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르네상스 예술. 르네상스 시대는 시대를 다룹니다

F.리페 마돈나

15세기 초 이탈리아의 생활과 문화에는 엄청난 변화가 있었습니다. 12세기부터 이탈리아의 마을 사람들, 상인, 장인들은 봉건적 의존에 맞서 영웅적인 투쟁을 벌였습니다. 무역과 생산을 발전시키면서 마을 사람들은 점차 더 부유해지고 봉건 영주의 권력을 버리고 자유 도시 국가를 조직했습니다. 이 무료 이탈리아 도시는 매우 강력해졌습니다. 그들의 시민들은 그들의 정복을 자랑스러워했습니다. 독립적인 이탈리아 도시들의 막대한 부는 그들을 번성하게 만들었습니다. 이탈리아 부르주아지는 다른 눈으로 세상을 바라보고 자신과 자신의 힘을 굳게 믿었습니다. 그들은 지금까지 그들에게 설교되었던 모든 지상의 기쁨에 대한 고통, 겸손, 거부에 대한 열망에 대해 이질적이었습니다. 삶의 기쁨을 누리는 지상인에 대한 존경심이 커졌습니다. 사람들은 삶에 적극적인 태도를 취하고 열심히 세상을 탐험하며 그 아름다움에 감탄하기 시작했습니다. 이 기간 동안 다양한 과학이 탄생하고 예술이 발전합니다.

이탈리아에서는 고대 로마 예술의 많은 기념물이 보존되어 고대 시대가 다시 모델로 숭배되었고 고대 예술은 감탄의 대상이되었습니다. 고대의 모방은 예술에서 이 시기를 프랑스어로 "르네상스"를 의미하는 르네상스라고 부르는 이유를 제공했습니다. 물론 이것은 고대 예술의 맹목적이고 정확한 반복이 아니라 이미 새로운 예술이지만 고대 모델을 기반으로합니다. 이탈리아 르네상스는 VIII - XIV 세기 - Pre-Renaissance (Proto-Renaissance 또는 Trecento - 함께)의 3 단계로 나뉩니다. XV 세기 - 초기 르네상스 (Quattrocento); XV 말 - XVI 세기 초 - 전성기 르네상스.

고고 학적 발굴은 고대 기념물을 찾기 위해 이탈리아 전역에서 수행되었습니다. 새로 발견된 조각상, 동전, 도구, 무기는 이를 위해 특별히 만들어진 박물관에서 조심스럽게 보존되고 수집되었습니다. 예술가들은 이러한 고대 샘플을 연구하고 삶에서 그렸습니다.

이집트로의 피난 (Giotto)

Trecento (르네상스 이전)

르네상스의 진정한 시작은 이름과 관련이 있습니다. 지오토 디 본도네(1266? - 1337). 그는 르네상스 회화의 창시자로 간주됩니다. 피렌체 지오토는 예술사에 큰 공헌을 했습니다. 그는 중세 이후 모든 유럽 회화의 조상이자 갱신자였습니다. Giotto는 복음 장면에 생명을 불어 넣고 실제 사람들의 이미지를 만들었으며 영적이지만 세속적이었습니다.

목자들에게 돌아가는 요아킴(조토)

Giotto는 처음으로 chiaroscuro의 도움으로 볼륨을 만듭니다. 그는 분홍색, 펄 그레이, 옅은 보라색, 밝은 라일락과 같은 차가운 색조의 깨끗하고 밝은 색상을 좋아합니다. Giotto의 프레스코 화에 나오는 사람들은 발걸음이 무겁고 땅딸막합니다. 그들은 큰 얼굴 특징, 넓은 광대뼈, 좁은 눈을 가지고 있습니다. 그의 남자는 친절하고 사려 깊고 진지합니다.

파도바 신전에 있는 조토의 프레스코화

Giotto의 작품 중에서 Padua 사원의 프레스코 화가 가장 잘 보존되어 있습니다. 그는 여기에서 복음 이야기를 기존의 지상적이고 실제적인 것으로 제시했습니다. 이 작품에서 그는 친절과 상호 이해,기만과 배신, 깊이, 슬픔, 온유, 겸손, 영원한 모성애에 대해 항상 사람들과 관련된 문제에 대해 이야기합니다.

조토의 프레스코

중세 그림에서와 같이 이질적인 개별 인물 대신 Giotto는 등장 인물의 복잡한 내면 생활에 대한 전체 이야기 인 일관된 이야기를 만들었습니다. 비잔틴 모자이크의 전통적인 황금색 배경 대신 Giotto는 풍경 배경을 도입합니다. 그리고 비잔틴 그림에서 인물이 공중에 떠 있고 공중에 매달려 있다면 Giotto의 프레스코 화의 영웅은 발 아래에서 단단한 땅을 찾았습니다. 공간 이동, 인물의 가소성, 움직임의 표현력에 대한 Giotto의 탐색은 그의 예술을 르네상스의 전체 무대로 만들었습니다.

S.Martini의 프레스코

르네상스 이전의 유명한 거장 중 한 명은 Simone Martini(1284-1344)입니다.

그의 그림에서 북부 고딕의 특징이 보존되었습니다. Martini의 인물은 길쭉하고 일반적으로 황금색 배경에 있습니다. 그러나 Martini는 chiaroscuro의 도움으로 이미지를 만들고 자연스러운 움직임을 제공하며 특정 심리적 상태를 전달하려고 시도합니다.

프레스코 조각. 도메니코 기를란다이오(1449~1494)

Quattrocento (초기 르네상스)

고대는 초기 르네상스의 세속 문화 형성에 큰 역할을 했습니다. Platonic Academy가 플로렌스에서 열리고 Laurentian 도서관에는 가장 풍부한 고대 사본 컬렉션이 있습니다. 조각상, 고대 건축물 조각, 대리석, 동전 및 도자기로 가득 찬 최초의 미술관이 나타납니다.

르네상스 시대에는 피렌체, 로마, 베니스와 같은 이탈리아 예술 생활의 주요 중심지가 두드러졌습니다. 새롭고 사실적인 예술의 발상지이자 가장 큰 센터 중 하나는 피렌체였습니다. 15세기에는 많은 유명한 르네상스 거장들이 그곳에서 거주하고 공부하고 일했습니다.

산타 마리아 델 피오레 대성당(피렌체 대성당)

초기 르네상스 건축

피렌체 주민들은 예술 문화가 높았고 도시 기념물 제작에 적극적으로 참여했으며 아름다운 건물 건설 옵션에 대해 논의했습니다. 건축가들은 고딕 양식을 닮은 모든 것을 버렸습니다. 고대의 영향으로 돔으로 장식 된 건물이 가장 완벽한 것으로 간주되기 시작했습니다. 여기서 모델은 로마 판테온이었습니다.

피렌체는 세계에서 가장 아름다운 도시 중 하나인 도시 박물관입니다. 그것은 거의 온전한 고대 건축물을 보존하고 있으며 가장 아름다운 건물은 대부분 르네상스 시대에 지어졌습니다. 피렌체 고대 건물의 붉은 벽돌 지붕 위에는 단순히 피렌체 대성당이라고 불리는 도시의 산타 마리아 델 피오레 대성당의 거대한 건물이 솟아 있습니다. 높이는 107m에 이릅니다. 흰 돌 갈비뼈로 조화를 이루는 웅장한 돔이 대성당을 장식합니다. 돔은 크기가 놀랍고 (지름은 43m) 도시의 전체 파노라마를 장식합니다. 대성당은 플로렌스의 거의 모든 거리에서 볼 수 있으며 분명히 하늘을 향해 어렴풋이 어렴풋이 보입니다. 이 웅장한 건축물은 건축가 필리포 브루넬레스키(Filippo Brunelleschi, 1377 - 1446)에 의해 지어졌습니다.

성 베드로 대성당(Arch. Brunelleschi and Bramante)

르네상스 시대의 가장 웅장하고 유명한 돔형 건물은 로마의 성 베드로 대성당. 100년 넘게 지어졌습니다. 원래 프로젝트의 제작자는 다음과 같습니다. 건축가 브라만테와 미켈란젤로.

르네상스 건물은 기둥, 기둥, 사자 머리 및 "푸티"(벌거 벗은 아기), 꽃과 과일의 석고 화환, 잎 및 많은 세부 사항으로 장식되어 있으며 그 샘플은 고대 로마 건물의 폐허에서 발견되었습니다. 반원형 아치가 다시 유행했습니다. 부유한 사람들은 더 아름답고 더 편안한 집을 짓기 시작했습니다. 서로 밀착 된 집 대신 호화로운 궁전 인 궁전이 나타났습니다.

David (sc.도나텔로)

초기 르네상스 조각

15세기 피렌체에서 그들은 창조했습니다. 두 명의 유명한 조각가 - Donatello와 Verrocchio. 도나텔로(1386? - 1466)-고대 예술의 경험을 사용한 이탈리아 최초의 조각가 중 한 명. 그는 초기 르네상스의 가장 훌륭한 작품 중 하나인 다윗의 동상을 만들었습니다.

성경의 전설에 따르면 단순한 목자였던 청년 다윗은 거인 골리앗을 무찌르고 유대 주민들을 노예 상태에서 구하고 나중에 왕이되었습니다. David는 르네상스의 가장 좋아하는 이미지 중 하나였습니다. 그는 조각가에 의해 성경의 겸손한 성인이 아니라 젊은 영웅, 승자, 고향 도시의 수호자로 묘사됩니다. 그의 조각품에서 Donatello는 인간을 르네상스 시대에 등장한 아름다운 영웅적 인격의 이상으로 노래합니다. David는 승자의 월계관으로 왕관을 씁니다. Donatello는 단순한 기원의 표시 인 양치기 모자와 같은 세부 사항을 소개하는 것을 두려워하지 않았습니다. 중세 시대에 교회는 알몸을 악의 그릇으로 간주하여 묘사하는 것을 금지했습니다. Donatello는 이 금지 사항을 용감하게 위반한 최초의 마스터였습니다. 그는 이것으로 인체가 아름답다는 것을 주장한다. 다윗상은 그 시대 최초의 원형 조각상이다.

지휘관 Gattamelata의 동상 (sc. Donatello)

Donatello의 또 다른 아름다운 조각품 인 Gattamelata 사령관 전사의 동상도 알려져 있습니다. 르네상스 최초의 기마 기념물이었습니다. 500년 전에 만들어진 이 기념물은 여전히 높은 받침대 위에 서서 파도바 시의 광장을 장식하고 있습니다. 처음으로 신도 성인도 아니고 고귀하고 부자가 아니라 조각품에서 불멸의 존재가 아니라 위대한 업적으로 명성을 얻을 자격이있는 위대한 영혼을 가진 고귀하고 용감하며 강력한 전사였습니다. 골동품 갑옷을 입은 Gattemelata ( "점박이 고양이"를 의미하는 그의 별명)는 조용하고 장엄한 자세로 강력한 말에 앉아 있습니다. 전사의 얼굴 특징은 단호하고 확고한 성격을 강조합니다.

콘도티에르 콜레오니(베로키오) 기마 기념비

안드레아 베로키오(1436 -1488)

San Giovanni 교회 근처 광장에 베니스에 배치 된 condottiere Colleoni에 대한 유명한 승마 기념물을 만든 Donatello의 가장 유명한 학생. 기념비에서 가장 중요한 것은 말과 기수의 공동 에너지 운동입니다. 말은 그대로 기념비가 세워진 대리석 받침대 너머로 돌진합니다.

등자에 서있는 Colleoni는 몸을 쭉 뻗고 머리를 높이 들고 먼 곳을 응시했습니다. 분노와 긴장의 찡그린 얼굴이 그의 얼굴에 얼었다. 그의 자세에서 거대한 의지를 느끼고 그의 얼굴은 맹금류와 비슷합니다. 이미지는 파괴 불가능한 힘, 에너지, 가혹한 권위로 가득 차 있습니다.

Masaccio의 프레스코

초기 르네상스 회화

르네상스는 또한 회화의 예술을 업데이트했습니다. 화가는 공간, 빛과 그림자, 자연스러운 포즈, 다양한 인간의 감정을 올바르게 전달하는 법을 배웠습니다. 이러한 지식과 기술이 축적된 시기가 초기 르네상스였다. 그 당시의 그림에는 가볍고 높은 영혼이 담겨 있습니다. 배경은 종종 밝은 색상으로 칠해지는 반면 건물과 자연 모티프는 날카로운 선으로 윤곽이 그려져 있으며 순수한 색상이 우세합니다. 순진한 근면함으로 이벤트의 모든 세부 사항이 묘사되며 캐릭터는 가장 자주 정렬되고 명확한 윤곽으로 배경과 분리됩니다.

르네상스 초기의 그림은 완벽함만을 추구했지만 그 진정성 덕분에 보는 이의 영혼을 감동시킨다.

Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Guidi, 마사초(1401 - 1428)로 알려진

그는 Giotto의 추종자이자 초기 르네상스 회화의 첫 번째 거장으로 간주됩니다. Masaccio는 28세밖에 살지 못했지만 짧은 생애 동안 예술에 과대 평가하기 어려운 족적을 남겼습니다. 그는 Giotto가 시작한 회화의 혁명적 변화를 완성했습니다. 그의 그림은 어둡고 깊은 색으로 구별됩니다. Masaccio의 프레스코 화에 나오는 사람들은 고딕 시대의 그림보다 훨씬 더 조밀하고 강력합니다.

Masaccio의 프레스코

Masaccio는 원근법을 고려하여 공간에서 물체를 올바르게 배열한 최초의 사람입니다. 그는 해부학 법칙에 따라 사람들을 묘사하기 시작했습니다.

그는 인물과 풍경을 하나의 행동으로 연결하여 자연과 사람의 삶을 극적이고 동시에 매우 자연스러운 방식으로 전달하는 방법을 알고 있었으며 이것이 화가의 큰 장점입니다.

동방 박사의 경배(마사치오)

마돈나와 네 천사와 함께 있는 아이(마사치오)

이것은 1426년 마사초가 피사의 산타 마리아 델 카르미네 교회 예배당을 위해 의뢰한 몇 안 되는 이젤 작품 중 하나입니다.

마돈나는 조토의 관점의 법칙에 따라 엄격하게 만들어진 왕좌에 앉아 있습니다. 그녀의 모습은 자신감 있고 명확한 획으로 쓰여져 조각 같은 볼륨의 인상을 줍니다. 그녀의 얼굴은 차분하고 슬프고, 그녀의 시선은 아무데도 향하지 않습니다. 암청색 외투를 두른 성모 마리아는 아기를 품에 안고 있으며, 어두운 배경에 황금빛 모습이 뚜렷하게 돋보입니다. 망토의 깊은 주름은 아티스트가 chiaroscuro를 가지고 놀 수 있게 해주며, 이는 또한 특별한 시각 효과를 만들어냅니다. 아기는 친교의 상징인 검은 포도를 먹습니다. 마돈나를 둘러싼 완벽하게 그려진 천사들(예술가는 인체 해부학을 완벽하게 알고 있음)은 그림에 추가적인 감정적 사운드를 제공합니다.

마사치오 인문주의자이자 시인인 에네아 실비오 피콜로미니(Enea Silvio Piccolomini, 1405-1464)의 전기에 헌정된 시에나 대성당 도서관의 프레스코화

여기에서 Kapranik 추기경이 1431 년부터 1449 년까지 거의 18 년 동안 바젤에서 처음으로, 그리고 나서 로잔에서 바젤 대성당으로 엄숙하게 출발했습니다. 젊은 Piccolomini도 추기경의 후계자였습니다.

반원형 아치의 우아한 프레임에는 페이지와 하인과 함께 기병 그룹이 표시됩니다. 그 행사는 그렇게 현실적이고 믿을만하지는 않지만 기사도적으로 세련되고 거의 환상적입니다.

전경에서 백마를 탄 아름다운 기수가 고급스러운 드레스와 모자를 쓰고 고개를 돌려 보는 사람을 바라보고 있습니다. 이것은 Aeneas Silvio입니다. 기쁨으로 작가는 벨벳 담요에 풍성한 옷과 아름다운 말을 씁니다. 인물의 길쭉한 비율, 약간 예의 바른 움직임, 약간의 머리 기울임은 법원의 이상에 가깝습니다.

Pope Pius II의 삶은 밝은 사건으로 가득 차 있었고 Pinturicchio는 황제 Frederick III와 함께 스코틀랜드 왕과 교황의 만남에 대해 말했습니다.

성 제롬과 세례자 요한(마사치오)

양면 삼부작을 위해 Masaccio가 그린 유일한 띠. 화가가 일찍 세상을 떠난 후 로마의 산타 마리아 교회를 위해 교황 마르틴 5세가 의뢰한 나머지 작품은 화가 마솔리노가 완성했습니다.

그것은 온통 붉은 옷을 입은 두 명의 엄격하고 기념비적으로 처형된 성도들의 모습을 묘사합니다. Jerome은 펼쳐진 책과 바실리카 모형을 들고 있으며 사자가 그의 발치에 누워 있습니다. 세례 요한은 평소의 모습으로 묘사됩니다. 그는 맨발로 손에 십자가를 들고 있습니다. 두 그림 모두 해부학적 정확성과 조각에 가까운 양감이 인상적입니다.

소년의 초상(1480)(핀투리키오)

인간에 대한 관심, 그의 아름다움에 대한 감탄은 르네상스 시대에 너무 커서 출현으로 이어졌습니다. 회화의 새로운 장르 - 초상화 장르.

Pinturicchio (Pinturicchio의 변형) (1454 - 1513) (Bernardino di Betto di Biagio)

이탈리아 페루자 출신. 얼마 동안 그는 미니어처를 그렸고 Pietro Perugino가 프레스코 화로 로마의 시스틴 예배당을 장식하는 것을 도왔습니다. 가장 복잡한 형태의 장식적이고 기념비적인 벽화에 대한 경험을 쌓았습니다. 몇 년 후 Pinturicchio는 독립적인 벽화가가 되었습니다. 그는 바티칸의 보르지아 아파트에서 프레스코화 작업을 했습니다. 그는 시에나 대성당의 도서관에 벽화를 그렸습니다.

작가는 초상화의 유사성을 전달하는 것뿐만 아니라 사람의 내면을 드러내고자 한다. 우리 앞에는 머리에 작은 파란색 모자를 쓰고 엄격한 분홍색 타운 드레스를 입은 십대 소년이 있습니다. 갈색 머리가 어깨까지 내려와 섬세한 얼굴을 감싸고 있으며, 갈색 눈의 세심한 시선은 사려 깊고 약간 불안합니다.

소년 뒤에는 얇은 나무, 은빛 강, 수평선에서 분홍색으로 변하는 하늘이 있는 움브리아 풍경이 있습니다. 영웅 캐릭터의 메아리 인 자연의 봄 부드러움은 영웅의시와 매력과 조화를 이룹니다.

소년의 이미지는 전경에 크고 그림의 거의 전체 평면을 차지하며 풍경은 배경에 그려져 매우 작습니다.

이것은 인간의 중요성, 주변 자연에 대한 그의 지배력에 대한 인상을 만들어 인간이 지구상에서 가장 아름다운 창조물이라고 주장합니다.

마돈나와 두 천사와 함께 있는 아기 (F. 리피)

필리포 리피(1406~1469)

Lippi의 삶에 대한 전설이 있습니다. 그 자신은 승려 였지만 수도원을 떠나 방황하는 예술가가되었고 수도원에서 수녀를 납치하고 노년에 사랑에 빠진 젊은 여성의 친척들에게 독살당했습니다. 그는 살아있는 인간의 감정과 경험으로 가득 찬 마돈나와 차일드의 이미지를 그렸습니다. 그의 그림에서 그는 가정 용품, 환경 등 많은 세부 사항을 묘사했기 때문에 그의 종교적 주제는 세속화와 유사했습니다.

수태고지(1443)(F. 리피)

마리아의 대관식(1441-1447)(F. 리피)

조반나 토르나부오니의 초상(1488)(Ghirlandaio)

그는 종교적 주제뿐만 아니라 피렌체 귀족의 삶, 그들의 부와 사치, 귀족의 초상화도 그렸습니다.

우리 앞에는 예술가의 친구이자 부유한 피렌체의 아내가 있습니다. 별로 아름답지 않고 화려하게 차려입은 이 젊은 여성에게서 작가는 고요함, 고요함과 침묵의 순간을 표현했습니다. 여자의 얼굴 표정은 차갑고 모든 것에 무관심하며 임박한 죽음을 예견하는 것 같습니다. 초상화를 그린 직후 그녀는 죽을 것입니다. 그 당시의 많은 초상화에서 전형적으로 나타나는 여성의 옆모습이 그려져 있습니다.

세례 (1458-1460) (P. 델라 프란체스카)

피에로 델라 프란체스카(1415/1416 - 1492)

15세기 이탈리아 회화에서 가장 중요한 이름 중 하나. 그는 그림 같은 공간의 원근법을 구성하는 방식에서 수많은 변형을 완성했다.

그림은 계란 온도의 포플러 판에 그려졌습니다. 분명히 이때까지 예술가는 그의 후기 작품이 쓰여질 기법으로 유화의 비밀을 아직 마스터하지 않았습니다.

예술가는 그리스도의 세례 당시 성 삼위 일체의 신비의 현현을 포착했습니다. 그리스도의 머리 위로 날개를 펼친 흰 비둘기는 구세주에 대한 성령의 강림을 상징합니다. 그리스도, 세례 요한, 그 옆에 서있는 천사들의 모습은 절제된 색으로 칠해져 있습니다.

델라 프란체스카의 프레스코

그의 프레스코 화는 엄숙하고 숭고하며 장엄합니다. 프란체스카는 인간의 높은 운명을 믿었고 그의 작품에서 사람들은 항상 놀라운 일을 합니다. 그는 미묘하고 부드러운 색상 전환을 사용했습니다. Francesca는 en plein air (in the air)를 처음으로 그렸습니다.

죽은 그리스도(만테냐)

안드레아 만테냐(1431~1506)

파도바 출신의 주요 예술가. 그는 고대 예술가들의 작품의 가혹한 웅장함에 감탄했습니다. 그의 이미지는 엄격하고 아름다운 그리스 조각을 연상시킵니다. 그의 프레스코화에서 Mantegna는 영웅적인 성격을 노래했습니다. 그의 그림 속 자연은 황량하고 황량하다.

만테냐. 세례 요한과 막달라 마리아와 함께한 마돈나와 아기 예수(1500)

마돈나는 캐노피 아래 주홍색 의자에 앉아 벌거 벗은 아기 그리스도를 팔에 안고 있습니다. 성모 마리아의 모습에는 당당한 것이 없으며 오히려 이것은 젊은 농민 여성의 이미지입니다. 영아의 알몸은 놀랍게도 살아 있는 것 같다. 마돈나의 측면에는 세례 요한과 막달라 마리아가 있습니다. 막달레나의 손에는 기름 부음을 위한 향이 담긴 그릇이 있고, 요한의 손에 있는 십자가는 세상의 죄를 속죄하는 양에 관한 글이 적힌 리본으로 감겨 있습니다. 그림은 예술가를 위해 일반적인 방식으로 그려지고 돌로 조각된 것처럼 보이며 옷의 모든 주름이 선명하게 정의됩니다. 배경은 짙은 단풍이 있는 정원의 이미지입니다. 그 색조에서 이 녹지는 옅은 녹색의 밝은 하늘과 대조를 이룹니다. 작품은 깊은 슬픔과 어떤 파멸의 느낌을 불러일으킨다.

파르나소스(만테냐)

잔을 위한 기도(만테냐)

이 작은 그림은 최후의 만찬 후에 예수께서 성 베드로와 세베대의 두 아들과 함께 겟세마네 동산으로 물러나신 순간을 묘사하고 있습니다. 아버지! 이거."

기도 자세로 무릎을 꿇은 그리스도의 모습이 그림의 구성 중심입니다. 그의 눈은 구름 위에 천사 무리가 보이는 하늘을 향하고 있습니다. 산기슭에서 그리스도와 함께하는 사도들은 잠을 잔다.

동산으로 이어지는 길에서 유다가 이끄는 경비병 무리가 "보라 나를 배반하는 자가 가까이 왔다"는 복음의 말씀을 정확하게 보여줍니다.

그림에는 많은 상징이 있습니다. 독수리가 달린 마른 나무는 죽음을 예고하고 녹색 싹이있는 가지는 임박한 부활을 나타냅니다. 로마 군인들이 그리스도를 구금하기 위해 지나갈 길에 앉아있는 겸손한 토끼는 임박한 죽음에 직면 한 사람의 온유함을 말합니다. 갓 베어낸 나무에서 남겨진 세 개의 그루터기는 임박한 십자가 처형을 상기시킵니다.

신성한 대화(Bellini)

조반니 벨리니(1427/1430 - 1516)

Bellini 형제는 르네상스 초기에 밝게 나타났습니다. 특히 유명한 사람은 종종 Gianbellino라고 불리는 Giovanni Bellini입니다. 그는 주요 베네치아 화가의 가족에서 자랐습니다. 어린 시절의 형과 함께 그는 아버지가 예술적 명령을 수행하도록 도왔습니다. 그는 베니스에 있는 총독의 궁전을 장식하는 일을 했습니다.

그의 그림은 부드러운 그림과 풍부한 황금색으로 구별됩니다. Gianbellino의 Madonnas는 항상 유기적으로 풍경에 용해되는 것처럼 보입니다.

초원의 마돈나(1500-1505) 벨리니.

그림 중앙에는 벌거 벗은 아기가 무릎에 자고있는 초원에 앉아있는 어린 마리아의 이미지가 있습니다. 그녀의 사려 깊은 얼굴은 매력적이며기도하는 몸짓으로 접힌 손은 아름답습니다. 신성한 아기의 입상은 조각품 인 것 같습니다. 이것은 Mantegna의 작품에 대해 잘 알고 있음을 나타냅니다. 그러나 명암의 부드러움과 색상의 전반적인 채도는 Bellini가 그림에 대한 길을 찾았음을 시사합니다.

배경에는 아름다운 풍경이 있습니다. 그림은 혼합 매체로 그려져 아티스트가 윤곽을 더 부드럽게 만들고 색상을 더 채도 있게 만들 수 있었습니다.

총독 레오나르도 로레단의 초상화. 벨리니

이 초상화는 벨리니가 베네치아 공화국의 화가로 의뢰한 것입니다. 메달과 동전을 포함하여 프로필에 얼굴을 묘사하는 기존의 전통과는 달리 Doge는 거의 정면으로 여기에 묘사됩니다.

지적이고 의지가 강한 노인의 얼굴의 높은 광대뼈와 콧대, 완고한 턱을 완벽하게 표현한 맑은 명암. 밝은 청록색 배경에 금색과 은색 브로케이드 맨틀이 있는 흰색이 대조를 이룹니다. 총독은 1년 동안 베네치아를 장악하고 바다와 약혼한 캔들마스(Candlemas) 축제 때 그것을 입었습니다. 오일 작업은 작가가 그림의 공간을 공기로 채우는 데 도움이 되어 도제의 이미지를 놀랍도록 생생하게 만들었습니다.

1200~1300년대 이탈리아 문화. 때때로 - 1100년대 - 1200년대의 일반적인 유럽 문화의 무대. 이 기간 동안 르네상스의 주요 특징이 드러납니다.

초기 르네상스

르네상스 문학과 이와 관련된 인문학의 출현을 특징으로 하는 초기 르네상스는 14세기와 15세기 대부분, 즉 연대순으로 중세로 거슬러 올라간다.

하이 르네상스

전성기 르네상스는 15세기 말 이탈리아 예술사에서 16세기의 1/3에 이르는 시기로, 회화, 건축, 문학의 전례 없는 증가로 특징지어집니다. 가장 밝은 대표자는 Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti, Rafael Santi입니다.

전성기 르네상스는르네상스 사상과 미술이 절정에 달했던 가장 밝고 유익한시기. 이 시점에서 르네상스는 이탈리아를 넘어 범유럽적 현상이 되었습니다. 이 문화적 격변의 동시대 사람들은 새로운 시대의 시작을 분명히 느꼈고 "르네상스"라는 개념 자체가 교육받은 사람들의 일상 생활에 들어 왔습니다.

후기 르네상스

후기 르네상스(16세기의 마지막 10년)는 시간적으로 유럽에서 종교 개혁의 시작 및 첫 번째 성공과 일치했습니다. 그러므로 후기 르네상스의 문화는 같은 정도로 종교개혁의 문화이며, 이 두 역사적 과정의 복잡한 상호작용의 결과입니다. 이 기간 동안 유럽은 마침내 근대에 진입했습니다.

르네상스 시대에 모든 문화 발전의 근간을 이루는 세계관은 인문주의. 실제 사람에 대한 감탄, 그의 창의적 능력에 대한 믿음, 지상 존재의 중요성에 대한 인식이 특징입니다. 인본주의자들은 스스로를 고대 사상가의 추종자라고 여겼고, 고대는 그들에게 이상이자 표준이었습니다. 그러나 르네상스 문화에서 중세에 형성된 요소는 고대 문화의 요소보다 중요하지 않은 것으로 밝혀졌습니다. 르네상스 문화는 중세와 고대 문화의 종합이 되었으며 수세기에 걸친 유럽 문화 발전 과정 전체에 의해 준비되었습니다.

인본주의적 사상은 예술에 진정한 혁명을 가져왔습니다. 예술 작품은 더욱 사실적으로 변하고 있으며 인간의 아름다움에 대한 감탄을 추적할 수 있습니다.위 뿐만 아니라 인체의 완성도. 예술가와 조각가는 지상의 기쁨과 관심과 관련된 감정과 경험을 포함하여 인간의 모든 감정과 경험을 전달하기 위해 노력합니다.

세계 문화 발전의 길을 결정한 르네상스의 위대한 전환점은 시각 예술에서 가장 분명하게 나타났습니다.사이트에서 가져온 자료

르네상스 문학

이탈리아 르네상스의 창시자로 간주됩니다. 프란체스코 페트라르카(1804-1374), 그의 작품에서 지상 인간 사랑의 동기가 들립니다. 이탈리아 문학의 인본주의적 전통은 페트라르카의 젊은 동시대인에 의해 발전되었습니다. 조반니 보카치오(1313-1375), Decameron이라는 단편 소설 모음 덕분에 세계적인 명성을 얻었습니다.

르네상스 회화

이탈리아 회화에서 초기 르네상스의 진정한 거장이라고 할 수 있습니다. 지오토그리고 산드로 보티첼리, 이탈리아 조각 - Bernardo, Antonio Rosselino, 도나텔로최초의 누드 조각을 만든 사람.

유럽 르네상스의 아이디어에 대한 짧은 안내서.

르네상스

역사와 특징

200년 동안 유럽은 이탈리아를 중심으로 회화, 조각, 건축의 놀라운 르네상스를 목격했습니다. "르네상스"의 개념은 역사가 Michelet과 미술사 교수 Jacob Burckhard의 작업 덕분에 19 세기에 나타났습니다.

특성

이탈리아 르네상스는 특히 조각과 회화 분야에서 고전 그리스 예술의 선을 따라 서양 예술을 복원했습니다. 14 세기 초부터 새로운 예술적 가치와 고딕 양식에 대한 반응을 찾기 위해 이탈리아의 거장과 사상가는 고대 그리스와 로마의 아이디어에서 영감을 얻었습니다. 보편적이고 고귀한 예술 형식을 창조하고 그 시대의 분위기를 표현하려는 그들의 열망.

인문주의

우선, 당시의 예술은 기존의 성과(예를 들어 민주적 성과)를 바탕으로 한 철학적 개념인 '휴머니즘'에 의해 조건지어졌다.

시각 예술에서 휴머니즘은 다음을 옹호합니다.

정형적이고 상징적인 이미지가 아닌 독특한 구도의 창출.
선형 관점 이론의 발전에 반영된 세부 사항에 대한 더 큰 현실감과 관심. 이 접근 방식은 고전 조각의 숭배와 비잔틴 작품의 유행 퇴조를 모두 설명합니다.
유덕한 행동을 개발하고 촉진하는 데 중점을 둡니다. 당대의 대표적인 미술 이론가인 알베르티(1404-1472)는 "행복은 선하고 정의롭고 의로운 행위 없이는 성취될 수 없다"고 말했습니다.

원인

예술에서 이러한 변화를 일으킨 원인은 아직 명확하지 않습니다. 12세기와 13세기에 유럽의 암흑기가 끝나고 기독교 교회가 부활했지만 14세기에는 심각한 농작물 문제, 역병, 영국과 프랑스 간의 전쟁이 있었습니다. 따라서 창의력의 돌파구는 물론 여러 요인과 역사적 사건이었습니다.

그 당시 이탈리아에서는 긍정적인 발전 추세가 관찰되었습니다. 베니스와 제노아는 동양과의 교역으로 부유해졌으며 피렌체는 보석, 양모, 비단 생산의 중심지가 되었습니다. 번영은 한자 동맹의 결성에서 알 수 있듯이 점차 북유럽에옵니다.

인쇄술의 발명은 새로운 아이디어를 전파하는 데 도움이 되었으며, 천 년 동안의 문화적, 지적 기근 이후의 더딘 진보에 대한 조바심, 중생에 대한 갈망을 어느 정도 반영했습니다.

교회의 약함

교회의 불안정한 위치는 발전에 추가적인 자극을 주었다. 이것은 인본주의적 견해의 부상으로 이어지고 성직자들이 사원과 교회를 장식하고 건축가 및 조각가와 협력하도록 장려합니다. 반종교개혁으로 알려진 이러한 변화에 대한 반응은 16세기 말까지 지속되었다.

개발

르네상스는 또한 서양의 위대한 발견의 시작과 유사합니다. 유럽인들은 새로운 해로를 탐험하고 대륙을 탐험하며 새로운 식민지를 건설합니다. 과학, 자연, 세계와 관련된 다른 분야에서도 새로운 연구가 진행되고 있습니다. 미술 석사는 새로운 방법과 지식에 대한 자신의 열망을 보여줍니다. 이탈리아의 예술가이자 건축가이자 역사가인 Giorgio Vasari(1511-1574)에 따르면 예술과 고전적 유물에 대한 존경심뿐만 아니라 자연에서 배우고 그것을 모방하려는 욕구도 커지고 있습니다.

진원지

이탈리아는 가장 부유한 무역 국가일 뿐만 아니라 엄청난 수의 고전 작품과 공예품을 마음대로 사용할 수 있었습니다. 로마 건축과 조각품, 고대 그리스 작품의 예는 거의 모든 도시에서 발견되었습니다. 또한 비잔틴 제국의 수도인 콘스탄티노플이 함락되면서 많은 그리스 학자들이 그들의 고전 사상과 중요한 문헌과 함께 이탈리아로 이주하게 되었습니다. 이 모든 요인들이 이 특정 국가가 유럽 르네상스의 중심지가 된 이유를 설명합니다.

북유럽에서 르네상스는 초상화와 정물화에 반영된 것처럼 빛의 표현, 빛의 확산 및 반사의 발전으로 특징지어집니다. 이것은 부분적으로는 대부분의 북부 르네상스 예술가들이 15세기 초에 유성 페인트를 사용하여 (기후를 포함하여 여러 가지 이유로) 이탈리아에서 여전히 선호되고 인기가 있었던 템페라나 프레스코보다 유화를 선호했기 때문입니다.

당시의 종교 예술은 살아있는 사람으로 묘사되는 사도들과 성가족의 이미지가 지배했습니다. 그들의 포즈와 주변 환경은 실제 인간의 감정을 표현합니다. 인본주의 사상을 설명하는 고전 신화의 플롯과 이야기도 인기가 있습니다.

티치아노.

이제 그림과 조각의 창작에는 정신적 준비와 진지한 기술이 필요하기 때문에 예술가와 조각가의 직업 상태가 새로운 수준으로 이동하고 있다는 점도 주목할 가치가 있습니다.

갤러리

다음 이탈리아 갤러리에는 르네상스 회화 또는 조각품의 중요한 컬렉션이 있습니다.

우피치 갤러리.
피티 궁전.
바티칸 박물관.
갤러리 도리아 팜필리.
카포디몬테 박물관.
이사벨라 스튜어트 가드너 박물관.

결론

예술사에 대한 이탈리아 르네상스의 주요 공헌은 서양 회화와 조각의 고전적 발전을 가져온 고대의 고전적 이상을 장려한 것으로 설명할 수 있습니다. 현대 예술가들이 새로운 형태의 예술을 탐구하고 있지만 그리스 고대와 르네상스 형태의 해석은 서양의 주요 모델로 남아 있습니다.

르네상스업데이트: 2017년 9월 16일 작성자: 글렙

XIV-XV 세기. 유럽 \u200b\u200b국가에서는 르네상스 (르네상스-프랑스 르네상스에서 유래)라는 새로운 격동의 시대가 시작됩니다. 시대의 시작은 봉건 농노로부터의 인간 해방, 과학, 예술 및 공예의 발전과 관련이 있습니다.

르네상스는 이탈리아에서 시작되어 프랑스, 영국, 독일, 네덜란드, 스페인, 포르투갈과 같은 북유럽 국가에서 계속 발전했습니다. 후기 르네상스는 16세기 중반부터 16세기 90년대까지 거슬러 올라갑니다.

사회 생활에 대한 교회의 영향력이 약해지고 고대에 대한 관심이 사람의 성격, 자유 및 개발 기회에 대한 관심으로 되살아나고 있습니다. 인쇄의 발명은 인구의 문해력 확산, 교육의 성장, 과학의 발전, 소설을 포함한 예술의 발전에 기여했습니다. 부르주아지는 중세에 만연한 종교적 세계관에 만족하지 않고 고대 문인의 본성과 유산에 대한 연구를 바탕으로 새로운 세속 과학을 창조했습니다. 그리하여 고대(고대 그리스와 로마) 과학과 철학의 "부흥"이 시작되었습니다. 과학자들은 도서관에 보관된 고대 문학 기념물을 검색하고 연구하기 시작했습니다.

감히 교회에 반대하는 작가와 예술가들이 있었습니다. 그들은 지상에서 가장 큰 가치는 사람이며 그의 모든 관심사는 지상 생활, 이를 완전하고 행복하며 의미 있게 사는 방법에 집중해야 한다고 확신했습니다. 자신의 예술을 인간에게 바친 그런 사람들은 인본주의자라고 불리기 시작했습니다.

르네상스 문학은 인본주의적 이상이 특징입니다. 이 시대는 후기 단계, 계몽, 비판, 사회주의와 달리 소위 "르네상스 리얼리즘"(또는 르네상스)이라고 불리는 새로운 장르의 출현과 초기 리얼리즘의 형성과 관련이 있습니다. 르네상스의 작품은 인간의 개성, 창조적이고 능동적인 원리의 주장의 복잡성과 중요성에 대한 질문에 대한 답을 제공합니다.

르네상스 문학은 다양한 장르가 특징입니다. 그러나 특정 문학 형식이 우세했습니다. Giovanni Boccaccio는 르네상스 단편 소설이라고 불리는 단편 소설이라는 새로운 장르의 입법자가되었습니다. 이 장르는 세계의 무궁무진함과 인간과 그의 행동의 예측 불가능성 이전의 르네상스의 특징인 놀라움에서 태어났습니다.

시에서는 소네트(특정한 운율을 가진 14행의 연)의 가장 특징적인 형태가 된다. 드라마투르기가 많이 발전하고 있습니다. 르네상스의 가장 유명한 극작가는 스페인의 로페 데 베가와 영국의 셰익스피어입니다.

저널리즘과 철학적 산문이 널리 퍼져 있습니다. 이탈리아에서 Giordano Bruno는 그의 작품에서 교회를 비난하고 자신의 새로운 철학적 개념을 만듭니다. 영국에서 Thomas More는 그의 책 Utopia에서 유토피아 공산주의의 아이디어를 표현합니다. Michel de Montaigne("Experiments")와 Erasmus of Rotterdam("Praise of Stupidity")과 같은 작가는 널리 알려져 있습니다.

그 당시의 작가들 중에는 왕관을 쓴 사람들도 있습니다. 시는 듀크 로렌초 데 메디치(Duke Lorenzo de Medici)가 썼고, 프랑스 왕 프란시스 1세의 누이인 나바르의 마르그리트(Marguerite of Navarre)는 헵타메론 컬렉션의 저자로 알려져 있습니다.

르네상스 미술에서 인간은 자연의 가장 아름다운 창조물, 강하고 완벽하고 화를 내면서도 온화하며 사려 깊고 명랑한 존재로 나타났습니다.

르네상스 인간의 세계는 미켈란젤로가 그린 바티칸의 시스티나 예배당에서 가장 생생하게 표현됩니다. 성서 이야기는 예배당의 금고를 형성합니다. 그들의 주요 동기는 세계와 인간의 창조입니다. 이 프레스코 화는 웅장 함과 부드러움으로 가득 차 있습니다. 제단 벽에는 1537-1541년에 제작된 최후의 심판 프레스코화가 있습니다. 여기에서 미켈란젤로는 인간에게서 "창조의 면류관"이 아니라 그리스도를 분노하고 처벌하는 것으로 제시합니다. 시스티나 예배당의 천장과 제단 벽은 가능성과 현실의 충돌, 아이디어의 숭고함, 구현의 비극을 나타냅니다. '최후의 심판'은 예술의 르네상스를 완성한 작품으로 꼽힌다.

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"기존 질서를 새로운 질서로 바꾸는 것보다 조직하기 어렵고, 수행하기 더 위험하고, 성공이 의심되는 사업은 없습니다."
니콜로 마키아벨리

르네상스 시대는 예술, 문학 및 과학의 다양한 분야에서 걸작을 창조한 많은 위대한 업적, 발견, 가장 뛰어난 재능의 시대로 역사에 기록되었습니다.

이 기간에 대한 철저한 설명을 제공하는 것은 불가능하며 너무 다면적이며 광대 한 영토를 다루고 역사가들이 여전히 논쟁하는 모순을 숨 깁니다.

이 시대의 명확한 시간적 경계를 결정함에 있어서도 연구자 사이에 합의가 이루어지지 않고 있다. "르네상스란 무엇인가"라는 질문에 대한 보편적인 답변에 대해 무엇을 말할 수 있습니까?

이 기사에서 우리는 르네상스의 주요 특징에 대해 설명하고이 기간의 기간을 대략적으로 설명하고 유럽 문화를 상상할 수없는 르네상스의 가장 저명한 대표자를 회상하려고 노력할 것입니다.

르네상스는 프랑스어로 재탄생

르네상스라는 용어는 프랑스에서 유래(르네상스)하며 말 그대로 "다시 태어난", "부활".

전체 시대의 이름으로, 이 단어는 19세기 중반에 16세기 프랑스의 역사: 르네상스라는 책을 출판한 프랑스 역사가 Jules Michelet의 가벼운 손으로 사용되기 시작했습니다.

*줄 미슐레

그리고 프랑스에서 문화 고양의 새로운 시대가 시작되지는 않았지만, 14세기에서 16세기에 이르는 유럽 역사의 한 시기를 지정하기 위해 번역 없이 많은 언어로 들어간 것은 바로 이 단어였습니다.

러시아어로 르네상스와 부흥동등하고 교환 가능합니다.

르네상스 시대에 살고 일했던 사람들은 자신의 시간을 전환점으로, 중세의 암흑 이후 재탄생으로 느꼈습니다.

Jules Michelet보다 오래 전에 16세기 중반이탈리아 예술가 조르지오 바사리(Giorgio Vasari)는 당대의 위대한 예술가에 관한 책에서 예술의 돌파구를 언급하면서 이탈리아어로 르네상스(rinascita)라는 용어를 사용했습니다. 이제 이탈리아에서는 Rinascimento라는 용어가 사용됩니다.

르네상스는 언제였나

르네상스의 시작과 끝 날짜를 결정할 때 역사가들 사이에는 합의가 없습니다. 유럽의 여러 국가에서 르네상스가 시작되었다는 사실로 인해 문제가 악화됩니다. 다른 시간에, 다르게 진행되었으며 종료 명령에서 동시에 종료되지 않았습니다.

그러나 한 가지는 논쟁의 여지가 없습니다. 무엇보다도 르네상스의 특별한 문화가 이탈리아에서 형성되었습니다. 14세기까지 이 나라는 유럽의 다른 중세 지역에 비해 높은 수준의 경제적, 정치적 발전에 도달했습니다.

그런데 중세에는 일반적으로 르네상스라고도 불리는 9-12세기에 적어도 세 번의 문화적 번영기가 있었습니다. 그들 모두는 어떤 식 으로든 고대 유산에 대한 호소와 관련이 있었지만 역사상 심각한 전환이되지는 않았습니다.

많은 연구자들은 1341년에 르네상스의 시작점을 고려합니다. 프란체스코 페트라르카그는 문학 분야의 업적을 위해 월계관으로 Capitoline Hill의 로마에서 왕관을 썼습니다.

페트라르카 옹호 고대 문화의 부흥, 고대인의 문화 유산 개발 인 순수한 라틴어로의 복귀를 설교했습니다.

*피렌체의 페트라르카 기념비

그리고 페트라르카가 르네상스의 최초의 문화적 인물이었다면 피렌체 XVI 세기까지 선도적 인 위치를 유지하는 첫 번째 센터 및 문화 자본이라고 부릅니다.

14세기에 문화적 돌파구에 필요한 전제 조건이 일치한 곳이 바로 여기였습니다.

높은 수준의 경제 발전;
클래스 간의 명확한 경계 부족;
법 앞의 시민 평등 숭배;
인구의 다양한 부분을 포괄하는 개발된 교육 시스템;
문화 유산이 국가 과거의 일부인 로마 문명과 직접적인 관련이 있습니다 (피렌체는 Julius Caesar 자신이 BC 59 년에 설립했습니다).

이러한 전제 조건은 피렌체뿐만 아니라 이탈리아 전체에 일반적입니다.

날짜와 함께 위대한 르네상스의 끝더 적은 확실성.

그 중에서도 이름은 다음과 같습니다.

아메리카 대륙이 발견된 1492년;
1517 언제;
추악한 철학자 조르다노 브루노가 로마에서 화형당했던 1600년;
1648년에도 30년 전쟁이 베스트팔렌 평화조약으로 끝났고 유럽 국가의 역사에 질적으로 새로운 시대가 열렸습니다.

이탈리아와 북부 르네상스

이탈리아에서는 마음의 발효가 알프스 너머 지역보다 한 세기 일찍 시작되었습니다. 자유 이탈리아 도시에서 르네상스의 선구자라면 단테와 지오토북부 르네상스의 첫 징후 인 13 세기 말에 이미 등장한 van Eyck 형제는 15 세기 초 네덜란드에서 일했습니다.

* 예술가 형제 반 에이크 - 북부 르네상스의 창시자

르네상스, 그리고 위대한 창조자들의 시대처럼 통합 이탈리아와 북유럽, 그러나 그들 사이의 차이점은 중요합니다.

이탈리아 르네상스	북부 르네상스
XIV 세기 중반부터 확산	15세기 이탈리아 르네상스 말기에 시작
이탈리아: 피렌체, 밀라노, 베니스, 나폴리, 파도바, 페라라 등	독일, 네덜란드, 프랑스, 스페인, 영국
고대 세계의 이상에 호소	초기 기독교의 이상에 호소
세속적 세계관 사상의 발전	종교적 쇄신 사상의 발전
고대 예술의 영향	고딕 예술의 영향
인간의 신성한 본성에 초점을 맞추는 영웅적 인격으로서의 인간	이웃에 대한 그리스도인의 사랑, 자연의 신성한 본질에 초점을 맞춥니다.

교회 교리로부터의 해방에 대한 열망	교회와 그 가르침의 완전함을 위한 노력

*얀 반 에이크. 롤린 장관의 마돈나. 1435년 북부 르네상스.

*바르톨로메오 비바리니. 마돈나와 차일드 1490년 이탈리아 르네상스

이탈리아 르네상스의 단계

이탈리아 르네상스는 일반적으로 네 기간으로 나뉩니다.

르네상스의 주요 업적

결론

결론적으로 나는 르네상스 미학이라는 책에서 그가 인용한 러시아 철학자 Alexei Fedorovich Losev의 원래 은유를 인용하고 싶습니다. Losev는 중세 시대가 결코 고대 세계의 유산을 잊지 않았지만 그것이 자신의 목소리의 상단에 자신을 선언하는 것을 허용하지 않았다고 주장합니다.

“중세 시대는 고대를 묻지 않은 채로 남겨두었고, 때때로 아연 도금을 하고 시체를 되살리는 주문을 걸었습니다. 르네상스는 그녀의 무덤 앞에서 눈물을 흘리며 그녀의 영혼을 부활시키려 했습니다. 치명적인 상서로운 순간에 성공했습니다.

적시 적소에서 가혹한 중세 시대에 태어나 아름다운 고대 세계에 대한 노래를 부르지 만 동시에 자신의 길을가는 문화 발전의 전환점이있었습니다.

행운을 빕니다! 블로그 페이지 사이트에서 곧 만나요

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