집 › 충돌 테스트 자동 › Albrecht Dürer의 전기. 학교 백과 사전 Dürer 작가의 작품

Albrecht Dürer의 전기. 학교 백과 사전 Dürer 작가의 작품

세부 정보 범주: 르네상스(르네상스)의 순수 예술 및 건축 게시일: 26.12.2016 17:45 조회수: 3341

Albrecht Dürer는 "북부 레오나르도 다빈치"로 간주되는 진정한 보편적 인 다각적 인 마스터입니다.

그는 회화, 소묘, 판화, 장서표, 스테인드 글라스 분야에서 두각을 나타냈습니다. Dürer는 수학자(무엇보다 기하학자)로서 명성을 얻었습니다. 그는 별이 빛나는 하늘의 남반구와 북반구의 지도와 지구의 동반구를 묘사하는 세 개의 유명한 목판화를 만들었습니다. 그는 예술에 대한 지식의 이론적 체계화에 전념하는 북유럽 최초의 작품이 된 여러 논문을 만들었습니다. 그는 주로 예술가를 대상으로 "나침반과 통치자로 측정하는 방법"이라는 작품을 만들었습니다. 말년에 알브레히트 뒤러는 총기의 발달로 인해 방어 요새의 개선에 많은 관심을 기울였습니다.
인쇄 그래픽 분야에서 Dürer는 동등하지 않다는 것을 알았습니다. 그는 목판화 분야에서 유럽 수준의 마스터로 인정 받았습니다.
알브레히트 뒤러(1471-1528)- 북부 르네상스의 가장 위대한 거장 중 한 명인 독일의 화가이자 그래픽 아티스트.

알브레히트 뒤러. 자화상 (1500). 알테 피나코텍(뮌헨)

어린 시절과 청소년

A. Durer는 1471년 뉘른베르크에서 헝가리 보석상 Albrecht Durer의 가족으로 태어났습니다. 가족에는 18 명의 자녀가있었습니다. Albrecht Jr.는 가족의 세 번째 자녀이자 두 번째 아들이었습니다.

A. 뒤러. Barbara Dürer, née Holper, 예술가의 어머니. 독일 국립 박물관(뉘른베르크)

A. 뒤러. 예술가의 아버지인 장로 알브레히트 뒤러(Albrecht Dürer the Elder). 우피치(피렌체)

처음에 Dürers는 변호사이자 외교관 인 Johann Pirckheimer로부터 집의 절반을 임대했습니다. 그의 아들 Johann Willibald는 독일에서 가장 깨달은 사람이 되었고 Dürer는 평생 그와 친구였습니다.
Albrecht는 라틴어 학교에 다녔습니다. 보석은 그를 매료시키지 않고 그림을 선택했습니다. 15세에 Albrecht는 당시 유명한 뉘른베르크 예술가인 Michael Wolgemuth의 스튜디오에 들어갔습니다. 그곳에서 그는 또한 나무 조각을 마스터했습니다.

여행

1490년 Durer의 여행이 시작되었는데, 그 목적은 독일과 스위스, 네덜란드의 거장들로부터 기술을 습득하는 것이었습니다. 알자스에서 그는 Ludwig Schongauer와 함께 구리 조각 기술을 마스터했습니다. Basel에서 그는 Georg Schongauer와 함께 새로운 스타일의 책 일러스트레이션을 개발했습니다. 여기에서 Dürer는 Sebastian Brant의 "Ship of Fools"의 유명한 목판화 제작에 참여한 것으로 여겨집니다.

삽화: A. 뒤러

Strasbourg에서 A. Durer는 "엉겅퀴가있는 자화상"(1493)을 만들어 고향 도시로 보냈습니다.

아마도 이 자화상은 예술가의 개인 생활에서 새로운 단계의 시작을 알리고 약혼녀를 위한 선물이었을 것입니다. 1494년에 그는 뉘른베르크로 돌아와 곧 아버지의 친구이자 구리 세공인이자 음악가이자 기계공인 Agnese Frey의 딸과 결혼했습니다.

A. 뒤러. 아그네스 뒤러. 펜화(1494)

결혼으로 Dürer의 사회적 지위가 높아졌습니다. 이제 그는 자신의 사업을 시작할 권리가 있습니다. 그러나 배우자의 성격과 견해의 차이로 인해 작가의 가정 생활은 행복하지 않았다. 그들은 자녀가 없었습니다.
1494년 뒤러는 이탈리아로 갔다. 그리고 1495년에 그는 뉘른베르크에 자신의 작업장을 열었고 그 후 10년 동안 판화에 종사했습니다. 나중에 그는 구리 조각에 종사했습니다. Dürer는 Apocalypse 책을 위해 15개의 목판화를 만들었습니다. 그들은 그에게 유럽의 명성을 가져다주었습니다. 고대 작가들의 작품을 포함한 다른 작품의 삽화도 제작되었습니다.
15세기의 마지막 10년 동안 작가는 여러 장의 화보 초상화와 자화상을 만들었습니다.

A. 뒤러. 자화상 (1498). 프라도 미술관(마드리드)

1502년 아버지가 돌아가시고 알브레히트는 어머니와 두 남동생(엔드레스와 한스)을 돌보았다.
1505년 뒤러는 베네치아로 가서 2년 동안 머물렀다. 그는 베네치아 화파 화가들의 작품을 알게 되었고 이것이 그의 화풍에 영향을 미쳤다. Giovanni Bellini의 그림은 그에게 특별한 인상을 남겼습니다.
그런 다음 작가는 로마의 파도바 볼로냐를 방문했습니다.

뒤러 하우스 박물관

뉘른베르크로 돌아온 Dürer는 현재 Dürer House Museum인 Zisselgasse에 집을 구입했습니다.
뉘른베르크 상인 Matthias Landauer의 명령에 따라 그는 "삼위 일체의 숭배"제단을 그렸습니다.

Landauer의 제단 (1511). 미술사 박물관(비엔나)

그러나 그의 주요 노력은 조각 기술을 향상시키고 1515 년부터 에칭 (금속 조각 유형)을 목표로했습니다.
1512년부터 황제 막시밀리안 1세가 이 예술가의 주요 후원자가 되었습니다.

A. 뒤러 "막시밀리안 1세의 초상"

Dürer는 자신의 주문에 따라 작업을 시작합니다. 그는 개선문을 수행하고 192개의 판자로 구성된 기념비적인 목판화(3.5m x 3m) 작업에 참여합니다. Maximilian을 기리는 장대 한 구성은 벽을 장식하기위한 것입니다. 고대 로마의 개선문이 그 모델이 되었습니다. 1513년에 그는 다른 예술가들과 함께 황제 막시밀리안의 기도서 5권 중 하나의 일러스트레이션(펜 드로잉)에 참여했습니다.

기도서의 페이지

1520년 화가는 아내와 함께 네덜란드로 여행을 떠났습니다. 여기에서 그는 그래픽 초상화 장르에서 일했고 현지 거장을 만나 찰스 황제의 엄숙한 입장을 위해 개선문 작업을 도왔습니다. 네덜란드에서는 유명한 예술가 Dürer가 어디에서나 환영받는 손님이었습니다. 앤트워프의 치안 판사는 심지어 그를 도시에 머물게 하여 연간 300길더의 수당, 선물로 집, 지원, 모든 세금 지불을 제공하기를 원했습니다. 그러나 1521년 뒤러 부부는 뉘른베르크로 돌아왔습니다.

인생의 마지막 몇 년

말년에 Dürer는 화가로 많은 일을 했습니다. 최근 몇 년간 가장 중요한 그림 중 하나는 1526년 시의회에 제출한 두 폭의 "사도"입니다. 이것이 그의 마지막 작품이었습니다. 네덜란드로 돌아온 Dürer는 알 수 없는 질병에 걸렸습니다. 아마도 말라리아였을 것입니다. 그는 생애가 끝날 때까지 이 질병에 시달렸습니다. 마지막 날까지 Dürer는 출판을 위해 비율에 관한 이론 논문을 준비하고 있었습니다. Albrecht Dürer는 1528년 4월 6일 그의 고향인 뉘른베르크에서 사망했습니다.

알브레히트 뒤러의 예술 작품

그림

Dürer는 어린 시절부터 그림을 꿈꿨습니다. 그의 그림은 비표준적인 사고, 표현 수단에 대한 끊임없는 검색으로 구별됩니다.
베니스에 있는 동안 작가는 "교사들 사이의 그리스도"(1506)라는 그림을 그렸습니다.

보드, 오일. 65x80cm 티센보르네미서 미술관(마드리드)

이 그림의 Durer는 부활절을 축하하기 위해 Joseph, Mary 및 12 세 예수가 예루살렘에 어떻게 도착했는지 알려주는 복음의 음모를 묘사했습니다. 집으로 돌아갈 시간이 되었을 때 예수님은 예루살렘에 계셨습니다. 3일 동안 걱정스러운 부모들이 그를 찾았고 마침내 예루살렘 성전에서 박식한 현자들과 논쟁을 벌이는 그를 발견했습니다. 그들에게 질문; 그의 말을 듣는 사람들은 모두 그의 이해력과 대답을 기이히 여겼습니다.”
작가는 세부 사항을 거부하고 현자와 그리스도의 얼굴을 클로즈업하여 "분쟁의 긴장"을 느끼게합니다. 구성의 중심에는 대화에서 그의 주장을 세는 예수의 손과 "긴장과 당혹감"을 증언하는 교사 중 한 사람의 손이 있습니다. 이 현자는 밝은 캐리커처 외모를 가지고 있어 다양한 해석을 불러일으켰습니다. Dürer가 인간 성격의 기초가 되는 네 가지 기질 이론을 설명했다는 가정이 있습니다.
그는 많은 제단화를 만들었습니다.

헬러 제단화(1507-1511)

"Geller Altar"( "The Altar of the Assumption of Mary")는 Albrecht Dürer가 Matthias Grunewald와 함께 만든 삼부작 형태의 제단으로, 귀족 Jacob Heller가 프랑크푸르트의 도미니카 수도원 교회를 위해 의뢰했습니다. 기본. 그것의 일부는 16세기에 만들어진 사본에서만 살아 남았습니다. 아티스트 Jobst Harrich.

Albrecht Durer "네 사도"(1526). 기름. 215x76cm 알테 피나코텍(뮌헨)

그림(diptych)은 함께 고정된 두 개의 수직 좁은 날개로 구성됩니다. 왼쪽 날개에는 사도 요한과 베드로, 오른쪽에는 마가와 바울이 그려져 있습니다. 사도들은 같은 공간에 있고 같은 층에 서 있습니다. 구성적으로나 영적으로 그들은 하나입니다. Dürer는 정신의 높은 영역을 열망하는 인간 캐릭터와 마음의 예술적 예를 만듭니다. 이것은 그가 있어야 할 사람에 대한 주인의 생각입니다.
Dürer는 자신의 고향인 뉘른베르크에 그림을 선물했는데, 그것은 시 정부의 가장 중요한 문제가 결정된 시청 홀에 있었습니다. Maximilian I는 그림을 뮌헨으로 보낼 것을 요구했습니다.
성인기에 Dürer는 초상화 작업을 많이했으며 북유럽 그림에서 발전한 전통을 이어갔습니다. 모델은 풍경을 배경으로 3/4 확산으로 묘사되었으며 모든 세부 사항은 매우 신중하게 처리되었으며 현실적으로.
북유럽 자화상이 독립적인 장르로 형성되는 것은 뒤러라는 이름과 관련이 있다.

알브레히트 뒤러의 그림

Durer는 예술가로서 드로잉에서 가장 많이 드러났기 때문입니다. 그의 화보 작업은 주로 손님들의 자의성에 의존했고, 드로잉에서 그는 자유로웠다.
Durer의 학생 작품을 포함하여 약 천 점의 그림이 살아 남았습니다. 작가의 그림은 풍경, 초상화, 사람, 동물 및 식물의 스케치를 묘사합니다. 동물 및 식물 그림은 관찰, 이미지 개체의 자연 형태 전달에 대한 충실도로 표시됩니다.

A. Durer "토끼". 종이, 수채화, 구 아슈, 백색 도료. 25.1 x 22.6 cm 알베르티나 갤러리(비엔나)

Albrecht Dürer의 그래픽

Apocalypse가 출판된 후 Dürer는 유럽에서 마스터 조각사로 유명해졌습니다.
Albrecht Dürer는 374점의 목판화와 83점의 동판화를 만들었습니다. 인쇄된 그래픽이 그의 주요 수입원이 되었습니다. 전통적인 성서와 새로운 골동품 외에도 Dürer는 판화에서 일상적인 주제도 개발했습니다.
Dürer의 판화 "Adam and Eve"(1504)는 금속 조각의 걸작입니다.

A. Durer "아담과 이브"(1504)

1513-1514년. Dürer는 "Master Engravings"라는 이름으로 예술사에 포함 된 "Knight, Death and the Devil", "Saint Jerome in the Cell"및 "Melancholia"라는 세 개의 그래픽 시트, 조각의 걸작을 만들었습니다.

A. Durer "우울". 구리, 판화. 23.9 x 18.8 cm 국립 에르미타주 박물관(상트페테르부르크)

"Melancholia"는 Dürer의 가장 신비한 작품 중 하나로 간주되며 아이디어의 복잡성과 명확하지 않음, 상징 및 우화의 밝기가 두드러집니다.

Albrecht Dürer의 북플레이트

장서표- 책의 소유자를 인증하는 책갈피. ex-libris는 책의 왼쪽 끝 종이에 붙여 넣거나 스탬프를 찍습니다.
총 20개의 Dürer의 북플레이트가 알려져 있으며 그 중 7개는 프로젝트에 있고 13개는 준비되어 있습니다. Dürer는 그의 친구이자 작가이자 애서가인 Willibald Pirckheimer를 위해 첫 번째 책 표지를 만들었습니다. 작가는 1523년 Dürers의 문장으로 자신의 ex-libris를 만들었습니다. 방패의 열린 문 이미지는 "Dürer"라는 이름을 나타냅니다. 독수리 날개와 남자의 검은 피부는 남독일 문장의 상징입니다. Dürer 어머니의 Nuremberg 가족도 사용했습니다.

알브레히트 뒤러의 문장(1523년)

Dürer는 자신의 문장과 유명한 모노그램(대문자 A와 D가 새겨져 있음)을 만들고 사용한 최초의 예술가였으며 나중에 많은 모방자들이 생겼습니다.

뒤러의 모노그램

Albrecht Dürer의 스테인드 글라스 창

Dürer가 개인적으로 유리 작업에 참여했는지 여부는 알려져 있지 않지만 대부분은 그의 스케치에 따라 만들어졌습니다.

십계명을 받는 모세. 알브레히트 뒤러가 성 베드로 교회를 위해 그린 그림 후의 스테인드 글라스 창 Straubing의 Jacob (1500)

Albrecht Dürer는 유명한 수학자(기하학)였으며 마방진을 만들었습니다. 그는 1에서 16까지의 숫자를 배열하여 수직, 수평 및 대각선으로 더할 때뿐만 아니라 4/4 분기 모두에서 합계 34를 얻습니다. 중앙 사각형에서 그리고 네 모서리 셀에서 숫자를 추가할 때도 마찬가지입니다. 정사각형의 중심을 기준으로 대칭적으로 위치한 임의의 쌍의 수의 합은 17입니다.

뒤러의 마방진(그의 판화 "멜랑콜리" 조각)

Albrecht Dürer(독일어: Albrecht Dürer, 1471년 5월 21일, 뉘른베르크 - 1528년 4월 6일, 뉘른베르크)는 독일의 화가이자 그래픽 아티스트로 서유럽 르네상스의 가장 위대한 거장 중 한 명입니다. 실제 예술 수준으로 끌어 올린 유럽 최대의 목판화 대가로 인정 받았습니다. 북유럽 미술가 중 최초의 미술이론가이자, 미술가의 다재다능한 발전의 필요성을 주창한 독일어 순수미술 실용가이드의 저자. 비교 인체측정학의 창시자. 위의 것 외에도 그는 군사 공학 분야에서 눈에 띄는 흔적을 남겼습니다. 자서전을 쓴 최초의 유럽 예술가.

미래의 예술가는 1471 년 5 월 21 일 뉘른베르크에서 15 세기 중반 헝가리에서이 독일 도시에 도착한 보석상 Albrecht Dürer와 Barbara Holper의 가족으로 태어났습니다. Dürer는 18명의 자녀를 두었는데, Dürer the Younger 자신이 쓴 것처럼 일부는 "젊었을 때, 다른 일부는 자라면서" 사망했습니다. 1524년에는 뒤러의 세 자녀(알브레히트, 한스, 엔드레스)만이 살아 있었습니다.

미래의 예술가는 가족의 세 번째 자녀이자 두 번째 아들이었습니다. 그의 아버지 Albrecht Dürer the Elder는 문자 그대로 그의 헝가리 성 Aytosi (헝가리어 Ajtósi, Aytosh 마을 이름에서 ajtó- "문"이라는 단어에서 유래)를 독일어로 Türer로 번역했습니다. 이후 프랑크어 발음의 영향으로 변형되어 Dürer로 표기되기 시작했습니다. Albrecht Dürer the Younger는 어려운 삶을 살았던 경건한 여성으로 어머니를 기억했습니다. 잦은 임신으로 약해진 탓인지 몸이 많이 아팠다. Dürer의 대부는 유명한 독일 출판사 Anton Koberger였습니다.

얼마 동안 Dürers는 변호사이자 외교관 인 Johann Pirckheimer로부터 집의 절반 (도시 중앙 시장 옆)을 임대했습니다. 따라서 Pirckheimer 귀족과 Durer 장인이라는 서로 다른 도시 계층에 속하는 두 가족의 친밀한 친분이 있습니다. 뒤러 2세는 독일에서 가장 개화된 사람 중 한 명인 요한의 아들 빌리발트와 평생 친구였습니다. 그 덕분에 예술가는 나중에 Pirkheimer가 리더 인 Nuremberg 인본주의 자 서클에 들어가 그곳에서 자신의 사람이되었습니다.

1477년부터 알브레히트는 라틴어 학교에 다녔다. 처음에 아버지는 보석 작업장에서 일하도록 아들을 끌어 들였습니다. 그러나 알브레히트는 그림을 그리고 싶었다. 장로 Dürer는 아들을 가르치는 데 보낸 시간을 후회했음에도 불구하고 그의 요청에 양보했으며 15세에 Albrecht는 당시 뉘른베르크 최고의 예술가인 Michael Wolgemuth의 작업장으로 보내졌습니다. Dürer 자신은 서유럽 미술사에서 최초의 자서전 중 하나 인 그의 생애 말기에 그가 만든 "Family Chronicle"에서 이에 대해 말했습니다.

Wolgemut Dürer는 그림뿐만 아니라 나무 조각도 마스터했습니다. Wolgemuth는 그의 의붓아들 Wilhelm Pleidenwurff와 함께 Hartmann Schedel의 Book of Chronicles에 판화를 만들었습니다. 전문가들이 연대기를 고려하는 15세기의 가장 삽화가 많은 책에 대한 작업에서 Wolgemut은 그의 학생들의 도움을 받았습니다. 이 에디션의 각인 중 하나인 "Dance of Death"는 Albrecht Dürer의 작품입니다.

전통에 따르면 1490년의 연구는 방랑(독일어: Wanderjahre)으로 끝났고, 그 동안 견습생은 다른 지역의 대가로부터 기술을 배웠습니다. Dürer의 학생 여행은 1494년까지 계속되었습니다. 그의 정확한 여정은 알려지지 않았으며 독일, 스위스 및 (일부 연구원에 따르면) 네덜란드의 여러 도시를 여행하면서 미술 및 재료 가공을 계속 개선했습니다. 1492년 뒤러는 알자스에 머물렀다. 그는 콜마르에 살았던 마르틴 숀가우어(Martin Schongauer)를 볼 시간이 없었고, 그의 작품은 유명한 구리 조각가인 젊은 예술가에게 큰 영향을 미쳤습니다. 숀가우어는 1491년 2월 2일에 사망했습니다. Dürer는 고인의 형제 (Kaspar, Paul, Ludwig)로부터 영예를 얻었으며 Albrecht는 한동안 예술가의 스튜디오에서 일할 기회를 가졌습니다. 아마도 Ludwig Schongauer의 도움으로 그는 당시 보석상이 주로 수행했던 구리 조각 기술을 마스터했습니다. 나중에 Dürer는 당시 인쇄의 중심지 중 하나였던 Basel (아마도 1494 년 초 이전)로 Martin Schongauer의 네 번째 형제 인 Georg에게 이사했습니다. 이 시기에 바젤에서 인쇄된 책에는 이전에는 독특하지 않은 새로운 스타일의 삽화가 등장했습니다. 이 삽화의 저자는 미술사학자로부터 "Master Bergman Printing House"라는 이름을 받았습니다. 성 베드로의 편지 판의 속표지에 새겨진 판이 발견된 후 1492년 Jerome'의 뒷면에 Dürer라는 이름으로 서명했으며, '인쇄의 거장 Bergman'의 작품은 그에게 귀속되었습니다. Basel에서 Dürer는 Sebastian Brant의 "Ship of Fools"의 유명한 목판화 제작에 참여했을 수 있습니다(1494년 초판, 이 책의 75개 판화는 작가의 작품임). Basel Dürer는 Terence의 코미디 (미완성 상태로 남아 있고 139 개의 보드 중 13 개만 잘림), The Knight of Turn (45 개의 판화) 및 기도서 (20 개의 판화)를 출판하기 위해 판화 작업을했다고 믿어집니다. (그러나 미술 평론가 A. Sidorov는 모든 바젤 판화를 Dürer에게 귀속시킬 가치가 없다고 믿었습니다).

이것은 CC-BY-SA 라이선스에 따라 사용되는 Wikipedia 기사의 일부입니다. 기사 전문은 여기 →

강력한 분노 시대의 내용과 이데올로기 적 성취는 독일의 위대한 사상가 인 Albrecht Dürer (1471-1528)의 작업에 깊이 반영되어 있습니다. 뒤러는 그의 전임자들과 동시대인들의 사실주의적 탐구를 통합적인 예술관 체계로 일반화하여 독일 예술 발전의 새로운 단계를 위한 토대를 마련했습니다. 마음의 호기심, 관심사의 다양성, 새로운 것을 향한 노력, 큰 사업의 용기, 삶에 대한 인식의 강도와 폭은 그를 위대한 이탈리아 인 Leonardo da Vinci, Raphael 및 Michelangelo 옆에 두었습니다. 세상의 이상적인 조화로운 아름다움에 대한 매력, 합리적 자연 법칙에 대한 지식의 길을 찾고자하는 열망이 그의 작품에 스며 듭니다.

우리 시대의 격동의 사건을 흥미롭게 인식 한 Dürer는 고전적 이상과의 불일치를 인식하고 내면의 힘과 의심, 강한 의지와 생각으로 가득 찬 국가 국민의 깊은 국가적 전형적인 이미지를 만들었습니다. 현실을 관찰하면서 Dürer는 살아있는 자연이 고전적인 공식에 맞지 않는다고 확신했습니다. Dürer의 작업은 대조를 이룹니다. 그것은 합리성과 감정, 기념비에 대한 갈망과 세부 사항에 대한 애착을 결합합니다. 두 시대의 직전에 살았던 Dürer는 농민 전쟁의 패배로 끝난 사회적 위기의 비극을 그의 예술에 반영했습니다.

뒤러는 뉘른베르크에서 태어났습니다. Dürer는 금세공 인 아버지의 작업장에서 어린 시절부터 예술가 Wolgemut과 함께 독일 땅을 방황하는 동안 15 세기 독일 예술의 유산을 흡수했지만 자연이 그의 주요 교사가되었습니다. 레오나르도와 마찬가지로 뒤러에게 예술은 지식의 한 형태였습니다. 따라서 예술가가 여행하는 동안 만난 모든 것에 대한 자연에 대한 그의 특별한 관심. Dürer는 독일에서 처음으로 자연에서 알몸을 그렸습니다. 그는 풍경 수채화, 묘사 된 동물, 휘장, 꽃 등을 만들었습니다. 그의 흠 잡을 데없이 정확한 그림은 세부 사항에 대한 감동적이고 사랑스러운 태도로 가득 차 있습니다. 뒤러는 수학, 원근법, 해부학을 공부했고 자연과학과 인문학에 관심을 가졌다. Twice Dürer는 이탈리아를 여행하고 수많은 과학 논문을 작성했습니다(Guide to Measurement, 1525; Four Books on Human Proportions, 1528).

예술가의 혁신적인 열망은 독일 남부, 스위스, 베니스를 여행하는 동안 드러났습니다. 뒤러가 공방을 세운 뉘른베르크로 돌아오자 다방면의 활동이 펼쳐졌다. 그는 초상화를 그렸고, 독일 풍경의 토대를 마련했으며, 전통적인 성경과 복음 이야기를 변형시켜 새로운 삶의 내용을 담았습니다. 판화는 작가의 특별한 관심을 끌었습니다. 먼저 목판화, 그 다음 구리 판화입니다. Dürer는 그래픽의 주제를 확장하여 문학 및 일상 주제를 끌어들였습니다. 농민, 마을 사람들, 시민, 기사 등의 이미지가 그의 판화에 등장했으며, 이 해의 가장 높은 창조적 업적은 당시 독일 대중들 사이에서 인기가 있었던 Apocalypse(1498)를 주제로 한 16장의 목판화 시리즈입니다. . 이 시리즈에서 Durer는 중세의 종교적 견해를 우리 시대의 사회적 사건으로 인한 불안한 분위기와 엮었습니다. 묵시록에 묘사된 끔찍한 죽음과 형벌의 장면은 혁명 이전 독일에서 화제의 의미를 갖게 되었습니다. Dürer는 현대 독일의 건축, 의상, 유형, 풍경 등 자연과 삶에 대한 많은 미묘한 관찰을 판화에 도입했습니다. 세계의 폭, 애처로운 인식, 형태와 움직임의 긴장, Dürer 판화의 특징은 15세기 독일 예술에 알려지지 않았습니다. 동시에 후기 독일 고딕 양식의 불안한 정신이 대부분의 Dürer 시트에 살고 있습니다. 구성의 복잡성과 복잡성, 선의 폭풍우 장식, 리듬의 역 동성은 Apocalypse 비전의 신비로운 고양과 조화를 이루는 것 같습니다.

"Four Horsemen"시트에서 끔찍한 파토스가 나옵니다. 모든 것을 파괴하는 충동의 힘과 우울한 표현이라는 측면에서 이 구성은 당시 독일 예술에서 필적할 만한 것이 없습니다. 죽음, 심판, 전쟁, 역병이 땅을 맹렬히 휩쓸고 지나갈 길에 있는 모든 것을 파괴합니다. 날카로운 몸짓, 움직임, 우울한 얼굴은 분노와 분노로 가득 차 있습니다. 모든 자연은 혼란에 빠져 있습니다. 구름, 옷의 휘장, 말의 갈기가 격렬하게 펄럭이고 떨며 서예 선의 복잡한 리듬 패턴을 형성합니다. 연령대와 계층이 다른 사람들은 겁에 질려 있습니다.

"드래곤과 함께하는 대천사 미카엘의 전투"시트에서는 빛과 그림자의 대조, 불안한 간헐적 선의 리듬으로 치열한 전투의 파토스를 강조합니다. 영감과 단호한 얼굴을 가진 청년의 영웅적인 이미지, 끝없이 펼쳐진 태양이 비추는 풍경, 밝은 시작의 승리에 대한 믿음이 표현됩니다. 뒤러는 그 시대에 친숙한 목판화 기법을 사용하여 구리에 조각하는 몇 가지 기법을 도입하여 표현력을 높였습니다. 이전에 지배적 인 그림의 날카로운 윤곽선은 평행 해칭으로 약하게 채워져 두껍거나 얇은 선으로 채워진보다 유연한 그림으로 대체되었으며 모양에 맞는 획을 도입하고 깊은 그림자를 제공하는 교차 선을 적용했습니다.

1500년 뒤러의 작업에 전환점이 발생했습니다. 초기 작품의 파토스와 드라마는 균형과 조화로 대체되었습니다. 서정적 경험으로 가득 찬 차분한 내러티브의 역할이 증가했습니다 ( "The Life of Mary"주기). 작가는 비율을 연구하고 알몸 묘사 문제를 연구했습니다. 구리 "Adam and Eve"(1504) 판화에서 Dürer는 고전적인 아름다움의 이상을 구현하려고했습니다. 둥글고 거의 조각에 가까운 형태의 볼륨은 형태의 구조를 가로질러 표면을 가로질러 미끄러지는 둥근 획으로 강조됩니다. 그림처럼 해석된 숲의 풍경은 다양한 상징을 형상화한 사람과 동물의 모습을 유기적으로 포함하고 있다.

동일한 검색은 그림 같은 "자화상"(1500, 뮌헨, Alte Pinakothek)에서도 구별됩니다. 여기서 Dürer는 고전적 이상의 프리즘을 통해 이미지를 변형하고 고전적 구성의 원칙을 적용합니다. 동시에 그는 자기 지식을 요구하는 설교자의 특성 인 깊은 도덕적 완전성의 표현을 여기에서 찾고 있습니다. 초기 자화상의 자유로운 구성은 정면, 정적, 엄격하게 측정 된 비율, 밝은 색상-음소거 된 갈색 색상으로 대체되었습니다. 개별 특성은 다소 이상화됩니다. 하지만 강렬한 눈빛, 쉴 새 없이 휘날리는 머리카락, 긴장한 손짓이 불안한 분위기를 고스란히 드러낸다. 이 시대의 사람들에 대한 르네상스의 명료한 생각은 세계에 대한 흥분된 인식과 공존했습니다. 두 번째 베니스 여행(1506-1507) 동안 베네치아의 그림 같은 문화를 알게 된 Durer는 색채 감각을 발전시켜 빛의 문제를 해결했습니다. "최고의 부지런함"으로 그는 그리 사유로 실행되는 밑칠에 5 ~ 6 개, 때로는 8 개의 패드를 사용하여 유화 기법을 연구했습니다.

2m 제단 구성 "The Feast of the Rosary"(1506, 프라하, 국립 미술관)에서 Dürer는 본질적으로 종교적인 주제를 결정했습니다. 마리아의 보좌 근처의 맑은 산 풍경. 전체의 조화로운 균형, 중앙 부분의 엄격한 인물 피라미드는 구성을 전성기 르네상스 작품에 더 가깝게 만듭니다. 작가는 그의 화보 방식의 비정상적 부드러움, 풍부한 색상 뉘앙스, 환경의 경쾌함에 대한 인상을 얻었습니다. "여인의 초상"(1506, 베를린, 주립 박물관)에서 Dürer는 빛과 음영의 가장 미세한 전환을 재현하는 예술의 숙달을 보여 그를 Giorgione의 그림에 더 가깝게 만들었습니다. 이미지는 심리적 음영의 성실함과 풍부함으로 매료됩니다.

이탈리아 거장의 작품에 대한 연구를 통해 Dürer는 후기 고딕 예술의 잔재를 극복했지만 이상적인 고전 이미지에서 그는 다시 매우 개별적이고 드라마로 가득 차 있습니다. 그의 작품의 정점을 나타내는 "Knight, Death and the Devil"(1513), "Saint Jerome"(1514), "Melancholy"(1514)의 세 가지 마스터 조각이 구리에 나타났습니다. 상징과 암시로 가득 찬 전통적인 플롯에서 Dürer는 인간의 영적 활동의 다양한 측면에 대한 당시 인본주의 자의 아이디어를 일반화했습니다. 조각 "Saint Jerome"은 더 높은 진리를 이해하는 데 헌신하는 인본주의 자의 이상을 보여줍니다. 주제를 해결하는 과정에서 과학자의 이미지를 일상적으로 해석하는 데있어 인테리어가 주역을 맡고 작가는 감성적 인 시적 환경으로 변모합니다. 신성한 책의 번역에 몰두한 Jerome의 모습은 내부의 많은 일상적인 세부 사항을 정복하여 과학자를 세상의 불안과 번잡함으로부터 보호하는 구성 라인의 초점입니다. Jerome의 감방은 우울한 금욕적인 피난처가 아니라 현대 주택의 겸손한 방입니다. Jerome의 이미지에 대한 일상적인 친밀한 민주적 해석은 아마도 개혁자들의 가르침의 영향을 받아 공식적인 교회 해석을 벗어났습니다. 창문을 통해 터지는 태양 광선이 떨리는 움직임으로 방을 채 웁니다. 애매한 빛과 그림자의 놀이는 공간에 생명을 부여하고 사물의 형태를 유기적으로 연결하며 환경에 영감을 주며 편안함의 인상을 만듭니다. 구성의 안정적인 수평선은 평화로운 분위기를 강조합니다.

"기사, 죽음, 악마"라는 판화는 인간과 환경 사이의 극심한 갈등 관계, 의무와 도덕에 대한 그의 이해를 드러냅니다. 기수의 길은 위험으로 가득 차 있습니다. 숲의 우울한 덤불에서 유령이 그에게 뛰어옵니다. 미늘창이있는 악마와 모래 시계가있는 죽음은 그에게 지상의 모든 것의 일시적인 삶의 위험과 유혹을 상기시킵니다. 그들에게 주의를 기울이지 않고 기수는 선택한 길을 단호하게 따릅니다. 그의 엄격한 외모-이성의 빛으로 밝혀진 의지의 긴장, 사람의 도덕적 아름다움, 의무에 충실하고 용감하게 위험에 직면합니다.

'멜랑콜리아'에 대한 구상은 아직 밝혀지지 않았지만, 힘차게 날개 달린 여성의 이미지는 그 의미와 심리적 깊이가 인상적이다. 많은 의미론적 뉘앙스, 가장 복잡한 기호 및 암시로 짜여져 불안한 생각, 연상, 경험을 일깨웁니다.

Melancholy는 더 높은 존재, 지능을 부여받은 천재, 당시 인간 생각의 모든 업적을 소유하고 우주의 비밀에 침투하기 위해 노력하지만 창의적인 검색에 수반되는 의심, 불안, 실망 및 갈망에 사로 잡힌 천재의 화신입니다. 과학자 사무실과 목수 작업장의 수많은 물건 중에서 날개 달린 Melancholia는 여전히 활동하지 않습니다. 혜성과 무지개의 인광, 만 위를 날아 다니는 박쥐-황혼과 외로움의 선구자-로 비춰지는 우울한 차가운 하늘은 이미지의 비극을 강화합니다. 그러나 <멜랑콜리아>의 깊은 사려 깊음 이면에는 자연의 비밀을 과감하게 파고드는 강렬한 창조적 사유가 숨어 있다. 인간 정신의 무한한 힘의 표현은 멜랑콜리아의 이미지를 메디치의 무덤인 시스티나 예배당 천장의 극적인 이미지에 더 가깝게 만듭니다. "Melancholia"는 "전 세계를 놀라게 한"(Vasari) 작품의 수에 속합니다.
구리 판화에서 뒤러의 예술적 언어는 미묘하고 다양합니다. Durer는 평행선과 십자선, 점선을 사용했습니다. 드라이포인트 기법("Saint Jerome" 각인)의 도입 덕분에 그는 그림자의 놀라운 투명도, 하프톤 변형의 풍부함, 빛이 진동하는 느낌을 얻었습니다. 1515-1518년까지 Durer의 새로운 에칭 기술에 대한 실험이 속합니다.

Dürer의 작업에서 큰 부분은 그림, 조각 및 그림으로 실행되는 초상화에 속합니다. 작가는 모델의 가장 본질적인 특징을 강조했다. 목탄으로 제작된 <어머니의 초상>(1514, 베를린, 국립박물관, 판화장)에는 수척한 이목구비가 비대칭인 노인의 얼굴에 삶의 고난과 파멸의 흔적이 눈에 각인되어 있다. 긴장된 곱슬 표현 라인은 이미지의 밝은 표현력을 강화합니다. 스케치, 어떤 곳에서는 두껍고 검은 색, 어떤 곳에서는 가벼운 스트로크로 그림이 역동적으로 보입니다.

16세기 20년대, 농민 전쟁과 종교 개혁의 강력하고 용감한 시대의 경향은 뒤러의 예술에서 더욱 두드러졌습니다. 그의 초상화에는 미래를 열망하는 반항적 인 강력한 정신을 가진 사람들이있었습니다. 그들의 자세-외침의 긴장, 얼굴-감정과 생각의 흥분. 높은 영적 충동과 불안으로 가득 찬 강한 의지, Bernhard von Resten (1521, Dresden, Art Gallery), 활기찬 Holzschuer (1526, Berlin-Dahlem, Art Gallery), "The Unknown Man in a Black Beret" (1524, Madrid, Prado) 불굴의 열정의 인장을 가진 권력. Durer의 창의적인 검색은 The Four Apostles (1526, Munich, Alte Pinakothek)에 의해 완료되었습니다. 사도들의 이미지 : 의지가 강하고 용감하지만 우울한 바울의 화난 표정, 점액질, 느린 베드로, 철학적으로 관조적, 영적인 얼굴의 요한과 흥분하게 활동적인 마가는 날카롭게 개별적이며 내면의 불타는 것으로 가득 차 있습니다. 동시에 그들은 "다가오는 계급 전투를 예언 적으로 나타내는"독일 농민 전쟁 시대의 선진 사람들의 특징을 구현합니다. 이것들은 진실의 투사들의 시민 이미지입니다. 밝은 녹색, 밝은 빨간색, 밝은 파란색, 흰색과 같은 옷의 경쾌한 색상 대비가 이미지 표현을 향상시킵니다. 거대한 실물 크기의 인물들을 닫고 2미터의 좁은 문 안에 조용히 서 있는 작가는 절제된 웅장함의 표현인 영적 긴장을 이룬다. Dürer의 이 후기 작품은 기념비적인 측면에서 그가 이전에 회화에서 했던 모든 것을 능가합니다.

Dürer의 작품은 독일 르네상스 예술의 주요 경향을 결정했습니다. 현대 예술가에 대한 그의 영향은 컸습니다. 이탈리아, 프랑스까지 침투했습니다. Dürer와 동시에 그리고 그 이후에 주요 예술가들의 은하계가 나타났습니다. 그 중에는 자연과 인간의 조화를 미묘하게 느끼는 장로 루카스 크라나흐(1472~1553)와 위대한 상상력의 소유자인 마티아스 고타르트 나이타르트(1475~1528)가 있다. 가르침과 고딕 전통. Dürer의 작품은 반항의 정신, 절박한 광란 또는 환희, 강렬한 감정과 섬광, 그 다음 퇴색, 그 다음 퇴색, 그 다음 타오르는 색과 빛의 고통스러운 표현으로 가득 차 있습니다.

예술가의 미래 아버지는 1455년 헝가리의 작은 마을 Eytas에서 독일로 왔습니다. 그는 당시 바이에른의 일부인 뉘른베르크라는 진보적이고 사업적이며 부유한 독일의 도시에 정착하기로 결정했습니다.

뉘른베르크의 전망. Schedel의 세계 연대기, 1493

1467년, 그가 이미 40세쯤 되었을 때, 그는 금세공업자 제롬 홀퍼의 어린 딸과 결혼했습니다. 당시 Barbara는 겨우 15세였습니다.

아버지의 초상화 - Albrecht Durer the Elder, 1490 및 1497.

그들의 뛰어난 아들은 1471년 5월 21일 뉘른베르크에서 태어났으며 가족의 세 번째 자녀였습니다. 전체적으로 Barbara Dürer는 결혼 기간 동안 18명의 자녀를 낳았습니다. Albrecht는 운이 좋았습니다. 그는 성인이 될 때까지 살아남은 세 소년 중 한 명이었습니다. 그는 두 형제 Endres와 Hans처럼 자신의 자녀가 전혀 없었습니다.

미래 예술가의 아버지는 보석 마스터로 일했습니다. 그의 이름도 알브레히트 뒤러(1427~1502)였습니다. 어머니는 집안일에 몰두했고, 교회에 부지런히 다녔고, 출산도 많이 했고, 병도 자주 앓았다. 그녀의 아버지가 죽은 지 얼마 후 Barbara Dürer는 Albrecht the Younger와 함께 살기 위해 이사했습니다. 그녀는 아들의 작업 수행을 도왔습니다. 그녀는 1514년 5월 17일 63세의 나이로 그의 집에서 세상을 떠났다. Durer는 그의 부모를 훌륭한 일꾼이자 경건한 사람들로 정중하게 말했습니다.

어머니의 초상화 - Barbara Dürer (nee Holper), 1490 및 1514.

Albrecht Dürer의 창의적이고 삶의 길

Albrecht Durer는 독일뿐만 아니라 북유럽 르네상스의 모든 서유럽 예술에서 가장 큰 화가이자 탁월한 조각가입니다. 그는 동판화라는 독특한 기법을 가지고 있었다.

뒤러가 이렇게 높은 평가를 받게 된 경로는 무엇이었습니까?

아버지는 아들이 사업을 계속해서 보석상이 되기를 원했습니다. 열한 살 때부터 Dürer the Younger는 아버지의 작업장에서 공부했지만 소년은 그림에 매료되었습니다. 열세 살 때 그는 은색 연필로 첫 번째 자화상을 그렸습니다. 그러한 연필로 작업하는 기술은 매우 어렵습니다. 그가 그린 선은 고칠 수 없습니다. Dürer는 이 작품을 자랑스럽게 여기며 나중에 이렇게 썼습니다. 알브레히트 뒤러. 또한 그는 거울상으로 비문을 만들었습니다.

알브레히트 뒤러의 자화상, 1484

Dürer the Elder는 아들의 이익에 양보해야했습니다. 열 다섯 살에 청년은 아버지와 유전적인 뉘른베르크 예술가 Mikael Wolgemut 사이의 계약에 따라 공부하기 위해 스튜디오에 들어갔습니다. Wolgemuth와 함께 그는 그림과 목각을 모두 공부하여 스테인드 글라스 창과 제단 조각을 만드는 데 도움을 주었습니다. 졸업 후 Dürer는 견습생으로 여행을 떠나 다른 지역의 마스터 경험을 익히고 기술을 향상시키고 시야를 넓혔습니다. 여행은 1490 년부터 1494 년까지 지속되었습니다. 소위 젊은 예술가 형성의 "멋진 해"였습니다. 이 기간 동안 그는 Strasbourg, Colmar 및 Basel과 같은 도시를 방문했습니다.

그는 자신의 예술적 스타일을 찾고 있습니다. 1490년대 중반부터 Albrecht Dürer는 자신의 작품에 "AD"라는 이니셜을 붙였습니다.

그는 유명한 거장 Martin Schongauer의 세 형제와 함께 Colmar에서 구리 조각 기술을 완성했습니다. 그는 더 이상 살아 있지 않았습니다. 그런 다음 Dürer는 당시 책 인쇄의 중심지 중 하나 인 바젤에있는 Schongauer의 네 번째 형제로 이사했습니다.

1493년, 학생 여행 중에 Dürer the Younger는 또 다른 자화상을 만들어 이번에는 기름으로 칠하여 뉘른베르크로 보냈습니다. 그는 손에 엉겅퀴를 들고 있는 자신을 묘사했습니다. 한 버전에 따르면이 식물은 그리스도에 대한 충성을 상징하고 다른 버전에 따르면 남성 충성도를 상징합니다. 아마도 이 초상화로 그는 미래의 아내에게 자신을 소개하고 충실한 남편이 될 것임을 분명히 했습니다. 일부 미술사학자들은 이 초상화가 신부에게 준 선물이라고 믿고 있습니다.

엉겅퀴를 든 자화상, 1493. 뒤러는 22세입니다.

그 후 Albrecht는 결혼하기 위해 Nuremberg로 돌아 왔습니다. 아버지는 부유한 지역 상인의 딸과 결혼을 주선했습니다. 1494년 7월 7일, 알브레히트 뒤러와 아그네스 프레이의 결혼식이 거행되었습니다.

뒤러의 아내 마이 아그네스의 초상, 1494년

결혼이 끝나고 얼마 후 또 다른 여행은 더 긴 길을 따라갔습니다. 이번에는 알프스를 넘어 베네치아와 파도바까지. 그곳에서 그는 뛰어난 이탈리아 예술가들의 작품에 대해 알게 됩니다. Andrea Mantegna와 Antonio Pollaiolo의 판화 사본을 만듭니다. 또한 Albrecht는 이탈리아에서 예술가가 더 이상 단순한 장인으로 간주되지 않고 사회에서 더 높은 지위를 갖는다는 사실에 깊은 인상을 받았습니다.

1495년 뒤러는 귀국 여행을 떠납니다. 그 과정에서 그는 수채화로 풍경을 그립니다.

이탈리아에서 집으로 돌아온 그는 마침내 자신의 작업실을 가질 여유가 생겼습니다.

다음 몇 년 동안 그의 그림 스타일은 이탈리아 화가의 영향을 반영합니다. 1504년 그는 캔버스에 "동방박사의 경배"를 그렸습니다. 이 그림은 오늘날 1494-1505년의 알브레히트 뒤러의 가장 뛰어난 그림 중 하나로 간주됩니다.

1505년부터 1507년 중반까지 그는 다시 한번 이탈리아를 방문했다. 볼로냐, 로마, 베니스를 방문했습니다.

1509년 알브레히트 뒤러는 뉘른베르크에 큰 집을 구입하고 거의 20년을 그곳에서 보낸다.

1520년 7월, 화가는 아내 아그네스를 데리고 네덜란드로 여행을 떠납니다. 그는 브뤼헤, 브뤼셀, 겐트와 같은 네덜란드 회화의 고대 중심지를 방문합니다. 어디에서나 그는 건축 스케치와 사람과 동물의 스케치를 만듭니다. 다른 예술가들을 만나고 로테르담의 가장 위대한 과학자 에라스무스를 알게 됩니다. Dürer는 오랫동안 유명했으며 모든 곳에서 존경과 영예를 얻었습니다.

Aachen에서 그는 황제 Charles V의 대관식을 목격합니다. 나중에 그는 이전에 그가 수행 한 명령을 수행 한 이전 황제 Maximilian I로부터받은 특권을 확장하기 위해 그를 만납니다.

불행히도 네덜란드를 여행하는 동안 Dürer는 아마도 말라리아와 같은 "놀라운 질병"에 걸립니다. 그는 발작에 시달리고 어느 날 의사에게 자신의 이미지가 담긴 그림을 보내 손가락으로 아픈 곳을 가리 킵니다. 그림은 설명과 함께 제공됩니다.

알브레히트 뒤러의 판화

동시대인들 사이에서 Albrecht Dürer는 주로 판화 제작에 이름을 올렸습니다. 그의 거장 작품은 큰 크기, 섬세하고 정확한 드로잉, 문자 파악 및 복잡한 구성이 특징입니다. Durer는 나무와 구리에 조각하는 기술을 완벽하게 마스터했습니다. 마스터는 처음부터 끝까지 판화 제작에 대한 모든 작업을 직접 수행합니다. 전례 없는 디테일과 가는 선으로 조각합니다. 이때 그는 자신이 그린 그림을 따라 만든 도구를 사용한다. 유럽 전역에 널리 배포되는 수많은 판화를 만듭니다. 그래서 그는 자신의 작품을 출판하는 출판사가 되었습니다. 그의 판화는 널리 알려졌고 매우 유명했으며 잘 팔렸습니다. 1498 판에서 "Apocalypse"라는 판화 시리즈로 그의 명성을 크게 강화했습니다.

Dürer의 걸작은 "Master Engravings"로 인정됩니다. 1513 년에 그는 "Knight, Death and the Devil"구리에 조각을, 1514 년에는 "St. Jerome in the Cell"과 "Melancholy"라는 두 개의 전체 조각을 잘라 냈습니다.

코뿔소의 가장 유명한 이미지는 아마도 1515년에 만들어진 소위 "Dürer's Rhino"일 것입니다. 그는 독일에서이 이상한 동물을 보지 못했습니다. 작가는 묘사와 다른 사람들의 그림에서 자신의 모습을 상상했습니다.

"Dürer의 코뿔소", 1515

알브레히트 뒤러의 마방진

위에서 언급했듯이 1514 년에 주인은 그의 가장 신비한 작품 중 하나 인 "Melancholia"라는 판화를 만들었습니다. 이미지는 여전히 해석의 여지가 있는 많은 상징적 세부 사항으로 가득 차 있습니다.

오른쪽 상단 모서리에서 Dürer는 숫자가 있는 사각형을 잘라냈습니다. 그 특징은 어떤 방향으로든 숫자를 추가하면 결과 금액이 항상 34번째와 같다는 것입니다. 네 분기 각각의 숫자를 세어 같은 숫자를 얻습니다. 가운데 사각형과 큰 사각형의 모서리에 있는 셀에서 숫자를 추가할 때. 그리고 맨 아래 줄의 두 중앙 셀에 예술가는 조각이 만들어진 연도 인 1514를 입력했습니다.

"Melancholia"조각과 Dürer의 마방진,1514년

Dürer의 그림과 수채화

그의 초기 풍경 수채화 중 하나에서 Dürer는 구리선이 만들어지는 Pegnitz 강 유역의 방앗간과 그림 작업장을 묘사했습니다. 강 건너편에는 뉘른베르크 부근의 마을이 있고 멀리 산은 파란색입니다.

페그니츠 강가의 서랍장, 1498년

가장 유명한 그림 중 하나인 "The Young Hare"는 1502년에 그려졌습니다. 작가는 제작 날짜를 표시하고 동물 이미지 바로 아래에 그의 이니셜 "AD"를 넣었습니다.

1508년에 그는 자신의 손을 모아 기도하면서 파란색 종이에 흰색을 그렸습니다. 이 이미지는 여전히 가장 자주 복제되며 심지어 조각 버전으로 번역됩니다.

간구하는 손들, 1508년

전문가들에 따르면 Albrecht Dürer의 900개 이상의 그림이 오늘날까지 보존되어 있습니다.

Durer, 비율 및 누드

Durer는 인체의 이상적인 비율을 찾고자 하는 열망에 매료되었습니다. 그는 사람들의 알몸을 조심스럽게 검사합니다. 1504년에 그는 뛰어난 구리 판화 "아담과 이브"를 만듭니다. Adam의 이미지를 위해 아티스트는 Apollo Belvedere의 대리석 동상의 포즈와 비율을 모델로 삼습니다. 이 고대 조각상은 15세기 말 로마에서 발견되었습니다. 비율의 이상화는 Dürer의 작업을 당시 허용된 중세 대포와 구별합니다. 앞으로도 그는 여전히 다양성 속에서 실제 형태를 묘사하는 것을 선호했습니다.

1507년에 그는 같은 주제로 그림 같은 딥티치를 썼습니다.

그는 벌거벗은 사람들을 묘사한 최초의 독일 화가가 되었습니다. Dürer의 초상화는 Weimar Castle에 보관되어 있으며 가능한 한 완전히 알몸으로 자신을 묘사했습니다.

벌거벗은 뒤러의 자화상, 1509

자화상

Albrecht Dürer는 소년기부터 노년기에 이르기까지 자화상을 그렸습니다. 그들 각각은 고유의 열정과 종종 혁신을 가지고 있습니다. 당대 대중을 충격에 빠뜨린 이 자화상은 1500년에 그려졌다. 그것에 28 세의 Albrecht는 그리스도 자신의 이미지를 닮았 기 때문에 대담하게 나타납니다.

자화상, 1500. 뒤러는 28세이다.

또한 초상화는 얼굴 전체로 작성됩니다. 당시 이러한 포즈는 성인의 이미지를 작성하는 데 사용되었으며 북유럽의 세속적 초상화는 모델의 3/4 회전으로 만들어졌습니다. 또한 이 초상화에서 이상적인 비율에 대한 작가의 지속적인 탐색을 추적할 수 있습니다.

알브레히트 뒤러의 죽음과 그의 기억

화가는 57세 생일을 한 달 반 앞둔 1528년 4월 6일 뉘른베르크 자택에서 사망했습니다. 그의 출발은 독일뿐만 아니라 당시 유럽의 모든 위대한 지성인 Albrecht Dürer를 애도했습니다.

그는 성 요한의 뉘른베르크 묘지에 묻혔습니다. 그의 삶의 친구인 독일 인문주의자인 빌리발트 피르크하이머(Willibald Pirkheimer)는 묘비에 다음과 같이 썼습니다.

알브레히트 뒤러의 묘비

1828년부터 Albrecht-Dürer-Haus Museum은 Dürer House에서 운영되고 있습니다.

전기

청년

예술가의 아버지인 Albrecht Dürer는 헝가리에서 뉘른베르크로 왔습니다. 그는 보석상이었습니다. 40세에 그는 15세의 Barbara Holper와 결혼했습니다. 부부에게는 18명의 자녀가 있었지만 성인이 될 때까지 살아남은 자녀는 4명뿐이었습니다. 그들 중에는 1471년 5월 21일에 태어난 미래의 위대한 예술가인 알브레히트 소(Albrecht the Younger)가 있었습니다.

Little Albrecht는 라틴어 학교에 다니면서 읽고 쓰는 법을 배웠습니다. 처음에 그는 아버지로부터 보석 공예를 배웠습니다. 그러나 소년은 그림에 재능을 보였고 그의 아버지는 마지 못해 독일의 유명한 예술가 Michael Wolgemut과 함께 공부하도록 보냈습니다. 그곳에서 청년은 그림을 그리는 것뿐만 아니라 판화도 배웠습니다.

1490년 연구를 마친 뒤러는 다른 거장들로부터 경험을 얻기 위해 길을 떠났습니다. 4년 동안 그는 스트라스부르, 바젤, 콜마르를 방문했습니다. 여행하는 동안 Albrecht는 유명한 조각가 Martin Schongauer의 아들들과 함께 공부했습니다.

1493년 뒤러는 아그네스 프레이와 결혼한다. 아들이 스트라스부르를 방문하는 동안 그의 아내 알브레히트가 아버지에게 데리러 온 편리한 결혼이었습니다. 결혼 생활은 자녀가없고 완전히 행복하지 않은 것으로 판명되었지만 부부는 끝까지 함께 살았습니다. 결혼 후 Albrecht Dürer는 작업장을 열 수 있었습니다.

이탈리아

독일 예술가는 1494년에 처음으로 이탈리아를 방문했습니다. 약 1년 동안 그는 베니스에서 살았고 파도바를 방문했습니다. 그곳에서 그는 처음으로 이탈리아 예술가들의 작품을 보았습니다. 집으로 돌아온 Albrecht Dürer는 이미 유명한 거장이되었습니다. 특히 큰 명성은 그에게 판화를 가져 왔습니다. 1502년 아버지가 돌아가신 후 알브레히트는 어머니와 형제들을 돌봅니다.

1505년에 화가는 자신의 판화를 베끼는 현지 표절자들을 처리하기 위해 다시 이탈리아로 여행을 떠납니다. 알브레히트가 사랑하는 베니스에서 그는 베네치아 회화 학교를 공부하면서 2년 동안 살았습니다. Dürer는 특히 Giovanni Bellini와의 우정을 자랑스럽게 생각했습니다. 그는 또한 로마, 볼로냐, 파도바와 같은 도시를 방문했습니다.

막시밀리안 1세의 후원

이탈리아에서 돌아온 Dürer는 오늘날까지 살아남은 큰 집을 구입합니다. 이제 예술가 박물관이 있습니다.

동시에 그는 Great Nuremberg Council의 회원입니다. 마스터는 예술적 커미션과 판화 작업을 많이 합니다.

1512년 황제 막시밀리안 1세는 예술가를 후원했고 뒤러는 그를 위해 몇 가지 명령을 내렸습니다. 작업비를 지불하는 대신 황제는 예술가에게 연간 연금을 지정했습니다. 그것은 국고로 이체된 돈의 비용으로 뉘른베르크 시에서 지불해야 했습니다. 그러나 1519년 막시밀리안 1세가 사망한 후 시는 뒤러의 연금 지급을 거부했습니다.

네덜란드 여행

Albrecht Dürer의 일기에는 1520-1521년에 아내와 함께 네덜란드로 여행한 내용이 자세히 설명되어 있습니다. 이 여행 동안 Dürer는 지역 예술가들의 작품에 대해 알게 됩니다. 그는 이미 꽤 유명했고, 어디에서나 환영을 받으며 영예를 안았다. 앤트워프에서 그는 돈과 집을 약속하면서 머물겠다는 제안까지 받았습니다. 네덜란드에서 스승은 로테르담의 에라스무스를 만났습니다. 그는 지역 귀족, 과학자, 부유한 부르주아가 기꺼이 주최합니다.

Durer는 신성 로마 제국의 새로운 황제가 된 Charles V의 연금에 대한 권리를 확인하기 위해 그렇게 긴 여행을 떠났습니다. 예술가는 Aachen에서 그의 대관식에 참석했습니다. Charles V는 Dürer의 요청을 승인했습니다. 1521년 주인은 고향인 뉘른베르크로 돌아갔다.

네덜란드에서 Durer는 말라리아에 걸렸습니다. 그 병은 그를 7년 동안 괴롭혔습니다. 위대한 예술가는 1528년 4월 6일에 사망했습니다. 그는 56세였습니다.

알브레히트 뒤러의 유산

그림

그림에서 Dürer는 다른 직업에서와 마찬가지로 다재다능했습니다. 그는 그 당시 전통적인 제단 이미지, 성서적 장면 및 초상화를 그렸습니다. 이탈리아 거장과의 친분은 예술가에게 큰 영향을 미쳤습니다. 이것은 베니스에서 직접 만든 그림에서 특히 두드러집니다. 그러나 Dürer는 독창성을 잃지 않습니다. 그의 작품은 독일 전통과 이탈리아 르네상스의 인본주의적 이상을 융합한 것입니다.

성경적 주제에 기초한 제단 이미지와 그림

15-16세기 예술가의 작품은 기독교 주제 없이는 생각할 수 없었습니다. 그리고 Albrecht Dürer도 예외는 아닙니다. 그는 여러 마돈나 ( "배를 든 마돈나", "간호 마돈나", "카네이션을 든 마돈나", "세인트 앤과 함께한 마돈나와 아이"등)을 그렸습니다. 여러 제단 이미지("묵주기도 축일", "삼위일체 경배", "드레스덴 제단", "성모 마리아의 일곱 슬픔", "야바흐 제단", "파움가르트너 제단" 등), 성서에 관한 그림 주제 (“사도” , “성 제롬”, “아담과 이브”, “동방 박사의 숭배”, “서기관들 사이의 예수” 등).

주인의 "이탈리아 시대"의 작품은 색상의 밝기와 투명도, 부드러운 선으로 구별됩니다. 그들의 분위기는 서정적이고 밝습니다. 이들은 "묵주의 향연", "아담과 이브", "동방 박사의 숭배", "Paumgartner Altarpiece", "Chizhik와 마돈나", "서기관 중 예수"와 같은 작품입니다.

독일 최초의 Dürer는 고대 지식을 바탕으로 조화로운 비율을 만들려고 노력합니다. 이러한 시도는 주로 딥티치 "아담과 이브"에 구현되었습니다.

더 성숙한 작품에서는 이미 드라마가 나타나고 다중 그림 구성이 나타납니다 ( "만 명의 기독교인의 순교", "삼위 일체의 숭배", "성 안나와 함께하는 성모 마리아").

Dürer는 항상 신을 두려워하는 사람이었습니다. 종교개혁이 확산되는 동안 그는 마르틴 루터와 로테르담의 에라스무스의 사상에 공감했고, 이는 그의 작품에 어느 정도 영향을 미쳤다.

Dürer는 그의 고향 도시에서 diptych "Four Apostles"와 함께 그의 마지막 대규모 작업을 발표했습니다. 사도들의 기념비적 이미지는 마음과 정신의 이상으로 표시됩니다.

자화상

독일 회화에서 Dürer는 자화상 장르의 선구자였습니다. 이 예술에서 그는 동시대 사람들을 능가했습니다. Dürer에게 자화상은 그의 기술을 연마하고 그의 후손에게 자신의 기억을 남기는 방법이었습니다. Dürer는 그 당시의 예술가가 고려한 것처럼 더 이상 단순한 장인이 아닙니다. 그는 완벽을 위해 끊임없이 노력하는 지식인, 대가, 사상가입니다. 이것이 그가 그의 이미지에서 보여주려는 것입니다.

알브레히트 뒤러는 13세에 소년 시절 첫 자화상을 그렸습니다. 그는 이탈리아산 은색 연필로 지울 수 없는 이 그림을 매우 자랑스럽게 여겼다. 이 초상화는 Michael Wolgmuth에 합류하기 전에 만들어졌으며 작은 Albrecht의 재능을 보여줍니다.

작가는 22세 때 기름에 엉겅퀴로 자화상을 그렸습니다. 그것은 유럽 회화에서 최초의 독립적인 자화상이었습니다. 아마도 알브레히트는 미래의 아내 아그네스에게 주기 위해 그림을 그렸을 것입니다. Dürer는 깔끔한 옷을 입고 자신을 묘사했으며 그의 눈은 시청자를 향했습니다. 캔버스에는 "내 일은 위에서 결정됩니다"라는 비문이 있습니다. 한 청년의 손에 그는 식물을 들고 있는데 그 이름은 독일어로 "남성 충실도"처럼 들립니다. 반면에 엉겅퀴는 그리스도의 고난의 상징으로 여겨졌습니다. 아마도 이것이 작가가 아버지의 뜻을 따르고 있음을 보여주고 싶었던 것일 것이다.

뒤러는 5년 후 다음 자화상을 그립니다. 이 기간 동안 아티스트는 원하는 마스터가되며 모국의 경계 너머까지 알려져 있습니다. 그는 자신의 작업실을 가지고 있습니다. 그는 이미 이탈리아를 여행했습니다. 이것은 그림에서 볼 수 있습니다. Albrecht는 값 비싼 가죽 장갑을 끼고 세련된 이탈리아 의상을 입고 풍경을 배경으로 자신을 묘사합니다. 그는 귀족처럼 옷을 입고 있습니다. 자신있게, 자존심을 가지고 그는 시청자를 바라 봅니다.

그런 다음 1500년에 Albrecht Dürer는 모피 옷을 입고 기름으로 채워진 다음 자화상을 그립니다. 전통적으로 모델은 3/4 뷰로 묘사되었습니다. 얼굴 전체에는 일반적으로 성인이나 왕족이 그려져 있습니다. Dürer는 여기에서도 혁신가였으며 자신이 완전히 시청자를 향하고 있다고 묘사했습니다. 긴 머리, 표현력이 풍부한 표정, 축복에 가까운 우아한 손짓, 풍성한 옷의 털을 샅샅이 뒤지는 모습. Dürer는 의식적으로 자신을 예수와 동일시합니다. 동시에 우리는 그 예술가가 하나님을 두려워하는 기독교인이었다는 것을 압니다. 캔버스에는 "나, 뉘른베르크의 알브레히트 뒤러, 28세의 나이에 영원한 색으로 나를 창조했다"라는 문구가 새겨져 있습니다. "그는 영원한 색으로 자신을 창조했습니다"-이 말은 예술가가 자신을 창조주에 비유하여 사람을 신과 같은 수준에 두는 것을 나타냅니다. 그리스도를 닮는 것은 교만이 아니라 신자의 의무입니다. 인생은 품위 있게 살아야 하며, 고난과 어려움을 꾸준히 견뎌내야 합니다. 이것은 주인의 삶의 신조입니다.

Dürer는 종종 자신의 그림에 자신을 그렸습니다. 당시 많은 예술가들이 이 기법을 사용했습니다. 그의 이미지는 "The Feast of the Rosary", "Adoration of the Trinity", "Yabakh 's Altar", "Torment of Ten Thousand Christians", "Geller 's Altar"와 같은 작품에서 알려져 있습니다.

1504년 그림 "야바흐의 제단"에서 음악가로서의 자화상

Albrecht Dürer는 많은 자화상을 남겼습니다. 그들 모두가 우리에게 내려온 것은 아니지만, 삶의 여러 시점에서 주인의 이미지에 대한 의견을 형성하기에 충분히 살아 남았습니다.

초상화

Albrecht Dürer는 당시의 유명한 초상화 화가였습니다. 왕과 귀족들은 그에게 이미지를 주문했습니다. 기쁨으로 그는 또한 친구, 고객, 낯선 사람과 같은 동시대 사람들을 그렸습니다.

그가 만든 첫 번째 초상화는 그의 부모의 초상화였습니다. 그것들은 1490년으로 거슬러 올라갑니다. Dürer는 그의 부모가 근면하고 신을 두려워하는 사람들이라고 말했고, 그것이 그가 그들을 그린 방식입니다.

작가에게 초상화는 돈을 벌 수 있는 기회일 뿐만 아니라 사회에서 자신을 표현할 수 있는 기회이기도 했다. 알브레히트 뒤러의 모델은 황제 막시밀리안 1세, 작센의 프리드리히 3세, 덴마크의 크리스티안 2세였습니다. 이 세상의 위인들 외에도 Dürer는 상인, 성직자 대표, 인본주의 과학자 등을 그렸습니다.

대부분의 경우 작가는 자신의 모델을 3/4 회전으로 허리까지 묘사합니다. 시선은 보는 사람이나 옆으로 향합니다. 배경은 사람의 얼굴에서 산만하지 않도록 선택되며 매우 자주 눈에 띄지 않는 풍경입니다.

초상화에서 Dürer는 전통적인 독일 회화의 디테일과 이탈리아인이 인식하는 사람의 내면 세계에 대한 초점을 결합합니다.

네덜란드 여행 중에만 100여점의 인물화를 그렸는데 이는 인물 묘사에 대한 그의 관심을 엿볼 수 있다.

그의 가장 유명한 초상화는 젊은 베네치아인, 막시밀리안 1세, 로테르담의 에라스무스, 황제 샤를마뉴와 지기스문트입니다.

그림과 판화

각인

Dürer는 탁월한 조각가로 가장 잘 알려져 있습니다. 작가는 구리와 나무에 판화를 만들었습니다. Dürer의 목판화는 장인 정신과 세부 사항에 대한 관심에서 그의 전임자와 달랐습니다. 1498 년에 작가는 15 장으로 구성된 일련의 판화 "Apocalypse"를 만들었습니다. 이 주제는 15세기 말에 매우 관련이 있었습니다. 전쟁, 전염병, 기근은 사람들 사이에 시간의 끝을 예감하게 만들었습니다. "Apocalypse"는 Dürer에게 국내외에서 전례없는 인기를 얻었습니다.

이어 "Great Passion", "Life of Mary"라는 일련의 조각이 이어졌습니다. 주인은 성경적 사건을 현대 공간에 배치합니다. 사람들은 익숙한 풍경, 있는 그대로의 옷, 등장인물을 보고 자신과 자신의 삶에서 일어나는 모든 일을 비교합니다. Dürer는 예술적 기술 수준을 전례없는 높이로 높이면서 서민이 예술을 이해할 수 있도록 노력했습니다.

그의 조각은 매우 인기가 있었고 심지어 Durer가 베니스로 두 번째 여행을 한 것과 관련하여 위조되기 시작했습니다.

시리즈 외에도 아티스트는 개별 드로잉 작업도 수행합니다. 1513~1514년에 "기사, 죽음, 악마", "감방 안의 성 제롬", "멜랑콜리아" 등 가장 유명한 판화 세 개가 출판되었습니다. 이 작품들은 조각가로서 예술가의 최고의 업적으로 간주됩니다.

조각가로서 Dürer는 다양한 기술과 장르에서 작업했습니다. 그 후 약 300 개의 조각이 남았습니다. 주인이 죽은 후 그의 작품은 18세기까지 널리 복제되었습니다.

그림

Albrecht Dürer는 재능있는 기안가로도 알려져 있습니다. 마스터의 그래픽 유산이 인상적입니다. 독일인의 꼼꼼함으로 그는 모든 그림을 보관했으며 그 덕분에 약 1000 개가 우리에게 내려 왔습니다. 아티스트는 지속적으로 훈련하여 스케치와 스케치를 만듭니다. 그들 중 다수는 그 자체로 걸작이 되었습니다. 예를 들어 "기도하는 손", "어머니의 초상", "코뿔소"등의 그림이 널리 알려져 있습니다.

Dürer는 수채화 기법을 널리 사용하는 유럽 예술가 중 처음입니다. 수채화는 유럽에서 15세기부터 알려졌습니다. 이들은 가루로 갈아서 건조시킨 페인트였습니다. 주로 책 디자인에 사용되었습니다.

1495년 인스브루크 전경

Durer가 수채화로 만든 일련의 풍경은 "Arco의 전망", "알프스의 성", "Trento의 성", "인스부르크의 전망", "인스부르크의 오래된 성 안뜰"등으로 알려져 있습니다.

Dürer의 놀랍도록 상세한 자연주의 그림: "어린 토끼", "잔디 조각", "붓꽃", "제비꽃" 등

과학 논문 및 기타 서면 출처

르네상스 시대의 사람인 Dürer는 우리에게 거대한 예술적 유산을 남겼습니다. 과학적 사고방식으로 수학, 기하학, 건축에 관심이 많았다. 우리는 그가 Euclid, Vitruvius, Archimedes의 작품에 익숙하다는 것을 압니다.

1515년에 작가는 별이 빛나는 하늘과 지리적 지도를 묘사하는 판화를 만들었습니다.

1507년 뒤러는 회화 이론에 대한 작업을 시작했습니다. 이것들은 주제에 대한 최초의 서면 논문이었습니다. 우리는 "나침반과 자로 측정하는 방법", "비례에 관한 네 권의 책"을 알고 있습니다. 불행히도 마스터는 초보자 아티스트를 위한 완전한 가이드를 만드는 작업을 완료할 수 없었습니다.

또한 1527년에 그는 "도시, 성 및 협곡의 강화를 위한 가이드"를 만들었습니다. 작가에 따르면 총기의 발달로 인해 새로운 요새를 건설해야 할 필요성이 생겼다.

과학 작품 외에도 Dürer는 그의 삶과 동시대 사람들에 대해 많은 것을 알고있는 일기와 편지를 남겼습니다.

르네상스는 인류에게 레오나르도 다빈치, 미켈란젤로, 라파엘과 같은 여러 정신의 거물을주었습니다. 북유럽에서 Albrecht Dürer는 의심 할 여지없이 그러한 대규모 성격에 기인합니다. 그가 남긴 유산은 놀랍습니다. 활동의 많은 영역에서 그는 혁신가가되었습니다. 그는 그의 작품에서 이탈리아 르네상스의 휴머니즘과 독일 고딕의 힘과 영적 힘을 결합했습니다.