놀이 갈매기의 상징. 같은 이름의 Chekhov의 희곡에서 갈매기 기호

2.2 "창의성의 고통" Trigorin

체호프 극작가 연극 갈매기

Trigorin은 Treplev보다 훨씬 나이가 많고 다른 세대에 속하며 예술에 대한 그의 견해는 Treplev의 대척점 역할을합니다. 그것은 반대 극입니다.

Trigorin은 의심 할 여지없이 사람보다 작가로서 더 중요하고 흥미 롭습니다. 그는 잘 알려진 작가이며 반 농담 또는 반 진지하게 그를 Tolstoy 및 Zola와 만 비교할 수 없다고 말하며 많은 사람들이 그를 Turgenev 직후에 합당하다고 생각합니다. 진지하게, 물론 고전과 비교해서는 안됩니다. 연극 페이지 전체에 흩어져있는 작은 증거에서 Trigorin이 정말 재능이 있다고 판단할 수 있습니다. 그러나 그에게 창의성은 단순한 빵, 재미 및 팬이 아닙니다. Arkadina에게는 고통스러운 질병이자 집착 일뿐만 아니라 삶의 동의어이기도합니다. Trigorin은 자신의 롤 플레잉 존재가 부적절하다는 것을 알고 있는 몇 안 되는 사람 중 한 명입니다. “저는 작가로서의 제 자신이 마음에 들지 않습니다. 무엇보다도, 나는 어떤 종류의 멍한 상태에 있고 종종 내가 쓰고 있는 것을 이해하지 못합니다. 그러나 이러한 인식은 그의 "나"의 진정한 극적 과잉이 되지 않습니다.

그의 글쓰기 기술에 대해 Nina와의 친분을 처음 시작할 때 Trigorin의 대화를 해석하는 방법은 무엇입니까? 그들은 매우 간단하고 진지하며 비밀리에 수행됩니다. 연극의 저자는 Trigorin과 Treplev, Nina Zarechnaya 모두에게 예술에 대한 자신이 가장 좋아하는 생각을 제공한다고 느낍니다. 그러나 어떻게 든 비자발적 저자의 아이러니 직전에 Trigorin의 "창의적 고통"에 대한 고백은 남아 있습니다. 신성한 영감의 공격 후 그를 방문하는 하나님은 언제 어디서 그가 낚싯대와 함께 앉아 부유물을 주시하는 것을 좋아합니다. .

한편, 그는 여전히 예술 분야에서 평균적인 크기 인 것으로 보이며 자신이 패턴의 적이라고 주장합니다. 그는 "공통 장소"를 신중하게 조롱하는 방법을 알고 있습니다. 그의 창의성 스타일은 혁신적이지는 않지만 그는 또한 새로운 형태를 찾고 있습니다. 예를 들어 그는 구름이 "피아노"처럼 보인다는 사실에 주목하고 Turgenev조차도 그러한 비교를 감히하지 않을 것입니다. 새로운 형태를 찾는 사람인 Treplev는 Trigorin의 일부 이야기에서 병의 목이 밀 댐에서 빛났다고 말하는 달밤에 대한 간결한 설명을 부러워합니다.

Trigorin은 공책을 제외한 모든 것에 눈이 멀고 귀머거리이며 이미지 만 봅니다. 그는 자신이 음악을 시체처럼 찢어발기고 있다는 사실을 이해하지 못하는 살리에리입니다. 풍경을 재능 있고 독창적 인 미니어처로 나누어 정물화, natur mort-죽은 자연으로 만듭니다. 그의 작품의 민사 업무, 독자에 대한 말에 대한 책임, "예술의 교육적 기능"을 이해하더라도 그는 그 재능이 아니라이 분야에서 무엇이든 할 수있는 능력을 스스로 느끼지 않습니다. 그러나 러시아의 시인은 단순한 시인 그 이상입니다.

Trigorin의 고통은 Treplev의 고통보다 더 중요하고 깊고 의미가 있습니다. 숙련된 장인인 트리고린은 원대한 목표에 영감을 받지 못한 재능의 무게를 뼈저리게 느낀다. 그는 자신의 재능을 "신의 선물"이 아니라 죄수처럼 묶인 주철 코어로 느낍니다.

Chekhov는 자신의 개인적인 많은 것을 Trigorin의 작가 생각과 연결했습니다. 이것은 Trigorin이 Nina의 어린 시절의 기쁨과 그의 성공과 영광에 대한 감탄에 반응하는 비극적 인 말에서 특히 분명하게 느껴집니다.

“어떤 성공? Trigorin은 진심으로 놀랐습니다. - 나는 나 자신을 좋아하지 않았다. 나는 작가로서의 나 자신을 사랑하지 않는다... 나는 이 물, 나무, 하늘을 사랑한다. 나는 자연을 느낀다. 하지만 저는 단순한 풍경화가가 아닙니다. 저는 여전히 시민입니다. 저는 제 조국과 사람들을 사랑합니다. 저는 작가라면 사람들에 대해, 그들의 고통에 대해, 그들의 고통에 대해 이야기해야 한다고 생각합니다. 미래, 과학, 인권 등에 대해 이야기하고 모든 것에 대해 이야기하고 서두르고 사방에서 나를 촉구하고 화를 내며 좌우로 돌진합니다. 개에게 쫓기는 여우, 나는 삶과 과학이 계속되는 것을 보지만 나는 기차를 놓친 사람처럼 계속 뒤처지고 뒤처져 결국 나는 풍경화 밖에 그릴 수 없다는 것을 느끼고, 그 밖의 모든 것은 거짓이며 내 골수까지 거짓입니다. Trigorin은 작가로서 고국에 대한 의무를 느끼고 사람들에게 높은 시민 감정을 전달할 필요성을 느낍니다. 러시아 문학에서 "시인과 시민"이라는 주제는 N. A. Nekrasov가 가장 크게 제기했습니다. 그러나 그 필요성은 모든 창조자의 영혼에 울려 퍼졌습니다.

Trigorin은 창의적인 영감, 열정, 파토스, 공통 아이디어의 부재로 인해 발생하는 위험을 잃을 위험에 처해 있습니다. 작가의 어려움은 Treplev보다 훨씬 더 심각한 버전의 Trigorin 이미지에 나타납니다. Treplev는 세계관 검색, 작가의 의무 의식, 고국과 국민에 대한 책임에 괴로워하지 않았습니다.

Trigorin이 그의 창조적 열정을 잃을 위험에 처해 있다는 사실에서 Trigorin이 Treplev가 제시한 냉정한 장인, 무관심한 일상 주의자라고 결론을 내리는 것은 물론 잘못된 것입니다. 무관심한 일상주의자가 Trigorin이 겪는 것처럼 그의 예술의 약점과 결점에 대한 의식으로 인해 많은 고통을 겪을까요?

많은 아티스트를 괴롭힌 또 다른 큰 주제는 Trigorin의 이미지와 관련이 있습니다. 예술은 Trigorin을 너무 흡수하고 먹어서 평범한 인간의 삶에 대해 그는 크고 완전한 감정에 대한 의지도 능력도 없습니다. 이것은 부르주아 사회에서 예술가의 일반적인 문제이며, 마르크스가 지적한 것처럼 예술의 승리는 예술가의 도덕적 열등함의 대가로 달성됩니다. Trigorin은 Nina에게 다음과 같이 불평합니다. 내가 미친 거 아니야?

그러나 그럴 수도 있지만 Trigorin은 또한 예술에 대한 깊고 "영원한"사랑을받을 자격이 없습니다. 그는 자신이이 사랑을 떠납니다. 그는 그의 모든 장점을 가지고 Treplev를 과식했지만 여전히 크고 강한 영혼, 통합 감정 능력이 없습니다. 그리고 그의 창의력은 제한적입니다. 그는 자신의 재능을 자유가 아닌 노예로 느끼고, 자신의 개성을 가두어 둔다.

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새로운 시대가 왔습니다. 반동의 시대, 개인에 대한 폭력의 시대, 자유 사상에 대한 잔인한 억압의 시대가 물러나고 있었다. 19세기 90년대 중반에는 대중의 고양, 해방운동의 부활, 임박한 변화를 예감하는 봄의 각성으로 대체되기도 했다. ㅏ.

P. Chekhov는 러시아가 구세계의 붕괴 직전에 시대의 휴식기에 서 있다고 느꼈고 삶의 재생 목소리의 뚜렷한 소음을 들었습니다. 이 새로운 경계, 전환, 19-20세기 직전 시대의 끝과 시작, 체호프의 성숙한 드라마투르기의 탄생, 무대를 위한 4개의 위대한 작품인 "갈매기", "바냐 아저씨", 세계 드라마에 혁명을 일으킨 "세자매", "체리 동산"이 연결됩니다. The Seagull (1896)은 Chekhov 자신에게 가장 자서전적이고 개인적인 작업입니다 (우리는 문학 비평이 지속적으로 확립하려고 노력하는 특정 프로토 타입에 관한 것이 아니라 Chekhov와 가까운 사람들과 연극의 영웅의 직접적인 일상적인 서신에 대해 이야기하는 것이 아닙니다. 오늘은 오히려 서정 작가의 자기 표현에 관한 것입니다). 작은 Melikhovo 날개로 작성된 연극에서 Chekhov는 아마도 처음으로 그의 삶과 미적 위치를 솔직하게 표현했습니다. 예술인, 창의성의 고통, 안절부절하고 안절부절 못하는 젊은 예술가, 자기 만족하고 잘 먹은 노년층에 대한 연극으로 원 위치를 지키고 있습니다. 이 연극은 또한 사랑에 관한 것입니다 ( "문학에 대한 많은 이야기, 작은 행동, 5 파운드의 사랑"이라고 Chekhov는 농담했습니다), 짝사랑, 사람들의 상호 오해, 개인 운명의 잔인한 무질서에 관한 것입니다.

마지막으로, 이 연극은 삶의 진정한 의미, "일반적인 생각", 존재의 목적, "특정 세계관"에 대한 고통스러운 탐색에 관한 것이기도 합니다. 예술의 재료에 대해 Chekhov는 여기에서 모든 인간 존재에 대해 말하면서 점차 예술적 연구의 범위를 현실로 확장합니다.극은 다양한 목소리가 들리고 다른 주제, 플롯, 운명, 캐릭터가 교차합니다. 모든 영웅은 동등하게 공존합니다. 기본 및 보조 운명이 없으며 하나, 다른 영웅이 전면에 등장하여 그림자 속으로 들어갑니다. 따라서 당연히 불가능하지만 The Seagull의 주인공을 뽑을 필요는 거의 없습니다.

이 질문은 논쟁의 여지가 없습니다. Nina Zarechnaya가 의심 할 여지없이여 주인공이었던 때가 있었고 나중에 Treplev가 영웅이되었습니다. 한 공연에서는 Masha의 이미지가 나오고 다른 공연에서는 Arkadin과 Trigorin이 모든 것을 가립니다. 그럼에도 불구하고 Chekhov의 모든 동정심은 젊고 탐색하는 세대, 막 삶에 들어가는 사람들 편이라는 것이 분명합니다. 여기에서도 그는 병합되지 않는 다른 경로를 봅니다. 호수 위의 오래된 귀족 저택에서 자란 어린 소녀 Nina Zarechnaya와 초라한 재킷을 입은 반 교육 학생 Konstantin Treplev는 멋진 예술 세계에 들어가기 위해 노력합니다.

그들은 함께 시작합니다. 소녀는 그녀와 사랑에 빠진 재능있는 청년이 쓴 연극에서 연기합니다. 연극은 이상하고 추상적이며 영과 물질의 영원한 갈등을 말합니다.

"새로운 형태가 필요합니다!"라고 Treplev는 선언합니다. "장식이 없습니다. 호수가 바로 보이는 전망입니다."

비어, 비어, 비어..." 어쩌면 이것은 새로 태어나는 예술 작품일지도 모른다... 그러나 연극은 여전히 ​​재생되지 않는다.

구성

뛰어난 러시아 작가 안톤 파블로비치 체호프는 드라마에 새로운 원리를 더해 국내 드라마투르기뿐 아니라 세계 드라마투르기의 발전에 값진 공헌을 했다. 고대부터 이러한 유형의 창의성은 시간, 장소 및 행동의 통일성을 지향했으며 드라마는 항상 말과 행동을 기반으로 합니다. 모든 극적인 작업의 주요 역할은 갈등입니다. 갈등 상황을 이해하는 것은 드라마 전체를 이해하는 것입니다. 드라마에서 등장인물은 종종 행동과 말로 자신을 특징짓는다. 각각의 중요한 문자에는 특정 주요 기능이 있어야 합니다. 그러나 The Seagull에는 다른 원칙이 있습니다. 이 연극에는 악당이나 영웅, 좋든 나쁘 든 명확한 구분이 없습니다.

The Seagull에는 Chekhov의 다른 모든 극적인 작품과 마찬가지로 작품의 주요 의미를 결정하는 소위 지배적 인 단어가 있습니다. "생명", "사랑", "예술"과 같은 단어입니다. 이 단어들은 다른 수준에 존재합니다. Chekhov의 "생명"이라는 개념은 문제이자 가치의 경험입니다. 창조자이자 사람인 체호프는 특히 삶의 일시적인 인식을 예리하게 인식했습니다 (작가는 결핵에 걸렸습니다). 거의 모든 극적인 작품에서와 마찬가지로 The Seagull의 사랑은 줄거리의 가장 중요한 엔진 중 하나입니다.
예술 (The Seagull의 캐릭터의 경우 주로 문학과 연극)은 영웅의 이상의 거대한 층을 구성하며 이것이 그들의 직업이자 취미입니다.
분석 된 연극의 모든 캐릭터는 하나의 공통된 특성으로 통합됩니다. 각자 자신의 운명을 경험하고 아무도 친구를 도울 수 없습니다. 모든 캐릭터는 삶에 어느 정도 불만족하고 자신과 개인적인 경험과 열망에 중점을 둡니다.
연극의 두 주인공 인 Arkadina와 Zarechnaya는 여배우이고 Trigorin과 Treplev는 작가이며 Sorim도 한때 자신의 삶을 문학과 연결하는 꿈을 꾸었지만 작가로서 성공하지 못했습니다. Shamraev는 직접적인 예술인은 아니지만 그럼에도 불구하고 그와 가깝고 특히 문학 작품에 관심이 있습니다. Dorn은 "준 문학적 캐릭터"라고도 할 수 있습니다.
극적인 작업의 특징은 작가의 여담이 없다는 것입니다. 그리고 드라마 제작자는 캐릭터의 캐릭터와 행동에 대한 텍스트 평가를 할 기회가 없기 때문에 말과 성을 통해이를 수행합니다. The Seagull의 캐릭터 이름은 많은 것을 말해줍니다.
Arkadina라는 성에는 여러 출처가 있습니다. "Arkady"- 연극 속어에서 배우의 작은 이름을 의미했습니다. 또한 아카디아는 예술이 사람을 노력하고 이끄는 이상적인 꿈의 나라입니다. Arkadina는 예술, 무대에 정말 몰두하고 있으며이 삶의 영역 없이는 존재를 상상할 수 없습니다. 하지만 그녀를 알아갈수록 우리는 이 여성에게 중요한 것은 예술 그 자체가 아니라 '그녀를 어떻게 받아들였는가'라는 사실을 이해하기 시작합니다. 그녀의 아들의 성에도 몇 가지 의미가 있습니다. 우선, "흔들다"-즉, 당기고, 찢고, 방해하는 것 등입니다. 두 번째 의미는 "흔들다"입니다. 이 단어의 세 번째 의미는 메추라기 새의 고대 이름인 "트리폴리"입니다. 연구자들은 또한 잃어버린 의미를 하나 더 언급합니다. 트리폴은 잘려진 규산질의 돌이고, 산산이 부서진다는 것은 무언가를 연마하고 연마하는 것을 의미합니다. Sorin과 Medvedenko라는 성은 설득력이 있으며 설명이 필요하지 않습니다. 첫 번째는 쓸모없고 쓰레기를 의인화하고 두 번째는 거칠고 친밀한 범프 킨입니다. "The Seagull"Zarechnaya의 두 번째 주인공의 성은 달성 할 수없는 것을 의미하며 낭만주의, 꿈의 분위기를 만듭니다. Treplev가 오랫동안 깊이 사랑에 빠진 소녀는 항상 그에게 접근 할 수 없었습니다.
Shamraev 성의 기원은 "chamra"라는 단어에 있으며 문자 그대로 번역하면 안개, 어둠, 황혼을 의미합니다. 작가 Trigorin은 확실히 뛰어난 성격입니다. 그의 성은 성공을 상징합니다. 작가는 인생의 가장 중요한 세 봉우리, 사랑, 예술, 삶의 세 산을 정복했습니다. 독일어 번역에서 "Dorn"은 가시, 가시를 의미합니다.
극의 원동력이 무엇인지 자문해 본다면 대답은 애매할 것이다. Chekhov는 그의 예술적 원칙에 충실했습니다. 성도와 악당은 없습니다. 캐릭터의 캐릭터는 플레이 과정에서 발전하지 않으며 오랜 시간 동안에도 변경되지 않습니다. 예를 들어, 대부분 슬픈 사건을 많이 겪은 Nina Zarechnaya는 작업 초기와 동일하게 유지됩니다. 그러나이 불변성은 정적이라고 할 수 없으며 다른 특별한 품질입니다. 따라서 플롯은 등장인물의 세계관에 있는 변형에 의해 구동되지 않습니다.
Turgenev는 “상충되는 캐릭터가 있으면 확실히 줄거리에 추가될 것입니다. 연극 "갈매기"는 당연히 등장 인물들 사이에 모순이있다. 예를 들어, 인간 애정의 불일치, 짝사랑 : Masha는 Treplev를 사랑하고 Medvedenko는 그녀를 사랑하며 Masha의 어머니는 딸처럼 Dr. Dorn을 짝사랑합니다. Treplev는 Nina Zarechnaya를 사랑하고 Nina는 Trigorin에 대해 깊은 감정을 가지고 있습니다. Treilev는 또한 그를 향한 어머니의 냉담함으로 고통받습니다. Arkadina는 아들을 사랑하지 않습니다. 이것은 연극 내내 지속적으로 강조됩니다. 사랑과 창작의 선이 교차하며 점점 더 많은 충돌을 만들어낸다. 그러나 이러한 모든 모순은 성격의 갈등으로 이어지지 않으며 캐릭터 간의 적대적인 투쟁을 일으키지 않습니다. 연극의 영웅은 대체로 의지가 약하고 게으르고 주도권이 부족한 사람들입니다.
그래도 줄거리는 꽤 빠르게 진행됩니다. 그들을 움직이는 것은 무엇입니까? 삶 그 자체일 가능성이 높습니다.
Treplev는 아마도 연극의 주인공 중 가장 완전한 성격 일 것입니다. 그에게 예술과 Nina Zarechnaya는 무엇보다 중요합니다. 청년은 새로운 형태를 만들기 위해 끊임없이 노력하고 있으며 이러한 시도에 대한 어머니의 무관심한 방치로 인해 심각한 상처를 입습니다. 그리고 Treplev가 출판 작가가 되더라도 Arkadina도 Trigorin도 원칙적으로 그의 작품을 읽지 않습니다. 이것은 새로운 모든 것에 대한 부정적인 태도를 보여줍니다.
연극 "갈매기"의 또 다른 특징은 캐릭터의 연설입니다. 평범하고 발언은 종종 무작위로 제공되며 대화는 간헐적입니다. 영웅들은 때때로 산만 해지며 종종 구어의 우연한 인상을줍니다. 연극에는 언어 지배가 포함되어 있습니다. Arkadina - "내가 어떻게 연주했는지 ..."; Nina에서- "나는 갈매기입니다. 나는 믿습니다 ..."; Sorin에서-나는 위험 할 정도로 아파요 ..."; Shamraev- "나는 말을 줄 수 없습니다 ..."; Dorn - "나는 ...되고 싶었습니다."; Medvedenko와 함께 사는 것은 어렵습니다 ... ".
Chekhov는 가장 미묘한 하위 텍스트를 훌륭하게 개발했습니다. 연극의 말은 행동과 관련이 없는 경우가 많습니다. 연극의 과정은 거의 말과 행동으로 표현되지 않습니다. 저자는 일어나는 일의 일상을 강조합니다.
연극에는 호수, 갈매기, 세상의 영혼이라는 세 가지 상징적 상징이 포함되어 있습니다. 호수는 체호프 연극의 중요한 요소인 중앙 러시아 풍경의 아름다움을 상징합니다. 우리는 도시 환경에 대한 설명을 볼 수 없습니다. 풍경은 극적인 사건에 참여하게 됩니다. 일몰, 달, 호수-이 모든 것은 캐릭터의 영적 삶의 투영입니다.
갈매기(이 이미지 기호)는 각 문자를 통과합니다. 날개없는 사람들은 이륙하고 일상에서 벗어나고 싶어합니다. 박제가 갈매기로 만들어진다는 사실이 무섭다. 갈매기의 괴사는 영혼, 예술, 사랑의 괴사를 의미한다.
체호프는 그런 기법을 극중극으로 사용한다. 드라마 초반에 Treplev는 Soul of the World에 대한 연극을 시작합니다. 이 이미지는 자연과 인간의 복잡한 관계를 보여줍니다. Treplev는 삶의 불완전성을 설명할 수 있는 일반적인 아이디어를 찾고 있습니다. 연극의 각 캐릭터에는 물질적 원리와 영적 원리 사이의 투쟁이 있습니다.
그리고 마지막으로 연극 "갈매기"의 또 다른 기능입니다. 이 작품을 읽은 사람은 누구나 무의식적으로 질문합니다. 만화는 무엇입니까? 저자는 각 영웅과 관련된 비극만을 보여주는 것 같습니다. The Seagull의 만화와 비극은 복잡하게 얽혀 있습니다. 액션 전반에 걸쳐 각 캐릭터는 이상적인 행복을 달성하기 위해 끊임없이 노력합니다. 물론 모든 사람은 자신의 방식으로 이상을 나타냅니다. 그러나 영웅들은 거의 광적인 인내로 연합됩니다. 모든 사람은 행복하고, 예술에 자신을 구현하고, 완벽한 사랑을 찾고 싶어합니다. 어느 단계에서 저자는 유머없이 상황을 코믹한 관점에서 바라 볼 기회없이 자신의 이상을 찾으려는 시도는 실패 할 운명이라는 단순한 진실을 독자와 시청자가 이해하게 만듭니다.
샷은 이 삶을 끝내고 연극이 된다.

상징은 알레고리를 기반으로 하지만 상징은 모호하지 않은 알레고리가 아닙니다. 그리고 이것은 갈매기의 이미지 인 연극의 주요 상징입니다. 이 이미지는 자신이 이 갈매기처럼 자살할 것이라고 예측하는 트레플레프의 그림자, 니나의 운명, 그리고 갈매기에서 소녀의 운명에 대한 이야기의 음모를 본 트리고린과 관련이 있으며, 갈매기의 이미지는 쓸모없고 무자비하게 잊혀진 것의 다중 가치 상징으로 변합니다. 이 상징은 극에 묘사된 모든 삶의 평가에 지배적이 된다. 호수는 또한 일종의 연기라는 상징적 성격을 얻습니다.

Treplev와 Chekhov 자신의 연극 속 얼굴 : "오, 마녀의 호수!" Treplev의 공연을 위해 지어진 극장 무대. 세상의 영혼에 대한 독백이 읽히고 여기에서 사랑에 대한 말이 들리고 Medvedenko는 여기에서 누군가 우는 소리를 듣습니다. 잃어버린 희망을 위해 울고있는 니나였습니다.

따라서 (생명의 상징)은 끝났고 그 결말은 슬프다. 대화는 정서적 긴장이 높은 단계에서 이루어집니다. 대화의 마지막 장면에서 Trepleva는 말에 대해 Nina와 여러 번 이야기합니다. "내 말이 문 근처에 서 있습니다." "내 말들이 가까이 있다." 그리고 우리는 일상적인 세부 사항에 대해 이야기하고 있음을 이해하지만 (Nina를 볼 필요가 없음) 말의 이미지는 다른 의미를 갖습니다. 말은 길의 상징이며 여행하지 않은 길입니다. 『갈매기』는 여행의 끝에서 기다리는 답을 주지 않는다. 극 자체가 극에서 끝이 없는 과정으로서 삶을 고려하기 때문이다. 그는 밖에 어딘가에 있습니다.

흥미로운 상징은 특히 셰익스피어의 작품에서와 같이 수많은 회고록에 기반한 대화에서 나타나는 연극의 의도적인 문학적 성격입니다. 그래서 Arkady는 Hamlet에서 여왕의 효도 독백을 반복해서 읽고 마치 농담을하는 것처럼 Hamlet의 발언으로 그녀에게 대답합니다. Nina의 시적이며 육포적인 연설은 자신이 아니라 그들의 영웅에 대한 망각을 설명하는 것 같습니다. 이것은 Treplev와의 마지막 대화 장면에서 기억되어야 할여 주인공으로서 삶의 의미에 대한 가장 강렬한 탐색의 상징입니다.

혼란스럽고 갑작스러운 문장에서 하나의 상징이 이어집니다. 십자가와 모든 사람이 져야 할 의무입니다. 하지만 니나는 여기서 멈추지 않습니다. 그녀는 연극 "갈매기"의 모든 영웅처럼 희망, 의지, 비행의 상징을 찾고 있습니다.

인생, 그 과정 및 구성에 대해 생각할 때 때때로 무섭습니다. 끝나는 날을 분석하다 보면 갑자기 인생이 공허하다는 결론에 도달하게 됩니다. 사실, 당신 존재의 이 독특한 시간 동안 당신은 무엇을 했습니까? 일어나서 아침 마라톤을 시작하고 아침, 점심, 저녁을 먹고 거울 앞에서 잠시 몸을 가다듬고 친구들과 잠시 수다를 떨고 그곳에서 무언가를했습니다. 발견된 것도, 발명된 것도 없습니다. 어제와 내일이 될 것과 같은 작은 일에 하루가 지나갔습니다. 남자는 가장 작은 세부 사항에 묶여 있습니다.

말하자면 체호프에게 그의 이야기의 주인공이되는 것은 삶의 비극적 인 측면입니다.

그의 컬렉션을 무작위로 열어봅시다. 다음은 친밀한 관계가 수박을 먹는 동안 여자가 익숙하지 않게 울부 짖는 이중 간음의 "산문적인"사례 인 "개를 가진 여인"입니다. 그리고 이미 평범하고 심지어 의식적인 검색과의 길고 평범한 연결은 발전한 상황에서 벗어날 방법을 말로 표현합니다. 맙소사, 트리스탄과 이졸데가?!

"제화공 Alyakin과 함께 공부하기 위해 보내진 9세 소년 Vanka Zhukov는 크리스마스 전날 밤에 잠자리에 들지 않았습니다." 소년은 마을에서 할아버지에게 편지를 쓰고, 그 편지에는 인간의 삶을 삼키고 더 나은 미래를 바라는 작은 것들의 목록이 다시 있습니다. 최악의 것은 Vanka의 멘토가 한때 같은 과학을 경험했고 특정 결론에 도달하고 그들의 고통을 언급해야 할 것 같습니다 ...

하지만! Belikov의 끔찍하고 사소함은 매일 반복됩니다. 그는 왜 "사건 속의 남자"가 되었습니까? 무엇이 그의 성격을 왜곡시켰습니까? 결국 그는 이렇게 태어나지 않았지만 수년에 걸쳐되었습니다. 나는 국가를 두려워하여 이 사람이 쇠퇴한 이유를 알지 못합니다. 종종 그것은 기쁨의 약속으로 나를 유혹하고 모든 것을 진부함과 거짓말의 사슬로 만든 역겨운 삶에서 벗어나려는 시도였던 것 같습니다. 그리고 고대 그리스 문학에는 불멸의 신들이 복종하는 바로 그 운명에 반항하는 영웅들이 있었습니다.

그리고 Belikov는 죽었고 그의 얼굴에는 기쁨의 표현이있었습니다. 이제 그는 결국 일상 생활에서 해방되었고 집사 하나님은 결국 자유 롭습니다 ...

사실 모든 사람의 인생 전체는 99퍼센트가 그런 작은 것들로 이루어져 있습니다. 일상적이고 평범한 활동에서. 이것은 비극의 원인이 될 수도 있고 행복의 보장이 될 수도 있습니다. 이 아이디어를 오래된 비유로 설명하겠습니다.

“여행자는 도중에 돌로 가득 찬 수레에 기대어 저주하며 밀고있는 한 남자를 만났습니다.

- 안보여? 나는이 저주받은 돌을 운전합니다-내 인생의 불행.

뭐하는거야, 좋은 사람?

- 안보여? 나는 엄청나게 운이 좋다: 나는 쾰른 대성당을 짓고 있는데, 그 어떤 나라보다 더 웅장하지 않을 것이다.”

Chekhov의 캐릭터는 왜 그리고 어디서 짐을 당기고 있는지 몰랐고 매일 삶과 힘의 낭비가되었습니다. 카트를 끌고 있는 위치를 알고 있습니까?

소개

1.1 기호 개념

1.3 기호 개념

4.1 연극 "세 자매"의 중심 이미지로서 모스크바의 상징.

4.2 연극 "바냐 삼촌"에서 아프리카의 상징주의.

결론

소개

Chekhov는 우리 문화의 가장 놀라운 현상 중 하나입니다. Chekhov 고전의 모습은 예상치 못한 일이었고 언뜻보기에는 언뜻보기에 이례적이었습니다. 어쨌든 그의 모든 것이 러시아 고전 문학의 전체 경험과 모순되었습니다.

Anton Pavlovich Chekhov의 작업은 국내 및 서양 극작의 많은 작품에 전념합니다. 러시아 혁명 이전과 소비에트 체코 연구는 연구, 텍스트 및 주석 작업에서 광범위한 경험을 축적했습니다. 이미 혁명 이전 시대에 Chekhov의 산문과 드라마가 깊은 해석을받은 기사가 나타났습니다 (M. Gorky, V.G. Korolenko, N. K. Mikhailovsky, F. D. Batyushkov의 기사).

소비에트 시대에 A.P.의 문학 유산을 수집하고 출판하기 위해 거대한 작업이 시작되었습니다. 체호프, 그의 삶과 일을 연구하기 위해. 여기서 우리는 S.D. Balukhaty (Questions of Poetics. - L., 1990), 새로운 심리적 사실주의 드라마 분석에 대한 이론적 접근 방식을 입증합니다. 책 G.P. Berdnikov“A.P. Chekhov : Ideological and Moral Quests"시리즈 "놀라운 사람들의 삶"은 오늘날 Chekhov의 가장 권위있는 전기 중 하나로 간주됩니다. 또한 여기에서 1880-1900 년대의 공적 생활 맥락에서 체호프의 작품이 공개됩니다. 그의 다른 저서인 극작가 체호프: 체호프 드라마의 전통과 혁신, G.P. Berdnikov는 Chekhov의 혁신적인 극작법 형성의 역사와 Chekhov의 혁신적인 극적 시스템 전체의 가장 중요한 특징에 관심을 집중합니다. 동시에 이 책은 체호프의 극작술과 러시아 사실주의 연극의 전통 사이의 살아있는 연관성을 명확히 하려고 시도한다. 따라서 작품의 주요 쟁점은 체호프 극장의 전통과 혁신의 문제와 러시아 사실적 연극의 역사, 더 광범위하게는 러시아 사실적 연극의 역사에서 그 위치에 대한 질문입니다. 이 연구는 연대순으로 순차적으로 진행되며, 각 연극은 전체적으로 체호프의 혁신적인 극적 체계 형성의 새로운 단계로 간주된다.

A.P.의 기사 Skaftymov "체호프 체리 과수원의 형식과 내용의 통일성", "체호프 연극 구성 원칙"은 이미 고전이되었습니다. 여기에서 그의 다른 작품과 마찬가지로 과학자는 예술 작품에 대한 총체적 해석을 통해 개인의 창조적 진실과 예술가의 정신적, 도덕적 이상을 재창조합니다. 위의 글들은 체호프 희곡의 줄거리와 구성적 특징을 체계적으로 분석한 것이다.

Z.S. Paperny는 그의 저서 "Against All Rules…": Chekhov의 Plays and Vaudevilles"에서 Chekhov의 작업에 대해 모든 것을 말할 수 없음에 대해 씁니다. 소비에트 문학 평론가의 작품에서 체호프의 연극과 보드빌의 예술적 본질은 작가의 동시대 현실과 관련하여 연구됩니다.

모노그래프 A.P. Chudakov의 "Chekhov의 시학"과 "Chekhov의 세계: 출현과 승인"은 체코 연구의 새로운 단어였습니다. 첫 번째 작품은 1971년에 다시 출판되었지만 이미 소비에트 문학 비평에 대한 전통적인 형식에서 단절되었음을 보여줍니다. 작가의 작업에 대한 새로운 접근 방식의 개발은 연구원의 다음 작업에서 개발되며 Chekhov 작업의 시스템 동기화 분석은 역사적-유전적 분석에 의해 계속되었습니다.

V.I. Kamyanov "영원에 대한 시간 : Chekhov와 현재"에는 러시아 작가의 작품 분석에 대한 새로운 접근 방식이 포함되어 있습니다. 저자는 Chekhov의 작품을 분리 할 수없는 통일성과 동시에 다른 관점에서 고려할 것을 제안합니다. 이야기, 소설 및 연극의 시간 경과, 예술적 적용 범위에 대한 종교적 믿음 문제, 기본으로서의 자연 이미지 세상의 조화를 위해. 동시에 Kamyanov는 20 세기 후반에 러시아 문학에 대한 Chekhov의 작업의 영향에 대한 질문을 처음으로 제기 한 사람 중 한 명이었습니다.

A.P 연구의 새로운 페이지. Chekhov는 러시아 과학 아카데미 "Chekhoviana"의 세계 문화사위원회의 Chekhov위원회에서 출판 한 비정기 과학 작품 시리즈가되었습니다. 여기에는 동시대 연구자들의 기사와 에세이가 포함되어 작가 작업의 한 측면 또는 다른 측면을 드러냅니다.

현재 "Chekhov 's Bulletin"과 "Chekhov의 Young Researchers"컬렉션이 정기적으로 출판되며 젊은 Chekhov 학자들의 기사가 출판됩니다. 주로 작가 작업의 개별 측면에 대한 이러한 연구입니다.

동시에 Chekhov의 극작에서 이미지 기호 연구에 전념하는 별도의 작업은 없습니다. 동시에, 이제 문학 비평에서 체호프 작품의 미개척 수준 연구에 많은 관심을 기울이고 있습니다. 따라서 이 작업의 관련성에 대해 이야기할 수 있습니다.

본 연구의 목적은 A.P. Chekhov (연극 "Ivanov"(1889), "The Seagull"(1896), "Uncle Vanya"(1896), "Three Sisters"(1901), "The Cherry Orchard"(1903)의 예에서), 그들의 예술적 작품 시스템의 장소와 역할.

이 목표를 달성하려면 다음 작업을 해결해야 합니다.

1. "상징"의 개념을 정의하고 그 기본 개념을 제시한다.

2. A.P.의 가장 특징적인 기호를 식별하십시오. 체호프;

3. 체호프 극작의 예술 체계에서 상징의 위치와 역할을 결정한다.

역사적, 문화적 방법은 정해진 과제를 해결하는 데 가장 적합합니다.

이 작업은 서론, 6개의 장, 결론 및 75개의 제목으로 구성된 참고 문헌 목록으로 구성됩니다.

작품 "문학 현상으로서의 상징"의 첫 번째 장에서는 상징의 형성을 문학, 예술 및 철학적 용어로 간주합니다. 같은 장은 A.P. 의 작업에서 상징 연구에 대한 주요 접근 방식을 특징 짓습니다. 체호프.

졸업 프로젝트의 두 번째 장은 A.P.의 극작에서 자연의 상징에 전념합니다. Chekhov는 세 개의 하위 단락으로 구성됩니다. 그들의 선택은 Chekhov의 연극에서 갈매기 새, 정원 및 연못의 이미지와 같은 주요 자연 모티프와 관련이 있습니다.

세 번째 장은 체호프 희곡의 세부적인 상징화를 보여준다.

네 번째 장은 지리적 상징과 체호프 희곡의 예술적 체계에서의 위치를 ​​다룬다.

그의 작품의 특별한 분위기를 조성하기 위해 A.P. Chekhov는 소리와 색상 기호를 사용합니다. 그들의 고려는 각각 다섯 번째와 여섯 번째 장에 할애됩니다.

이 작품의 출처는 A.P. 12권의 체호프:

체호프, A.P. 12권 전집 9권: 희곡 1880-1904 / A.P. 체호프. -M .: 소설의 국영 출판사, 1960. - 712 p.

1. 문학적 현상으로서의 상징

1.1 기호 개념

상징의 개념은 다면적이다. M.Yu. Lotman은 그것을 "기호 과학 시스템에서 가장 모호한 것 중 하나"라고 정의했고 A.F. Losev는 "문학과 예술 모두에서 상징의 개념은 가장 모호하고 혼란스럽고 모순적인 개념 중 하나입니다."라고 말했습니다. 이것은 무엇보다도 상징이 철학, 미학, 문화 연구 및 문학 비평의 중심 범주 중 하나라는 사실에 의해 설명됩니다.

상징(그리스어 symbolon - 기호, 식별 기호)은 한편으로는 예술적 이미지의 관련 범주, 다른 한편으로는 기호 및 알레고리와의 비교를 통해 드러나는 보편적인 미학적 범주입니다. 넓은 의미에서 기호는 상징성의 측면에서 취해진 이미지이며, 이미지의 모든 유기성과 무궁무진한 모호성을 부여받은 기호라고 할 수 있다. 봄 여름 시즌. Averintsev는 다음과 같이 썼습니다. 상징으로 변하면서 이미지는 "투명"해집니다. 즉, 의미론적 깊이, 의미론적 관점으로 정확하게 주어지는 의미가 이미지를 통해 "빛나고" 있습니다.

Literary Encyclopedic Dictionary의 저자는 “상징의 의미는 마음의 단순한 노력으로 해독할 수 없으며, 이미지의 구조와 분리할 수 없으며, 이미지에 "삽입"한 다음 이미지에서 추출할 수 있는 일종의 합리적인 공식으로 존재합니다. 여기에서 기호의 범주와 관련하여 기호의 세부 사항을 찾아야 합니다. 순전히 실용주의적인 기호 체계에서 다의어가 기호의 합리적 기능을 해치는 방해물일 뿐이라면 기호는 더 의미 있고 다의어적입니다. 상징의 구조 자체는 각각의 특정 현상을 통해 세계의 전체적인 이미지를 제공하는 것을 목표로 합니다. 사물, 동물, 알려진 현상, 사물의 징후, 행동은 상징으로 작용할 수 있습니다.

기호의 의미 구조는 다층적이며 지각자의 적극적인 내부 작업을 위해 설계되었습니다. 상징의 의미는 현존으로서가 아니라 역동적 경향으로서 객관적으로 실현된다. 주어진 것이 아니라 주어진 것입니다. 엄밀히 말하면 이 의미는 모호하지 않은 논리적 공식으로 축소하여 설명할 수 없으며 더 많은 기호 사슬과 연관시킴으로써만 설명할 수 있습니다.

상징의 해석은 대화적으로 지식의 한 형태입니다. 상징의 의미는 실제로 인간의 의사 소통 내에서만 존재하며 그 밖에서는 상징의 공허한 형태만 관찰할 수 있습니다. 기호의 이해가 이루어지는 "대화"는 통역사의 잘못된 위치로 인해 깨질 수 있습니다.

I. Mashbits-Verov는 "상징의 기원은 매우 오래되었지만 특정 역사적 조건에서 새로운 상징이 나타나거나 이전 상징의 의미가 변경되었지만 (예를 들어 만자는 생명 나무의 고대 상징입니다. 지금은 파시즘의 상징)” .

1.2 "기호" 개념의 형성

상징은 인간의 의식만큼 오래되었지만 철학적, 미학적 이해는 비교적 늦게 이루어집니다. 신화적 세계관은 상징의 반영을 배제하고 상징의 형태와 의미의 전적인 동일성을 전제하므로 상징의 본질을 이해하는 관점은 배제된다.

플라톤이 2차 구조를 구성하는 실험 이후 고대 문화에서 새로운 상황이 발생합니다. 적절한 의미에서 "상징적", 철학적 신화. 플라톤은 우선 철학 이전 신화의 상징을 제한하는 것이 중요했습니다. 헬레니즘적 사고가 상징과 우화를 끊임없이 혼동한다는 사실에도 불구하고 아리스토텔레스는 상징의 분류를 만들었습니다.

중세 시대에 이 상징주의는 교훈적인 우화주의와 공존했습니다. 르네상스는 열린 다의성으로 직관적인 지각을 날카롭게 했지만 상징에 대한 새로운 이론을 만들지 않았고, 학습된 책의 알레고리에 대한 취향의 부활은 바로크와 고전주의에 의해 포착되었습니다.

알레고리와 상징의 분리는 마침내 낭만주의 시대에 와서야 구체화되었습니다. 알레고리와 상징의 대립, 즉 주로 낭만주의와 상징주의가 실현되는 시기에 상징은 예술적 이상의 자리를 차지하게 된다. 기호의 특성에 대한 중요한 관찰은 Carl Philipp Moritz의 작업에서 찾을 수 있습니다. 그는 아름다움이 다른 형태로 번역될 수 없다는 생각을 가지고 있습니다. "우리 자신이 존재합니다. 이것이 우리의 가장 숭고하고 고귀한 생각입니다." 예술 표현의 모든 특징은 단일 개념에 집중되어 있으며 낭만주의는 나중에 상징이라는 단어로 지정됩니다.

F. Kreutzer "고대 민족의 상징주의와 신화 ..."(1810-12)의 다권 작업에서 기호 유형의 분류가 제공되었습니다 ( "신비한 상징"은 형식의 폐쇄성을 폭발시킵니다. 무한의 직접적인 표현, 의미론적 무한을 닫힌 형태로 담기 위해 노력하는 "가소성 기호"). A.V. Schlegel의 시적 창의성은 "영원한 상징화"이며, 독일 낭만주의는 상징을 이해하는 데 의존하는 성숙한 I. V. Goethe는 모든 형태의 자연스러운 인간 창의성을 의미 있고 살아있는 영원한 생성의 상징으로 이해했습니다. 낭만주의와는 달리 괴테는 상징의 모호함과 불가분성을 신비로운 다른 세계성이 아니라 상징을 통해 표현된 시작의 생명력 있는 유기성과 연결합니다. G.W.F. Hegel은 (낭만주의에 반대하여 상징의 구조에서 "관습성"에 기반한보다 합리주의적이고 상징적 인 측면 ( "상징은 무엇보다도 특정 기호")을 강조했습니다.

상징을 이해하는 것은 상징주의에서 특별한 역할을 합니다. 상징주의자들은 종합과 암시를 상징시의 가장 중요한 원칙 중 하나로 간주했으며, 상징은 이러한 특성을 가져야 합니다. 상징 개념의 절대화에도 불구하고 상징주의가 상징과 다른 범주의 차이점에 대한 명확한 아이디어를 제공하지 못했다는 것은 역설적으로 보입니다. 상징주의 환경에서 "상징"이라는 단어는 많은 의미를 가졌습니다. 특히 알레고리, 신화와 혼동되는 경우가 많다. 상징주의 시대는 또한 상징에 대한 엄격한 과학적 연구 인 "학문적"에 자극을주었습니다. 어느 정도 20세기의 과학적 의식은 상징주의자들의 미학에 반영된 상징의 관념을 발전시켰다.

1.3 기호 개념

기호의 첫 번째 개념은 이 방향의 대표자들이 직접 개발했습니다. 러시아에서는 Andrei Bely가 상징주의 이론가 중 한 명이되었습니다. 1910년 논문 "의미의 상징학(상징 이론의 전제 조건)"에서 그는 상징주의 프리즘을 통해 일반적으로 예술, 과학, 종교 및 문화를 보려고 했습니다. Bely에 따르면 예술 형식은 다른 일련의 상징화입니다. 예술적 기호는 시공간의 이미지이기 때문에 시공간의 관계는 예술 형식을 분류하는 원칙입니다. A. Bely는 출판된 작품에서 다음과 같은 유형을 제시합니다. 음악의 주요 요소는 리듬(즉, 시간의 순서)입니다. 여기서 주요 요소인 시는 단어가 주는 이미지와 시간의 변화이다. 그림, 주요 요소는 자신의 눈으로 주어진 이미지이지만 페인트와 2 차원 공간에서 제공됩니다. 조각과 건축, 여기서 주요 요소는 공간의 3차원 이미지이다.

그 시대의 직계 후계자, 즉 다음 세대의 문헌학자들이 수행한 상징주의에 대한 체계적인 연구는 상징에 대한 적절한 과학적 접근의 시작으로 간주될 수 있습니다. 여기서 먼저 V.M.의 작품을 언급해야합니다. Zhirmunsky 및 St. Petersburg 학교의 다른 과학자들.

V.M. Zhirmunsky는 그의 작품 "러시아 상징주의자들의 시학에서의 은유"(1921년 6월)에서 상징을 다음과 같이 정의했습니다. 감정적 인 경험.” 나중에 그는 "Alexander Blok의시"라는 기사에서 거의 문자 그대로이 문구를 재현했습니다. 유사성의 원칙에 따라.” V.M. Zhirmunsky는 "특수한 종류의 은유"가 상징이 전달하는 모든 것과는 거리가 멀다는 것을 잘 알고 있었습니다. 그의 공식화의 한계는 처음부터 느껴졌습니다. 그리고 무엇보다도 문체적으로. Zhirmunsky에 따르면, 상징은 실제로 수세기 동안 민요와 종교 문학(예배 시와 심지어 신비로운 가사) 모두에 존재해 온 사전 상징주의적 상징입니다.

주로 러시아 상징가의 영향을 받아 만들어진 인간 삶의 역할과 중요성 측면에서 상징의 가장 상세하고 일반화 된 개념 중 하나는 20 세기 전반기 독일 철학자 E. Cassirer에 속합니다. 그의 작품 "인간에 대한 경험: 인간 문화 철학에 대한 소개"에서. 남자란? (1945)는 다음과 같이 썼습니다. Cassirer에 따르면 인간 삶의 상징적 공간은 문명의 발전과 함께 인종의 진보와 관련하여 펼쳐지고 확장됩니다.

K.A. Svasyan, “상징과 별개로 실재가 존재하는지에 대한 질문은 Cassirer가 특징지었습니다(철학적으로 부적절하고 신비적입니다.<...>Cassirer는 "무언가"를 가리키는 기호의 의도적 특성을 부정하지 않습니다. 그러나 이 "어떤 것"에 의해 그는 형성 자체의 기능의 통일성을 의미합니다. 상징적 기능의 규칙". 마치 20세기의 저명한 언어학자인 카시러(Cassirer)의 생각을 이어가듯 E. Sapir는 1934년에 이렇게 썼습니다. 이 구조의 기초가 되는 "벽돌"은 거의 없습니다.

AF Losev는 기호와 이에 가까운 다른 범주를 구별합니다. 상징과 기호의 차이점과 알레고리의 차이점에 대해 살펴보겠습니다. Losev에 따르면 기호는 무한 기호입니다. 무한한 의미를 지닌 기호.

A.F. 의 주요 특징 중 하나입니다. Losev는 기의와 기표가 동일하다고 믿습니다. 상징은 서로 공통점이 없는 기표와 기의가 만나는 장이다. 한때 상징에 상징화 된 존재는 P. Florensky의 단어 철학의 중심 아이디어 중 하나가되었습니다. “한 대상에서 다른 대상으로 전달된 의미는 이 대상과 너무 깊고 포괄적으로 병합되어 더 이상 서로 구별할 수 없습니다. 이 경우 상징은 사물의 이데올로기적 이미지와 사물 자체의 완전한 상호침투이다. 상징에서 우리는 필연적으로 정체성, 기표된 것의 상호 투과성, 그리고 그것을 기표하는 이데올로기적 이미지를 찾습니다.” http://www.gumilev.ru/about/67/ - _ftn74#_ftn74.

Losev에 따르면 예술적 이미지로서의 상징은 사실성을 추구합니다. 그러나 리얼리즘만을 상징의 기준으로 삼는다면 상징과 예술적 이미지 사이의 경계는 지워질 것이다. 사실 모든 이미지는 상징적입니다.

또한 Losev는 다양한 영역에서의 기능을 기반으로 하는 가장 일반적인 기호 분류 중 하나를 소유하고 있습니다. 과학자는 과학적, 철학적, 예술적, 신화적, 종교적, 인간적 표현, 이데올로기 및 동기 부여, 외부 기술 기호 및 자연, 사회 및 전 세계를 기호 영역으로 식별했습니다.

Lotman의 상징 이론은 Losev의 이론을 유기적으로 보완합니다. Yu.M. Lotman은 "문화적 기억의 중요한 메커니즘으로서 기호는 텍스트, 플롯 도식 및 기타 기호학적 구성을 문화의 한 계층에서 다른 계층으로 전송합니다" . 기호는 개인의 창의성에만 속할 수 있는 것이 아닙니다. 이 기호 속성은 신화와의 근접성을 결정합니다.

E.K. Sozina는 M.K. Mamardashvili 및 A.M. Pyatigorsky는 1982 년 작품 "Symbol and Consciousness"에서 제안했습니다. 의식, 상징, 언어에 대한 형이상학적 성찰". 저자는 "의식의 의미에서" 상징을 해석하려고 합니다. 그들은 상징을 "한 쪽 끝은 사물의 세계에서 "돌출"하고 다른 쪽 끝은 의식의 현실에 "익사하는" 것으로 이해합니다. 동시에, 그들의 이해에서 상징은 실질적으로 무의미합니다. 상징을 채우는 의식의 내용으로 인해 사물이다. 또한 Mamardashvili와 Pyatigorsky는 기본 및 보조의 두 가지 주요 기호 유형을 구분합니다. 주요 상징(및 이와 관련된 주요 신화)은 "의식의 자발적인 삶의 수준과 의식의 내용에 대한 개별 심령 메커니즘의 자발적인 관계에 있습니다." 그것들은 우주 의식과 일치하며 적절한 인간 표현이 없습니다. 2 차 기호는 "시스템 자체로서 이데올로기 적 (과학적, 문화적 등) 연구, 해석의 결과 인 신화 적 시스템 수준의 그림"으로 언어, 문화 및 사회에서 발생합니다. Mamardashvili와 Pyatigorsky는 "이해-지식"의 문제와 관련된 상징의 다중 해석 문제에 큰 관심을 기울였습니다.

1.4 A.P. 체호프

처음으로 A.P. 의 작업에서 상징의 문제. Chekhov는 "Chekhov"(1907) 기사에서 A. Bely에 의해 제기되었습니다. 그는 러시아 현실 주의자들의 전통이 계속되고 있음에도 불구하고 체호프의 작품에서 "러시아 문학의 많은 중간 흐름을 날려 버릴 수있는 진정한 상징주의의 다이너마이트가 놓여있다"고 지적합니다. 동시에 A. Bely는 특히 "Chekhov는 자신을 상징가로 인식하지 못했지만 그의 작품이 러시아 상징주의의 발판이 될 수 있도록 고상하고 정직하게 모든 작품을 바쳤습니다. "라고 강조합니다. 19 세기 후반 ~ 20 세기 초 러시아 문학의 의사 사실주의 및 의사 상징적 경향에 대해 말하면서 Bely는 Chekhov의 창작 방법을 상징주의와 무의식적으로 융합 된 "투명한"사실주의로 언급 할뿐만 아니라 그 형성 이유도 언급합니다. : "체호프의 리얼리즘이 심화됨에 따라 과거의 전통을 배반하지 않고이 리얼리즘의 내적 기반은 상징주의로 넘어갑니다.

에세이 "Green Meadow"(1910) 모음에서 A. Bely의 현실 주의자 상징 주의자로서 Chekhov의 주장을 계속합니다. 여기에서 러시아 상징가의 주요 관심은 Chekhov와 Maurice Maeterlinck의 작업에서 공통된 특징을 식별하는 데 끌리지만 동시에 Chekhov의 상징은 "더 얇고 투명하며 덜 신중합니다. 그들은 실재에 구현된 흔적도 없이 생명으로 성장했다. 같은 기사에서 A. Bely는 "상징은 경험의 표현 일 뿐이고 경험 (개인, 집단)이 유일한 현실"이기 때문에 진정한 상징주의가 진정한 사실주의와 일치한다는 것을 증명합니다.

D.P.는 또한 Maeterlinck에 대한 Chekhov의 창의적인 방법의 근접성에 대해 이야기합니다. 미르스키. 그는 또한 러시아 작가의 모든 작품은“상징적이지만 대부분의 작품에서 상징주의는 그다지 구체적이지 않고 요염하게 모호하게 표현됩니다.<…>그러나 체호프의 상징주의는 갈매기에서 시작하여 그의 희곡에서 가장 크게 발전했습니다.

AP Chudakov는 아마도 Chekhov의 세부 사항의 상징주의를 직접 선언 한 소비에트 문학 비평에서 몇 안되는 사람 중 한 명일 것입니다. 그는 또한 이러한 세부 기호에 대한 간략한 설명을 제공합니다. 이 능력으로 일상 환경의 일반적인 물체가 작동합니다. Chudakov는 또한 상징의 또 다른 중요한 세부 사항에 주목했습니다. 하나의 빛으로 타지 않고 깜박입니다. 때로는 상징적 인 빛으로, 때로는 "진짜"빛으로 깜박입니다.

창의성 연구원 A.P. 옥스포드 교수 P. Henry의 Chekhov는 1960 년대와 70 년대에 Chekhov 연극의 상징주의에 관한 많은 양의 문헌과 해외 상징주의의 선구자로서 Chekhov에 대해 언급합니다.

I.G. A.P. 의 산문에서 기호에 대한 Mineralova. 체호프. 그녀는 구성의 반복을 상징적 디테일의 구성 강조의 가장 중요한 특징으로 정의합니다. I.G.와 비슷한 원리입니다. Mineralova는 상징적 세부 사항의 의미론과 관련된 복잡한 하위 텍스트 연결의 출현에 대한 근본적인 이유를 고려합니다.

현대 문학 비평에서 A.P. Chekhov는 더 이상 논쟁의 여지가 없습니다. 현재 Chekhov 학자들은 작가의 작품에서 상징주의의 특정 문제에 관심이 있습니다.

따라서 상징은 문화와 문학에서 가장 오래된 현상 중 하나입니다. 고대부터 작가와 연구자 모두의 관심을 끌었습니다. "상징"의 개념을 연구하는 데 어려움이 있는 이유는 모호성과 다중 분류 때문입니다. 문학 비평가에 따르면 러시아 사실 문학에서 상징적 세부 사항에 중점을 둔 A.P. 체호프.

2. A.P. 체호프

자연의 상징에는 주변 세계의 모든 현상이 포함됩니다. A. F. Losev는 또한 이런 종류의 상징에 대해 다음과 같이 썼습니다. 여전히 사람이 인식하고 그의 역사적 발전, 사회적 지위 및 사회적 중요성에 따라 사용합니다.

2.1 체홉의 희곡에 나타난 새의 이미지-기호

Chekhov는 이미 드라마 "Ivanov"에 나오는 새의 이미지를 나타냅니다. 그러나 상징적 의미는 여기에서 개략적으로만 설명할 뿐 완전히 실현되지는 않습니다. Lvov는 Ivanov의 집인 "올빼미 둥지"의 모티브를 작업에 도입합니다.

"리비브. 당신은 놀랐습니다 ... (그 옆에 앉습니다.) 아니, 난 ... 놀랐어, 놀랐어! 글쎄요, 똑똑하고 정직하며 거의 성자 인 당신이 어떻게 그렇게 뻔뻔스럽게 속아서이 올빼미의 둥지로 당신을 끌어 들일 수 있었는지 설명해주세요. 왜 여기 있니? 이 차갑고 영혼이없는 공통점이 무엇입니까 ... ".

조금 더 일찍 대화에서 Anna Petrovna는 올빼미의 외침에 대해 불평합니다.

Shabelsky. 누가 비명을 지르고 있습니까?

올빼미의 외침은이 여성의 삶에 남아있는 전부입니다. "이제 그는 다른 여성들과 즐거운 시간을 보내기 위해 Lebedevs에 갈 것입니다. 저는 ... 정원에 앉아 올빼미 비명을 듣습니다 ...". 연극의 다른 캐릭터는이 외침을 진지하게 받아들이지 않으려 고 노력하고 Shabelsky는 올빼미의 외침을 부드럽게하려고 시도하여 "그것보다 더 나쁠 수는 없습니다."

올빼미의 이미지 기호는 Chekhov의 작업에서 특정 캐릭터와 아직 연결되지 않았습니다. 그러나 극중 그것의 끈질긴 반복과 관심의 집중은 불안과 예정의 분위기를 조성하는 것이 그것의 주요 기능에 대해 이야기할 수 있게 한다.

A.P. Chekhov의 새는 연극 "The Seagull"에서 독립적 인 이미지가됩니다. 여기서 타이틀 캐릭터는 극중의 모든 캐릭터를 하나로 묶는다. V. Gulchenko는 “고상한 인간 정신의 상징인 새는 세계 예술 시대의 모든 시대에 알려졌지만 Treplev의 예술적 상상력이 세계 역사의 끝에 위치하는 초월적 상태에 대해 이 역할은 갈매기에 배정되었습니다. 이것은 젖꼭지에 대한 영적 움직임의 동사에서 이름이 파생된 유일한 새입니다.

“기대하다”라는 동사의 주요 의미는 “희망하다, 생각하다, 믿다”입니다. 연극의 모든 캐릭터는 무언가를 원하고 무언가를 희망합니다. 그러나 아무도 자신의 잘못으로 원하는 것을 얻지 못합니다. 이를 바탕으로 V. Gulchenko는 작품 속 주인공의 수에 따라 작품에 갈매기가 한 마리가 아니라 일곱 마리라는 생각을 표현한다.

연극 초반부터 Chekhov는 Nina Zarechnaya를 갈매기로 언급합니다. 처음 등장한 그녀는 Treplev에게 "... 나는 갈매기처럼 여기 호수에 끌립니다 ... 내 마음은 의지로 가득 차 있습니다 ..."라고 말합니다. Nina조차도 그녀의 편지 "Seagull"에 서명합니다. 그러나 나중에 그녀의 발에 명목상의 두 번째 행동에서 Treplev는 실수로 죽인 갈매기를 놓습니다. 여기서 갈매기는 Trigorin에 의해 무관심하게 파괴 된 그녀의 열망과 희망을 구현하기 시작합니다. 작품에서이 이미지의 상징적 특성을 직접 나타내는 것은 Nina입니다. “최근에 당신은 짜증이 났고 모든 것이 일부 기호로 이해할 수 없게 표현되었습니다. 그리고이 갈매기는 분명히 상징이기도하지만 실례합니다. 이해가 안 돼요 ... ".

극의 끝에서 이 두 단어("kill"과 "seagull")가 Nina의 독백에서 다시 나오는 것은 우연이 아닙니다.

"니나. 왜 내가 걸었던 땅에 키스했다고 말합니까? 나는 죽여야 한다. (테이블 쪽으로 몸을 굽힙니다.) 너무 피곤해요! 쉬세요... 쉬세요! (고개를 든다.) 나는 갈매기입니다 ... ".

즉, 이 이미지의 개념 중 하나인 Z.S. Paperny: “샷 갈매기의 개념을 대체하기 위해 또 다른 개념이 제시되었습니다. Nina는 의기양양한 여주인공입니다. 그녀만이 진정한 갈매기입니다. 격추되거나 죽지 않고 대담하고 승리의 비행을 계속합니다.

갈매기의 이미지 기호는 "자신의 것"이되며 특히 Konstantin Treplev에게 중요합니다. 두 번째 막에서 그는 갈매기를 Nina의 발에 올려 놓고 "죽이는 비열함을 가졌습니다." 동시에 그는 또한 자신을 갈매기와 연관시킵니다. "곧, 같은 방식으로 나도 자살할 것이다." 이 경우 자신과 갈매기를 죽이는 사람이 Treplev라는 사실로 인해 영웅과 이미지의 유사점이 강화됩니다. V. Gulchenko는 "죽은 Chaika는 정지 된 비행이며 수행 될 운동의 권리를 거부하는 것입니다. "라고 썼습니다. Treplev의 죽음은 정확히 "멈춘 비행"입니다. 그리고 이런 의미에서 그는 다른 영웅의 무대 생활이 끝나지 않고 미래가 있기 때문에 이미지의 상징적 하위 텍스트를 훨씬 더 구현합니다. Nina는 Treplev를 그녀의 미래 공연에 초대합니다. "내가 훌륭한 배우가 될 때 나를 보러 오십시오." Trigorin은 서둘러 이야기를 끝내고 "여전히 컬렉션에 무언가를 주겠다고 약속했습니다."

Z.S. Paperny는 "다른 의미로 반짝이는 갈매기의 이미지 기호는 서로 다른 방식으로 Treplev와 Nina의 영혼에 살고 있으며 때로는 연결하고 때로는 분리합니다. "라고 말합니다.

이 이미지는 Trigorin의 마음에서 완전히 다른 방식으로 굴절됩니다. 죽은 갈매기를 본 그는 자신의 책 "단편 소설을 위한 음모"에 다음과 같이 기록합니다. 갈매기처럼 호수를 사랑하고 갈매기처럼 행복하고 자유롭다. 그러나 우연히 한 남자가 와서보고 할 일이 없어이 갈매기처럼 그녀를 망쳤습니다.

이 음모를 통해 Trigorin은 그대로 이벤트의 추가 발전을 예측한다고 Nina에게 경고합니다. 그러나 동시에 그는이 이야기 자체를 기억하지 못하고 중요하다고 생각하지 않습니다. 그에게 이것은 단편 소설의 줄거리입니다.

“Shamraev (Trigorin을 찬장으로 안내). 방금 말씀드린 내용입니다... (옷장에서 갈매기 박제를 꺼냅니다.) 주문.

TRIGORIN (갈매기를 바라보며). 기억이 안나요. (생각합니다.) 기억이 안나요!” .

갈매기의 이미지 모티프에는 비극적으로 강렬하고 철학적으로 깊은 포괄적인 서정이 담겨 있습니다. L.A.에 따르면 그의 역장의 영향으로 Jezuitova, "일부 캐릭터는 "날개", "뮤지컬"이되고 다른 캐릭터는 "날개 없음", "산문"이됩니다. Z.S. 특히 페이퍼니는 "극의 제목을 부여한 갈매기의 상징적 이미지는 극의 가장 중요한 모티프인 등장인물의 관계에서 교차하는 예술과 사랑의 주제를 특별한 굴절 속에서 흡수한다"고 강조한다.

A.P. Chekhov의 "Three Sisters" 새의 이미지도 전체 작업을 통해 실행됩니다.

Z.S. Paperny는 다음과 같이 썼습니다.

연극에서 처음으로 새의 이미지가 Irina와 Chebutykin 간의 대화 첫 번째 막에 나타납니다.

"이리나. 오늘 내가 왜 그렇게 행복한지 말해줘? 마치 내가 돛을 타고 있는 것 같고, 내 위에는 드넓은 푸른 하늘이 있고 크고 하얀 새들이 날아다니고 있습니다. 왜 이런거야? 에서 무엇을?

Chebutykin. 내 새는 하얗다 ... ".

이러한 맥락에서 새는 희망, 순결, 앞으로 나아가는 것과 관련이 있습니다.

Tuzenbach와 Masha의 삶의 의미에 대한 대화의 두 번째 행동에서 새의 이미지가 두 번째로 나타납니다.

"투젠바흐. ... 예를 들어 철새, 두루미는 날고 날고, 높든 작든 어떤 생각이 머리 속을 헤매더라도 여전히 날고 이유와 장소를 모릅니다. 그들 사이에 어떤 철학자가 있든 상관없이 그들은 날고 또 날 것입니다. 그리고 그들이 날아가는 한 그들이 원하는 대로 철학을 하게 하라...<…>

마샤. 살면서 왜 학이 나는지, 왜 아이들이 태어나는지, 왜 하늘의 별이 뜨는지…

추가 의미 뉘앙스가 여기에 이미 나타나고 있으며 새의 이미지는 점차 복잡해집니다. 이러한 맥락에서 새의 비행은 어떤 변화, 인간의 개입, 멈출 수없는 시간의 흐름, 멈출 수없는 변화, 이해의 대상이 아닌 삶의 과정 자체와 관련이 있습니다.

4 막 Masha의 독백에서이 이미지에 대한 동일한 해석이 관찰됩니다. . ". 같은 4 막에서 Chebutykin은 다음과 같이 불평합니다. “나는 늙어서 날 수없는 철새처럼 뒤에 남겨졌습니다. 날아라, 나의 사랑아, 신과 함께 날아라!” . 날아가는 새와 남아있는 새의 대조는 제자리에 묶인 영웅이 상황을 바꿀 수 없음을 강조합니다.

여기에서 철새는 여전히 떠나는 장교, 소멸 된 희망, 꿈의 실현 실패와 관련이 있습니다.

Z.S. Paperny는 또한 자매 중 막내 인 Irina를 새와 비교합니다. 인생에 대한 개방적이고 즐거운 전망을 가진 희망으로 가득 찬 첫 번째 막에서 Chebutykin이 부르는 "하얀 새"는 꿈을 잃고 현재에 사임 한 네 번째 막에 이미 지쳤습니다.

Chekhov의 극작술에 나오는 새는 항상 삶의 과정과 관련이 있습니다. "Ivanov"에서 올빼미가여 주인공의 죽음의 선구자가된다면 후속 작품 ( "The Seagull", "Three Sisters")에서 새의 이미지는 복잡하고 다면적입니다. 우선 이루어지지 않는 영웅들의 꿈과 희망과 관련이 있다. 그러나 "The Seagull"에서 이미지의 진화가 새로운 길 (그리고 그 중 하나로서의 죽음)을 찾는 것으로 이어진다면 "The Three Sisters"에서는 새의 상징이 생명 예정의 동기를 파괴합니다.

2.2 체호프 희곡 속 정원의 이미지-기호

정원의 이미지는 A.P.의 예술적 세계에서 중요한 부분입니다. 체호프. 연극 "Ivanov"에서 첫 번째 막은 Ivanov 부동산의 정원에서 열립니다. 그러나 미래에 정원은 영웅들의 연설에 끊임없이 존재합니다. 연극 "The Seagull"과 "Uncle Vanya"에서 정원 (공원)도 액션 장면이됩니다.

그러나이 이미지는 연극 "세 자매"에서 처음으로 상징적 의미를 얻습니다. 여기 정원에서 마지막 행동이 일어납니다. 그러나 Chekhov는 의도적으로 정원의 전체 공간에서 개별 나무와 골목으로 초점을 이동합니다.

연극의 맥락에서 나무는 상징적 의미를 갖습니다. 그것은 영원한 것, 과거와 현재, 현재와 미래 사이의 연결 고리입니다. O. Podolskaya는 나무가 시간과 세대의 분리할 수 없는 연결을 상기시킨다고 믿습니다.

"올가. 오늘은 따뜻하고 창문을 활짝 열어 둘 수 있지만 자작 나무는 아직 꽃이 피지 않았습니다.<…>나는 5 월 초 모스크바의 현재 모든 것이 이미 꽃이 만발한 것을 아주 잘 기억합니다.

나무의 이미지는 Tuzenbakh와 Irina의 대화에도 나타납니다. 얼마나 아름다운 나무들이며, 실제로 그 주변에는 얼마나 아름다운 삶이 있어야 합니까!” .

그리고 Andrei Prozorov의 아내 Natasha가 가문비 나무 골목, 단풍 나무를 자르고 모든 곳에 꽃을 심고 싶어하는 것은 우연이 아닙니다. 양육, 교육 수준이 다른 그녀는 자매가 소중히 여기는 것을 이해하지 못합니다. 그녀에게는 과거와 현재가 연결되어 있지 않습니다. MM. Odesskaya는 다음과 같이 말합니다. "The Three Sisters에서는 아직 도끼 소리가 들리지 않지만 죽음의 추위가 실제로 느껴집니다." .

나무는 투젠바흐와 이리나가 살아있는 존재로 인식하는 생명의 상징입니다. 반면에 나타샤는이 골목의 나무들 사이에서 잘라야 할 끔찍하고 추악한 단풍 나무를 봅니다. 따라서 상징적 이미지를 통해 일부 영웅의 내면 세계의 풍부함과 다른 사람들의 냉담함, 아름다움의 눈에 띄지 않음이 독자에게 드러납니다.

여기에서 나무의 이미지는 이미 언급된 의미에 더해 또 하나의 의미론적 음영으로 나타납니다. 나무는 사람에게 자신의 운명을 상기시키고 삶과 그 안에서 자신의 위치에 대해 생각하게 만듭니다.

Chekhov의 다음 연극에서이 이미지는 백과 사전에도 언급 된 전체 체리 과수원으로 확장됩니다.

정원의 상징주의는 연극의 구조와 줄거리를 결정하지만 정원 자체의 상징은 모호하지 않게 해석될 수 없습니다. 작품의 중심 핵심은 체리 과수원입니다. 개화 시점부터 경매로 판매되기까지의 기간입니다. 줄거리를 따라”라고 V.I. Kamyanov. 체리 과수원의 이미지는 포괄적이며 줄거리, 등장 인물 및 관계가 여기에 집중되어 있습니다. 그 역시 작품의 주인공이 된다.

Chekhov의 마지막 연극에서 줄거리의 모든 요소는이 기호에 집중되어 있습니다. 줄거리 ( "... 당신의 체리 과수원은 부채로 팔리고 있으며 경매는 8 월 22 일로 예정되어 있습니다 ..."), 정점 (Lopakhin의 메시지 체리 과수원 판매에 대해) 그리고 마지막으로 비난 (“오, 내 사랑, 내 부드럽고 아름다운 정원! .. 내 인생, 내 젊음, 내 행복, 안녕! ..”).

The Cherry Orchard에서 기호는 지속적으로 의미를 확장하고 있습니다. 이것은 주로 극중 다른 캐릭터의 이미지에 대한 태도 때문입니다. 어느 정도이 상징은 작업의 모든 영웅의 도움으로 드러납니다. 그는 연극의 첫 페이지에 이미 등장했으며 V.A. Koshelev, "이 이미지의 상징적 특징은 처음에는 "세상적인"모습으로 나타납니다." . Ranevskaya와 Gaev에게 정원은 과거입니다.

“Lyubov Andreevna (정원 창밖을 내다 본다). 오, 나의 어린 시절, 나의 순수함이여! 나는이 보육원에서 잤고, 여기에서 정원을 보았고, 행복은 매일 아침 나와 함께 일어 났고, 그대로 였고 아무것도 바뀌지 않았습니다. (기쁨으로 웃는다.) 모두, 모두 흰색! 오 마이 가든! 어둡고 비오는 가을과 추운 겨울이 지나면 다시 젊어지고 행복이 가득하며 하늘의 천사들이 당신을 떠나지 않았습니다 ... ".

Ranevskaya와 그녀의 형제 Gaev를위한 Cherry Orchard는 젊음, 번영 및 이전의 우아한 삶의 상징 인 가족 둥지입니다. 정원 소유자는 그것을 저장하거나 저장하는 방법을 모르지만 그것을 좋아합니다. 그들에게 체리 과수원은 과거의 상징이다.

1 막에서 Gaev가 51 세라고 언급됩니다. 즉, 젊었을 때 정원은 이미 경제적 중요성을 잃었고 Gaev와 Ranevskaya는 무엇보다도 독특한 아름다움으로 정원을 감상하는 데 익숙해졌습니다. 수익성 측면에서 인식 할 수없는이 관대 한 자연의 아름다움의 상징은 주인의 도착을 예상하여 정원에서 집으로 가져온 첫 번째 행동의 꽃다발입니다. I. V. Gracheva는 Chekhov가 자연과의 조화로운 통합을 "인간 행복에 필요한 조건 중 하나"라고 생각했다고 회상합니다.

정원을 바라보는 Ranevskaya는 즐거운 감탄을 합니다. “정말 놀라운 정원이군요! 흰 꽃 덩어리, 푸른 하늘 ... ". 긴 여행에 지친 Anya는 잠자리에 들기 전에 꿈을 꿉니다. "내일 아침에 일어나서 정원으로 달려갑니다 ...". 비즈니스와 같은 Varya조차도 봄의 자연 재생의 매력에 잠시 굴복합니다. “... 정말 멋진 나무입니다! 맙소사, 공기! 찌르레기가 노래한다!” . 자연은 극에서 풍경으로만 등장하는 것이 아니라 사회화된 자연의 상징으로 등장한다.

Lopakhin은 아버지가 할아버지와 아버지 Gaev의 농노였던 정원에 대해 완전히 다른 태도를 가지고 있습니다. 그를위한 정원은 이익의 원천입니다. , 그러면 당신은 연간 수입이 최소 2만 달러가 될 것입니다. 그는 실용적인 관점에서만 이 정원을 평가합니다.

"로파킨. 이 정원의 유일한 놀라운 점은 정원이 매우 크다는 것입니다. 체리는 2년에 한 번씩 태어나는데 둘 곳도 없고 아무도 사지 않는다.

체리 과수원의 시는 Lopakhin에게 흥미롭지 않습니다. V.A. Koshelev는 "그는 수입을 창출하는 양귀비의 "천 에이커"와 같은 새롭고 거대한 것에 매력을 느낍니다.<…>전통적인 "정원"의 개화는 "전통적"이기 때문에 그에게 흥미롭지 않습니다. 삶의 새로운 소유자는 미적 요소를 포함하여 모든 것에서 새로운 우여곡절을 찾는 데 익숙합니다.

연극의 구성에서 정원은 존재의 "시적"시작의 인식 된 표시이므로 전통과 관련된 불가피한 상징이됩니다. 따라서 나머지 연극 내내 나타납니다. 여기에서 Lopakhin은 다시 한 번 부동산 매각을 회상합니다. "여러분, 8 월 22 일에 체리 과수원이 매각 될 것입니다."

그는 최근에 이 정원의 무익함과 파괴의 필요성을 주장했습니다. 정원은 파괴될 운명에 처해 있습니다. 그리고 이런 의미에서 그것은 상징이 되기도 합니다. 왜냐하면 이 파괴의 결과는 후손에게 더 나은 삶을 제공하는 것일 뿐이기 때문입니다. 여기서 새로운 삶을 만나다 ...". 동시에 Lopakhin에게 부동산과 체리 과수원 구입은 그의 성공의 상징이자 수년간의 작업에 대한 보상이됩니다. “체리 과수원은 이제 내 것입니다! 나의! (웃음) 맙소사, 나의 체리 과수원! 이 모든 것이 나에게 보인다고 내가 취했다고 말해줘 ... (발을 구르다.)<…>나는 할아버지와 아버지가 노예였던 부동산을 샀고 그곳에서 그들은 부엌에 들어가는 것조차 허용되지 않았습니다. 나는 자고, 그것은 나에게만 보인다, 그것은 나에게만 보인다 ... ".

정원의 상징적 이미지의 또 다른 의미는 학생 Petya Trofimov의 연극에서 소개됩니다.

"트로피모프. 모든 러시아는 우리의 정원입니다. 지구는 위대하고 아름답습니다. 그 위에 멋진 곳이 많이 있습니다. Anya, 생각해보세요. 당신의 할아버지, 증조부, 당신의 모든 조상은 살아있는 영혼을 소유한 농노였습니다. 정원의 모든 체리, 모든 잎, 모든 줄기에서 인간이 당신을 보지 않을 가능성이 있습니까? , 정말 목소리가 들리지 않습니까 ... 자신의 살아있는 영혼-결국 이것은 이전에 살았고 지금 살고있는 여러분 모두를 다시 태어 났기 때문에 어머니, 당신, 삼촌은 더 이상 당신이 신용으로 살고 있다는 것을 알지 못합니다. 다른 사람의 비용으로, 당신이 정면보다 더 멀리 가지 않는 사람들의 비용으로. ..” .

Z.S. Paperny는 “Ranevskaya가 죽은 어머니를 보는 곳에서 Petya는 고문당하는 농노의 영혼을 보고 듣습니다.<…>그렇다면 왜 그러한 정원, 이 봉건 골짜기, 이 불의의 영역, 다른 이들의 희생으로 누군가의 삶을, 빈곤한 이들을 동정해야 하는가. 이러한 관점에서 러시아 전체의 운명, 미래는 체호프의 체리 과수원의 운명에서 볼 수 있습니다. 농노가 없는 주에는 농노의 전통과 잔재가 있습니다. Petya는 그랬듯이 국가의 과거를 부끄러워하며 미래를 향해 가기 위해 "먼저 우리의 과거를 구속하고 끝내고 고통으로 만 구속 될 수 있습니다"라고 부릅니다. 이런 맥락에서 체리 과수원의 죽음은 러시아의 과거의 죽음이자 미래를 향한 움직임으로 인식될 수 있다.

정원은 캐릭터의 감정을 나타내는 이상적인 자연의 상징입니다. 내부 본질에 해당하는 외부 현실. 꽃이 만발한 벚나무 과수원은 순수하고 더럽혀지지 않은 삶의 상징이며, 과수원의 벌목은 삶의 출발과 끝을 의미합니다. 정원은 다양한 정신창고와 공익이 충돌하는 중심에 서 있다.

정원의 상징성은 유형적 구현에 기인하며, 정원이 잘려나간 후에는 사라진다. 사람들은 정원뿐만 아니라 정원을 통해 과거도 박탈당합니다. 체리 과수원은 죽어 가고 있으며 그 상징성은 죽어 가고 있으며 현실과 영원을 연결합니다. 정원과 그 죽음의 이미지는 상징적으로 모호하며 눈에 보이는 현실로 환원될 수 없지만 여기에는 신비적이거나 비현실적인 내용이 없습니다.

Chekhov에 대한이 이미지의 중요성은 반복 사용으로 강조됩니다. 우리는 드라마에서 상징의 진화를 추적할 수 있다. 정원의 도움으로 초기 연극 "Ivanov"에서 제목 캐릭터의 재산 공간이 표시되면 다음 드라마 ( "Three Sisters", "The Cherry Orchard")에서 과거를 상징합니다.

2.3 체호프의 극작술에 나타난 호수와 강 이미지의 상징성

물의 요소는 체호프의 희곡에서 큰 역할을 한다. 물의 상징주의는 작업마다 그 품질을 발전시키고 변화시킵니다.

이미 초기 연극 "Ivanov"에서 강은 협상의 대상이되어 부동산 관리자 성격의 부정적인 특성을 드러냅니다.

"보킨.<…>두 강둑이 모두 우리 것이라면 우리는 강을 막을 권리가 있습니다. 그렇습니까? 우리는 방앗간을 지을 것이고 댐을 만들고 싶다고 발표하자마자 강 아래에 사는 모든 사람들이 소란을 피울 것입니다. 그리고 우리는 지금입니다 : kommen-ziir-댐이 없기를 원한다면 지불하다. 이해했나요? Zarevskaya 공장은 5 천을, Korolkov는 3 천을, 수도원은 5 천을 줄 것입니다 ... ".

물의 요소는 체호프의 차기작 갈매기에서 완전히 다른 방식으로 등장한다. 이곳의 호수는 풍경이나 풍경의 일부 이상입니다. 그것 없이는 모든 비 유적 상징적 분위기를 느끼기가 어렵습니다. 그의 주변에서 드라마의 액션이 펼쳐진다. 캐릭터는 그것을 훌륭하고 아름답고 마법이라고 부릅니다. 자연은 조화의 거처이며 놀랍도록 접근하기 어려운 조화이며 캐릭터를 매료시킵니다. 그들은 그것을 자신의 삶으로 옮기고 완벽의 시작에서 삶을 재건하는 꿈을 꿉니다.

극중 호수는 이중성을 지닌 자연의 상징으로 작용한다. T.G. Ivleva는 “악순환은 끊임없이 반복되는 사물의 질서, 영원한 삶의 순환의 가장 오래된 구체화입니다. 물의 움직임을 멈췄다 ". 이를 통해 우리는 호수 이미지의 의미론적 영역을 영원한 안식처로 정확히 설명할 수 있습니다.

예를 들어 Arkadina의 회고록에서 "약 10 ~ 15 년 전 여기 호수에서 거의 매일 밤 음악과 노래가 계속 들렸습니다." 호수의 의미는 그 안에서 반짝이는 태양의 이미지로 두 번째 발언에서 보완되고 발전되며, 무엇보다도 영원한 불변성, 세계 질서의 안정성을 구현할 수 있습니다. "오른쪽 깊이에는 넓은 테라스가있는 집이 있고 왼쪽에는 태양이 반사되어 반짝이는 호수가 보입니다."

반면에 호수 자체는 위험할 수 있습니다. 3막에서는 다가오는 밤의 어둠 속에서 악천후 동안 평화와 평온에 적대적인 것처럼 보입니다.

"메드베덴코.<…>(듣기) 정말 끔찍한 날씨! 이것은 두 번째 날입니다.

Masha (램프 점등). 호수에 파도. 거대한!"

호수의 이미지는 극중에서 눈에 보이는 조화감을 자아낸다. 그러나 이 상징의 다양성은 환상적 성격과 불안정성을 보여준다. 바람의 파괴력은 인간에게 적대적인 원리의 발현으로서 인간의 욕망에 대한 독립과 조화의 불복종을 강조한다.

호수의 이미지는 일반적으로 생명의 원천으로 인식되는 물에 대한 신화적인 아이디어와 관련이 있습니다. 백과 사전 "세계 민족의 신화"에 나와 있듯이 물은 우주의 기본 요소 중 하나입니다. 다양한 이교 신앙에서 물은 태초의 혼돈과 동등한 모든 것의 시작이자 초기 상태입니다. 사람을 본래의 순수함으로 되돌리는 씻는 행위에 대한 물의 의미는 제1원리로서의 물의 동기와 관련이 있다. 그리고 의식 재계는 두 번째 출생과 같습니다. 동시에 물의 심연이나 이 심연을 의인화한 괴물은 위험의 의인화이자 죽음의 은유이다. 탄생과 다산의 모티프와 죽음의 모티프에 대한 물 신화의 연결은 많은 민속 플롯에서 발견되는 살아있는 물과 죽은 물의 차이에 반영됩니다.

호수 상징주의의 신화는 I.V. Grachev. 그녀는 늦은 저녁에 영웅들이 호수 근처에서 노래를 듣는다는 사실에 주목하고 Arkadina는 이렇게 회상합니다. “10-15 년 전 여기 호수에서 거의 매일 밤 음악과 노래가 계속 들렸습니다. 해안에는 6개의 토지 소유자 사유지가 있습니다. 웃음, 소음, 총격, 모든 소설, 소설을 기억합니다 ... ". 같은 호수를 배경으로 "세상의 종말"과 악마에 대한 세계 영혼의 승리에 대한 미스터리가 펼쳐집니다. 이것은 I.V를 허용했습니다. Gracheva는 호수의 이미지를 멋진 도시 Kitezh의 신화와 연결합니다. 세상 끝, 즉 불의하고 죄 많은 삶의 끝이 올 때 호수” . 이것은 Chekhov의 영웅의 민속 전설과 철학적 미스터리가 예기치 않게 공감하여 다양한 예술 시스템에서 삶의 완성에 대한 수세기 동안 인간의 열망을 구현하는 방법입니다.

호수는 작품에서 끊임없이 "존재"합니다. 풍경의 형태 또는 등장 인물의 연설입니다. Nina에게 작가로서의 자신에 대해 이야기하는 Trigorin은 "나는이 물, 나무, 하늘을 좋아합니다. "라고 인정합니다. 그러나이 기호의 가장 가까운 연결은 Nina Zarechnaya의 이미지입니다. 처음 등장한 그녀는 Treplev에게 "... 나는 갈매기처럼 여기 호수에 끌립니다 ... 내 마음은 의지로 가득 차 있습니다 ..."라고 말합니다. 본질적으로 Z.S. Paperny, "극의 액션은 갈매기 니나가 호수에 도착한 두 사람 사이에서 펼쳐집니다."

호수 기슭의 연극에서이여 주인공의 첫 등장은 사건의 추가 발전을 크게 미리 결정했습니다. “그녀는 집에서 도망쳐 Trigorin과 어울 렸습니다.<…>. 그녀는 아이를 낳았습니다. 아이가 죽었습니다. Trigorin은 그녀와의 사랑에 빠졌고 이전 애정으로 돌아 왔습니다.<…>그녀의 아버지와 계모는 그녀를 알고 싶어하지 않습니다. 그녀가 부동산에 가까이 가지도 못하도록 경비원이 도처에 배치되었습니다. 그녀가 경험 한 모든 후에 Nina는 물로 씻어 내고 몸뿐만 아니라 영혼의 흙을 정화하고 새로운 힘을주고 영적으로 소생시킬 수있는 물로 돌아갑니다. 그녀는 호수에 이끌려 주인공에게 힘을 줍니다. Nina는 미래에 대한 계획을 세웁니다.

그러나 체호프 호수의 상징주의가 인간의 부활과 관련되어 있다면 강은 죽음과 관련이 있습니다. 처음으로 Vershinin은 연극 "Three Sisters"에서 부정적인 평가로 강에 대해 말했습니다. “길을 따라 우울한 다리가 있고 다리 아래에서 물이 시끄 럽습니다. 외롭다는 마음이 슬퍼집니다. Chekhov가 Prozorovs의 집에서 멀지 않은 강인 우울한 다리로 즉시 강에 반대하는 것은 주목할 만합니다. 멋진 강! . 그러나 연극이 끝나면 이 상상의 아름다움이 폭로됩니다. Tuzenbach는 강둑에서 결투 중에 사망합니다.

다음 극에서는 죽음의 운반자로서의 강의 상징성이 강화된다. Ranevskaya의 7 살 난 아들이 익사 한 체리 과수원을 통해 강이 흐릅니다. ... ". 연극은 강가에있는 체리 과수원의 위치를 ​​반복 강조합니다. “위치가 훌륭하고 강이 깊습니다.”,“강으로 가자. 거기 좋아" . 극 전반에 걸쳐 강가에 있는 정원의 위치를 ​​반복적으로 강조하는 것은 소년의 죽음에 대한 기억과 교차한다. Chekhov는 강이 사람뿐만 아니라 정원에도 죽음을 가져 와서 그의 죽음을 예고한다고 지적합니다.

연극에서 체호프는 강을 죽음의 상징으로 단언한다. 이미지는 개발 중에 표시됩니다. "Ivanov"에서 강은 협상의 대상이되어 죽음을 가져올 수 있으며 "Three Sisters"의 Vershinin은 이미 불길한 강의 아이디어를 표현합니다. 여기서 '세자매'는 물론 다음 드라마 '벚꽃동산'에서도 주인공들이 죽는 곳이 된다. Chekhov의 연극에서 강에 대한 대안은 조화와 아름다움의 거처로서 동시에 오히려 유령 같은 호수입니다.

따라서 자연의 상징은 체호프의 희곡에서 중요한 역할을 한다. 그들은 모든 Chekhov의 연극에 존재하며 작가의 예술적 의도의 철학적 기반을 실현합니다. 자연의 상징은 그 기능이 이질적이고 다양하며, 체호프의 극작술에서 새, 정원, 강, 호수는 삶의 예정을 구현하고 과거, 현재, 미래의 불가분의 관계를 확인합니다.

3. 드라마 속 실제 상징

실제 기호에는 일상적인 세부 사항이 포함되며 반복적으로 반복되어 기호의 특성을 얻습니다.

3.1 집의 이미지와 관련된 상징

O. Podolskaya에 따르면 "Chekhov 작품의 예술적 시스템에서 사모바르는 가정, 질서, 통일의 핵심 이미지 상징입니다." 사모바르의 상징주의의 가장 중요한 측면은 가족 난로, 씨족, 조상과의 연결, 위안 개념의 구체화에 속합니다.

사모바르의 상징은 연극 "바냐 삼촌"에서 매우 중요합니다. 그러나 여기에서 이 상징의 통합 기능은 가족의 단합이 무너지듯이 무너집니다. Chekhov는 이것이 무엇보다도 Serebryakov 부동산에 도착했기 때문이라고 강조합니다.

마리나 (고개를 저으며). 명령! 교수는 12시에 일어나고 사모바르는 아침에 끓고 모든 것이 그를 기다리고 있습니다. 그들 없이는 항상 사람들과 함께 첫 시간에 식사를했지만 일곱 번째 시간에는 그들과 함께했습니다. 밤이 되면 교수님이 읽고 쓰는데 갑자기 2시에 종이 울리는데... 뭐야, 아버지? 차! 그를 위해 사람들을 깨우고 사모바르를 넣으십시오 ... 주문! .

가족은 더 이상 사모바르의 오래된 가부장적 전통에 따라 모이지 않습니다. "사모바르는 두 시간 동안 테이블 위에 있었고 그들은 산책하러 갔다."

동시에 Chekhov는 가족 분리의 주된 이유 인 Serebryakov에 대한 Voinitsky의 실망도 언급합니다.

"보이니츠키. 25년 동안 나는 가장 성실한 점원처럼 이 부동산을 관리하고 일하고 당신에게 돈을 주었지만 당신은 항상 나에게 감사하지 않았습니다.<…>우리에게 당신은 최고 수준의 존재 였고 우리는 당신의 기사를 마음으로 알고있었습니다 ... 하지만 이제 내 눈이 열렸습니다! 나는 모든 것을 본다! 당신은 예술에 대해 글을 쓰지만 예술에 대해 아무것도 이해하지 못합니다! 내가 사랑했던 당신의 모든 작품은 구리 한 푼도 가치가 없습니다! 우리를 속였어!" .

그러나 Serebryakov와 Elena Andreevna가이 상황에 만족하는 것도 Chekhov에게 중요합니다. 다음 대화는 이와 관련하여 상징적입니다.

텔레긴. 사모바르의 온도는 이미 크게 떨어졌습니다.

엘레나 안드레예브나. 아무것도, 이반 이바노비치, 우리는 차가운 음료를 마실 것입니다.

거의 모든 캐릭터가 같은 테이블에 모이는 극중 유일한 공동 티 파티입니다. 그러나 그들은 "사모바르의 온도가 이미 크게 떨어졌기 때문에"차가운 차를 마신다.

Prozorov 자매를 다정하게 언급하는 The Three Sisters의 Chebutykin이 Irina에게 그녀의 생일에 은색 사모바르를 준 것은 우연이 아닙니다.

“내 사랑, 내 좋은 사람들, 당신은 나에게 유일한 사람이고 당신은 나에게 세상에서 가장 소중한 것입니다. 나는 곧 예순이고 노인이고 외롭고 하찮은 노인입니다 ... 당신에 대한이 사랑 외에는 좋은 것이 없으며 당신이 아니었다면 나는 세상에 살지 않았을 것입니다. 오랜만에 ... ".

사모바르는 가정, 행복, 실패한 사랑의 상징입니다. 선물에 대한 자매들의 반응은 흥미 롭습니다.

“올가(손으로 얼굴 가리기). 사모바르! 끔찍하다! (테이블로 홀에 들어갑니다)<…>

마샤. Ivan Romanych, 당신은 부끄럽지 않습니다!” .

자매에게는 선물이 끔찍하고 음란 해 보입니다. 그리고 그들은 높은 비용으로 선물에 대한 반응을 설명하지만 실제로는 그것을 어리 석음으로 인식합니다.

"이리나. 얼마나 불쾌한가!

올가. 예, 끔찍합니다. 그는 항상 어리석은 짓을 한다."

그들에게 그러한 선물은 난로와 관련이 없습니다. 그리고이 에피소드가 연극 초반에 일어난다는 사실에도 불구하고 친척 사이에 영적 소외의 명백한 징후가 아직 없을 때 족벌주의의 기초 상실이 이미 느껴집니다.

또 다른 방식으로 체홉의 연극에서 사람들의 분열을 나타내는 상징은 테이블이다. 이것은 집과 그 공간에 대한 아이디어와 직접적으로 관련된 물질 세계의 현실입니다. E.Ya에서 Sheinina, 우리는 다음과 같은 해석을 만납니다. “테이블은 소위 "문화적 지평"의 상징입니다. 테이블은 집의 왕좌입니다. 손님은 테이블에 앉았습니다.<…>테이블의 공간은 집의 공간과 같은 방식으로 구성되었습니다.

The Seagull의 마지막 두 막에서 이 가정용 가구가 무대 중앙에 있으므로 A.P. 체호프는 의도적으로 그에게 관심을 끌려고 노력하는 것 같습니다. 동시에 이전 작업에서 영웅의 연설과 첫 번째 작업에 대한 발언에서 테이블이 여러 번 언급됩니다.

3 막에 대한 발언은 이렇게 말합니다. “소린의 집 식당.<…>방 중앙에 테이블이 있습니다.<…>Trigorin은 아침을 먹고 Masha는 테이블에 서 있습니다.

"The Seagull"의 테이블 이미지는 주로 Trigorin과 관련이 있습니다. 머리-새로운 음모, 나를 테이블로 끌어 당기고 서둘러 다시 쓰고 써야합니다" . (2막) 독백에서 언급된 Trigorin의 책상 - Trigorin이 아침 식사를 하는 식탁(3막) - 무대 왼쪽 모서리에 있는 Treplev의 책상, 중앙에는 Trigorin이 로또에서 당첨되는 카드 테이블(4막).

그리고 Treplev의 테이블이 왼쪽 모서리에 있으면 카드 테이블이 무대 중앙에 배치되고 그 뒤에서 일어나는 게임과 그 뒤에서 일어나는 대화로 모든 관심이 전환됩니다. Trigorin이 로또에 당첨되었습니다. 이것은이 영웅의 특별한 지위를 강조합니다. 그는 항상 승리합니다 : 게임, 창의성, 사랑.

테이블은 연극 "Vanya 삼촌"에서 반복적으로 언급됩니다 : 식탁, 글쓰기 또는 작업, 카드. 이 홈 인테리어 조각은 고풍스러운 상징성을 유지하고 연극의 주요 갈등의 맥락에 유기적으로 맞습니다. 같은 집에 있는 사람들의 분열을 강조하고 정서적 긴장의 장에 합류하며 마지막 막에서 집의 주민들과 함께 일어난 변화의 표시.

극중 테이블이 등장하는 에피소드에서는 가족의 불화, 집안을 지배하는 감정적 긴장에 대한 생각이 더 선명하게 추적된다. Serebryakov가 부동산에 도착하면서 가족은 같은 테이블에 모이는 것을 중단했으며 일반적인 생활 방식이 중단되었습니다. 연극 초반에 Marina는 Alexander Vladimirovich와 Elena Andreevna가 차를 마실 때까지 2 시간을 기다렸지 만 돌아온 후 교수는 사무실에서 차를 마시기 위해 떠납니다.

Astrov는 집에 자신의 테이블이 있습니다. 의사에게 그는 무엇보다도 조화와 평온함과 관련이 있습니다. “여기 집에는 내 테이블이 있습니다 ... Ivan Petrovich의 방에 있습니다. 완전히 피곤할 때 완전히 마비 될 때까지 모든 것을 버리고 여기로 달려가 여기서 한두 시간 동안이 일을하고 있습니다 ... Ivan Petrovich와 Sofya Alexandrovna는 주판을 클릭하고 앉아 있습니다. 내 테이블에서 그들 옆에 번짐-나는 따뜻하고 차분하며 귀뚜라미가 비명을 지른다. 연극이 끝나면 Astrov의 빈 테이블은 일어난 극적인 변화의 신호가 됩니다.

다음 연극 Three Sisters에서 테이블이 계속해서 언급됩니다. 극중 테이블에는 장례 음식과 관련된 축제 만찬, 테이블에 앉아있는 열세 사람, 수렴하지 않은 솔리테어, 정원의 빈 테이블)이 특징적인 세부 사항을 동반하여 상징적으로 표현됩니다. 한때 지배했던 조화의 파괴. MM. Odessa는 테이블에 13명이 있다는 사실에 주목합니다. 그리고 연구원에 따르면 Chekhov의 캐릭터가이 숫자를 테이블에 연인이 있다는 신호로 해석한다는 사실에도 불구하고 "이것은 조화와 단결, 믿음과 사랑을 위반하는 첫 번째 경보 신호입니다." 두 번째 막에서 Irina는 테이블에서 솔리테어를 연주하고 모스크바로 떠날 계획입니다. 솔리테어가 수렴하지 않고 Irina가 모스크바로 계획된 출발이 이루어지지 않습니다. 모든 캐릭터가 테이블 주위에 모이지만 일반적인 대화는 없습니다. 피날레에서 테이블은 집 밖에있는 테라스에 있고 그 위에 "병과 잔"이 있고 근처에 아무도 없습니다.

The Cherry Orchard에서는 테이블의 주요 상징적 기능인 사람들의 통일이 나타나지 않습니다. 집의 주민들은 테이블 주위에 모이지 않습니다. 또한 위에서 언급했듯이 테이블은 집안의 주요 장소 인 "왕좌"라는 아이디어를 구현합니다. 그리고 3 막에서 체리 과수원을 구입 한 Lopakhin이 실수로 테이블을 우연히 발견하고 거의 넘어 뜨릴 때 (Epikhodov가 1 막에서 의자를 쓰러 뜨리는 것처럼) 이것은이 집이 파괴되었다는 신호가됩니다. 그리고 그 세계.

집의 이미지와 직결되는 또 다른 상징은 열쇠의 상징이다. Chekhov의 극작에서 처음으로 그는 Andrei Prozorov가 열쇠를 잃어 버렸을 때 연극 "Three Sisters"에 출연합니다. 당신은 그런 작은 열쇠를 가지고 있습니다." A.P. Chekhov의 키는 전통적으로 소유자에게 속합니다. 이를 감안할 때 열쇠의 분실은 집에서의 위치 상실로 인식될 수 있습니다. 실제로 연극 과정에서 독자는 나타샤가 집안의 모든 것을 결정한다고 확신하고 Andrei는 아내에게만 동의합니다. 그와 달리 자매들은 집에서 질서를 지키려고 노력하고 있습니다. Olga는 가사에 대해 Natasha와 반복적으로 논쟁을 벌입니다. 분명히 그래서 그녀는 여전히 "이렇게 작은 열쇠"를 가지고 있습니다.

체호프는 다음 연극인 체리 동산에서 키의 상징성을 발전시킵니다.

따라서 극의 시작 부분에서 저자는 Varya의 이미지에서 겉보기에 중요하지 않은 세부 사항을 지적합니다. "Varya가 들어 오면 벨트에 많은 열쇠가 있습니다." 위의 발언에서 Chekhov는 Varya가 선택한 가정부, 가정부, 집 여주인의 역할을 강조합니다. 동시에 Vari와 집 사이의 연결이 전송되는 것은 열쇠의 상징을 통해서입니다. 그녀는 부동산에서 일어나는 모든 일에 대해 책임감을 느끼지만 그녀의 꿈은 체리 과수원과 관련이 없습니다. . 나는 걸었을 것이다. 우아함! .. ".

Anya에게 행동을 촉구하는 Petya Trofimov가 그녀에게 열쇠를 버리라고 말하는 것은 우연이 아닙니다. “집 열쇠가 있으면 우물에 버리고 떠나십시오. 바람처럼 자유로워져라."

Chekhov는 부동산 매각 소식을들은 Varya가 열쇠를 바닥에 던질 때 3 막에서 열쇠의 상징을 능숙하게 사용합니다. Lopakhin은 그녀의 제스처를 다음과 같이 설명합니다. TG에 따르면 부동산을 구입 한 Lopakhin Ivleva는 가정부를 데려갔습니다.

The Cherry Orchard에는 주인의 또 다른 실제 상징이 있습니다. 연극 내내 저자는 예를 들어 "지갑을 들여다 본다"와 같이 Ranevskaya의 지갑을 언급합니다. 남은 돈이 얼마 남지 않은 것을 본 그녀는 실수로 돈을 떨어뜨리고 금을 흩뿌립니다. 마지막 행동에서 Ranevskaya는 작별 인사를하러 온 농민들에게 지갑을 제공합니다.

"게이브. 당신은 그들에게 지갑을 줬어, 루바. 이대로는 안 돼! 이대로는 안 돼!

류보프 안드레예브나. 나는 할 수 없었다! 나는 할 수 없었다!" .

동시에, 독자는 극 초반부터 그가 돈이 필요하지 않다는 것을 알고 있지만, 4막에서만 지갑이 Lopakhin의 손에 나타납니다.

Chekhov의 극작의 예술 세계에서 우리는 사모바르, 테이블, 열쇠와 같은 집, 가족의 개념과 불가분의 관계가 있는 여러 이미지 기호를 구별할 수 있습니다. 그러나 작품의 맥락에서 이 기호들은 통일의 기능이 아닌 분리, 해체의 기능을 수행하기 시작한다. 이러한 이미지는 Chekhov의 드라마에 지속적으로 존재하지만 영웅은 동일한 사모바르에서 동일한 테이블에 모이지 않습니다. 열쇠의 상실("Three Sisters"에서와 같이) 또는 거부("The Cherry Orchard"에서에서와 같이)는 가족, 집과의 단절을 의미합니다.

3.2 집의 이미지와 무관한 기호

Chekhov의 연극에서 중요한 역할은 시간의 이미지와 그와 관련된 변화입니다.

The Seagull에서 시계와 시간은 주로 Treplev와 관련이 있습니다. 연극이 시작될 때 그는 공연이 시작되기를 기다리며 끊임없이 시계를 봅니다. 동시에 Chekhov는 연극 시간에 중점을 둡니다.

"트레플레브. 알겠습니다. 10분 후에 도착하세요. (시계를 본다.) 곧 시작할 거야.

Treplev 자신은 서두르지 않으며 그의 작업이 그를 위해 우선합니다. 그는 자신의 삶에서뿐만 아니라 그녀에게 중요한 역할을 부여합니다. 그는 현대 드라마에서 틈새 시장을 찾고 있습니다.

"트레플레브. 새로운 양식이 필요합니다. 새로운 양식이 필요하며, 양식이 없으면 더 좋은 것이 없습니다. (시계를 본다.)<…>삼촌, 상황보다 더 절박하고 어리석은 일이있을 수 있습니다. 예전에는 모든 유명인, 예술가, 작가가 그녀의 자리에 앉아 있었고 그들 사이에는 단 한 명뿐이었습니다.

연극이 잘못 이해되었습니다. 이것은 Treplev의 시대가 아직 오지 않은 것처럼 새로운 형태의 시대가 아직 오지 않았다는 것을 의미합니다 ( "그것이 없다면 아무것도 필요하지 않은 것이 좋습니다"). 이는 드라마의 비극적 결말을 부분적으로 예고한다.

"Three Sisters"에서 시간의 움직임은 시계로 표시됩니다. 시계의 싸움은 드라마의 행동을 수반하며 Chebutykin은 끊임없이 시간을 확인합니다. 그러나 연극의 시간은 동질적이지 않다. 첫 번째 막에서 Kulygin은 "당신의 시계는 7 분 더 빠릅니다. "라고 자연스럽게 말합니다. 여 주인공은 모스크바를 열망하고 살기 위해 서두르고 시간이 더 빨리갑니다. 네 번째 막에서 Chebutykin은 "첫 번째, 두 번째 및 다섯 번째 배터리가 정확히 1시에 출발합니다 ..."라고 발표합니다. 연극이 끝날 무렵 자매들은 꿈을 실현할 수 없다는 것을 이해하고 모든 것이 평소처럼 진행되기 시작합니다.

또한 시간의 이미지는 매우 구체적인 시계와 관련이 있습니다. 값 비싼 물건, "늦은 어머니"의 시계입니다. 이 가족 가보는 모든 것에 무관심한 Chebutykin에 의해 깨졌습니다. "To smithereens!" . Prozorov 가족의 시간이 만료되었습니다. 자매의 고향은 낯선 사람이 됩니다.

Chekhov의 드라마 The Cherry Orchard에는 시간이 끊임없이 존재합니다. 현재에서 과거로의 관점은 깊이는 다르지만 거의 모든 배우에 의해 열립니다. Firs는 3년 동안 중얼거렸습니다. 6년 전 그녀의 남편은 죽었고 Lyubov Andreevna의 아들은 익사했습니다. 약 450년 전, 그들은 여전히 ​​체리를 처리하는 방법을 기억했습니다. 옷장은 정확히 100년 전에 만들어졌습니다. 그리고 한때 묘비였던 돌은 백발의 고대를 연상시킵니다. 반대로 Petya Trofimov는 미래에 대해 끊임없이 이야기하며 과거는 그에게 거의 관심이 없습니다.

시계는 Lopakhin의 이미지를 특징 짓는 중요한 세부 사항입니다. 그는 분 단위로 시간이 정해진 연극의 유일한 캐릭터입니다. 기본적으로 구체적이고 선형적이며 동시에 연속적입니다. 그의 연설에는 "시계를보고"라는 저자의 발언이 끊임없이 수반됩니다. T.G. Ivleva는“상황 적-심리적-발언의 의미는 캐릭터의 임박한 출발, 기차를 놓치지 않으려는 그의 자연스러운 욕구 때문입니다. 이 의미는 Lopakhin의 발언에 설명되어 있습니다. 발언의 이데올로기적 의미는 인간의 마음에 확립된 우화로서의 시계 이미지 자체의 특성에 의해 크게 미리 결정됩니다. Ranevskaya에게 부동산 매각 날짜 인 8 월 22 일을 알려주는 것은 Lopakhin이라는 점은 주목할 만합니다. 따라서 Lopakhin의 시계는 의상의 디테일이 아니라 시간의 상징이 됩니다.

체호프에게 시계의 상징을 통해 구현되는 시간의 이미지 역시 작품에서 중요하다. 그러나 시간의 흐름 자체는 작가가 보여주기에 그다지 중요하지 않다. 일부 영웅의 시간은 아직 오지 않았고 (Treplev) 다른 영웅은 이미 만료되었으며 (Prozorovs) The Cherry Orchard에서는 새로운 사람들이오고 있으며 경로에있는 모든 것을 파괴하고 있음을 보여줍니다. 그리고 거기에 체호프 희곡의 비극이 있다.

체호프의 드라마투르기에서 또 다른 중요한 이미지 상징은 책이다. 전통적으로 그들은 지혜와 관련이 있으며 상류층에 속하는 것으로 표시되었습니다.

연극 "Ivanov"에서 책은 제목 캐릭터의 이미지에만 연결됩니다. 드라마 내내 체호프는 다른 캐릭터와의 차별성을 강조한다. 책은 그러한 차이점 중 하나입니다. 이미 첫 번째 막에서 우리는 "Ivanov가 테이블에 앉아 책을 읽고 있습니다. "라는 영웅을 읽습니다. 동시에 읽기를 통해 영웅은 외부 세계에서 자신을 닫고 주변에서 일어나는 일에 반응하지 않으려 고합니다.

“보킨(웃음).<…>내 심장이 어떻게 뛰는지 느껴봐...

Ivanov (독서). 좋아, 후에.

보킨. 아니, 지금 느껴봐. (그의 손을 잡고 그녀의 가슴에 얹는다.)<…>

이바노프. 나는 ... 후에 ... "를 읽었습니다.

나중에 저자는 Ivanov의 사무실에있는 책 더미를 강조합니다. “Ivanov의 사무실. 서류, 책, 정부 패키지가 어지럽게 놓여 있는 책상. 연극에서이 사무실은 영웅이 시간을 보내는 가장 좋아하는 장소 중 하나로 표시됩니다. "또는 이전처럼 어둠 속에서 사무실에 앉자." 사실 책은 실생활에서 숨는 수단이 된다.

이 책은 연극 '갈매기'에서도 눈길을 끄는 디테일이 된다. 책을 세계에 대한 지식의 우화로 인식하는 것이 문화적으로 전통적이라는 사실 때문에 Ivleva는 이 세부 사항을 "세계에 대한 설명, 이미지, 본; 다른 사람(작가)이 발명한 법칙을 가진 가상 세계에서 사람(독자)의 존재.

“Konstantin Treplev가 서재로 바꾼 Sorin의 집 거실 중 하나.<…>일반적인 거실 가구 외에도 오른쪽 구석에는 책상, 왼쪽 문 근처에는 터키 식 소파, 책이있는 책장, 창문에 책, 의자가 있습니다.

이 책의 설명에는 두 번 이름이 지정되고 밑줄이 그어진 세부 사항이 있습니다. TG에 따르면 Ivleva, "상당히 짧은 작가의 내러티브에서 동일한 세부 사항이 반복되는 것은 매우 자연스럽고 필연적으로 기호 세부 사항으로 바뀝니다." .

작품 전반에 걸쳐 책과 독서가 언급된다는 점은 주목할 만하다. 코미디 2막을 여는 무대 연출에서 모파상의 책은 돈의 무릎 위에 놓여 있다. 캐릭터가 번갈아 가며 소리내어 읽습니다. 여기에서 책은 통합의 시작 역할을 합니다.

그러나 이것은 눈에 보이는 속성입니다. 유죄 판결의 환상적 성격은 물건이 포장되는 3 막에서 이미 파괴되었습니다. Trigorin은 낚싯대를 놓는 것에 대해 걱정하지만 책의 운명은 그를 전혀 괴롭히지 않습니다. "누군가에게 책을 줘."

책장은 신성한 행동, 창조의 결과인 책을 보관합니다. Trigorin의 책은 코너 캐비닛의 Sorin 사무실에 있습니다. 이 세부 사항은 작가로서 Trigorin이 차지한 위치를 나타내는 것 같습니다. "예, 귀엽고 재능이 있습니다 ... 귀엽지 만 톨스토이와는 거리가 멀습니다." 마지막 막에서 Shamraev는 책장에서 Trigorin을 위해 준비된 박제 갈매기를 꺼냅니다. 우리 의견으로는 Boris Alekseevich의 창의적 열심의 공허함 인 허위의 상징적 표시가됩니다.

체호프의 다음 연극에서 책, 잡지, 팜플렛도 삶과의 분리의 상징이 됩니다. 그러나 여기에서 이미 현재 시제의 이 이미지는 주인공과 관련이 없습니다. "Maria Vasilievna는 브로셔 여백에 무언가를 씁니다." "Maria Vasilievna는 팜플렛 여백에 글을 씁니다." 연극의 첫 번째와 마지막 막에서 무대 방향의 의미론적 반복(여기서는 Sonya의 마지막 독백에 포함됨)은 더 복잡한 개념적 기능을 증언합니다. 삶은 필연적으로 정상으로 돌아갑니다. 인간의 개인적인 의지는 그 진로를 바꿀 수 없습니다.

책의 상징주의는 Voinitsky의 이미지와도 관련이 있지만 과거에는 다음과 같습니다.

"보이니츠키. 그러나 우리는 지금까지 50년 동안 이야기하고 이야기하고 팜플렛을 읽어왔습니다. 끝낼 시간이야";

"보이니츠키. 25년 동안 나는 네 벽 안에 있는 두더지처럼 이 어머니와 함께 앉아 있었습니다...<…>우리는 잡지와 책을 읽으며 밤을 ​​지새웠는데, 지금은 그것을 몹시 경멸합니다! .

그러나 여기서 영웅의 삶에서 우선 순위의 변화가 분명하게 보입니다. Serebryakov의 본질을 이해 한 Vanya 삼촌은 그의 책 읽기를 중단하고 그들의 공허함과 무가치 함을 깨닫습니다. 그는 실생활에 더 많은 관심을 기울이기 시작합니다.

현실 도피의 방식으로서의 책의 상징성은 차기작인 세자매에서도 전개된다. 여기서 책은 Andrey Prozorov의 영구적인 속성이 됩니다. "Andrey(손에 책을 들고 들어갑니다)"; 안드레이<…>책을 읽다" ; Andrei는 책을 들고 조용히 들어가 촛불 옆에 앉습니다. TG에 따르면 여기 책인 Ivleva는 "실제 세계의 대체를 의미합니다." Andrei는 주변에 아무것도 눈치 채지 않으려 고 노력합니다. "도시 전체가 말하고 웃고 있고 혼자만 아무것도 모르고 보지 못합니다 ...". 그녀는 모든 일에서 아내의 편을 들었고 나타샤는 이미 교수가 되고자하는 열망을 잊고 Zemstvo 의회의 자리에 만족하게 만들었습니다.

연극의 영웅은 Ivanov, Maria Vasilievna, Andrey Prozorov와 같은 책을 읽으면서 현실에서 숨습니다. 그러나이 이미지는이 책의 무가치 함을 보여주는 연극 "갈매기"에서 가장 높은 발전에 도달합니다. 결과적으로 영웅들은 공허를 위해 목숨을 바친 것 같습니다.

Chekhov의 작품에서 큰 장소는 촛불과 그와 관련된 불의 상징주의로 재생됩니다. 불의 이미지는 양면성을 가지고 있다. 한편으로 이것은 불의 파괴력이고 다른 한편으로는 난로의 따뜻함입니다.

우주의 죽음으로 이어지는 시작으로서의 불의 신화 적 아이디어는 연극 "The Seagull"에서 World Soul의 독백에서 실현됩니다. "슬픈 원을 완성한 모든 생명이 사라진"후 늪 위를 방황하는 "창백한 빛"만 남아 악마의 "끔찍한 진홍색 눈"인 "두 개의 빨간 점"으로 변했습니다. 그러나이 이미지는 더 이상 개발되지 않습니다.

삶의 의미를 상징하는 불에 대한 또 다른 생각은 아직 끝나지 않았습니다. Astrov는 "Vanya 삼촌"에서 이에 대해 다음과 같이 말합니다. 당신의 얼굴을 때리는 가지 ... 나는 일하고 있습니다<…>이 나라의 누구와도 달리 운명은 끊임없이 나를 이겼다.<…>하지만 나는 불꽃이 없어." 그는 재능있는 의사이고 과학에 종사하고 환자 수술을 수행하며 관심을 위해 카운티의지도를 만들지 만 10 년이 지나면 마을 지루함으로 자라며 경력이나 명예를 위해 노력하지 않습니다. Z.S. Paperny, "빛과의 비교"는 열정, 사랑, 믿음이없는 삶을 말하며 웰빙, 어조, 분위기와 함께 캐릭터의 삶의 일반적인 분위기와 관련이 있습니다.

연극 "Three Sisters"의 중심 위치는 불의 이미지 (3 막 시작)가 차지합니다. 그것은 전체 행동의 배경에서 실행되며 모든 캐릭터의 성격 특성을 드러냅니다. MM. Odesskaya는 연극에서이 강력한 종말론 적 상징이 "혼돈의 정점, 일반적인 혼란, 파멸 된 희망"이된다고 믿습니다. 불은 생명을 위협하는 모든 요소와 마찬가지로 극한의 상황을 만들어 사람의 본질을 드러내게 만든다. 연극의 모든 영웅이 테스트되었습니다. Olga는 옷장에서 화재 피해자에게 드레스를 제공합니다. Vershinin은 화재 진압에 직접 관여합니다. Chebutykin은 취합니다. Prozorovs 집의 본격적인 여주인처럼 느껴지는 나타샤는 Anfisa를 추방하려고합니다. Andrei는 “아무런 관심도 없이 방에 앉아 있습니다. 그는 바이올린만 연주한다."

나타샤는 항상 양초를 손에 들고 있는 것이 특징입니다. 그러나 Masha의 발언 ( "그녀는 불을 붙인 것처럼 걷는다")은 의미의 반대를 악화시키고 긴장을 강화합니다.

그러나 신화적 의식에서 불의 상징은 이중적 성격을 가지고 있다. 한편으로는 파괴적인 요소이고 다른 한편으로는 정화하는 것이다. 두 표현 모두 연극에서 실현됩니다.

Masha는 Vershinin에 대한 그녀의 사랑을 회개하면서 동시에 그녀의 죄의 용서를 바라면서 자매들에게 자신에 대한 비밀을 밝힙니다. “사랑하는 자매 여러분, 회개하고 싶습니다. 내 영혼이 약해집니다. 나는 당신과 다른 누구에게도 회개하지 않을 것입니다. 결코 ... ".

불이 파괴적인 힘이라는 생각이 실현됩니다. 과거와 미래가 파괴되고 기억이 지워지고 환상이 파괴됩니다. 그래서 화재 동안 영웅들은 그들이 많이 잊었다는 것을 깨닫습니다. Chebutykin은“그들은 내가 의사라고 생각합니다. 저는 모든 종류의 질병을 치료하는 방법을 알고 있지만 전혀 알지 못합니다.<…>나는 25년 전에 무언가를 알고 있었지만 지금은 아무 것도 기억하지 못한다. 아무것도 ... 내 머리는 비어 있고 내 영혼은 차갑습니다.

"투젠바흐. 원하시면 편곡 가능합니다. 예를 들어 Marya Sergeevna는 피아노를 훌륭하게 연주합니다.

쿨리긴. 잘한다!

이리나. 그녀는 이미 잊었다. 나는 3년이나 4년 동안 뛰지 않았다.

Irina는 또한 그녀가 더 이상 많은 것을 기억하지 못한다는 것을 깨닫습니다. “모든 것이 어디로 갔습니까? 어디야?<…>나는 모든 것을 잊었다, 나는 잊었다 ... 나는 내 머리가 혼란 스러웠다 ... 나는 그것이 어떻게 이탈리아어로 창문인지 천장인지 기억이 나지 않는다 ... 나는 모든 것을 잊었지만 삶은 사라지고 결코 돌아 오지 않을 것이다. Tuzenbach는 자신의 욕망이 충족되지 않은 것을 이해합니다.<…>행복한 삶! 그녀는 어디 있습니까?" . 자매들은 또한 이것을 이해합니다. "우리는 결코 모스크바로 떠나지 않을 것입니다 ...".

체호프의 드라마투르기에서는 불 상징의 다양한 기능이 구현된다. 그러나 그들은 모두 연극 "세 자매"의 화재 현장에 모여 캐릭터의 인간적 특성을 최고와 최악으로 드러냅니다.

같은 이름의 연극에서 Vanya 삼촌의 외모에 대한 특징적인 세부 사항은 그의 넥타이입니다.

"Voynitsky (집을 떠납니다. 그는 아침 식사 후 잠을 잤고 주름진 외모를 가지고 있습니다. 벤치에 앉아 스마트 넥타이를 곧게 펴고 있습니다)".

체호프에게 이러한 상황, 마을 생활의 맥락, 인물의 외형 사이의 부조화는 영웅의 이미지를 구축하는 데 중요합니다. 넥타이는 캐릭터의 열망과 그가 존재하도록 강요받는 현실 사이의 불일치를 강조해야 합니다. Voinitsky의 미묘하고 우아한 영혼과 일상의 현실. 따라서 이 극에서 동점은 실현되지 않은 기회의 상징이 된다.

The Three Sisters의 Andrei Prozorov 캐릭터를 드러내는 데 큰 역할을 한 것은 veche bell의 이미지 상징입니다. 일상적인 세부 사항은 그가 영성 부족의 심연에 빠진 정도를 가장 명확하게 특징 짓습니다. 동시에 종 모양조차도 통통한 안드레이의 모습을 의인화합니다. Chekhov는 그의 캐릭터의 나이를 나타내지 않았지만 이것이 장군 가족의 첫 번째 자녀라고 가정 할 수 있습니다. 그의 아버지는 그를 Andrei라고 명명했습니다. 아들, 그에게 대학 교육을 제공하고 높은 직업에 대한 영감을 얻었습니다. 그러나 A.G. Shalyugin은 Chekhov가 반복해서 강조하는이 영웅의 이미지에서 유아주의를 지적합니다. 그는 직소로 틀을 자르고 불이 났을 때 바이올린을 연주하기도 합니다. 그의 무가치함에 대한 생생한 상징은 부러진 종으로 Masha는 다음과 같이 말합니다. “여기 우리 Andrey, 형제가 있습니다. 수천 명의 사람들이 종을 올렸고 많은 노동력과 돈을 썼고 갑자기 넘어져 부서졌습니다. 갑자기 갑자기. Andrey도 마찬가지입니다 ... ".

따라서 실제 기호는 A.P.의 모든 연극에서 발견됩니다. Chekhov는 캐릭터의 스토리 라인, 관계 및 캐릭터 형성의 핵심 역할을합니다. 작가 작품의 예술적 체계에서 큰 자리는 가족의 이미지가 차지한다. 동시에 모든 기호 (사모바르, 테이블, 키)는 가족 단합의 상실, 사람들의 분리를 강조합니다. 또 다른 상징인 시계는 모든 연극에서 같은 방식으로 구현되지만 기능은 다소 다릅니다. 초기 연극("갈매기")에서 영웅의 열망이 시기상조인 것으로 나타나면 후기 연극(" Three Sisters”, “The Cherry Orchard”) 오래된 기초가 시들고 새로운 소유자를 대체하기 위해 찾아옵니다. 동시에 Chekhov는 책의 상징주의를 사용하여 현실에서 자신을 보호하려는 영웅의 열망을 보여줍니다. 불은 드라마에서 각기 다른 역할을 하지만 드라마 '세자매'에서는 불이 붙으면서 모든 주인공의 캐릭터가 한꺼번에 드러난다. 외부 상징적 세부 사항을 통해 Chekhov는 Voinitsky (실현되지 않은 기회의 상징으로서의 넥타이) 및 Andrei Prozorov (타락한 veche 종과 같은 쓸모없는 사람)와 같은 영웅 이미지의 특징을 강조합니다.

4. 체호프 희곡의 지리적 상징

작품의 상징주의는 자연이나 디테일의 이미지와만 연관될 수 있는 것이 아닙니다. 도시나 지역의 이름은 상징이 될 수 있습니다. 이러한 이미지는 지리적 기호입니다.

4.1 연극 "세 자매"의 중심 이미지로 모스크바의 상징

A.P. 의 연극에서 모스크바의 상징. Chekhov의 "Three Sisters"는 가장 어려운 것 중 하나입니다. 그는 작품의 주인공 인 Prozorov 자매 Vershinin을 그 주위에 통합합니다. 우리는 연극의 맨 처음에 이 기호를 만납니다.

"올가. 오히려 모스크바로.

연극 내내 "To Moscow"라는 문구가 들립니다. 모스크바 예술 극장 무대에서 첫 공연 직후 연극을 둘러싼 논란이 연결되는 것은 바로이 동기에 대한 동기 부족 때문이다.

헝가리 체코학자 Zoltan Haynadi는 모스크바를 "잃어버린 낙원의 기억의 장소"라고 합니다. 가장 밝은 추억은 자매를이 도시와 연결합니다. 지방으로 출발하는 날도 맑습니다.

"올가. 아버지는 여단을 구하고 11 년 전에 우리와 함께 모스크바를 떠났고, 그 당시 5 월 초 모스크바에서는 모든 것이 이미 꽃이 피고 따뜻했으며 모든 것이 태양으로 넘쳐났습니다.

또한 Prozorov 자매의 경우 모스크바는 특정 장소(Staraya Basmannaya Street, Novodevichy Cemetery)와 연결되어 있습니다.

"이리나. 우리는 가을까지 거기에 있을 것이라고 생각합니다. 우리 고향, 그곳에서 태어났습니다 ... Staraya Basmannaya Street에서 ... ";

"이리나. 엄마는 모스크바에 묻혔습니다.

올가. Novo-Devichy에서 ... ".

Chekhov가 연극 초반에 모스크바가 자체 거리와 묘지가있는 실제 도시임을 보여주는 것이 중요합니다. 도시의 현실은 Vershinin의 German Street와 Red Barracks에 대한 언급으로도 강조됩니다. 이 모스크바는 자매들에게 기쁨으로 기억됩니다.

Prozorovs가 미래에 대한 희망을 연결하는 것은 모스크바와 함께합니다. 자매들은 끊임없이 그것에 대해 이야기하고 열정적으로 모스크바로 노력하지만 그들과 같은 것은 그들을 막지 못하지만 거기에 가지 않습니다. 저자는 아무런 설명을 제공하지 않습니다. 지방의 자매들을 막는 이유는 알려지지 않았으며 저자는 그것을 확립하려고 시도하지 않습니다. L. V. Vygotsky는 그의 저서 The Psychology of Art에서 연극 Three Sisters를 "철도 티켓 드라마"로 간주합니다.

Chekhov의 현대 비평가 중 한 명은 자매가 모스크바로 떠나지 않는다는 설명을 다음과 같이 봅니다. “결국 이것은 모스크바 여객 역이나 모스크바 상품 역이 아닙니다. 이것은 모스크바 상징입니다... 그러한 역의 티켓은 아직 판매되지 않았습니다 ... ". Zoltan Haynadi는 다음과 같은 아이디어를 발전시킵니다. “모스크바는 자매들이 열망하는 경험적 우주의 중심이 아니라 그들이 꿈꾸는 미적 우주입니다. 영웅들의 마음 속에 있는 모스크바는 실용적인 가치(Wert)가 아니라 원하는 가치(Wunchenwert)로 떠오른다.

연극 내내 행복의 상징으로서 모스크바에 대한 자매들의 태도가 바뀝니다. 처음에는 자매들을 위해 모스크바로 이사하는 것이 결정적인 문제였습니다 ( "우리는 이미 가을까지 거기에있을 것이라고 생각합니다"). 그러나 연극이 진행되는 동안 편안함의 분위기는 불안감과 지루함으로 바뀌기 시작합니다. 자본은 이제 그들을 위한 구출입니다 - 갈망으로부터:

“이리나 (홀로 남겨져 갈망). 모스크바로! 모스크바로! 모스크바로!" .

세 번째 막에서는 절망감이 심해집니다. Irina는 그들이 모스크바로 절대 이사하지 않을 것이라고 제안합니다. "우리가 떠나지 않을 것입니다." 동시에 수도에서 살기 위해 떠나고 싶은 욕구가 강해지고 있습니다.

네 번째 막에서 Olga는 체육관의 책임자가됩니다. “모든 것이 우리 방식대로 이루어지지 않습니다. 나는 사장이 되고 싶지 않았지만 사장이 되었다. 모스크바에서는 그렇지 않다는 것을 의미합니다 ... ". Irina는 "내가 모스크바에있을 운명이 아니라면 그렇게 될 것입니다"-Tuzenbach의 제안을 수락하고 떠나기로 결정했지만 남작은 결투에서 죽고 Irina는 남아 있습니다. 자매의 계획은 산산조각이 났습니다. 그러나 자매들에게 모스크바는 일상 생활에서 밝고 즐거운 모든 것의 상징으로 남아 있습니다.

중령, 포대 사령관 Alexander Ignatievich Vershinin은 모스크바를 완전히 다른 방식으로 인식합니다. 그에게 모스크바는 특별한 것이 아니며 다른 도시를 대하는 것과 같은 방식으로 대합니다.

그는 Prozorovs에서 멀지 않은 Staraya Basmannaya에 살았고 Nemetskaya Street로 이사했고 Nemetskaya Street에서 Red Barracks로갔습니다. Vershinin에게 모스크바는 특별한 것이 아닙니다. "당신도 모스크바에 살 때 모스크바를 눈치 채지 못할 것입니다."

반대로 모스크바에 대한 그의 태도를 표현한 Vershinin은 자매들과 달리 작은 마을의 평화와 수도의 번잡함을 대조합니다. “길을 따라 우울한 다리가 있고 다리 아래에서 물이 시끄 럽습니다. 외롭다는 마음이 슬퍼집니다. (사이.) 그리고 여기, 얼마나 넓고, 얼마나 풍요로운 강인가! 멋진 강! .

따라서 O. Podolskaya에 따르면 "이 문제에 대한 작가 자신의 견해를 추적 할 수있는 중앙과 지방에 대한 캐릭터의 모순적인 태도가 있습니다." . 중심, 수도는 영적, 문화적 중심지입니다. 이것은 자신의 창의적 잠재력을 실현하는 활동의 기회입니다. 그리고 중심에 대한 이러한 이해는 지루함, 일상, 지방 생활의 지루함과 반대됩니다. 자매들에게 모스크바는 분명히 그러한 반대의 관점에서 정확하게 보입니다.

4.2 연극 "바냐 삼촌"에서 아프리카의 상징주의

Ivan Petrovich Voinitsky의 방 벽에는 아프리카 지도가 걸려 있습니다. 동시에 저자는 영웅 자신을위한 방의 중요성과 벽에있는지도의 눈에 띄지 않는 점에 주목합니다. “Ivan Petrovich의 방이 여기 있고 그의 침실이 바로 거기에 있고 부동산 사무실이 있습니다.<…>벽에 아프리카 지도가 있는데 여기에서는 아무도 필요하지 않은 것 같습니다.

다음에 체호프가 이 이미지로 돌아올 때는 작업의 맨 마지막 페이지에 있습니다.

"아스트로프.<…>. (아프리카 지도로 가서 그것을 봅니다.) 그리고 틀림없이 바로 이 아프리카에서 지금은 더워요 – 끔찍한 일입니다!

Voinitsky. 네 아마도."

Chekhov에게는 연극의 마지막 행동이 실제로 소유자의 삶을 반영하는 Voinitsky의 방에서 일어나는 것이 중요합니다.

Vanya 삼촌은 Serebryakov에 대한 사심없는 봉사에 평생을 바쳤습니다. “나는 그를 위해 황소처럼 일했습니다! 소냐와 나는 이 영지에서 마지막 주스를 짜냈다. 우리는 쿨락처럼 식물성 기름, 완두콩, 코티지 치즈를 거래했습니다. 우리는 페니와 코펙에서 수천 달러를 모아 그에게 보내기 위해 한 조각도 먹지 않았습니다.

작년에 그의 세계관에 급격한 변화가 일어나고 Serebryakov의 우상에 대한 실망은 돌이킬 수없는 청년에 대한 둔한 갈망과 괴로움을 불러 일으 킵니다. 실생활을 보지 않기 위해 당신의 스콜라주의, 그리고 나는 내가 잘하고 있다고 생각했습니다. 그리고 이제 알았다면! 나는 노년이 거부하는 모든 것을 가질 수 있었던 시간을 너무 어리석게 놓친 것에 대한 짜증과 분노 때문에 밤에 잠을 자지 않습니다! . 이제 그는 Serebryakov 천재의 환상적 특성을 이해하기 시작했습니다.<…>그는 은퇴했고 단 한 명의 살아있는 영혼도 그를 알지 못합니다. 그는 완전히 알려지지 않았습니다. 그것은 그가 25년 동안 다른 사람의 자리를 차지했다는 것을 의미합니다.

Voinitsky는 그의 작업과 열망의 무의미 함을 깨닫기 시작합니다. 그는 아무도 그것들이 필요하지 않다는 것을 이해합니다. 영웅이 빠지는 환상은 그에게 보편적이고 삶을 구축하는 의미가 있습니다. Vanya 삼촌은 이에 대해 잘 말합니다. "실제 삶이 없으면 신기루 속에서 살아야합니다."

보이니츠키의 방에서 벌어지는 드라마의 마지막 액션이라는 점과 등장인물들이 작품의 마지막 페이지에서만 아프리카 지도에 주목한다는 점에서 주목된다. 연극 내내 체호프는 "분명히 아무도 그것을 필요로하지 않는다"는 아프리카지도의 이미지 상징의 마지막 막에서 그것을 구현하기 위해 Vanya 삼촌의 삶의 유령과 공허함을 구축했습니다. 동시에 Chekhov는 자신의 존재가 잘못되었음을 깨달은 후에도 Voinitsky의 삶에서 아무것도 변하지 않을 것임을 분명히합니다.

Voinitsky (쓰기). "2 월 2 일에 20 파운드의 마른 기름 ... 2 월 16 일에 다시 마른 버터, 20 파운드 ... 메밀 ...".

따라서 체호프의 희곡에 등장하는 지리적 상징은 등장인물의 실제 거주지와 관련이 없다. "Three Sisters"의 모스크바와 "Vanya 삼촌"의 아프리카는 다른 삶에 대한 꿈의 상징이됩니다. 실제로 영웅에게는 아무 일도 일어나지 않습니다.

5. A.P. 체호프

A.P. 체호프의 상징적 배음은 주변 세계의 사물, 사물, 현상뿐만 아니라 청각적, 시각적 범위에 의해서도 획득된다. 우선 무대에서 극작물을 상연하기 위한 것으로 연극의 무대화에서 중요한 역할을 한다. 그러나 동시에 소리와 색상 기호로 인해 Chekhov는 독자가 자신의 작품을 가장 완벽하게 이해합니다.

5.1 체호프 드라마의 소리 기호

드라마는 소리로 채워져 있고, 각각의 소리는 고유한 의미론적 내용을 가지고 있습니다. Yu.Khalfin은 이러한 소리에 반응하는 캐릭터의 복제품이 "작가의 것과 유사하지만 감독만을 위한 것이며 강당의 분위기를 형성한다"고 썼습니다. E.A. 반면에 폴로츠카야는 체호프의 드라마투르기에서 소리가 "한 번 이상 실현된 시적 이미지의 연속"이라고 지적합니다.

연극 "Ivanov"에서 Anna Petrovna는 올빼미의 외침에 끊임없이 방해를받습니다. 다른 영웅이 그에게 관심을 기울이지 않고 듣지 않는다는 점은 주목할 만합니다.

Anna Petrovna (침착하게). 또 소리쳐...

Shabelsky. 누가 비명을 지르고 있습니까?

안나 페트로브나. 올빼미. 밤마다 비명을 지른다."

다른 캐릭터는 이 소리에서 오는 불안감을 느끼지 않습니다.

"샤벨스키. 비명을 지르게하십시오. 현재보다 더 나쁠 수는 없습니다."

그럼에도 불구하고 Chekhov에게 올빼미의 외침에 대한 민속 인식은 진정한 위협이됩니다. 이것은 연극 The Cherry Orchard에서 늙은 하인 Firs의 말로 설명할 수 있습니다.

"전나무. 불행이 있기 전에는 올빼미가 비명을 지르고 사모바르가 끝없이 흥얼 거 렸습니다.

"The Seagull"에서는 개의 울부짖음과 파이프 속의 바람의 울부짖음이 비슷한 기능을 수행합니다.

첫 번째 막에서 Pyotr Nikolaevich Sorin은 "자매가 다시 밤새도록 잠을 자지 않았기"때문에 울부 짖는 개에 대해 이야기합니다. 대화에서 이 사소한 언급은 연극의 줄거리에서 더 이상 역할을 하지 않지만 긴장과 서스펜스를 만듭니다.

침묵으로 이어지는 행동에서 위험의 느낌이 증폭됩니다. Treplev 연극의 초연에는 어떤 소리도 수반되지 않습니다. 또한 여 주인공의 연설 자체는 이러한 침묵의 효과를 반복적으로 강화합니다. 춥다, 춥다, 춥다. 비어, 비어, 비어 있습니다. 무섭다, 무섭다, 무섭다.<…>난 혼자야. 100년에 한 번 나는 입을 열어 말하는데, 이 공허한 곳에서 내 목소리는 둔하게 들리고 아무도 듣지 못한다... 그리고 너, 창백한 빛, 내 말을 듣지마... 그러나 이 행위에서 소리의 상징주의는 그 발전을 받아들이지 않는다.

체호프는 4막에서 다음 모티프로 돌아갑니다.

"저녁. 캡 아래의 램프 하나가 켜집니다. 어스름. 나무가 바스락거리는 소리와 바람이 파이프에서 울부짖는 소리를 들을 수 있습니다. 파수꾼이 노크한다."

여기서 체호프는 다시 한 번 1막에서 언급한 울부짖음으로 돌아가지만, 개가 울부짖는 것이 아니라 파이프에서 바람이 울부짖는 소리로 돌아갑니다. 그리고 작가의 발언으로 더 이상 언급에 그치지 않고 행동 내내 불안한 분위기를 조성한다. 그러나 행동의 장소인 무대와의 강한 연결은 상징적인 의미를 부여합니다.

상징적 의미를 획득하는 또 다른 소리는 총소리이다. Ivanov에서는 샷 소리가 들리지 않습니다.

"이바노프. 날 떠나! (옆으로 달려가 자신을 쏜다) ".

이 장면으로 체호프는 상징적 실현 가능성을 부여하지 않고 작업을 종료합니다.

드라마 "갈매기"에서 Treplev가 촬영합니다. 그러나 여기에서 샷 소리의 상징주의는 이미지의 의미의 다양성을 배반합니다.

“장면 뒤 오른쪽에는 샷이 있습니다. 모두가 떨립니다.

Arkadina (두려워). 무슨 일이야?

곡괭이. 아무것도 아님. 다가오는 약국에서 뭔가 터졌나 봅니다. 걱정 하지마. (오른쪽 문으로 나가서 30분 후에 돌아옵니다.) 그렇습니다. 에테르가 있는 플라스크가 터졌습니다.

이 두 소리의 이퀄라이제이션도 상징적입니다. 이러한 비교는 평범함의 총격과 자살의 층위를 번역한다. 죽기 전에 Treplev는 특히 예리하게 외로움을 느낍니다. 그리고 벽 뒤에서 그들은 사소한 일에 대해 이야기하고 그의 자살조차도 에테르 병이 터지는 소리보다 더 큰 공명을 일으킬 수없는 것 같습니다.

Voinitsky는 Vanya 삼촌에서도 촬영합니다. 그러나 이러한 샷은 위에서 설명한 것과 크게 다릅니다. Vanya 삼촌은 Serebryakov를 최악의 적이라고 부르고 그를 죽이려고합니다. 그러나 화를 내며 촬영하는 Voinitsky는 그리워합니다. 보복의 기능(즉, 그가 자신의 행동을 설명하는 방식)은 실현되지 않는 것으로 드러났다.

Chekhov의 드라마 투르기의 큰 부분은 음악 소리로 가득 차 있습니다. 작가는 플루트, 하모니카, 바이올린, 기타, 피아노 등 그의 연극 예술 세계에 많은 악기를 포함합니다.

예를 들어, 연극 The Cherry Orchard의 첫 번째 막이 끝나는 소리는 다음과 같습니다.

“정원 저편에서 양치기가 피리를 불고 있습니다. Trofimov는 무대를 가로 질러 걸어가 Varya와 Anya를보고 멈 춥니 다.<…>

Trofimov (감정에서). 나의 태양! 봄은 내꺼야! .

플루트의 높고 맑고 부드러운 소리는 우선 캐릭터가 경험하는 부드러운 감정의 배경 디자인입니다.

반대로 Ivanov의 하모니카 소리는여 주인공의 외로움을 상징합니다.

"정지시키다; 먼 하모니카 소리가 들립니다.

안나 페트로브나. 지루해! .. 스스로에게 공을 묻는 마부와 요리사가 있고 나는 ... 나는 버려진 사람 같다 ... ".

Andrey Prozorov가 연주하는 바이올린의 상징도 흥미 롭습니다. 한편으로 그의 노는 능력은 교육의 표시입니다. 연극이 시작될 때 자매들은 그를 자랑스럽게 생각합니다.

“바이올린 연주 비하인드씬.

마샤. 이것은 우리 형제 인 Andrey입니다.

이리나. 그는 우리 과학자입니다. 교수여야 합니다. 아빠는 군인이었고 그의 아들은 학업을 선택했습니다.”;

"올가. 그는 우리와 함께 과학자이며 바이올린을 연주하고 다양한 것을 잘라냅니다. 한마디로 모든 거래의 잭입니다.

반면 안드레이 자신에게 바이올린은 주변 현실과 문제에서 벗어나는 방법입니다. 시작된 불도 그를 건드리지 못한다.

"이리나.<…>그래서 모두가 난롯가로 달려갔고, 그는 자기 방에 앉아 있었고 아무 관심도 없었습니다. 그는 바이올린만 연주한다."

그리고 그의 아내조차도 남편의 직업을 폄하하기 시작합니다.

“나타샤(메이드).<…>나는 Andrey에게 바이올린을 가지고 당신의 방으로 옮기라고 명령할 것입니다. .

작품이 끝날 무렵 바이올린 소리가 점점 더 자주 들리기 시작합니다. Andrey는 자신의 세계에서 점점 더 고립되어 악기 연주에 더 많은 시간을 할애합니다.

Chekhov의 드라마에서 사운드 시스템의 특별한 위치는 피아노 포르테의 사운드로 가득 차 있습니다. 그 상징적 의미는 드라마 "갈매기"의 4 막에서 실현됩니다. "두 개의 방을 통해 우울한 왈츠가 연주됩니다"; "우울한 왈츠가 무대 밖에서 연주된다". 언뜻보기에 Konstantin Treplev의 게임에 대한 발언의 구체적인 언급은 Polina Andreevna의 발언으로 표시됩니다. “Kostya가 플레이하고 있습니다. 그래서 슬프다." 또한 소리의 의미론적 필드를 설명합니다. 그러나 드러난 의미론적 평면만이 가능한 것은 아니다. 이 상황에서 T.G. Ivleva는 우선 다음과 같은 발언의 일반화된 개인 구문 구성을 지적합니다. 이 구조가 인간의 경험을 요약하는 잠언에서 사용되는 것은 우연이 아닙니다.

우울한 왈츠는 Treplev뿐만 아니라 Polina Andreevna 자신과 Masha의 내면 상태를 설명합니다. 게임 중에 Masha가 "조용히 2 ~ 3 라운드의 왈츠를한다"는 것은 우연이 아닙니다. 슬픈 음악 소리에 맞춰 춤을 춘다는 소심한 암시는 이 경우 실생활에서 실현될 희망이 없는 은밀한 사랑의 표현이 된다. 결국 미장센의 모든 캐릭터를 하나로 묶어 우울한 왈츠는 이루지 못한 희망, 이루고 싶었던 사람의 이루지 못한 삶의 상징으로 변한다.

연극 "Three Sisters"에서 중앙 장소는 화재 중 톡신 소리로 가득 차 있습니다. 위에서 말했듯이 불은 캐릭터의 숨겨진 다양한 성격을 드러냈다. 그들의 모든 회개와 회개에는 경보가 수반된다는 것이 궁금합니다. 화재의 소리 표식으로서 경보는 불안한 분위기를 조성하여 집 밖에서 격노하는 요소를 상기시켜 순간이 아니라 영원에 대해 생각하도록 사람을 밀어 붙입니다. 외부 세계는 집의 연약한 공간이 파괴될 위험이 있는 불안한 것으로 인식되기 시작합니다. 톡신의 소리는 불의 상징이며, 더 넓게는 외계에서 찾아와 인간이 창조한 세계를 갑자기 파괴하는 재앙을 의미한다.

T.G. Ivleva는 "체호프의 마지막 코미디에서 소리 발언의 의미 론적 중요성이 아마도 최고가 될 것"이라고 말합니다. 드라마 A.P. Chekhov는 소리로 가득 차 있습니다. 플루트, 기타, 유태인 오케스트라, 도끼 소리, 부러진 줄 소리-음향 효과는 거의 모든 중요한 사건이나 캐릭터 이미지에 수반되어 독자의 기억 속에 상징적 인 메아리가됩니다.

배우들의 불안은 "하늘에서 내려온 줄 끊어지는 소리"라는 예상치 못한 소리에 기인한다. 각 캐릭터는 자신의 방식으로 소스를 결정하려고 시도합니다. 어떤 일에 정신이 팔려 있는 로파킨은 멀리 떨어진 광산에서 욕조가 부서졌다고 생각합니다. Gaev는 이것이 올빼미 인 왜가리 Trofimov의 외침이라고 생각합니다. 저자의 계산은 분명합니다. 어떤 종류의 소리인지는 중요하지 않으며 Ranevskaya가 불쾌 해졌고 올빼미도 비명을 지르고 사모바르가 끝없이 비명을 지르는 "불행"이전의 시간을 Firs에게 상기시키는 것이 중요합니다. The Cherry Orchard의 액션이 일어나는 지역의 남부 러시아 풍미의 경우 찢어진 양동이가있는 에피소드가 상당히 적합합니다. 그리고 Chekhov는 그것을 소개했지만 일상적인 확실성을 박탈했습니다.

그리고 소리의 슬픈 특성과 그 기원의 불확실성-이 모든 것이 주변에 일종의 미스터리를 만들어 특정 현상을 상징적 이미지의 순위로 변환합니다.

그런데 그 이상한 소리가 극중에서 한 번 이상 등장한다. 두 번째로 "줄 끊어지는 소리"는 연극의 마지막 발언에서 언급됩니다. 이 이미지에 할당된 두 가지 강력한 위치인 중앙과 최종은 작업을 이해하는 데 있어 특별한 의미를 나타냅니다. 또한, 이미지의 반복은 그것을 leitmotif로 바꾼다 - 용어의 의미에 따라: leitmotif("작가의 의도를 드러내는 열쇠 역할을 하는 반복된 이미지").

같은 표현으로 곡의 끝에서 반복되는 사운드는 상정된 일상적 해석에서도 해방된다. 이 발언은 처음으로 문자의 버전을 수정하지만 지금까지는 그 자체가 버전으로만 나타납니다. 두 번째로 피날레의 "먼 소리"에 대한 발언에서 지상의 모든 동기가 제거됩니다. 타락한 "욕조"나 새의 외침에 대한 가정조차 할 수 없습니다. "이 경우 저자의 목소리는 지정하지 않지만 자신의 최종 위치를 제외한 다른 모든 위치를 취소합니다. 소리는 비현실적인 영역에서 나오는 것 같고 거기에도 적용됩니다." .

끊어진 끈은 연극에서 모호한 의미를 획득하는데, 이는 추상적인 개념의 명확성으로 축소되거나 정확하게 정의된 하나의 단어로 고정될 수 없습니다. 나쁜 징조는 배우들이 의도와는 달리 막을 수 없는 슬픈 결말을 예고합니다. Chekhov는 외부 결정력이 너무 압도적이어서 내부 충동을 거의 고려할 수 없을 때 역사적 상황에서 사람에게 행동 할 기회가 얼마나 적은지 보여줍니다.

The Cherry Orchard에서 끊어진 줄 소리의 변화하는 의미, 일상적인 동기 없이 할 수 있는 능력은 체호프가 들을 수 있는 실제 소리와 구분됩니다. 의미의 다양성은 극중의 소리를 하나의 상징으로 바꾼다.

연극이 끝날 무렵 부러진 줄 소리가 도끼 소리를 가리고 고귀한 영지의 죽음, 옛 러시아의 죽음을 상징합니다. 구 러시아는 활동적이고 역동적인 러시아로 대체되었습니다.

벚나무에 대한 실제 도끼 타격 옆에 "하늘에서 온 것처럼 끊어진 줄 소리, 희미 해지고 슬픈"상징적 소리가 부동산에서의 삶의 끝과 러시아 생활의 전체 스트립의 끝을 장식합니다. . 문제의 선구자와 역사적 순간에 대한 평가가 The Cherry Orchard에서 하나로 합쳐졌습니다. 먼 곳에서 끊어진 줄 소리와 도끼 소리가 들렸습니다.

소리는 체호프의 극작술에서 중요한 역할을 한다. 그 도움으로 말로 전달할 수없는 무대 액션의 측면이 드러납니다. 불안감은 올빼미 ( "Ivanov")의 외침과 파이프에서 울부 짖는 바람 ( "The Seagull")으로 전달됩니다. 연극의 음악 소리는 원칙적으로 캐릭터의 외로움, 그리움과 상실의 구체화 역할을하며 성취되지 않은 희망의 상징이됩니다. "Three Sisters"의 톡신 소리는 일상의 문제를 영원의 층으로 번역합니다. 그리고 임박한 재난의 구체화와 죽음의 불가피성은 Chekhov의 마지막 코미디에서 한 번에 두 가지 소리, 즉 부러진 줄 소리와 도끼 소리입니다.

5.2 체호프 희곡의 색채 상징

Chekhov는 이미 연극 "The Seagull"에 나오는 드라마의 예술적 공간에서 일종의 상징으로 색상 지정에 의지합니다. 검정과 흰색의 두 가지 색상 사이에 대비가 있습니다.

동시에 드라마의 흰색은 변함없이 Nina Zarechnaya의 이미지와 관련이 있습니다. 그녀는 첫 번째 행동 인 "all in white"에서 World Soul의 이미지에 있습니다. Trigorin은 코미디 3 막에서 "흰 갈매기"를 회상합니다.

"트리고린. 나는 기억할 것이다. 그 맑은 날의 모습 그대로 너를 기억할게 - 기억해? -일주일 전에 당신이 가벼운 드레스를 입고 있었을 때 ... 우리는 이야기를 나누었습니다 ... 그때도 하얀 갈매기가 벤치에 누워있었습니다.

NINA (신중하게). 예, 갈매기 ... ".

따라서 이러한 이미지 중 두 가지가 여기에 결합되는 것은 색상 이름 지정 수준입니다. Nina는 갈매기입니다.

Masha는 극중에서 검은 반점이 됩니다.

"메드베덴코. 왜 항상 검은색을 입나요?

마샤. 이것은 내 삶에 대한 애도입니다. 나는 행복하지 않다" .

이 두 이미지에서 Chekhov는 미래에 대한 믿음을 구현합니다. 니나는 미래를 위해 산다. 그녀는 자신과 사람에 대한 믿음을 잃지 않습니다. 이 믿음은 그녀가 모든 어려움을 극복하는 데 도움이됩니다. "내일 나는 더 이상 여기에 없을 것입니다. 나는 아버지를 떠나 모든 것을 떠나 새로운 삶을 시작합니다 ..."; "내가 훌륭한 배우가 되면, 나를 보러 와줘."

Masha는 희망이 없으며 삶에 지쳤습니다.

마샤. 그리고 저는 아주 오래 전에 태어난 것 같은 느낌이 듭니다. 나는 끝없는 기차처럼 내 인생을 끌고 ... 그리고 종종 살고 싶은 욕구가 없습니다.

흰색과 검은색이라는 색의 대조를 뒷받침하는 것은 삶과 생명 건설에 대한 이 두 가지 접근 방식의 반대입니다.

색채의 상징성은 <세자매>에서 주도적인 역할을 하기 시작한다. Chekhov의 드라마는 거의 동시에 등장한 이전 연극과 상당히 상당한 기간 동안 분리됩니다 (코미디 The Seagull은 1896 년, Vanya 삼촌은 1897 년, Three Sisters는 1901 년에 출판되었습니다). 아마도 작가의 말 수준을 포함하여 체호프 극작술의 예술적 시스템에서 일어난 중요한 변화를 설명하는 것은 바로 이러한 상황입니다. 색채의 상징화는 극을 여는 발언에서 등장인물들의 의상의 색채 디테일을 세 번이나 정확히 반복하는 것뿐만 아니라 제목인 '세자매'를 놀다.

색상 지정은 이 연극에서 주로 그의 초상화의 색상 세부 사항으로 나타납니다. T.G. Ivleva는 Chekhov의 드라마의 명백한 규칙성에 주목합니다. "컬러 사진을 고정하는 것은 캐릭터의 말이 아니라 작가의 말입니다."

전통적으로 연극 "세자매"에서 색의 특징화 기능은 일상적인 나쁜 취향의 표시로 간주됩니다. 예를 들어 나타샤의 옷 색 구성표가 예상되는 동시에 Masha의 발언에 의해 부정적으로 평가됩니다.

마샤. 오, 그녀가 옷을 입는 방법! 못생긴 것도 아니고 유행도 아닌데 그냥 한심하다. 저속한 프린지와 빨간 블라우스가있는 이상하고 밝은 노란색 치마.

조금 후에 Olga는 나타샤의 옷에서 녹색과 분홍색을 결합하는 것이 불가능하다고 말할 것입니다.

"올가. 당신은 녹색 벨트가 있습니다! 여보, 이건 좋지 않아요!<…>그냥 가지 않습니다 ... 그리고 왠지 이상합니다 ... ".

A.G. Shalyugin은 "어쩐지 이상하다"라는 문구에 주목합니다. 그는 다음과 같은 나타샤의 의상에서 이상한 점을 발견했습니다. 기혼 여성은 미덕, 결혼 정절을 상징하기 때문에 녹색 벨트를 착용할 수 있습니다! .

에티켓 요구 사항과의 이러한 불일치는 Natalya의 속물주의뿐만 아니라 자매 사회에서의 소외, 세계에 대한 적대감을 상징합니다.

TG에 따르면 연극의 "색상 상황"인 Ivleva는 다소 복잡해 보이며 Chekhov의 예술 시스템의 모든 요소와 마찬가지로 명확한 해석이 없습니다. 여기에서 저자에게 중요한 것은 아마도 색상이 서로 매우 일치하지 않는다는 것입니다. 세 자매와 나타샤의 소속을 다른 수준의 존재로 표시하는 색상 용어를 만드는 다른 원칙입니다.

한편 세 자매는 구체적이고 개별적인 운명을 가진 세 명의여 주인공이며 다소 명확하게 정의 된 캐릭터이지만 동시에 신화 적 삼합회와 관련된 조건부 상징적 인물입니다. 작가는 첫 발언부터 여주인공의 구체적인 디테일과 순간적인 포즈, 몸짓을 포착하고 다른 한편으로는 그것들을 조건부 상징적 맥락 속에 집어넣는다. 예를 들어 이것은 옷의 색상을 통해 전달됩니다.

“여자 체육관 교사의 파란색 유니폼을 입은 Olga는 항상 서서 걸으며 학생 공책을 수정합니다. 검은 드레스를 입은 마샤는 무릎에 모자를 얹고 앉아서 책을 읽고, 흰 드레스를 입은 이리나는 생각하며 서있다”-드라마를 여는이 발언에는 색의 상징화가 준비되어있다. "검은색 반대 - 흰색은 파란색으로 균형을 이룬다"는 것을 알 수 있습니다.

흑-백의 대립은 항상, 심지어 특정 문화 및 역사적 내용의 외부에서도 거의 모든 이데올로기의 두 극을 표시합니다. 좋은 - 나쁜; 신성 - 악마, 충만함 - 혼돈 등

한편으로는 신화, 특히 민속 전통에서 파란색의 의미는 인간의 통제를 넘어서고 그의 마음으로는 이해할 수 없는 우주의 격렬한 요소(푸른 바다)와 관련이 있습니다. 한편, 이 전통에서 청색은 흑과 백의 중간색으로 볼 수도 있다. 예를 들어, 사람이 흑인에서 백인으로 또는 그 반대로 이동하는 단계라고 생각하십시오. 그리고이 경우 제목과 연결되는 색상 트라이어드는 연극에 묘사 된 상황을 영원하지는 않더라도 적어도 일반화 모델 수준으로 가져옵니다. T.G.에 따르면 기호의 특이성. Ivleva는 "그 내용의 계획"이 항상 무한대로 열려 있다는 사실과 정확히 연결되어 있습니다.

드라마 "세 자매"에서 선언 된 모든 다양한 꽃 중에서 다음 연극 "The Cherry Orchard"에서 Chekhov는 하나만 사용하여 첫 번째 막에서 다른 방식으로 사용합니다.

“Gaev (다른 창을 엽니다). 정원은 온통 흰색입니다.

동시에 극중 정원은 방금 이름이 지정되었을 뿐이며 죽음의 잠재적 가능성이 설명되어 있지만 지정되지 않았기 때문에 창 밖에만 표시됩니다. 흰색은 시각적 이미지의 예감입니다. 작품의 영웅들은 그에 대해 반복해서 말합니다.

류보프 안드레예브나. 모두, 모두 흰색! 오 나의 정원!<…>오른쪽으로 전망대로 향하는 길에 하얀 나무 한 그루가 여자처럼 몸을 기댄 채...<…>정말 놀라운 정원입니다! 하얀 꽃 덩어리".

정원 자체가 실제로 우리에게 숨겨져 있다는 사실에도 불구하고 흰색은 색상 반점의 형태로 첫 번째 행동 전체에 나타납니다. 정원: “로파킨. 사실, 아버지는 농민 이었지만 여기에서는 흰색 조끼를 입고 있습니다.”; 전나무가 들어갑니다. 그는 재킷과 흰색 조끼를 입고 있습니다.”; "전나무<…>흰 장갑을 끼다"; "매우 얇은 흰색 드레스를 입은 Charlotte Ivanovna가 벨트에 lorgnette를 착용하고 함께 당겨 무대를 통과합니다."

T.G. 작가 K.S. Stanislavsky는 "정원 이미지의 무대 구현의이 기능-색상 놀이-는 아마도 Chekhov 자신이 가정했을 것입니다" . 색 반점을 통해 정원과 캐릭터의 통일성과 그에 대한 의존성을 보여줍니다.

그의 연극에서 Chekhov는 주로 흑백의 두 가지 색상을 사용합니다. 그들의 도움으로 그는 삶에 대한 인식의 다양한 측면(갈매기의 Nina와 Masha와 같은)을 드러낼 뿐만 아니라. 이 예술적 시스템에 다른 색상을 도입하면 (The Three Sisters의 Natasha 이미지가 연관됨) 기존 전통에 이질적이됩니다. 색상 상징주의를 통해 Chekhov는 체리 과수원의 운명에 대한 영웅의 운명의 의존성을 보여줍니다.

따라서 그의 연극에서 Chekhov는 일반적인 분위기, 특정 장면의 분위기 또는 전체적으로 행동을 만드는 소리로 가득 찬 특별한 세계를 만듭니다. 드문 예외(극 "The Cherry Orchard"의 플루트 소리)를 제외하고 이러한 기호는 부정적인 의미를 지닙니다. Chekhov의 색상 팔레트는 서로 반대되는 흰색과 검정색이 지배합니다. 이 대립은 드라마 '세자매'의 푸른색으로 부드러워진다. 작품에 다른 다채로운 반점의 도입은 캐릭터 세계의 부조화를 표현하는 데 기여합니다.

결론

체호프는 러시아 문학에서 가장 사랑받고 널리 읽히는 고전 중 하나입니다. 당대의 역동성과 가장 잘 어울리는 작가. 고전 체호프의 등장은 예상치 못한 일이었고 어쩐지 언뜻보기에는 이례적이었고 그 안에있는 모든 것이 러시아 문학의 축적 된 경험과 모순되었습니다.

체호프의 극작술은 반동의 시작과 혁명적 포퓰리즘의 붕괴와 함께 지식인이 지나갈 수 없는 상태에 빠졌을 때 시대를 초월한 분위기에서 형성되었습니다. 이 환경에 대한 공공의 이익은 삶의 부분적 개선과 도덕적 자기 개선이라는 과제를 넘어선 것이 아닙니다. 이 사회적 침체기에는 존재의 무가치함과 절망감이 가장 극명하게 드러났다.

체호프는 그에게 알려진 환경에 있는 사람들의 삶에서 이 갈등을 발견했습니다. 이 갈등을 가장 정확하게 표현하기 위해 작가는 새로운 형태의 극작술을 창조합니다. 그는 사건이 아니라 독점적으로 우세한 상황이 아니라 사람의 일상적인 일상 상태가 내부적으로 갈등하고 있음을 보여줍니다.

종종 Chekhov의 연극에는 이벤트가 없으며 그의 드라마에서는 소위 "저류"가 지배합니다. 여기서 기호는 중요한 역할을 합니다.

새, 정원, 호수와 같은 자연의 상징은 체호프의 극작에서 구조를 형성한다. "Ivanov"에서 선언 된 주제는 극작가의 후속 작업에서 발전하여 의미 론적 영역을 심화시키고 확장합니다. 동명의 연극의 사건들이 구축되는 것은 갈매기라는 복합적인 이미지를 중심으로 삼자매에서 새의 상징이 작품 전체를 관통하며 인물들의 삶의 다양한 영역에 영향을 미치고 있다. 동시에 자연적 상징주의는 생명의 예정의 동기를 도입한다.

작품이 구축되는 또 다른 자연의 상징은 러시아의 운명과 작품의 모든 영웅의 운명을 모두 포함하는 연극 The Cherry Orchard에서 정원의다면적인 이미지입니다. 이 이미지는 연극 "세 자매"를 포함하여 체호프의 이전 드라마에서 준비한 것으로, 골목을 자르는 것도 영웅들에게 뿌리와의 분리, 과거와의 단절의 상징이 됩니다. 우리는 한 연극에서 다른 연극으로 상징주의의 복잡성을 봅니다. 정원의 이미지는 항상 캐릭터의 과거와 관련이 있지만 The Three Sisters에서 Prozorovs의 개인 드라마라면 The Cherry Orchard에서이 상징은 보편적 수준, 영원 수준 및 한 가족의 운명과 러시아의 운명 사이의 불가분의 관계.

변함없이 자연의 또 다른 상징은 호수와 강의 이미지 인 Chekhov의 극작에서 죽음과 죽음의 이미지와 관련이 있습니다. 연극 "Ivanov"에서 죽음을 가져 오는 강에 대한 인식이 설명되어 있으면 후속 연극에서 완전히 드러납니다. 코미디 "갈매기"에서 호수의 이미지는 아직 이러한 죽음의 가능성을 가지고 있지 않습니다. 유령이지만 조화의 거처로 표시됩니다. 이어지는 극작에서 강은 영웅의 죽음의 장소가 되어 비극의 모티브를 형상화한다.

물질적 상징주의는 체호프의 극작술에서 매우 특별한 상징군을 구성한다. 여러 번 반복되는 Chekhov의 예술 세계에서 중요하지 않은 세부 사항은 물질적 상징의 특성을 얻습니다. 작품 속 다른 이미지들과 결합하여 특정 유희의 범위를 넘어 보편적인 차원으로 올라간다.

집의 이미지와 관련된 이미지의 주요 특징은 사람들 간의 연결 상실, 분리 및 분리라는 반대 의미로 Chekhov의 연극에서 전통적인 상징적 의미가 실현된다는 것입니다. 따라서 "Vanya 삼촌"과 "Three Sisters"의 영웅에게 사모바르는 난로 및 가족 단결과 관련이 없습니다. 이 가구는 집안의 주요 장소에 대한 아이디어를 구현하지만 Chekhov의 모든 극적인 작품에 존재하지만 연극의 캐릭터는 한 테이블에 모이지 않습니다. 가족 및 가정과의 영적 유대 상실은 필요하지 않거나 잃어버린 열쇠의 이미지 상징으로 작가에 의해 구체화됩니다. 이미지의 진화는 이 행위에 대한 자각에 있다. "Three Sisters"의 Andrey Prozorov가 잃어버린 열쇠를 찾고 있다면 "The Cherry Orchard"의 Varya는 부동산 매각에 대해 알게 된 후 직접 열쇠를 바닥에 던집니다.

집의 이미지와 무관한 물질적 기호는 우선 특정 인물의 성격적 특성을 강조한다. 연극에서 연극으로 이러한 기호의 복잡성이 있다는 것은 주목할 만합니다. 사용되는 부품의 범위도 크게 확대되고 있습니다. 그럼에도 불구하고 우리는 모든 체호프 연극의 특징인 여러 상징을 골라낼 수 있습니다. 이들은 현실에서 영웅의 이탈을 상징하는 책입니다. 과거, 현재, 미래를 변함없이 연결하는 시간의 흐름을 상징하는 시계는 이 시간 체계에서 특정 캐릭터의 위치를 ​​결정합니다. 영웅의 최고와 최악의 특성을 드러내는 파괴의 상징으로 불.

Chekhov의 극작술에서 지리적 기호는 거의 없습니다. 이들은 등장인물의 실제 거주지와 연결되지 않아 극의 지리적 공간을 확장한다. 연극 '바냐 아저씨'의 아프리카 이미지와 드라마 '세 자매'의 모스크바 이미지는 영웅들의 또 다른 삶에 대한 꿈의 상징이되어 이루어지지 않을 것이다.

Chekhov 드라마의 사운드 및 색상 기호는 극의 분위기를 조성하고 캐릭터에 대한 작가의 비전을 고려하여 악센트를 배치합니다. 드라마에서 소리는 두 가지 주요 기능을 수행합니다. 임박한 재난의 상징이되어 캐릭터의 불안과 불안을 증가시킵니다. 동시에 음악은 인물들의 그리움과 외로움을 표현하는 역할을 한다. 행동에 수반되는 여러 가지 소리(예: 톡신, 부러진 줄 소리, 도끼 소리)는 일상 생활의 문제를 영원의 수준으로 끌어올릴 수 있게 합니다. 극중 색 지정은 존재의 다른 극을 구현하는 흰색과 검은 색의 대조를 기반으로합니다. 소리와 색 기호의 발달은 체호프의 극작술에서 점진적으로 일어나며 마지막 두 연극에서 완전히 드러난다.

이것이 Chekhov에서 음모가 풍부 해지는 방법입니다. 사건이 거의없는 대신-행동 기대 원칙; 연극은 중앙 이미지 기호 ( "The Seagull", "The Cherry Orchard"), 숨겨진 동기 ( "Three Sisters")로 내부에서 고정됩니다.

따라서 우리는 Chekhov의 전체 경력에서 상징주의의 복잡성을 봅니다. 그의 초기 희곡에 나타난 이미지는 이후 작품에서 전개되어 새로운 의미를 연결하고 사람들 사이의 다양한 관계를 모두 흡수한다.

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