세 번째 전류(프로그레시브 재즈).

재즈는 19세기 말과 20세기 초 미국에서 시작된 음악적 방향입니다. 그 출현은 아프리카와 유럽의 두 문화가 섞인 결과입니다. 이러한 추세는 미국 흑인의 영가(교회 성가), 아프리카 민속 리듬 및 유럽의 조화로운 멜로디를 결합할 것입니다. 그 특징은 다음과 같습니다. 실신 원리에 기반한 유연한 리듬, 타악기 사용, 즉흥 연주, 표현적인 연주 방식, 소리와 역동적인 긴장감으로 구별되며 때로는 황홀함에 도달합니다. 처음에 재즈는 래그타임과 블루스 요소의 조합이었습니다. 사실 이 두 가지 방향에서 비롯된 것입니다. 재즈 스타일의 특징은 우선 거장 재즈맨의 개별적이고 독특한 연주이며 즉흥 연주는 이 움직임에 지속적인 관련성을 부여합니다.

재즈 자체가 형성된 후 지속적인 개발 및 수정 과정이 시작되어 다양한 방향이 등장했습니다. 현재 약 30 개가 있습니다.

뉴올리언스(전통) 재즈.

이 스타일은 보통 정확히 1900년에서 1917년 사이에 연주되었던 재즈를 의미합니다. 실신 음악을 연주하는 음악가들이 항상 일자리를 찾을 수 있는 바와 유사한 시설을 통해 인기를 얻은 Storyville(뉴올리언스 홍등가)의 개장과 그 기원이 일치했다고 할 수 있습니다. 이전에 흔했던 거리 밴드는 소위 "스토리빌 앙상블"로 대체되기 시작했으며, 이전 밴드에 비해 연주가 점점 더 개별화되었습니다. 이 앙상블은 나중에 클래식 뉴올리언스 재즈의 창시자가 되었습니다. 이 스타일의 연주자의 생생한 예는 다음과 같습니다. Jelly Roll Morton("His Red Hot Peppers"), Buddy Bolden("Funky Butt"), Kid Ory. 아프리카 민속 음악을 최초의 재즈 형식으로 전환한 것은 바로 그들이었습니다.

시카고 재즈.

1917년, 뉴올리언스에서 온 이민자들이 시카고에 등장하면서 재즈 음악 발전의 다음 중요한 단계가 시작됩니다. 초기 전통 재즈에 새로운 요소를 도입하는 게임인 새로운 재즈 오케스트라의 형성이 있습니다. 이것은 흑인 뮤지션의 핫 재즈와 백인의 딕시 랜드라는 두 가지 방향으로 나뉜 시카고 공연 학교의 독립적 인 스타일이 나타나는 방식입니다. 이 스타일의 주요 특징은 다음과 같습니다. 개별화 된 솔로 파트, 뜨거운 영감의 변화 (원래의 자유로운 황홀한 연주는 더 긴장되고 긴장이 넘쳤습니다), 신스 (전통적인 요소뿐만 아니라 래그 타임, 유명한 미국 히트 곡이 포함 된 음악) ) 및 악기 연주의 변화(악기의 역할 및 연주 기법이 변경됨). 이 방향의 기본 인물 ( "What Wonderful World", "Moon Rivers") 및 ( "Someday Sweetheart", "Ded Man Blues").

스윙은 1920년대와 30년대 시카고 학교에서 직접 발생하여 빅 밴드(The Original Dixieland Jazz Band)가 연주한 오케스트라 스타일의 재즈입니다. 서양 음악이 우세한 것이 특징이다. 색소폰, 트럼펫 및 트롬본의 별도 섹션이 오케스트라에 나타났습니다. 밴조는 기타, 튜바 및 sazophone-더블베이스로 대체됩니다. 음악은 집단적 즉흥 연주에서 벗어나고, 연주자들은 미리 예정된 악보를 엄격히 고수하며 연주합니다. 특징적인 기법은 리듬 섹션과 멜로디 악기의 상호 작용이었습니다. 이 방향의 대표자 : ( "Creole Love Call", "The Mooche"), Fletcher Henderson ( "Buddha Smiles"), Benny Goodman과 그의 오케스트라.

비밥은 40년대에 시작된 모던 재즈로 실험적이고 반상업적인 방향이었다. 스윙과 달리 복잡한 즉흥 연주를 많이 강조하고 멜로디보다는 화음을 강조하는 지적인 스타일이다. 이 스타일의 음악은 또한 매우 빠른 속도로 구별됩니다. 가장 뛰어난 대표자는 Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Max Roach, Charlie Parker("Night In Tunisia", "Manteca") 및 Bud Powell입니다.

주류. Stride(Northeast Jazz), Kansas City Style 및 West Coast Jazz의 세 가지 흐름을 포함합니다. Louis Armstrong, Andy Condon, Jimmy Mac Partland와 같은 마스터가 이끄는 시카고에서 핫 스트라이드가 지배했습니다. Kansas City는 블루스 스타일의 서정적인 작품이 특징입니다. 웨스트 코스트 재즈는 로스엔젤레스에서 의 지휘 아래 발전했고, 이후 쿨 재즈로 귀결되었습니다.

Cool Jazz(쿨재즈)는 50년대 로스앤젤레스에서 다이나믹하고 충동적인 스윙과 비밥과 대조를 이루며 시작되었습니다. 이 스타일의 창시자는 Lester Young으로 간주됩니다. 재즈에서는 특이한 사운드 생성 방식을 도입한 사람이 바로 그 사람이었습니다. 이 스타일은 교향곡 악기의 사용과 감정의 절제가 특징입니다. 이러한 맥락에서 Miles Davis(“Blue In Green”), Gerry Mulligan(“Walking Shoes”), Dave Brubeck(“Pick Up Sticks”), Paul Desmond와 같은 거장들이 흔적을 남겼습니다.

아방가르드는 60년대에 발전하기 시작했습니다. 이 아방가르드 스타일은 원래의 전통적인 요소에서 벗어나 새로운 기법과 표현 수단을 사용하는 것이 특징입니다. 이러한 경향의 뮤지션들에게는 음악을 통한 자기표현이 우선이었다. 이 추세의 공연자는 Sun Ra ( "Kosmos in Blue", "Moon Dance"), Alice Coltrane ( "Ptah The El Daoud"), Archie Shepp입니다.

프로그레시브 재즈는 40년대에 비밥과 병행하여 등장했지만 스타카토 색소폰 기법, 리드미컬한 맥동 및 심포재즈 요소와 다조성의 복잡한 얽힘으로 구별되었습니다. Stan Kenton은 이러한 추세의 창시자라고 할 수 있습니다. 뛰어난 대표자: Gil Evans와 Boyd Ryburn.

하드 밥은 비밥에 뿌리를 둔 재즈 유형입니다. 디트로이트, 뉴욕, 필라델피아 - 이 도시들에서 이 스타일이 탄생했습니다. 공격성 측면에서 비밥을 연상케하지만 여전히 블루스 요소가 우세합니다. 캐릭터 연기자로는 Zachary Breaux('Uptown Groove'), Art Blakey, The Jass Messengers가 있습니다.

소울 재즈. 이 용어는 모든 흑인 음악을 가리키는 데 사용됩니다. 그것은 전통적인 블루스와 아프리카 계 미국인 민속을 기반으로합니다. 이 음악은 오스티나토 베이스와 리드미컬하게 반복되는 샘플이 특징이며, 이로 인해 다양한 대중들 사이에서 널리 퍼졌습니다. 이 방향의 히트작 중에는 Ramsey Lewis "The In Crowd"와 Harris-McCain "Compared To What"의 구성이 있습니다.

그루브(일명 펑크)는 소울의 파생물이며 리드미컬한 초점만이 그것을 구별합니다. 기본적으로 이 방향의 음악은 주요한 색깔을 가지고 있으며, 구조적으로는 각 악기의 부분이 명확하게 정의되어 있습니다. 솔로 연주는 전체적인 사운드에 조화롭게 어울리며 너무 개성적이지 않습니다. 이 스타일의 연주자는 Shirley Scott, Richard "Groove" Holmes, Gene Emmons, Leo Wright입니다.

Free Jazz는 Ornette Coleman과 Cecil Taylor와 같은 혁신적인 대가들의 노력 덕분에 50년대 후반에 시작되었습니다. 그 특징은 무조성, 화음 순서 위반입니다. 이 스타일은 종종 "프리 재즈"라고 불리며 그 파생물은 로프트 재즈, 모던 크리에이티브 및 프리 펑크입니다. 이 스타일의 뮤지션으로는 Joe Harriott, Bongwater, Henri Texier("Varech"), AMM("Sedimantari")이 있습니다.

재즈 형식의 광범위한 아방가르드와 실험주의로 인해 창의성이 나타났습니다. 이러한 음악은 너무 다면적이고 이전 악장의 많은 요소를 결합하기 때문에 특정 용어로 특성화하기가 어렵습니다. 이 스타일의 얼리어답터로는 Lenny Tristano("Line Up"), Gunther Schuller, Anthony Braxton, Andrew Cyril("The Big Time Stuff")이 있습니다.

퓨전은 당시 거의 모든 기존 음악적 움직임의 요소를 결합했습니다. 가장 활발한 개발은 1970년대에 시작되었습니다. 퓨전은 복잡한 박자 기호, 리듬, 긴 구성, 보컬 부족이 특징인 체계화된 악기 스타일입니다. 이 스타일은 영혼보다 덜 광범위한 대중을 위해 설계되었으며 완전히 반대입니다. Larry Corell과 Eleventh, Tony Williams와 Lifetime("Bobby Truck Tricks")이 이 운동의 선두에 있습니다.

애시드 재즈(그루브 재즈 또는 클럽 재즈)는 80년대 후반(전성기 1990~1995년) 영국에서 시작되었으며 70년대의 펑크, 90년대의 힙합 및 댄스 음악을 결합했습니다. 이 스타일의 출현은 재즈 펑크 샘플의 광범위한 사용에 의해 결정되었습니다. 창립자는 DJ Giles Peterson입니다. 이 방향의 공연자 중에는 Melvin Sparks("Dig Dis"), RAD, Smoke City("Flying Away"), Incognito 및 Brand New Heavies가 있습니다.

포스트 밥은 50~60년대에 발전하기 시작했고 구조적으로는 하드 밥과 비슷하다. 그것은 소울, 펑크 및 그루브 요소의 존재로 구별됩니다. 종종이 방향을 특징 짓는 그들은 블루스 록과 평행을 이룹니다. Hank Moblin, Horace Silver, Art Blakey("Like Someone In Love") 및 Lee Morgan("Yesterday"), Wayne Shorter가 이 스타일로 작업했습니다.

스무드 재즈는 퓨전 무브먼트에서 유래한 모던 재즈 스타일이지만 의도적으로 세련된 사운드가 다릅니다. 이 방향의 특징은 전동 공구의 광범위한 사용입니다. 주목할 만한 아티스트: Michael Franks, Chris Botti, Dee Dee Bridgewater("All Of Me", "God Bless The Child"), Larry Carlton("Don't Give It Up").

Jazz Manush(집시 재즈)는 기타 연주를 전문으로 하는 재즈 디렉션입니다. 마누시족의 집시족의 기타기법과 스윙을 결합한 곡이다. 이 방향의 창시자는 Ferre 형제입니다. 가장 유명한 공연자 : Andreas Oberg, Barthalo, Angelo Debarre, Bireli Largen ( "Stella By Starlight", "Fiso Place", "Autumn Leaves").

19세기와 20세기로 접어들면서 음악 장르는 어떻게 발전했습니까? 유럽과 아프리카의 두 음악 문화 요소를 합성한 결과입니다. 아프리카 요소 중 폴리 리듬, 주요 동기의 반복 반복, 보컬 표현력, 즉흥 연주는 의식 춤, 작업 노래, 영가 및 블루스와 같은 일반적인 형태의 흑인 음악 민속과 함께 재즈에 침투했습니다.

단어 재즈, 원래 "재즈 밴드", 20 세기 중반에 사용되기 시작했습니다. 남부 주에서 블루스, 래그타임 및 대중적인 유럽 노래를 주제로 집단 즉흥 연주 과정에서 작은 뉴올리언스 앙상블(트럼펫, 클라리넷, 트롬본, 밴조, 튜바 또는 더블 베이스, 타악기 및 피아노로 구성)이 만든 음악을 말합니다. 그리고 춤을 춥니다.

친해지려면 듣고 세자리아 에보라, 그리고, 그리고 많은 다른 사람들.

그래서 무엇입니까 애시드 재즈? 재즈, 70년대 펑크, 힙합, 소울 등의 요소가 가미된 ​​펑키한 음악 스타일이다. 샘플링할 수 있고 "라이브"할 수 있으며 마지막 두 개를 혼합할 수 있습니다.

주로, 애시드 재즈텍스트/단어보다는 음악에 중점을 둡니다. 이것은 당신을 움직이게 하는 것을 목표로 하는 클럽 음악입니다.

스타일의 첫 번째 싱글 애시드 재즈~였다 "프레드릭은 여전히 ​​거짓말", 작가 갈리아노. 표지 버전이었습니다 커티스 메이필드 프레디의 죽음영화에서 "슈퍼플라이".

스타일의 진흥과 지원에 크게 기여 애시드 재즈도입 질 피터슨, KISS FM의 DJ였습니다. 그는 최초로 설립한 사람 중 한 명이었습니다. 애시드 재즈상표. 80년대 후반~90년대 초반에는 많은 연주자들이 있었습니다. 애시드 재즈, "라이브" 명령과 같았습니다. , 갈리아노, 자미로콰이, 돈 체리및 스튜디오 프로젝트 - PALm 스킨 프로덕션, Mondo GroSSO, 아웃사이드,그리고 미래연합조직.

물론 이것은 재즈 스타일이 아니라 일종의 재즈 기악 앙상블이지만 "빅 밴드"가 연주하는 재즈는 개별 재즈 연주자의 배경에 비해 매우 눈에 띄기 때문에 테이블에 포함되었습니다. 소그룹.
빅 밴드의 뮤지션 수는 보통 10명에서 17명 사이입니다.
1920년대 후반에 결성되었으며, 세 개의 오케스트라 그룹: 색소폰 - 클라리넷(릴) 금관 악기(금관악기, 파이프와 트롬본의 추가 그룹이 두드러짐), 리듬 섹션(리듬 섹션 - 피아노, 더블 베이스, 기타, 타악기). 음악의 전성기 빅 밴드 1930년대 미국에서 시작된 는 스윙에 대한 대중의 열정과 관련이 있습니다.

그 후 현재에 이르기까지 빅 밴드들이 다양한 스타일의 음악을 연주하고 공연했다. 그러나 본질적으로 빅 밴드의 시대는 훨씬 더 일찍 시작되고 19세기 후반 미국 민스트럴 극장 시대로 거슬러 올라가며 종종 공연 스태프를 수백 명의 배우와 음악가로 늘렸습니다. 듣다 오리지널 딕시랜드 재즈 밴드, 올리버 왕의 크리올 재즈 밴드, 글렌 밀러 오케스트라와 그의 오케스트라빅 밴드가 연주하는 재즈의 모든 매력에 감사하게 될 것입니다.

20세기 40년대 초중반에 발전하여 모던 재즈의 시대를 연 재즈 스타일. 빠른 템포와 멜로디보다는 화성의 변화에 ​​기반한 복잡한 즉흥 연주가 특징이다.
Parker와 Gillespie는 초고속 성능을 도입하여 비전문가가 새로운 즉흥 연주를 하지 못하게 했습니다. 무엇보다도 충격적인 태도는 모든 비보파이트의 특징이 되었습니다. Dizzy Gillespie의 구부러진 트럼펫, Parker와 Gillespie의 행동, Monk의 우스꽝스러운 모자 등
스윙의 보편화에 대한 반응으로 등장한 비밥은 표현 수단을 사용하는 원칙을 계속해서 발전시켰지만 동시에 여러 반대 경향을 발견했습니다.

주로 대형 상업 댄스 밴드의 음악인 스윙과 달리 비밥은 주로 작은 앙상블(콤보)의 실행과 관련된 재즈의 실험적 창작 방향이며 그 방향은 반상업적입니다.
비밥 단계는 대중적인 댄스 음악에서 보다 예술적이고 지적이지만 덜 주류인 "뮤지션을 위한 음악"으로 재즈의 초점이 크게 이동한 것입니다. Bop 뮤지션은 멜로디 대신 코드 스트러밍을 기반으로 한 복잡한 즉흥 연주를 선호했습니다.
출생의 주요 개시자는 색소폰 연주자, 트럼펫 연주자, 피아니스트였습니다. 버드 파월그리고 델로니어스 몽크, 드러머 맥스 로치. 네가 원한다면 비 밥, 듣다 , Michel Legrand, Joshua Redman Elastic Band, Jan Garbarek, Modern Jazz Quartet.

스윙과 밥의 발전을 바탕으로 20세기의 40-50년대 초에 형성된 현대 재즈 스타일 중 하나입니다. 이 스타일의 기원은 주로 흑인 스윙 색소폰 연주자의 이름과 관련이 있습니다. L. 영, 핫 재즈의 사운드 이상과 반대되는 "차가운"사운드 추출 방식 (소위 Lester 사운드)을 개발했습니다. 그는 또한 처음으로 "쿨"이라는 용어를 도입했습니다. 또한, 쿨재즈의 전제조건은 예를 들어, 많은 비밥 뮤지션들의 작품에서 발견된다. C. 파커, T. 몽크, M. 데이비스, J. 루이스, M. 잭슨다른 사람.

하지만, 쿨 재즈와 상당한 차이가 있습니다 밥. 이것은 특히 Negro 색상에 대한 의도적 강조에서 과도한 리드미컬 한 표현력과 억양 불안정성을 거부하면서 bop이 따랐던 핫 재즈 전통에서 벗어남에서 나타났습니다. 이 스타일로 플레이: , Stan Getz, Modern Jazz Quartet, Dave Brubeck, Zoot Sims, Paul Desmond.

70년대 초반에 시작된 록 음악의 점진적인 소멸과 함께 록 세계의 아이디어 흐름이 줄어들면서 퓨전 음악은 더욱 직설적이 되었습니다. 동시에 많은 사람들이 일렉트릭 재즈가 더 상업적이 될 수 있다는 것을 깨닫기 시작했고 프로듀서와 일부 뮤지션은 판매를 늘리기 위해 이러한 스타일 조합을 찾기 시작했습니다. 그들은 일반 청취자가 더 쉽게 접근할 수 있는 일종의 재즈를 만드는 데 정말 성공했습니다. 지난 20년 동안 많은 다양한 조합이 등장했으며 프로모터와 홍보 담당자는 팝, 리듬 앤 블루스, "월드 뮤직" 요소와 재즈의 "융합"을 설명하기 위해 "모던 재즈"라는 용어를 사용하기를 좋아합니다.

그러나 "교차"라는 단어는 문제의 본질을 더 정확하게 나타냅니다. 크로스오버와 퓨전은 목표를 달성했고 특히 다른 스타일에 질린 사람들 덕분에 재즈에 대한 청중을 늘렸습니다. 어떤 경우에는 이 음악에 주목할 가치가 있지만 일반적으로 재즈 콘텐츠가 0으로 줄어듭니다. 크로스오버 스타일의 예는 (Al Jarreau) 및 보컬 녹음(George Benson)에서 (Kenny G)까지 다양합니다. "스파이로 자이라"그리고 " " . 이 모든 것에는 재즈의 영향이 있지만 그럼에도 불구하고 이 음악은 다음과 같은 팝 아트 분야에 적합합니다. 제럴드 올브라이트, 조지 듀크,색소폰 연주자 빌 에반스, 데이브 그루신.

딕시랜드- 1917년부터 1923년까지 레코드를 녹음한 초기 뉴올리언스와 시카고 재즈 뮤지션의 음악 스타일을 가장 광범위하게 지칭. 이 개념은 또한 뉴올리언즈 재즈의 후속 개발 및 부활 기간까지 확장됩니다. 뉴올리언스 부흥 1930년대 이후에도 계속되었다. 일부 역사가들은 딕시랜드뉴올리언즈 재즈 스타일로 연주하는 백인 밴드의 음악에만 해당됩니다.

다른 형태의 재즈와 달리 음악가의 작품 레퍼토리 딕시랜드래그타임, 블루스, 원스텝, 투스텝, 행진, 대중가요를 포함하여 20세기의 첫 10년 동안 작곡된 동일한 곡 내에서 테마의 끝없는 변형을 제공하면서 상당히 제한적이었습니다. 성능 스타일 딕시랜드특징은 전체 앙상블의 집합적 즉흥 연주에 개별 목소리를 복잡하게 엮는 것입니다. 솔로를 연 솔리스트와 연주를 계속하는 다른 솔리스트는 일반적으로 4 비트 후렴구의 형태로 드럼에 의해 연주되는 마지막 프레이즈까지 나머지 브라스의 "리핑"에 반대했습니다. 차례로 전체 앙상블에 의해 응답되었습니다.

이 시대의 주요 대표자들은 오리지널 딕시랜드 재즈 밴드, 조 킹 올리버와 그의 유명한 오케스트라, Sidney Bechet, Kid Ory, Johnny Dodds, Paul Mares, Nick LaRocca, Bix Beiderbecke 및 Jimmy McPartland. Dixieland 뮤지션들은 본질적으로 과거의 고전적인 New Orleans 재즈의 부활을 찾고 있었습니다. 이러한 시도는 매우 성공적이었고 다음 세대 덕분에 오늘날까지 계속되고 있습니다. Dixieland 전통의 첫 부활은 1940년대에 일어났습니다.
다음은 Dixieland를 연주한 재즈맨 중 일부입니다. Kenny Ball, Lu Watters Yerna Buena 재즈 밴드, Turk Murphys 재즈 밴드.

70년대 초부터 재즈 스타일 커뮤니티의 별도 틈새 시장은 독일 회사가 차지했습니다. ECM (현대 음악 에디션- Publishing House of Contemporary Music), 재즈의 아프리카계 미국인 기원에 대한 애착이 아니라 다양한 예술적 작업을 해결할 수 있는 능력을 공언하는 음악가 협회의 중심이 되었습니다. 특정 스타일이지만 창의적인 즉흥적 과정에 부합합니다.

그러나 시간이 지남에 따라 회사의 특정 얼굴이 개발되어이 레이블의 아티스트가 대규모의 뚜렷한 문체 방향으로 분리되었습니다. 다양한 재즈 관용구, 세계 민속 및 새로운 학술 음악을 하나의 인상주의 사운드로 결합하려는 Manfred Eicher(만프레드 아이허) 레이블 설립자의 방향은 이러한 수단을 사용하여 삶의 가치에 대한 깊이와 철학적 이해를 주장할 수 있게 했습니다.

오슬로에 기반을 둔 이 회사의 메인 녹음 스튜디오는 스칸디나비아 음악가 목록에서 주도적인 역할을 하는 것과 분명히 관련이 있습니다. 먼저 노르웨이 사람들은 Jan Garbarek, Terje Rypdal, Nils Petter Molvaer, Arild Andersen, Jon Christensen. 그러나 ECM의 지리는 전 세계를 포괄합니다. 여기 유럽인들이 있다 데이브 홀랜드, 토마스 스탄코, 존 서먼, 에버하르트 베버, 라이너 브루닝하우스, 미하일 알페린그리고 비유럽 문화의 대표자들 Egberto Gismonti, Flora Purim, Zakir Hussain, Trilok Gurtu, Nana Vasconcelos, Hariprasad Chaurasia, Anouar Brahem그리고 많은 다른 사람들. 덜 대표적인 것은 American Legion입니다. 잭 디조네트, 찰스 로이드, 랄프 타우너, 레드맨 듀이, 빌 프리셀, 존 애버크롬비, 레오 스미스. 회사 출판물의 초기 혁명적 추진력은 시간이 지남에 따라 신중하게 연마된 사운드 레이어가 있는 열린 형식의 명상적으로 분리된 사운드로 바뀌었습니다.

일부 주류 지지자들은 이러한 방향으로 음악가들이 선택한 길을 거부합니다. 그러나 이러한 반대에도 불구하고 세계문화로서의 재즈는 발전하여 매우 인상적인 결과를 낳는다.

쿨한 스타일의 세련미와 시원함, 미국 동부 해안의 프로그레시브의 합리성과는 대조적으로 50년대 초반의 젊은 음악가들은 겉보기에 이미 지쳐버린 듯한 비밥 스타일을 계속 발전시켰다. 50년대의 특징인 아프리카계 미국인의 자기 인식의 성장이 이러한 추세에 중요한 역할을 했습니다. 아프리카 계 미국인 즉흥 연주 전통에 대한 충실도를 유지하는 데 다시 주목했습니다. 동시에 비밥의 모든 업적은 보존되었지만 하모니 분야와 리듬 구조 분야 모두에서 멋진 업적이 많이 추가되었습니다. 일반적으로 새로운 세대의 음악가들은 훌륭한 음악 교육을 받았습니다. 이 전류를 "하드밥"상당히 많은 것으로 나타났습니다. 트럼펫 연주자들이 합류했습니다. 마일스 데이비스, 패츠 나바로, 클리포드 브라운, 도널드 버드, 피아니스트 Thelonious Monk, 호레이스 실버, 드러머 아트 블레이크, 색소폰 연주자 소니 롤린스, 행크 모블리, 캐논볼 애덜리, 더블 베이시스트 폴 챔버스그리고 많은 다른 사람들.

새로운 스타일의 개발을 위해 또 다른 기술 혁신이 중요했는데, 이는 장기 재생 레코드의 출현으로 구성되었습니다. 이제 긴 솔로를 녹음할 수 있습니다. 모든 사람이 오랫동안 완전하고 간결하게 말할 수는 없기 때문에 뮤지션에게 이것은 유혹이자 어려운 테스트가되었습니다. 트럼펫 연주자들은 이러한 장점을 가장 먼저 활용하여 Dizzy Gillespie의 스타일을 더 차분하지만 깊은 연주로 수정했습니다. 가장 영향력이 있었던 것은 패츠 나바로그리고 클리포드 브라운. 이 음악가들은 고음역의 기교적인 고속 악절이 아니라 사려 깊고 논리적인 선율에 초점을 맞췄습니다.

핫 재즈는 두 번째 물결의 뉴올리언스 선구자들의 음악으로 간주되며, 그의 가장 높은 창작 활동은 뉴올리언스 재즈 뮤지션들이 북쪽, 주로 시카고로 대량 이주하는 것과 일치했습니다. 미국이 1차 세계대전에 참전하고 뉴올리언스가 군항으로 선언되면서 스토리빌이 폐쇄된 직후 시작된 이 과정은 재즈 역사에서 이른바 시카고 시대를 알렸다. . 이 학교의 주요 대표자는 루이 암스트롱이었다. 여전히 King Oliver Ensemble에서 공연하는 동안 암스트롱은 재즈 즉흥 연주의 개념을 혁신적으로 변경하여 전통적인 집단 즉흥 연주 방식에서 개별 솔로 파트 연주로 이동했습니다.

이러한 유형의 재즈의 이름 자체는 이러한 솔로 파트의 연주 방식의 특징적인 감정 강도와 관련이 있습니다. Hot이라는 용어는 원래 1920년대 초에 발생한 솔로 연주에 대한 접근 방식의 차이를 강조하기 위해 재즈 솔로 즉흥 연주와 동의어였습니다. 나중에 집단 즉흥 연주가 사라지면서 이 개념은 재즈 자료를 연주하는 방식, 특히 연주의 기악 및 보컬 스타일을 결정하는 특수 사운드, 소위 핫팅 또는 핫 인토네이션과 관련되었습니다. 리듬화 방법 및 특정 억양 기능.

아마도 재즈 역사상 가장 논쟁적인 움직임은 "프리 재즈"의 출현과 함께 등장했을 것입니다. 비록 요소들이 프리 재즈"실험"이라는 용어 자체가 등장하기 오래 전에 존재했습니다. 콜맨 호킨스, 피위 러셀, 레니 트리스타노, 그러나 색소폰 연주자 및 피아니스트와 같은 선구자들의 노력을 통해 1950년대 말까지만 세실 테일러, 이 방향은 독립적인 스타일로 구체화되었습니다.

다음을 포함하여 이 두 음악가가 다른 사람들과 함께 한 작업 존 콜트레인, 알버트 오일러그리고 다음과 같은 커뮤니티 선 라 오케스트라그리고 The Revolutionary Ensemble이라는 그룹은 음악의 구조와 느낌의 다양한 변화로 구성되었습니다.
상상력과 훌륭한 음악성과 함께 도입된 혁신 중에는 음악이 어떤 방향으로든 이동할 수 있도록 하는 코드 진행의 포기가 있었습니다. "스윙"이 재정의되거나 완전히 무시되는 리듬 영역에서 또 다른 근본적인 변화가 발견되었습니다. 즉, 박동, 박자 및 그루브는 더 이상 재즈를 읽는 데 필수적인 요소가 아닙니다. 또 다른 주요 구성 요소는 무조성과 관련이 있습니다. 이제 뮤지컬 속담은 더 이상 일반적인 음조 체계에 기반하지 않습니다.

날카롭고, 짖고, 경련을 일으키는 노트가 이 새로운 사운드 세계를 완전히 채웠습니다. 프리 재즈는 오늘날에도 실행 가능한 표현 형식으로 계속 존재하고 있으며 실제로 더 이상 처음 시작했을 때만큼 논란의 여지가 있는 스타일이 아닙니다.

아마도 재즈 역사상 가장 논쟁적인 움직임은 "프리 재즈"의 출현과 함께 등장했을 것입니다.

1970년대 유럽의 학문적 음악과 비유럽 민속의 요소가 결합된 재즈 록을 기반으로 한 현대적인 스타일의 방향.
재즈 록의 가장 흥미로운 구성은 즉흥 연주, 작곡 솔루션과 결합, 록 음악의 조화 및 리듬 원리 사용, 동양의 멜로디와 리듬의 적극적인 구현, 처리 및 합성의 전자 수단 도입이 특징입니다. 소리를 음악으로.

이 스타일에서는 모달 원칙의 적용 범위가 확장되고 이국적인 모드를 포함한 다양한 모드 세트가 확장되었습니다. 70 년대에 재즈 록은 엄청난 인기를 얻었고 가장 활발한 음악적 힘이 들어 왔습니다. 다양한 음악적 수단의 합성과 관련하여 더욱 발전된 재즈 록은 "퓨전"(합금, 퓨전)이라고 불 렸습니다. "퓨전"에 대한 추가 충동은 유럽 학술 음악에 대한 또 다른 (재즈 역사상 최초가 아님) 고개를 끄덕이는 것입니다.

많은 경우 퓨전은 실제로 재즈와 일반 팝 및 가벼운 리듬 및 블루스의 조합이 됩니다. 크로스오버. "Tribal Tech" 및 Chick Corea의 앙상블과 같은 드문 경우에 검색이 계속되지만 퓨전 음악의 음악적 깊이와 권한 부여에 대한 야망은 아직 충족되지 않았습니다. 듣다: Weather Report, Brand X, Mahavishnu Orchestra, Miles Davis, Spyro Gyra, Tom Coster, Frank Zappa, Urban Knights, Bill Evans, from New Niacin, Tunnels, CAB.

현대의 펑키 재즈반주자는 블랙 팝 소울 스타일로 연주하는 반면 솔로 즉흥 연주는 본질적으로 더 창의적이고 재즈적인 70년대와 80년대의 인기 있는 재즈 스타일을 말합니다. 이 스타일의 대부분의 색소폰 연주자는 블루스 외침과 신음으로 구성된 간단한 프레이즈 세트를 사용합니다. 그들은 "Coasters"의 King Curtis와 같이 리듬 앤 블루스 보컬 녹음의 색소폰 솔로에서 채택된 전통을 기반으로 합니다. 주니어 워커모타운 레이블의 보컬 그룹들과 데이비드 산본 Paul Butterfield의 "Blues Band"와 함께. 이 장르의 저명한 인물 - 종종 스타일에서 솔로 연주 행크 크로포드펑키 반주와 함께. 음악의 대부분 , 그들의 학생들은 이 접근법을 사용합니다. , 또한 "현대 펑크"스타일로 작업합니다.

이 용어에는 두 가지 의미가 있습니다. 첫째, 재즈에서의 표현적 수단이다. 참조 공유에서 리듬의 일정한 편차를 기반으로 하는 특징적인 유형의 맥동입니다. 이것은 불안정한 평형 상태에서 큰 내부 에너지의 인상을 만듭니다. 둘째, 1920년대와 30년대 전환기에 흑인과 유럽 스타일의 재즈 음악이 합성된 결과로 형성된 오케스트라 재즈 스타일입니다.

원래 정의 "재즈 록"재즈 즉흥 연주와 록 음악의 에너지 및 리듬의 조합이 가장 분명했습니다. 1967년까지 재즈와 록의 세계는 거의 별개로 존재했습니다. 하지만 이때쯤이면 록은 더 창의적이고 복잡해지고 사이키델릭한 록, 소울 음악이 등장한다. 동시에 일부 재즈 연주자들은 순수한 하드밥에 싫증이 나기도 했지만, 인지하기 어려운 아방가르드 음악을 연주하고 싶지도 않았습니다. 그 결과 서로 다른 두 관용구가 아이디어를 교환하고 힘을 합치기 시작했습니다.

1967년부터 기타리스트 래리 코리엘, 비브라폰 연주자 게리 버튼, 1969년 드러머 빌리 코밤 Brecker 형제가 연주 한 "Dreams"그룹과 함께 그들은 새로운 스타일을 탐구하기 시작했습니다.
60년대 말에 Miles Davis는 재즈 록으로 전환할 가능성이 있었습니다. 그는 8/8 리듬과 전자 악기를 사용하여 "Bitches Brew", "In a Silent Way"앨범을 녹음하여 새로운 단계를 밟은 모달 재즈의 제작자 중 한 명이었습니다. 현재 그와 함께 화려한 음악가 은하계가 있으며, 이들 중 많은 사람들이 나중에이 방향의 기본 인물이됩니다-(John McLaughlin), 조 자위눌(조 자위눌) 허비 핸콕. Davis의 특징 인 금욕주의, 간결함 및 철학적 묵상은 새로운 스타일에서 가장 환영받는 것으로 판명되었습니다.

1970년대 초까지 재즈 록많은 재즈 순수주의자들에게 조롱을 받았지만 독창적인 재즈 스타일이라는 고유한 정체성을 가졌습니다. 새로운 방향의 주요 그룹은 "리턴 투 포에버", "웨더 리포트", "마하비슈누 오케스트라", 다양한 앙상블 마일스 데이비스. 그들은 재즈와 록의 방대한 기술을 결합한 고품질 재즈 록을 연주했습니다. Asian Kung-Fu Generation, Ska - Jazz Foundation, John Scofield Uberjam, Gordian Knot, Miriodor, Trey Gunn, trio, Andy Summers, Erik Truffaz- 프로그레시브와 재즈록 음악이 얼마나 다양한지 이해하려면 반드시 들어야 한다.

스타일 재즈 랩지난 수십 년간의 아프리카계 미국인 음악을 현재의 새로운 지배적 형식과 결합하려는 시도였습니다. 이를 통해 경의를 표하고 이의 첫 번째 요소인 융합에 새로운 생명을 불어넣고 두 번째 요소의 지평을 확장할 수 있습니다. . 재즈 랩의 리듬은 힙합에서 완전히 차용한 반면 샘플과 사운드 텍스처는 주로 쿨 재즈, 소울 재즈, 하드 밥에서 가져왔습니다.

이 스타일은 힙합의 가장 쿨하고 유명했으며, 많은 아티스트들이 아프로 중심의 정치의식을 보여 역사적 진정성을 더했다. 이 음악의 지적 성향을 감안할 때 재즈 랩이 거리 파티에서 결코 인기가 없는 것은 놀라운 일이 아닙니다. 그러나 아무도 그것에 대해 생각하지 않았습니다.

재즈 랩의 대표자들은 스스로를 90년대 초 랩을 선두 자리에서 밀어낸 하드코어/갱스터 운동에 대한 보다 긍정적인 대안의 지지자라고 불렀습니다. 그들은 도시 음악 문화의 증가하는 공격성을 받아들이거나 이해할 수 없는 청취자들에게 힙합을 전파하고자 했습니다. 따라서 재즈 랩은 학생 기숙사에서 대부분의 팬을 찾았으며 많은 비평가와 백인 얼터너티브 록 팬의 지원을 받았습니다.

팀 모국어(Afrika Bambaataa)- 이 뉴욕 집단의 아프리카계 미국인 랩 그룹은 스타일을 대표하는 강력한 힘이 되었습니다. 재즈 랩다음과 같은 그룹을 포함합니다. A Tribe Called Quest, De La Soul 및 The Jungle Brothers. 곧 작업 시작 디지털 플래닛그리고 갱 스타악명도 얻었다. 90년대 중후반에 얼터너티브 랩은 많은 하위 스타일로 분할되기 시작했고 재즈 랩은 드물게 새로운 사운드의 요소가 되었습니다.

빅 밴드의 진부한 표현과 낡은 기술을 사용한 독점 상업 프로젝트에 지친 지난 세기의 40 대 초반에 프로그레시브 재즈의 방향이 발전하기 시작했습니다. 이 추세의 대표자는 유럽 작곡가의 업적에 의존하여 음조와 조화 분야에서 음악을 지속적으로 실험했습니다.

출연자

진부한 재즈 기법은 지난 세기의 40년대 초반 재즈 올림푸스를 정복한 젊은 연주자들을 더 이상 만족시키지 못했습니다. 유럽 ​​뮤지션들의 경험을 살려 빅밴드 스타일로 전통적인 공연에서 벗어나고자 한다. 그들의 탐구는 새로운 형태의 스윙, 깨진 리듬, 다조성, 확립된 억양의 변화, 특이한 악기의 도입으로 이어집니다.

프로그레시브 재즈의 대중화는 "Artistry"라는 이름으로 여러 앨범을 녹음한 Stan Kenton과 그의 밴드의 이름과 밀접한 관련이 있습니다. 편곡자 Gil Evans, Boyd Rybairn, Pete Rugolo, 가수 Christy June, Kay Winding(트롬본), Ed Safransky(더블 베이스), Shelley Maine(드럼)이 이 스타일을 실험해 본 적이 있나요? Miles Ahead, Porgy 및 Imp, Spanish Drawings는 Gil Evans가 출연하는 Miles Davis Orchestra가 녹음한 일련의 프로그레시브 재즈 앨범입니다. 그가 죽기 직전에 Davis는 다시 진보적인 방향으로 실험을 시작했고 Quincy Jones 밴드와 함께 Evans의 이전 편곡을 녹음했습니다.

스타일 프로그레시브(프로그레시브 재즈)

미국 동부에서 비밥 재즈 스타일이 정착되는 것과 동시에 뉴욕에서는 미국 서부에서 프로그레시브 재즈(스타일 진보적). 보일지라도 : 예술에서 진보가 가능합니까? 이러한 개념은 오히려 기술 분야나 사회 발전 과정에 적용할 수 있다. 결국 차이코프스키가 바흐나 베토벤보다 진보적이었다고 말할 수는 없다. 따라서 프로그레시브 스타일은 재즈 틀의 확장이라고 할 수 있다. 이 스타일은 (비밥과 달리) 페이딩 스윙 스타일을 되살리려는 시도가 있었지만 멜로디, 하모니, 리듬, 사운드, 즉흥 연주 분야에서 혁명을 일으키지 않았습니다. 혁신은 오케스트라 자체, 편곡, 형식의 확장에만 관련되었습니다. 프로그레시브는 오케스트라 음악입니다.

프로그레시브(영어, 진보적)는 1940년대에 발생한 모던 재즈의 양식적 방향입니다. 재즈와 유럽 작곡 기술의 합성 분야에서의 실험이 특징입니다. 이 합성은 일부 화이트 빅 밴드의 작업에 반영됩니다. 프로그레시브 스타일의 주요 대표자 중 하나 - 피아니스트 및 작곡가 스탠 켄튼(1912-1979).

Kenton은 로스앤젤레스에서 자랐고 개인 음악 교사와 함께 공부했으며 나중에 정규 댄스 밴드에서 연주했습니다. 동시에 그는 독학을 계속했습니다. 그는 음악 이론, 하모니, 지휘 및 작곡 수업을 들었습니다. 1939년에 그는 복잡하게 배열된 곡들의 연주가 특징인 그의 첫 오케스트라를 결성했다. 1941년 이후 Kenton이 만든 다음 오케스트라는 "교향곡"재즈로 청취자의 관심을 끌었습니다. 스탠 켄튼은 반했다 바르톡, 힌데미트, 스트라빈스키특히 바그너.( "Kenton play Wagner"라는 레코드도 녹음되었습니다.) Kenton은 호른, 오보에, 튜바, 바순, 현악기와 같은 클래식 작곡에 사용되는 악기를 오케스트라에 도입했습니다. (수십년 후, 전통적인 클래식 악기를 연주하는 일부 재즈 뮤지션이 뛰어난 성공을 거두었다는 점에 유의해야 합니다. 예를 들어 러시안 호른 연주자와 플루겔호른 연주자는 아르카디 실클로퍼(1956년생).)

Kenton 오케스트라의 확장과 함께 연주되는 작품의 연주 시간도 확장되었습니다. 이 스타일의 혁신은 재즈와 클래식을 결합하여 재즈 콘서트 형식을 만들려는 시도로 구성되었습니다. 예술에 대한 그의 공헌을 평가하면서 Stan Kenton은 다음과 같이 말했습니다. 현대 음악에는 전통 음악이 만족시킬 뿐만 아니라 상상까지 할 수 있는 모든 종류의 영적 실망과 희망이 담겨 있습니다. 창조의 기쁨을 담고 만족감을 주기도 하며 때로는 외부 원인으로 인한 내부 불만도 보상해 주기도 한다. 그래서 저는 재즈를 우리에게 딱 맞춰서 찾아온 새로운 음악이라고 생각합니다. 우리 음악은 프로그레시브 재즈다."

오케스트라의 인기는 훌륭한 음악가와 가수의 작업, 두 명의 고급 전문 마스터의 독창적인 편곡으로 촉진되었습니다. 피타 루골로그리고 밥 그레팅거."타악기의 예술성", "부기의 예술성", "탱고의 예술성", "할렘 스윙의 예술성", "베이스의 예술성"이라는 일반적인 이름으로 여러 연극이 작성되었습니다. 프로그레시브 재즈는 상상력이 풍부한 콘텐츠로 가득 찬 야심 찬 콘서트 스타일이었지만 곡들이 번거롭고 무거웠으며 일부 뮤지션들은 오케스트라 자체를 "근육질의 역도 선수"에 비유했습니다. 유명한 재즈 앳 더 필하모닉 창시자인 Norman Grantz는 Kenton Orchestra에 대해 다음과 같이 날카롭게 말했습니다. 땅콩 상인, 연인, 달이 얼마나 높이등. 훌륭한 스윙 밴드가 될 수 있는 그런 오케스트라를 구성하고 신이 무엇을 연주하는지 아는 것은 부끄러운 일입니다! Stan은 책 같은 것을 많이 읽었을 것입니다. 내가 아는 한 그에게는 훌륭한 재료와 훌륭한 젊은 음악가들이 있었기 때문입니다. 그러나 Stan은 너무 장황합니다. 그의 오케스트라도 마찬가지입니다. 이 밴드는 완전한 사기이며 모든 종류의 장난과 광고 슬로건을 사용합니다. 이 "프로그레시브"는 무엇을 의미합니까, 제발 말씀해 주시겠습니까? .. 1 년에 Stan은 20 피스 댄스 오케스트라를 구성했고 다음 해에는 40 피스 콘서트 오케스트라를 구성했습니다. 지금 그가 80명을 모으고 또 다른 해에 모두 160명을 모으더라도 나는 놀라지 않을 것입니다. 그가 할 말이 있다면, 그러한 성공으로 그는 16 명의 뮤지션과 함께 할 수 있습니다. 물론 이는 전문 음악 평론가가 아닌 기업가의 주관적인 진술이다. 그러나 더 유능한 재즈 연구자들은 Kenton의 음악을 확실히 이 예술의 경계를 확장한 것으로 평가했습니다.

그런 화려한 스타일의 음악은 재즈 팬을 위해서가 아니라 코끼리를 위해서만 연주되어야 한다고 신중하게 말하는 몇몇 빅 밴드 리더들이 있었습니다. 동시에 그들은 훌륭한 뮤지션으로 구성된 엄청나게 거대한 오케스트라의 정확한 사운드에 주목하면서 Kenton에게 경의를 표했습니다. Kenton Orchestra는 재즈맨들이 그들의 리더를 믿었고, 그를 한 인간으로서 사랑하고 존경했기 때문에 "올바른" 소리를 냈습니다. 오케스트라에서의 그러한 관계는 상호적이었습니다. 때때로 비판 후 Kenton은 오케스트라의 경직성, 열악한 음악적 취향, 선택한 스타일의 정확성에 대한 의심에 대한 암울한 생각으로 방문했습니다. 그러던 중 리더는 음악을 그만두고 정신과 의사가 되겠다는 생각을 갖게 됐다. 그러나 그의 삶의 주요 사업은 여전히 ​​음악이었습니다. 안에전쟁이 끝난 1944년에 다음과 같은 사람들이 밴드에 합류했습니다. 아니타 오데이(나중에 매우 유명한 가수), 테너 색소폰 연주자 스탠 게츠그리고 데이브 매튜스오케스트라를 위해 훌륭한 편곡을 한 사람. 전쟁이 끝나자 많은 솔리스트들이 오케스트라로 돌아왔고, 이 기간 동안 스탠 켄튼의 모든 창작물 중 가장 큰 스윙이 되었습니다. 오케스트라의 레퍼토리는 이제 발라드와 대중적인 멜로디로 구성되었습니다. 안에 1947년 말, 빅 밴드는 점차 무대에서 사라지기 시작했습니다. 그러나 Kenton은 포기하지 않았습니다. 그는 새롭고 크고 특이한 음악가 작곡을 수집하고 극장에서 콘서트를 열었습니다. 밴드 리더의 열정적이고 안절부절 못하는 성격은 그를 새로운 일로 이끌었습니다. 안에 1950 Kenton은 다음과 같은 대규모 아방가르드 작품을 연주하기 위해 오케스트라를 구성했습니다. 유리의 도시밥 그레팅거. 그러나 2년 후 밴드 리더는 스윙 음악으로 돌아왔다. 안에이 기간 동안 오케스트라는 널리 알려져 있으며 솔리스트는 그 안에서 작업합니다. 리 코니츠, 주트 심즈, 프랭크 로솔리노 안에 1950년대 후반 Stan Kenton은 미국 대학에서 재즈를 가르치기 시작합니다. 본질적으로 그는 미국에서 재즈 교육을 개척했습니다. 소위 켄톤 클리닉많은 학생들을 매료시켰습니다. 일부 재즈 뮤지션은 Kenton의 음악적 및 교육적 활동이 그의 음악적 업적보다 재즈에 훨씬 더 중요하다고 주장했습니다.

스타일 진보적그의 기술과 방법 중 일부는 나중에 심포닉 재즈에서 사용되었지만 직접적인 추종자는 없었습니다. 안에 1940년대 Stan Kenton Orchestra가 잡지 대회에서 1위를 차지했습니다. 다운 비트그리고 메트로놈.안에 1960년대 27명의 연주자로 구성된 새로운 오케스트라의 최고의 녹음이 수상되었습니다. 그래미.안에이 오케스트라에서 Kenton은 4개의 멜로폰 사용을 개척한 다음 때때로 심포닉 재즈라고 하는 "제3의 흐름" 음악을 연주하는 오케스트라를 만들었습니다. 그리고 1970년대. 뮤지션은 밴드와 함께 재즈 페스티벌에서 공연했으며 당시 유행했던 프리 재즈와 록 음악의 요소를 편곡에 사용했습니다. 재즈 평론가, 뮤지션을 잡지의 "명예의 판테온"에 영원히 선출 낙담,그의 작업에서 새로운 이상을 위해 노력하는 Stan Kenton의 작업을 높이 평가했습니다.

• 인용 by: Shapiro N. 내가 할 말을 들어라. 재즈를 만든 사람들이 들려주는 재즈의 이야기. S.316.
• 인용 by: Shapiro N. 내가 할 말을 들어라. 재즈를 만든 사람들이 들려주는 재즈의 이야기. 316-317쪽.