예술가와 그들의 작품에 대해 인용문. 그림과 예술가(영어로 된 주제) 예술가가 묘사하는 방식을 보여주는 포럼
일부 유명한 예술가의 그림 아래에 다른 이미지가 숨겨져 있음이 밝혀졌습니다. 때로는 자세히 보면 육안으로 볼 수 있습니다. 그러나 더 자주 미술사 학자들이 그림 복원 작업을하는 유명한 거장이나 복원가의 그림을 연구하면서 발견합니다. 우리의 리뷰에는 그림에 숨겨진 이미지가 가득했던 여섯 가지 가장 흥미로운 사례가 있습니다.
숨겨진 그림에 대한 질문에 답하면서 과학자들은 알려진 캔버스에 나타나는 이유가 다르다는 점에 주목합니다. 때때로 작가는 단순히 원래 버전을 좋아하지 않았고 때로는 여론으로 인해 그림을 다시 그려야 했습니다. 그들의 새로운 작품.
1. 장 오귀스트 앵그르의 그림 속 군주의 흉상
프랑스 신고전주의 화가 앵그르(Ingres)의 그림 왼쪽에는 나폴레옹이 도시를 정복한 후 로마의 경찰서장을 묘사한 "자크 마르케, 몽브르통 드 노르뱅 남작"(1811-12)의 초상화가 있습니다. 육안으로 아이의 머리 흉상을 볼 수 있습니다. 이것은 그의 아버지가 로마의 왕으로 선포한 나폴레옹의 아들 머리의 흉상이라고 믿어집니다. 1814년 나폴레옹이 마침내 패배하고 퇴위했을 때 앵그르는 정치적인 이유로 그 그림 위에 페인트를 칠하고 그 위에 새 그림을 그렸습니다.
2. 피카소의 "늙은 기타리스트" 속 여인
Pablo Picasso는 1901-1904년에 작업을 위해 새로운 재료를 살 돈조차 없었던 어려운 시기를 보냈습니다. 그는 종종 오래된 캔버스에 프라이밍을 하여 새로운 그림을 그리는 데 사용했습니다. 피카소의 작품에서 펜티멘토의 가장 유명한 예 중 하나는 그림 "The Old Guitarist"로, 그림이 그려진 여성의 모습이 발견되었습니다.
미술 평론가들은 이전에 기타리스트의 구부러진 목 뒤의 흐릿한 윤곽을 발견했지만 X-레이로 사진을 조명해야만 어린 아이에게 먹이를 주는 여성의 오래된 이미지를 드러냈고 그 옆에는 황소와 양이 있습니다.
3. 피카소의 푸른 방에 있는 수염 난 남자
1901년에 그린 피카소의 그림 <푸른 방>도 최근 적외선 광학단층촬영으로 밝혀낸 비밀을 담고 있다. 그림을 세로로 놓으면 손가락에 여러 개의 반지를 끼고 수염을 기른 어떤 남자가 페인트 층 아래에서 발견됩니다.
4. John Singer Sargent의 "Portrait of Madame X"의 숄더 스트랩
메트로폴리탄 미술관에 전시된 '마담 X의 초상'은 심플한 블랙 의상과 당당한 자태, 도도한 표정으로 스타일의 아이콘으로 꼽힌다. 그러나 한때이 초상화는 품위에 대한 수치스러운 모욕으로 간주되었으며 유럽에서 예술가의 경력에 매우 부정적인 영향을 미쳤습니다.
초상화 속 여성은 파리의 유명한 사교계 명사인 Virginie Gautreau입니다. 당시 아름다움의 전형으로 여겨졌던 그녀의 창백한 피부는 한 현대 비평가가 Gautreau의 피부 톤을 "사체"라고 묘사하도록 이끌었습니다. 이 효과는 비소를 사용하여 달성되었습니다. Gautreau는 또한 더 큰 대비를 위해 헤나로 머리를 착색했습니다. Gautreau의 특이한 아름다움을 강조하기 위해 Sargent는 그녀를 검은 드레스로 묘사했으며 그 끈 중 하나는 그녀의 어깨 위로 요염하게 떨어졌습니다.
초상화가 파리 살롱에 처음 전시되었을 때 반쯤 내려간 어깨 끈이 매우 외설적이라는 사실이 밝혀지면서 대중은 분노를 터뜨렸다. 결과적으로 Sargent는 드레스의 세부 사항을 다시 작성하여 어깨 위로 들어 올렸습니다.
5. 창가의 여자
런던 내셔널 갤러리에서 알려지지 않은 예술가가 1500년대 캔버스를 복원하는 과정에서 특이한 "메이크업"이 발견되었습니다. 사진 속의 금발은 실제로 갈색 머리이며 그녀의 머리 색깔은 원본 위에 작가가 다시 썼습니다. 오늘날 이 그림은 원래 상태로 복원되어 국립 미술관에 소장되어 있습니다.
6. Hendrick van Antonissen의 "Beach Scene"에 나오는 고래
이 17세기 네덜란드 그림이 피츠윌리엄 박물관에 기증되었을 때, 그것은 단순히 해변 장면을 묘사했습니다. 그러나 미술사학자들은 이 그림이 뚜렷한 이유 없이 물가에 모인 군중을 묘사한 이유에 대해 의아해했습니다. 복원 후 페인트 층 아래에서 해변으로 씻겨 진 고래의 이미지가 발견되었습니다. 고래는 미학적 이유로 18세기 또는 19세기에 칠해진 것으로 여겨집니다.
예술 감정가들은 관심을 가질 것입니다.
오늘 우리는 관심과 인정을 받을 가치가 있는 20점의 그림을 여러분의 주의를 끌 것입니다. 이 그림은 유명한 예술가가 그린 것으로 예술에 종사하는 사람뿐만 아니라 평범한 필사자에게도 알려 져야합니다. 예술은 우리의 삶을 그리고 미학은 우리의 세계관을 심화시킵니다. 당신의 삶에서 예술이 마땅한 자리를 차지하도록...
1. "최후의 만찬". 레오나르도 다빈치, 1495 - 1498
레오나르도 다빈치의 기념비적인 그림으로 그리스도와 제자들과의 마지막 식사 장면을 묘사하고 있습니다. 1495-1498년 밀라노의 산타 마리아 델레 그라치에의 도미니카 수도원에서 만들어졌습니다.
이 그림은 레오나르도가 후원자인 로도비코 스포르차 공작과 그의 아내 베아트리체 데스테에게 의뢰한 것입니다. Sforza의 문장은 3개의 아치가 있는 천장으로 형성된 그림 위의 lunettes에 그려져 있습니다. 그림은 1495년에 시작되어 1498년에 완성되었습니다. 일은 간헐적이었다. 작업 시작 날짜는 정확하지 않습니다. "수도원의 기록 보관소와 그림이 거의 완성 된 1497 년에 기록 된 문서의 중요하지 않은 부분이 파괴 되었기 때문입니다."
이 그림은 르네상스 역사의 이정표가 되었습니다. 정확하게 재현된 원근법의 깊이는 서양 회화의 발전 방향을 바 꾸었습니다.
이 그림에는 많은 비밀과 힌트가 숨겨져 있다고 믿어집니다. 예를 들어 예수와 유다의 이미지가 한 사람에게서 쓰여졌다는 가정이 있습니다. 다빈치가 이 그림을 그렸을 때 그의 환상에서 예수는 선함을 의인화한 반면 유다는 순수한 악을 의인화했습니다. 그리고 주인이 "그의 유다"(거리에서 술고래)를 발견했을 때 역사가들에 따르면이 술고래는 몇 년 전에 예수의 이미지를 그리는 원형 역할을 한 것으로 밝혀졌습니다. 따라서 우리는 이 사진이 인생의 다른 시기에 한 사람을 포착했다고 말할 수 있습니다.
2. "해바라기". 빈센트 반 고흐, 1887
네덜란드 예술가 Vincent van Gogh의 두 주기 그림 이름. 첫 번째 시리즈는 1887년 파리에서 제작되었습니다. 거짓말 꽃 전용입니다. 두 번째 시리즈는 1년 후 Arles에서 완성되었습니다. 그녀는 꽃병에 담긴 해바라기 꽃다발을 묘사합니다. 반 고흐의 친구인 폴 고갱은 두 점의 파리지앵 그림을 입수했습니다.
작가는 해바라기를 11번 그렸다. 처음 네 개의 그림은 1887년 8월-9월에 파리에서 제작되었습니다. 큰 절화는 우리 눈앞에서 죽어가는 이상한 생물처럼 놓여 있습니다.
3. "아홉 번째 물결". 이반 콘스탄티노비치 아이바조프스키?, 1850.
러시아 해양 화가 Ivan Aivazovsky의 가장 유명한 그림 중 하나가 러시아 박물관에 보관되어 있습니다.
화가는 가장 강한 밤 폭풍 후 바다와 난파된 사람들을 묘사합니다. 태양 광선이 거대한 파도를 비춥니다. 그들 중 가장 큰 9 번째 샤프트는 돛대의 잔해에서 탈출하려는 사람들에게 떨어질 준비가되어 있습니다.
배가 파괴되고 돛대만 남아 있음에도 불구하고 돛대에 있던 사람들은 살아있고 계속해서 비바람에 맞서 싸운다. 그림의 따뜻한 색조는 바다를 그다지 가혹하지 않게 만들고 시청자에게 사람들이 구원받을 것이라는 희망을 줍니다.
1850년에 제작된 그림 "The Ninth Wave"는 즉시 그의 모든 정박지 중에서 가장 유명해졌으며 Nicholas I가 인수했습니다.
4. "누드 마자". 프란시스코 고야, 1797-1800
1797~1800년경 스페인 화가 프란시스코 고야가 그린 그림. 그림 "옷을 입은 마자"(La maja vestida)와 짝을 이룹니다. 그림은 예술가가 가장 좋아하는 이미지 대상 중 하나 인 18-19 세기 스페인 마을 여성 인 maja를 묘사합니다. Maja Nude는 신화적이거나 부정적인 의미 없이 완전히 벌거벗은 여성을 묘사한 서양 미술의 초기 작품 중 하나입니다.
5. "연인의 비행." 마르크 샤갈, 1914-1918
"Above the City"라는 그림 작업은 1914년에 시작되었고 마스터는 1918년에야 마무리 작업을 했습니다. 이 기간 동안 Bella는 사랑받는 배우자뿐만 아니라 딸 Ida의 어머니로 바뀌어 영원히 화가의 주요 뮤즈가되었습니다. 세습 보석상의 부유 한 딸과 아버지가 청어를 내리고 생계를 꾸린 단순한 유대인 청년의 결합은 불화라고 할 수밖에 없지만 사랑은 더 강하고 모든 관습을 극복했습니다. 그들을 고무시켜 하늘로 끌어 올린 것은 바로 이 사랑이었습니다.
Karina는 Chagall의 두 사랑 인 Bella와 Dear Vitebsk를 한 번에 묘사합니다. 거리는 높은 어두운 울타리로 구분된 주택 형태로 표시됩니다. 시청자는 그림 중앙 왼쪽에서 방목하는 염소와 전경에서 바지를 내린 단순한 남자-화가의 유머, 작품의 일반적인 맥락과 낭만적 인 분위기에서 벗어나는 것을 즉시 알아 차리지 못할 것입니다. 하지만 이것은 전체 샤갈입니다 ...
6. "전쟁의 얼굴." 살바도르 달리, 1940
스페인 화가 살바도르 달리가 1940년에 그린 그림.
이 그림은 미국으로 가는 길에 만들어졌습니다. 세계에서 발생한 비극, 정치인의 피에 굶주린 선장은 배에서 작업을 시작합니다. 로테르담의 Boijmans-van Beuningen 박물관에 있습니다.
유럽에서의 평범한 삶에 대한 모든 희망을 잃은 작가는 사랑하는 파리를 떠나 미국으로 향합니다. 전쟁은 구세계를 뒤덮고 나머지 세계를 장악하려고 합니다. 마스터는 8년 동안 신세계에 머무르면 자신과 그의 작품이 세계 예술의 걸작이 될 것이라는 사실을 아직 모릅니다.
7. "비명". 에드바르트 뭉크, 1893년
The Scream(Norwegian Skrik)은 노르웨이 표현주의 화가 Edvard Munch가 1893년에서 1910년 사이에 그린 일련의 그림입니다. 그것들은 피처럼 붉은 하늘과 고도로 일반화된 풍경 배경을 배경으로 절망에 찬 비명을 지르는 인간의 모습을 묘사합니다. 1895년 뭉크는 같은 주제로 석판화를 만들었다.
붉고 불 같은 뜨거운 하늘이 차가운 피요르드를 덮었고, 그 결과 일종의 바다 괴물과 비슷한 환상적인 그림자가 생겼습니다. 긴장은 공간을 왜곡하고, 선이 끊어지고, 색상이 일치하지 않으며, 원근법이 파괴됩니다.
많은 비평가들은 그림의 줄거리가 정신병자의 아픈 환상의 열매라고 믿습니다. 누군가는 작품에서 생태 재앙의 예고를보고 누군가는 어떤 종류의 미라가 저자에게이 작업을하도록 영감을 주 었는지에 대한 질문을 해결합니다.
8. "진주 귀걸이를 한 소녀." 얀 베르메르, 1665년
그림 "진주 귀걸이를 한 소녀"(네덜란드어. "Het meisje met de parel")는 1665년경에 쓰여졌습니다. 현재 네덜란드 헤이그의 Mauritshuis 박물관에 보관되어 있으며 박물관의 특징입니다. 네덜란드의 모나리자 또는 북부의 모나리자라는 별명을 가진 이 그림은 Tronie 장르로 쓰여졌습니다.
Peter Webber의 2003 년 영화 진주 귀걸이를 한 소녀 덕분에 그림과는 거리가 먼 수많은 사람들이 훌륭한 네덜란드 예술가 Jan Vermeer와 그의 가장 유명한 그림인 진주 귀걸이를 한 소녀에 대해 알게되었습니다.
9. "바벨탑". 피터 브뤼겔, 1563년
Pieter Brueghel의 유명한 그림. 작가는 이 주제에 대해 적어도 두 점의 그림을 그렸습니다.
이 그림은 비엔나 미술사 박물관에 있습니다.
성경에는 바벨론 주민들이 하늘에 닿기 위해 높은 탑을 쌓으려 했으나 하나님께서 그들에게 서로 다른 언어를 말하게 하시고 서로 알아듣지 못하게 하셨고 탑은 완성되지 않은 채로 남아 있었다는 이야기가 있습니다.
10. "알제리 여성." 파블로 피카소, 1955
"Algeria의 여성" - Eugene Delacroix의 그림을 기반으로 1954-1955년에 Picasso가 만든 15개의 그림 시리즈; 그림은 작가가 A에서 O까지 할당한 문자로 구별됩니다. "버전 O"는 1955년 2월 14일에 작성되었습니다. 얼마 동안 그것은 20세기의 유명한 미국 미술 수집가인 Victor Ganz의 소유였습니다.
파블로 피카소의 "알제의 여인들(버전 O)"이 1억 8천만 달러에 팔렸습니다.
11. "새로운 행성". 콘스탄틴 윤, 1921년
러시아 소비에트 화가, 풍경의 거장, 연극 예술가, 예술 이론가. 소련 예술 아카데미 학자. 소련 인민 예술가. 1 급 스탈린 상 수상자. 1951년부터 CPSU 회원.
1921년에 제작된 이 놀라운 작품은 사실주의 예술가 Yuon의 특징이 전혀 아닙니다. 그림 "New Planet"은 20세기 후반 10월 혁명이 가져온 변화의 이미지를 구현한 가장 밝은 작품 중 하나입니다. 새로 태어난 소비에트 사회의 새로운 시스템, 새로운 방식 및 새로운 사고 방식. 지금 인류를 기다리는 것은 무엇입니까? 밝은 미래? 이것은 아직 생각되지 않았지만 소련과 전 세계가 새로운 행성의 급속한 탄생과 마찬가지로 변화의 시대에 접어들고 있다는 사실은 분명합니다.
12. "시스틴 마돈나". 라파엘 산티, 1754
1754년부터 드레스덴의 옛 거장 갤러리에 소장되어 있는 라파엘로의 그림. 일반적으로 알려진 전성기 르네상스의 정점에 속합니다.
거대한 크기 (265 × 196cm, 그림의 크기는 드레스덴 갤러리 카탈로그에 표시되어 있음) 교황이 의뢰 한 Piacenza의 St. Sixtus 수도원 교회 제단을 위해 Raphael이 캔버스를 만들었습니다. 율리우스 2세. 이 그림은 이탈리아 전쟁 중에 롬바르디아를 침공한 프랑스에 대한 승리와 그에 따른 피아첸차의 교황령 편입을 기리기 위해 1512-1513년에 그려졌다는 가설이 있습니다.
13. "회개하는 막달라 마리아". 티치아노(Tiziano Vecellio), 1565년경 그린
1565년경 이탈리아 화가 티치아노 베첼리오가 그린 그림. 상트페테르부르크의 국립 에르미타주 박물관에 속해 있습니다. 때로는 생성 날짜가 "1560s"로 표시됩니다.
그림의 모델은 Giulia Festina였는데, 그는 황금빛 머리카락에 충격을 받아 예술가를 놀라게 했습니다. 완성된 캔버스는 Gonzaga 공작에게 깊은 인상을 주었고, 그는 그것을 주문하기로 결정했습니다. 나중에 Titian은 배경을 바꾸고 여성의 포즈를 취하고 몇 가지 유사한 작품을 더 그렸습니다.
14. 모나리자. 레오나르도 다빈치, 1503-1505
Lisa del Giocondo 부인의 초상, (ital. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) - 세계에서 가장 유명한 그림 중 하나인 루브르 박물관(프랑스 파리)에 위치한 레오나르도 다빈치의 그림으로, 프란체스코 피렌체에서 온 비단 상인의 아내인 리사 게라르디니의 초상화로 추정됩니다. del Giocondo, 1503-1505년경에 그린 .
제시된 버전 중 하나에 따르면 "모나리자"는 예술가의 자화상입니다.
15. "소나무 숲의 아침", Shishkin Ivan Ivanovich, 1889.
러시아 예술가 Ivan Shishkin과 Konstantin Savitsky의 그림. Savitsky는 곰을 그렸지만 수집가 Pavel Tretyakov는 그의 서명을 지웠으므로 한 그림이 종종 저자로 나열됩니다.
그림에 대한 아이디어는 나중에 공동 저자로 활동하고 새끼의 모습을 묘사한 Savitsky가 Shishkin에게 제안했습니다. 자세와 수에 약간의 차이가 있는(처음에는 두 마리가 있었음) 이 곰들은 준비 도면과 스케치에 나타납니다. 동물들은 Savitsky에게 너무 잘 맞아서 Shishkin과 함께 그림에 서명하기도했습니다.
16. "우리는 기다리지 않았다." 일리야 레핀, 1884-1888
러시아 화가 Ilya Repin(1844-1930)이 1884-1888년에 그린 그림. 그것은 State Tretyakov Gallery 컬렉션의 일부입니다.
제12회 순회 전시회에서 선보인 그림은 러시아 포퓰리즘 혁명가의 운명에 바쳐진 서사 순환의 일부입니다.
17. 물랑 드 라 갈레트의 무도회, 피에르 오귀스트 르누아르, 1876.
1876년 프랑스 화가 피에르 오귀스트 르누아르가 그린 그림.
그림이 있는 곳은 오르세 미술관이다. 물랑 드 라 갈레트는 파리의 학생과 노동청년들이 모인 몽마르뜨의 저렴한 선술집이다.
18. 별이 빛나는 밤. 빈센트 반 고흐, 1889
De sterrennacht- 1889년 6월에 작성된 네덜란드 예술가 빈센트 반 고흐의 그림으로 생 레미 드 프로방스에 있는 예술가 거주지의 동쪽 창에서 가상의 마을 위로 동이 트기 전 하늘을 볼 수 있습니다. 1941년부터 뉴욕 현대미술관에 소장되어 있다. 반 고흐의 최고의 작품 중 하나이자 서양 회화의 가장 중요한 작품 중 하나로 간주됩니다.
19. "아담의 창조". 미켈란젤로, 1511.
1511년경에 그린 미켈란젤로의 프레스코화. 프레스코화는 시스티나 예배당 천장에 있는 9개의 중앙 구성 중 네 번째입니다.
아담의 창조는 시스티나 예배당에서 가장 뛰어난 벽화 구성 중 하나입니다. 끝없이 펼쳐진 허공에 성부 하나님이 날개 없는 천사들에 둘러싸여 펄럭이는 하얀 튜닉을 입고 날아오릅니다. 오른손은 Adam의 손을 향해 뻗어 거의 닿습니다. 녹색 바위에 누워 아담의 몸은 점차 움직이기 시작하고 깨어납니다. 전체 구성은 두 손의 제스처에 집중되어 있습니다. 하나님의 손은 충동을 주시고 아담의 손은 그것을 받아 온 몸에 생명력을 주십니다. 손이 닿지 않는다는 사실로 미켈란젤로는 신과 인간을 연결하는 것이 불가능함을 강조했습니다. 작가에 따르면 신의 형상에는 기적적인 원리가 아니라 거대한 창조적 에너지가 우세하다. 아담의 이미지에서 미켈란젤로는 인체의 힘과 아름다움을 노래합니다. 사실, 우리 앞에 나타나는 것은 바로 인간의 창조물이 아니라 그가 영혼을 받는 순간, 신에 대한 열정적인 탐구, 지식에 대한 갈증입니다.
20. "별이 빛나는 하늘에서 키스." 구스타프 클림트, 1905-1907
1907-1908년에 그린 오스트리아 화가 구스타프 클림트의 그림. 캔버스는 "황금기"에서 작가의 마지막 작품 인 "황금기"라고 불리는 클림트의 작업 기간에 속합니다.
바위 위, 꽃 초원 가장자리, 황금빛 분위기 속에서 연인들은 전 세계로부터 울타리를 치고 서로 완전히 몰입되어 서 있습니다. 무슨 일이 벌어지고 있는지 장소의 불확실성으로 인해 그림 속 부부는 모든 역사적, 사회적 고정관념과 대격변을 넘어 시공간의 제약을 받지 않는 우주적 상태로 나아가고 있는 듯하다. 완전한 고독과 돌아선 남자의 얼굴은 관찰자에 대한 고립과 분리의 인상을 강조할 뿐이다.
출처 - Wikipedia, muzei-mira.com, say-hi.me
누구나 알아야 할 그림 20선 (회화의 역사)업데이트: 2016년 11월 23일 작성자: 웹사이트
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고급 예술은 많은 사람들에게 복잡하고 이해할 수 없는 것입니다. 이상적인 이미지를 지닌 르네상스 그림은 많은 찬사를 불러 일으키지 만 피카소와 칸딘스키의 작품이 정말 엄청난 비용이들 수 있다고 모든 사람이 믿기는 쉽지 않습니다. 그림 속 벌거벗은 사람들의 풍요로움은 또 다른 미스터리이자, 좋은 그림이 꼭 아름다울 필요는 없다는 역설이다.
웹사이트미술평론가와 문화학자들의 작품을 들여다보며 회화에 대한 몇 가지 궁금증에 대한 답을 얻었다.
1. 그림이 그렇게 비싸요?
때때로 우리는 이 사진이나 저 사진에 미친 액수에 대해 듣습니다. 그러나 사실 그러한 돈은 극소수의 작품입니다. 대부분의 예술가들은 엄청난 돈을 본 적이 없습니다. 미술사학자 조나단 빈스톡은 그림의 가치가 0이 많은 합으로 평가되는 작가는 전 세계적으로 약 40명에 불과하다고 믿습니다.
브랜드 규칙 예술
다음은 아마도 가장 놀라운 예일 것입니다. 그래피티 아티스트 Banksy에 대해 들어 보셨을 것입니다. 수수께끼의 후광으로 뒤덮인 작품과 전기의 예리한 사회적 지향이 제 역할을했습니다. 오늘날 Banksy는 작품의 가치가 여러 자릿수로 평가되는 아티스트입니다. 그의 그림 '풍선을 든 소녀'는 104만2000파운드에 팔렸고, 전 세계는 판매 직후 이를 파괴할 퍼포먼스에 대해 이야기하기 시작했다.
Banksy는 브랜드이자 잘 팔리는 브랜드. 따라서, 그림의 비용은 주로 작가의 명성에 따라 결정됩니다.
한 그림의 성공적인 판매는 다른 그림의 성공의 열쇠입니다
예술가는 오랫동안 운이 좋지 않을 수 있으며 가난과 모호함 속에서 초목이되어 자신의 작품을 수익성있게 팔 수 없습니다. 그러나 그가 자신의 그림 중 하나를 많은 돈에 팔자마자 그의 다른 작품들의 가격이 천정부지로 치솟을 것이라는 것을 확신할 수 있습니다.
희소성, 희소성, 독창성
네덜란드 예술가 Jan Vermeer는 오늘날 귀중한 것으로 불립니다. 그의 붓에 속한 그림은 그리 많지 않습니다. 단지 36개뿐입니다. 느리게. 1990년에 분실된 이 네덜란드인의 그림 "콘서트"는 현재 약 2억 달러로 추정됩니다. 희소성과 희소성캔버스는 가격이 단순히 하늘 높이라는 사실에 영향을 미칩니다.
전설적인 Van Gogh는 슈퍼 브랜드입니다. 작가의 그림이 거의 없으며, 그는 더 이상 아무것도하지 않을 것입니다. 그의 작품은 독특하다.
10년 전 말레비치의 슈프레마티스트 구성은 6천만 달러에 팔렸는데, 위기가 아니었다면 아마도 1억 달러에 팔렸을 것입니다. 예외 없이 개인 소장품에 있는 말레비치의 그림, 그리고 다음에 이 종류의 것이 언제 시장에 나올지는 알 수 없습니다. 10년 후, 어쩌면 100년 후.
일반적으로 구매자는 엄청난 돈을 지불할 준비가 되어 있습니다. 매우 희귀한 아이템에 대해.
혁신은 비싸다
"예술적 차용"의 방향에 대한 Richard Prince의 작품 중 하나입니다.
회화는 랜드마크의 기능을 한다
오늘날 문화 관광의 수준이 높아지고 그림이 그 기능을 수행합니다. 어트랙션. 관광객들은 유명한 박물관에 몇 시간씩 줄을 섭니다. 그리고 자신을 선언하고 세계적 명성을 주장하기 위해 갤러리는 반드시 유명하고 인기있는 화가의 원본을 소유해야 합니다.
예를 들어 중동과 중국에서 인위적으로 만들어진 문화 관광 센터도 성장하고 있습니다. 최근 왕실 카타르에 대한 개인 거래를 입력 $ 2억 5천만-국가가 사진을 찍기 위해서는 모두 세잔 "카드놀이하는 사람들".
모든 것이 있을 때 예술은 끌어당기기 시작한다
2017년 억만장자 드미트리 리볼로블레프는 이 그림을 레오나르도 다빈치에게 4억 5천만 달러에 팔았습니다. 이제 이것은 회화 세계에서 가장 비싼 거래입니다.
4채의 집과 G5 비행기가 있다면 무엇을 더 할 수 있습니까? 그림에 투자하는 것만 남아 있습니다. 가장 강력한 통화 중 하나».
Georges Seurat의 그림 "Gravelines의 Canal, Great Fort Philippe".
미켈란젤로의 프레스코화 "아담의 창조" 조각.
고대 그리스인들도 알몸이 믿을 수 없을 정도로 아름답다고 믿었습니다.
예술에서 가장 자주 누드 - 그것은 상징이다. 새로운 삶, 성실, 살아있는 존재의 무력함, 삶과 죽음의 상징.
게다가 아무것도 유발하지 않는다. 그런 강한 감정나체와 같은 시청자. 관심, 당혹감, 수치심 또는 감탄일 수 있습니다.
4. 왜 모든 것이 단조롭고 일반적으로 비현실적입니까?
체코 화가 보후밀 쿠비슈타의 작품 '최면술사'.
아마도 현대 거장에 대한 가장 일반적인 비난 중 하나는 다음과 같습니다. 예술가들은 현실을 전달하는 것처럼 보이는 방법을 잊었습니다.. 따라서 물체가 평면적으로 보인다는 오해가 있습니다.
하지만 예를 들어 캔버스를 봅시다. 입체파. 그들은 원근법을 깨뜨리지만 동시에 다른 각도에서 사물을 그리고 다른 시간에도. 그러므로 캔버스 위의 이미지가 평면적이라고 말할 수 없다.
더 이상 "닮음"을 그릴 필요가 없습니다. 사진으로 할 수 있습니다. 그러므로 작가는 왜 이러 저러한 그림에서 현실을 평면으로 묘사했는가에 대한 답을 찾을 필요가 있다. 저자의 생각. 이미지의 일부 세부 사항을 제거하고 아티스트는 다른 부분에 집중합니다. 이미지를 단순화하여 표현력을 높였으며 순진한 그림을 그리는 예술가들은 학문적 교육을받지 않았습니다. Pirosmani와 Rousseau는 독학으로만 배웠지만 그들의 그림은 이미 모든 것을 본 사람들과 전통적인 그림에 지루한 사람들을 매료시켰습니다. 그런 그림들은 생명을 불어넣는 단순함의 숨결 같았다.
그러나 전문 19~20세기의 아방가르드 예술가그들 뒤에 예술 교육과 강력한 기반이있었습니다. 그들 얼마든지 쓸 수 있었다하지만 어느 순간 이렇게 하기로 결정원시주의자들을 모방. 그들이 말했듯이 이것은 시청자에게 영향을 미치는 완전히 새로운 (따라서 오래된 것에 지친 사람들에게 흥미로운) 방식이기 때문에 의도되었습니다.
예술가들은 학문적 고전주의 정신으로 그림을 잘 만들었을 것이고 그래서 지루했습니다. Young Picasso는 감동적이고 사실적인 초상화를 그렸습니다. 그러나 성숙한 예술가는 자신을 위해 충격을 주고 눈을 활기차게 하는 길을 선택하여 멋진 색채 감각과 형태 감각을 보여줍니다.
의견: 사진이 반드시 아름다워야 한다는 말은 실제 영화는 로맨틱 코미디나 해피엔딩의 멜로드라마일 뿐이라고 말하는 것과 같습니다. 심리 드라마, 액션 영화, 스릴러 - 이것은 전혀 영화가 아닙니다. 동의합니다. 논리가 있습니다.
예술(회화 포함)은 그 시대의 언어로 말해야 합니다. 그리고 사실적인 그림을 포함하여 그림을 즐기려면 그림에 무엇이 묘사되어 있는지 알아야합니다. 전시회에서 우리는 보통 캔버스의 설명을 읽고 오디오 가이드를 사용하기도 합니다.
어떤 그림이 당신에게 가깝습니까?
회화와 화가
예술은 항상 세상을 이해하고 감정과 감정을 표현하는 방법이었습니다. 예술에는 다양한 형태가 있으며 그림은 그 중 하나일 뿐입니다.
Horace는 "그림은 단어가 없는 시이다"라고 말했고 실제로 그렇습니다. 수세기 동안 예술가들이 자신의 감정을 캔버스의 이미지로 변환할 수 있도록 많은 기술이 개발되었습니다.
러시아 화가들은 여러 면에서 독특하고 항상 전 세계 사람들에게 깊은 인상을 준 러시아 예술을 대표합니다. 그것은 세계적으로 알려진 아이콘 화가들로부터 시작되었으며, 그 중 가장 유명한 사람은 Andrey Rublyov입니다.
많은 러시아 화가들은 작품에서 러시아 자연의 아름다움을 칭찬합니다. Ivan Shishkin은 특히 러시아 숲을 표현한 캔버스(예: "소나무 숲의 아침")로 유명하며 Isaac Levitan은 러시아의 가을에서 영감을 얻었습니다.
Peredvizhniki에는 19세기 예술가들이 포함되었습니다. 그들 중 한 명은 "Ivan the Terrible and his Son Ivan" 또는 "Barge Haulers on the Volga"와 같은 대형 캔버스를 축하하는 예술가인 Ilya Repin이었습니다. Victor Vasnetsov는 그의 "Bogatyrs"를 위해 민속 러시아 스타일을 선택했으며 Mikhail Vrubel은 독창성으로 유명합니다. 그의 "악마"는 그의 환상적인 상상력의 산물입니다.
Ivan Aivazovsky는 바다를 표현한 낭만적인 그림으로 세계적인 명성을 얻었습니다. <나인스 웨이브>는 폭풍우가 치는 날 거대한 바다의 아름다움을 드러내는 걸작이다.
러시아 미술은 상트페테르부르크의 국립 러시아 박물관에 전시되어 있습니다. 그리고 Hermitage의 영국 미술 부서에서는 영국 화가들의 걸작을 감상할 수 있습니다.
그들 중 가장 유명한 사람 중 하나는 현재 "Constable Country"로 알려진 Suffolk에있는 그의 집 근처 지역 인 Dedham Vale의 풍경화로 주로 알려진 영국 낭만주의 화가 John Constable입니다.
William Turner는 그의 스타일이 인상주의의 토대를 마련했다고 말할 수 있는 풍경화가였습니다.
윌리엄 호가스(William Hogarth)는 그의 초상화뿐만 아니라 1740년대 영국 상류 사회를 특징짓는 풍자적인 세부 묘사가 있는 일련의 그림으로도 유명합니다.
Thomas Gainsborough는 18세기 영국의 가장 유명한 초상화 및 풍경화가 중 한 명입니다. 런던 내셔널 갤러리에서는 화려한 그림 “Mr. 그리고 부인 가족초상화와 풍경화를 조합한 '앤드류스'와 게인즈버러의 성숙한 화풍을 보여주는 '윌리엄 할렛 부인'의 어두운 초상이다.
윌리엄 블레이크는 영국의 시인이자 화가입니다. 오늘날 그의 생애 동안 거의 인정받지 못한 그의 작품은 시와 시각 예술의 역사에서 중요한 것으로 간주됩니다. 그의 그림은 매우 독특하고 환상적으로 보일 수 있습니다. 예를 들어, 그는 아이작 뉴턴을 신성한 기하학자로 묘사했습니다.
그림과 예술가
예술은 항상 세상을 이해하고 감정과 감정을 표현하는 방법이었습니다. 예술에는 많은 형태가 있으며 그림은 그 중 하나일 뿐입니다.
Horace는 "그림은 단어가 없는 구절이다"라고 말했고 이것은 실제로 그렇습니다. 수세기에 걸쳐 예술가들이 자신의 감정을 캔버스의 이미지로 전환할 수 있도록 다양한 기술이 개발되었습니다.
러시아 예술가들은 여러 면에서 독특하고 항상 전 세계 사람들을 놀라게 한 러시아 예술을 대표합니다. 그것은 세계적으로 유명한 아이콘 화가에서 비롯되었으며 그중 가장 유명한 것은 Andrey Rublev입니다.
많은 러시아 예술가들은 그들의 작품에서 러시아 자연의 아름다움을 노래합니다. Ivan Shishkin은 소나무 숲의 아침과 같은 러시아 숲 그림으로 특히 유명하며 Isaac Levitan은 러시아 가을에서 영감을 얻었습니다.
Wanderers에는 19 세기 예술가가 포함되었습니다. 그들 중 하나는 "끔찍한 이반과 그의 아들 이반"또는 "볼가의 바지선 운반선"과 같은 그의 큰 캔버스로 유명한 예술가 Ilya Repin이었습니다. Viktor Vasnetsov는 Bogatyrs를 위해 러시아 민속 스타일을 선택했습니다. Mikhail Vrubel은 독창성으로 유명합니다. 그의 "Demon"은 환상적인 상상의 산물입니다.
Ivan Aivazovsky는 바다에 대한 낭만적인 묘사로 세계적인 명성을 얻었습니다. 나인스 웨이브는 폭풍우 속에서 바다의 힘의 아름다움을 드러내는 걸작이다.
러시아 미술은 상트페테르부르크의 국립 러시아 박물관에 전시되어 있습니다. 그리고 Hermitage의 영국 미술학과에서는 영국 예술가들의 걸작을 감상할 수 있습니다.
이들 중 가장 유명한 사람 중 한 사람은 오늘날 Constable's Land로 알려진 Suffolk에 있는 그의 집 근처 지역인 Dedham Vale의 풍경화로 주로 알려진 영국 낭만주의 화가인 John Constable입니다.
William Turner는 풍경화가였으며 그의 스타일이 인상주의의 토대를 마련했다고 말할 수 있습니다.
윌리엄 호가스(William Hogarth)는 그의 초상화뿐만 아니라 1740년대 영국 상류사회를 특징짓는 풍자적인 세부 묘사가 담긴 일련의 그림으로도 유명합니다.
Thomas Gainsborough는 18세기 영국에서 가장 유명한 초상화 및 풍경화가 중 한 명입니다. 런던 내셔널 갤러리에서는 가족 초상화와 풍경이 어우러진 다채로운 Mr and Mrs Andrews와 Gainsborough의 보다 성숙한 스타일을 보여주는 어두운 Mr and Mrs William Hallett을 볼 수 있습니다.
윌리엄 블레이크는 영국의 시인이자 화가입니다. 그의 생애 동안 인정받지 못한 그의 작품은 오늘날 시와 시각 예술의 역사에서 중요한 것으로 간주됩니다. 그의 그림은 독특하고 환상적으로 보일 수 있습니다. 예를 들어, 그는 아이작 뉴턴을 신성한 기하학자로 묘사했습니다.
어휘:
캔버스 - 캔버스, 캔버스
축하 - 유명한
묘사 - 묘사
영감을 얻다 - 영감을 얻다
신성한 - 신성한
evoke - 원인, 깨우다 (감정)
exemplify - 모범이 되다
민속 - 민속
상상의 열매 - 상상의 열매
호레이스 - 호레이스
풍경 - 풍경
풍경화가 - 풍경화가
기초를 놓다 (for) - 기초를 놓고, 시작하다
걸작
성숙한 - 성숙한
강력한 - 강력한, 강력한
주목할만한 - 주목할만한, 유명한
기원 - 기원
칭찬 - 칭찬
predominate - 지배하다
유명한 - 유명한
공개 - 공개, 노출
인식되지 않음 - 인식되지 않음
시각 예술 - 미술
세계적으로 유명한 - 세계적으로 유명한
질문에 답하기
l.Horace는 그림에 대해 뭐라고 말했습니까? 그의 말을 어떻게 이해합니까?
2. Andrey Rublyov는 누구입니까? 그는 무엇으로 유명합니까?
3. 어떤 러시아 예술가들이 자연의 아름다움을 칭찬했습니까?
4. The Peredvizhniki라고 불리는 예술가는 누구입니까?
5. Ilya Repin의 어떤 그림을 알고 있습니까?
6. Ivan Aivazovsky는 무엇으로 유명합니까?
7. 어떤 박물관에서 러시아 예술가들의 그림을 볼 수 있습니까?
8. 어떤 박물관에서 영국 예술가들의 그림을 볼 수 있습니까?
9. "Constable Country"란 무엇입니까? 왜 그렇게 부릅니까?
10. 누구의 스타일이 인상주의의 토대를 마련했습니까?
11. 상류사회 풍자화로도 유명했던 화가는?
12. Thomas Gainsborough는 무엇으로 유명합니까?
13. 윌리엄 블레이크에 대해 무엇을 알고 있습니까?
14. 가장 좋아하는 아티스트와 그 이유는?
위대한 예술가들은 자신의 그림에 대담하게 서명했을 뿐만 아니라 자신의 창조물에 숨겨진 자화상을 그렸습니다. 일부는 너무 세련되어 와인병에 있는 자신을 묘사했고, 다른 일부는 단순히 군중 속에서 자신을 그렸고, 그중 한 명은 심지어 여성의 모습으로 자신을 그렸습니다.
미켈란젤로 메리시 다 카라바조의 바쿠스
Michelangelo Merisi da Caravaggio가 1595년에 쓴 그림 "Bacchus"는 포도주 양조, 영감 및 종교적 황홀경의 고대 신을 묘사합니다. 머리카락에 잎사귀와 포도가 달린 젊은 남자가 구경꾼에게 얕은 와인 잔을 나른하게 내밀고 있습니다. 이 그림을 만드는 Caravaggio는 고대 신의 이상화 된 이미지에서 벗어나고 싶었습니다. Bacchus를 땅에 내리기 위해 예술가는 손톱 아래에 흙을 묘사하고 그 옆에 썩은 과일 접시를 놓았습니다.
그러나 지상과 신성이라는 영원한 주제만이 이 그림을 그토록 놀랍게 만드는 것은 아닙니다. 캔버스를 청소한 후 반사법을 사용하여 왼쪽 하단 모서리에 있는 디캔터 유리에 반사된 Caravaggio의 자화상을 발견했습니다. 작가는 이젤에서 일하는 자신을 묘사했습니다. 또한 먼지 층을 제거한 후 그릇에 담긴 포도주 표면에 박카스의 얼굴이 반사되는 것을 볼 수 있게 되었습니다.
산드로 보티첼리의 동방 박사의 경배
산드로 보티첼리(Sandro Botticelli)의 그림 "동방 박사의 숭배"는 대략 1475년 피렌체 예술 공예 길드의 일원인 피렌체 은행가 가스파레 디 자노베 델 라마(Gaspare di Zanobe del Lama)의 명령에 의해 작성되었습니다. Botticelli의 창조는 Santa Maria Novella 대성당의 장례식 예배당을 위해 고안되었습니다.
많은 미술사가들에게 이 그림은 여러 역사적 인물의 이미지를 찾을 수 있다는 점에서 주목할 만하다. 예를 들어, 작가는 자신을 가리키고 시청자를 직접 바라보는 파란색 가운을 입은 오른쪽의 클라이언트를 묘사했습니다. 아기 앞에 무릎을 꿇은 동방 박사 중 장남은 플로렌스 왕조의 창시자이자 장엄한 로렌초의 할아버지인 코시모 데 메디치입니다. 바로 중앙에는 빨간 옷을 입은 남자, Cosimo의 아들이자 Lorenzo의 아버지 인 Pietro Medici가 있습니다. 미술사 학자에 따르면 장엄한 로렌조 자신은 검은 색과 빨간색 가운을 입은 프로필로 묘사됩니다. 왼쪽의 전경에는 칼자루에 팔을 얹은 채 "비너스의 탄생"그림을 만드는 동안 보티첼리를 위해 포즈를 취한 소녀 인 로렌조의 형제이자 연인 인 줄리아노 메디치가 서 있습니다. 그리고 마지막으로 당신의 눈을 똑바로 바라보고 있는 맨 오른쪽의 청년은 보티첼리 자신의 자화상입니다.
이 그림은 피렌체의 우피치 갤러리에서 볼 수 있습니다.
히에로니무스 보쉬의 세속적 기쁨의 정원
The Garden of Earthly Delights는 기괴한 거장 Hieronymus Bosch (실명 Jeroen Antonison van Aken)가 그린 삼부작입니다. 어떤 사람들은 예술가를 15세기의 초현실주의자라고 생각하고 다른 사람들은 보쉬가카타르 이단의 지지자, 및 기타-화가의 그림은 점성술, 흑 마법 및 연금술과 같은 중세의 "밀교 분야"를 반영합니다. 각 캔버스는 동시대 사람들이 계산하기 어려운 수많은 기호로 가득 차 있습니다.
삼부작의 왼쪽 날개는 고요한 낙원에서 아담에게 이브를 대표하는 신을 묘사합니다. 삼부작의 한가운데에는 사람과 환상의 동물이 세상의 쾌락에 빠지는 기쁨의 정원의 장면이 있습니다. 글쎄, 그림의 오른쪽에는 복잡한 고문 기계, 괴물 및 자신,이 모든 지옥에 악의적으로 웃는 껍질처럼 보이는 몸을 가진 예술가가 있습니다.
이 그림은 마드리드의 프라도 미술관에 보관되어 있습니다.
미켈란젤로의 최후의 심판
미켈란젤로의 최후의 심판은 바티칸 시스티나 예배당의 제단 벽에 그려져 있습니다. 작가는 1537년부터 1541년까지 4년 동안 그리스도의 재림과 묵시록을 주제로 프레스코화를 그렸습니다. 미술 평론가들은 이 작품이 르네상스를 종식시키고 인간 중심적 휴머니즘 철학에 새로운 실망의 시대를 열었다고 믿습니다.
미켈란젤로는 손에 든 칼로 알아볼 수 있는 바르톨로메오를 그리스도의 발치에 두었습니다. 그는 미술사 학자에 따르면 예술가가 자화상을 그린 벗겨진 피부를 가지고 있습니다. 일부 사람들은 Bartholomew가 그를 모욕한 Michelangelo의적인 Pietro Aretino와 매우 유사하다고 확신합니다. 그래서 작가는 그의 구속을 보았다. 다른 사람들은 미켈란젤로가 프레스코를 완성하고 싶지 않다는 표시로 벗겨진 피부에 자신을 묘사하고 특별한 협박하에 교황의 명령을 수행했다고 믿습니다.
프레스코화는 바티칸 박물관의 시스티나 예배당에서 볼 수 있습니다.
레오나르도 다 빈치의 "모나리자"
Leonardo da Vinci가 만든 "Mona Lisa"는 아마도 전 세계에서 가장 많이 회자되는 그림일 것입니다. 지금은 루브르 박물관의 뚫을 수 없는 유리 아래에 매달려 있으며 한때 나폴레옹의 욕실을 장식했습니다. 이 다빈치의 창작물에는 미술사가들이 어떤 식으로든 풀 수 없는 비밀이 있습니다. 어떤 이들은 지오콘다의 미소가 태아의 움직임을 포착한 임산부의 미소라고 제안하고, 다른 이들은 그것이 그녀의 사랑하는 사람의 미소라고 제안합니다. Leonardo Giacomo Salai, 정신과 의사는 Mona Lisa의 표정에서 정신 분열증을보고 치과 의사는 이것이 이빨없는 여성의 미소라고 확신합니다.
또 다른 가설은 웃는 얼굴로 묘사된 소녀가— 레오나르도 다빈치 자신. 아티스트의 얼굴과 모델의 해부학적 특징을 컴퓨터로 비교한 결과 기하학적으로 완벽하게 일치하는 것으로 나타났습니다.작가가 빨간 연필로 그린 모나리자와 다빈치의 자화상을 비교해보면 직접 확인할 수 있다.
그림은 파리 루브르 박물관에 있다.
"아테네 학당" 라파엘 산티
방금 묘사하지 않은 프레스코 "아테네 학교"를 만든 Rafael Santi : 앞서 언급 한 플라톤 이미지의 레오나르도 다빈치, 헤라클레이토스 이미지의 미켈란젤로, 소크라테스, 알렉산더 대왕. 산티는 자신보다 먼저 프레스코 작업을 시작한 화가 소도마 옆에 자신을 그리는 것을 잊지 않았습니다. 사진에는 50명이 넘는 사람들이 있습니다.
“School of Athens” 프레스코의 주요 아이디어는 철학과 과학의 서로 다른 영역 간의 조화로운 조화의 가능성입니다. 그런데 이 개념은 인문주의자들의 가장 중요한 사상 중 하나이다. 라파엘 산티(Raphael Santi)는 바티칸 궁전의 금고 아래에서 고전 시대 사상가들의 본질적으로 이상적인 공동체를 묘사했습니다. 구성의 중심에는 고대 지혜를 의인화하고 두 철학 학교를 대표하는 아리스토텔레스와 플라톤이 있습니다.
프레스코는 바티칸 궁전에 있습니다.
얀 반 에이크의 '아르놀피니의 초상'
Jan van Eyck의 "Arnolfinis의 초상화"는 해석하기 어려운 또 다른 르네상스 그림입니다. 누가 묘사되었는지에 대한 논쟁은 오늘날까지 계속됩니다. 가장 일반적인 버전은 예술가가 상인 Giovanni di Nicolao Arnolfini와 그의 아내를 아마도 브뤼헤에 있는 그들의 집에서 캔버스에 그렸다는 것입니다.
그러나이 작업에서 우리는 전경의 캐릭터에 관심이 없지만 캐릭터의 손 바로 위 구성의 중심 축에 위치한 벽의 거울에 누가 묘사되어 있는지에 관심이 있습니다. 자세히 보면 뒤에서 빨간색과 파란색 정장을 입은 인물이 보입니다. 옷의 실루엣으로 판단하면 남자와 여자입니다. 불행히도 그들의 얼굴 특징은 알아볼 수 없습니다. 대부분의 미술 평론가들은 "Jan van Eyck was here"라고 적힌 거울 위의 비문이 방 문지방에 서있는 사람들 중 한 명이 예술가 자신임을 직접적으로 나타냅니다.
그림이 들어있다런던 내셔널 갤러리.
