롱 스커트에서 "가스 구름"까지: 튀튀의 역사. 발레 의상 : 투투가 러시아에서 뿌리를 내리는 방법에서 발레리나가 춤추는 것
MBOU 중학교 26호
수필
"클래식 댄스" 분야에서
"발레 의상의 역사"
완전한:
쿠야니첸코 다리아
확인:
자이체바 L.A.
쿠르간, 2012
1. 컨셉: 발레와 발레 의상.
발레(프랑스 발레, 이탈리아 발레, 후기 라틴 발로에서-나는 춤을 춥니 다), 뮤지컬 및 연극 예술의 한 유형으로 그 내용은 안무 이미지로 표현됩니다. 일반적으로 이 용어는 16~19세기에 발전한 예술 형식을 가리키는 데 사용됩니다. 유럽과 러시아를 거쳐 20세기 전 세계로 퍼졌다. 다른 예술 중에서 발레는 장엄한 합성 시공간 유형의 예술적 창의성에 속합니다. 여기에는 연극, 음악, 안무, 시각 예술이 포함됩니다. 그러나 그들 모두는 발레에 홀로 존재하는 것이 아니라 기계적으로 결합되어 있는 것이 아니라 이들의 합성의 중심인 안무에 종속되어 있다.
발레 의상그것은 전반적인 예술적 의도의 일부입니다. 발레의 의상은 특정 인물의 역사적, 사회적, 국가적, 개인적 특성을 드러낼 뿐만 아니라 가볍고 춤에 편안해야 하며 신체와 춤의 구조를 강조해야 한다. 움직임. 발레 의상의 기본은 특정 이미지에 따라 시각적으로 개발 된 댄스 "유니폼"(레오타드, 튜닉, "레오타드", 튜닉, 투투)입니다.
대체로 주인공의 의상은 일반적으로 개별화됩니다. 발레단은 실제 다양한 군중을 묘사하는 경우를 제외하고는 같은 방식으로 옷을 입는 경우가 더 많습니다 (동시에 그룹의 의상은 때때로 다릅니다). . Korovin, P. Williams 등의 디자인에서 Romeo와 Juliet의 민속 무용). 대중 무용의 의상 통일 (예 : 클래식 발레의 지프, 백조, 네 레이드 춤 또는 "The Stone Flower"의 Katerina 친구, "The Legend of Love"의 Mekhmene Baku의 "생각"등) 정서적, 상징적 의미를 강조하고 무용 구성의 통일성과 일반화에 부합한다. 개별 캐릭터의 의상을 만들 때 발레 아티스트는 회화 적 캐릭터와 춤의 통일성을 달성합니다.
이 모든 것이 중요하지만 안무의 외부 요구 사항은 다소 있습니다. 또한 아티스트는 댄스 액션의 음악성과 교향곡, 일반화, 정서적 및 서정적 내용, 종종 은유 적 의미와 같은 안무의 형상의 특정 기능과 그림 솔루션을 조화시키는 더 복잡하고 심오한 작업에 직면 해 있습니다. 따라서 풍경과 의상의 자연스러움은 안무의 관습성과 상충될 수 있고, 반대로 회화적 해법의 추상성과 도식성은 안무의 활력과 정서적, 심리적 구체성과 상충될 수 있다.
발레 아티스트의 임무는 공연의 이데올로기 적 핵심을 표현하고 안무의 비 유적 본질에 해당하는 형태로 행동의 환경과 모습을 만드는 것입니다. 이 경우 시각적 솔루션이 극작술, 음악 및 안무를 통합하여 구현하는 공연의 예술적 무결성이 달성됩니다.
발레 의상, 특정 이데올로기 및 비 유적 콘텐츠의 요구 사항과 안무의 특성을 모두 충족하는 성능 디자인의 중요한 구성 요소 중 하나입니다. 미술. b에서 K.의 역할. 발레에는 구두 텍스트가없고 그 화려한면이 더 많은 부담을 지니기 때문에 드라마 나 오페라보다 더 중요합니다. 다른 유형의 극장에서와 마찬가지로 K. in b. 캐릭터를 특징 짓고 역사적, 사회적, 국가적, 개인적 특성을 드러냅니다. 그러나 K. in b. 즉, 춤을 추기에 가볍고 편안해야 하며 숨기지 않고 몸의 구조를 드러내며 움직임을 제한하지 않고 그들을 돕고 강조해야 합니다. 비 유적으로 특징적인 요구 사항. 구체성과 무용성은 종종 서로 충돌합니다. 과도한 "모든 것"과 도식. 고갈 K. in b. 특정 작품의 특별한 내용과 장르에 의해서만 개별 사례에서 정당화될 수 있는 극단입니다. 발레에서 예술가의 기술은 이러한 모순과 극단을 극복하고 이미지와 춤의 유기적 통일성을 달성하는 데 있습니다.
K. in b., 캐릭터의 옷인 동시에 전체적인 예술의 요소가 있습니다. 하나의 그림에 "맞추는"풍경과의 색채 및 색채 조화의 과제를 제시하는 성능을 해결합니다. 의상은 묘사하기에 가장 "움직이는" 요소입니다. 발레 장식. 따라서 그는 역동성을 가져올 수 있습니다. 음악의 리듬에 해당하는 리듬으로 채우는 시작. 이런 의미에서 K. in b. 이미지 합성의 연결 고리입니다. 발레 공연의 예술과 음악.
주인공의 의상은 일반적으로 발레단의 의상보다 더 개별화되어 있습니다. 발레단 의상의 통일은 그의 감정을 강조하고 묘사하지 않습니다. 의미는 춤의 통일성과 일반화에 해당합니다. 작곡. 색상의 차이, 때로는 의상의 형태의 차이는 종종 분해의 대비를 드러냅니다. 대량 무용 또는 다성적으로 복잡한 안무에서 발레단 그룹. 작곡 (예를 들어, Yu. N. Grigorovich, 예술가 S. B. Virsaladze가 상연 한 "Legend of Love"의 행렬 장면에서). 발레단이 실제적이고 다양한 군중을 묘사하는 경우 의상도 개별화 할 수 있습니다 (예 : A. A. Gorsky, 예술가 K. A. Korovin이 연출한 Don Quixote 1 막의 사람들 , 1900). 주인공의 의상은 일반적으로 댄스의 특정 비 유적 내용에 따라 통일성 또는 대조의 원칙에 따라 결합 된 발레단 의상과 컷 및 색상이 일치합니다.
K. in b. 안무의 진화와 관련하여 역사적으로 변화했습니다. 미술. 개발 초기 단계에서는 궁정 귀족의 평상복과 거의 다르지 않았습니다. 환경. 바로크 공연에서 의상은 특히 무성하고 종종 무거웠습니다. 고전주의 시대에 양식화 된 골동품 튜닉 (튜닉)이 등장했고 민속 의상이 코미디 발레에 침투하기 시작했습니다. 발레 극장의 개혁자 J. J. Nover in con. 18 세기 그는 드레스 코드를 크게 변경하여 가볍게 만들고 신발을 단순화하고 여성용 드레스를 줄였습니다. 그러나 K. in b. 의 급진적 개혁은 현대의 형성으로 이어졌습니다. 낭만주의 예술에서 발생한 기초 ( "La Sylphide", 1832, Post. F. Taglioni 및 기타의 "Giselle"). 가정용 스커트 대신 그들은 긴 튜닉 (골동품 튜닉과 혼동하지 말 것!)을 사용하기 시작했으며 이는 팩의 전신이되었습니다. 발 뒤꿈치가있는 신발은 앙 포인트 춤을 허용하는 특수 발레 신발로 교체되었습니다. 실제와 환상적인 대조. 세계는 의상으로 강조되었습니다. 교향곡의 일반화-이상화 특성. 무용 구성은 발레단 의상의 통일성으로 표현되었습니다. A. Saint-Leon과 M. I. Petipa의 공연에서 낭만적입니다. 튜닉은 나중에 점점 짧아지는 팩으로 변형되었습니다.
K. in b의 개발에 크게 기여했습니다. 러시아어를 가져 왔습니다. 초기 예술가 20 세기 L. S. Bakst에서 K. in b. 안무와 관련하여 탄생했습니다. 움직임; 그의 스케치에서 의상은 날카롭게 특징적이고 종종 과장된 댄서의 움직임으로 표현됩니다. K. A. Korovin의 의상은 색상이 다릅니다. 풍경과의 풍부함과 그림 같은 통일성. A.N. Benois 특유의 미묘한 시대감각과 캐릭터의 개성이 의상에도 반영됐다. N. K. Roerich의 의상에서는 그의 캐릭터의 원소의 힘과 원시적 이국주의가 전달됩니다. "예술의 세계"의 예술가들은 종종 b에서 K의 다채로운 의미를 절대화했습니다. 전체 그림에서 순전히 그림 같은 지점으로 해석하고 때로는 댄서를 무시하거나 심지어 억압합니다 (예 : B. I. Anisfeld). 그러나 동시에 그들은 비정상적으로 예술을 풍요롭게 했다. b에서 K.의 표현력과 비 유적.
올빼미에서 1920년대에 만들어진 발레 스타일 의상. F. F. Fedorovsky와 A. Ya. Golovin은 "예술의 세계"의 회화 전통에 부분적으로 가깝습니다. 동시에 프리 댄스 대표 (A. Duncan의 추종자)는 고대 튜닉 (튜닉)을 되살 렸습니다. K. Ya. Goleizovsky의 실험에서 무용수들은 몸을 노출시키는 레오타드 "레오타드"로 숫자를 연주했지만 동시에 의상은 발레 유니폼으로 축소되었습니다. Studio "Drum Ballet" N. S. Gremina는 일상 의상을 재배했습니다. 구성주의의 특징은 A. A. Exter의 스케치, N. M. Forreger의 "Dances of Machines", 근대성에 대한 발레의 생산 유니폼 도입 (TG Bruni 디자인의 "The Bolt"등)에 반영되었습니다. 30~50년대 발레 드라마에서. 예술가들은 의상의 역사적, 사회적, 일상적 구체화를 극대화하여 극적인 의상에 더 가깝게 만들기 위해 노력했습니다. 극장 (V. V. Dmitriev, 1936 등의 디자인에서 Asafiev의 "Lost Illusions"). 이 시대에 가장 중요한 것은 무대를 만드는 것이었습니다. nar에 대한 옵션. 이층 앙상블의 광범위한 배포와 관련된 의상. 댄스, 내셔널 발레단 및 발레 공연의 인기 장면 (The Flames of Paris, 1932, Asafiev의 Partisan Days, 1937, Dmitriev가 디자인, Heart of the Mountains, 1938, Laurencia, 1939, S. B. . Virsaladze 등이 디자인). 이 시대의 특징 인 발레 의상 개발의 경향과는 대조적으로 끝에서. 50대 추상화와 도식주의의 특징, 발레에서 발레의 단조 로움과 단조 로움이 나타나기 시작했으며, 특히 음모가없는 발레를 교향곡으로 상연했습니다. 음악.
뛰어난 마스터 K. in b. S. B. Virsaladze입니다. 그의 작품 (특히 Yu.N. Grigorovich의 공연에서)은 유기적이라는 특징이 있습니다. 비 유적 특성화와 춤의 통일성. 예술가는 의상을 결코 가난하게 만들지 않으며, 결코 깨끗한 유니폼과 추상적인 도식으로 바꾸지 않습니다. 그의 의상은 항상 영웅의 비유적인 특징을 반영하는 동시에 안무가의 아이디어와 작업과 일치하여 만들어지는 움직임으로 생각됩니다. Virsaladze는 춤만큼 캐릭터를 드레스하지 않습니다. 그의 의상은 높고 종종 세련된 취향으로 구별됩니다. 그들의 컷과 색상은 춤을 돋보이게 하고 강조합니다. 움직임. Virsaladze의 공연 의상은 안무의 특성에 해당하는 특정 시스템으로 가져옵니다. 그들은 풍경과 색상이 조화를 이루며 화보 테마를 발전시키고 새로운 다채로운 획을 추가하며 춤과 음악에 따라 역동적으로 표현합니다. Virsaladze의 작품은 일종의 "그림 같은 교향곡"이 특징입니다. b에서 K. 시스템에 의해 가장 적게 생성되었습니다.
현대의 발레 극장은 다양한 예술이 특징입니다. 의상 솔루션. 그는 전체 역사를 변화시킵니다. k. in b. 개발 경험, 특수 예술에 종속. 특정 쇼의 목표.
(출처: Ballet. Encyclopedia, SE, 1981)
비알레 투투두 가지 유형입니다. "쇼팽"
둘 다 가장 일반적인 "태양 플레어" 패턴에 따라 재봉됩니다. 가운데 구멍이 있는 원. 일부러 더 큰 지름으로 원만 찍고 구멍은 허리둘레보다 크게 만듭니다. 그런 다음 결과 "링"이 접혀서 벨트에 꿰매어집니다.
고전적인 튀튀의 경우 매우 단단한 얇은 명주 그물을 사용하는데 비용이 많이 듭니다. Chopin tutu의 경우 organza가 더 자주 사용되며 더 부드럽습니다.
일반적으로 클래식(짧은) 발레 튀튀는 일반적으로 최소 2.5미터의 재료가 필요하며 쇼팽의 경우 5~6개를 모두 사용할 수 있습니다.
포인트 슈즈리본으로 다리에 고정되고 발가락은 단단한 블록으로 강화되는 특별한 유형의 신발입니다. pointe라는 단어는 프랑스어 "tip"에서 유래되었습니다.
발레 - 17세기 초.
군주의 궁정에서 열리는 볼룸 댄스는 춤이 명확한 기하학적 형태인 공연으로 바뀝니다. 발레 전문가의 기술은 각 댄서가 복잡한 피루엣과 파스를 수행할 수 있도록 하는 것이었습니다. 처음으로 Royal Dance Academy의 Pierre Beauchamp 교사는 발레의 기본 규칙을 명확하게 설명했습니다. 이 안무가는 발레를 상상할 수 없었던 배우의 주요 동작을 골라 냈습니다. Pierre Beauchamp는 모든 기준을 준수하면 춤에서 완벽을 달성할 수 있을 뿐만 아니라 무대에서 발레 부분을 훌륭하게 수행할 수 있다고 믿었습니다. 그의 규칙에서 Royal Academy의 안무가는 핵심이 된 다리와 팔의 위치를 고려했으며 전체 춤의 기반이되었습니다. 이때부터 궁중무용은 발레무용으로 변모해 큰 무대에서 선보이기 시작했다.
프랑스 고전 발레는 이탈리아 무용 기술의 영향을 많이 받았습니다. 이탈리아 안무가들에게는 용납 할 수없는 이탈이 프랑스 무용수들에게 깨지지 않는 전통이었던 것은 무용수의 기술을 결정하는 기교였습니다. 17~18세기에는 춤 자체가 변모하기 시작했을 뿐만 아니라 배우들의 의상도 변했다. 또한 이전에는 남성 무용수들만 무대에서 빛났다면 르네상스와 낭만주의 시대에는 여성이 발레의 상징이되었습니다. 그러나 종종 여성 의상은 상당히 무거웠고 연기자가 더 복잡한 동작을 수행하는 것을 허용하지 않았기 때문에 남성이 훨씬 더 손재주 있는 댄서라고 믿었습니다. 그러나 기존의 고정관념은 발레리나 마리 카마르고에 의해 한 시간 만에 깨졌다. 그녀는 긴 치마를 거부하고 최대한 짧게 입는다. 그리고 이것은 움직임의 자유를 주었고 연주의 기교에 기여했습니다. 점차적으로 안무가들은 댄스 공연의 기술을 향상시킵니다.
프랑스인 장 노베르(Jean Nover)는 영웅의 성격을 표현하기 위해 가면과 의상을 사용하는 발레 무용수들을 비판한 반면 몸의 움직임은 발레에 대한 고전적 관념에 불과하다고 비판했다. Nover는 발레가 캐릭터의 모든 특징을 춤과 음악을 통해 표현해야 한다고 홍보합니다. 안무가에 따르면 신체 만이 너무 완벽해서 누구나 그 언어를 이해할 수 있습니다. 현재 발레는 극예술 장르의 지위를 획득하고 세계 여러 나라의 무대에서 활발히 상연되고 있습니다.
발레 튀튀의 모습.
예술로서의 발레는 발레 용 현대 의상과 액세서리가 등장한 것보다 훨씬 일찍 나타났습니다. 현재 우리가 알고 있는 것과 유사한 최초의 발레 튀튀는 1839년 "La Sylphide" 쇼에서 무용수 Marie Taglioni의 일반 의상의 일부로 등장했습니다. 당시의 다른 많은 패션과 마찬가지로 프랑스 디자이너 Eugène Lamy가 만들었습니다.
발레 튀튀에 대해 이야기하면 역사에 빠지지 않는 것이 다소 어렵습니다.
발레 의상의 역사는 상당히 논리적입니다. 느린 미뉴에트가 무대를 지배했을 때 의상은 길고 무거웠으며 보석으로 수 놓은 페티코트와 페티코트가 많았습니다. 춤이 복잡해지면서 의상도 그에 맞춰 진화했다. 처음에는 코르셋을 제거하고 치마는 더 짧고 가벼워졌으며 목선은 점점 더 솔직해졌습니다.
현재 "투투"라고 불리는 발레리나 마리아 탈리오니는 처음으로 "로맨틱 발레"의 시조이자 최초의 실피드인 발레리나 마리아 탈리오니가 무대 위로 펄럭였습니다. 뾰족구두가 되는 세상, 그러나 다음에 한 번 더 자세히).
지금까지 알려지지 않은 거즈 스커트는 허공에서 짠 것처럼 보였고 발레 의상을 합법화했습니다. 처음에는 댄서들 (특히 못생긴 구부러진 다리를 가진)이 혁신에 대해 격렬하게 항의했지만 진정되었습니다. 이 바람이 잘 통하는 구름은 매우 아름답게 보였습니다.
일반적으로 아시다시피 춤이 더 기술적으로 발전할수록 의상은 더 단순하고 짧아졌습니다. 팩은 20세기 중반 어딘가에 지금 우리에게 익숙한 형태로 왔습니다.
이제 이름을 다루겠습니다. Tutus는 발레에 따라 다르며 모양이 바뀝니다.
투투- 그냥 팩으로 번역되는 재미있는 프랑스어 단어. 발레 스커트를 지칭하기 위해 영어로 사용되는 단어입니다.
클래식 투투- 팬케이크 같은 라운드 스커트. 백조의 호수, Paquita, Corsair, La Bayadère의 Acts 2와 3, The Nutcracker 등 가장 고전적인 발레에서 발레리나는 아마도 짐작할 수 있듯이 춤을 춥니 다.
투투의 표준 반경은 48cm이지만 대부분의 경우 발레리나의 키, 파티 및 공연의 일반적인 스타일에 따라 원의 크기가 다릅니다. 솔로이스트는 물리적 데이터에 따라 팩의 모양을 독립적으로 선택할 수 있습니다. 다리를 장식합니다. 평평하고 바닥과 평행하며 약간 낮아지고 웅장한 바닥이 있거나 반대로 완전히 평평합니다.
그러나 여기에 문제가 있습니다. 클래식 튀튀는 진짜 Procrustean 침대입니다. 그것은 그림의 사소한 결함, 짧은 무릎 및 리허설 부족을 보여줍니다.
심지어 그런 것도 있다. 투투가 아닌 발레리나". 일반적으로 이것은 팔다리가 매우 길지 않은 발레리나, 불규칙한 모양의 다리 또는 허용되는 범위를 넘어서는 모양, 한마디로 웅장한 형태입니다. "Non-pack ballerina"는 bravura demi-character 또는 반대로 낭만적 인 파티 역할을하는 발레리나라고도 할 수 있습니다. 즉, Kitri, Giselle, Sylphide이지만 Odette-Odile 또는 Nikiya는 아닙니다. "술을 쓰지 않은 발레리나"의 가장 눈에 띄는 예는 Natalya Osipova와 Diana Vishneva입니다.
디아나 비슈네바
나탈리아 오시포바
그들은 그들에게 정해진 역할을 넘었고 실제로 장식하지 않은 튜 투스에서도 멋져 보입니다. 그것이 아티스트에게 카리스마가하는 것입니다! 그건 그렇고, 세계 최고의 Kitri 인 모순적인 Osipova가 최근 Swan Lake에 나타났습니다. Odette-Odile의 일부가 그녀에게 금기 사항 인 것 같습니다. 그리고 아무것도, 많은 사람들이 울었습니다)
로맨틱 튀튀 또는 "chopinka"- 롱 튤 스커트. Sylph의 아름다운 정신 인 사망 한 Giselle의 유령 인 "다른 세상"환상적인 이미지를 만드는 것은 그녀입니다. 그리고 낭만적 인 발레 "Chopiniana"의 신격화는이 멋진 바람이 잘 통하는 치마 없이는 상상할 수 없습니다. 그들은 비행, 공기, 자유, 일어나고있는 일의 절대 비현실적인 환상을 만듭니다.
물론 길고 푹신한 치마는 발레리나의 다리를 숨 깁니다. 한편으로는 가능한 결점을 피하고 다른 한편으로는 발에 모든 관심을 끕니다. 그러나 로맨틱 발레는 섬세한 기술로 가득 차 있으며 높은 리프트가없는 추악한 비 작동 발은 로맨틱 한 분위기를 다소 무너 뜨립니다.
와 같은 것도 있습니다 튜닉 또는 튜닉- 같은 튀튀, 발레스커트입니다.
치톤- 쉬폰 소재로 가장 많이 제작되는 단층스커트입니다. 예를 들어 키톤에서는 줄리엣의 역할이 수행됩니다.
팩, 쇼팽, 튜닉 등 있다 무대와 리허설 모두.
예를 들어 발레리나가 무대에 오르는 오데트의 의상이 하나의 전체, 즉 윗부분(몸통)과 아랫부분(실제로는 튀튀)이 함께 꿰매어져 있다면 리허설 의상은 단지 리허설 레오타드에 입는 "팬티"가있는 스커트 (shopenki-팬티 없음, 멍에에 치마 만 있음).
리허설 팩은 더 적은 레이어로 구성됩니다.
리허설에서 왜 투투를 입느냐고 묻는다. 결국 표준을 따르는 것이 가능합니다. 리허설 옷- 레오타드와 수영복. 그러나 발레리나가 무대로 가져갈 내용을 리허설하는 것이 필수적입니다. 이렇게하면 댄스의 전체 패턴을 제어하기 위해 스커트가 올라가지 않고 파트너가 달라 붙지 않도록 할 수 있습니다 .
Maria Taglioni는 발레 의상의 역사에 대한 그녀의 공헌입니다.
pointe 이전에는 Louis XVI 스타일의 하이힐이나 그리스 샌들을 신고 춤을 췄습니다. 경쾌함을 위해 노력한 발레리나들은 발끝으로 일어섰습니다. 무대 위로 "비행"하는 데 도움이되는 라운지와 함께 이러한 트릭은 프랑스 인 Charles Didelot이 1796 년에 사용했습니다. 그는 책 "Dance of Terpsichore"에서 이 춤 기술을 묘사한 이탈리아의 Carlo Blasis와 함께 포인트 슈즈의 발명으로 인정받고 있습니다. 1830년에 포인트 슈즈만을 신고 발레 Zephyr and Flora를 처음으로 선보인 발레리나는 이탈리아의 Maria Taglioni입니다. 상트 페테르부르크 투어 후 팬들은 그녀의 신발을 사서 ... 소스와 함께 먹었습니다. "식당에서 자주 듣는 '소고기 발바닥'이라는 표현이 거기서 나온 거 아닙니까?" -발레 역사가 Alexander Pleshcheev를 생각했습니다.
전설이 있습니다. Maria Taglioni가 러시아 국경을 넘었을 때 세관에서 그녀는 "부인, 보석은 어디에 있습니까? "라는 질문을 받았습니다. Taglioni는 치마를 들어 다리를 가리키며 "여기 있습니다. "라고 대답했습니다. 예, 그녀의 다리는 정말 다이아몬드 였고 그녀의 춤은 말 그대로 청중을 행복으로 울게 만들었습니다. Taglioni는 1837년 상트페테르부르크 청중 앞에 처음 등장했습니다. 그것은 성공이 아니라 승리였습니다. 그녀의 이름은 Taglioni 캐러멜, 왈츠 The Return of Maria Taglioni, 심지어 Taglioni 모자까지 등장할 정도로 큰 인기를 끌었지만, Maria Taglioni는 발레 포인트 슈즈 외에도 예술과 관객에게 또 다른 새로움을 선사했으며, 이 또한 처음으로 선보였습니다. 발레 La Sylphide에서-곧 로맨틱 발레의 상징이 된 백설 공주 투투. 이 "가스 구름"은 아티스트이자 패션 디자이너인 유진 라미(Eugene Lamy)가 발명했습니다. 반쯤 부푼 꽃 모양의 가볍고 가벼운 튜닉은 댄서가 무중력을 수행하는 데 도움이되었을뿐만 아니라 기술적으로 복잡한 점프를 수행하는 데 도움이되었을뿐만 아니라 로맨틱 발레에 필요한 특별하고 기괴한 빛을 발산하는 것처럼 보였습니다. 사실, 초연 훨씬 전에 Taglioni가 무대에서 구현 한 이미지는 모든 패션 잡지에서 파리지앵에게 제공되었습니다. 열린 어깨, 가벼운 천의 흐르는 흐름, 약간의 분리.
그러나 파리지앵의 패션계 여성들은 발레 여주인공에게서 바람이 잘 통하는 숄을 빌려 어깨 너머로 팔에 걸치며 여성의 실루엣에 비행 중에 멈춘 실프처럼 우울한 표정을 지었습니다. 하지만 물론, 1804년 4월 23일 스톡홀름에서 태어난 Taglioni의 예술에서 가장 중요한 것은 그녀의 춤이었습니다. 그녀는 8 살 때 춤의 기초를 배우기 시작했고 1822 년 6 월 1 일 Nyfma의 비엔나 극장에서 Terpsichore 법원에서 젊은 님프의 발레 리셉션에서 데뷔했습니다. 그녀의 아버지. Taglioni의 동시대 사람들은 그녀의 아버지가 그녀에게 매일 가르친 후 그녀는 종종 의식을 잃고 바닥에 쓰러졌다고 말합니다. 피비린내 나는 노동으로 그녀는 30분의 저녁 잔치를 벌였습니다.
지상의 젊음에 대한 사랑으로 자신과 그 모두를 파괴하는 신비하고 아름다운 공기의 정령 실피드의 이야기는 아버지와 딸의 모든 창조력의 적용 지점으로 밝혀졌습니다. 복장! 그가 완벽에 이르렀고 오늘날까지 변하지 않은 것은 "Sylphide"였습니다. 유명한 예술가이자 패션 디자이너인 E. Lamy는 다층 경량 직물을 사용하여 무성하고 동시에 무중력 튜닉 또는 러시아에서 부르는 팩을 만드는 작업에 참여했습니다.
Taglioni의 어깨 뒤에있는 경쾌한 종 모양의 스커트 외에도 몸통 끈에 가볍고 투명한 날개가 부착되었습니다. 이 연극적인 세부 사항은 이제 Sylph의 모습에 완전히 자연스럽게 추가된 것처럼 보입니다. Mary의 머리는 깔끔하게 빗질되고 우아한 흰색 화관으로 장식되었습니다.
La Sylphide에서 처음으로 Taglioni는 반 발가락이 아니라 뾰족한 신발을 신고 춤을 추었습니다. 무대 표면에 거의 우연한 빛의 환상을 만들어 냈습니다. 그것은 새로운 표현 수단이었습니다. 청중은 Sylphide와 그녀의 친구들이 말 그대로 땅 위에 떠있는 것을 보았습니다.
Taglioni는 달빛으로 짜여진 듯 무대를 신비롭게 비추고 있습니다. 청중은 무슨 일이 일어나고 있는지에 대한 비현실적인 느낌에 사로 잡혀 무의식적으로 의자에 뒤로 물러났습니다. 발레리나는 인간의 껍질을 잃어 버렸습니다. 그녀는 공중에 떠있었습니다. 이것은 상식에 어긋나는 일이었습니다.
결국 Taglioni의 "La Sylphide"는 사회적 폭풍과 큰 전투 만이 주장 할 수있는 울림을 가진 이벤트가되었습니다. 사람들은 진정한 충격을 경험했고 재능이 무엇인지 직접 눈으로 보았습니다. 그러나 Sylph의 일부는 모든 종류의 기술적 효과에 대해 이질적이었습니다. 그러나 이것이 Taglioni의 조용한 혁명으로 구성된 것입니다. 안무의 새로운 시대로서 낭만주의의 승리에서 방향, 선호도의 변화입니다. 그 이후로 몇 년이 지났고, 한 번의 쉬운 점프로 Sylph가 영원히 쫓겨날 것 같았을 때 장면에서 얼마나 많은 박수를 보냈습니까!
1832년에 Marie는 Comte de Voisin과 결혼했지만 계속해서 그녀의 처녀 이름을 지녔고 무대를 포기하지 않았습니다. 1847년 극장을 떠나 주로 이탈리아의 별장에서 살았다. 마리아는 결혼 2년 만에 아들과 딸이라는 두 자녀를 낳았습니다. 그녀는 발레 수업을 했다. 다시 한 번 그녀는 파리에 나타났지만, 탈리오니가 떠난 후 한동안 잊혀졌던 고전 발레의 전통을 되살린 떠오르는 스타인 그녀의 학생 엠마 레비를 격려하기 위해서였다. 같은 데뷔작을 위해 그녀는 발레 "Butterfly"를 썼습니다.
Maria Taglioni는 1884년 마르세유에서 사망하여 Père Lachaise 묘지에 묻혔습니다. 묘비에는 "Ô terre ne pèse pas trop sur elle, elle a si peu pesé sur toi"(지구여, 너무 세게 누르지 마십시오. 지구가 당신을 너무 쉽게 밟았기 때문에)라는 비문이 있습니다.
포인트 슈즈
"발레"라는 검색어와 일치하는 항목을 찾기 위해 인터넷을 계속 탐색하면서 제가 가장 좋아하는 리소스인 Gey.ru를 발견했습니다. 그 주민들은 발레를 아주 좋아했습니다. 그리고 그들은 그에게 많은 관심을 기울입니다.
다음은 발레 의상의 가장 흥미로운 주제에 대해 제가 발견한 내용입니다.
남자 발레 의상: 캐미솔과 팬츠부터 풀 누드까지
발레 의상을 입은 남성의 경우 모든 것이 그러한 종소리와 휘파람으로 시작되어 오늘날 그러한 의상을 입고 춤을 출 수있을뿐만 아니라 단순히 무대를 돌아 다니는 방법을 상상조차 할 수 없습니다. 그러나 무용수들은 헝겊 족쇄에서 몸을 완전히 해방하기 위해 진정한 투사임을 보여주었습니다. 사실, 그들이 거의 알몸으로 청중 앞에 나타나기 위해 여행해야했던 길은 붕대라고하는 무화과 잎으로 만 "부끄러움"을 가리거나 심지어 알몸으로 길고 가시가 많고 추악한 것으로 판명되었습니다.
프레임에 스커트
발레 초창기 무용수란? 작가의 얼굴은 마스크로 가려졌고 머리는 푹신한 푹신한 머리카락이 달린 하이 가발로 장식되어 끝이 등으로 떨어졌습니다. 가발 위에 또 다른 놀라운 머리 장식을 썼습니다. 수트 원단은 무겁고 조밀하며 넉넉하게 채찍질되었습니다. 댄서는 거의 무릎까지 닿는 프레임의 스커트와 하이힐을 신고 무대에 나타났습니다. 금색과 은색 브로케이드 망토는 남성복에도 사용되었으며 발 뒤꿈치까지 닿았습니다. 글쎄, 다색 전구로 빛나지 않는 크리스마스 트리 일뿐입니다.
18세기 말에 이르러 발레 의상은 점점 더 가벼워지고 우아해지기 시작했습니다. 그 이유는 무거운 의상에서 남성의 몸을 풀어야 하는 더 복잡한 춤 기술 때문입니다. 항상 그렇듯이 의상 혁신은 유행을 선도하는 파리에 의해 결정됩니다. 주연은 이제 그리스식 튜닉과 샌들을 신고 있는데, 스트랩은 맨다리의 발목과 종아리 밑부분을 감싸고 있습니다. 데미 캐릭터 장르의 댄서는 짧은 캐미솔, 팬티, 긴 스타킹, 특징적인 역할의 댄서-오픈 칼라, 재킷 및 바지가 달린 연극 셔츠를 입고 공연합니다. 18 세기 후반에는 살색 스타킹으로 오늘날까지 살아남은 남성복의 중요한 속성이 나타납니다. 이 놀라운 발명품은 Paris Opera Mallo의 의상 디자이너 덕분입니다. 그러나이 재능있는 무슈가 자신의 꽉 짜인 제품이 20 세기에 탄력있는 제품으로 변할 것이라고 상상했을 것 같지 않습니다.
바지 없는 앨버트
발레 극장의 위대한 개혁가이자 뜨거운 남성 신체의 열정적 인 찬사 인 Sergei Diaghilev가 그의 기업가 인 Diaghilev의 Russian Seasons를 세상에 보여줄 때까지 모든 것이 전통과 예의에 따라 진행되었습니다. 스캔들, 소음, 히스테리 및 Diaghilev 자신과 그의 연인과 관련된 모든 종류의 이야기 등 모든 것이 시작된 곳입니다. 결국, 이전에 발레리나가 무대에서 군림하고 댄서가 그녀와 함께 순종적인 신사의 역할을했다면 그는 넘어지지 않도록 회전을 도왔고 치마 아래에 무엇이 있는지 발레 토 마네에게 보여주기 위해 그를 더 높이 들어 올렸습니다. Diaghilev는 댄서를 그의 공연의 주인공으로 만듭니다.
Diaghilev의 특별한 성적 취향이 아니라 무대 의상과 관련된 시끄러운 스캔들은 1911 년 Diaghilev의 공식 연인 인 Vaslav Nijinsky가 Albert 백작을 춤추는 연극 "Giselle"에서 폭발했습니다. 댄서는 레오타드, 셔츠, 짧은 튜닉 등 역할에 필요한 모든 것을 입고 있었지만 당시 댄서에게 필수였던 팬티는 없었습니다. 따라서 Nijinsky의 표현적인 엉덩이는 공연에 참석 한 Maria Feodorovna 황후를 격분시킨 솔직한 식욕으로 청중에게 나타났습니다. 추악한 이야기는 "불순종과 무례를 위해"니진스키가 제국 무대에 해임되면서 끝났습니다. 그러나 작가를 향한 무용의 탐색은 멈추지 않고 무용으로 몸의 자유를 위한 투쟁을 계속했다. 같은 해 니진스키는 레프 바크스트가 디자인한 의상을 입고 발레 '장미의 유령'에 등장해 장갑처럼 몸에 꼭 맞았다. 조금 후에 The Afternoon of a Faun에서 댄서 Nijinsky는 오늘날에도 여전히 현대적이고 섹시 해 보이는 대담한 레오타드를 입고 무대에 등장합니다. 사실, 이러한 모든 계시는 이미 원주민이지만 완고한 러시아 밖에서 일어나고 있습니다.
그 달콤한 말은 붕대
50년대에 무용의 마법사, 특히 남성을 우상화한 모리스 베자르는 무용수와 무용수를 위한 보편적인 복장을 고안했습니다. 그런 다음 청년의 복장이 개선되고 청년은 붕대 하나만 남아 있습니다. 그러나 아시다시피 소련에서는 섹스가 없었습니다. 그는 발레 무대에도 없었다. 예, 물론 사랑은 존재했지만 순수했습니다. "Bakhchisaray의 분수", "로미오와 줄리엣"이지만 솔직함은 없습니다. 이것은 남성 의류에도 적용됩니다. 댄서는 타이트한 속옷을 입고 그 위에 타이츠를 입었고 타이츠 위에 면바지를 입었습니다. 가장 강력한 망원경으로 들여다봐도 매력이 보이지 않습니다. 그럼에도 불구하고 소비에트 조국에는 그런 유니폼을 입고 싶지 않은 뻔뻔한 무모한 사람들이있었습니다. 그들은 1957 년 Kirov (Mariinsky) 극장의 공연 중 하나에서 뛰어난 댄서 Vakhtang Chabukiani가 매우 솔직한 형태로 무대에 등장했다고 말합니다. 성공은 상상할 수 있는 모든 한계를 넘어섰습니다. 혀가 날카로운 뛰어난 발레 교사 Agrippina Vaganova는 댄서를보고 그녀와 함께 상자에 앉아있는 사람들에게 "접안 렌즈 없이도 그런 꽃다발이 보입니다! "라고 말했습니다.
Chabukiani의 발자취를 따라 또 다른 Kirovsky 댄서가 그 당시에는 아직 발레 반체제 인사이자 세계적으로 유명한 게이가 아니라 연극 솔리스트 인 Rudolf Nureyev를 따랐습니다. "돈키호테"의 처음 두 막은 소련 당국이 허용하는 전통 의상을 입고 춤을 췄습니다. 타이츠를 입고 퍼프가 달린 짧은 바지를 입었습니다. 세 번째 막이 시작되기 전에 무대 뒤에서 실제 스캔들이 터졌습니다. 아티스트는 바지가 아닌 특수 발레 붕대 위에 흰색 꽉 끼는 레오타드 만 입고 싶었습니다. "이 전등갓은 필요하지 않습니다." 연극 당국은 Nureyev를 설득하기 위해 한 시간 동안 휴식을 취했습니다. 마침내 막이 열렸을 때 청중은 충격을 받았습니다. 그가 바지 입는 것을 잊은 것 같았습니다.
Rudolf는 일반적으로 최대 누드를 위해 노력했습니다. Corsair에서 그는 맨 가슴으로 나갔고 Don Quixote에서는 엄청나게 얇은 레오타드가 맨살의 환상을 만들었습니다. 그러나 완전한 힘으로 예술가는 이미 소비에트 조국 밖에서 돌아섰습니다. 그래서 캐나다 국립 발레단을 위해 그가 상연 한 "잠자는 숲속의 미녀"에서 Nureyev는 바닥 길이의 망토에 싸인 것처럼 보입니다. 그런 다음 그는 청중에게 등을 돌리고 엉덩이 바로 아래에서 얼어 붙을 때까지 망토를 천천히 천천히 내립니다.
다리 사이 - 외투 어깨
연극 예술가 Alla Kozhenkova는 다음과 같이 말합니다.
- 발레 공연을 한 번 했어요. 의상을 맞추는 동안 솔리스트가 의상이 마음에 들지 않는다고 말했습니다. 문제가 무엇인지 이해할 수 없습니다. 모든 것이 잘 맞고, 그는이 옷을 입으면 멋져 보입니다 ... 그리고 갑자기 나에게 떠 오릅니다-그는 대구를 좋아하지 않고 너무 작은 것 같습니다. 다음날 나는 양장점에게 이렇게 말합니다. "코트에서 어깨를 떼고 붕대에 넣으십시오." 그녀는 "왜? 왜?"라고 말했습니다. 나는 그녀에게 말했다 : "들어 봐, 내가 말하는 것을 알아요. 그는 그것을 좋아할 것입니다." 다음 피팅에서 댄서는 같은 의상을 입고 나에게 행복하게 말합니다. "보시다시피 훨씬 좋아졌습니다." 그리고 잠시 후 그는 이렇게 덧붙입니다. "당신이 여성 어깨를 삽입 한 것 같지만 작습니다 ... 남성 어깨를 삽입해야합니다." 나는 웃지 않을 수 없었지만 그가 시키는 대로 했다. 양장점은 남자 코트의 래글런 슬리브에서 붕대로 어깨를 꿰매었습니다. 작가는 행복으로 일곱 번째 천국에 있었다.
토끼 발이 삽입되었지만 이제는 더 이상 유행하지 않습니다. 형식이 아니라 코트 어깨가 필요합니다.
Nureyev는 Leningrad에서 누드의 선구자였으며 모스크바에서는 Maris Liepa와 경쟁했습니다. Nureyev와 마찬가지로 그는 자신의 몸을 숭배했고 단호하게 노출했습니다. 스타킹 아래에 붕대를 감고 무대에 오른 것은 수도에서 처음으로 Liepa였습니다.
남자 또는 여자?
그러나 가장 흥미로운 점은 20세기의 남성들은 자신의 몸을 최대한 노출하려고 했을 뿐만 아니라 은폐하려고 했다는 점이다. 일부는 특히 여성 발레 의상을 좋아했습니다. Valery Mikhailovsky의 Men 's Ballet의 창설로 러시아에서 진정한 충격이 발생했습니다. 그의 아티스트는 진지하게 가장 실제 여성복으로 여성 레퍼토리를 공연했습니다.
-이렇게 특이한 극단을 만들 아이디어를 낸 발레리? 나는 Mikhailovsky에게 묻습니다.
- 아이디어는 내 것입니다.
-지금은 대중에게 감동을주기가 어렵지만 10 년 전 팀이 등장했을 때 여성 남성 댄스가 어떻게 인식되었는지. 동성애자 충격으로 고발당한 적이 있습니까?
-네, 쉽지 않았습니다. 모든 종류의 가십이있었습니다. 그럼에도 관객들은 우리를 반갑게 맞아준다. 그리고 동성애에 대한 비난은 없었습니다. 모든 사람이 자유롭게 생각하고 원하는 것을 볼 수 있지만. 우리는 누구도 설득하지 않을 것입니다.
- 남자 발레 이전에도 무용의 세계에 비슷한 것이 있었나요?
- 뉴욕에 트로카데로 데 몬테카를로 회사가 있는데 하는 일은 완전히 다릅니다. 그들은 고전 무용의 조잡한 패러디를 가지고 있습니다. 우리는 또한 발레를 패러디하지만 직업을 소유하고 있습니다.
-여성 고전무용의 기술을 완벽하게 마스터했다고 말하고 싶나?
- 일반적으로 처음에는 발레에서 여성을 대체하려고 시도하지 않았습니다. 여자는 너무 아름다워서 잠식할 가치가 없습니다. 그리고 남자가 아무리 우아하고 세련되고 유연하더라도 그는 결코 여자가 춤추는 방식으로 춤을 추지 않을 것입니다. 따라서 여성 파트는 유머러스하게 춤을 춰야 한다. 우리가 시연하고 있는 것.
그러나 먼저 여성 기술을 습득하는 것이 필요했습니다.
-청년 신발의 크기는 얼마입니까? 남성 또는 여성?
- 마흔한 살부터 마흔셋까지. 그리고 이것은 또한 문제였습니다. 이 크기의 여성용 발레 슈즈는 본질적으로 없기 때문에 주문 제작되었습니다. 그건 그렇고, 각 댄서는 자신의 이름 블록을 가지고 있습니다.
- 근육, 가슴 털, 그리고 모든 종류의 육감적인 세부 사항과 같은 남자다움을 어떻게 숨깁니까?
- 우리는 아무것도 숨기지 않으며 대중을 오도하지 않습니다. 반대로 우리는 여성이 아니라 남성이 그들 앞에서 말하는 것을 강조합니다.
- 그러나 누군가는 속을 수 있습니다. 재미있는 에피소드가 많았겠죠?
- 네, 충분했습니다. 그것은 Perm에 있었던 것 같습니다. 이미 가발을 쓴 남자들은 공연이 시작되기 전에 무대에서 워밍업을하고 있고 나는 무대 뒤에서 두 청소부의 대화를 듣습니다. 한 사람이 다른 사람에게 말합니다. "이렇게 무거운 발레리나를 본 적이 있습니까?" 그녀는 다음과 같이 대답합니다. "아니요, 하지만 그들이 말하는 베이스가 무엇인지 들리나요?" - "예, 놀랄 것이 무엇입니까, 모두 연기가 자욱합니다."
-남성 시청자 중 아티스트에게 손과 마음을 전한 사람이 있습니까?
- 아니요. 사실, 티켓을 위해 많은 돈을 지불 한 한 관중이 무대 뒤에서 여자가 아니라 남자가 그 앞에서 말하고 있다는 것을 증명하라고 요구하자 강당에서 보았을 때 그는 이해하지 못했다고 말합니다.
- 어떻게 증명했습니까?
-남자들은 이미 옷을 벗고 팩도 없었고 그는 모든 것을 이해했습니다.
모든 것이 촬영됩니다
사실, 오늘날에는 투투를 입은 남자도, 가장 타이트한 레오타드도, 붕대도 관객을 놀라게 할 수 없습니다. 알몸 만 있으면 ... 오늘날 점점 더 자주 현대 무용을 연습하는 그룹에 알몸이 나타납니다. 이것은 일종의 미끼이자 매혹적인 장난감입니다. 벌거벗은 몸은 슬프거나 한심하거나 장난스러울 수 있습니다. 그런 농담은 몇 년 전 미국 극단 Ted Shawn의 Dancing Men이 모스크바에서 연주했습니다. 젊은 사람들은 조합을 연상시키는 짧은 여성용 드레스를 겸손하게 입고 무대에 나타났습니다. 춤이 시작되자마자 강당은 황홀경에 빠졌다. 사실 남자들은 치마 아래에 아무것도 입지 않았습니다. 갑자기 그들에게 열린 부자들의 경제를 더 잘보고 싶은 미친 욕망에 청중은 거의 자리에서 날아갈 뻔했습니다. 피루엣 춤을 추자 열광하는 관중들의 머리가 핑핑 돌았고, 쌍안경의 접안렌즈에서 눈이 빠져나가는 듯했다. 가장 멋진 스트립쇼보다 더 재미있고 흥미진진했습니다.
우리의 전 동포이자 현재 국제적인 스타인 Vladimir Malakhov는 발레 중 하나에서 완전히 알몸으로 공연합니다. 그건 그렇고, 블라디미르가 아직 모스크바에 살았을 때 그는 비 전통적인 성적 취향 때문에 자신의 집 입구에서 심하게 구타당했습니다 (그래서 머리에 바늘을 꿰매야했습니다). 이제 Malakhov는 완전히 알몸을 포함하여 전 세계에서 춤을 춥니 다. 그 자신은 누드가 충격적인 것이 아니라 그가 춤추는 발레의 예술적 이미지라고 믿습니다.
20세기 말 몸은 자유를 위한 투쟁에서 의상을 차지했다. 그리고 그것은 자연 스럽습니다. 결국 발레 공연이란 무엇입니까? 관객의 몸을 깨우는 몸의 춤이다. 그리고 그러한 공연은 눈이 아닌 몸으로 보는 것이 가장 좋다. 춤추는 몸이 완전한 자유를 필요로 하는 것은 관객의 이러한 육체적 각성을 위해서이다. 그러니 오래도록 자유를 누리십시오!
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발레 투투의 역사. 사진 – thevintagenews.com
모든 사람의 마음 속에 발레리나는 확실히 튀튀로 표현됩니다.
이 무대 의상은 클래식 발레의 필수적인 부분이 되었습니다.
그러나 항상 그런 것은 아닙니다. 발레리나의 현대적 이미지는 최종적으로 형성되기까지 많은 변화를 겪었고 먼 길을 왔습니다.
많은 사람들이 놀랐을지 모르지만 19 세기 후반까지 발레리나는 관중이 온 것과 거의 다른 우아한 드레스를 입고 무대에서 공연했습니다.
평소보다 조금 짧고 부피가 큰 코르셋 드레스였습니다. 발레리나는 항상 하이힐을 신고 공연합니다. 발레리나의 점유율은 고대의 새로운 패션에 의해 약간 촉진되었습니다. 그건 그렇고, 큐피드와 프시케와 같은 신화적인 음모가 발레에서 사용되기 시작했습니다.
발레 Zephyr and Flora의 Maria Tiglioni. 이것이 첫 번째 팩의 모습입니다. 지금은 "shopenka"라고 합니다. 숙녀들은 허리가 높은 통풍이 잘되고 반투명 한 드레스를 입기 시작했습니다. 직물이 몸에 더 잘 맞도록 약간 젖었습니다. 드레스 아래에 스타킹을 신었고 발에는 샌들을 신었습니다.
그러나 시간이 지남에 따라 발레리나의 기술은 더욱 복잡해졌고 무대에는 더 가벼운 옷이 필요했습니다. 첫째, 프리마는 코르셋을 버리고 치마를 줄였고 드레스 자체가 두 번째 피부처럼 맞기 시작했습니다.
팩을 발명한 사람
1839년 3월 12일 마리아 탈리오네가 처음으로 발레 튀튀를 입고 관객 앞에 나타났습니다. 이날 시사회는 '라 실피드'에서 발레리나가 요정요정 본편을 맡았다.
그런 역할을 하기 위해서는 그에 걸맞는 의상이 필요했다. Filippo Taglioni의 딸을 위해 발명되었습니다.
한 버전에 따르면 Mary의 서투른 모습은 후기 클래식 발레 의상을 만드는 원동력이되었습니다. 결함을 숨기기 위해 Taglioni는여 주인공의 경쾌함과 우아함을 전체적으로 보여주는 드레스를 내놓았습니다.
드레스는 Eugene Lamy의 스케치에 따라 만들어졌습니다. 그런 다음 치마는 얇은 명주 그물로 꿰매어졌습니다. 사실, 그 당시에는 튀튀가 지금처럼 짧지 않았습니다.
팩의 다음 "변형"은 조금 후에 일어났습니다. 그러나 처음에 발레계는 그런 수수한 옷차림조차 적대감으로 받아들였다.
튀튀는 특히 다리가 예쁘지 않은 발레리나의 취향에 맞지 않았습니다. 그러나 무용수의 경쾌함에 감탄한 관객과 미술 평론가의 기쁨은 끝이 없었다. 이것의 마지막 역할은 팩이 수행하지 않았습니다. 그래서 이 의상은 뿌리를 내리고 클래식이 되었습니다.
그건 그렇고, Maria Taglioni에 대한 전설이 있습니다. 그녀가 러시아 국경을 통과했을 때 세관원은 보석을 소지하고 있는지 물었습니다. 그런 다음 발레리나는 치마를 들어 다리를 보여주었습니다. 마리아는 처음으로 뾰족구두를 신었습니다.
투투가 러시아에서 어떻게 익숙해졌는지
Tsarist Russia는 보수적이었고 참신함을 즉시 받아들이지 않았습니다. 이것은 불과 반세기 후에 일어났습니다. 그러나 팩이 다시 바뀐 것은 우리나라였습니다.
혁신가는 1900년대 초 볼쇼이 극장 Adeline Dzhuri의 프리마였습니다. 변덕스러운 여인은 사진 작가를 위해 포즈를 취하는 긴 치마를 좋아하지 않았습니다. 발레리나는 가위를 들고 적당한 옷자락을 잘라냈습니다. 그 이후로 짧은 팩의 유행은 사라졌습니다.
팩은 또 어떻게 바뀌었나
20세기 초부터 튀튀는 오늘날까지 우리가 알고 있는 모양과 형태를 갖게 되었지만 사람들은 항상 그것을 실험해 왔습니다. Marius Petipa와 같은 프로덕션에서 발레리나는 다양한 스타일의 의상을 입을 수 있습니다.
일부 장면에서 그녀는 평범한 "민간인"드레스를 입고 등장했으며 솔로 파트에서는 그녀의 모든 기술과 재능을 보여주기 위해 투투를 입었습니다. Anna Pavlova는 길고 넓은 치마를 입고 공연했습니다.
1930년대와 1940년대에는 19세기의 발레 튀튀가 다시 무대에 올랐습니다. 이제야 그녀는 "shopenka"라고 다르게 불 렸습니다. 그리고 Mikhail Fokin이 Chopiniana에서 댄서를 입었 기 때문입니다. 동시에 다른 감독들은 짧고 무성한 튀튀를 사용했습니다.
그리고 60년대 이후로, 그것은 단지 평평한 원으로 변했습니다. 모조 다이아몬드, 유리 구슬, 깃털, 보석 등 팩을 장식하는 모든 것.
팩은 무엇으로 구성되어 있습니까?
발레 튜 터스는 가벼운 반투명 천인 얇은 명주 그물로 꿰매어집니다. 먼저 디자이너가 스케치를 만듭니다. 물론 각 발레리나의 모습이 고려되어 무용수마다 드레스 스케치가 다릅니다.
튀튀의 너비는 발레리나의 키에 따라 다릅니다. 평균적으로 반지름은 48cm입니다.
한 팩에는 11미터 이상의 얇은 명주 그물이 필요합니다. 한 팩을 만드는 데 약 2주가 걸립니다. 모든 다양한 모델에는 재단에 대한 엄격한 규칙이 있습니다.
예를 들어 지퍼나 단추는 공연 중에 벗겨질 수 있는 팩에 꿰매지 않습니다. 후크 만 패스너로 사용되지만 엄격한 순서로 또는 오히려 바둑판 패턴으로 사용됩니다. 그리고 가끔은 제작이 특별히 어려운 경우에는 무대에 오르기 전에 무용수가 손으로 튀튀를 꿰매기도 합니다.
팩은 무엇입니까
팩에는 많은 이름이 있습니다. 따라서 어딘가에서 "튜닉" 또는 "투투"라는 단어를 들으면 같은 팩을 의미한다는 것을 아십시오. 이제 어떤 유형의 팩이 있는지 알아 봅시다.
R. Shchedrin의 발레 The Little Humpbacked Horse의 Alexander Radunsky와 Maya Plisetskaya 고전적인 튀튀는 팬케이크 모양의 치마입니다. 그건 그렇고, 솔리스트는 의상 제작에 직접 참여합니다. 그들은 바닥과 평행하거나 약간 드롭된 스커트가 있는 튀튀 형태를 선택할 수 있습니다.
롱 스커트 "Shopenka"도 얇은 명주 그물로 꿰매고 있습니다. 이 형태의 치마는 신화 속 인물이나 무생물을 만드는 데 매우 좋습니다.
이러한 복장의 장점은 충분히 조이지 않은 무릎 및 기타 단점을 숨기지 만 발에주의를 기울인다는 것입니다.
발레용으로 빼놓을 수 없는 또 다른 종류의 드레스는 튜닉이다. 그의 치마는 단층이며 쉬폰에서 더 자주 수 놓은 것입니다. 이 드레스에서는 Juliet의 역할이 수행됩니다.
리허설 때 튜튜가 필요한 이유
발레 공연 리허설을 위해 투투는 별도로 꿰매어집니다. 발레리나가 무대에 오르는 것보다 입고 벗기가 더 쉽습니다.
따라서 무대 의상의 모든 부분을 함께 꿰맬 수 있으며 리허설에는 몸통이 필요하지 않고 팬티가 달린 치마 만 사용됩니다. 또한 리허설 팩에는 레이어가 많지 않습니다.
리허설 튜튜는 필수입니다. 결국, 무용수는 튀튀가 간섭하는 곳, 파트너가 타거나 다칠 수있는 곳을 즉시 확인해야합니다. 그리고 감독은 댄스 패턴을 형성할 수 있을 것이다.
튀튀는 매우 견고하여 발레 무대에서만 사용되는 것이 아닙니다. 사실, 그녀의 팩 외부는 다양한 아티스트의 만화 숫자와 서커스에서도 사용됩니다.
발레 의상의 역사는 수세기 전에 시작되었습니다. 첫 번째 프리마 발레리나는 외모가 고급 스럽지만 매우 무거운 드레스를 입어야했습니다. 푹신한 롱 스커트와 코르셋은 돌, 진주, 주름 장식이 흩어져있어 움직임이 제한되었습니다. 여성을 위한 발레 의상은 19세기에 처음으로 완전히 새로운 의상을 개발하고 딸을 위한 포인트 슈즈를 고안한 안무가 Filippo Taglioni 덕분에 완전히 바뀌었습니다. 다른 역사 감정가들은 Maria Taglioni가 발견자가되었다고 주장하지만 의류 디자인 자체는 예술가 Eugene Lamy가 만들었습니다. 그리고 1839년 3월 처음으로 세계는 복잡한 발레 단계를 우아하게 수행하는 마리아 탈리오니를 보았습니다.
그 이후로 발레복은 빠르게 변화하기 시작하여 더 짧고 가벼워졌습니다. 결국 무거운 코르셋이 달린 부피가 큰 스커트에 포인트 슈즈를 신고 춤을 추는 것은 정말 어려웠습니다. 치마는 바람이 잘 통하는 천으로 꿰매기 시작했고 길이는 무릎까지 왔고 위아래로 약간 변경되었습니다. 볼륨도 점차 줄어들었습니다.
소련 발레 발전의 전체 시대는 "철의 장막"의 시대였습니다. 그런 다음 클래식 튀튀가 가장 보편화되었습니다. 그리고 서양 패셔니 스타의 경향이 소련 발레리나에게 폐쇄 되었기 때문에 시간이 지남에 따라 세계 공동체는 러시아 학교가 기술과 성능의 아름다움면에서 동등하지 않다는 것을 인식했습니다. 움직임의 이상에 맞게 연마 된 우아한 바디 라인-러시아 발레리나는 "커튼"이 내려간 순간부터 현재까지 모든 사람들에게 존경을 받았습니다.
현대무용에서는 의복에 대한 엄격한 요구사항이 없다. 예를 들어 소녀용 발레 의상은 트레이닝 스커트와 스타킹, 레오타드와 흰색 양말로 구성될 수 있습니다. 물론 공연의 경우 의상은 완전히 다릅니다. 그럼에도 불구하고 오늘날 발레리나는 꽉 끼는 드레스, 타이츠, 프리 컷 스커트를 입고 공연하며 물론 클래식 선 스커트 없이는 할 수 없습니다.
팩은 항상 특별한 주의를 기울여야 합니다. 결국 발레리나 의상이 이미지를 완성하는 것은 그녀와 함께합니다. 가장 일반적인 유형의 팩은 다음과 같습니다.
1. 클래식 투투 - 백조의 호수, 돈키호테, 파키타 등과 같은 작품에서 발레리나에서 볼 수 있는 10-12겹의 원형 스탠딩 스커트. 대부분의 경우 단단한 고정을 위해 강철 후프가 삽입됩니다. 가장 작은 팩은 예외일 수 있습니다. 치마가 항상 형태를 유지하기 위해서는 전용 케이스에 세워서 보관하는 것이 바람직하다.
2. Tutu-bell 또는 Chopinka - 길쭉하고 통풍이 잘되는 치마. 그것은 단단한 고리가 없으며 직물 층의 수는 고전적인 것보다 훨씬 적습니다. 덕분에 발레리나는 특히 경건하고 부드럽습니다. Chopinka는 낭만적인 역할에 이상적입니다. 예를 들어 "Sylphilia", "Vision of the Rose"의 제작을 위해.
3. 키톤 - 무대 위에서 이미 날씬한 여성의 몸에 허약함을 더하는 단층 기퓌르 스커트. "로미오와 줄리엣"의 제작을 위해 가장 자주 착용합니다.
당사에서 구입할 수 있는 모든 발레복은 개성을 반영하고 세련미와 여성성을 강조합니다. 예를 들어 클래식 스커트는 다르게 꿰맬 수없는 것 같지만 가장자리를 약간 내리거나 들어 올리면 완전히 새로운 모습이됩니다! 구슬, 모조 다이아몬드, 진주, 줄무늬, 깃털로 장식하세요. 이제 아무도 가지고 있지 않은 완전히 새로운 의상을 얻을 수 있습니다. 저희에게 연락하시면 귀하의 이미지를 완벽하게 만들어 드리겠습니다!
발레 예술의 우아함은 항상 어른과 어린이 모두의 영혼을 감동시킵니다. 소녀들은 구슬이나 모조 다이아몬드로 수 놓은 귀여운 투투 스커트와상의로 가장 아름다운 의상을 보며 몇 시간을 보낼 준비가되었습니다. 그리고 아이가 발레를 연습하지 않고 그런 옷을 입는 꿈을 꾸고 있다면 어린 딸을 기쁘게하고 신년 파티에서 발레리나로 변신시키는 것은 어떨까요? 또한 그러한 이미지를 만드는 것은 전혀 어렵지 않고 비용이 많이 들지 않습니다.
발레리나 의상은 새해 축하에만 적합하지 않습니다. 생일이나 놀 때 쉽게 입을 수 있습니다. 그러므로 창조를 미루고 지금이 적기라고 생각해서는 안 됩니다. 아래 설명을 통해 작업 순서를 쉽게 이해할 수 있으며 그 결과 유쾌한 발레리나 의상이 확실히 나올 것입니다.
이미지 세부정보
하나의 세부 사항을 잊지 않으려면 의상에 이미지의 어떤 요소가 있어야하는지 즉시 결정하는 것이 좋습니다. 예를 들어 사진을 찍거나 원하는 복장의 스케치를 직접 스케치하는 것이 가장 좋습니다. 발레리나 의상에는 아름다운 상의나 꽉 끼는 긴팔 티셔츠도 있어야 합니다. 기성품 골프를 목구멍으로 가져갈 수 있습니다. 양말도 필요합니다. Pointe 신발은 정강이를 감싸야 할 새틴 리본 조각을 부착할 수 있는 체코 신발이나 신발을 쉽게 대체할 수 있습니다. 얇은 끈이 달린 티셔츠를 상의에 사용한다면 흰색 장갑이 수트를 완벽하게 보완해 줄 것입니다. 인공 꽃은 긴 머리에 엮을 수 있으며 머리핀이나 장식이 아름다운 머리띠는 짧은 이발에 적합합니다.
정장 색상
어린이 발레리나 의상은 절대적으로 모든 색상으로 만들 수 있습니다. 튀튀 스커트와 같은 주요 디테일은 흰색이든 검은색이든 무지개의 다른 그늘이든 관계없이 즉시 알아볼 수 있는 룩을 만듭니다. 여기서 작은 패셔니 스타와 상담하고 그녀에게 이미지 생성에 참여할 기회를 제공하는 것이 좋습니다.
치마 만들기
만들 때 주요 질문은 팩을 바느질하는 방법입니다. 대부분의 경우 어려움을 일으키는 것은 바로 이 옷입니다. 그러나 튀튀 스커트를 만드는 과정은 언뜻보기에 복잡합니다. 이 물건을 만드는 데는 여러 가지 옵션이 있으며 그 중 하나는 재봉 기술이 전혀 필요하지 않습니다. 작업을 위해서는 어떤 종류의 스커트가 필요한지에 따라 너비 10-15cm, 길이 60 또는 80cm의 스트립으로 자른 어린이 허리의 부피와 3m의 얇은 명주 그물에 따라 조밀 한 탄성 밴드가 필요합니다. 전체 과정은 천 조각을 탄성 밴드로 서로 가깝게 묶어야한다는 사실로 구성됩니다. 직물에 주름이 있으면 완제품을 정리하기가 매우 어렵 기 때문에 얇은 명주 그물을 잘 다림질하는 것이 매우 중요합니다.
재봉틀을 사용하여 팩을 재봉하는 방법에 대한 옵션도 고려해 볼 가치가 있습니다. 여기에서도 모든 것이 아주 간단합니다. 너비가 스커트 길이 + 3cm이고 길이가 4.5-6m 인 얇은 명주 그물 3 개를 컷을 따라 접고 1cm 가장자리에서 출발 한 다음 솔기의 뒷면 솔기를 놓습니다. 스커트가 꿰매어지고 상단을 따라 신축성있는 밴드를 위해 드로 스트링이 만들어져 패브릭의 스티치 가장자리가 안쪽으로 들어갑니다. 그 후 끈에 강한 탄성 밴드를 넣는 것이 남아 있습니다. 모든 것, 팩이 준비되었습니다!
탑 크리에이션
아동용 옷장에 적합한 티셔츠가 없으면 편직물로 꿰맬 수 있습니다. 이렇게하려면 어깨와 허리 바로 아래의 측정치와 아이의 허리 길이와 같은 너비의 천 조각이 필요합니다. 천을 반으로 접고 목과 암홀을 그린 다음 초과분을 잘라낸 다음 어깨와 옆 솔기를 가공합니다. 작업을 위해 서플렉스를 사용하면 슬라이스를 단순히 열어 둘 수 있습니다. 그들은 무너지거나 화살을 쏘지 않을 것입니다. 면 캔버스의 경우 탄성 밴드로 처리할 수 있습니다. 설명에서 알 수 있듯이 자신의 손으로 발레리나 의상에상의를 꿰매는 것은 그리 어렵지 않으며 전체 과정은 20 분도 걸리지 않습니다.
장갑 만들기
장갑은 수플렉스 또는 오일로 가장 잘 꿰매어집니다. 면은 이러한 목적에 적합하지 않습니다. 물론 발레리나 의상은상의와 장갑이 같은 소재로 꿰매어 더 조화롭게 보일 것입니다. 그러나 동일한 캔버스를 사용할 필요는 없습니다. 또한 니트 guipure로 장갑을 꿰매어 매우 부드럽고 낭만적으로 보일 수 있습니다.
따라서 장갑을 꿰매려면 원하는 길이와 어린이 손목 너비 + 1cm와 같은 천 조각을 자르고 스트립의 한쪽 가장자리 (장갑 상단)를 따라 탄성 밴드를 꿰매어야합니다. 공작물을 긴 부분을 따라 접은 후 장갑 바닥을 따라 작은 모서리를 잘라 손에 겹칩니다. 손가락 용 새틴 리본 루프가 무릎에 꿰매어 있습니다. 그리고 마지막으로 장갑의 솔기를 닫습니다.
장식 요소
소녀 용 발레리나 의상은 다양한 꽃, 돌, 모조 다이아몬드 또는 스팽글로 장식해야합니다. 생성 된 이미지에 세련미와 광채를 더하는 것은 이러한 요소입니다. 발레리나 의상은 비로 수를 놓을 수 있습니다. 동시에 의상 자체는 마치 발레리나가 크리스마스 트리 역할을하는 것처럼 녹색으로 수행하거나 이미지를 백설 공주로 남겨 부드럽고 푹신한 눈송이와 연결해야합니다.
팩을 만드는 데 이상적인 옵션은 얇은 명주 그물입니다. 그러나 그것은 많은 종류가 있습니다. 반짝이는 코팅, 작은 루프 폴카 도트 및 패턴이있는 캔버스가 있습니다. 그것은 또한 경도로 구별됩니다. 너무 촘촘한 얇은 명주 그물은 모양을 잘 유지하며 더 곡선적인 모양을 위해 수 놓은 튀튀의 레이어 중 하나로 사용할 수 있습니다.
Organza 레이스와 같은 소재를 무시하는 것도 불가능합니다. 꽤 자주 스팽글로 자수되어 매우 이례적으로 보입니다. 단단하고 부드러운 얇은 명주 그물과 결합하여 독창적 인 치마를 만들 수 있습니다. 그러나 팩의 풍부한 장식으로 인해 상단은 매트하고 평범해야합니다. 새해 발레리나 의상은 작은 눈송이의 얇은 명주 그물과 차분한상의를 결합하여 만들 수 있습니다. 또는 재료 스트립 팩을 만들고 그 위에 틴셀 조각을 붙입니다.
소녀 용 발레리나 의상을 테마로 할 수 있습니다. 예를 들어 "백조의 호수"에서 캐릭터를 만드는 것을 방지하는 것은 무엇입니까? 아교로 붙인 백조와 어울리는 머리띠가 달린 아름다운 튀튀와 매력적인 백조의 의상이 준비되었습니다.
팩 생성 옵션
물론 얇은 명주 그물은 작업하기가 매우 쉽지만 주목해야 할 다른 가치있는 재료가 있습니다. 카니발 의상 "발레리나"는 위에서 언급 한 쉬폰 투투 또는 오간자로 멋지게 보일 것입니다. 그러한 스커트의 재단 및 재봉 기술은 다소 다르며 약간의 기술이 필요합니다.
이러한 제품을 만들려면 밑단 처리를위한 선 스커트, 얇은 레겔 린용 템플릿과 허리에 신축성있는 밴드가 필요합니다. 천의 양은 스커트의 레이어 수를 기준으로 계산됩니다. 제품이 예뻐 보이려면 최소한 3겹 이상은 있어야 합니다.
제작 과정은 패턴에 따라 메인원단에서 3개 이상의 원을 잘라내고, 고무줄로 허리 절개를 만들고, 모든 레이어를 하나로 연결한 후 레겔린과 사선트림으로 바깥쪽 가장자리를 따라 가공하는 것으로 이루어지며, 캔버스를 늘려 파도를 만듭니다. 이러한 오리지널 스커트는 새틴 탑, 오간자 꽃, 돌 및 모조 다이아몬드와 함께 사용하기에 좋습니다.
추가 액세서리
종종 발레리나 의상의 경우 팔뚝에 놓인 작은 치마가 손에 꿰매어집니다. 그리고 나는 그러한 요소가 매우 흥미로워 보인다고 말해야합니다. 이러한 액세서리를 꿰매려면 길이 약 50cm, 너비 7cm 이하의 팩을 만드는 기본 천 조각이 필요하며 더 작은 컷을 따라 꿰매고 한쪽 가장자리는 칼라로 처리하거나 비스듬한 트림과 탄성을 위한 두 번째 드로스트링.
이미지를 더욱 사실적으로 만들기 위해 포인트 슈즈 또는 모조품 없이는 할 수 없습니다. 신발이나 체코 신발과 새틴 리본은 이미 언급되었지만 문제는 아이가 많이 움직이면 다리 주변의 전체 하네스가 단순히 넘어진다는 것입니다. 따라서 약간의 트릭을 사용할 수 있습니다. 스타킹을 입고 아이의 다리를 착용하고 린넨을 감싸고 아름다운 활로 묶은 다음 작은 바늘로 리본을 골프에 조심스럽게 고정하십시오. 이러한 안정적인 핏으로 몇 시간 동안 계속해서 춤을 출 수 있습니다.
발레리나가 착용하는 관례적인 또 다른 흥미로운 액세서리는 손목의 꽃입니다. 신부 살롱에서 적당한 크기의 장미나 백합을 골라 백조의 솜털과 구슬로 장식한 펜던트를 달아 일반 흰색 헤어밴드에 꿰맬 수 있습니다. 비슷한 꽃으로 머리를 장식할 수 있습니다.
