미에 입학했습니다. 1737년부터 그는 파리 살롱에 정기적으로 참가했습니다. 1743년에 그는 예술 아카데미의 고문이 되었고, 1750년에는 아카데미의 재무가 되었다. 1765년부터 그는 루앙 과학, 문학 및 미술 아카데미의 회원이었습니다. 위대한 프랑스 예술가는 1779년 12월 6일에 사망했습니다. 그 뒤를 이어 장 밥티스트 시메옹 샤르댕은 풍부한 유산을 남겼습니다. 그의 그림은 상트페테르부르크를 비롯한 전 세계 주요 박물관에 소장되어 있습니다.

당신은 플로리스트입니까 아니면 전문 플로리스트입니까? 작업에 필요한 모든 액세서리를 사용할 수 있습니다. 고품질 제품의 크고 다양한 선택.

Jean Baptiste Siméon Chardin 제목이 있는 그림

자화상

예술의 속성과 이에 상응하는 상

뷔페

가정 교사

여자 청소 야채

라켓과 셔틀콕을 든 소녀

카나리아

하우스 오브 카드 II

지하실의 섹스 보이

저녁 식사 전 기도

거품

예술의 속성을 가진 정물

포도와 석류가 있는 정물화

게임과 사냥개가 있는 정물화

세탁소

행상인

돌보는 종

기안자

은그릇

은잔

근면한 어머니

Jean Baptiste Simeon Chardin (1699-1779) - XVIII 세기의 가장 유명한 예술가 중 한 명이자 회화 역사상 최고의 색채가 중 한 명인 프랑스 화가로 정물 및 장르 그림 분야에서의 작업으로 유명합니다.

Jean Baptiste Siméon Chardin의 전기

Pierre-Jacques Caza와 Noel Coypel의 학생인 Chardin은 Saint-Germain-des-Pres의 파리 지구에서 태어나 평생을 보냈습니다. 그가 프랑스 수도 외부를 여행했다는 증거는 없습니다. Kuapel이 자신의 그림에서 액세서리를 수행하는 것을 도운 그는 모든 종류의 무생물을 묘사하는 비범한 예술을 습득하고 전적으로 복제에 전념하기로 결정했습니다.

창의성 샤르댕

그는 초기에 파리 대중에게 훌륭한 정물화의 거장으로 알려지게 되었습니다. 이것은 주로 Place Dauphine에서 열린 파리의 "데뷰트 전시회" 때문이었습니다. 그래서 1728 년에 그는 정물 "Scat"을 포함하여 여러 캔버스를 발표했습니다. 이 그림은 프랑스 회화 및 조각 아카데미의 명예 회원인 Nicolas de Largillière에게 깊은 인상을 주었고, 그는 젊은 예술가를 아카데미 벽 안에서 자신의 작품을 전시하도록 초대했습니다.

그 후 화가는 Chardin이 아카데미 자리를 놓고 경쟁해야한다고 주장했습니다. 이미 9월에 그의 입후보가 받아들여졌고 그는 "꽃, 과일, 장르 장면을 묘사한 것"으로 등재되었다.

색상 관계에 대한 지식을 완벽하게 습득한 Chardin은 물체의 상호 연결과 구조의 독창성을 미묘하게 느꼈습니다.

Diderot은 예술가가 과일 피부 아래에서 주스의 움직임을 느끼게 만드는 기술에 감탄했습니다. 물체의 색상에서 Chardin은 많은 음영을보고 작은 획으로 전달했습니다. 흰색은 비슷한 색조로 짜여져 있습니다. Chardin이 소유 한 회색 및 갈색 톤은 유난히 많습니다. 캔버스를 관통하는 빛의 광선은 피사체에 선명도와 선명도를 부여합니다.

Chardin의 이전 작품보다 훨씬 더 순진한 내용의 단순성, 색상의 강도와 조화, 브러시의 부드러움과 풍부함으로 구별되는 장르 그림의 그림은 그를 여러 현대 예술가보다 앞당기고 그의 중 하나를 강화했습니다. 프랑스 회화의 역사에서 중요한 장소. 1728년에 그는 파리 예술 아카데미에 배정되었고, 1743년에는 고문으로 선출되었으며, 1750년에는 재무관이 되었습니다. 또한 1765년부터 루앙 과학, 문학 및 순수 예술 아카데미의 회원이었습니다.

Laundress(1737), Jar of Olives(1760) 또는 Attributes of the Arts(1766)와 같은 다양한 연도 및 장르의 작품에서 Chardin은 항상 훌륭한 기안가이자 색채가, "조용한 삶"의 예술가, 시인의 일상; 그의 시선과 부드러운 시선은 가장 일상적인 대상을 영적으로 만듭니다.

인생의 말년에 Chardin은 파스텔로 눈을 돌리고 몇 장의 웅장한 초상화 (자화상, 1775)를 만들었는데, 여기에서 그는 고유 한 감정적 미묘함과 심리적 분석 능력을 보여주었습니다.

백과 사전 학자들은 그의 "부르주아"예술을 "사람들로부터 찢어진"궁정 예술가들과 대조시킨 Chardin의 명성을 널리 알리기 위해 많은 노력을 기울였습니다.

Diderot은 자신의 기술을 주술에 비유했습니다.

“오, Chardin, 당신이 팔레트에서 갈는 것은 흰색, 빨간색, 검은색 물감이 아니라 사물의 본질 그 자체입니다. 당신은 당신의 붓 끝에서 공기와 빛을 취하여 그것을 캔버스 위에 놓는다!”

작가의 작품

• 샤르댕 부인
• 요리 청소 순무
• 세탁부
• 카드 잠금
• 저녁 식사 전 기도
• 편지를 읽는 소녀
• 예술 속성
• 칠면조와 정물화
• 과일이 있는 정물화
• 정물
• 구리 물탱크
• 근면한 어머니

Chardin의 머리에서 은하계의 거장들은 궁정 의식 로코코 회화의 본질에 대한 진실하고 단순한 이야기에 반대하여 18 세기 예술에 진입했습니다. Chardin은 그를 미화한 정물화와 일상 장면의 창조자였을 뿐만 아니라 유럽 계몽주의 회화에서 새로운 초상화 개념의 창시자 중 한 명이었습니다. 그는 사실적인 일상 장르와 마찬가지로 18세기 회화의 발전에서 중요한 단계였던 초상화의 장르 유형으로 전환한 최초의 프랑스 예술가 중 한 명입니다.

유럽과 미국 박물관의 자존심인 샤르댕의 작품은 자연의 특별한 자연적 소박함, 작가가 전하는 따뜻함과 인간애로 마음을 사로잡는다. Chardin은 그의 동시대인들 중 한 사람에게 이렇게 말했습니다. “그들이 페인트로 그림을 그린다고 누가 말했습니까? 색을 쓰지만 느낌으로 쓴다”고 이미지(사람 또는 사물)에 대한 깊은 감정적 이해를 드러냈다. 덕분에 보는 사람은 작가의 감정에서 영감을 얻은 자연의 시야로 끌어들인다. 누구와도 달리 샤르댕은 가장 일반적인 것에서 미묘함을 발견하는 능력에서 계몽주의 시대의 고조된 감수성을 표현할 수 있었습니다. 그는 "현실을 들여다보고 그것을 꾸미려고 하지 말라"는 Denis Diderot의 말을 모토로 삼은 당대의 거장이었습니다.

예술가의 아버지는 목수였고 샤르댕은 반은 장인이고 반은 예술적인 환경에서 자랐습니다. 유명한 화가의 스튜디오에서 공부하는 동안 (아마도 그는 단지 조수였을 것입니다) P.Zh. 카사, N.N. 쿠아펠, J.B. Vanloo Chardin은 Vanloo의 지시에 따라 Fontainebleau의 왕궁 벽화 복원에 참여하도록 주목 받고 초대되었습니다. 거의 동시에 그는 부상당한 남자 주위에 서 있는 거리 구경꾼 무리를 묘사한 파리의 외과 의사가 의뢰한 표지판을 그렸습니다. 유희성을 지닌 장르 씬은 전시장을 찾은 관객들을 매료시켰다. Chardin의 두 초기 정물인 Skate와 Buffet(둘 다 1728년, 파리, 루브르 박물관)도 주목받았으며, 이 작품으로 1728년 파리 왕립 예술 아카데미의 회원으로 받아들여졌습니다. 두 그림에서 단순한 것의 아름다움이 시적으로 전달됩니다. 녹색 배경에 은색으로 빛나는 생선과 주방 도구, 흩어져있는 과일로 둘러싸인 흰색 식탁보 위에 어두운 유리로 만든 접시가 있습니다. 플랑드르와 네덜란드 거장들의 그림에서와 같이 물고기를 스토킹하는 고양이와 접시가 있는 테이블에서 짖는 개에 의해 오락의 요소가 도입됩니다. 그러나 이들 북부 예술가들의 바로크 정물화와 달리 샤르댕의 자연은 그다지 인상적이고 유리하게 정리된 것처럼 보이지 않는다. 물론 작가는 배열의 모든 뉘앙스를 깊이 생각했으며 Chardin의 각 정물은 세상의 객관성이라는 의미에서 그의 특별한 선물을 느끼게합니다.

예술가는 아무데도 떠나지 않고 파리에서 평생을 보냈습니다. 1724년에 그는 로마 성 루가 아카데미 회원이라는 명예 칭호를 받았다. 이 무렵 그는 이미 정물화의 대가로 알려져 있었습니다. 1731년 Chardin은 Françoise Marguerite Saintard와 결혼했고 같은 해에 그의 아들이 태어났습니다. 그는 파리에 살았고 그의 서클 사람들을 묘사하는 것을 선호했으며 Frederick II, Catherine II, Gustav III 및 뛰어난 유럽 귀족의 많은 대표자들이 그의 작품을 갖고 싶어했지만 공식 명령에 따라 작품을 만드는 것을 좋아하지 않았습니다. 1730년대부터 Chardin은 일상적인 장면과 장르의 초상화를 그리는 것으로 전환하여 1730-1740년 기간에 그의 최고의 캔버스를 많이 만들었습니다. "The Cook (Woman Peeling Vegetables)"(1738, 워싱턴, 국립 미술관), "근면한 어머니", "저녁 식사 전 기도"(모두 - 1740, 파리, 루브르 박물관). Chardin은 항상 실생활 동기의 이미지에서 그들에게 가서 의미를 부여하고 일상적인 사건에 대한 여유로운 이야기, 사람의 환경과 관련된 사물에 대해 이야기했습니다. 17세기 네덜란드 거장들의 작품에 대한 작가의 관심은 자연에 대한 생생하고 자연스러운 해석을 찾는 데서 자연스러웠다. 샤르댕은 아이를 키우거나 집안일을 하는 어머니를 묘사하는 이러한 장면을 자주 반복했기 때문에 많은 박물관과 개인 소장품에 이 그림의 버전이 있습니다. 장면에 진정성을 부여하는 데 있어서 인테리어의 역할은 크다. 정물의 주인의 붓은 야채, 테이블 위의 접시, 복도에 흩어져있는 물건을 그렸습니다. 그들은 예술가 자신이 속한 세 번째 영지의 평범한 시민의 삶의 방식에 대해 이야기합니다. 네덜란드 풍속화의 화사한 색채와 달리 샤르댕의 화폭에는 브라운, 그린, 블루, 화이트의 색채가 은은한 색채를 더한다.

장르 초상화("House of Cards", 1741, "Young 교사", 1740 년경, 둘 다-워싱턴, 국립 미술관; "회전하는 탑을 가진 소년"(1738, 파리, 루브르 박물관), Chardin은 특히 내면의 활기와 자발성에 매료 된 이미지를 가진 어린이 묘사를 좋아했습니다. 그의 빈번한 모델은 보석상 Godefroy-Jr Auguste-Gabriel의 아들로 그림 "Boy with a Spinning Top"과 열 살짜리 Charles ( "Portrait of Charles Godefroy", 1738, Paris, Louvre)였습니다. Chardin은 순간적인 감정 표현이나 어린이 이미지의 심리적 복잡성이 아니라 그의 환경에있는 사람에 대한 이야기에 매료됩니다.그리고 작가가 만든 각 어린이의 초상화는 말하자면 조각입니다. 일상적인 장면. 이 모든 것이 Chardin의 어린이 이미지에 큰 서정적 매력을 부여합니다.

1737년부터 작가는 오랜 휴식 끝에 다시 문을 연 파리 살롱의 정규 참가자가 되었습니다. 그의 작품을 좋아하는 Marchands와 비평가들은 종종 유명한 거장에 의해 판화로 재현됩니다. Diderot은 그의 작품의 독창성에 주목하며 열정적으로 다음과 같이 썼습니다. "Chardin은 자신의 예술에 대해 완벽하게 말할 수있는 지적인 예술가입니다." "색상과 명암의 조화를 만드는 방법을 아는 사람입니다!" -그는 Chardin의 색상에 대해 감탄했습니다.

예술가의 그림 기술은 수년에 걸쳐 향상됩니다. "파이프가있는 정물"(1737, 파리, 루브르 박물관) 또는 "Cut Melon"(1760, 파리, 개인 소장품)과 같은 Chardin의 걸작에서 꽃의 멜로디 통일 된 음색 소리는 부드러움과 다양성이 인상적입니다. 그는 부엌 용품, 죽은 사냥감, 과일, 악기, 그림, 조각, 건축 및 과학의 속성을 정물화하여 차분하고 균형 잡힌 구성을 구성합니다. 각 캔버스에서 사물의 선택은 색채 작업에 의해 결정되지만, 그 외에도 "부엌" 정물화와 같은 단순한 일상 활동의 세계를 동등하게 시화하거나 사물에 우화적인 소리를 부여하는 깊은 내적 의미를 항상 전달합니다. 사람의 지적 성향에 대한 이야기 ​​계몽주의 세기 (과학의 속성, 1731, 파리, Jacquemart-André 박물관). 절묘한 선택으로 캔버스에서 각 사물의 우아한 형태의 아름다움이 강조됩니다 파이프가있는 정물. 파이프가 기대어 있는 열린 담배 상자, 흰색 토기 주전자, 많은 색 반사를 흡수한 컵은 해외에서 담배를 피우는 것이 유럽 국가의 관습이었던 시대의 패션과 생활을 말해줍니다.

계몽 사상 시대의 이상은 루브르 박물관, Jacquemart-André 박물관, Hermitage, 주립 미술관에 속하는 "예술의 속성을 가진 정물"이라는 주제로 캔버스에서 예술가에 의해 표현되었습니다. 기예. 처럼. 푸쉬킨. Hermitage 캔버스 (1766)는 예술 아카데미를 위해 Catherine II의 명령에 따라 Chardin에 의해 실행되었지만 황후의 아파트에 남아있었습니다. 정물 색상의 정서적 표현력은 Diderot에 의해 기록되었습니다. “대중이 얼마나 묵주입니까! 한 가지가 다른 것에 어떻게 반영되는지! 사방에 쏟아져 나오기 때문에 매력이 정확히 무엇인지 알 수 없습니다 ...”작가는 명확한 리듬으로 수성 그림, 그림이있는 폴더, 페인트 상자 및 팔레트, 그림 두루마리와 조리기구, 책. 따뜻한 적갈색 톤으로 언더페인팅은 부드러운 빛으로 비춰진 이 모든 물체의 조밀한 선으로 양각으로 칠해져 있습니다. 계몽주의의 모든 우화에서와 같이 예술가의 공로를 상징하는 리본과 메달에있는 성 미카엘의 주문 십자가를 포함한 물체 선택은 예술가의 직업에 대해 복잡하지 않고 그의 특별한 새로운 자유에 대해 알려줍니다. 시간이 그에게 부여한 지위.

작가의 작업의 마지막 10년은 아카데미에서의 사임, 시력 저하, 대중의 관심 감소로 가려졌습니다. 그러나 이 시기에 창작된 작품들은 18세기 프랑스 회화의 걸출한 작품이 되었다. Chardin은 파스텔로 변하여 녹색 바이저가있는 자화상 (1775, 파리, 루브르 박물관) 및 아내의 초상화 (1776, 시카고, Art Institute)와 같은이 기술에서 진정한 걸작을 만듭니다. Diderot은 또한 1771년의 파스텔 "자화상"(파리, 루브르 박물관)에 감탄하며 말하며 나이 든 예술가를 지원하기 위해 1771년 살롱에서 보여진 것들에 대해 다음과 같이 씁니다. , 자연을 보는 데 익숙한" . 후기 초상화는 그의 예술뿐만 아니라 18세기 유럽 초상화에서도 새로운 단계를 기록했습니다. 장르 모티프는 이제 아티스트에 의해 제외됩니다. 그는 제3신분의 남자에 대한 서정적 내러티브를 더 깊은 일반화로 대체하여 새로운 형태의 실내 초상화로 전환합니다. 작가의 아내인 마거리트의 이미지에는 이웃에 대한 불안과 걱정 속에 평생을 보낸 여성의 성격이 드러난다. 새틴 소재의 가운과 어설픈 모자는 과거 미인의 고상한 모습을 해치지 않는다.

작가는 또한 Green Visor가있는 Self-Portrait에서 집에서 옷을 입고 자신을 표현했습니다. 바이저가 달린 머리의 붕대와 느슨한 매듭으로 묶인 목도리는 오래되고 편안한 전문복의 속성입니다. 바이저 아래에서 차분하고 통찰력있는 모습도 직업의 특징입니다. O. Fragonard 및 J.L. 데이비드.

엘레나 페도토바

18세기는 프랑스 문화가 눈부시게 꽃피던 시기입니다. 혁명 이전의 프랑스는 유럽 전체에서 패션과 취향, 문학 및 철학적 취미, 라이프스타일의 부인할 수 없는 트렌드세터였습니다. 이 모든 것은 1789년 혁명에 의해 일소되었다. 그 당시에는 혁명 이전에 프랑스에 살지 않은 사람은 실생활이 무엇인지 모른다는 말이 있었습니다. 혁명 이전 시대에 특별한 정교함에 도달 한 미적 및 기타 모든 종류의 즐거움이 의미되었습니다.

전문적인 수준의 예술은 엄격한 학문적 배심원단에 의해 작품이 선정된 Salons라는 전시회에서 매년 시연되었습니다. 기발한 실내 장식은 실내 장식의 앙상블에 포함된 다양한 유형과 장르의 순수 및 응용 예술을 포괄하는 로코코 스타일로 발전했습니다. 이 다양성과 탁월함 속에서 뛰어난 학업 작곡 마스터라도 길을 잃는 것은 어렵지 않습니다. 그러나 역사적인 그림, 공식적인 초상화 또는 rocaille 용감한 장면을 그린 적이없는 Chardin은 정물과 일상 생활과 같은 "가장 낮은"장르로 자신을 제한하지 않았을뿐만 아니라 길을 잃지 않았을뿐만 아니라 모든 것보다 더 높고 더 중요한 것으로 판명되었습니다. 로코코와 살롱 아카데미즘의 이 화려한 반짝이는 XVIII 세기 프랑스 회화의 중심 인물이자 가장 저명한 서유럽 예술가 중 한 명이 되었습니다.

Chardin은 파리의 장인 출신이며 그의 아버지는 당구대 제작 전문 장인이었습니다. 이 환경은 엄격한 도덕과 근면으로 구별되었으며, 남편은 일찍 일어나 아침부터 밤까지 주문 또는 판매 제품을 준비하여 최고 품질을 달성했으며 아내는 집안일을 담당했습니다. 그들은 긴축 속에서, 경제적으로, 냉정하게, 현명하고, 근면하게 살았고, 그들의 전 생애는 난로, 사랑하는 사람, 가족 전통, 인간 존엄성의 높은 파토스에 대한 사랑으로 채색되었으며, 이는 겸손과 경건한 노동으로 나타납니다. 귀족 결투와 군사적 착취에서.

공예 환경의 이러한 방식은 Chardin 이미지의 주제이자 그의 작업에 영향을 미치고 그의 놀라운 스타일을 형성하는 정신이 될 것입니다. 작가의 아버지는 당구대의 표면을 부지런히 갈고 있었는데, 약간의 요철이 재료를 사용할 가치가없는 값싼 식탁으로 변모했습니다. 동일한 인내와 의미 있는 열정으로 Chardin은 어린 시절부터 노년에 사망할 때까지 작은 그림을 자세히 살펴보았습니다. 그는 오랫동안 사랑스럽고 부지런하고 신중하게 그것들을 썼습니다.

반루와 쿠아펠의 역사화의 거장인 학파 화가들에게 훈련을 받은 샤르댕은 역사화를 그리지 않았다. 평생 동안 그는 적절한 교육을받지 못했고 신화, 역사 및 문학을 몰랐기 때문에 유능한 역사적 음모를 맡을 수 없다고 한탄했습니다. 따라서 그는 자신이 잘 아는 파리 상인을 둘러싼 물건, 그가 살았던 아늑한 인테리어를 그렸습니다.

작가의 첫 번째 작품은 정물, 주방 및 사냥 트로피 (Vanloo의 영향 없이는 아님)로, 낮은 장르의 죽은 자연에서 "발끝으로"서서 귀족적인 사냥 캐릭터를 부여한 다음 풍부하게 바로크, 이것이 주방 용품이라면. 그의 초기 캔버스는 전문적인 환경에서 성공적이었고, 겸손한 성 루크 아카데미에 잠시 머문 후 1628년 29세의 샤르댕은 " 죽은 자연". 아카데미에서 겸손하고 양심적이며 자비로운 사람인 Chardin은 뿌리를 내리고 영구 재무이자 회의 의장이었습니다. 그의 진술에서 "더 온화함, 신사, 더 온화함"이라는 호소가 보존되었습니다. 성공, 많은 사람들이 예술가가 된 적이 없으며 포기한 것은 군인이나 배우가되는 어려운 직업입니다. 평범한 그림 뒤에도 이 캔버스에 대한 수십 년의 연구와 수년간의 노력이 있습니다. 그러나 그러한 부드러움으로 Chardin은 완전히 무해하지 않았습니다. 살롱 박람회에서 그는 학자들의 결점을 눈에 띄지 않게 드러내는 것과는 대조적으로 학자들의 사진을 걸 수 있었습니다. 그러나 그의 발언에서 그는 매우 조심스럽고 자비 롭습니다.

살롱에 대해 특별히 언급해야 합니다. 이 작품은 유능한 심사위원단의 도움을 받아 선정된 프랑스 최고의 예술가들이 만든 최고의 작품에 대한 연례 리뷰입니다. 신중하고 자격을 갖춘 이러한 전시회는 예술 발전의 중요한 조건입니다. 고객 만 예술을 판단했다면 예술은 유사한 초상화, 달콤한 풍경 및 이데올로기 적으로 일관된 제단 그림을 결코 넘어서지 못할 것입니다. 높은 전문 수준을 유지하고 살롱을 제공합니다. 심사위원단이 선택한 작품은 그 작품이 아무리 학문적이고 "살룬"에 있더라도 한 가지 중요한 이점이 있었습니다. 그리고 재능있는 아마추어가 개발할 수 있으며 이러한 살롱 수준을 자신의 활동을위한 소리굽쇠로 삼을 수 있습니다. "천재"의 생산에는 강력한 평범함 전문가의 환경이 필요합니다.

학자가 되고 수익성 있는 정기 주문을 받으면서 Chardin은 선택한 모든 장르에서 한 번에 향상되었습니다. 그는 그림의 완벽함을 달성하면서 초기 다음절 구성에서 그가 정물에서 정물로 이동하는 가장 일반적인 대상 중 3~5개의 점점 더 단순하고 겸손한 제작으로 이동하는 정물화를 그립니다. 어두운 유리, 구리 박격포 , 점토 그릇, 때로는 도자기 주전자가 나타납니다. 도구에 그는 포도 한 다발과 깨진 석류, 그리고 더 자주 사과, 감자, 양파, 계란 두 개, 파리와 바퀴벌레, 부엌 인테리어의 단골을 추가합니다. 가장 평범한 사물의 연출이 단순할수록 페인팅과 구성이 더 어려워집니다. 구성은 제작이 아니며 가장 고급스러운 물건, 가장 복잡한 건축 장식 및 가장 아름답고 수많은 시터를 다양하고 값 비싼 의상으로 입을 수 있으며이 고급스러운 제작의 구성은 원시적이고 진부하며 지루하고 복잡하지는 않지만 딱딱합니다. 반대로, 가장 겸손한 개체 세트를 사용하면 그림과 같은 구성이 가장 복잡하고 완벽할 수 있습니다. 이 라틴어 용어는 때때로 부정확하게 이해되고 번역되기 때문에 구성은 배열이 아니라 "병치", 즉 상관 관계, 요소 간의 연결 설정, 부분의 통일성과 조화 달성.

그러나 단순한 오브제가 화가에게 빈약한 재료라고 말할 수는 없다. 지구를 여행할 수도 있고 사과 표면을 따라 여행할 수도 있습니다. 망원경을 통해 천문 세계를 보거나 현미경을 통해 식물 세포를 볼 수 있으며 두 경우 모두 발견을 하고 어떤 면에서 중요한 과학적 이론을 만들 수 있습니다. 그래서 그것은 예술에 있습니다. 자연주의가 Chardin에 도달하지 않습니다. 예, 그는 일방적 인 구리 탱크를 들여다 보며 환상을 위해 노력하지만 더 많은 것을 얻습니다. 그림 같고 플라스틱 풍부함, 완벽한 그림 언어가 개발됩니다. 많은 화가들이 흥미로운 플롯 덕분에 성공을 거두었고, 이러한 외부 레이어를 긁어모아 암호화된 하위 텍스트를 찾아야만 작업을 이해할 수 있습니다. 반면 Chardin은 그의 "무지"로 인해 처음에는 "흥미로운 음모"를 즉시 그리고 영원히 거부하고 그림 자체는 그에게 가장 흥미로운 음모로 남아 있습니다. 이것은 미술사에서 가장 "순수한" 화가 중 한 명입니다. Cezanne이 아닌 다른 유사한 이름을 호출할 수 있습니다.

“그들이 페인트로 글을 쓴다고 누가 말했습니까? 감정을 담아 글을 쓰지만 물감만 쓴다! -Chardin의 느낌표가 알려져 있습니다. 예술과 학교 규칙에 대한 추론을 신뢰하지 않는 Chardin은 직감에 의존하고 예술가의 지적인 눈을 신뢰하고 이미지의 주제를 느끼고 영혼의 모든 힘이 붓 끝에 있을 때 글을 쓰는 것을 선호합니다. Chardin은 이론을 공식화하지 않았고 그의 창의적인 방법의 특징을 말로 표현하려고 시도하지 않았습니다. 그는 당시의 모든 이론, 즉 루벤파와 푸시니스트의 고함을 뛰어넘었습니다. 그는 합당한 예술적 결과를 얻는 것이 얼마나 어려운지 이해하고 이야기하는 데 시간을 낭비하지 않았습니다.

Chardin의 성격과 예술의 근간이 되는 숙련된 장인의 엄격하고 영적인 삶의 방식도 그의 이미지의 주제였습니다. 그는 식사, 어린이 게임, 요리, 빨래, 엄마와 아이들과 같은 정물화와 같은 방식으로 지어진 여러 장르의 그림을 만들었습니다. Chardin은 행복하게 결혼했습니다. 10년의 미망인 생활 끝에 첫 부인이 죽었을 때, 그는 일꾼이자 합당한 사람인 남편을 존경하고 모든 사람에게 존경을 받으며 그의 노년을 돌봄과 관심으로 둘러싸는 부유한 노부인과 결혼했습니다. Chardin은 그의 아버지, 목수, 할아버지, 장인, 그리고 이 모든 계층이 고수한 삶의 방식을 엄격하게 따랐습니다. 그는 부유 한 유행 예술가들이 초상화의 귀족적 성격을 모방하면서 때때로 열망했던 외부의 광채없이 편안하고 풍요롭게 살았습니다.

특징은 Chardin의 장르 그림 중 하나 인 "저녁 식사 전기도"입니다. 어머니는 아이들에게 식사 전에 하나님 께 감사하고 사람이 빵만으로 살지 않는다는 것을 기억하도록 가르칩니다.

"Laundress"는 Chardin의 걸작 중 하나이며 예술가는 일반적으로 매우 균일하며 거의 모든 작업에서 높은 예술적 결과를 얻었습니다. 하지만 이 그림은 여전히 ​​아주 좋습니다. 반 암실-평범한 파리지앵 거주지의 다용도실에서 하녀는 물마루에서 씻고 아기는 바닥에 앉아 흥미 진진한 사업에 종사하고 있습니다-그는 집중하여 비누 방울을 불었습니다. 빨래로 바쁜 한 여성이 아기를 돌보며 기쁨과 인정의 눈초리로 바라보고 있습니다. 어두운 깊이에서-세척도 일어나는 다른 밝은 방으로의 열린 문; 황금빛은 거기에 서있는 세탁부, 의자 및 물마루의 모습을 "감싸고 있습니다".

줄거리만 말하는 것은 Chardin에 대해 아무 말도 하지 않거나 거의 아무 말도 하지 않는 것과 같습니다. 고전적으로 균형 잡힌 물체가 분포되는 방식-테이블, 냄비 및 그릇의 정물에서와 같이 방 바닥에는 그림과 가구 조각이 있습니다. 구성에 추가 구성 원리를 제공하는 것만을 어두운 깊이에서 빛이 빼앗는 방법; 사물에 국부적인 색을 부여하고 조명에 색의 특성을 부여하는 색으로서 원색과 이차색이 도처에 침투하는 색계를 형성한다. 나무 질감의 환상, 다양한 종류의 직물, 신체 표면이 만들어지는 방법과 동시에 잘 생각되고 명확하게 구성된 색상 시스템이 구축됩니다.

Chardin의 정물과 일상 그림을 17 세기 네덜란드 및 플랑드르 그림과 비교하면이 장르를 전문으로하는 예술가 전체가 경쟁하고 경쟁하며 광채와 완벽 함을 얻었습니다. 그 옆에있는 Chardin은 모든 보석 잔과 Delft faience, 풍부한 이국적인 과일, 게임 및 이상한 바다 물고기가있는 네덜란드보다 더 복잡하고 설득력이 있습니다. 껍질을 벗기지 않은 감자에 대해 쓰여진 Chardin의 다채로운 교향곡보다 더 스케치적이고 가난 해 보입니다.

Chardin과 관련하여 그의 생각을 계몽주의 철학자들의 진술 및 이론과 비교하는 것은 무리입니다. 그는 프로그래밍 방식으로 "반 지적"이며 교육 부족을 강조하고 모든 종류의 이론을 피합니다. 그러나 그의 계몽주의 문화와의 깊은 연관성은 그가 말이 아닌 붓으로 공식화한 그의 창작 방법에 있다. 그리고 그의 작품을 18세기 지적 생활의 우상, 프랑스 백과사전 학자 및 계몽가와 비교할 때 Chardin의 작품은 철학자이자 작가인 Diderot, Voltaire 및 Rousseau의 작품보다 덜 중요하고 심오하며 지적으로 보입니다.

"배우지 못한" Chardin은 계몽주의 시대의 위대한 프랑스 문화의 정점 중 하나입니다.