집 › 엔진 › 가치가 높고 칠한 그림. 가장 중요한 것은 페인트를 아끼지 않는 것입니다

가치가 높고 칠한 그림. 가장 중요한 것은 페인트를 아끼지 않는 것입니다

홍보의 효율성: "훌륭한" 머프

내가 붓을 들고 캔버스에 어떤 종류의 풍경이나 초상화를 그리면 내 작품을 보는 사람은 누구나 안전하게 말할 수 있습니다. 내가 그릴 수 없기 때문에 맞을 것입니다. 그러나 내가 훌륭한 예술가라는 평판을 얻는다면 내 더브는 수백만 달러에 팔릴 수 있습니다. 이론적으로 내 그림이 그려지지 않았지만 그다지 끔찍한 그림이 훌륭한 예술 작품으로 홍보되고 "매드 머니"에 팔릴 수 있다고 상상하기는 어렵습니다. 그러나 실생활에서 이것은 한 번 이상 일어났습니다. 19 세기 후반과 20 세기 전체는 예술에서 끊임없는 승리입니다.

이탈리아 조토 디 본도네(Giotto di Bondone, 1267-1337)를 아버지로 생각하는 현대 회화가 탄생한 순간부터 다음 몇 세기 동안 드로잉에 적합한 모든 표면(캔버스, 벽 또는 칠판)에 현실을 표현하는 예술가의 기술 ). 그 당시에는 사진이 존재하지 않았지만 많은 사람들이 자신의 초상화나 친척의 이미지를 갖고 싶어했습니다. 주변 숲과 들판의 전망도 높이 평가되었습니다. 우리는 여전히 아파트에 다양한 그림의 복제품을 걸고 물질적 조건이 허용하는 사람에게 원본 자체를 걸기를 좋아합니다. 중세 시대에 부자들은 또한 집과 성의 벽을 그림으로 장식하는 것을 좋아했으며 일부 부자는 막대한 컬렉션을 수집했습니다. 누군가는 그림에 대한 사랑으로, 다른 사람들은 자신의 지위를 향상시키기 위해 그것을했습니다.

부자 외에도 교회에는 예술 작품도 필요했습니다. 교회는 실제 삶을 묘사하는 그림이 필요하지 않았습니다. 그들은 실제 사건의 사진과 같이 실제처럼 보이는 성경적 장면이 필요했습니다 (당시에는 사진에 대해 전혀 몰랐지만). 사람들은 그리스도, 마리아, 사도들과 다른 종교적 인물들을 믿어야 했고, 이를 위해 성경의 인물들은 살아 있는 사람처럼 보여야 했습니다.

고객의 요청은 무엇입니까? 사진도 마찬가지였습니다. 무능한 손으로 캔버스에 스케치한 기발한 아이디어는 누구에게도 소용이 없었습니다. 아무도 원본처럼 보이지 않는 자신의 초상화를 사지 않을 것이며 원칙적으로 사람의 이미지와 닮지 않은 초상화를 사지 않을 것입니다. 그 당시 초상화를 그리려면 화가의 기교를 통달한 화가가 필요했다. 전문가가 아니면 그림을 팔고 생계를 꾸릴 수 없습니다. 그림을 수집하는 사람들은 이미 현실의 캐스트가 필요했습니다. 그들은 아무도 반복할 수 없는 독점적인 것을 원했습니다. 즉, 작가는 사실적인 이미지에 자신 만의 무언가를 추가해야했습니다. 즉, 독특한 스타일로 고품질 수공예품의 대부분에서 그의 그림이 돋보였습니다. 레오나르도 다빈치와 같은 독특한 기법, 반 에이크와 같은 혁신적인 빛과 그림자의 사용, 보쉬와 같은 환상적인 이미지...

유럽의 15-17세기는 세계 회화의 전성기입니다. 이때까지 유럽의 경제적으로 발전된 국가 (베니스, 피렌체, 네덜란드, 플랑드르, 독일)에는 충분한 수의 그림 고객이 나타났습니다. 덕분에 우리는 작품이 여전히 장식되어있는 뛰어난 예술가의 은하계 전체를 받았습니다. 세계에서 가장 유명한 박물관. Leonardo da Vinci, Raphael 및 Michelangelo Buonarroti와 같이 보편적으로 인정받는 르네상스의 위대한 화가들과 함께 그 당시에는 네덜란드 Robert Campin, Jan Van Eyck, Hieronymus Bosch, Peter Brueghel Sr., Peter Paul과 같은 수십 명의 똑같이 뛰어난 예술가들이 작업했습니다. 루벤스, 안토니스 반 다이크, 얀 베르메르, 이탈리아인 조르조네, 티치아노, 코레조, 카라바조, 독일인 알브레히트 뒤러, 한스 홀바인 주니어, 스페인인 디에고 벨라스케스... 그들 모두는 현실을 묘사하는 독창적인 방식을 가지고 있었지만, 동시에 그들은 모두 매우 사실적인 그림을 썼다는 사실에 의해 연합되었습니다. 줄거리에 따르면 현실적이지 않습니다. 동일한 성경적 그림은 결코 그렇지 않습니다. 사실적 - 실생활과 유사하게 묘사됩니다. 아무도 정육면체 나 사각형을 칠하지 않았습니다. 비슷한 스타일의 "걸작"이 구매자를 찾지 못하기 때문에 이것이 그가 세상을 보는 방식이라고 생각합니다. 그 당시 그림의 고객은 Nikita Khrushchev와 같은 단순한 사람들이었습니다. 언젠가 추상화 전시회에서 그림 중 하나에 대해 "이게 무슨 엉덩이야? "라고 물었다는 이야기가 있습니다. 나는 Raphael 또는 Correggio의 그림과 관련하여 Khrushchev를 포함하여 아무도 그런 말을 한 적이 없다는 점에 주목합니다. 시력이있는 사람은 그 그림에 묘사 된 내용을 이해합니다. 피카소의 그림과 같은 생물. 모든 뛰어난 예술가는 어떤 면에서 혁신가였지만 회화의 모든 혁신적인 기술은 예술가가 삶의 모든 표현을 적절하게 묘사할 수 있는 경우에만 의미가 있습니다. 이미지의 참신함은 그 자체가 아니라 사실감을 위해 사용되었습니다. 화가는 건축업자처럼 일하려고 노력했다고 말할 수 있습니다. 모든 집에는 기초, 벽 및 지붕이 있어야하며 모든 실험은이 프레임 워크 내에서만 허용되었습니다.

전문가로서 르네상스 예술가들은 회화의 정점에 도달했습니다. 그리고 Raphael이나 Van Eyck을 능가하는 것은 불가능하다고 안전하게 말할 수 있습니다. 반복 만 가능합니다. 또는 수년에 걸쳐 점점 더 어려워진 자신 만의 무언가를 만드십시오. 이미 17세기에는 16세기보다 뛰어난 예술가가 적었고 18세기에는 손가락으로 꼽을 수 있습니다. 르네상스 거장의 배경에 비해 눈에 띄는 것은 극히 어렵습니다. 이것은 원칙적으로 소수만이 달성 할 수있는 최고 수준의 기술입니다.

그리고 그러한 배경에서 장인이 많고 뛰어난 거장이 거의 없을 때 예술계에서 진정한 혁명이 일어나고 있습니다. "위대한 예술가"가 인위적으로 만들어지기 시작했습니다. 이것은 중세 시대에 하기 어려웠다.- 정보가 왜곡된 소문을 통해 전달되어야 하기 때문에 매체가 없으면 PR 기술은 효과가 없습니다. 특히 장거리 정보 보급에 관해서. 미디어만이 인생에서 이상적이고 필요한 모든 대상(제품, 브랜드)의 이미지를 대중의 의식에 빠르고 효과적으로 생성하고 도입할 수 있습니다. 19 세기 후반에 이미 산업 혁명 시대에 접어 든 서유럽 국가의 삶에서 언론이 점점 더 중요한 역할을하기 시작했을 때“위대한 예술가 새로운 유형의”가 등장하기 시작했습니다. 즉, 머핀.

그림 구매자를 완전히 칠하도록 구체적으로 리디렉션한 사람은 누구입니까? 그것들이 많이 있습니다. 기본적으로 이들은 미디어에서 미술 비평에 종사하는 사람들과 전시회를 조직하는 사람들입니다. 예를 들어 비평가 Roger Fry는 후기 인상파를 "세탁"했고 프랑스 인 Guillaume Apollinaire는 Matisse와 Picasso의 제품을 소비자에게 홍보했습니다. 그러나 그림 시장에서 더욱 중요한 것은 특히 20세기 후반에 점점 더 많은 부유한 수집가들이 세계에 등장했다는 사실이었습니다. 진정으로 뛰어난 예술 작품이 주립 박물관에 있거나 걸작을 돈을 받고 팔지 않는 교회 소유인 상황에서 컬렉션을 수집하는 이유는 무엇입니까? - 유행으로 간주되는 것에서. 유행이 된 것은 구매자가 구입했습니다.

그리고이 "화가"를 위해 패션은 어떻게 만들어 졌습니까? 기본적으로 모든 것은 스캔들로 시작되었습니다. 19세기 말에는 예술 작품을 가장하여 공개적으로 끔찍하게 칠한 것만으로도 대중의 추문을 불러일으켰습니다. 그것은 사회에 대한 진정한 도전이었습니다. "그런"것을 본 사람들은 분개했고이 모든 것이 언론과 보헤미안 장소에서 미루어졌고 작가와 그의 그림의 명성이 커졌습니다. 이것이이 캐릭터의 패션이 나타난 방식입니다. 먼저 좁은 원에서 운이 좋으면 일반 대중이 새로운 "위대한 화가"의 출현에 대해 알게되었습니다. "그들이 당신에 대해 이야기하면 당신은 존재합니다"-이것이 PR의 기본 규칙입니다.당신이 유명해지면 적어도 누군가는 당신의 그림을 살 것입니다-그들의 예술적 가치에 관계없이보헤미안 환경의 평범한 사람들이 깨닫는 즉시 그 칠-이것은 또한 뜨거운 상품이므로 그러한 그림은 말 그대로 시장을 휩쓸었습니다.미래의 많은 훌륭한 머프는 사실적인 그림으로 시작했지만 시간이 지남에 따라 더빙으로 전환되었습니다.그리고 일부는 아무것도 변경할 필요가 없었습니다-처음에는 몰랐습니다. 그리는 방법.

다른 시대에는 한 예술적 방향에 대한 패션이 있었고 인상주의, 후기 인상주의, 추상화주의, 입체파, 표현주의 .... 그리고 패션은 무역의 주요 엔진입니다. "아티스트"가 브랜드가 되 자마자이 브랜드로 생산 된 모든 것이 "뜨거운 케이크처럼 팔렸습니다." 이 "아티스트"가 정확히 무엇을 그렸는지는 중요하지 않았습니다. 패션 산업은 공예 산업과 다른 법률에 따라 운영됩니다. 물론 이것 또는 저 머프의 패션은 즉시 발생하지 않았으며 처음에는 엄청난 돈 형태의 "월계관"이 예술가 자신이 아니라 그림 구매자에게 전달되었습니다. 경매에서 유행하는 칠에 대해 지불하기 시작한 미친 돈은 20 세기 후반에만 나타났습니다. 세계 금융 시장에서 쉽게 돈을 벌고 러시아의 국가 재산을 약탈하는 동안 엄청난 수의 사람들이 돈을 어디에 둘지 몰랐습니다. 결과적으로 캔버스에 묻은 배설물은 매우 뜨거운 상품이되었습니다. .

예술에서의 더빙의 승리는 누구로부터 시작되었습니까?

인상파와 입체파의 길은 19세기 전반에 "창조"한 영국인 Joseph Turner에 의해 닦여졌습니다. 그의 화가로서의 유일한 장점은 풍경화를 잘 그리지 못한다는 것뿐이었다. 그는 또한 거의 좋은 그림을 가지고 있었지만 캔버스 "베니스로 항해"와 같은 솔직한 칠로 유명해졌습니다. 베니스가 그의 그림과 같다면 아무도 항해하지 않았을 것입니다 ... 한때 Turner는 그가 유명해진 덕분에 대중에게 충격을주었습니다. 그의 캐리커처가 있습니다-Turner는 페인트 브러시 (당시 울타리를 칠하는 데 사용됨)로 그림 앞에 서서 무언가를 칠합니다 ...

프랑스 인 Edgar Degas는 다음에 배턴을 집어 들었습니다. 그는 그림을 그리는 방법을 알고 때로는 멋진 그림을 만들었지 만 어떤 이유로 Edgar는 씻거나 씻을 준비를하거나 방금 물 절차를 마친 가장 추악한 나체 여성을 그리는 데 끌 렸습니다 . .. - 그런 그림들은 무능력으로 미대 1과목에서 퇴학당하기도 하지만 드가는 이들 덕분에 큰 인기를 얻었다.

19세기 말과 20세기 초에 머핀의 수가 급격히 증가하기 시작했습니다.

현재 "위대한 인상파"Claude Monet (유명한 예술가 Edouard Manet과 혼동해서는 안됨)과 Auguste Renoir가 창작하고 있습니다. Renoir는 그림을 그리는 방법을 알고 있었지만 Degas와 마찬가지로 종종 노골적인 칠을했습니다. 처음에는 Monet도 진정한 예술가가 되려고 노력했지만 성공하지 못할 것임을 깨달았습니다. 결과적으로 그는 Joseph Turner 작업의 가장 눈에 띄는 후계자 중 한 명이라고 할 수 있습니다. Monet의 풍경은 전임자의 풍경만큼이나 끔찍합니다.

그의 주요 "걸작"은 "루앙 대성당, 햇빛의 서쪽 정면"입니다. 전형적인 어린이 칠입니다. Monet은이 "스타일"로 많은 작품을 리벳으로 만들었고 모두 여전히 인기가 있습니다. "Water Lilies"(이름이 없으면 이것이 물 위의 백합이라는 것을 즉시 인식하지 못합니다 ...) 경매에 36.7에갔습니다. 백만 달러(2007. ), 워털루 다리(아래 사진)는 3,590만 달러(2007)에 매각되었으며,

"수련이있는 연못 ..."( "워털루 다리"에 비해 그림이라고도 함)-3300 만 달러 (1998). 2009년 The Times 신문은 독자들을 대상으로 설문 조사를 실시한 결과 20세기 가장 인기 있는 예술가를 결정했습니다. Claude Monet이 4위를 차지했습니다!

세기가 바뀌면서 후기 인상주의자들도 사업에 뛰어들었습니다. Vincent van Gogh, Henri Toulouse-Lautrec, Edvard Munch, Paul Cezanne, Paul Gauguin, Gustav Klimt. 그들 중 누가 "더 위대한", 즉 우리 시대의 더 세련된 예술가였습니까? 세잔은 "흥미롭다"고 말할 수 있는 그림을 적어도 한 점 가지고 있습니다. 그는 27세에 그 그림을 그렸습니다. 그런 다음 깨달음없이 모든 것이 훨씬 더 나빠졌습니다. 그러나 그는 확실히 "최고"가 아닙니다. 그의 그림 중 일부의 가격은 수천만 달러에 달합니다 (가장 비싼 "주전자와 커튼이있는 정물"은 6,050 만 달러 (!) 에 구입했지만 수집가들 사이에서 그의 작품의 인기는 분명히 고갱 작품의 인기보다 열등하고 반 고흐는 더욱 그렇습니다. 그러나 The Times의 독자들은 Cezanne을 20 세기 예술가 중 2 위에 올렸습니다!

정신병을 앓고 있는 반 고흐는 한 번도 자라지 못한 재능 없는 5-7세 소년으로 그렸습니다. 한때 그는 정신과 진료소에서 치료를 받았지만 도움이되지 않았고 40 세에 자살했습니다. 그의 전기는 "위대한 예술가"의 전기와 비슷합니다. 이것은 그의 그림 가격으로 입증됩니다-Ginoux 부인의 끔찍한 초상화는 4,030 만 달러, "해바라기"는 4,050 만 달러, "밀짚 모자를 쓴 농민 여성"은 4,750 만 달러, 홍채는 900 만 달러, 57 달러 Cypress Wheat Field에 백만 달러, 자화상에 7,100만 달러, Dr. Gachet에 8,250만 달러. 그건 그렇고,이 Gachet은 자살 직전에 Van Gogh를 돌 보았습니다. 아마도 "예술가"는 그의 서명 초상화로 그의 작업에 대해 의사에게 복수하기로 결정했을 것입니다.

반 고흐의 연인 고갱은 반 고흐의 소년보다 조금 나이가 많은 소년으로 그렸습니다. 이것은 "위대한 예술가"로서 그에게 분명한 마이너스입니다. 또한 Gauguin은 Van Gogh를 방문하고 결국 귀를 잘랐을 때 그의 전기에 멋진 에피소드가 있지만 Van Gogh만큼 미치지는 않았습니다. 이것은 정말 "위대함"에 대한 중요한 주장입니다! 그러나 고갱의 그림에 대한 수요는 반 고흐만큼 크지 않습니다. 그의 그림 중 일부만이 3천만 달러 이상에 팔렸습니다.

거의 난장이에 가까운 Toulouse-Lautrec은 추악한 프랑스 창녀들에게 열광했으며, 못생긴 그림에서 구현했습니다.조건부 이름 "검사중인 창녀"로 아래 그림을 보면 Toulouse-Lautrec의 창의적인 방식을 알 수 있습니다.

그는 오히려 스케치의 달인이었지만, 본격적인 그림을 그리는 데 전혀 신경을 쓰지 않았다. Gauguin 및 Van Gogh와 비교할 때 Toulouse-Lautrec은 완전히 인기가 없으며 노르웨이 Munch는 그의 전기가 매우 개인적이지만 분명히 그들에게 달려 있지 않습니다. 그는 지속적으로 끔찍한 우울증에 시달렸고 정신 장애로 여러 번 치료를 받았습니다. 그의 그림 중 일부는 "역사상 가장 비싼 그림 100선" 목록에 포함되어 있지만 그게 전부입니다.

그러나 오스트리아의 구스타프 클림트는 정말로 가장 위대한 후기 인상파입니다. 그는 반 고흐만큼이나 인기가 많았고 그의 가장 비싼 그림은 1억 3500만 달러에 팔렸습니다! 그리고 20 세기의 위대한 예술가에게 가장 놀라운 것은 사진이 인간의 얼굴을 가진 여성을 보여줍니다! 남은 공간은 모두 전형적인 칠이 차지하고 있지만 얼굴은 사실적으로 밝혀졌습니다. 그리고 사람들이 묘사 된 클림트의 다른 그림들은이 그림과 비슷합니다. "후기 인상파"도장 중 같은 얼굴입니다.

사람들은 또한 20 세기 최고의 예술가 중 3 위인 Klimt를 존경합니다. Picasso와 Cezanne만이 앞서 있습니다.

20세기로 넘어갑시다. Wendy Beckett이 그녀의 회화사에서 썼듯이, "20세기 예술의 두 지배자 - Henri Matisse와 Pablo Picasso." 그런 머프가 수백 개가 있었기 때문에 정확히이 두 가지 이유를 말하기는 어렵지만 패션의 방식은 헤아릴 수 없습니다. 그건 그렇고, The Times 독자 설문 조사에 따르면 Pablo가 1 위를 차지했습니다.

스페인 파블로 피카소는 그림을 그리는 방법을 알고 있었지만 원하지 않았습니다. 그는 Da Vinci의 수준과는 거리가 멀었지만 (믿지 않는 사람-그의 초기 그림 "파이프를 든 소년"을보십시오-나쁘지는 않지만 탁월하지는 않습니다) 단순히 좋은 그림은 20 세기에 이미 관련이 없었습니다. Daubing은 점점 더 유행이되었고 Pablo는 파도의 요청에 따라 항해하기로 결정했습니다. 그리고 그는 훌륭했습니다!

1907 년에 그는 "아비뇽의 소녀들"이라는 그림을 그렸습니다. 이것은 입체파 장르의 첫 번째 작품이되었습니다. 처음에 작가는 낯선 사람들에게 이 더빙을 보여주는 것이 부끄러웠는데, 일반적으로 이해할 수 있습니다. 다섯 명의 절대적으로 끔찍한 생물이 사진에서 당신을 바라보고 있고 다른 사람들에게 그런 넌센스를 보여주는 것은 공개적으로 말하는 것과 같습니다. 나는 완전한 사이코입니다! 그러나 파블로 그의 "걸작"을 공개하기 위해 모험을 감행했습니다.추측하지 않았습니다. 아무도 그를 병원에 숨기지 않았고 피카소는 계속해서 캔버스를 망쳤습니다. 그는 변증법적 유물론의 가정을 실행에 옮겼습니다. 양은 질로 발전합니다. 이 경우 평판. 피카소는 약 70년 동안 그림을 그렸고 그가 우리 시대의 가장 인기 있는 머프가 된 것은 놀라운 일이 아닙니다.

Dora Maar의 초상화(2006년 경매에서 9,520만 달러에 구입, 위 사진), 정원에 앉아 있는 여인(1999년 4,950만 달러), 꿈(1997년 4,840만 달러), "검은 의자에 앉은 누드"(4,510만 달러) 1999 년 달러)-20 세기 daub의 "황금 기금"에 진입했습니다.

20세기에는 많은 영광스러운 화가들이 있었습니다. 르네상스 시대의 위대한 예술가들보다 훨씬 더 많은 것이 놀라운 일이 아닙니다. 우리의 Vasya Kandinsky와 Kazimir Malevich도 이 분야에서 주목을 받았습니다. 물론 러시아인들은 그들 자신의 특별한 영성을 가지고 있지만 더빙에서는 그다지 많이 나타나지 않았습니다. 20세기 중반에 "추상적 표현주의자"인 미국 명태와 네덜란드인 데 쿠닝이 이에 대한 분위기를 조성하기 시작했습니다.

우리 세상의 모든 것은 상대적이며 Pollack과 그의 형제의 배경에 비해 Monet이나 Gauguin조차도 훌륭한 예술가처럼 보입니다. 미술 평론가들은 이 최고 수준의 도색을 "추상 표현주의"라고 불렀고, 나는 이것이 완전히 미친 도색이라고 말하고 싶습니다! 가장 저명한 대표자는 앞서 언급한 Willem de Kooning과 Jackson Pollack뿐만 아니라 러시아계 미국인 Mark Rothko였습니다. 이 세 가지는 20세기 칠의 정점에 불과합니다!

추상표현주의는 원칙적으로 그림을 그리지 않는 사람이다. 반 고흐는 최소한 5세 아이의 수준으로 그렸지만 폴락은 이 수준에도 미치지 못했다. Wendy Beckett의 The History of Painting을 인용하면 다음과 같습니다. 그는 바닥에 펼쳐진 캔버스에서 황홀경에 빠져 춤을 추며 독창성에 완전히 몰두하고 완벽한 통제하에 페인트를 튀기고 붓습니다. 그는 “그림은 그 자체로 생명력이 있습니다. 나는 그녀를 놔두려고 노력한다." 여기에 언급 할 것도 없습니다. 그 남자는 매우 아팠습니다. 그의 그림 사진이 이것을 확인시켜줍니다.

Mark Rothko는 Pollack보다 더 나쁜 예술가입니다. 당신은 이것이 그렇게 될 수 없다고 말할 것입니다. 결국 저는 Pollak이 그림을 그릴 수 없다고 말했습니다. 아마도! Pollack의 그림은 적어도 혼란스러운 벽지와 비슷했지만 Rothko의 그림은 다른 색상으로 칠해진 캔버스입니다. 예를 들어 상단은 검은색이고 하단은 회색입니다. 또는 더 많은 "뛰어난 작업"-하단은 진홍색, 상단은 일종의 짙은 노란색, 중간은 흰색입니다.

이 그림은 "화이트 센터"라고 불리며 2007년 소더비에서 구입했습니다. 7280만 달러. -손상된 캔버스의 경우 거의 7300만! 그건 그렇고, 이것은 세계에서 가장 비싼 그림 목록에서 12 위입니다! 그러나 오늘날 세계에서 가장 비싼 그림(2010)은 Jackson Pollack의 작품이며 2006년 Sotheby's에서 1억 4천만 달러에 판매된 "No. 5"라고 불립니다! 서구 세계는 미친 예술가들로 가득 차 있을 뿐만 아니라 엄청난 수의 미친 백만장자들이 있습니다. 그건 그렇고 서구에서도 평범한 사람들은 그다지 건강하지 않습니다. Times 신문의 여론 조사에서 Pollack은 20 세기 가장 인기있는 예술가 중 7 위를 차지했습니다.

그들이 말했듯이 그의 "영원한 라이벌"Willem de Kooning은 이번 여론 조사에서 9 위가되었습니다. 나는 그를 모든 머프 중에서 가장 재미있는 사람이라고 부를 것입니다. Kooning의 가장 비싼 그림인 Woman No. 3(2006년에 1억 3,750만 달러에 구입!)은 건강한 사람이라면 누구나 크게 웃게 만들 것입니다. 더 재미있는 것은 자전거를 탄 여인입니다.

윌렘은 여자들과 문제가 좀 있었던 것 같아서 교묘하게 그들에게 복수를 했다.

Pollack, Kooning 및 Rothko의 예에서 우리는 오늘날 미술 시장이 어떤 상태인지 분명히 알 수 있습니다. 흐루시초프가 살아 있었다면 그는 이렇게 말했을 것입니다.

그래서 Pu의 마력 덕분에블릭 관계 정신적으로 혼란스러운 일부 개인의 칠은 뛰어난 예술 작품으로 인식되었으며 위대한 르네상스 예술가의 캔버스와 동등했습니다. 처음으로 머프 홍보에서 PR의 힘이 분명하게 드러났습니다. 19세기까지홍보 정치에서만 효과적으로 행동했습니다 (역사와 종교도 정치적 목표에 기여했으며 정치와 분리하여 고려할 수 없음). 평범한 머프가 뛰어난 아티스트로 발표되는 경우, 우리는 다음과 같은 현상에 직면합니다.홍보 패션 분야에서 두각을 나타냈다. 그리고 그것은 매우 효과적이고 오래 지속되어 평범한 사이코패스라는 욕설이 유행한 지 한 세기가 지난 지금도 우리는 반 고흐가 위대한 예술가라고 진심으로 믿는 많은 사람들을 만납니다. 반 고흐가 누구인지 아는 사람은 훨씬 더 많습니다. 돈으로 무엇을 해야할지 모르는 수백 명의 부유한 게으름뱅이들이 경매에서 유행하는 칠을 사고 있습니다. 다른 모든 사람들은 수백만 달러짜리 daub 구매에 대해 듣고 또 다른 것을 듣습니다. 글쎄, 그들은 솔직한 대변에 3 천만 달러를 지불 할 수 없습니까? -그래서 평신도는 주장합니다. -할 수 있더라도 할 수 있습니다 ... 가장 중요한 것은 그것이 유행이라는 것입니다.

오늘 경매에 나온 그림 몇 점을 보니 울고 싶다. 울어라, 왜냐하면 이 캔버스들은 칠한 어린아이처럼 보이지만 마이애미의 별장처럼 서 있기 때문이다. 수백만 달러에 경매를 떠난 가장 비싼 터무니없는 걸작을 선보일 때가 왔습니다.

Ellsworth Kelly의 "Green and White" - 160만 달러

블로그스팟

이것은 흰색 배경에 들쭉날쭉한 녹색 원이 아닙니다. 이것은 주요 대상이 색상 자체인 페인팅의 예입니다. 이 작품은 2008년 뉴욕 크리스티 경매에서 구입했습니다.

실제로 작가의 나머지 그림에서는 복잡한 패턴과 사실적인 풍경을 찾을 수 없습니다. 흰색, 검은색 또는 밝은 배경의 가장 단순한 인물만 있습니다.

블루 풀, 크리스토퍼 울 - 500만 달러

핀터레스트

이 그림은 2010년 Christie's(뉴욕) 경매에서 낙찰되었습니다. 현대 미국 예술가 크리스토퍼 울은 동료들보다 더 나아가 "더빙"과 "낙서"에 더해 캔버스에 큰 글자로 비문을 쓰기 시작했습니다.

이 시리즈에서 가장 비싼 작품 중 하나가 "FOOL"(Fool)이라는 문구가 새겨진 캔버스라는 사실에는 상당한 아이러니가 있습니다.

“공간의 개념. 기다리고 있다, 루시오 폰타나 — 1,280만 달러

출처: 포브스

흰색 슬릿 캔버스는 2015년 런던 소더비에서 판매되었습니다. 예술가 Lucio Fontana는 캔버스에 대한 "야만적인" 태도로 유명합니다. 그는 캔버스를 무자비하게 자르고 뚫었습니다. 그러나 그는 나중에 "절단된"그림을 시청자에게 보여줄 수 있도록했습니다.

마스터의 경우 슬롯은 무한 자체를 의인화했습니다. “슬릿 앞에 앉아서 생각하기 시작하면 갑자기 영혼이 해방되는 느낌이 듭니다. 현재와 미래의 무한한 확장에 속하는 물질의 족쇄에서 벗어난 사람이 된 것 같은 느낌이 듭니다.”라고 Fontana는 말했습니다.

회화 "비둘기 호안 미로의 스타 3,690만 달러

카렌루이미

2012년 영국 수도에서 열린 소더비 경매에서 가장 비싼 부지 중 하나. 이것은 우리 목록에서 그려진 것으로 보이는 첫 번째 그림입니다. 그냥 뭐?

캔버스는 스페인 초현실주의 예술가 Joan Miro가 만들었습니다. 한때 화가는 굶주리고 있었기 때문에 종종 벽에서 환각을 목격했습니다. 제작자는 자신이 본 이미지를 그림으로 옮겼습니다. 이제 그의 그림은 수백만 달러에 팔립니다.

로이 리히텐슈타인의 잠자는 소녀 - 4,480만 달러

뉴욕

Sleeping Girl은 2012년 뉴욕 소더비 경매에 출품되었습니다. 한때 "미국 최악의 예술가"라고 불렸던 리히텐슈타인의 작품에 오늘날 그들은 엄청난 돈을줍니다.

Roy Lichtenstein은 만화를 기반으로 그림을 그리는 것으로 유명합니다. 아티스트는 단순히 다른 사람의 작품을 가져와 다시 그려서 자신의 것을 추가했습니다. 이를 위해 그는 비평가들의 공격을 견뎌야 했지만 이로 인해 그를 유명하게 만들었습니다. 리히텐슈타인의 그림은 가장 비싼 그림 목록에 지속적으로 나타납니다.

무제, 사이 톰블리 - 6960만 달러

가제타

이 그림은 2014년 뉴욕 크리스티 경매장 경매에서 낙찰됐다. 아이가 이것을 그리면 낙서가 됩니다. 그러나 과장된 예술가가 그것을 할 때 그것은 엄청난 돈을 지불할 가치가 있는 걸작입니다. Twombly의 다른 작품은 모두 같은 낙서이며 추악하게 비쌉니다.

Barnett Newman의 "Black Fire" - 8,420만 달러

블룸버그

이 걸작은 2014년 뉴욕 크리스티에서 판매되었습니다. 시그니처 Barnett Newman - "번개"라는 별명을 가진 수직선.

마스터의 다른 그림은 아마도 색상을 제외하고는 위에 제시된 것과 다르지만 이러한 번개의 너비가 다릅니다. 작가의 그림 가격은 경매에서 경매로 오르고 있습니다.

Marco Rothko의 "Orange, Red, Yellow" - 8,690만 달러

미국 예술계의 스캔들! 새로 발견된 추상화의 걸작으로 여겨졌던 수십 점의 그림이 가짜로 밝혀졌다. 그것은 무엇입니까-전문가의 치명적인 실수 또는 사기꾼의 놀라운 재능?

아니면 실제로 이러한 "걸작"의 원본이 단순히 복사하기 쉬운 공개 된 칠일 뿐이라는 객관적인 확인입니까?

Mohyla Academy의 시각 문화 센터 폐쇄는 사회적으로 첨예한 논쟁을 불러일으켰습니다. 그러나 그것은 또한 예술 작품을 가장하여 제공되는 모든 것이 실제로 무엇인지 생각하게 만들었습니다.

미국 예술계의 스캔들! 새로 발견된 추상화의 걸작으로 여겨졌던 수십 점의 그림이 가짜로 밝혀졌다. 그것은 무엇입니까-전문가의 치명적인 실수 또는 사기꾼의 놀라운 재능? 아니면 실제로 이러한 "걸작"의 원본이 단순히 복사하기 쉬운 공개 된 칠일 뿐이라는 객관적인 확인입니까?

거의 17년 전, Long Island(뉴욕)의 잘 알려지지 않은 미술상인 Glafira Rosales가 Knoedler & Company 갤러리의 호화로운 건물에 들어섰습니다. 아트 디렉션) .n 추상 표현주의 - 대략).

그녀는 뉴욕에서 가장 오래된 아트 갤러리인 Knoedler의 새 회장인 Ann Friedman에게 옅은 복숭아색 배경에 두 개의 먹구름이 있는 작은 판자를 보여주었습니다.

Friedman 부인은 나중에 이렇게 회상했습니다. “즉시 이 작업에 관심이 생겼습니다. 그녀는 너무 열정적이어서 결국 스스로 일자리를 얻었습니다.

다음 10년 동안 Rosales 부인은 Jackson Pollock, Willem de Kooning, Robert Motherwell과 같은 유명한 모더니스트 예술가들의 작품을 소장하고 있는 화려하게 장식된 천장이 있는 Knoedler Gallery 맨션을 자주 방문했습니다.

그들 모두는 시장에 처음 등장했습니다. 그녀는 모든 것이 로잘레스 씨가 이름을 밝히기를 거부한 수집가의 것이라고 말했습니다.

이 그림은 Knoedler Gallery와 Ann Friedman 모두에게 열광적인 반응을 얻었습니다. 최소 20점의 작품이 재판매되었으며 그중 하나는 1,700만 달러에 판매되었습니다.

오늘날 많은 전문가들이 이러한 작업을 위조라고 부릅니다. 하나는 법원 명령에 의해 공식적으로 "가짜"라는 스탬프가 찍혔고 다른 하나는 FBI에서 조사를 받고 있습니다. Knoedler 갤러리는 165년의 사업 끝에 문을 닫았고 Rosales의 그림 중 하나를 구입한 고객을 고소하고 있습니다(갤러리는 폐쇄가 소송과 관련된 비즈니스 결정이라고 말합니다). 여전히 그림이 진짜라고 주장하는 프리드먼 씨도 이 소송에 등장한다.

무명 미술상이 어떻게 추상 표현주의의 거물이 만든 엄청난 양의 무명의 그림 보물을 발견할 수 있었는지에 대한 이 신비한 이야기처럼 최근 몇 년 동안 미술 시장을 뒤흔든 사건은 거의 없었습니다. 가능한 각각의 설명은 믿을 수 없다는 부담을 안고 있습니다.

그림이 진짜라면 왜 그림 중 일부의 페인트에는 그림이 만들어질 당시 아직 발명되지 않은 안료가 포함되어 있습니까?

그들이 가짜라면 전문가들을 오도할 수 있었던 초자연적인 재능을 가진 위조자들은 누구인가?

그리고 그 그림이 진짜인데 도난당했다면 왜 그 이야기가 공개된 후에 주인이 나서지 않았을까요?

불행하게도 이 수수께끼를 풀 수 있는 유일한 사람인 로잘레스 씨는 적어도 공개적으로는 말하기를 거부합니다. 그러나 법원 문서와 이 사건의 다른 참가자들과의 인터뷰에서 몇 가지 세부 사항이 "누설"되었습니다. 그리고 그들은 일어난 일을 설명하기에 충분합니다.

멕시코 출신의 카리스마 있고 교육받은 여성인 Dame Rosales(55세)와 스페인 출신의 남편 Jose Carlos Bergantinos Diaz는 한때 맨해튼 West 19th Street에 위치한 King Fine Arts라는 작은 갤러리를 운영했습니다. 최고 경매 소더비와 크리스티의 계좌를 가지고 있던 이 부부는 법원 증언에서 베르간티노스가 친구로 묘사한 앤디 워홀을 포함한 유명 예술가들의 그림을 소유하거나 팔았다고 말했습니다.

이 데이터에 따르면 Rosales 씨가 Knoedler Gallery와 같은 중개인에게 연락한 것이 이상하게 보입니다. 이에 대한 대답의 일부는 예술계에서 Rosales와 Friedman의 지위 사이의 거리에 있을 수 있습니다.

키가 크고 말랐으며 매우 자신감 넘치는 프리드먼 부인은 미국에서 가장 존경받는 갤러리 중 한 곳을 운영했습니다. 그녀는 아침 식사 시간에 고급 수집가들과 눈 하나 깜짝하지 않고 그림을 위해 수백만 달러를 내놓은 구매자들을 만났습니다. 그녀와 그녀의 남편인 부동산 사업가인 로버트 프리드먼(Robert Friedman)은 스스로 수집가였습니다.

두 여성은 칵테일 파티에서 Ms. Rosales와 길을 건너던 갤러리 직원 Jaime Andrade에 의해 소개되었습니다. Ann Friedman에 따르면 처음에 Rosales는 멕시코 시티와 취리히에 부동산을 소유하고 있으며 이름을 비밀로 유지하기로 약속한 친구의 이익을 대변한다고만 말했습니다. 이것은 아무도 놀라지 않았다고 Friedman은 설명했습니다. 개인 수집가는 종종 익명을 유지하는 것을 선호합니다. 그러나 시간이 지남에 따라 소유자에 대한 자세한 내용이 나타났습니다. Rosales는 1995년에 사망한 뉴욕 딜러인 David Herbert의 도움으로 그림을 수집한 아버지로부터 그림을 물려받았다고 말했습니다.

Herbert는 컬렉션 소유자가 자금을 조달할 이 작품을 기반으로 새로운 갤러리를 만들 계획이라고 합니다. 그러나 두 창립자는 도망쳤고, 결국 그림은 수집가의 지하실에 보관되어 죽을 때까지 보관되었습니다.

Rosales 씨는 Ellsworth Kelly가 그린 Herbert의 초상화를 가지고 있는데, 이것은 최근 Brooklyn Museum에서 열린 전시회의 일부였습니다. 그녀가 가지고 있지 않은 것은 그녀가 시장에 내놓은 20점 이상의 모더니스트 그림에 대한 소유권 기록입니다.

유명 작가의 작품을 출처 증명 없이 판매하는 것은 드문 일이다. 이론적으로 한 변호사가 말했듯이 "Ms. Rosales' 차고에서" 그릴 수 있었던 문서화되지 않은 그림을 다룰 때 Ann Friedman은 정말 중요한 것, 즉 품질에 초점을 맞췄다고 말했습니다.

그리고 그들은 특별했습니다.”라고 Friedman은 말했습니다. 그녀는 Rothko, Pollock, Barnett Newman, Clifford Stills 등의 그림에 대한 자신의 인상을 확인하기 위해 여러 전문가를 초대했습니다. 딜러 Rosales가 제공한 캔버스입니다. Pollock에 관한 책의 저자인 Claude Cernuchi는 작은 그림 "Untitled, 1950"에 "J. 대구 무리. Rothko의 강력한 종이 작품 컬렉션을 보유하고 있는 National Gallery of Art는 Rothko의 그림 중 두 점이 진짜라고 말했습니다.

2000년 이전에 Friedman 부인은 Rosales의 제안 중 세 가지를 직접 구매했습니다. Rothko는 첫 만남에서, Untitled 1959는 $200,000에, Pollock은 $300,000에, Motherwell은 $20,000에 구입했습니다. 그녀의 변호사는 이 자리에서 “앤 프리드먼이 이 작품들에 대해 의심이 있었다면 그녀와 그녀의 남편은 수십만 달러를 투자하지 않았을 것”이라고 말했다.

구름은 2003년에 투자 은행 Goldman Sachs의 고위 간부가 Knoedler Gallery에서 구입한 (아마도) Pollock 그림 Untitled 1949의 진위를 확인하려고 했을 때 모이기 시작했습니다. 그는 독립적인 비영리 조직인 예술 연구를 위한 국제 재단(International Foundation for Artistic Research)에 Cortin을 기증했습니다. 그리고 분석 후 익명의 위원회는 그림의 스타일과 기원에 의문을 제기하면서 그림의 진위 확인을 거부했습니다.

구매자가 환불을 요구했습니다. Friedman 부인은 즉시 그에게 200만 달러를 주고 갤러리 및 동료 캐나다 연극 기획자 David Mirvish와 협력하여 흰색, 검은색 및 빨간색 스테인드 캔버스를 직접 구입했습니다. 전직 미술상이었던 Mirvish 씨는 익명 평가에 대해 신경쓰지 않는다고 말했습니다(그와 Knoedler는 또한 Rosales가 제공한 Pollock의 다른 두 작품에 투자했습니다).

그러나 추정치는 다른 출처에서도 얻었습니다. Mirvis는 2006년 추상표현주의와 동시대 화가인 프랭크 스텔라(Frank Stella)를 갤러리로 데려왔습니다. Rosales에서 온 여러 캔버스를 검토한 후 Stella는 다음과 같이 말했습니다. 대화는 Ann Friedman에 의해 법정에서 증언되었습니다.

가장 인상적인 것은 Rosales 그림이 시장에서 확인되었다는 것입니다. Friedman은 Knoedler Gallery를 통해 총 2,700만 달러에서 3,700만 달러 사이의 총 15~16점의 작품을 판매했다고 인증했습니다.

가장 비싼 그림은 2007년 피에르 라그랑주라는 런던 헤지펀드 이사가 중개인을 통해 구입한 폴록의 작품 '무제 1950'이었다. 갤러리는 Mirvish 씨와 함께 몇 년 전에 밝은 은색 배경에 검은색, 빨간색, 흰색 선이 뒤섞인 그림을 200만 달러에 구입했습니다. 라그랑주는 1,700만 달러를 지불했습니다.

이것이 진짜 폴락입니다. 그리고 전문가가 캔버스에 번진이 선이 위조 된 캔버스에 번진 선보다 얼마나 우수한지 즉시 알아 차리지 못하겠습니까?

라그랑주와의 거래 며칠 후 프리드먼 여사는 로버트 마더웰이 근대성의 예술적 유산을 보호하기 위해 설립한 비영리 다이달로스 재단의 직원 몇 명을 노들러 갤러리로 초대했습니다. 그녀는 그들이 그녀의 마지막 마더웰을 보기를 원했습니다.

미술 상인 Rosales가 8년 이내에 Friedman이나 다른 뉴욕 상인 Julian Weisman에게 판매한 일곱 번째 그림이었습니다. 큰 검은색 선과 얼룩이 캔버스 전체에 흩어져 있는 이 그림은 스페인 비가로 알려진 마더웰의 뛰어난 시리즈에 속하는 것으로 보입니다. 재단 직원은 이미 이러한 새로운 "우아함"을 여러 번 보았고 그것들이 진품임을 인정했습니다.

그러나 Knoedler Gallery를 방문한 지 몇 주 후, 재단 위원회 회의에서 일부 회원들은 서명의 진위와 새로 발견된 "elegies"의 스타일에 대해 의문을 제기하기 시작했습니다. 재단 회장 잭 플램은 곧 폴록과 리차드 디벤콘의 "로잘레스의" 다른 작품들이 회의적인 반응을 보였다는 사실을 알게 되었다고 말했다.

재단의 모든 사람이 경보를 울릴 필요가 있다고 결정한 것은 아닙니다. Motherwell의 개인 비서이자 베테랑 재단 직원인 Joan Banach는 Flam이 그림의 진위에 대해 부당한 주장을 하여 재단의 그림 평가 절차를 위반했다고 말했습니다. 이후 그녀는 Flem 씨에 대한 비판 때문에 해고당했다고 주장하며 재단을 고소했습니다(재단은 이를 부인함).

Banach 부인이 법원 문서에서 Knoedler Gallery가 Rosales를 통해 획득한 Motherwell 그림의 진정성을 평가한 방법은 "거의 그렇지 않을 가능성이 높습니다"입니다.

그러나 재단 이사장인 잭 플램은 이 그림들이 위조되었음을 증명하기로 결심했습니다. 그는 Rosales와 그녀의 남편의 활동을 조사하기 위해 사립 탐정을 고용하고 일련의 법의학 조사를 주장했습니다.

2009년 1월 어느 선선한 저녁에 Flem과 Friedman은 결과에 대해 논의하기 위해 만났습니다. 그들은 두 개의 "elegies"가 걸려있는 잘못된 홀에 앉았는데 그중 하나는 Friedman 부인의 것입니다. 법의학 전문가는 둘 다 1953년과 1955년(캔버스에 표시된 날짜) 이후 10년 후에 발명된 안료를 포함하고 있다고 결론지었습니다.

Ann Friedman은 이러한 결과에 동의하지 않았습니다. 예술가들은 종종 특허를 받고 시장에 출시되기 전에 실험할 새로운 안료를 받았습니다. 그러나 다이달로스 재단은 그 입장을 견지했습니다. 예술상인 로살레스는 나중에 법원 문서에서 "일련의 7개의 가짜 '스페인 비가'를 시장에 가져온 핵심 인물"로 확인되었습니다.

Motherwell의 그림에 대한 분쟁은 곧 FBI에 도달하여 조사를 시작했습니다. Rosales의 변호사는 그의 의뢰인이 조사를 받고 있음을 인정하고 "그림이 가짜라는 것을 알면서 고의로 그림을 팔지 않았다"고 덧붙였습니다.

Ann Friedman은 2009년 9월에 FBI로부터 영장을 받았지만 그녀의 변호사는 FBI가 그녀를 조사 대상으로 간주하지 않는다고 말했습니다. 그녀는 다음 달 갤러리에서 은퇴했습니다. Friedman과 갤러리는 조사가 그녀의 해고와 아무 관련이 없다고 주장합니다. 이는 Friedman이 Knoedler Gallery를 다른 갤러리와 병합하는 것을 꺼려했기 때문입니다.

그러나 Rosales의 그림 문제에서 벗어나는 것이 훨씬 더 어려웠습니다. 작년에 "elegies"중 하나가이 그림을 구입 한 아일랜드 갤러리의 소송의 기초가되었고 스캔들 이후 650,000 달러의 반환을 요구했습니다.

Daedalus Foundation은 법의학 조사 후 Rosales를 통해 받은 모든 "elegies"가 가짜라고 선언했기 때문에 Daedalus Foundation이 이 소송에 휘말렸습니다. 그가 이전에 비공식적으로 진품으로 인정했던 것들을 포함하여, 그중에는 아일랜드인에게 팔린 그림도 있었습니다.

소송은 10월에 종결되었습니다. Rosales는 대부분의 그림 비용과 법률 비용을 지불하기로 동의했으며 Daedalus Foundation의 요청에 따라 그림 자체에는 제거할 수 없는 "가짜" 잉크 스탬프가 뒷면에 찍혔습니다. Daedalus는 한 번은 그림이 진짜라고 선언했고 또 한 번은 가짜라고 선언했습니다. 그럼에도 불구하고 상대방은 변호사를 통해 여전히 그림이 진짜라고 주장합니다.

몇 주 후 또 다른 사진이 논란의 원인이 되었습니다. Pierre Lagrange는 그의 아내와 이혼했고 그들은 Untitled 1950을 팔고 싶어했습니다. 그러나 경매 소더비와 크리스티는 이 그림의 기원이 의심스럽고 폴록의 전체 작품 목록에 없다는 이유로 이 그림을 다루기를 거부했습니다. Lagrange는 Knoedler Gallery에 그림을 다시 가져갈 것을 요구하고 캔버스에 대한 자신의 법의학 조사를 명령했습니다.

11월 29일, 분석 결과가 나왔습니다. 그림에 사용된 두 가지 노란색 안료는 1956년 폴록이 사망한 이후까지 발명되지 않았습니다. 결론은 Knoedler Gallery로 보내졌습니다. 다음날 그녀는 폐쇄를 발표했습니다.

12 월에 Rosales와 Friedman은 다시 만났지만 이번에는 맨해튼 연방 지방 법원에서 회의가 열렸으며 그곳에서 Lagrange 씨의 소송으로 소환되었습니다. 그는 1,700만 달러를 돌려받기를 원했습니다.

Motherwell의 이 그림은 이제 뒷면에 "위조"라는 스탬프가 영구적으로 찍혀 있습니다. 동시에 이 브랜드의 등장을 주장했던 같은 아트 펀드는 이전에 그림의 진위를 확인했습니다. 사진: 뉴욕 타임즈의 로버트 캐플린

두 여성은 짧게 인사를 나눈 후 Rosales는 시민에게 자신을 고발하지 않을 권리를 부여하는 미국 수정 헌법 제5조로 전환했습니다. 그들의 변호사에 따르면 그 이후로 그들은 의사 소통을 하지 않았다.

이 작품들의 미스터리에 대해 법원이나 형사 수사가 설득력 있는 답을 줄 수 있을지 지금은 말할 수 없다.

진위 여부는 확인이 어렵습니다. 안료 연대 측정은 일반적으로 신뢰할 수 있는 방법으로 간주되지만 이것이 반드시 결정적인 주장은 아닙니다. 예를 들어, 아버지 Sam이 Pollock과 같은 예술가를 위해 실험적인 페인트를 만든 Golden Artist Colors의 CEO인 Mark Golden은 그의 아버지가 의심스러운 그림에서 노란색을 만들지 않았다고 자신의 믿음을 밝혔습니다. 그러나 그는 이러한 안료의 개별 구성 요소가 1940년대 후반에 존재했다는 점에 주목했습니다.

형사 사건의 경우 기준이 훨씬 더 높습니다. 검찰은 로잘레스의 작품이 가짜라는 것을 증명해야 하는데, 이때는 전문가들도 동의하지 않는다. 그리고 그들이 가짜라면 당국은 Rosales 씨가 사기에 연루되었고 같은 방식으로 오도되지 않았음을 증명해야 합니다.

한편 민사소송의 진원지였던 그림 '무제 1950'은 라그랑주 씨의 거실 벽에 더 이상 자랑거리가 아니다. 15" x 28" 보드는 예술계에서 고아가 되었으며 일종의 예술 지옥에 있습니다. 그리고 그는 그녀가 걸작으로 하늘로 올라가거나 가짜로 비방을 당하기를 기다리고 있습니다.

패트리샤 코헨, 뉴욕 타임즈

원본에서 우크라이나어로 번역:텍스트 , 원래의"고소에 적합" Patricia cohen 작성 게시일: 2012년 2월 22일

요즘은 나 같은 일반인이 보면 노골적인 낙서로 보이는 일에 수천만 달러를 내는 이상한 사람들이 많다. 어쨌든 나는 현재 세계에서 가장 비싼 10점의 그림에 대해 알게 될 것을 제안합니다!

누군가는 그들을 좋아할 것이고 누군가는 그러한 예술을 이해하지 못할 것이지만 그들을 위해 많은 돈을 줄 준비가 된 사람들이 있었다는 사실은 분명한 사실입니다.

그래서 목록의 10번 가장 비싼 그림 Gustav Klimt의 Adele Bloch-Bauer의 두 번째 초상화가 8,910만 달러에 팔렸습니다. 약간의 역사. 1912년 오스트리아의 예술가 구스타프 클림트는 아델레 블로흐-바우어 2세의 초상화를 그렸습니다. 당시 부유한 산업가였던 페르디난트 블로흐-바우어의 아내는 구스타프 클림트 자신을 포함하여 다양한 유형의 예술을 후원했습니다. 클림트가 두 번 그린 유일한 모델 - 그녀는 Adele Bloch-Bauer의 첫 번째 초상화에도 등장합니다. 분명히 Ferdinand는 아티스트를 잘 후원했습니다.)

9 위 - 경매에서 9,010 만 달러를 지불 한 Vincent van Gogh의 자화상 일반적으로 Dane Van Gogh는 유명한 "해바라기"와 함께 자화상을 그리는 것을 좋아했습니다. 인기가 있으며 그의 가장 유명한 그림입니다. 그는 1886년부터 1889년까지 총 12점 이상의 자화상을 그렸습니다.

8위 - 파블로 피카소의 그림 "고양이를 안고 있는 도라 마르"(9,700만 달러). 1941년에 그려진 이 그림은 피카소의 크로아티아 여주인 Dora Maar가 어깨에 새끼 고양이를 안고 의자에 앉아 있는 모습을 묘사하고 있습니다(고양이가 여전히 의자 등받이에서 걷고 있는 것처럼 보이지만). 이 사진을 보았을 때 갑자기 피카소의 새끼 고양이가 가장 잘 나왔다는 것을 깨달았습니다))

7 위는 다시 Van Gogh의 그림이 차지하고 있지만 이번에는 자화상이 아닙니다.) 구매자는 그림 "Irises"에 대해 9,750 만 달러를 지불해야했지만 적어도 그림처럼 보입니다. 10달러라도 후회하지 않을 것입니다! 이것은 반 고흐가 성 베드로 병원에 머무는 동안 쓴 첫 번째 작품 중 하나입니다. 1890년 사망하기 1년 전 프랑스 산레모 지방의 폴 드 무솔

6 번째 줄-Picasso 다시) Van Gogh와 함께 "측정"하기로 결정한 것 같습니다 =) 어쨌든 Sotheby 경매에서 John Hay Whitney의 개인 컬렉션에서 Pablo Picasso "파이프를 든 소년"의 그림을 위해 개최 2004년 5월 5일 뉴욕에서 시작 가격 7천만 달러에 1억 410만 달러를 기부했습니다. 그러나 많은 미술사학자들은 그러한 하늘 높은 가격이 그의 그림의 실제 역사적 가치보다 예술가의 큰 이름과 관련되었을 가능성이 더 높다고 생각합니다.

5 위, 말하자면 목록의 적도 가장 비싼 그림, 그림 "Ball at Montmartre"로 Pierre-August Renoir가 차지합니다. 판매 당시 이 그림은 반 고흐의 "가셰 박사의 초상"과 함께 지금까지 판매된 그림 중 가장 비쌌으며 둘 다 일본 기업가 사이토의 소유였습니다. 흥미로운 이야기가 그와 관련되어 있습니다. 사실 Saito는 사망 후 (1991 년에 일어났습니다)이 두 그림을 그와 함께 화장하여 전 세계적으로 분노의 물결을 일으켰습니다. 그러나 그의 동료들은 달리 결정했고 파산의 위협에 직면하여 Sotheby 's에서 Renoir를 1 억 2,280 만 달러에 팔았습니다. 구매자는 익명을 유지하기를 원했지만 그림은 현재 스위스에 있다고 가정합니다.

4위 - 이전에 언급한 "의사 가셰의 초상"과 함께 다시 반 고흐. 사실, 이 그림에는 두 가지 버전이 있는데 둘 다 작가의 생애 마지막 달인 1890년에 그렸습니다. 두 버전 모두 의사가 테이블에 앉아 오른손에 머리를 얹고 있지만 그 차이는 육안으로도 보입니다. 이 그림은 1억 2,970만 달러에 팔렸습니다.

우리는 이미 처음에 우리 목록의 세 번째 단계 인 "청동"에있는 그림에 대해 언급했습니다. 이것은 Gustav Klimt의 "Adele Bloch-Bauer의 첫 번째 초상화"입니다. 보시다시피이 초상화는 더 좋고 더 비쌌습니다) 1907 년에 그려졌고 전문 출처의 정보에 따르면 2006 년 뉴욕 갤러리 Neue Galerie Ronald Lauder의 소유자에게 1 억 3,500 만 달러에 판매되었습니다. 그림을 가장 비싸게 만들었거나 그 당시에 팔렸습니다.

2위는 추상표현주의 작가인 Willem de Kooning의 "Woman 3"이라는 완전히 이해할 수 없는 칠입니다. 작품))) "Woman 3"은 작가의 6개 그림 중 하나이며, 중심 주제는 놀랍게도 여성입니다. 억만장자 스티븐 코헨이 1억 3,750만 달러에 팔려 세계에서 두 번째로 비싼 그림이 되었습니다.

그래서 목록의 첫 번째 “세상에서 가장 비싼 그림”지금은 추상표현주의 운동에 지대한 공헌을 한 미국 화가 잭슨 폴록이 쓴 '1948년 5호'가 있다. 그림은 2.5 x 1.2m 섬유판 시트 위에 소량의 갈색과 노란색 스플래시를 적용하여 그림을 거대한 둥지처럼 보이게 만들었습니다. 이 폴록의 걸작은 기록적인 1억 4270만 달러에 팔렸습니다.

lifeglobe.net/entry/1228