현대 미술가들이 가장 많이 산 그림. 유명 현대 미술가들의 그림

"풍경 자작나무 숲 도로" 120x100
팔레트 나이프, 유채, 캔버스
콘스탄틴 로리스-멜리코프

21세기 예술
— 잡식 동물,
냉소적이고 아이러니하고 냉소적이며 민주적입니다. 그들은 위대한 시대의 일몰을 부릅니다.

포스트모더니스트들은 그들 앞에서 모든 것이 말해지는 상황에 처해 있음을 발견했습니다. 그리고 그들이 해야 할 일은 그들이 만든 것을 사용하고, 스타일을 혼합하고, 새롭지는 않지만 알아볼 수 있는 예술을 만드는 것입니다…

가장 밝은 방향:

1. 네오리얼리즘;


2. 최소한의 예술;


3. 포스트모던;


4. 극사실주의;


5. 설치;


6. 환경;


7. 비디오 아트;


8. 낙서;


9. 트랜스아방가르드;


10. 바디 아트;


11. 스티키즘;


12. 신조형주의;


13. 거리 미술;


14. 메일 아트;


15. 예술이 없습니다.

1. 신자유주의.
이것이 바로 전후 염세주의에 시달렸던 전후 이탈리아의 예술이다.

통합된 예술의 새로운 전선
추상주의와 사실주의는 불과 4년 동안 지속되었습니다. 하지만 에서
유명한 예술가들이 나왔습니다 : Gabrielle Muchi, Renato Guttuso, Ernesto
트레카니. 그들은 노동자와 농민을 생생하고 표현적으로 묘사했습니다.

다른 분야에서도 유사한 경향이 나타났습니다.
그러나 신현실주의 학교는 가장 밝은 학교로 간주됩니다.
벽화가 Diego Rivera의 노력으로 미국에 나타났습니다.

보기: 레나토 구투소

디에고 리베라(Diego Rivera)의 프레스코화 - 대통령궁(멕시코 멕시코시티).

멕시코 시티의 프라도 호텔 "알라메다 공원의 일요일 꿈"을 위한 디에고 리베라의 프레스코화 조각, 1948년

2. 최소 예술.
이것이 아방가르드의 방향입니다.
간단한 형식을 사용하고 연결을 제외합니다.

칼 안드레, 1964년

이 방향은 결국 미국에서 나타났습니다.
60년대. 미니멀리스트들은 마르셀 뒤샹을 그들의 직계 전임자라고 불렀습니다.
(레디메이드), 피에트 몬드리안(신생물학), 카지미르 말레비치
(슈프리마티즘), 그들은 그의 검은 사각형을 첫 번째 작품이라고 불렀습니다.
최소한의 예술.

매우 단순하고 기하학적인
올바른 구성 - 플라스틱 상자, 금속 막대,
원뿔-예술가의 스케치에 따라 산업 기업에서 만들어졌습니다.

바라보다:

도널드 저드, 칼의 작품
앙드레, 솔라 레비타 — 구겐하임 미술관(뉴욕, 미국), 미술관
현대 미술(뉴욕, 미국), 메트로폴리탄 미술관(뉴욕,
미국).

3. 포스트모던. 이것은 20세기 후반의 비현실적인 경향의 긴 목록입니다.

반체기 무투. 콜라주 "성인 여성의 생식기", 2005

순환성은 예술의 특징이지만
포스트 모던은 "부정의 부정"의 첫 번째 예가되었습니다. 처음에는
모더니즘은 고전을 거부했고, 포스트모더니즘은 모더니즘을 거부했다.
그는 이전에 고전을 거부했습니다. 포스트모더니스트들은 그러한 형태로 되돌아갔고
모더니즘 이전의 스타일이지만 더 높은 수준입니다.

포스트모더니즘은 시대의 산물이다
최신 기술. 따라서 그 특징은 혼합물입니다.
스타일, 이미지, 다른 시대 및 하위 문화. 포스트모더니스트를 위한 메인
인용문으로 능숙한 저글링을 인용했습니다.

보기: Tate Gallery(런던,
영국) 국립현대미술관 퐁피두센터
(프랑스 파리), 구겐하임 미술관(미국 뉴욕).

극사실주의. 사진을 모방하는 예술.

척 클로즈. "로버트", 1974

이 예술은 초현실주의라고도 불립니다.
포토리얼리즘, 급진적 리얼리즘 또는 냉정한 리얼리즘. 나타났다
60년대와 10년 후 미국에서 방향이 널리 퍼졌습니다.
유럽.

극사실주의, 포토리얼리즘, 돈 에디,

이 방향의 예술가들은 정확히
사진에서 보는 것처럼 세상을 복사하십시오. 예술가들의 작품에서
테크노겐에 대한 어떤 아이러니가 읽힌다. 예술가들은 주로 묘사한다.
현대 대도시의 삶에 대한 이야기.

리차드 에스테스- 상점 창문, 자동차 후드 또는 카페 카운터에 있는 대도시의 반사 이미지에 대한 사랑

바라보다:

Chuck Close, Don Eddy, Richard Estes - 메트로폴리탄 미술관, 구겐하임 미술관(뉴욕, 미국), 브루클린 미술관(미국).

5. 설치.
이것은 갤러리의 구성으로 무엇이든 만들 수 있습니다. 가장 중요한 것은 하위 텍스트와 아이디어가 있다는 것입니다.

분수(뒤샹)

아닐 가능성이 높음
뒤샹의 상징적인 소변기가 아니었다면. 주요 세계의 이름
설치 프로그램: Dine, Rauschenberg, Beuys, Kunnelis 및 Kabakov.

"짐 다인. 퐁피두 센터 컬렉션에서»

설치에서 가장 중요한 것은 하위 텍스트 자체와 아티스트가 진부한 오브제를 충돌시키는 공간입니다.

바라보다:
테이트 모던(런던, 영국), 구겐하임 미술관(뉴욕, 미국).

6. 환경.

실제 세계를 모방한 3D 구성을 만드는 기술입니다.

환경 예술의 방향으로
1920년대에 등장. 시대를 몇 배나 앞서
수십 년 동안 다다이스트 예술가는 자신의 작품을 대중에게 선보였습니다.
제품 "Merz-building" - 다양한 물체의 3차원 구조 및
재료, 묵상 외에는 아무것도 아닙니다.

에드워드 키엔홀츠

재배자로서의 역사

반세기 후, 이 장르는
작업하고 Edward Kienholtz와 George Siegel을 계승했습니다. 당신의 일에
그들은 필연적으로 망상 환상의 충격적인 요소를 도입했습니다.

바라보다:
Edward Kienholtz와 George Siegel의 작품
— 현대 미술관(스웨덴 스톡홀름).

7. 비디오 아트.

이 방향은 휴대용 비디오 카메라의 등장으로 인해 20세기의 마지막 3분의 1에 발생했습니다.

이것은 예술을 되돌리려는 또 다른 시도입니다.
그러나 이제는 비디오 및 컴퓨터 기술의 도움으로
미국인 백남준이 거리를 통과하는 교황의 모습을 영상으로 제작했다.
뉴욕 최초의 비디오 아티스트가 되었습니다.

백남준의 실험이 영향을 미쳤다.
텔레비전, 뮤직 비디오(그는 MTV 채널 맨 아래에 서 있었습니다),
영화의 컴퓨터 효과. 준 백남준의 작품, 빌 비올라가 만들었다
예술의 방향은 실험을 위한 활동의 ​​장이다. 그들은 넣어
"비디오 조각", "비디오 설치" 및 "비디오 오페라"의 시작.

바라보다:
사이키델릭에서 소셜까지 다양한 비디오 아트
(중국에서 인기, Youtube.com의 Chen-che-yen)

8. 낙서.

대담한 메시지를 전달하는 집 벽의 비문과 그림.

70년대 북부에서 처음 등장
미국. 지역 중 한 곳의 갤러리 소유자는 외모와 관련이 있습니다.
맨해튼. 그들은 옆집에 사는 사람들의 창의력을 후원했습니다.
푸에르토리코인과 자메이카인. 낙서는 도시의 요소를 결합
하위 문화와 민족.

팝아트 천재 키스 해링

그래피티 역사의 이름: Keith Haring,
장 미셸 바스키아, 존 마톰, 케니 샤프. 악명 높은 성격
Banksy는 영국의 그래피티 아티스트입니다. 곳곳에 그의 작품이 담긴 엽서가 있다.
영국 기념품 가게

바라보다:
그래피티 박물관(미국 뉴욕)은 Banksy.co.uk에서 Banksy가 작업합니다.

9. 횡단보도.
포스트 모던 회화의 경향 중 하나. 과거, 새로운 그림 및 표현력을 결합합니다.

트랜스아방가르드 예술가 Alexander Roitburd의 작품

트랜스아방가르드라는 용어의 저자 -
현대 비평가 Bonito Oliva. 이 용어로 그는 창의성을 정의했습니다.
그의 동포 5명 - 산드로 키아, 엔조 쿠키, 프란체스코
클레멘테, 밈모 팔라디노, 니콜로 데 마리아 그들의 작업은 다음과 같은 특징이 있습니다.
고전적인 스타일의 조합, 국가에 대한 애착 부족
학교, 미적 즐거움과 역동성을 위한 설정.

쉬른(프랑크푸르트)의 프란체스코 클레멘테

보기: Peggy's Collection Museum
구겐하임(베니스, 이탈리아), 팔라초 현대미술관
(이탈리아 베니스) 현대미술관 (이탈리아 밀라노)

10. 바디 아트.

행동주의의 방향 중 하나. 몸은 캔버스 역할을 합니다.

바디 아트는 70년대 펑크 문화의 표현 중 하나입니다.
당시 유행했던 문신과 나체주의 패션과 직결된다.

살아있는 그림은 바로 앞에서 만들어집니다.
영상으로 녹화된 후 갤러리에서 방송됩니다. 브루스
갤러리에서 뒤샹의 소변기를 묘사한 나우만. 듀엣 길버트와
George는 살아있는 조각품입니다. 그들은 평범한 영국인의 유형을 묘사했습니다.

예를 들어 아티스트 Orlan orlan.eu의 웹사이트를 참조하십시오.

11. 스타키즘.

영국 구상화 미술 협회. 개념주의자에 반대합니다.

첫 전시회는 2007년 런던에서 열렸으며,
Tate에 대한 항의로. 한 버전에 따르면 그들은 항의했습니다.
법을 우회하는 예술가의 작품 갤러리에 의한 구매와의 연결. 소음
언론의 스태커에 주목했습니다. 지금 세상에는
120명 이상의 아티스트. 그들의 좌우명은 그림을 그리지 않는 예술가는 예술가가 아니라는 것입니다.

빌리 차일디시. 숲의 가장자리"

stackism이라는 용어는 Thomson에 의해 제안되었습니다.
아티스트 Tracey Emin이 남자친구 Billy에게 소리쳤습니다.
유치한: 당신의 그림은 멈췄다, 멈췄다, 멈췄다! (영어 멈춤!
갇힌! 스택!)

바라보다:
stackist 웹 사이트 stickism.com에서.
Tate Gallery(런던, 영국)에서 Charlie Thomson과 Billy Childish의 작품.

12. 신생물.
추상 미술. 세 가지 색상의 수직선 교차점.

방향의 이데올로기는 Dutchman Pete입니다.

몬드리안. 그는 세상을 환상이라고 생각했기 때문에 예술가의 임무는
미학의 이름으로 관능적 인 형태 (비 유적)에서 그림
(추상) 형태.

아티스트는 이렇게 제안했습니다.
파란색, 빨간색 및 3가지 색상을 사용하여 최대한 간결하게
노란색. 그들은 수직선 사이의 장소를 채웠습니다.

피에트 몬드리안. 빨강, 노랑, 파랑 및 검정

신조형주의는 여전히 디자이너, 건축가, 산업 그래픽 아티스트에게 영감을 줍니다.

바라보다:
헤이그 시립 박물관에서 Piet Mondrian과 Theo Vanna Doesburg의 작품.

13. 스트리트 아트.

도시가 전시회 또는 캔버스가 되는 예술

거리 예술가의 목표는 그의 설치, 조각, 포스터 또는 스텐실의 도움을 받아 지나가는 사람과 대화를 나누는 것입니다.

아직 알려지지 않았지만 매우 재능있는 예술가들의 그림 모음입니다. 러시아와 동시대 사람들의 모든 사람들. 보고, 읽고, 즐기세요.

여러분, 저는 항상 여기에 아주 유명하고 뛰어난 인물에 대해 글을 씁니다. 물론 아직 아무도 모르는 아티스트에 대해 글을 쓰는 것이 훨씬 더 흥미로울 것입니다. 하지만 무엇을 할 수 있습니까? VKontakte 공개에 대해 무엇이든 쓸 수 있고 사람들이 무엇인지 블로그에만 쓸 수 있습니다. Yandex와 Google에서 검색하지 않으면 귀하 외에는 아무도 거기에 가지 않을 것입니다. 그러나 변화와 즐거움을 위해 그럼에도 불구하고 나는 "러시아의 거의 알려지지 않은 현대 예술가와 그들의 그림"을 선택하기로 결정했습니다.

• 그 밖의 흥미로운 점은 무엇입니까? (다른 기사 링크).
• 가장 유명한 우크라이나 현대 예술가 중 한 명인 Marchuk의 그림
• 유명한 Repinka의 그래픽 학부의 전설적인 학장.

이 사람들 중 일부는 아직 여정의 시작 단계에 있으며 일부는 이미 상대적으로 확립되어 VKontakte 또는 공예 박람회와 같은 시장에서 성공적으로 작품을 판매하고 좁은 범위에서도 알려져 있지만 모두 한 가지가 있습니다. 공통 - 아직 일반 대중에게 알려지지 않았습니다. 하지만 무명이라고 해서 재능이 없다는 뜻은 아니니 관심있게 봐주실 것 같아요. 나는 여기에 기안자뿐만 아니라 여러 조각가도 포함하기로 결정했습니다.

거의 알려지지 않은 현대 러시아 예술가와 그들의 그림. 일러스트레이터와 화가.

거의 알려지지 않은 예술가. Maria Susarenko의 그림에서 초현실주의적인 현대 색상.

나는 얼마 전에 이 예술가에 대해 알게 되었고 거의 즉시 그녀의 그림과 사랑에 빠졌습니다. 부분적으로는 그녀가 예술가로서 정신적으로 매우 가깝기 때문이고, 부분적으로는 기술에 대한 찬사와 상상력의 폭동 때문입니다. 마리아 수사렌코는 상트페테르부르크 출신의 상냥한 소녀이자 유명한 상트페테르부르크 대학교를 졸업했습니다. A.L. 스티글리츠. Maria Susarenko의 그림은 아르누보와 초현실주의의 활기찬 혼합입니다. 그들은 매우 밝고 장식적으로 보입니다.

잘 알려지지 않은 예술가들의 사진. 마리아 수사렌코의 작품

놀라운 디테일!

거의 알려지지 않은 예술가. 토요일 다샤.

유랄가의 영원한 모티브는 고양이다.

웃기는 괴짜. 이것은 내가 착용하고 싶은 종류의 브로치입니다.

MOAR — https://vk.com/shamancats

러시아의 거의 알려지지 않은 현대 예술가. 조각가.

그림이 아니라 장식이 있어도 참을 수 없을 정도로 매혹적이고 사랑스러워요. 결국 조각가는 예술가이기도 하다. 예, 아티스트는 화가, 그래픽 아티스트, 일러스트레이터 또는 조각가가 될 수 있습니다(당신의 주장은 분명합니다). René Lalique 자신을 부끄럽게 만들지 않는 보석을 가진 두 소녀가 있습니다.

거의 알려지지 않은 예술가. 검은 암탉의 그리모어.

작업장 "Grimoire La poule noire"(번역에서 "검은 암탉의 Grimoire"(당신의 선장이 분명함))에서 Lera Prokopets가 담당합니다. Lera는 미니어처 조각가이자 단순히 멋진 여성입니다. 그녀는 주로 폴리머 클레이와 돌로 작업합니다. Lera는 제가 고딕 아르누보라고 부르는 스타일로 멋진 주얼리를 만듭니다. 그런 약간 요술스럽고 어둡지 만 우아한 아름다움. 글쎄요, 여전히 "검은 닭의 그리모어"입니다.

거의 알려지지 않은 예술가. 오리지널 아르누보 주얼리. 워크샵 "검은 암탉의 Grimoire"의 사진.

그리스 밤의 여신 헤카테.

모르핀. 얇은:) 혀를 내밀고 있는 악마나 흡혈귀는 레라가 가장 좋아하는 모티프 중 하나입니다.

현대 회화의 예술은 현재 또는 최근 과거에 만들어진 작품입니다. 몇 년이 지나면 이 그림들은 역사의 일부가 될 것입니다. 지난 세기의 60년대부터 현재까지의 기간에 만들어진 그림은 포스트모더니즘으로 분류될 수 있는 현대 미술의 여러 영역을 반영합니다. 아르누보 시대에는 화가들의 작품이 보다 폭넓게 표현되었고, 20세기 70년대에는 회화 예술의 사회적 지향에 변화가 생겼다.

실제 예술

현대 회화의 예술가들은 무엇보다도 미술의 새로운 경향을 대표합니다. 문화용어에는 '컨템포러리 아트'라는 개념이 있는데, 이는 '컨템포러리 페인팅'이라는 개념과 다소 관련이 있다. 현대 미술에서 예술가는 방향에 관계없이 화가가 초현대적 주제로 전환할 때 가장 자주 혁신을 의미합니다. 그림은 모든 산업 기업을 그릴 수 있고 묘사할 수 있습니다. 또는 캔버스에는 밀밭, 초원, 숲이있는 풍경 풍경이 있지만 동시에 멀리서 콤바인이 그려질 것입니다. 현대 회화의 스타일은 그림의 사회적 지향을 의미합니다. 동시에 사회적 함축이 없는 동시대 작가들의 풍경화는 훨씬 높은 평가를 받는다.

방향 선택

1990년대 말부터 현대 미술가들은 제작의 주제를 포기하고 순수미술의 주류로 옮겨가고 있다. Flemish 드로잉 스타일의 훌륭한 초상화, 풍경 장면, 정물화의 대가가 있습니다. 그리고 점차 현대 회화에서 진정한 예술이 나타나기 시작했습니다. 18 세기와 19 세기의 뛰어난 예술가들이 만든 그림보다 결코 열등하지 않으며 어떤면에서는 그보다 훨씬 뛰어납니다. 오늘날의 브러시 마스터는 계획을 캔버스에 완전히 반영할 수 있는 풍부한 새 도구인 개발된 기술 기반의 도움을 받습니다. 따라서 현대 회화의 예술가들은 최선을 다해 창작할 수 있습니다. 물론 그림을 그리는 과정에서 물감이나 붓의 질도 중요하지만 역시 가장 중요한 것은 재능이다.

추상표현주의

현대 미술가들은 큰 캔버스에 비기하학적 획을 많이 사용하는 회화 방식을 고수한다. 큰 브러시, 때로는 페인트 브러시가 사용됩니다. 이러한 그림은 고전적인 의미에서 예술이라고 할 수는 없지만 추상화는 Andre Breton의 아이디어 덕분에 1920 년에 등장한 초현실주의의 연속이며 즉시 Salvator Dali, Hans와 같은 많은 추종자를 찾았습니다. 호프만, 아돌프 고틀립. 동시에 현대 미술가들은 표현주의를 나름의 방식으로 이해한다. 오늘날 이 장르는 길이가 3미터에 달하는 그림의 크기에서 이전 장르와 다릅니다.

팝 아트

추상주의에 대한 균형은 미적 가치를 촉진하는 개념적 새로운 아방가르드였습니다. 현대 예술가들은 그림에 마오쩌둥이나 마릴린 먼로와 같은 유명한 인물의 이미지를 포함하기 시작했습니다. 이 예술은 "팝 아트"라고 불렸는데, 이는 회화에서 일반적으로 인정되는 대중적인 경향입니다. 대중 문화는 추상주의를 대체하고 특별한 종류의 미학을 불러 일으켰습니다. 다채롭고 화려한 방식으로 모든 사람의 입술, 일부 최근 사건 또는 다양한 삶의 상황에서 잘 알려진 사람들의 이미지를 대중에게 제시했습니다.

팝 아트의 창시자와 추종자들은 Andy Warhol, Tom Wesselman, Peter Blake, Roy Lichtenstein이었습니다.

포토리얼리즘

현대 미술은 다면적이며 종종 두 가지 이상의 미술 유형을 결합하여 새로운 방향이 나타납니다. 포토리얼리즘은 그러한 작가의 자기표현의 한 형태가 되었다. 이 그림의 방향은 1968년 미국에서 나타났습니다. 그것은 아방가르드 예술가 Louis Meisel에 의해 발명되었으며, 이 장르는 2년 후 Whitney Museum에서 Twenty-Two Realists 전시회 기간 동안 소개되었습니다.

포토 리얼리즘 스타일의 페인팅은 사진과 관련이 있으며 물체의 움직임은 시간이 멈춘 것처럼 보입니다. 포토리얼리스트 작가는 자신의 이미지를 수집하고, 그 이미지는 사진의 도움을 받아 사진으로 포착된다. 네거티브 또는 슬라이드에서 이미지는 프로젝션 또는 스케일 그리드를 사용하여 캔버스로 전송됩니다. 그런 다음 페인팅 기술을 사용하여 완전한 그림이 만들어집니다.

포토리얼리즘의 전성기는 70년대 중반에 왔다가 인기가 쇠퇴하다가 90년대 초반에 다시 장르가 되살아났습니다. 존경하는 예술가들은 주로 미국에서 활동했으며, 그 중에는 이미지 프로젝션을 사용하여 작품을 만든 조각가도 많았습니다. 포토 리얼리즘을 기반으로 한 가장 유명한 회화의 대가는 Richard Estes, Charles Bellet, Thomas Blackwell, Robert Demekis, Donald Eddy, Duane Hanson입니다.

젊은 세대의 포토리얼리스트 아티스트 - Raffaella Spence, Roberto Bernardi, Chiara Albertoni, Tony Brunelli, Olivier Romano, Bertrand Meniel, Clive Head.

러시아의 현대 예술가

• Serge Fedulov(1958년생), Stavropol Territory의 Nevinnomyssk 출신. 라틴 아메리카와 유럽의 여러 전시회에 참가했습니다. 그의 그림은 사실주의와 대조되는 색상 조합으로 구별됩니다.
• Mikhail Golubev (b. 1981), Omsk School of Painting 미술 수업을 졸업했습니다. 현재 상트페테르부르크에 거주하고 있습니다. 그는 특이한 방식의 창의성으로 구별되며 그의 모든 작품은 깊은 철학적 함축을 지닌 반성 그림입니다.
• 모스크바에서 Dmitry Annenkov(b. 1965). Stroganov Art Institute를 졸업했습니다. 해외에서 인기가 있지만 러시아 전시회를 선호합니다. Annenkov의 예술은 사실적이며 예술가는 정물의 대가로 인정 받고 있습니다.

러시아 인상파

• 러시아 인상파 화가 Alexei Chernigin(1975년 출생)은 유명한 화가 Alexander Chernigin의 아들입니다. Nizhny Novgorod의 미술 학교에서 회화와 그래픽 디자인을 공부했습니다. Nizhny Novgorod Architectural Institute에서 Design in Industry 학위를 취득했습니다. 1998년부터 러시아 예술가 연합 회원. 2001년부터 그는 NGASU 인테리어 디자인과에서 교사로 재직하고 있습니다.
• 콘스탄틴 루파노프, 크라스노다르 예술가(b. 1977). 국립문화예술대학교 산업아카데미에서 기념비적 회화 학위를 받았다. 상트 페테르부르크의 많은 미술 전시회에 참가했습니다. 소용돌이치는 선이 있는 희귀한 스타일의 유화가 특징입니다. Lupanov의 그림에는 대조되는 색상 조합이 전혀 없으며 이미지가 서로 흐르는 것처럼 보입니다. 작가 자신은 자신의 작품을 "쾌활하고 무책임한 칠"이라고 부르지 만이 말에는 교묘함이 포함되어 있습니다. 그림은 실제로 매우 전문적으로 작성되었습니다.

누드 스타일로 그림을 그리는 러시아 예술가들

• 세르게이 마르셰니코프(Sergei Marshennikov, 1971년생)는 러시아의 가장 유명한 현대 미술가 중 한 명입니다. 우파예술대학 졸업. 그의 그림은 노골적인 사실주의의 한 예입니다. 작품은 예술적인 사진과 같은 인상을 주며 구도가 매우 정확하고 모든 획이 검증되었습니다. 화가의 아내 Natalya는 가장 자주 모델로 활동하며 이는 관능적 인 그림을 만드는 데 도움이됩니다.
• Vera Vasilievna Donskaya-Khilko (1964 년 출생), 유명한 오페라 가수 Lavrenty Dmitrievich Donskoy의 손녀. 현대 러시아 회화의 가장 밝은 대표자. 피사체 누드의 스타일로 그립니다. 아티스트의 창의적인 팔레트에서 Ivan Kupala 휴일 밤 강둑에서 동부 하렘의 미녀와 벌거 벗은 마을 소녀, 뜨거운 여성이 눈 속으로 나가 구멍에서 수영하는 러시아 목욕탕을 찾을 수 있습니다. 작가는 재능을 가지고 많이 그립니다.

현대 러시아 예술가들과 그들의 작품은 전 세계 미술 감정가들의 관심이 높아지고 있습니다.

세계 예술로서의 현대 회화

오늘날 시각 예술은 18세기와 19세기에 요구되었던 것과는 다른 형태를 띠고 있습니다. 세계의 현대 예술가들은 더 좁은 해석으로 아방가르드로 바뀌었고 캔버스는 세련미를 얻었고 더 의미가 생겼습니다. 오늘날 사회는 새로운 예술을 필요로 하며, 그 필요성은 회화를 포함한 모든 유형의 창의성으로 확장됩니다. 현대 미술가들의 그림은 충분히 높은 수준으로 만들어지면 팔리고 흥정이나 교환의 대상이 된다. 일부 캔버스는 특히 귀중한 예술 작품 목록에 포함되어 있습니다. 위대한 화가가 그린 과거의 그림은 여전히 ​​수요가 있지만 현대 예술가는 점점 더 인기를 얻고 있습니다. 오일, 템페라, 수채화 및 기타 페인트는 그들의 창의성과 계획의 성공적인 구현에 도움이 됩니다. 일반적으로 화가는 한 가지 스타일을 고수합니다. 풍경, 초상화, 전투 장면 또는 다른 장르가 될 수 있습니다. 따라서 작가는 작업을 위해 일정한 종류의 물감을 선택한다.

세계의 현대 미술가

가장 유명한 현대 예술가는 글쓰기 방식이 다르고 브러시를 알아볼 수 있으며 때로는 캔버스 하단의 서명을 볼 필요조차 없습니다. 현대 회화의 유명한 거장 - Perlstein Philip, Alexander Isachev, Francis Bacon, Stanislav Plutenko, Peter Blake, Freud Lucien, Michael Parkes, Guy Johnson, Eric Fischl, Nikolai Blokhin, Vasily Shulzhenko.

현대 미술은 20세기 말에 발전한 모든 종류의 예술 운동이라고 부르는 것이 관례입니다. 전후 기간에 사람들에게 새로운 삶의 현실을 꿈꾸고 발명하도록 다시 한 번 가르친 일종의 콘센트였습니다.

과거의 가혹한 규칙의 족쇄에 지친 젊은 예술가들은 오래된 예술적 규범을 깨기로 결정했습니다. 그들은 이전에 알려지지 않은 새로운 관행을 만들려고 노력했습니다. 모더니즘에 반대하면서 그들은 자신들의 이야기를 드러내는 새로운 방식으로 눈을 돌렸습니다. 창작활동의 결과 그 자체보다 작가와 창작의 개념이 훨씬 더 중요해졌다. 세워진 틀에서 벗어나고자 하는 욕구는 새로운 장르의 등장으로 이어졌다.

예술의 의미와 그것을 표현하는 방법에 대해 예술가들 사이에서 논쟁이 일어나기 시작했습니다. 예술이란 무엇입니까? 진정한 예술은 어떤 수단으로 성취될 수 있는가? 개념주의자와 미니멀리스트는 "예술이 모든 것이 될 수 있다면 아무것도 아닐 수 있다"는 문구에서 답을 찾았습니다. 그들에게 있어 일상적인 시각적 수단에서의 탈피는 다양한 행동과 해프닝, 퍼포먼스로 귀결되었다. 21세기 현대미술의 특징은 무엇인가? 이것이 우리가 기사에서 이야기 할 것입니다.

XXI 세기 예술의 3차원 그래픽

21세기 미술의 3D 그래픽은 유명하다. 컴퓨터 기술의 발달로 예술가들은 자신의 작품을 창작하는 새로운 수단에 접근할 수 있게 되었습니다. 3차원 그래픽의 본질은 3차원 공간에서 사물을 모델링하여 이미지를 만드는 것입니다. 21세기 현대미술의 대부분의 형태를 생각해보면 입체적인 이미지의 창작이 가장 전통적일 것이다. 3D 그래픽은 진정한 의미에서 많은 면을 가지고 있습니다. 컴퓨터에서 프로그램, 게임, 이미지 및 비디오를 만들 때 사용됩니다. 그러나 포장 도로에서 발 바로 아래에서도 볼 수 있습니다.

3차원 그래픽은 수십 년 전에 거리로 이동했으며 그 이후로 거리 예술의 가장 중요한 형태 중 하나로 남아 있습니다. 많은 예술가들이 "그림"에 3차원 이미지를 그려 현실감에 놀라게 할 수 있습니다. Edgar Müller, Eduardo Rolero, Kurt Wenner 및 기타 많은 현대 예술가들은 오늘날 누구라도 놀라게 할 수 있는 예술을 창조합니다.

21세기의 스트리트 아트

이전에는 직업이 많은 부유한 사람들이었습니다. 수세기 동안 그것은 초심자에 대한 접근이 폐쇄 된 특수 기관의 벽에 숨겨져있었습니다. 분명히 그의 거창한 힘은 답답한 건물 안에서 영원히 시들지 않을 것입니다. 그때 그것은 회색의 우울한 거리로 나왔습니다. 당신의 역사를 영원히 바꾸도록 선택되었습니다. 처음에는 그렇게 쉽지 않았습니다.

모든 사람이 그의 탄생을 기뻐한 것은 아닙니다. 많은 사람들이 그것을 나쁜 경험의 결과라고 생각했습니다. 일부는 심지어 그 존재에 관심을 기울이기를 거부했습니다. 한편, 아이디어는 계속 성장하고 발전했습니다.

거리 예술가들은 그 과정에서 어려움을 겪었습니다. 모든 다양한 형태로 인해 거리 예술은 때때로 기물 파손과 구별하기 어려웠습니다.

이 모든 것은 뉴욕에서 지난 세기의 70년대에 시작되었습니다. 이때 거리 예술은 초기 단계였습니다. 그리고 훌리오 204, 타키 183은 그의 삶을 떠받쳤고, 유통영역을 넓힌 후 각자의 지역 곳곳에 명문을 남겼다. 다른 사람들은 그들과 경쟁하기로 결정했습니다. 그때 가장 흥미로운 일이 시작되었습니다. 열정과 과시욕이 창의력 대결로 이어졌다. 모두가 자신과 타인을 위해 더 독창적인 방법을 찾고 싶어했습니다.

1981년, 거리 예술은 간신히 바다를 건넜습니다. 이것에서 그는 프랑스 BlekleRat의 거리 예술가의 도움을 받았습니다. 그는 파리 최초의 그래피티 아티스트 중 한 명으로 간주됩니다. 그는 스텐실 그래피티의 아버지라고도 불립니다. 그의 시그니처 터치는 제작자의 이름을 나타내는 쥐 그림입니다. 저자는 쥐(rat)라는 단어의 글자를 재배치하면 예술(art)이 얻어진다는 점에 주목했다. Blek은 "쥐는 파리에서 거리 예술처럼 어디든 가는 유일한 자유로운 동물입니다."라고 말했습니다.

가장 유명한 거리 예술가는 BlekleRat을 그의 주요 교사라고 부르는 Banksy입니다. 이 재능있는 영국인의 화제의 작품은 모두를 침묵시킬 수 있습니다. 스텐실을 사용하여 만든 그의 그림에서 그는 현대 사회의 악덕을 비난합니다. Banksy는 전통적인 경향이 있어 청중에게 더 큰 인상을 남길 수 있습니다. 흥미로운 사실은 지금까지 Banksy의 정체성이 수수께끼에 싸여 있다는 것입니다. 아무도 아직 예술가 성격의 수수께끼를 풀지 못했습니다.

한편 거리 예술은 빠르게 추진력을 얻고 있습니다. 한때 주변부로 밀려났던 거리예술이 경매의 무대로 올라섰다. 예술가의 작품은 한때 그에 대해 이야기하기를 거부했던 사람들에 의해 엄청난 금액에 판매됩니다. 예술이나 주류 트렌드의 생명력은 무엇인가?

양식

현재까지 현대 미술에는 다소 흥미로운 몇 가지 표현이 있습니다. 가장 특이한 형태의 현대 미술 개요 아래에서 귀하의 관심을 끌 것입니다.

레디메이드

레디메이드라는 용어는 "준비"를 의미하는 영어에서 유래되었습니다. 사실 이 방향의 목표는 물질적인 것을 만드는 것이 아닙니다. 여기서 주요 아이디어는 물체의 환경에 따라 사람과 물체 자체에 대한 인식이 변한다는 것입니다. 현재의 조상은 Marcel Duchamp입니다. 그의 가장 유명한 작품은 사인과 날짜가 적힌 소변기인 "분수"입니다.

변형

Anamorphoses는 특정 각도에서만 완전히 볼 수있는 방식으로 이미지를 생성하는 기술이라고합니다. 이 추세의 가장 밝은 대표자 중 하나는 프랑스인 Bernard Pras입니다. 그는 손에 닿는 모든 것을 사용하여 설치물을 만듭니다. 그의 기술 덕분에 그는 놀라운 작품을 만들 수 있지만 특정 각도에서만 볼 수 있습니다.

예술의 생물학적 유체

21세기 현대 미술에서 가장 논란이 되는 흐름 중 하나는 사람의 체액으로 그린 ​​드로잉입니다. 이 현대 예술 형식의 추종자들은 종종 피와 소변을 사용합니다. 이 경우 그림의 색상은 종종 우울하고 무서운 모습을 보입니다. 예를 들어 Herman Nitsch는 동물의 피와 소변을 사용합니다. 저자는 제2차 세계대전을 겪으며 찾아온 어려운 어린 시절이 이러한 뜻밖의 소재를 활용한 이유를 설명한다.

XX-XXI 세기의 회화

회화의 간략한 역사는 20세기 말에 우리 시대의 많은 컬트 예술가들의 출발점이 되었다는 정보를 담고 있습니다. 어려운 전후 시대에 구체는 다시 태어났습니다. 예술가들은 자신의 능력의 새로운 측면을 발견하고자 했습니다.

절대주의

Kazimir Malevich는 Suprematism의 창시자로 간주됩니다. 주요 이론가로서 그는 불필요한 모든 것으로부터 예술을 정화하는 방법으로 절대주의를 선포했습니다. 이미지를 전달하는 일반적인 방식을 거부하고 예술가들은 비예술적인 것으로부터 예술을 해방시키려 했습니다. 이 장르에서 가장 중요한 작품은 Malevich의 유명한 "Black Square"입니다.

팝 아트

팝아트의 기원은 미국입니다. 전후 몇 년 동안 사회는 세계적인 변화를 경험했습니다. 사람들은 이제 더 많은 것을 감당할 수 있습니다. 소비는 삶의 필수적인 부분이 되었습니다. 사람들은 숭배로, 소비재는 상징으로 세워지기 시작했습니다. Jasper Johns, Andy Warhol 및 현재의 다른 추종자들은 그림에서 이러한 기호를 사용하려고 했습니다.

미래파

미래주의는 1910년에 발견되었습니다. 이러한 추세의 주요 아이디어는 과거의 틀을 파괴하는 새로운 것에 대한 열망이었습니다. 작가들은 이러한 욕망을 특별한 기법으로 표현했다. 날카로운 스트로크, 유입, 연결 및 교차는 미래주의의 징후입니다. 미래파의 가장 유명한 대표자는 Marinetti, Severini, Carra입니다.

21세기 러시아 현대미술

러시아의 현대 미술(21세기)은 소련의 "비공식" 예술인 지하에서 순조롭게 흘러나왔습니다. 90년대의 젊은 예술가들은 새로운 나라에서 그들의 예술적 야망을 실현할 새로운 방법을 찾고 있었습니다. 이때 모스크바 행동주의가 탄생했습니다. 그의 추종자들은 과거와 그 이데올로기에 도전했습니다. 국경의 파괴 (문자 그대로 비유적인 의미에서)는 국가 상황에 대한 젊은 세대의 태도를 묘사하는 것을 가능하게했습니다. 21세기 현대 미술은 표현력이 풍부하고 무섭고 충격적입니다. 사회가 너무 오랫동안 문을 닫은 것. Anatoly Osmolovsky ( "Mayakovsky - Osmolovsky", "Against All", "Bolshaya Nikitskaya의 바리케이드"), "ETI"운동 ( "ETI-text"), Oleg Kulik ( "Piglet은 선물을 배포합니다", "Mad Dog 또는 외로운 케르베로스가 지키는 마지막 금기"), Avdey Ter-Oganyan("팝 아트")은 현대 미술의 역사를 영원히 바꿔 놓았습니다.

새로운 세대

Slava ATGM은 예카테린부르크 출신의 현대 미술가입니다. 그의 작품 중 일부는 Banksy의 작품을 연상시킬 수 있습니다. 그러나 Slava의 작품은 러시아 시민에게만 친숙한 아이디어와 감정을 담고 있습니다. 그의 가장 주목할만한 작품 중 하나는 "기회의 땅"캠페인입니다. 예술가는 예카테린부르크의 버려진 병원 건물에 목발로 만든 비문을 만들었습니다. Slava는 한때 목발을 사용했던 도시 주민들로부터 목발을 구입했습니다. 아티스트는 소셜 네트워크의 자신의 페이지에서 조치를 발표하고 동료 시민들에게 호소했습니다.

현대 미술관

아마도 한때는 21세기 동시대 시각예술이 주변적인 환경으로 여겨졌을지 모르지만, 오늘날 점점 더 많은 사람들이 새로운 예술의 영역에 합류하기 위해 노력하고 있습니다. 점점 더 많은 박물관이 새로운 표현 수단에 문을 열고 있습니다. 뉴욕은 현대 미술의 기록을 보유하고 있습니다. 또한 세계 최고 수준의 박물관이 두 곳 있습니다.

첫 번째는 Matisse, Dali, Warhol의 그림 저장소 인 MoMA입니다. 두 번째는 박물관으로 건물의 특이한 건축물은 Picasso, Marc Chagall, Kandinsky 등의 작품과 인접해 있습니다.

유럽은 또한 21세기의 웅장한 현대 미술 박물관으로도 유명합니다. 헬싱키의 KIASMA 박물관에서는 전시회의 오브제를 만질 수 있습니다. 프랑스 수도의 중심은 특이한 건축물과 현대 예술가들의 작품에 깊은 인상을 받았습니다. 암스테르담의 Stedelijkmuseum에는 Malevich의 그림이 가장 많이 소장되어 있습니다. 영국의 수도에는 엄청난 수의 현대 미술품이 있습니다. 비엔나 현대 미술관에는 Andy Warhol과 다른 재능 있는 현대 예술가들의 작품이 있습니다.

21 세기의 현대 미술 (회화)-신비하고 이해할 수없고 요염한 것은 별도의 영역뿐만 아니라 인류 전체의 발전 벡터를 영원히 바꿔 놓았습니다. 그것은 동시에 현대성을 반영하고 창조합니다. 끊임없이 변화하는 현대의 예술은 끊임없이 서두르는 사람이 잠시 멈출 수 있게 합니다. 깊은 내면의 감정을 기억하기 위해 잠시 멈추십시오. 속도를 다시 높이고 사건과 사건의 회오리 바람에 뛰어 들기 위해 멈추십시오.

"카드 플레이어"

작가

폴 세잔

국가 프랑스
수년간의 삶 1839–1906
스타일 후기 인상주의

작가는 프랑스 남부 엑상 프로방스의 작은 마을에서 태어났지만 파리에서 그림을 그리기 시작했습니다. 수집가 Ambroise Vollard가 주최한 개인전 이후 그에게 진정한 성공이 찾아왔습니다. 떠나기 20년 전인 1886년, 그는 고향 도시 외곽으로 이사했다. 젊은 예술가들은 그에게 여행을 "Aix로의 순례"라고 불렀습니다.

130x97cm
1895년
가격
2억 5천만 달러
판매된 2012 년에
비공개 입찰에서

세잔의 작품은 이해하기 쉽습니다. 작가의 유일한 규칙은 주제 나 줄거리를 캔버스로 직접 옮기는 것이었기 때문에 그의 그림은 보는 사람을 당황하게 만들지 않습니다. Cezanne은 그의 예술에서 고전주의와 낭만주의라는 두 가지 주요 프랑스 전통을 결합했습니다. 다채로운 질감의 도움으로 그는 물체의 형태에 놀라운 유연성을 부여했습니다.

1890-1895년에 일련의 5개의 그림 "Card Players"가 작성되었습니다. 그들의 음모는 동일합니다. 여러 사람이 열정적으로 포커를하고 있습니다. 작품은 플레이어의 수와 캔버스의 크기만 다릅니다.

4점의 그림은 유럽과 미국의 박물관(Musée d'Orsay, the Metropolitan Museum of Art, the Barnes Foundation 및 Courtauld Institute of Art)에 보관되어 있으며 다섯 번째는 최근까지 개인 소장품의 장식품이었습니다. 그리스 억만장자 선주 조지 엠비리코스. 그가 죽기 직전인 2011년 겨울, 그는 그것을 매물로 내놓기로 결정했습니다. Cezanne의 "무료" 작품의 잠재적 구매자는 약 2억 2,000만 달러를 제공한 미술상 William Aquavella와 세계적으로 유명한 갤러리 소유주 Larry Gagosian이었습니다. 그 결과 이 ​​그림은 2억5000만 달러에 아랍 카타르 왕실에 넘어갔고, 2012년 2월 회화 역사상 최대 아트 딜이 성사됐다. 이것은 언론인 Alexandra Pierce에 의해 Vanity Fair에 보고되었습니다. 그녀는 그림의 가격과 새 주인의 이름을 알게 되었고, 그 정보는 전 세계 언론에 퍼졌습니다.

2010년에는 아랍 현대 미술관과 카타르 국립 박물관이 카타르에 문을 열었습니다. 이제 그들의 컬렉션이 늘어나고 있습니다. 아마도 The Card Players의 다섯 번째 버전은 이러한 목적으로 족장에 의해 인수되었을 것입니다.

제일비싼 사진세상에

소유자
셰이크 하마드
빈 칼리파 알 타니

알타니 왕조는 130년 넘게 카타르를 통치했습니다. 약 반세기 전에 이곳에서 엄청난 양의 석유와 가스 매장량이 발견되어 즉시 카타르를 세계에서 가장 부유한 지역 중 하나로 만들었습니다. 탄화수소 수출 덕분에 이 작은 나라는 1인당 국내총생산(GDP) 1위를 기록했습니다. Sheikh Hamad bin Khalifa al-Thani는 1995년 그의 아버지가 가족의 지원을 받아 스위스에 있는 동안 권력을 장악했습니다. 전문가들에 따르면 현재 통치자의 장점은 국가 발전을위한 명확한 전략으로 국가의 성공적인 이미지를 창출하는 것입니다. 카타르에는 이제 헌법과 총리가 있으며 여성은 의회 선거에서 투표권을 얻었습니다. 그건 그렇고, Al Jazeera 뉴스 채널을 설립한 것은 카타르의 에미르였습니다. 아랍 국가 당국은 문화에 큰 관심을 기울입니다.

2

"숫자 5"

작가

잭슨 폴록

국가 미국
수년간의 삶 1912–1956
스타일 추상표현주의

잭 더 스프링클러(Jack the Sprinkler) - 이러한 별명은 미국 대중이 그의 특별한 그림 기법으로 폴록에게 부여한 것입니다. 작가는 붓과 이젤을 버리고 캔버스나 섬유판의 표면에 물감을 붓고 그 주위를 계속해서 움직인다. 어린 시절부터 그는 Jiddu Krishnamurti의 철학을 좋아했으며, 그 주요 메시지는 무료 "부어주는" 동안 진실이 드러난다는 것입니다.

122x244cm
1948년
가격
1억 4천만 달러
판매된 2006년
경매에 소더비

Pollock의 작업의 가치는 결과가 아니라 과정에 있습니다. 작가는 실수로 자신의 예술을 "액션 페인팅"이라고 부르지 않았습니다. 그의 가벼운 손놀림으로 그것은 미국의 주요 자산이 되었다. 잭슨 폴록은 페인트에 모래, 깨진 유리를 섞어 골판지, 팔레트 나이프, 칼, 삽으로 글을 썼습니다. 예술가는 1950 년대에 소련에 모방가가있을 정도로 인기가있었습니다. 그림 "숫자 5"는 세계에서 가장 이상하고 가장 비싼 그림 중 하나로 인식됩니다. 드림웍스 창업자 중 한 명인 데이비드 게펜이 개인 소장품으로 사들였고 2006년 소더비 경매에서 1억4000만 달러에 멕시코 수집가 데이비드 마르티네즈에게 팔았다. 그러나 법률 회사는 곧 고객을 대신하여 David Martinez가 그림의 소유자가 아니라는 보도 자료를 발표했습니다. 한 가지만 확실하게 알려져 있습니다. 멕시코 금융가는 실제로 최근에 현대 미술 작품을 수집했습니다. 그가 Pollock의 "Number 5"와 같은 "큰 물고기"를 놓쳤을 것 같지 않습니다.

3

"여자 III"

작가

윌렘 드 쿠닝

국가 미국
수년간의 삶 1904–1997
스타일 추상표현주의

네덜란드 태생인 그는 1926년 미국으로 이민을 갔다. 1948년 작가의 개인전이 열렸다. 미술 평론가들은 복잡하고 신경질적인 흑백 구성을 높이 평가했으며 작가를 위대한 모더니스트 예술가로 인정했습니다. 그는 평생 동안 알코올 중독에 시달렸지만 모든 작품에서 새로운 예술을 창조하는 기쁨이 느껴진다. De Kooning은 그림의 충동성, 넓은 획으로 구별되기 때문에 이미지가 캔버스의 경계에 맞지 않는 경우가 있습니다.

121x171cm
1953년
가격
1억 3,700만 달러
판매된 2006년
비공개 입찰에서

1950년대 데 쿠닝의 그림에는 텅 빈 눈, 풍만한 가슴, 추악한 이목구비를 가진 여성들이 등장한다. "Woman III"는 경매에 참여한 이 시리즈의 마지막 작품이었습니다.

1970년대부터 이 그림은 테헤란 현대미술관에 보관되어 왔지만 엄격한 도덕적 규칙이 도입된 후 제거하려고 했습니다. 1994년에 이 작품은 이란에서 반출되었고 12년 후 소유주인 David Geffen(Jackson Pollock의 "Number 5"를 판매한 동일한 제작자)이 이 그림을 백만장자 Stephen Cohen에게 1억 3,750만 달러에 팔았습니다. 1년 만에 Geffen이 자신의 그림 컬렉션을 판매하기 시작했다는 것은 흥미 롭습니다. 이것은 많은 소문을 불러일으켰습니다. 예를 들어 제작자가 Los Angeles Times를 인수하기로 결정했다는 것입니다.

예술 포럼 중 하나에서 Leonardo da Vinci "Lady with an Ermine"의 그림과 "Woman III"의 유사성에 대한 의견이 표명되었습니다. 여주인공의 함박웃음과 형체 없는 모습 뒤에 그림의 감정가는 왕족의 품위를 분별했다. 이것은 또한 여성의 머리를 덮고 있는 잘 보이지 않는 왕관에 의해 입증됩니다.

4

"아델의 초상블로흐-바우어 1세"

작가

구스타프 클림트

국가 오스트리아
수년간의 삶 1862–1918
스타일 현대의

구스타프 클림트는 조각가의 7남매 중 둘째로 태어났다. Ernest Klimt의 세 아들은 예술가가 되었고 Gustav만이 전 세계적으로 유명해졌습니다. 그는 어린 시절의 대부분을 가난 속에서 보냈다. 아버지가 돌아가신 후 그는 온 가족을 책임져야 했습니다. 이때 클림트가 자신의 스타일을 발전시켰습니다. 그의 그림 앞에서 모든 시청자는 얼어 붙습니다. 얇은 금색 선 아래에서 솔직한 에로티시즘이 분명하게 보입니다.

138x136cm
1907년
가격
1억 3,500만 달러
판매된 2006년
경매에 소더비

"오스트리아 모나리자"라고 불리는 그림의 운명은 쉽게 베스트셀러의 기초가 될 수 있습니다. 작가의 작품은 국가 전체와 한 할머니의 갈등의 원인이되었습니다.

따라서 "Adele Bloch-Bauer I의 초상화"는 Ferdinand Bloch의 아내 인 귀족을 묘사합니다. 그녀의 마지막 유언은 그림을 오스트리아 주립 미술관으로 옮기는 것이었다. 그러나 Bloch는 유언장에서 기부를 취소했고 나치는 그림을 몰수했습니다. 나중에 갤러리는 Golden Adele을 거의 사지 않았지만 상속녀 인 Ferdinand Bloch의 조카 인 Maria Altman이 나타났습니다.

2005 년에 유명한 재판 "오스트리아 공화국에 대한 마리아 알트만"이 시작되었고 그 결과 사진이 그녀와 함께 로스 앤젤레스로 "떠났습니다". 오스트리아는 전례없는 조치를 취했습니다. 대출이 협상되었고 인구가 초상화를 사기 위해 돈을 기부했습니다. 선은 결코 악을 정복하지 못했다: 알트만은 가격을 3억 달러로 올렸다. 재판 당시 79세였던 그녀는 개인의 이익을 위해 블로흐-바우어의 뜻을 바꾼 인물로 역사에 이름을 남겼다. 이 그림은 뉴욕의 New Gallery 소유주인 Ronald Lauder가 구입하여 오늘날까지 남아 있습니다. 오스트리아가 아니라 그를 위해 Altman은 가격을 1억 3500만 달러로 낮췄습니다.

5

"비명"

작가

에드바르트 뭉크

국가 노르웨이
수년간의 삶 1863–1944
스타일 표현주의

전 세계적으로 유명해진 뭉크의 첫 번째 그림인 "병든 소녀"(5부 존재)는 15세의 나이에 결핵으로 사망한 화가의 여동생에게 헌정되었습니다. 뭉크는 항상 죽음과 외로움이라는 주제에 관심을 가져왔습니다. 독일에서는 그의 묵직하고 광적인 그림이 추문을 불러일으키기까지 했다. 그러나 우울한 음모에도 불구하고 그의 그림에는 특별한 자성이 있습니다. 적어도 "비명"을 가져 가라.

73.5x91cm
1895년
가격
$119.992 백만
판매 2012년
경매에 소더비

그림의 전체 이름은 Der Schrei der Natur(독일어에서 "자연의 외침"으로 번역됨)입니다. 사람이나 외계인의 얼굴은 절망과 공황을 표현합니다. 시청자는 사진을 볼 때 동일한 감정을 경험합니다. 표현주의의 핵심 작품 중 하나는 20세기 예술에서 첨예해진 주제를 경고합니다. 한 버전에 따르면 작가는 평생 고통을 겪은 정신 장애의 영향으로 그것을 만들었습니다.

이 그림은 다른 박물관에서 두 번 도난당했지만 반환되었습니다. 도난 후 약간 손상을 입은 The Scream은 복원되어 2008년 뭉크 미술관에서 다시 전시될 준비가 되었습니다. 대중 문화의 대표자들에게 작품은 영감의 원천이되었습니다. Andy Warhol은 일련의 인쇄물 사본을 만들었고 영화 "Scream"의 마스크는 그림의 주인공의 이미지와 모양으로 만들어졌습니다.

한 줄거리에 대해 Munch는 네 가지 버전의 작품을 썼습니다. 개인 소장품 중 하나는 파스텔로 만들어졌습니다. 노르웨이의 억만장자 Petter Olsen이 2012년 5월 2일 경매에 내놓았습니다. 구매자는 "Scream"에 기록적인 금액을 아끼지 않은 Leon Black이었습니다. Apollo Advisors의 설립자 L.P. 라이온 고문, L.P. 예술에 대한 그의 사랑으로 유명합니다. Black은 Dartmouth College, 현대 미술관, Lincoln Art Center 및 Metropolitan Museum of Art의 후원자입니다. 그것은 현대 예술가들과 지난 세기의 고전 거장들의 가장 큰 그림 컬렉션을 가지고 있습니다.

6

"가슴과 녹색 잎을 배경으로 한 누드"

작가

파블로 피카소

국가 스페인, 프랑스
수년간의 삶 1881–1973
스타일 입체파

원래 그는 스페인 사람이지만 정신과 거주지에서 그는 진정한 프랑스 인입니다. 피카소는 겨우 16세 때 바르셀로나에 자신의 아트 스튜디오를 열었습니다. 그런 다음 그는 파리로 가서 인생의 대부분을 그곳에서 보냈습니다. 그렇기 때문에 그의 성에 이중 강세가 있습니다. 피카소가 창안한 스타일은 캔버스에 묘사된 물체를 한 각도에서만 볼 수 있다는 의견을 부정하는 데 기반을 두고 있습니다.

130x162cm
1932년
가격
$106.482 백만
판매된 2010 년에
경매에 크리스티

로마에서 작업하는 동안 예술가는 곧 그의 아내가 된 댄서 Olga Khokhlova를 만났습니다. 그는 방랑을 끝내고 그녀와 함께 호화로운 아파트로 이사했습니다. 그 무렵 인정은 영웅을 찾았지만 결혼 생활은 파괴되었습니다. 세계에서 가장 비싼 그림 중 하나는 거의 우연히 만들어졌습니다. 항상 피카소와 마찬가지로 수명이 짧은 큰 사랑으로 만들어졌습니다. 1927년에 그는 젊은 Marie-Therese Walter(그녀는 17세, 그는 45세)에게 관심을 갖게 되었습니다. 아내에게서 비밀리에 그는 여주인과 함께 파리 근처의 마을로 떠났고 그곳에서 다프네의 이미지로 마리 테레즈를 묘사 한 초상화를 그렸습니다. 이 그림은 뉴욕 딜러 Paul Rosenberg가 구입했으며 1951년 Sidney F. Brody에게 판매되었습니다. Brodys는 예술가가 80 세 였기 때문에 단 한 번만 그림을 세상에 선보였습니다. 남편이 사망한 후 Brody 부인은 2010년 3월 Christie's 경매에 작품을 내놓았습니다. 60년 동안 가격이 5,000배 이상 올랐습니다! 익명의 수집가가 1억 650만 달러에 구입했습니다. 2011년 영국에서 '원 페인팅 전시회'가 열렸는데, 그곳에서 두 번째로 빛을 보게 되었지만 아직 주인이 누구인지는 알 수 없다.

7

"여덟 엘비스"

작가

앤디 워홀

국가 미국
수년간의 삶 1928-1987
스타일
팝 아트

"섹스와 파티는 당신이 직접 나타나야 하는 유일한 장소입니다."라고 컬트 팝 아티스트이자 감독이자 인터뷰 매거진의 창립자 중 한 명인 디자이너 앤디 워홀이 말했습니다. 그는 Vogue 및 Harper's Bazaar와 함께 일했으며 레코드 커버를 디자인하고 I.Miller의 신발을 디자인했습니다. 1960년대에는 캠벨의 수프와 코카콜라, 프레슬리, 먼로 등 미국의 상징을 그린 그림이 등장해 그를 전설로 만들었다.

358x208cm
1963년
가격
1억 달러
판매된 2008 년에
비공개 입찰에서

워홀의 60년대 - 이른바 미국 팝아트 시대. 1962년 그는 뉴욕의 모든 보헤미아들이 모이는 맨해튼의 팩토리 스튜디오에서 일했다. 가장 밝은 대표자 : Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote 및 세계의 다른 유명한 인물. 동시에 Warhol은 하나의 이미지를 여러 번 반복하는 실크 스크린 인쇄 기술을 시도했습니다. 그는 또한 "Eight Elvises"를 만들 때이 방법을 사용했습니다. 시청자는 스타가 살아나는 영화의 프레임을 보는 것 같습니다. 작가가 그토록 사랑했던 모든 것이 여기에 있습니다. 상생의 공개 이미지, 은색, 죽음의 예감이 주요 메시지입니다.

오늘날 세계 시장에서 워홀의 작품을 홍보하는 두 명의 아트 딜러가 있습니다: 래리 가고시안(Larry Gagosian)과 알베르토 무그라비(Alberto Mugrabi). 2008년 첫 번째는 워홀의 작품 15점 이상을 구입하는 데 2억 달러를 지출했습니다. 두 번째는 그의 그림을 크리스마스 카드처럼 사고 팔지만 더 비쌉니다. 그러나 그것은 그들이 아니라 로마의 예술 감정가인 Annibale Berlinghieri가 알 수 없는 구매자에게 Warhol 기록인 1억 달러에 여덟 Elvises를 판매하는 것을 도운 겸손한 프랑스 예술 컨설턴트 Philippe Segalo였습니다.

8

"주황색,빨강 노랑"

작가

마크 로스코

국가 미국
수년간의 삶 1903–1970
스타일 추상표현주의

컬러 필드 페인팅의 제작자 중 한 명은 러시아 드빈스크(현재 라트비아 다우가프필스)에서 유대인 약사의 대가족으로 태어났습니다. 1911년에 그들은 미국으로 이민을 갔다. Rothko는 Yale University의 미술과에서 공부하고 장학금을 받았지만 반유대주의 정서로 인해 학업을 중단했습니다. 모든 것에도 불구하고 미술 평론가들은 예술가를 우상화했고 박물관은 평생 그를 쫓았습니다.

206x236cm
1961년
가격
$86.882 백만
판매된 2012 년에
경매에 크리스티

Rothko의 첫 번째 예술적 실험은 초현실주의적 지향이었지만 시간이 지남에 따라 플롯을 색 반점으로 단순화하여 객관성을 박탈했습니다. 처음에는 밝은 색상이었으며 1960년대에는 갈색, 보라색으로 채워져 예술가가 사망할 무렵에는 검은색으로 진해졌습니다. 마크 로스코는 자신의 그림에서 어떤 의미도 찾지 말라고 경고했습니다. 저자는 그가 말한 것을 정확히 말하고 싶었습니다. 공기 중에 녹는 색만 있고 그 이상은 없습니다. 그는 45cm 거리에서 작품을 볼 것을 권장하여 시청자가 깔때기처럼 색상으로 "끌어다"집니다. 주의: 모든 규칙에 따라 보는 것은 명상의 효과로 이어질 수 있습니다. 즉, 무한대에 대한 인식이 점차 다가오고 자신에 대한 완전한 몰입, 이완, 정화입니다. 그의 그림 속 색은 살아 숨 쉬고 강한 정서적 영향을 미칩니다 (때때로 치유라고합니다). 작가는 "시청자가 그들을 보며 울어야한다"고 말했는데 정말 그런 경우가 있었다. Rothko의 이론에 따르면, 이 순간 사람들은 그가 그림을 작업하는 과정에서 가졌던 것과 동일한 영적 경험을 하고 있습니다. 그러한 미묘한 수준에서 그것을 이해할 수 있었다면 이러한 추상화 작품이 종종 비평가들에 의해 아이콘과 비교된다는 사실에 놀라지 마십시오.

작품 "Orange, Red, Yellow"는 Mark Rothko 그림의 본질을 표현합니다. 뉴욕 크리스티 경매의 초기 비용은 3500만~4500만 달러다. 알 수 없는 구매자가 예상 가격의 두 배를 제시했습니다. 종종 그렇듯이 그림의 행복한 주인의 이름은 공개되지 않았습니다.

9

"삼부작"

작가

프랜시스 베이컨

국가
대 브리튼 섬
수년간의 삶 1909–1992
스타일 표현주의

위대한 철학자의 먼 후손이자 정식 이름을 딴 Francis Bacon의 모험은 그의 아버지가 아들의 동성애 성향을 받아 들일 수 없었던 그를 부인하면서 시작되었습니다. 베이컨은 먼저 베를린으로, 그다음에는 파리로 갔고, 그 후 그의 흔적은 유럽 전역에서 혼란스러워집니다. 생전에 그의 작품은 구겐하임 미술관과 트레차코프 갤러리를 비롯한 세계 유수의 문화 센터에 전시되었습니다.

147.5x198cm(각각)
1976년
가격
8,620만 달러
판매된 2008 년에
경매에 소더비

명망 있는 박물관들은 베이컨의 그림을 소장하기 위해 노력했지만, 원시 영국 대중은 그러한 예술을 위해 서두르지 않았습니다. 전설적인 영국 총리 마거릿 대처는 그에 대해 "이 끔찍한 그림을 그린 사람"이라고 말했습니다.

그의 작업의 시작 기간은 작가 자신이 전후 기간을 고려했습니다. 서비스에서 돌아온 그는 다시 그림을 그리고 주요 걸작을 만들었습니다. 1976년 삼부작이 경매에 나오기 전 베이컨의 최고가 작품은 '교황 이노첸시오 10세의 초상 연구'(5270만 달러)였다. "Triptych, 1976"에서 예술가는 분노에 의한 Orestes 박해의 신화적인 음모를 묘사했습니다. 물론 Orestes는 Bacon 그 자체이고 분노는 그의 고통입니다. 30년 넘게 이 그림은 개인 소장품이었고 전시회에 참가하지 않았습니다. 이 사실은 그것에 특별한 가치를 부여하고 그에 따라 비용을 증가시킵니다. 그러나 예술 감정가에게 수백만 달러는 얼마이며 러시아어로도 관대합니까? Roman Abramovich는 1990 년대에 그의 컬렉션을 만들기 시작했으며, 여기에서 그는 현대 러시아에서 세련된 갤러리 소유자가 된 그의 여자 친구 Dasha Zhukova의 영향을 크게 받았습니다. 비공식 데이터에 따르면 사업가는 Alberto Giacometti와 Pablo Picasso의 작품을 소유하고 있으며 1억 달러가 넘는 금액에 구입했습니다. 2008년에 그는 Triptych의 소유자가 되었습니다. 그건 그렇고, 2011 년에 Bacon의 또 다른 귀중한 작품 인 "Lucian Freud의 초상화를위한 세 가지 스케치"가 인수되었습니다. 숨겨진 소식통에 따르면 Roman Arkadievich가 다시 구매자가되었습니다.

10

"수련이 있는 연못"

작가

클로드 모네

국가 프랑스
수년간의 삶 1840–1926
스타일 인상주의

작가는 그의 캔버스에서이 방법을 "특허"한 인상주의의 창시자로 인정 받고 있습니다. 첫 번째 중요한 작업은 "Breakfast on the Grass"(Edouard Manet 작품의 원본) 그림이었습니다. 젊었을 때 그는 캐리커처를 그렸고 해안과 야외에서 여행하는 동안 실제 그림을 그렸습니다. 파리에서 그는 보헤미안 라이프 스타일을 이끌었고 군 복무 후에도 떠나지 않았습니다.

210x100cm
1919년
가격
8,050만 달러
판매된 2008 년에
경매에 크리스티

모네는 위대한 예술가라는 사실 외에도 정원 가꾸기에 열정적이었고 야생 동물과 꽃을 좋아했습니다. 그의 풍경에서 자연의 상태는 순간적이며 사물은 공기의 움직임에 의해 흐려지는 것처럼 보인다. 인상은 큰 스트로크로 향상되며 특정 거리에서 보이지 않게되고 질감이있는 3 차원 이미지로 병합됩니다. 후기 모네의 그림에서 물과 그 안의 생명이라는 주제가 특별한 장소를 차지합니다. 지베르니 마을에서 작가는 자신의 연못이 있었는데 그곳에서 특별히 일본에서 가져온 씨앗에서 수련을 키 웠습니다. 꽃이 피었을 때 그는 그림을 그리기 시작했습니다. 수련 시리즈는 작가가 죽을 때까지 거의 30년에 걸쳐 그린 60점의 작품으로 구성되어 있습니다. 그의 시력은 나이가 들면서 악화되었지만 멈추지 않았습니다. 바람, 계절, 날씨에 따라 연못의 풍경은 끊임없이 변했고, 모네는 이러한 변화를 포착하고 싶었습니다. 세심한 작업을 통해 자연의 본질에 대한 이해가 그에게 왔습니다. 이 시리즈의 그림 중 일부는 국립서양미술관(도쿄), 오랑제리(파리)와 같은 세계 최고의 갤러리에 보관되어 있습니다. 다음 "수련이있는 연못"의 버전은 기록적인 금액으로 알려지지 않은 구매자의 손에 들어갔습니다.

11

거짓 별 티

작가

재스퍼 존스

국가 미국
생년월일 1930
스타일 팝 아트

1949년 Jones는 뉴욕의 디자인 학교에 입학했습니다. Jackson Pollock, Willem de Kooning 등과 함께 그는 20세기의 주요 예술가 중 한 명으로 인정받고 있습니다. 2012년에는 미국에서 민간인에게 주어지는 최고의 상인 대통령 자유 메달을 받았습니다.

137.2x170.8cm
1959년
가격
8천만 달러
판매된 2006년
비공개 입찰에서

Marcel Duchamp와 마찬가지로 Jones는 실제 물체로 작업하여 원본과 완전히 일치하는 캔버스와 조각으로 묘사했습니다. 그의 작품에서 그는 맥주병, 깃발 또는 지도와 같이 모든 사람이 간단하고 이해하기 쉬운 물건을 사용했습니다. False Start 그림에는 명확한 구도가 없습니다. 작가는 종종 그림의 색상에 "잘못" 서명하여 색상의 개념을 뒤집는 시청자와 놀고 있는 것 같습니다. 방법." 비평가들에 따르면 그의 가장 폭발적이고 "불안"한 그림은 알려지지 않은 구매자가 인수했습니다.

12

"앉아나체상소파에서"

작가

아메데오 모딜리아니

국가 이탈리아, 프랑스
수년간의 삶 1884–1920
스타일 표현주의

Modigliani는 어린 시절부터 종종 아팠고 열이 나는 섬망 동안 그는 예술가로서의 운명을 인식했습니다. 그는 리보르노, 피렌체, 베니스에서 그림을 공부했고 1906년 파리로 떠났고 그곳에서 그의 예술은 꽃을 피웠다.

65x100cm
1917년
가격
689억 6200만 달러
판매된 2010 년에
경매에 소더비

1917년 모딜리아니는 그의 모델이자 나중에 그의 아내가 된 19세의 잔느 에뷔테른을 만났습니다. 2004년 그녀의 초상화 중 하나는 3,130만 달러에 팔렸는데, 이는 2010년 소파에 앉은 누드가 판매되기 전 마지막 기록이었습니다. 이 그림은 알려지지 않은 구매자가 현재 Modigliani의 최대 가격으로 구입했습니다. 활발한 작품 판매는 작가의 죽음 이후에만 시작되었습니다. 그는 결핵을 앓으며 가난하게 세상을 떠났고, 다음날 임신 9개월이던 잔느 에뷔테른도 자살했다.

13

"소나무 위의 독수리"

작가

치백석

국가 중국
수년간의 삶 1864–1957
스타일 궈화

서예에 대한 관심으로 Qi Baishi는 그림을 그렸습니다. 28세에 화가 후칭위안(胡靑元)의 제자가 되었다. 중국 문화부는 그에게 "중국 인민의 위대한 예술가"라는 칭호를 수여했으며 1956년에는 국제 평화상을 받았습니다.

10x26cm
1946년
가격
6,540만 달러
판매된 2011 년에
경매에 차이나 가디언

Qi Baishi는 많은 사람들이 중요하지 않은 주변 세계의 표현에 관심이 있었으며 이것이 그의 위대함입니다. 교육을 받지 못한 사람이 교수가 되었고 역사상 뛰어난 창조자가 되었습니다. Pablo Picasso는 그에 대해 "중국에 Qi Baishi가 있기 때문에 당신의 나라에 가기가 두렵습니다. "라고 말했습니다. "소나무 위의 독수리"라는 작곡은 작가의 가장 큰 작품으로 인정 받고 있습니다. 캔버스 외에도 두 개의 상형 문자 두루마리가 포함되어 있습니다. 중국의 경우 제품 구매 금액은 4억 2,550만 위안으로 기록적입니다. 고대 서예가인 Huang Tingjian의 두루마리만 4억 ​​3,680만 달러에 팔렸습니다.

14

"1949-A-#1"

작가

클리포드 스틸

국가 미국
수년간의 삶 1904–1980
스타일 추상표현주의

20세 때 뉴욕 메트로폴리탄 미술관을 찾았다가 실망했다. 나중에 그는 학생 예술 리그 과정에 등록했지만 수업 시작 45 분 후에 떠났습니다. "그의 것이 아닌"것으로 판명되었습니다. 첫 번째 개인전은 공명을 일으켰고 작가는 자신을 발견했으며 그와 함께 인식

79x93cm
1949년
가격
6,170만 달러
판매된 2011 년에
경매에 소더비

800점이 넘는 캔버스와 1600점이 넘는 종이 작업인 그의 모든 작품은 여전히 ​​그의 이름을 딴 박물관이 열릴 미국 도시에 유증됩니다. 덴버는 그런 도시가 되었지만, 건축비만 당국에 비쌌고, 그것을 완성하기 위해 4개의 작품이 경매에 부쳐졌다. 스틸의 작품은 다시는 경매에 나올 가능성이 낮아 사전에 가격을 올렸다. 전문가들은 최대 2,500만~3,500만 달러의 판매를 예상했지만, 그림 "1949-A-No.1"은 아티스트에게 기록적인 금액으로 판매되었습니다.

15

"슈프레마티스트 구성"

작가

카지미르 말레비치

국가 러시아
수년간의 삶 1878–1935
스타일 절대주의

Malevich는 Kyiv Art School에서 그림을 공부한 다음 Moscow Academy of Arts에서 공부했습니다. 1913년에 그는 Suprematism(라틴어 "dominance"에서 유래)이라고 부르는 스타일로 추상적인 기하학적 그림을 그리기 시작했습니다.

71x88.5cm
1916년
가격
6천만 달러
판매된 2008 년에
경매에 소더비

이 그림은 약 50년 동안 암스테르담 시립 박물관에 보관되었지만 말레비치의 친척들과 17년 간의 분쟁 끝에 박물관에서 이 그림을 포기했습니다. 작가가 이 작품을 절대주의 선언과 같은 해에 그렸기 때문에 소더비는 경매 전부터 6000만 달러 이하로는 개인 소장에 들어가지 않겠다고 발표했다. 그래서 일어났습니다. 위에서 보는 것이 좋습니다. 캔버스의 그림은 지구의 조감도와 비슷합니다. 그건 그렇고, 몇 년 전에 같은 친척이 필립스에서 1,700만 달러에 팔기 위해 MoMA 박물관에서 또 다른 "슈프레마티스트 작품"을 몰수했습니다.

16

"목욕자들"

작가

폴 고갱

국가 프랑스
수년간의 삶 1848–1903
스타일 후기 인상주의

7세까지 페루에 살다가 가족과 함께 프랑스로 돌아갔지만 어린 시절의 추억은 끊임없이 그를 여행으로 몰아갔다. 프랑스에서 그는 그림을 그리기 시작했고 반 고흐와 친구였습니다. 그는 반 고흐가 다투는 동안 귀를 잘릴 때까지 Arles에서 그와 몇 달을 보냈습니다.

93.4x60.4cm
1902년
가격
5,500만 달러
판매된 2005년
경매에 소더비

1891년 고갱은 그 수익금을 타히티 섬 깊숙이 파고드는 데 사용하기 위해 자신의 그림 판매를 주선했습니다. 그곳에서 그는 자연과 인간의 미묘한 연결을 느낄 수 있는 작품을 만들었습니다. 고갱은 초가집에서 살았고 그의 캔버스에는 열대 낙원이 피어났습니다. 그의 아내는 13세의 타히티인 테후라로 예술가가 난잡한 관계를 맺는 것을 막지 못했습니다. 매독에 걸린 그는 프랑스로 떠났다. 그러나 그곳에서 고갱은 비좁아 타히티로 돌아갔다. 이 기간을 "두 번째 타히티"라고합니다. 그때 그의 작품에서 가장 호화로운 그림 중 하나 인 "Bathers"가 그려졌습니다.

17

"파란색과 분홍색의 수선화와 식탁보"

작가

앙리 마티스

국가 프랑스
수년간의 삶 1869–1954
스타일 야수파

1889년 앙리 마티스는 맹장염에 걸렸다. 그가 수술에서 회복되었을 때 그의 어머니는 그에게 페인트를 사주었다. 첫째, 지루함에서 Matisse는 컬러 엽서를 복사 한 다음 루브르 박물관에서 본 위대한 화가의 작품을 복사했으며 20 세기 초에 그는 야수파라는 스타일을 생각해 냈습니다.

65.2x81cm
1911년
가격
4,640만 달러
판매된 2009 년에
경매에 크리스티

그림 "수선화와 파란색과 분홍색의 식탁보"는 오랫동안 Yves Saint Laurent의 소유였습니다. 꾸뛰리에가 사망한 후 그의 전체 미술 컬렉션은 크리스티 경매에 내놓기로 결정한 그의 친구이자 연인인 피에르 베르제(Pierre Berger)의 손에 넘어갔습니다. 판매 된 컬렉션의 진주는 캔버스 대신 일반 식탁보에 그려진 그림 "파란색과 분홍색의 수선화와 식탁보"였습니다. Fauvism의 예로서 색채의 에너지로 가득 차서 색채가 폭발하고 비명을 지르는 것처럼 보입니다. 잘 알려진 식탁보 그림 시리즈 중에서 오늘날 이 작품은 개인 소장품에 있는 유일한 작품입니다.

18

"잠자는 소녀"

작가

로이이씨

첸슈타인

국가 미국
수년간의 삶 1923–1997
스타일 팝 아트

작가는 뉴욕에서 태어나 학교를 졸업한 후 오하이오로 가서 미술 과정을 다녔다. 1949년에 리히텐슈타인은 미술 석사 학위를 받았습니다. 만화에 대한 관심과 아이러니한 능력은 그를 지난 세기의 컬트 아티스트로 만들었습니다.

91x91cm
1964년
가격
448억 8200만 달러
판매된 2012 년에
경매에 소더비

한때 껌이 리히텐슈타인의 손에 떨어졌습니다. 그는 캔버스에 삽입된 그림을 다시 그려 유명해졌습니다. 그의 전기의 이 줄거리에는 팝 아트의 전체 메시지가 포함되어 있습니다. 소비는 새로운 신이며 모나리자보다 껌 포장지에 아름다움이 적지 않습니다. 그의 그림은 만화와 만화를 연상시킵니다. Lichtenstein은 완성 된 이미지를 단순히 확대하고 래스터를 그렸고 스크린 인쇄와 실크 스크린 인쇄를 사용했습니다. 그림 "Sleeping Girl"은 거의 50년 동안 수집가인 Beatrice와 Philip Gersh의 소유였으며 그의 상속인은 경매에서 그것을 팔았습니다.

19

"승리. 부기 우기"

작가

피에트 몬드리안

국가 네덜란드
수년간의 삶 1872–1944
스타일 신조형주의

그의 본명은 코르넬리스(Cornelis)이며 1912년 파리로 이주하면서 예술가는 몬드리안으로 바뀌었다. 예술가 Theo van Doesburg와 함께 그는 종양학 운동을 창시했습니다. Piet 프로그래밍 언어는 Mondrian의 이름을 따서 명명되었습니다.

27x127cm
1944년
가격
4천만 달러
판매된 1998년
경매에 소더비

20세기의 가장 "음악적인" 예술가는 신생물 예술가로 유명해졌지만 수채화 정물화로 생계를 꾸렸습니다. 그는 1940년대에 미국으로 건너가 여생을 그곳에서 보냈다. 재즈와 뉴욕 - 그것이 그에게 가장 큰 영감을 준 것입니다! 회화 "승리. 부기우기가 가장 좋은 예입니다. 몬드리안이 가장 좋아하는 재료인 접착 테이프를 사용하여 "브랜드"가 있는 깔끔한 사각형을 얻었습니다. 미국에서 그는 "가장 유명한 이민자"라고 불렸다. 60년대에 Yves Saint Laurent는 대형 컬러 체크 프린트가 있는 세계적으로 유명한 "Mondrian" 드레스를 생산했습니다.

20

"구성 번호 5"

작가

바질칸딘스키

국가 러시아
수년간의 삶 1866–1944
스타일 아방가르드

예술가는 모스크바에서 태어 났고 그의 아버지는 시베리아 출신이었습니다. 혁명 후 그는 소련 당국과 협력하려했지만 곧 프롤레타리아트의 법이 그를 위해 만들어지지 않았다는 것을 깨달았고 어려움없이 독일로 이주했습니다.

275x190cm
1911년
가격
4천만 달러
판매된 2007 년에
경매에 소더비

칸딘스키는 처음으로 오브제 페인팅을 완전히 포기한 사람 중 한 명으로 천재라는 칭호를 받았습니다. 독일의 나치즘 기간 동안 그의 그림은 "타락한 예술"로 분류되어 어디에도 전시되지 않았습니다. 1939년 칸딘스키는 프랑스 시민권을 취득했고 파리에서 예술 과정에 자유롭게 참여했습니다. 그의 그림은 푸가처럼 "소리"가 나기 때문에 많은 작품이 "작곡"이라고 불립니다(첫 번째는 1910년에, 마지막은 1939년에 작성됨). “작곡 5번”은 이 장르의 핵심 작품 중 하나다. 많은 추종자들과 달리 그는 마치 노트를 쓰듯 거대한 캔버스에 무엇을 그릴지 계획했다.

21

"푸른 옷을 입은 여인의 연구"

작가

페르낭 레제

국가 프랑스
수년간의 삶 1881–1955
스타일 입체파-후기 인상주의

Leger는 건축 교육을 받은 후 파리 미술 학교에서 학생이었습니다. 작가는 자신을 세잔의 추종자로 여겼고 입체파의 옹호자였으며 20세기에는 조각가로도 성공했습니다.

96.5x129.5cm
1912년–1913년
가격
3,920만 달러
판매된 2008 년에
경매에 소더비

Sotheby's International Impressionism and Modernism의 회장인 David Normann은 The Lady in Blue에 지불된 막대한 금액이 전적으로 정당하다고 믿습니다. 이 그림은 유명한 Leger 컬렉션에 속하며 (작가는 한 줄거리에 세 개의 그림을 그렸고 그중 마지막 그림은 오늘날 개인 손에 있습니다. -Ed.) 캔버스 표면은 원래 형태로 보존되었습니다. 저자 자신이 이 작품을 Der Sturm 갤러리에 제공한 후 독일 모더니즘 수집가인 Hermann Lang의 컬렉션에 포함되었으며 현재는 알 수 없는 구매자의 소유입니다.

22

"거리 풍경. 베를린"

작가

에른스트 루트비히키르츠너

국가 독일
수년간의 삶 1880–1938
스타일 표현주의

독일 표현주의의 경우 키르히너는 획기적인 인물이 되었습니다. 그러나 지방 당국은 그가 1938년에 자살한 그의 그림의 운명과 예술가의 삶에 비극적인 영향을 미친 "타락한 예술"을 고수했다고 비난했습니다.

95x121cm
1913년
가격
380억 9600만 달러
판매된 2006년
경매에 크리스티

베를린으로 이사한 후 Kirchner는 거리 장면에 대한 11개의 스케치를 만들었습니다. 그는 대도시의 번잡함과 긴장감에서 영감을 받았습니다. 2006년 뉴욕에서 판매된 이 그림에서 작가의 불안은 특히 심각합니다. 베를린 거리의 사람들은 우아하고 위험한 새와 비슷합니다. 그녀는 유명한 시리즈의 마지막 작품으로 경매에서 판매되었으며 나머지는 박물관에 보관됩니다. 1937년 나치는 키르츠너를 잔인하게 대했습니다. 그의 작품 중 639점이 독일 갤러리에서 압수되어 파괴되거나 해외로 팔렸습니다. 예술가는 살아남을 수 없었습니다.

23

"휴식춤추는 사람"

작가

에드가 드가

국가 프랑스
수년간의 삶 1834–1917
스타일 인상주의

예술가로서의 Degas의 역사는 그가 루브르 박물관에서 필사자로 일했다는 사실에서 시작되었습니다. 그는 "유명하고 알려지지 않은"사람이되는 꿈을 꾸었고 결국 성공했습니다. 80세의 드가는 귀머거리와 맹인으로 생을 마칠 때까지 계속해서 전시회와 경매에 참석했습니다.

64x59cm
1879년
가격
$37.043 백만
판매된 2008 년에
경매에 소더비

"발레리나는 항상 제게 천을 묘사하고 움직임을 포착하기 위한 핑계일 뿐입니다." 드가가 말했습니다. 댄서들의 삶의 장면이 엿보이는 것 같습니다. 소녀들은 예술가를 위해 포즈를 취하지 않고 단순히 Degas의 시선에 잡힌 분위기의 일부가됩니다. Resting Dancer는 1999년에 2,800만 달러에 팔렸고 10년이 채 지나지 않아 3,700만 달러에 팔렸습니다. 오늘날 이 작품은 경매에 나온 예술가의 가장 비싼 작품입니다. Degas는 프레임에 많은 관심을 기울였으며 직접 디자인했으며 변경을 금지했습니다. 판매된 그림에 어떤 액자가 설치되어 있는지 궁금합니다.

24

"그림"

작가

후안 미로

국가 스페인
수년간의 삶 1893–1983
스타일 추상 미술

스페인 내전 동안 예술가는 공화당 편에 섰습니다. 1937년에 그는 파시스트 세력을 피해 파리로 도망쳐 가족과 함께 가난하게 살았습니다. 이 기간 동안 Miro는 "Help Spain! "이라는 그림을 그려 파시즘의 지배에 전 세계의 관심을 끌고 있습니다.

89x115cm
1927년
가격
$36,824,000,000
판매된 2012 년에
경매에 소더비

그림의 두 번째 이름은 "Blue Star"입니다. 작가는 같은 해에 "그림을 죽이고 싶다"고 발표하면서 캔버스를 무자비하게 조롱하고 손톱으로 페인트를 긁고 깃털을 캔버스에 붙이고 작품을 쓰레기로 덮었습니다. 그의 목표는 그림의 신비에 대한 신화를 폭로하는 것이었지만 이에 대처하여 Miro는 초현실적 인 추상화라는 자신의 신화를 만들었습니다. 그의 "회화"는 "그림-꿈"의 순환을 의미합니다. 4명의 구매자가 경매에서 그것을 놓고 싸웠지만, 익명의 전화 한 통으로 분쟁이 해결되었고 "그림"은 예술가의 가장 비싼 그림이 되었습니다.

25

"파란 장미"

작가

이브 클라인

국가 프랑스
수년간의 삶 1928–1962
스타일 흑백 그림

작가는 화가의 가족에서 태어 났지만 동양 언어, 항해, 액자 금 공예, 선불교 등을 공부했습니다. 그의 성격과 뻔뻔스러운 익살은 흑백 그림보다 몇 배 더 흥미로웠다.

153x199x16cm
1960년
가격
367억 7900만 달러
2012년에 판매
크리스티 경매에서

단색의 노란색, 주황색, 분홍색 작품의 첫 전시는 대중의 관심을 불러일으키지 못했습니다. Klein은 기분이 상했고 다음에 그는 특수 합성 수지와 혼합된 군청색으로 칠해진 11개의 동일한 캔버스를 제시했습니다. 그는 심지어 이 방법에 대한 특허까지 받았습니다. 색상은 "International Klein Blue"로 역사상 기록되었습니다. 작가는 또한 공허함을 팔고 종이를 비에 노출시키고 판지에 불을 지르고 캔버스에 인체를 인쇄하여 그림을 만들었습니다. 한마디로 최선을 다해 실험했습니다. "Blue Rose"를 만들기 위해 마른 안료, 수지, 자갈 및 천연 스폰지를 사용했습니다.

26

"모세를 찾습니다"

작가

로렌스 알마 타데마 경

국가 대 브리튼 섬
수년간의 삶 1836–1912
스타일 신고전주의

로렌스 경은 자신의 성에 접두사 "alma"를 추가하여 예술 카탈로그에 첫 번째로 등장했습니다. 빅토리아 시대 영국에서 그의 그림은 수요가 너무 많아서 예술가가 기사 작위를 받았습니다.

213.4x136.7cm
1902년
가격
$35.922 백만
판매된 2011 년에
경매에 소더비

Alma-Tadema 작업의 주요 주제는 고대였습니다. 그림에서 그는 로마 제국의 시대를 아주 자세하게 묘사하려고 노력했습니다. 이를 위해 그는 아펜 니노 반도에서 고고학 발굴에도 참여했으며 그의 런던 집에서는 그 시대의 역사적인 내부를 재현했습니다. 신화 이야기는 그에게 또 다른 영감의 원천이 되었습니다. 작가는 생전에 큰 수요가 있었지만 사망 후 빠르게 잊혀졌습니다. 이제 사전 판매 추정치보다 7 배 높은 그림 "In Search of Moses"의 비용에서 알 수 있듯이 관심이 되살아나고 있습니다.

27

"잠자고 있는 벌거벗은 관료의 초상"

작가

루시안 프로이트

국가 독일,
대 브리튼 섬
수년간의 삶 1922–2011
스타일 구상화

화가는 정신분석학의 아버지 지그문트 프로이트의 손자다. 독일에서 파시즘이 확립된 후 그의 가족은 영국으로 이주했습니다. 프로이트의 작품은 이전에 어떤 현대 미술가도 전시한 적이 없는 런던의 월리스 컬렉션에 있습니다.

219.1x151.4cm
1995년
가격
3,360만 달러
판매된 2008 년에
경매에 크리스티

20세기의 패셔너블한 예술가들이 긍정적인 "벽의 색 반점"을 만들어 수백만 달러에 팔았지만, 프로이트는 극도로 자연주의적인 그림을 그렸고 그 이상으로 팔았습니다. “나는 영혼의 울부짖음과 시들어가는 육신의 고통을 포착합니다.”라고 그는 말했습니다. 비평가들은 이 모든 것이 지그문트 프로이트의 "유산"이라고 믿습니다. 그림이 너무 활발하게 전시되고 성공적으로 판매되어 전문가들은 의심했습니다. 최면 속성이 있습니까? Sun에 따르면 경매에서 판매 된 "잠자는 알몸 관리의 초상화"는 아름다움 감정가이자 억만 장자 Roman Abramovich가 인수했습니다.

28

"바이올린과 기타"

작가

엑스하나의 그리스

국가 스페인
수년간의 삶 1887–1927
스타일 입체파

마드리드에서 태어나 미술 공예 학교를 졸업했습니다. 1906 년에 그는 파리로 이주하여 당대 가장 영향력있는 예술가 인 Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Leger와 함께 Sergei Diaghilev 및 그의 극단과 함께 일했습니다.

5x100cm
1913년
가격
$28.642 백만
판매된 2010 년에
경매에 크리스티

Gris는 자신의 말로 "평면의 유색 건축"에 종사했습니다. 그의 그림은 정확하게 생각됩니다. 그는 기하학과 관련된 창의성을 만드는 우연한 획을 한 번도 남기지 않았습니다. 예술가는 운동의 창시자 인 Pablo Picasso를 크게 존경했지만 자신 만의 입체파 버전을 만들었습니다. 후계자는 그의 첫 번째 입체파 작품인 피카소에 대한 찬사를 그에게 바치기까지 했습니다. 그림 "바이올린과 기타"는 작가의 작품에서 뛰어난 것으로 인정 받고 있습니다. 그의 생애 동안 Gris는 비평가와 미술사가들이 선호하는 것으로 알려졌습니다. 그의 작품은 세계 최대의 박물관에 전시되어 있으며 개인 소장품으로 소장되어 있습니다.

29

"초상화엘뤼아르의 들판»

작가

살바도르 달리

국가 스페인
수년간의 삶 1904–1989
스타일 초현실주의

“초현실주의는 나야.” 달리가 초현실주의 그룹에서 추방되었을 때 한 말이다. 시간이 흐르면서 그는 가장 유명한 초현실주의 예술가가 되었습니다. 달리의 작품은 갤러리뿐만 아니라 어디에나 있습니다. 예를 들어 Chupa-Chups의 포장을 생각해 낸 사람은 바로 그 사람이었습니다.

25x33cm
1929년
가격
2,060만 달러
판매된 2011 년에
경매에 소더비

1929년 시인 폴 엘뤼아르(Paul Eluard)와 그의 러시아인 아내 갈라(Gala)는 위대한 선동가이자 투사인 달리(Dali)를 방문했습니다. 그 만남은 반세기가 넘는 사랑 이야기의 시작이었다. 그림 "Paul Eluard의 초상화"는 이 역사적인 방문 기간 동안에 그렸습니다. "나는 올림푸스에서 뮤즈 중 하나를 훔친 시인의 얼굴을 포착해야 할 의무가 있다고 느꼈습니다. "라고 작가는 말했습니다. 갈라를 만나기 전에는 처녀였고 여자와 성관계를 갖는다는 생각에 혐오스러웠다. 사랑의 삼각 관계는 Eluard가 죽을 때까지 존재했으며 그 후 Dali-Gala 듀엣이되었습니다.

30

"기념일"

작가

마크 샤갈

국가 러시아, 프랑스
수년간의 삶 1887–1985
스타일 아방가르드

Moishe Segal은 비테프스크에서 태어났지만 1910년 파리로 이주하여 이름을 바꾸고 당대의 주요 아방가르드 예술가들과 가까워졌습니다. 1930년대 나치가 집권하자 미국 영사의 도움을 받아 미국으로 떠났다. 그는 1948년에야 프랑스로 돌아왔다.

80x103cm
1923년
가격
1,485만 달러
1990년에 판매
소더비 경매에서

그림 "Jubilee"은 작가의 최고의 작품 중 하나로 인정 받고 있습니다. 그것은 그의 작품의 모든 특징을 가지고 있습니다. 세상의 물리적 법칙이 지워지고 소부르주아 생활의 풍경에 동화의 느낌이 보존되며 사랑이 줄거리의 중심에 있습니다. 샤갈은 자연에서 사람을 그린 것이 아니라 기억이나 환상에서 사람을 그렸습니다. 그림 "Jubilee"은 그의 아내 Bela와 함께 예술가 자신을 묘사합니다. 이 그림은 1990년에 팔렸고 그 이후로 입찰되지 않았습니다. 흥미롭게도 뉴욕 현대 미술관 MoMA는 "생일"이라는 이름으로만 정확히 동일하게 유지합니다. 그건 그렇고, 그것은 1915 년에 더 일찍 작성되었습니다.

초안 준비
타티아나 팔라소바
집계된 평가
www.art-spb.ru 목록에 따르면
tmn 매거진 13호 (2013년 5월~6월)