17세기 플랑드르 화가. 현대 벨기에 예술가 20세기 벨기에 예술가

길을 따라 여러 박물관이 있습니다. 이 기사에서는 브뤼셀의 왕립 미술관에 대해 알려 드리겠습니다. 오히려 6개의 박물관으로 구성된 전체 단지입니다.

브뤼셀 중심에 있는 4곳:

* 고대 미술관.
15세기부터 18세기까지의 거장들의 훌륭한 컬렉션입니다.
이 컬렉션의 대부분은 남부 네덜란드(플랑드르) 예술가들의 그림으로 구성되어 있습니다. Rogier van der Weyden, Petrus Christus, Dirk Bouts, Hans Memling, Hieronymus Bosch, Lucas Cranach, Gerard David, Pieter Brueghel the Elder, Peter Paul Rubens, Anthony van Dyck, Jacob Jordaens, Rubens 등과 같은 거장들의 걸작…
컬렉션은 침략자들이 많은 예술 작품을 압수한 프랑스 혁명 중에 시작되었습니다. 상당한 부분이 파리로 옮겨졌고, 보관된 것에서 박물관은 1801년 나폴레옹 보나파르트에 의해 설립되었습니다. 압수 된 모든 귀중품은 나폴레옹이 퇴적 된 후에야 파리에서 브뤼셀로 반환되었습니다. 1811년부터 박물관은 브뤼셀 시 소유가 되었습니다. 윌리엄 1세 치하의 네덜란드 연합 왕국이 등장하면서 박물관의 자금이 크게 확장되었습니다.

로버트 캄핀. "수태 고지", 1420-1440

제이콥 조르다네스. 사티로스와 농부들, 1620년

*현대미술관.
현대 미술 컬렉션은 18세기 후반부터 현재까지의 작품을 다룹니다. 컬렉션의 기본은 벨기에 예술가들의 작품입니다.
Jacques-Louis David의 유명한 그림인 Marat의 죽음은 박물관의 오래된 부분에서 볼 수 있습니다. 컬렉션은 벨기에 신고전주의를 설명하며 벨기에 혁명과 국가 건국에 헌정된 작품을 기반으로 합니다.
현재 소위 "파티오"룸에서 임시 전시회 형태로 대중에게 공개됩니다. 이를 통해 현대 미술 작품을 정기적으로 교체할 수 있습니다.
박물관은 벨기에 인상주의의 가장 유명한 대표인 Alfred Stevens의 "Salome"을 소장하고 있습니다. 또한 James Ensor의 "Russian Music"과 Fernand Khnopf의 "Tenderness of the Sphinx"와 같은 유명한 작품도 선보입니다. 박물관에 전시된 19세기 거장 중에는 장 오귀스트 도미니크 앵그르, 구스타브 쿠르베, 앙리 팡탱 라투르의 걸작이 눈에 띕니다. 19세기 말 프랑스 회화. Paul Gauguin의 "Suzanne Bambridge의 초상화", Georges Seurat의 "Spring", Paul Signac의 "Bay", Edouard Vuillard의 "두 제자", Maurice Vlaminck의 풍경 및 Auguste Rodin의 조각 "Caryatid", "Portrait of Vincent van Gogh(1885. )의 a Peasant"와 Lovis Corinth의 꽃이 있는 정물.

장 루이 다비드. "마라의 죽음", 1793

구스타프 와퍼스. "9 월 일의 에피소드", 1834

* 마그리트 미술관.
2009년 6월에 개장했습니다. 벨기에 초현실주의 화가 르네 마그리트(1898년 11월 21일 – 1967년 8월 15일)를 기리기 위해. 박물관 컬렉션에는 캔버스, 구 아슈, 그림, 조각 및 페인트 개체에 대한 200 개 이상의 작품과 광고 포스터 (수년 동안 종이 공장에서 포스터 및 광고 아티스트로 일함), 오래된 사진 및 영화 촬영이 포함되어 있습니다. 마그리트 자신에 의해.
20년대 말, 마그리트는 브뤼셀의 센토 갤러리와 계약을 맺고 그림에만 몰두했습니다. 그는 초현실주의 그림 "The Lost Jockey"를 만들었는데, 이 그림은 그의 첫 번째 성공적인 그림으로 간주되었습니다. 1927년에 그는 첫 번째 전시회를 준비합니다. 그러나 비평가들은 그것이 성공하지 못한 것으로 인식하고 Magritte는 파리로 떠나 Andre Breton을 만나 그의 초현실주의 동아리에 합류합니다. 그는 자신의 그림을 알아볼 수 있게 만드는 시그니처 스타일을 얻습니다. 브뤼셀로 돌아온 그는 새로운 스타일로 작업을 계속합니다.
박물관은 또한 초현실주의 예술가의 유산에 대한 연구 센터이기도 합니다.

*세기말 박물관(Fin de siècle).
박물관은 19세기 말과 20세기 초 소위 "세기말"의 작품을 주로 아방가르드적 성격으로 모았습니다. 한편으로는 회화, 조각 및 그래픽뿐만 아니라 다른 한편으로는 응용 예술, 문학, 사진, 영화 및 음악도 있습니다.
대부분 벨기에 예술가들이 대표되지만 맥락에 맞는 외국 거장들의 작품도 있습니다. 당시 벨기에 예술가들의 위대한 진보 운동의 일원이었던 예술가들의 작품.

그리고 교외에 있는 두 곳:

*비르츠 박물관
Wirtz (Antoine-Joseph Wiertz) - 벨기에 화가 (1806-1865). 1835년에 그는 그의 첫 번째 중요한 그림인 파트로클로스의 시체를 소유하기 위한 트로이 목마와 그리스인의 투쟁을 그렸는데, 이 그림은 파리에서 전시회가 허용되지 않았지만 벨기에에서 강한 열광을 불러일으켰습니다. 이어 “성 베드로의 죽음. Dionysius", 삼부작 "The Entombment"(날개에 Eve와 Satan의 형상이 있음), "The Flight into Egypt", "The Revolt of the Angels" 및 예술가의 최고의 작품 "The Triumph of Christ" . 개념과 구성의 독창성, 색상의 활력, 대담한 조명 효과 및 붓의 전면적인 스트로크는 대부분의 벨기에 사람들에게 Wirtz를 오래된 국가 역사 그림의 부흥가로 보는 이유를 제공했습니다. 루벤스의 후계자. 멀수록 그의 이야기는 더욱 편심 해졌습니다. 대부분 거대한 크기의 그의 작품과 그에 의해 발명된 무광택 그림 적용 실험을 위해 벨기에 정부는 브뤼셀에 광범위한 작업장을 세웠습니다. 여기에서 그의 그림을 판매하지 않고 초상화 주문으로 만 존재했던 Wirtz는 그의 의견으로는 그의 모든 자본 작품을 수집하고 작업장 자체와 함께 벨기에 사람들에게 유산으로 물려주었습니다. 이제 이 워크숍은 Wirtz 박물관입니다. 앞서 언급한 6개의 그림을 포함하여 최대 42개의 그림을 저장합니다.

*뫼니에 박물관
박물관은 벨기에 탄광 지역 Borinage에서 온 가난한 이민자 가정에서 태어나고 자란 Constantin Meunier(1831-1905)를 기리기 위해 개관했습니다. 어린 시절부터 그는 어려운 사회적 상황과 종종 광부와 그 가족의 비참한 존재를 잘 알고 있었습니다. Meunier는 광산 지역의 삶에 대한 인상을 조형 형태로 포착하여 조화롭게 발전된 성격으로 노동하는 사람을 보여줍니다. 조각가는 그의 자부심과 힘을 반영하고 로더 또는 도커로서의 직업을 부끄럽게 여기지 않는 노동자의 이미지를 개발했습니다. 뫼니에가 자신의 영웅을 만들어낸 어떤 이상화를 인정하면서, 우리는 그가 육체 노동에 종사하는 남자를 작품의 중심 주제로 삼고 창조자로서의 모습을 보여준 최초의 거장 중 한 명이라는 사실에서 그의 위대한 역사적 공로를 인정해야 합니다. 내면의 위엄으로 가득 차 있습니다.

L. 알레시나

과거에 세계에 수많은 위대한 예술가들을 배출한 작은 나라 - 19세기 초에 벨기에인 반 에이크 형제, 브뤼겔과 루벤스의 이름을 짓는 것으로 충분합니다. 예술의 오랜 침체를 경험했습니다. 이에 대한 특정 역할은 1830 년까지 국가 독립이 없었던 벨기에의 정치적, 경제적 종속 위치에 의해 수행되었습니다. 새 세기 초부터 민족 해방 운동이 점점 더 강력하게 발전할 때만 예술이 살아나고 곧 국가의 문화 생활에서 매우 중요한 위치를 차지했습니다. 다른 유럽 국가와 비교할 때 인구 대비 작은 벨기에의 예술가 수가 매우 많다는 것은 적어도 중요합니다.

19세기 벨기에 예술문화의 형성에 있어서. 국가 회화의 위대한 전통이 중요한 역할을했습니다. 전통과의 연결은 뛰어난 전임자의 많은 예술가를 직접 모방했을뿐만 아니라 특히 세기 중반에 벨기에 회화의 특징이었습니다. 전통의 영향은 현대 벨기에 예술 학교의 특성에 영향을 미쳤습니다. 이러한 특징 중 하나는 객관적인 세계, 사물의 실제 육체에 대한 벨기에 예술가의 헌신입니다. 따라서 벨기에에서 사실주의 예술이 성공했지만 사실주의 해석에는 약간의 제한이 있었습니다.

국가의 예술적 삶의 특징은 벨기에 문화와 프랑스 문화의 세기에 걸친 긴밀한 상호 작용이었습니다. 젊은 예술가와 건축가는 지식을 향상시키기 위해 그곳에갑니다. 차례로 많은 프랑스 거장들이 벨기에를 방문할 뿐만 아니라 수년 동안 벨기에에 살면서 작은 이웃의 예술적 삶에 참여합니다.

19세기 초 고전주의는 다른 많은 유럽 국가와 마찬가지로 벨기에의 회화, 조각, 건축을 지배했습니다. 이 시기에 가장 중요한 화가는 François Joseph Navez(1787-1869)였습니다. 그는 처음에 브뤼셀에서 공부한 다음 1813년부터 파리에서 브뤼셀로 망명할 때 동행한 다비드와 함께 공부했습니다. 벨기에 망명 기간 동안 뛰어난 프랑스 거장은 현지 예술가들 사이에서 최고의 명성을 누렸습니다. Navez는 David가 가장 좋아하는 학생 중 한 명이었습니다. 그의 작품은 비교할 수 없습니다. 그가 고전주의의 대포를 따랐던 신화적이고 성경적인 구성은 생명이 없고 차갑습니다. 그의 유산의 대부분을 구성하는 초상화는 매우 흥미 롭습니다. 그의 초상화에서 자연에 대한 면밀하고 세심한 관찰과 연구는 인간 성격에 대한 숭고한 이상적인 아이디어와 결합되었습니다. 고전적인 방법의 가장 큰 특징 인 강력한 구성 구조, 플라스틱 형태의 충만 함은 생생한 이미지의 표현력과 특이성과 함께 Navez의 초상화에서 조화롭게 융합됩니다. Hemptinne 가족의 초상화(1816; 브뤼셀, 현대 미술관)는 예술적 특성이 가장 높은 것 같습니다.

세 인물의 초상화라는 어려운 작업은 작가가 성공적으로 해결했습니다. 어린 딸을 둔 부부인 젊은 가족의 모든 구성원은 활기차고 편안한 포즈로 묘사되지만 강한 내적 유대감이 있습니다. 초상화의 색 구성표는 van Eyck로 거슬러 올라가는 플랑드르 회화의 고전적 전통을 이해하려는 Navez의 열망을 증언합니다. 순수하게 빛나는 색상이 즐거운 하모닉 화음으로 합쳐집니다. Hemptinne 가족의 훌륭한 초상화는 소성 강도, David의 후기 초상화 작품에 대한 다큐멘터리 정확성에 가깝고 가사에서 영혼의 내면을 전달하려는 열망은 이미 떠오르는 낭만주의와 관련이 있습니다. 낭만주의에 훨씬 더 가까운 것은 나베즈의 어린 나이(1810년대, 브뤼셀, 개인 소장품) 자화상으로, 작가는 연필과 앨범을 손에 들고 눈앞의 무언가를 생생하고 골똘히 응시하고 있는 자신을 묘사했습니다. Navez는 교사로서 매우 중요한 역할을 했습니다. 많은 예술가들이 그와 함께 공부했으며, 그는 나중에 벨기에 회화의 사실주의 경향의 핵심을 형성했습니다.

이 나라의 혁명적 정서의 성장은 낭만주의 예술의 승리에 기여했습니다. 국가 독립을 위한 투쟁은 1830년 여름에 혁명적 폭발로 이어졌고, 그 결과 벨기에는 네덜란드와의 관계를 끊고 독립 국가를 형성했습니다. 예술은 펼쳐지는 행사에서 중요한 역할을 했습니다. 그것은 애국심을 불러 일으켰고 반항적 인 분위기를 불러 일으켰습니다. 잘 알려진 바와 같이 Aubert의 오페라 The Mute from Portici의 공연은 브뤼셀 혁명 봉기의 직접적인 원인이 되었습니다.

벨기에 회화의 혁명 직전에 역사적 장르의 애국적인 방향이 형성되고 있습니다. 이 추세의 리더는 젊은 예술가 Gustave Wappers (1803-1874)로 1830 년 "라이덴 공성전에서 Burgomaster van der Werf의 자기 희생"(위트레흐트, 박물관) 그림을 전시했습니다. 조상의 영웅적 행위를 노래하면서 이 방향의 주인은 낭만적인 형태의 언어로 향합니다. 비 유적 구조의 애처로운 승영, 증가 된 다채로운 색상의 소리는 루벤스가 가장 생생하게 표현한 원시 국가 그림 전통의 부활로 동시대 사람들에게 인식되었습니다.

30대에. 역사적인 장르의 캔버스 덕분에 벨기에 그림은 유럽 예술에서 인정을 받고 있습니다. 국가 발전의 공동 과제에 기여한 계획적이고 애국적인 성격이 이러한 성공을 결정했습니다. Wappers, Nicaise de Keyser (1813-1887), Louis Galle은 유럽에서 가장 인기있는 예술가 중 하나였습니다. 그러나 곧 이 방향은 제한된 측면을 드러냈다. 가장 성공적인 것은 과거와 현재의 자유 투쟁의 영웅주의에서 영감을 얻은 민족 해방 운동의 파토스를 반영한 ​​작품이었습니다. Wappers의 1830년 9월의 날(1834-1835; 브뤼셀, 현대 미술관)이 가장 큰 성공을 거둔 것은 우연이 아닙니다. 작가는 현대적인 소재로 역사적인 캔버스를 만들어 혁명적 사건의 중요성을 드러냈습니다. 혁명의 에피소드 중 하나가 표시됩니다. 행동은 브뤼셀 중앙 광장에서 이루어집니다. 대중 운동의 폭풍 같은 고조는 불균형한 대각선 구성으로 전달됩니다. 그룹과 일부 인물의 배열은 예술가에게 의심의 여지가 없는 모델인 들라크루아의 그림 "민중을 이끄는 자유"를 연상시킵니다. 동시에 이 캔버스의 Wappers는 다소 외부적이고 선언적입니다. 그의 이미지는 부분적으로 연극적인 화려 함, 감정 표현의 실증성이 특징입니다.

벨기에가 독립한 직후 역사화는 내용의 깊이를 잃었습니다. 민족 해방의 주제는 관련성, 사회적 기반을 잃고 있습니다. 역사적인 그림은 재미있는 음모와 함께 멋진 의상을 입은 광경으로 바뀝니다. 역사적인 그림에서 두 가지 경향이 결정화되고 있습니다. 한편으로 이것은 기념비적 인 화려한 캔버스입니다. 다른 방향은 역사에 대한 장르적 해석이 특징입니다. 회화의 국가 전통은 시대의 영향에 의해 결정되지 않는 기술과 수단의 합으로 매우 피상적으로 이해됩니다. "17세기의 거장"과 같은 그림 장르나 "루벤스와 같은" 역사적 장면에서 자신의 모든 소명을 보는 예술가들이 많이 있습니다.

Antoine Joseph Wirtz (1806-1865)는 소박하지만 성공적이지 못했지만 그의 거대한 역사적 상징적 캔버스에서 미켈란젤로와 루벤스의 업적을 결합하려고 노력합니다. Hendrik Leys(1815-1869)는 먼저 렘브란트의 색상을 모방하여 작은 장르의 역사 그림을 그립니다. 60년대부터. 그는 북부 르네상스의 일상적인 장면을 포함하는 광범위한 다중 그림 구성으로 전환하며 실행 방식은 이 기간의 거장들의 순진한 정확성과 세부 사항을 따릅니다.

세기 중반의 수많은 역사 화가 중 Louis Galle (1810-1887)은 언급 할 가치가 있습니다. 그의 그림은 구속과 간결한 구성으로 구별되며 이미지는 내적 의미와 고귀함으로 유명합니다. 전형적인 예는 "Egmont와 Horn 백작의 유골에 대한 마지막 영예"(1851; Tournai, Museum, 1863의 반복-Pushkin Museum) 그림입니다. 이러한 동일한 특성은 "어부의 가족"(1848) 및 "Slavonets"(1854; 둘 다 Hermitage)와 같은 그의 장르 그림의 특징입니다.

점차적으로 벨기에의 역사적인 그림은 장르 시스템에서 주도적 역할을 잃고 약 60 년대부터 전면에 등장합니다. 가정용 그림이 나옵니다. 세기 중반의 장르 화가는 일반적으로 17 세기 예술가를 모방하여 선술집이나 아늑한 가정 인테리어에서 재미있는 장면을 만들었습니다. 장 밥티스트 마두(Jean Baptiste Madou, 1796-1877)가 그린 많은 그림들입니다. Hendrik de Brakeler(1840-1888)는 그의 주제에서 매우 전통적이며 빛이 가득한 실내에서 조용한 직업에 있는 외로운 인물을 묘사합니다. 그의 장점은 조명과 공기의 문제를 현대회화로 해결한 데 있다.

이미 60 년대에 독립을 얻은 후 매우 빠른 속도로 일어난 국가의 자본주의 발전. 예술에 새로운 문제를 제기했습니다. 근대성은 점점 벨기에의 예술 문화를 침범하기 시작했습니다. 젊은 세대의 예술가들은 주변 삶의 특징적인 면모를 보여줌으로써 리얼리즘의 슬로건을 제시합니다. 열망에서 그들은 Courbet의 예에 의존했습니다. 1868년 브뤼셀에서 자유 미술 협회가 설립되었습니다. 가장 중요한 참가자는 Charles de Groux, Constantin Meunier, Felicien Rops, Louis Dubois였습니다. 그들 모두는 삶에서 멀리 떨어진 주제와 구식 예술 언어를 가진 오래된 예술에 맞서 싸울 것을 요구하면서 사실주의의 슬로건을 내놓았습니다. 1871년에 발행되기 시작한 자유 예술 저널은 이 사회의 미학적 견해를 알리는 전령사가 되었습니다. 사회 하층 생활의 그림으로 유명해졌습니다. 그의 글쓰기 방식은 쿠르베에 가깝다. 채색은 어둡고 절제된 톤으로 유지되며 감정적으로 묘사 된 고통스러운 우울함에 해당합니다. "Coffee Roaster"(60s; 앤트워프, 박물관) 그림입니다. 여기에서 가난한 사람들은 어둡고 추운 겨울날 밖에서 커피 원두를 볶는 화로 옆에서 몸을 녹이는 모습을 보여줍니다. 소외된 이들에 대한 깊은 공감이 작가의 작업을 특징짓는다.

벨기에의 사실주의는 곧 모든 장르의 예술에서 강력한 위치를 차지했습니다. 풍경화가의 전체 은하계가 나타나 진실하고 동시에 그들의 본성을 다양하게 보여줍니다. 소위 Tervuren 학교 (브뤼셀 근처 숲에 위치한 장소의 이름을 따서). 학교장 인 Hippolyte Boulanger (1837-1874)는 Barbizon과 비슷한 색상으로 미묘하고 다소 우울한 숲 풍경을 그립니다. Louis Artan (1837-1890)의 본질을 더 정력적으로 인식합니다. 대부분 그는 바다와 해안의 전망을 묘사했습니다. 그의 얼룩은 역동적이고 탄력적입니다. 작가는 변화하는 분위기, 풍경의 분위기를 전달하고자 한다.

Felicien Rops(1833-1898)는 벨기에 예술에서 특별한 위치를 차지했습니다. 주인은 프랑스에서 창작 생활의 상당 부분을 보냈음에도 불구하고 벨기에 예술 과정에 적극적으로 참여했습니다. 예술가의 다소 스캔들 같은 명성-파리 cocottes의 가수로서 종종 벨기에의 문화 생활에서 그의 매우 중요한 역할을 가립니다. Rops는 문학 및 예술 잡지인 Ulenspiegel(1856년 브뤼셀에서 창간)의 창립자 중 한 명이며 Charles de Coster(1867)의 유명한 소설의 첫 삽화가입니다. 에칭 기법으로 제작된 삽화는 소설 속 주인공들의 이미지를 날카롭고 흥미롭게 구현하고 있다. Rops는 그의 많은 작품에서 알 수 있듯이 드로잉의 뛰어난 대가이자 현대 생활에 대한 세심한 관찰자였습니다.

19세기 말까지의 벨기에 건축. 중요한 것을 만들지 않았습니다. 세기 전반기에 엄격한 취향으로 표시되는 고전주의 스타일로 여러 건물이 지어졌습니다 (브뤼셀 아카데미 궁전 -1823-1826, 건축가 Charles van der Straten, 브뤼셀 식물원의 온실 - 1826- 1829, 건축가 F.-T. Seys 및 P.-F. Ginest). 세기 중반부터 자유로운 절충주의와 웅장한 화려한 건물을 만들고자하는 열망이 건축에서 성장해 왔습니다. 예를 들어 브뤼셀의 증권 거래소 건물(1873-1876, 건축가 L. Seiss), 같은 장소에 있는 고대 미술관 건물(1875-1885, 건축가 A. Bala)이 특징입니다. 번영하는 벨기에 자본주의는 자신의 힘에 대한 기념비를 만들고자 합니다. 이것이 브뤼셀에있는 법무부 건물 (1866-1883, 건축가 J. Poulart)이 발생하는 방식입니다. 유럽에서 가장 웅장한 건축물 중 하나이며 모든 종류의 건축 양식을 소박하고 터무니없이 쌓고 혼합하는 것으로 구별됩니다. 동시에 양식화는 벨기에 건축에서 중요한 역할을 하며 고딕, 플랑드르 르네상스, 로마네스크 양식을 모방한 많은 교회, 시청 및 기타 공공 건물이 건설되고 있습니다.

19세기 말까지의 벨기에 조각. 회화에서 발전이 뒤처졌습니다. 30대에. 그럼에도 불구하고 애국적인 사상의 영향으로 몇 가지 흥미로운 조각상이 만들어졌습니다. 우선, Willem Gefs (1805-1883-브뤼셀 (1837, 브뤼셀, St. Gudula 대성당)에서 혁명적 인 전투에서 쓰러진 Frederic de Merode 백작의 묘비와 장군의 동상에 주목할 필요가 있습니다. 수도 광장 중 하나에 서있는 Belliard ( 1836.) 다른 많은 국가와 마찬가지로 벨기에의 세기 중반은 조각 예술의 쇠퇴로 표시되었습니다.

기념비적 인 예술에 대한이 어려운시기에 벨기에 최대 예술가 Constantin Meunier (1831-4905)의 작품이 형성되고 있습니다. Meunier는 조각 수업에서 브뤼셀 미술 아카데미에서 공부를 시작했습니다. 이곳에서는 세기 중반에 보수적인 학문 체계가 지배했습니다. 그들의 일과 가르침에서 교사들은 패턴과 일상을 따랐고 추상적 이상이라는 이름으로 자연의 장식을 요구했습니다. Meunier의 첫 번째 조형 작업은 여전히 ​​이 방향에 매우 가깝습니다("Garland"; 1851년에 전시되었지만 보존되지 않음). 그러나 곧 그는 조각품을 버리고 그림으로 전향하여 나베즈의 제자가 되었습니다. 후자는 시대에 뒤떨어진 고전주의의 상징이었지만 자신감 있는 드로잉 구사, 회화의 조형 모델링, 웅장한 스타일에 대한 이해를 가르칠 수 있었습니다. 그 당시 젊은 스승에 대한 또 다른 영향은 프랑스 현실 주의자 인 Courbet과 Millet의 작품에 대한 친분과 함께 Charles de Groux와의 우정과 관련이 있습니다. Meunier는 의미있는 예술, 큰 아이디어의 예술을 찾고 있지만 처음에는 현대적인 주제가 아니라 종교적이고 역사적인 그림으로 향합니다. 특히 흥미로운 것은 "1797 년 농민 전쟁의 에피소드"(1875; 브뤼셀, 현대 미술관) 그림입니다. 작가는 패배로 끝난 반란의 마지막 장면 중 하나를 선택합니다. 일어난 일을 국가적 비극으로 묘사함과 동시에 불굴의 의지를 보여준다. 그림은 그해의 벨기에 역사 장르의 다른 작품과 매우 다릅니다. 여기에는 역사를 이해하는 다른 접근 방식과 캐릭터 묘사의 사실주의, 묘사 된 감정의 관통, 풍경을 적극적으로 들리는 환경으로 도입하는 것이 있습니다.

70년대 말. Meunier는 벨기에의 산업 지역 인 "흑인 국가"에 속합니다. 여기에서 그는 아직 아무도 예술에 반영하지 않은 완전히 새로운 세계를 엽니다. 완전히 다른 아름다움의 측면을 가진 삶의 현상은 새로운 예술적 언어, 고유한 색상을 지시했습니다. Meunier는 광부 작업에 전념하는 그림을 만들고 광부와 여성 광부의 유형을 그리고이 "흑인 국가"의 풍경을 포착합니다. 그의 그림에서 주된 내용은 연민이 아니라 일하는 사람들의 힘이다. 이것이 바로 Meunier 작업의 혁신적인 의미입니다. 사람들은 연민과 동정의 대상이 아니라 위대한 삶의 가치를 창조하는 사람으로서 이미 자신에 대한 합당한 태도를 요구합니다. 사회 생활에서 일하는 사람들의 큰 중요성에 대한 이러한 인식에서 Meunier는 객관적으로 그 시대의 가장 진보된 사상가들과 같은 수준에 있었습니다.

그의 그림에서 Meunier는 일반화의 언어를 사용합니다. 그는 색의 도움으로 형태를 조각합니다. 색상은 엄격하고 제한적입니다. 하나 또는 두 개의 밝고 다채로운 점이 흙빛 회색 톤에 산재되어 전체 거친 범위 사운드를 만듭니다. 그 구성은 단순하고 기념비적이며 단순하고 명확한 선의 리듬을 사용합니다. 특징은 그림 "광산에서 반환"(c. 1890; Antwerp, Museum)입니다. 연기가 자욱한 하늘을 배경으로 선명한 실루엣으로 캔버스 위를 지나가듯 세 명의 노동자가 그려져 있다. 인물들의 움직임은 서로 반복되면서 동시에 전체적인 모티프를 변화시킨다. 그룹의 리듬과 그림 공간의 리듬은 조화로운 균형 솔루션을 만듭니다. 그림은 그림의 왼쪽 가장자리로 이동하고 그림과 오른쪽 프레임 사이에는 열린 여유 공간이 있습니다. 그룹 실루엣의 선명도와 일반화, 각 그림 이미지의 간결함은 구성에 거의 플라스틱 얕은 부조의 특성을 부여합니다. 그를 매료시킨 새로운 주제로 전환한 Meunier는 곧 그의 원래 소명을 기억했습니다. 조형 언어 수단의 일반화, 간결함은 인간 노동의 아름다움을 노래하는 데 더 이상 사용될 수 없습니다. 80년대 중반부터. 뫼니에의 조각상과 부조가 속속 등장하여 그의 이름을 기리며 19세기 조형예술 발전의 한 시대를 이룬다. 조각가의 주요 주제와 이미지는 망치질공, 광부, 어부, 광부 소녀, 농민과 같은 노동, 일하는 사람들입니다. 이전에는 근대성과는 거리가 먼 조건부 주체와 인물의 좁은 범위에 국한되었던 조각품에 노동자들은 무겁고 자신감있는 발걸음을 내디뎠습니다. 플라스틱 언어는 그때까지 완전히 무력화되기 전까지 다시 강력한 무자비한 힘과 강력한 설득력을 얻었습니다. 인체는 그 안에 숨겨진 아름다움의 새로운 가능성을 보여주었다. 구호 "산업"(1901; 브뤼셀, Meunier 박물관)에서 모든 근육의 긴장, 인물의 탄력있는 유연성과 힘, 가슴을 찢는 고된 호흡, 무겁게 부어 오른 손-이 모든 것이 사람을 손상시키지 않습니다. 그러나 그에게 특별한 힘과 아름다움을 부여합니다. Meunier는 노동 과정의 시인 노동 계급을 묘사하는 전통이라는 새로운 놀라운 전통의 창시자가되었습니다.

Meunier가 묘사하는 사람들은 절묘하게 아름답거나 전통적으로 고전적인 포즈를 취하지 않습니다. 진정한 실제 위치에서 조각가가보고 제시합니다. 예를 들어 그들의 움직임은 강하고 무례한 "The Hauler"(1888; Brussels, Meunier Museum)에서와 같이 무례하고 때로는 서투르기까지합니다 ( "The Pudding Man", 1886; Brussels, Museum of Ancient Art). 이 인물들이 서거나 앉는 방식에서 그들의 외모와 성격에 노동이 남긴 흔적이 느껴집니다. 동시에 이들의 포즈는 고혹적인 조형미와 강인함으로 가득 차 있다. 이것은 진정한 의미의 조각품으로, 공간에 살고 주변을 조직합니다. 인체는 Meunier의 손 아래에서 모든 탄성력과 강렬한 강렬한 역학을 드러냅니다.

Meunier의 플라스틱 언어는 일반화되고 간결합니다. 따라서 "The Loader"동상 (c. 1905; 브뤼셀, Meunier Museum)에서는 초상화가 일반화 된 유형으로 만들어지지 않았으며 이것이 큰 설득력을 부여하는 것입니다. Meunier는 기존의 학술적 커튼을 거부하고 그의 작업자는 말하자면 "작업복"을 입지만 이러한 옷은 형태를 부수거나 축소하지 않습니다. 직물의 넓은 표면은 근육 주위에 달라붙는 것처럼 보이며 몇 개의 개별 주름은 신체의 움직임을 강조합니다. Meunier의 최고의 작품 중 하나는 Antwerp (1900; Brussels, Meunier Museum)입니다. 조각가는 추상적인 우화가 아니라 근면하고 활동적인 도시의 의인화로서 항만 노동자의 매우 구체적인 이미지를 선택했습니다. 극도의 간결함으로 만들어진 엄숙하고 남성적인 머리는 근육질의 어깨에 단단히 박혀 있습니다. 노래하는 노동, Meunier는 그 심각성을 눈감지 않습니다. 그의 가장 눈에 띄는 조형 작품 중 하나는 Mine Gas 그룹(1893, 브뤼셀, 고대 미술관)입니다. 이것은 죽은 아들의 어머니가 애도하는 영원한 주제의 진정한 현대 버전입니다. 광산 재해의 비극적 여파를 포착합니다. 슬픔에 잠긴 여성의 모습은 경련을 일으키며 늘어진 벌거벗은 몸 위로 억눌린 말없는 절망에 몸을 굽혔다.

Meunier는 일하는 사람들의 수많은 유형과 이미지를 만들어 냈으며 90년대에 구상했습니다. 노동 기념비. 그것은 "산업", "수확", "항구"등 다양한 유형의 노동을 미화하는 여러 부조와 "씨 뿌리는 사람", "모성", "노동자"의 동상 인 원형 조각을 포함해야했습니다. 기타 이 아이디어는 주인의 죽음으로 인해 최종 구현을 찾지 못했지만 1930 년 조각가의 원본에 따라 브뤼셀에서 수행되었습니다. 전체적으로 기념물은 기념비적 인 인상을주지 않습니다. 더 설득력있는 것은 개별 조각입니다. 건축가 Orta가 제안한 건축 버전에서 이들을 함께 결합하는 것은 다소 외부적이고 단편적인 것으로 판명되었습니다.

Meunier의 작품은 독특한 방식으로 19세기 벨기에 예술의 발전을 요약했습니다. 검토중인 기간 동안이 나라에서 가장 높은 사실주의 성취로 판명되었습니다. 동시에 Meunier의 현실적인 정복의 의미는 국가 예술의 한계를 넘어 섰습니다. 조각가의 놀라운 작품은 세계 플라스틱 개발에 큰 영향을 미쳤습니다.

플랑드르 건축과 조각보다 더 다양하고 다채로운 17세기 플랑드르 회화가 장엄한 꽃을 피우며 펼쳐진다. 이 예술에서보다 훨씬 더 명확하게, 영원한 플랑드르인은 파괴할 수 없는 국보로서 북부와 남부의 혼합 토대에서 여기에서 등장합니다. 다른 나라의 현대 회화는 이처럼 풍부하고 다채로운 주제 영역을 포착하지 못했습니다. 신축 또는 복원된 사원에는 수백 개의 거대한 바로크 양식의 제단이 대형 캔버스에 그려진 성인의 이미지를 기다리고 있었습니다. 궁전과 집에서 거대한 벽은 신화, 우화 및 장르 이젤 그림을 갈망했습니다. 그렇습니다. 16세기에 실물 크기의 초상화로 발전한 초상화는 매혹적인 자연스러움과 표현의 고귀함을 결합한 진정한 의미의 위대한 예술이었습니다.

벨기에가 이탈리아 및 프랑스와 공유한 이 큰 그림 옆에 이곳에서 번성하여 오래된 전통을 이어가고 있으며, 주로 작은 나무 또는 구리 판에 있는 독창적인 캐비닛 그림은 종교적, 신화적 또는 우화적 주제를 무시하지 않고 묘사된 모든 것을 포용하며 비정상적으로 풍부합니다. 모든 계층의 인구, 특히 농민, 택시 운전사, 군인, 사냥꾼 및 선원의 모든 표현에서 일상 생활을 선호합니다. 이러한 작은 그림의 디자인된 풍경이나 방 배경은 몇몇 거장들의 손에 의해 독립적인 산수화와 건축화로 바뀌었습니다. 이 시리즈는 꽃, 과일, 동물의 이미지로 완성됩니다. 브뤼셀에 있는 집권 대공의 종묘장과 동물 사육장에 해외 무역은 경이로운 동식물을 가져왔습니다. 모든 것을 마스터한 예술가들은 그 형태와 색상의 풍부함을 간과할 수 없었습니다.

그럼에도 불구하고 벨기에에서는 더 이상 기념비적인 벽화를 그릴 근거가 없었습니다. 앤트워프 예수회 교회에 있는 루벤스의 그림과 몇몇 교회의 풍경화 시리즈를 제외하고 벨기에의 거장들은 캔버스에 큰 그림을 그렸고, 외국 통치자를 위한 벽과 천장 그림을 만들었으며, 태피스트리의 브뤼셀 기술은 쇠퇴했습니다. 루벤스의 참여는 일시적인 증가만을 가져왔으며 조던과 테니어와 같은 다른 벨기에 거장들의 참여를 불필요하게 만들었습니다. 그러나 벨기에 마스터는 네덜란드만큼 깊지는 않지만 잘 알려진 판화 및 에칭 개발에 참여했습니다. 태어날 때부터 네덜란드인은 루벤스 이전에 최고의 조각가였으며 벨기에의 가장 위대한 화가인 루벤스, 요르단스, 반 다이크스, 브라우워스, 테니어스가 "회화 조각"(에칭)에 참여한 것은 부분적으로는 부수적인 일이고 부분적으로는 의심스럽기까지 합니다.

Scheldt의 부유한 Low German 무역 도시인 Antwerp는 이제 그 어느 때보다도 Low Netherlandish 그림의 수도입니다. 브뤼셀 회화는 아마도 독립적인 경로를 찾는 풍경화에서만 앤트워프 예술의 한 분야가 되었습니다. 오래된 플랑드르 미술 센터인 Bruges, Ghent 및 Mecheln의 그림조차도 처음에는 앤트워프 작업장과의 관계로만 살았습니다. 그러나 벨기에의 왈롱 지역, 즉 뤼티히에서는 이탈리아인과 프랑스인에게 독립적인 매력을 느낄 수 있습니다.

17세기 플랑드르 회화의 일반적인 역사를 위해 Van Mander, Goubraken, de Bie, Van Gool 및 Weyermann의 문학 자료 모음, Immerseel, Kramm 및 Wurzbach의 어휘집 외에도 부분적으로만 구식인 책을 통합했습니다. Michiels, Waagen, Waters, Rigel 및 Philippi가 중요합니다. Scheldt 예술의 중요성을 고려할 때 Van den Branden과 Rooses의 앤트워프 예술 역사를 언급할 수도 있습니다. 물론 추가와 변경이 필요합니다. 이 책의 저자와 Woltmann의 회화사에 있는 관련 장은 이미 세부적으로 구식입니다.

17세기 플랑드르 회화는 회화적 배치와 실행의 완전한 자유, 그림과 색상의 내적 통일성, 앤트워프를 수출의 중심지로 만든 거장 피터 폴 루벤스의 창의적인 손에서 가장 매끄러운 폭과 힘을 얻었습니다. 유럽 ​​전역의 그림. 그러나 옛 방향과 새 방향 사이의 전환점에 서 있는 스승은 부족하지 않았습니다.

발전된 풍경을 배경으로 작은 인물들이 등장하는 국가적 사실주의 분야에서는 Pieter Brueghel the Elder의 위대함과 즉각성의 메아리만이 여전히 살아 있었습니다. 전환기의 풍경 렌더링은 길리스 반 코닌슬루(Giliss Van Coninxloo)가 만든 "무대 스타일"에 남아 있습니다. 나무 잎이 무성하고 별도의 번갈아 가며 서로 다른 색조를 개발함으로써 공중 및 선형 원근법의 어려움을 우회합니다. 현재 풍경화의 창시자인 앤트워프 형제 Matthäus와 Paul Bril(1550-1584 및 1554-1626)도 이 조건부 스타일에서 발전했으며 개발에 대해서는 거의 알려진 바가 없습니다. 마테우스 브릴(Matthäus Bril)은 로마의 바티칸에서 풍경 프레스코 화가로 갑자기 등장했습니다. 그가 일찍 세상을 떠난 후, 바티칸에 있는 그의 형제 친구인 폴 브릴(Paul Bril)은 당시의 새로운 네덜란드 풍경 스타일을 더욱 발전시켰습니다. Matthäus의 정통 그림은 거의 남아 있지 않습니다. 바티칸, 라테란, 산타 체칠리아의 로스피글리오시 궁전, 로마의 산타 마리아 마조레의 교회와 궁전 풍경을 그린 바울에게서 더 많은 것을 얻었습니다. 그것들은 Annibale Carracci에 의해 실행된 풍경의 더 큰 통일성과 함께 위에 표시된 균형 잡힌 과도기적 스타일로 더 자유로운 영향 아래서만 점진적으로 전달됩니다. 풍경화의 일반적인 역사의 일부인 Bril의 추가 개발은 보드의 수많은 작은 풍경 (1598 in Parma, 1600 in Dresden, 1601 in Munich, 1608 및 1624 in Dresden)에 반영됩니다. , 1609, 1620 및 1624-루브르 박물관, 1626-상트 페테르부르크), 일반적으로 나무가 풍부하고 특정 지역을 거의 전달하려고하지 않습니다. 어쨌든 Paul Bril은 Claude Lorrain의 예술이 성장한 풍경 스타일의 창시자에 속합니다.

네덜란드의 Antwerp Josse de Momper(1564 - 1644)는 Dresden에서 가장 잘 표현되었으며 특히 나무가 풍부하지 않은 산뜻하게 칠해진 산악 풍경에서 Koninxloo 무대 스타일을 개발했습니다. 네 번째 햇볕에, 일반적으로 모든 갈색-녹색-회색-파란색 아름다움으로 나타납니다.

Bril의 오래된 그림의 영향은 Peter Brueghel the Elder, Jan Brueghel the Elder(1568-1625)의 둘째 아들이 로마와 밀라노에서 일했던 1596년 앤트워프로 돌아오기 전에 반영되었습니다. Criveli와 Michel은 그에게 별도의 작품을 바쳤습니다. 그는 성경적, 우화적 또는 장르적 주제를 나타내는 경우에도 풍경의 인상을 주는 대부분의 작은 그림을 그렸습니다. 세 가지 배경의 상호 전환을 더 미묘하게 전달하지만 잎이 달린 Coninksloo 스타일을 단단히 고수하는 것은 바로 그들입니다. Jan Brueghel의 다재다능함의 특징은 그가 Balin과 같은 인물 화가를 위해 풍경 배경을, Momper와 같은 풍경화가를 위해 인물을, Rubens와 같은 거장을 위해 꽃 화환을 그렸다는 것입니다. 루벤스가 아담과 이브, 얀 브뤼헐의 풍경과 동물을 그린 헤이그 박물관의 신선하고 미묘하게 실행된 "가을"로 유명합니다. 가지각색의 민속 생활을 풍부하게 갖춘 그의 풍경은 여전히 ​​구름으로 하늘을 전달하는 데 특히 표현력이 없지만 주로 강, 풍차가있는 평원, 선술집 장면이있는 마을 거리, 나무가 우거진 둑이있는 운하, 바쁜 시골 길로 관개되는 언덕이 많은 지역입니다. 나무꾼과 사냥꾼이 있는 나무가 우거진 고지와 숲길에서 생생하고 충실하게 관찰했습니다. 그의 초기 그림은 밀라노의 Ambrosiana에서 볼 수 있습니다. 마드리드, 뮌헨, 드레스덴, 상트페테르부르크, 파리에서 가장 잘 표현됩니다. 새로운 방식을 모색한다는 의미에서 특히 중요한 것은 형태의 아름다움과 진귀한 색의 밝기뿐만 아니라 그 조합을 가장 설득력있게 전달한 그의 꽃 그림이었습니다. 그의 붓 색깔의 그림은 마드리드, 비엔나, 베를린을 소유하고 있습니다.

그의 협력자 중 우리는 그의 교사가 루벤스의 두 번째 교사인 Adam van Noort로 간주되는 Hendrik van Balen(1575-1632)을 놓쳐서는 안 됩니다. 그의 제단 그림(예를 들어 앤트워프의 야곱 교회)은 참을 수 없습니다. 그는 루브르 박물관의 신들의 만찬, 드레스덴의 아리아드네, 브런즈윅의 만나를 모으는 것과 같은 고대 우화에서 주로 내용을 담은 보드에 작고 매끄럽게 칠해진 달콤한 그림으로 유명해졌지만, 이런 종류의 그림도 부족합니다. 예술적 신선함과 즉각적.

그러나 위에서 설명한 과도기적 풍경 스타일은 18세기 초까지 약한 모방자들 사이에서 계속되었습니다. 여기에서 우리는 그것을 네덜란드로 옮긴이 방향의 가장 강력한 주인, 앤트워프에서 암스테르담으로 이사 한 Mecheln의 David Winkboons (1578-1629), 신선한 숲과 마을 장면을 그렸고 때로는 풍경의 성경적 에피소드를 그렸습니다. 설정하지만 마을 선술집 앞에서 가장 기꺼이 성전 휴가를 보냅니다. 아우 크스 부르크, 함부르크, 브라운 슈 바이크, 뮌헨, 상트 페테르부르크에서 그의 최고의 그림은 힘없이가 아니라 꽃 색깔로 직접 관찰되고 그려집니다. 쿠르트 에라스무스(Kurt Erasmus)가 사랑스럽게 저술한 연구에 전념한 Courtrai의 Rellant Savery(1576 - 1639)는 루돌프 2세를 위해 독일의 숲이 우거진 산을 연구한 후 처음에는 암스테르담에, 그 다음에는 위트레흐트에 화가와 에칭가로 정착했습니다. 빛이 가득하고 점차적으로 세 개의 평면을 병합하지만 비엔나와 드레스덴에서 잘 볼 수 있는 산악, 바위 및 숲 풍경, 사냥 장면에서 야생 및 길들인 동물의 라이브 그룹을 이미지에서 낙원과 오르페우스. 그는 또한 최초의 독립 꽃 화가에 속합니다. 1611년 위트레흐트로 이주한 앤트워프(1577년, 1649년 이후 사망) 출신 아담 윌러츠(Adam Willaerts)는 이러한 과도기 양식의 바다 풍경을 대표하는 인물이었습니다. 그의 해안 및 해양 전망(예: 드레스덴, 함부르크의 웨버, 리히텐슈타인 갤러리)은 여전히 ​​파도의 패턴이 건조하고 선박 생활을 묘사하는 데 여전히 무례하지만 자연과의 관계에 대한 정직함에 매료됩니다. 마지막으로 그의 플랑드르 풍경화를 암스테르담으로 옮긴 앤트워프의 알렉산더 케링스(1600-1652)는 그의 서명과 함께 그림에서 여전히 Coninxloe를 따르고 있지만 이후 Brunswick과 Dresden의 그림에서는 분명히 Van Goyen의 갈색 네덜란드 색조에 영향을 받았습니다. 그림. . 따라서 그는 완전한 의미에서 과도기적 대가에 속합니다.

집에 남아 있던 이러한 유형의 앤트워프 거장 중 Sebastian Vranks(1573 - 1647)는 풍경화가이자 말 화가로서 의심할 여지가 없는 성공을 보여줍니다. 그는 또한 가장 자주 자작 나무처럼 매달려있는 다발 형태의 단풍을 묘사하지만 더 자연스러운 연결을 제공하고 통풍이 잘되는 톤에 새로운 선명도를 제공하며 자신 있고 일관되게 작성된 행동에 중요한 특성을 전달하는 방법을 알고 있습니다. 예를 들어 브라운슈바이크, 아샤펜부르크, 로테르담, 함부르크의 웨버에서 볼 수 있는 그의 전투 및 강도 장면의 말과 기수.

마지막으로 16세기 초에 건축 회화에서 장로 Steenwick의 길을 따라 그는 자연을 따르는 문자를 예술적 매력으로 점진적으로 대체하는 과도기적 스타일을 개발했습니다. ), 런던으로 이사했고 그 옆에는 드레스덴, 마드리드, 파리 및 상트 페테르부르크에서 교회의 내부 모습을 볼 수있는 Peter Neefs the Elder (1578-1656)의 주요 인물이 있습니다.

일반적으로 플랑드르 회화는 루벤스의 위대한 예술이 태양처럼 위로 솟아올라 빛과 자유의 영역으로 가져갔을 때 분명히 작은 예술로 돌아가는 매우 올바른 길에 있었습니다.

Peter Paul Rubens (1577 - 1640) - 17세기의 모든 벨기에 예술이 회전하는 태양이지만 동시에 이 시기 범유럽 예술의 위대한 조명 중 하나입니다. 모든 이탈리아 바로크 화가들과는 달리 그는 그림에서 바로크를 대표하는 주요 인물입니다. 형태의 충만 함, 움직임의 자유, 대중에 대한 지배력, 바로크 양식의 건축 양식에 그림 같은 느낌을주는 루벤스의 그림에서 그들은 돌의 무거움을 포기하고 색상의 황홀한 사치로 독립적이고 새로운 권리를 얻습니다. 존재하다. 개별 형태의 힘, 구성의 웅장함, 빛과 색채의 꽃이 만발한 충만함, 갑작스러운 행동의 전환에 있는 삶의 열정, 육체의 남성과 여성의 육체적, 영적 삶을 자극하는 힘과 불, 옷을 입은 사람과 옷을 벗은 사람, 그는 다른 모든 주인을 능가합니다. 도톰한 볼과 도톰한 입술, 해맑은 미소를 지닌 그의 금발 여성의 호화로운 몸매가 하얗게 빛난다. 태양에 그을린 남성 영웅의 피부는 빛나고 대담한 볼록한 이마는 강력한 눈썹 아치로 생기를 불어넣습니다. 그의 초상화는 그 시대에 가장 개인적이고 친밀한 것이 아니라 가장 신선하고 건강합니다. 야생 동물과 길들인 동물을 그처럼 생생하게 재현하는 방법을 아는 사람은 없었지만 대부분의 경우 시간 부족으로 조수를 떠나 그림에 묘사했습니다. 그가 조수들에게도 맡긴 풍경에서 그는 우선 대기 생활로 인한 일반적인 효과를 보았지만 노년기에도 놀라운 풍경을 그렸습니다. 그의 예술은 영적, 물리적 현상의 전 세계, 과거와 현재의 전체 복잡성을 포용했습니다. 제단 그림과 그가 교회를 위해 그린 제단 그림. 그는 주로 자신과 친구들을 위해 초상화와 초상화를 그렸습니다. 그가 이 세상의 위인들을 위해 창조한 신화적, 우화적, 역사적 이미지와 사냥 장면. 풍경화와 풍속화는 가끔 부업이었다.

루벤스에게 주문이 쏟아졌습니다. 그의 스튜디오에서 적어도 2천 점의 그림이 나왔다. 그의 예술에 대한 큰 수요로 인해 그의 학생과 조수들의 손에 의해 전체 그림이나 개별 부분이 자주 반복되었습니다. 인생의 정점에서 그는 보통 조수들에게 손으로 그린 ​​그림을 남겼습니다. 자신의 손으로 쓴 작품과 그가 스케치만 한 스튜디오의 그림 사이에는 모든 전환이 있습니다. 기본 형태와 기본 분위기의 모든 유사성에도 불구하고 그의 그림은 단단한 조형과 두껍고 무거운 글씨에서 더 가볍고 자유롭고 밝은 실행에 이르기까지 동시대 많은 사람들과 마찬가지로 스타일의 상당한 변화를 보여줍니다. 보다 생동감 있는 윤곽선, 보다 부드럽고 경쾌한 모델링, 톤 페인팅의 꽃 같은 색상으로 조명된 무드가 가득합니다.

루벤스에 관한 최신 문헌의 선두에는 막스 루즈의 광범위하게 구상된 누적 작업인 루벤스의 작품(1887-1892)이 있습니다. 가장 훌륭하고 중요한 전기 작품은 Rooses와 Michel의 작품입니다. Waagen 이후 수집된 작품은 Jakob Burchardt, Robert Fischer, Adolf Rosenberg 및 Wilhelm Bode에 의해 출판되었습니다. Rubens에 대한 개별 질문은 Ruelens, Voltman, Riegel, Geller von Ravensburg, Grossman, Riemans 등이 분석했습니다. 조각사로서 Rubens는 Gimans와 Voorthelm-Schnevogt에 종사했습니다.

루벤스는 존경받는 앤트워프 출신의 쾰른 근처 지겐에서 태어나 아버지의 도시에서 전환기 스타일의 평범한 풍경화가인 토비아스 베르헤트(1561-1631)로부터 첫 예술 교육을 받은 후 아담 반에게서 4년 동안 공부했습니다. Noort(1562 - 1641)는 현재 알려진 바와 같이 매너 있는 이탈리아주의의 평균적인 거장 중 한 명으로, 이후 4년 동안 소설이 풍부한 Otto Van Ven와 함께 일했습니다. 처음에 그는 밀접하게 합류했고 1598년에 길드 마스터가 되었습니다. 1908년에 Habertzwil은 루벤스의 세 스승에게 자세한 기사를 썼습니다. 루벤스의 초기 앤트워프 시대에 대한 단 하나의 그림을 확실하게 확립하는 것은 불가능합니다. 1600년부터 1608년까지 그는 이탈리아에서 살았다. 처음에는 베니스에서, 그 다음에는 주로 Mantua에서 Vincenzo Gonzaga를 섬겼습니다. 그러나 이미 1601년 로마에서 예루살렘에 있는 산타 크로체 교회의 세 제단을 위해 그는 십자가의 발견, 가시 면류관, 십자가의 현양을 그렸습니다. 현재 프랑스 남부 Grasse에 있는 병원의 예배당에 있는 이 세 그림은 여전히 ​​자신을 찾고 있으며 여전히 Tintoretto, Titian 및 Correggio의 사본에 영향을 받았지만 이미 독립적인 노력으로 가득 찬 그의 첫 번째 이탈리아 시대의 스타일을 보여줍니다. 힘과 움직임을 위해. 1603년 젊은 스승은 왕자의 명령을 받아 스페인으로 갔다. 그가 그곳에서 그린 그림에서 마드리드 박물관의 철학자 헤라클레이토스, 데모크리토스, 아르키메데스의 인물들은 여전히 ​​화려하고 의존적인 형태를 드러내지만 심리적 깊이에 대한 강한 인상도 드러냅니다. Mantua로 돌아온 Rubens는 세 부분으로 된 큰 제단화를 그렸는데, 가운데 그림은 Gonzaga 가족이 St. Trinity는 Mantua 도서관의 두 부분으로 보존되었으며 넓고 풍부한 측면 그림에서 대중의 형태와 행동의 점점 커지는 힘을 보여주는 그리스도의 세례는 앤트워프 박물관에서 끝났고 변형은 낸시 박물관. 그런 다음 1606년에 주인은 누오바 키에사를 위해 로마에서 다시 루벤스의 힘으로 가득 찬 그의 빛으로 가득 찬 인물인 성 베드로 승천의 제단화를 다시 그렸습니다. Gregory”는 현재 그르노블 박물관이 소유하고 있으며 로마에서는 이미 1608년에 같은 주인의 최고의 그림이 아닌 세 개의 다른 그림으로 대체되었습니다. Caravaggio의 스타일을 더 명확하게 연상시키는 것은 제노아의 Sant'Ambrogio에서 1607년의 장엄한 "할례의 그리스도"입니다. 그러나 Rooses와 Rosenberg와 같은 연구자들은 그가 Titian, Tintoretto, Correggio, Caravaggio, Leonardo, Michelangelo 및 Raphael의 작품과 그의 붓으로 여러 그림을 복사했을 때 마스터를 이탈리아 시대에 돌립니다. 나중에. Michel이 우리와 함께 생각하는 것처럼 Mantua에서 시작된 Mantua에서 시작된 Dresden의 전시 및 미덕에 대한 큰 우화는 작성되지 않은 경우 Mantua에서 1608 년경에 Bode와 함께 다음과 같이 나타 났음을 인정합니다. Roosers와 함께하는 것보다 Rubens가 그의 고향으로 돌아 왔는데, 그들은 Antwerp로의 이탈리아 여행 전에 작성되었습니다. 드레스덴에 있는 Jerome의 자신감 있게 그려지고 조형적으로 모델링된 이미지는 또한 독특한 루벤스식 방식을 드러내며, 아마도 그의 이탈리아 시대에 비해 너무 발전된 것일 수도 있습니다. 1608년 루벤스가 앤트워프로 돌아오자 이미 1609년에 그는 알브레히트와 이사벨라의 궁정 화가로 임명되었고, 이미 독립적인 그의 스타일은 빠르게 웅장한 힘과 웅장함으로 발전했습니다.

구성이 어수선하고 윤곽이 불안정하며 조명 효과가 고르지 않은 마드리드의 Adoration of the Magi (1609-1610)는 강력한 움직임으로 표시됩니다. 삶과 열정이 넘치고 몸의 근육질 모델링에 강력한 그의 유명한 세 부분으로 된 앤트워프 대성당의 "십자가의 찬양"이미지. 카셀의 비너스, 큐피드, 바커스, 세레스, 올덴부르크의 튼튼하고 사슬에 묶인 프로메테우스와 같은 동시대의 신화적 그림에서 더 강한 이탈리아의 기억이 느껴진다. 이 시대의 대규모 초상화의 특징적인 예는 마드리드에 있는 알브레히트와 이사벨라의 풍경 초상화와 1609년에 고국으로 돌아온 젊은 아내 이사벨라 브란트와 함께 인동덩굴 정자에서 주인 자신을 나타내는 웅장한 뮌헨 그림입니다. , 잔잔한 순수한 행복 사랑의 비교할 수없는 이미지.

루벤스의 예술은 1611년에서 1614년 사이에 또 ​​다른 비행을 발견했습니다. 앤트워프 대성당의 장엄한 "방문 마리아 엘리자베스"와 날개에 "성전 입구"가있는 거대한 그림 "십자가에서 내리다"는 주인이 자신의 유형과 글쓰기 방법을 가져온 첫 번째 작품으로 간주됩니다. 전체 개발에. 개별 동작의 열정적 인 생명력이 훌륭하고 화보 퍼포먼스의 관통력은 더욱 훌륭합니다. Capitoline Gallery의 "Romulus and Remus", 비엔나 Schonborn Gallery의 "Faun and Faun"과 같은 신화 그림도 이 시대에 속합니다.

1613년과 1614년 루벤스의 그림은 구성에 자신이 있고 형태와 색상이 명확하게 정의되어 있으며 그의 이름과 실행 연도가 예외로 표시된 일부 그림입니다. 순수한 형태, 아름다운 색상 그림 "Jupiter and Callisto"(1613), 마법의 빛으로 가득 찬 Kassel의 "Flight into Egypt", 앤트워프의 "Frozen Venus"(1614), 애처로운 "Lamentation"(1614) 비엔나와 스톡홀름의 "수산나"(1614). 그의 몸은 마드리드에서 그의 초기 수잔나의 너무 호화로운 몸보다 의심할 여지 없이 더 즐겁고 더 잘 이해된다. 그림의 측면에서 볼 때 뮌헨과 앤트워프의 어두운 하늘을 배경으로 외롭게 십자가에 못 박힌 그리스도의 강력한 상징적 이미지가 이 그림들과 인접해 있습니다.

그때부터 루벤스의 작업실에는 커미션이 쌓여서 조수들이 그림을 그리는 데 눈에 띄게 참여하게 되었습니다. Jan Brueghel 외에 가장 오래된 것은 동물과 과일의 뛰어난 화가 Frans Snyders (1579-1657)에 속하며 위에서 언급 한 Prometheus와 함께 Oldenburg 그림에서 독수리를 그린 Rubens 자신과 활기찬 풍경화가 Jan Wildens ( 1586 - 1653), 1618년부터 루벤스를 위해 일했습니다. 가장 주목할만한 협력자는 Anton van Dyck(1599 - 1641)이었는데, 그는 나중에 독립 인물이 되었습니다. 어쨌든 1618년에 대가가 된 그는 1620년까지 루벤스의 오른팔이었다. 이 해의 루벤스 자신의 그림은 일반적으로 몸의 푸르스름한 반음부와 적황색 반점을 대조하는 반면 Van Dyck의 명확하게 확립된 협력이 있는 그림은 균일한 따뜻한 명암과 보다 긴장된 그림 전송으로 구별됩니다. 그중에는 비엔나의 리히텐슈타인 궁전에 있는 로마 집정관 데키우스 무사의 생애에서 열정적으로 그린 ​​6개의 대형 이미지, 루벤스가 1618년에 카펫을 짜기 위해 만든 판지(마드리드에 남아 있는 사본이 있음) 및 대형 장식용 플라폰 그림이 있습니다. (다양한 컬렉션에서 스케치만 보존됨), 이 교회의 제단화의 많은 인물인 “성 베드로의 기적”과 함께 화려한 구성의 일부가 있습니다. 자비에르', '성 베드로의 기적' 등이다. Ignatius”, Vienna Court Museum에 저장됨. Van Dyck의 공동 작업은 앤트워프의 거대한 십자가 처형에서도 부인할 수 없습니다. Longinus는 말을 타고 창으로 구주의 옆구리를 뚫고 Kassel의 참회하는 죄인과 함께 Madonna에서, 그리고 Bode에 따르면 뮌헨 삼위 일체의 날과 Rooses에 따르면 Berlin Lazar에서 극적인 사자 사냥과 뮌헨에서 Leucippus의 딸에 대한 극적이고 열정적이며 빠른 납치에서도 마찬가지입니다. 이 모든 그림은 루벤스 구성의 대담한 힘뿐만 아니라 Van Dyck 그림의 미묘한 느낌으로 빛납니다. 1615년에서 1620년 사이에 루벤스 자신이 주요 부분을 그린 손으로 그린 ​​그림 중에는 활기차고 동요한 뮌헨의 대중 운동 "최후의 심판"과 내부 애니메이션 "가정의 가정"으로 가득 찬 최고의 종교 그림도 있습니다. 브뤼셀과 비엔나의 Our Lady', 삶의 넘치는 관능적 기쁨의 힘이 번역된 뮌헨, 베를린, 상트페테르부르크, 드레스덴의 거장 신화 회화와 호화로운 'bacchanalia', 'Thiazos' 이미지 등 Roman에서 Flemish로, 처음으로 완전한 표현에 도달한 것 같습니다. 작은 크기로 작성되었지만 가장 폭력적인 난투와 전투의 그림 같은 전달이라는 의미에서 접근 할 수없는 뮌헨 (1620 년경)의 "아마존 전투"가 여기에 인접 해 있습니다. 그런 다음 뮌헨의 과일 화환이 달린 훌륭한 퍼티와 같은 실물 크기의 벌거 벗은 아이들, 폭력적인 사냥 장면, 뮌헨에서 가장 좋은 사자 사냥, 드레스덴에서 가장 좋은 멧돼지 사냥이 있습니다. 예를 들어, 베를린의 Aeneas의 난파선의 전체 분위기 또는 루브르 박물관의 폐허가있는 빛나는 로마 풍경 (1615 년경)과 같은 자연 환경과 같은 신화적인 추가가있는 첫 번째 풍경화와 생활 "여름"과 "겨울 (c. 1620) Windsor에서. 웅장하게 전달되고, 옛 매너리즘의 힌트 없이 광범위하고 진실되게 쓰여지고, 모든 종류의 천체 현현의 빛으로 밝혀진 그들은 풍경화의 역사에서 이정표처럼 서 있습니다.

분명히, 웅장하고 강력하게, 이 5년 동안의 루벤스의 초상화가 마침내 등장합니다. 피티 궁전에 있는 그의 초상화 그룹 "네 명의 철학자"는 우피치 미술관에 있는 그의 자화상 중 걸작입니다. 그녀의 아름다움의 전성기는 베를린과 헤이그의 고귀한 초상화에 있는 그의 아내 이사벨라입니다. 1620년경, 가장 섬세한 키아로스쿠로로 부채질한 깃털 달린 모자를 쓴 Susanna Fuhrman의 놀라운 초상화도 런던 내셔널 갤러리에서 그렸습니다. 이 시대의 거장의 유명한 남성 초상화는 뮌헨과 리히텐슈타인 갤러리에서 볼 수 있습니다. 루벤스가 신성한 세계사, 사냥 장면, 심지어 풍경의 에피소드를 얼마나 열정적으로 묘사했는지, 그는 기념비적 인 힘과 진실로 몸의 껍질을 전달할 수 있었지만 내부적으로 영화하려고 시도하지 않고 일반적으로 만 파악하면서 침착하게 초상화를 그렸습니다. , 얼굴 특징.

Van Dyck은 1620년에 루벤스를 떠났고 그의 아내 Isabella Brant는 1626년에 사망했습니다. 그의 예술에 대한 새로운 자극은 1630년에 아름다운 젊은 Helena Furman과의 재혼이었습니다. 1623, 1625), 마드리드(1628, 1629), 런던(1629, 1630). 알레고리가 있는 두 개의 큰 역사적 시리즈 중 Marie de Medici의 삶에서 나온 21개의 거대한 그림(이야기는 Grossman이 썼습니다)은 이제 루브르 박물관의 최고의 장식에 속합니다. 루벤스의 뛰어난 손으로 스케치하고, 그의 제자들이 덧칠하고, 스스로 완성한 이 역사적인 그림은 현대 바로크 양식의 많은 현대 초상화와 우화적인 신화적 인물로 가득 차 있으며 개별적인 아름다움과 예술적 조화를 보여줍니다. 그들은 17세기 최고의 회화 작품으로 영원히 남을 것입니다. 프랑스의 앙리 4세의 생애에 대한 일련의 그림에서 두 개의 반쯤 완성된 그림이 우피치에 도착했습니다. 다른 사람을 위한 스케치는 다른 컬렉션에 보관됩니다. 루벤스가 몇 년 후 런던 그을음으로 검게 변한 화이트 홀 본당의 판자 밭을 장식 한 영국의 제임스 1 세를 찬양하는 9 개의 그림은 알아볼 수 없지만 그 자체는 주인의 가장 성공적인 작품에 속하지 않습니다 .

20년대에 루벤스가 그린 종교화 중 1625년에 완성된 앤트워프의 위대한 불 같은 "동방 박사의 숭배"는 더 자유롭고 넓은 붓, 더 가벼운 형태의 언어 및 더 많은 금색으로 그의 예술적 발전의 전환점을 다시 표시합니다. , 경쾌한 발색. . 앤트워프 대성당의 가볍고 바람이 잘 통하는 "마리아의 승천"은 1626년에 완성되었습니다. 그 뒤를 루브르 박물관의 그림 같은 무료 "동방박사 숭배"와 앤트워프의 "성모 마리아 교육"이 이어집니다. 주인이 Titian을 다시 공부한 마드리드에서 그의 채색은 더 풍부하고 "꽃이 피었습니다". 앤트워프의 아우구스티누스 교회에서 성인들이 그녀를 경배하는 "마돈나"는 티치아노의 프라리 마돈나를 바로크식으로 반복한 것입니다. 그녀의 편지로 판단되는 1629 년 런던 (현재 내셔널 갤러리에 있음)에 위치한 Mantegna의 "Triumph of Caesar"의 의미있게 수정 된 부분도이 시간 이후에만 나타날 수 있습니다. 이 10년은 특히 주인의 큰 초상화가 풍부합니다. 나이가 들었지만 여전히 따뜻한 미모로 가득한 Isabella Brant는 Hermitage의 아름다운 초상화에 있습니다. 이미 더 선명한 기능은 Uffizi의 초상화로 표현됩니다. 가장 훌륭하고 화려한 것 중에는 리히텐슈타인 갤러리에 있는 그의 아들들의 이중 초상화가 있습니다. 앤트워프에 있는 그의 책상에 있는 Caspar Gevaert의 표정이 풍부한 초상화는 유명합니다. 그리고 브뤼셀에 있는 Aremberg의 아름다운 흉상 초상화에서 입술에 엷은 외교적 미소를 지으며 나이든 주인 자신이 우리 앞에 나타납니다.

많은 루벤스(1631-1640)에게 떨어진 마지막 10년은 그가 사랑하는 두 번째 아내 엘레나 퍼먼의 별 아래 서 있었습니다. Rubens의 그녀의 최고의 초상화는 세계에서 가장 아름다운 여성 초상화에 속합니다. 절반 길이, 풍성한 드레스, 깃털이 달린 모자; 가슴에 열린 고급스러운 드레스를 입고 실물 크기로 앉아 있습니다. 정원에서 산책을 위해 남편 옆에 작은 형태로 그녀는 뮌헨 Pinakothek에 있습니다. 알몸, 일부만 모피 맨틀로 덮여 있음-Vienna Court Museum에서; 들판에서 걷기위한 옷을 입고-암자에서; 그녀의 맏아들과 함께 새시에, 남편과 팔짱을 끼고, 또한 거리에서 페이지와 함께 파리의 Baron Alphonse Rothschild에서.

이 번성하고 빛나는 주인의 후기 시대의 가장 중요한 교회 작품은 장엄하고 차분한 구성으로 무지개의 모든 색으로 빛나는 성 베드로의 제단입니다. 비엔나 궁정 박물관 문에 기증자의 강력한 인물이 있는 일데폰과 앤트워프의 야곱 교회에 있는 루벤스 자신의 장례 예배당에 있는 웅장한 제단에는 주인과 가까운 얼굴에서 그려진 도시의 성도들이 있습니다. 다음과 같은 더 간단한 작업: St. 베를린의 Cecilia와 드레스덴의 웅장한 Bathsheba는 톤과 색상면에서 열등하지 않습니다. 이 시대의 귀중한 신화 사진 중에는 런던과 마드리드에서 빛나는 파리의 심판이 있습니다. 그리고 베를린에서 다이애나의 사냥이 얼마나 열정적으로 숨쉬는 지, 비엔나에서 비너스의 향연이 얼마나 화려하게 펼쳐지는지, 마드리드에서 오르페우스와 에우리디케를 비추는 마법 같은 빛!

이런 종류의 그림에 대한 준비는 주인의 일부 장르 이미지입니다. 그래서 신화 장르의 캐릭터는 뮌헨의 대담하고 관능적인 실물 크기의 "Hour of Date"를 포착합니다.

Watteau의 모든 세속적 장면의 원형은 날아 다니는 사랑의 신, "사랑의 정원"이라는 그림, 정원의 축제에서 사랑에 빠진 호화로운 옷을 입은 커플 그룹과 함께 유명합니다. 이런 종류의 최고의 작품 중 하나는 파리의 Baron Rothschild 소유이고 다른 하나는 마드리드 박물관에 있습니다. 루벤스가 그린 민속 생활의 작은 인물이 있는 가장 중요한 풍속화는 마드리드의 장엄하고 생기 있는 순전히 루벤스식 농민 춤, 성의 해자 앞, 루브르 박물관, 박람회 같은 컬렉션에서 동기는 이미 Teniers를 연상시킵니다.

Rubens의 실제 풍경의 대부분은 또한 그의 생애 말년에 속합니다. Pitti Palace의 Odysseus가있는 빛나는 풍경과 같은 풍경은 디자인이 새롭고 예술적으로 설명하며 주변 환경의 단순하고 넓은 이미지입니다. , Rubens의 dacha가 위치한 평평한 지역과 웅장하고 분위기가 가득한 하늘이 바뀝니다. 가장 아름다운 것은 런던의 불타는 일몰과 뮌헨과 상트페테르부르크의 무지개가 있는 풍경입니다.

루벤스가 무엇을 하든 그는 모든 것을 빛나는 금으로 바꾸었습니다. 그리고 그의 예술에 협력자나 추종자로서 접촉한 사람은 누구든지 더 이상 그의 악순환에서 벗어날 수 없었습니다.

루벤스의 수많은 제자들 중에서 안톤 반 다이크(1599-1641)만이 광채로 빛나는 머리로 예술의 하늘에 닿는다. Balen은 그의 진정한 스승으로 간주되지만 Rubens 자신은 그를 학생이라고 불렀습니다. 어쨌든 그의 젊음의 발전은 우리가 아는 한 루벤스의 영향을 받았는데, 그는 루벤스로부터 완전히 벗어나지 않았지만 그의 더 인상적인 기질에 따라 회화에서 더 긴장하고 온화하며 미묘한 방식으로 재 작업했습니다. 그리고 그림에 덜 강합니다. . 이탈리아에서의 오랜 체류는 마침내 그를 화가이자 색채의 대가로 만들었습니다. 실사를 발명하고 극적으로 악화시키는 것은 그의 일이 아니었지만, 그는 역사적인 그림에 인물을 서로 명확하게 생각한 관계로 배치하고 그의 초상화에 사회적 지위의 미묘한 특징을 전달하는 방법을 알고 있었습니다. 그 시대의 귀족들.

Van Dyck에 대한 최신 요약 작업은 Michiels, Giffrey, Kust 및 Schaeffer가 작성했습니다. Vibiral, Bode, Hymans, Rooses, Lau, Menotti 및 이 책의 저자는 그의 삶과 예술에 대한 별도의 페이지를 설명했습니다. 지금도 그들은 주로 여행과 관련된 삶의 다른 기간을 구별하는 것에 대해 논쟁하고 있습니다. 최신 연구에 따르면 그는 앤트워프에서 1620 년까지, 런던에서 1620-1621 년, 이탈리아에서 1621-1627 년, 주로 제노바에서 일했으며, Rooses가 보여준 것처럼 아마도 집에서, 1627-1628년 네덜란드에서, 다시 앤트워프에서, 1632년부터 런던에서 찰스 1세의 궁정화가로 일하다가 1641년 사망했으며, 이 기간 동안 1634-1635년에는 브뤼셀에, 1640년과 1641년에는 앤트워프에 있었습니다. 그리고 파리.

루벤스의 영향이 눈에 띄지 않을 반 다이크의 초기 작품은 거의 없다. 그의 초기 사도 시리즈에서도 이미 루벤스식 방식의 흔적을 볼 수 있습니다. 이 중 원본 머리 중 일부는 드레스덴에, 나머지는 Althorp에 보존되어 있습니다. Van Dyck이 1618년부터 1620년까지 루벤스를 섬기는 동안 자신의 위험과 위험을 무릅쓰고 자신의 디자인에 따라 그린 종교 그림 중 "성 베드로의 순교"에 속합니다. Sebastian", 뮌헨에서 "그리스도의 애가"와 "수산나 목욕하기"가 오버로드 된 오래된 구성으로 구성되었습니다. "St. Petersburg의 Thomas", 마드리드의 "The Copper Serpent". 이 그림들 중 어느 것도 완벽한 구성을 자랑할 수는 없지만 잘 칠해지고 꽃이 만발합니다. Dresden "Jerome"은 그림 같고 영혼에 깊이 느껴지며 이웃의 더 차분하고 거칠게 쓰여진 Jerome Rubens와 생생한 대조를 이룹니다.

그런 다음: The Mocking of Christ in Berlin, 이 세미 루벤스 그림 중 가장 강력하고 표현력이 뛰어나며 구성이 아름답습니다. 윈저에서 말에 앉아 거지에게 망토를 내밀고 있는 마틴. Saventham 교회에서이 Martin의 단순화되고 약한 반복은 후기 마스터 방식에 더 가깝습니다.

Van Dyck은 특히 그의 초상화에서 이 루벤스 시대의 위대한 예술가입니다. 두 마스터의 잘 알려진 장점을 결합한 그들 중 일부는 Bode가 Van Dyck에게 반환 할 때까지 19 세기에 Rubens에 기인했습니다. 루벤스의 동시 초상화보다 개별적인 특징이 더 개성 있고 표현이 더 긴장하며 글이 더 부드럽고 깊습니다. Van Dyck의 이 세미 루벤스 초상화 중 가장 오래된 것은 드레스덴에서 1618년에 결혼한 노부부의 흉상 초상화이며, 가장 아름다운 것은 리히텐슈타인 갤러리에 있는 두 부부의 반쪽 모습입니다. , 드레스덴에서 장갑을 끼고 무릎에 아이를 안고 빨간 커튼의 숙녀 앞에 앉아 있는 신사. Hermitage의 웅장한 Isabella Brant가 그에게 속하며 Louvre에서 Jean Grusset Richardeau와 그 옆에 서있는 그의 아들의 이중 초상화가 있습니다. 이중 초상화 중에서 서로 옆에 서있는 배우자가 알려져 있습니다. Frans Snyders와 매우 강제적 인 포즈를 가진 그의 아내 Jan de Wael과 뮌헨의 그의 아내의 초상화가 가장 아름답습니다. 마지막으로 상트 페테르부르크, 뮌헨, 런던에서 사려 깊고 자신감 넘치는 표정을 지닌 주인의 젊은 자화상에서 스무 살 정도의 나이는 초기를 나타냅니다.

Van Dyck이 1621년에서 1627년 사이에 그린 종교 그림에서. 이탈리아 남부에는 루벤스를 연상시키는 Palazzo Bianco의 불 같은 후광에 "베드로의 주화"와 "아이와 함께한 마리아"가있는 티치아노에서 영감을 얻은 아름다운 장면이 남아 있습니다. 제노아의 왕궁, 그림같이 아름답고 영적인 용어로 부드럽게 느껴지는 로마의 보르게제 갤러리의 매장, 피티 궁전의 나른한 마리아의 머리, 토리노 피나코텍의 웅장하고 찬란한 가족, 그리고 강력하지만 다소 예의바른 길쭉한 인물이 있는 팔레르모의 마돈나 델 로사리오의 제단화. 세속적 인 그림 중에서 Giorgione의 정신으로 아름다운 Vincenza 시립 박물관의 삶의 세 시대를 묘사 한 그림과 구성이 단순하지만 마드리드의 불 같은 그림 "Diana and Endimon"만 여기에서 언급하겠습니다.

자신감 있고 확고하며 동시에 어두운 명암의 부드러운 스트로크 모델링과 분위기의 통일을 위해 노력하는 이탈리아 머리의 깊고 풍부한 색상은 그의 이탈리아, 특히 제노바 초상화에서도 나타납니다. 제노아의 로시 궁전(Palazzo Rossi)에 위치한 안토니오 줄리오 브리뇰레 살레(Antonio Giulio Brignole Sale)의 승마 초상화는 인사의 표시로 오른손에 모자를 흔들며 거의 보는 사람을 향하고 있는 대담한 단축법으로 그려져 새로운 길의 진정한 지표였습니다. 귀족, 바로크 양식의 기둥과 휘장을 배경으로 금 자수가있는 진한 파란색 실크 드레스를 입은 딸 Paola Adorio와 같은 컬렉션의 고귀한 사람의 옷을 입은 청년과 함께 Signora Geronimo Brignole Sale의 초상화가 서 있습니다. 절대적인 초상화 예술의 절정에. 그들은 밝은 노란색 실크 다 마스크 드레스를 입은 Marchesa Durazzo의 초상화, 빨간 커튼 앞에서 아이들과 함께, 개가있는 세 자녀의 활기찬 그룹 초상화, 흰 드레스를 입은 소년의 고귀한 초상화, Palazzo Durazzo Pallavicini에 보관된 앵무새. 로마의 Capitoline Gallery에는 Luca와 Cornelis de Wael의 매우 중요한 이중 초상화가 있으며 Florence의 Palazzo Pitti에는 Giulio Bentivoglio 추기경의 영적 표현 초상화가 있습니다. Van Dyck의 이탈리아 시대의 다른 초상화는 해외로 향했습니다. 가장 훌륭한 것 중 하나는 뉴욕의 Pierpont Morgan이 소유하고 있지만 런던, 베를린, 드레스덴 및 뮌헨에서도 찾을 수 있습니다.

이탈리아에서 돌아온 후 주인이 고국에서 보낸 5 년 (1627-1632)은 매우 유익한 것으로 판명되었습니다. 크고 움직이는 제단 조각으로 가득 찬 성 베드로 교회의 강력한 십자가는 무엇입니까? Dendermonde의 Zhen, Ghent의 Michael 교회, Meheln의 Romuald 교회, St. Courtrai의 Gens는 그뿐만 아니라 내면의 삶으로 가득 찬 작품을 대표하지 않습니다. 여기에는 Lille Museum에서 곧 개봉될 십자가형, 뮌헨의 "비행 중 휴식", 앤트워프, 비엔나 및 뮌헨. 이 그림들은 루벤스의 이미지를 영웅적인 언어에서 감정의 언어로 번역합니다. 이 시기의 가장 아름다운 그림으로는 루브르 박물관에서 무릎을 꿇은 기증자와 천사들이 꽃을 붓는 마돈나, 뮌헨에 서 있는 아기 예수가 있는 마돈나, 앤트워프, 뮌헨, 베를린, 파리. 일반적으로 마돈나와 애도는 Van Dyck이 가장 좋아하는 주제였습니다. 그는 우피치의 교차로에 있는 그의 헤라클레스, 비너스, 벌컨, 비엔나, 파리의 이미지가 어느 정도 그들을 다룰 수 있었음을 보여주지만, 이교도 신들의 이미지를 거의 취하지 않았습니다. 그는 주로 초상화가로 남았습니다. 이 5년의 기간 동안 약 150점의 그의 붓 초상화가 보존되었습니다. 그들의 얼굴 특징은 훨씬 더 선명하고 일반적으로 우아하고 활동적이지 않은 손에는 같은 종류의 이탈리아 그림보다 표현이 훨씬 적습니다. 다소 귀족적인 편안함이 그들의 자세에 더해졌고, 더 차가운 색채에서 더 미묘한 전반적인 분위기가 나타났습니다. 옷은 일반적으로 쉽고 자유롭게 떨어지지만 물질적으로 떨어집니다. 전체 크기로 그려진 가장 아름다운 것 중에는 Turin, Louvre 및 Liechtenstein Gallery의 통치자 Isabella의 특징적인 초상화, 런던의 Wallace 컬렉션에있는 Philippe de Roy와 그의 아내, 신사의 이중 초상화가 있습니다. 그리고 루브르 박물관과 고딕 박물관에 아이를 안고 있는 여인과 뮌헨에 있는 신사 숙녀 여러분의 초상화가 몇 점 더 있습니다. 가장 표현력이 풍부한 허리와 세대 초상화 중에는 앤트워프의 물데루스 주교와 마틴 페핀, 상트페테르부르크의 아드리안 스티븐스와 그의 아내, 마드리드의 반 덴 베르그 백작, 리히텐슈타인 갤러리의 캐논 안토니오 데 타시스의 초상화가 있습니다. 오르간 연주자 Liberty는 나른해 보이고 조각가 Colin de Nole과 그의 아내와 딸은 뮌헨의 초상화 그룹에서 지루해 보입니다. 드레스덴의 신사와 숙녀의 초상화와 리히텐슈타인 갤러리의 Marie Louise de Tassis는 고귀하고 그림 같은 자세로 구별됩니다. 그의 시대의 모든 초상화, 특히 영어와 프랑스어에 대한 Van Dyck의 영향은 엄청났습니다. 그러나 자연적 특성과 내면의 진실성에서 그의 초상화는 다른 사람들의 이름은 말할 것도 없고 그의 동시대 인물인 Velázquez와 Frans Hals의 초상화와 비교할 수 없습니다.

그러나 때때로 Van Dyck도 조각 바늘을 집어 들었습니다. 24로 쉽게 알려져 있으며 그의 작품을 큰 의미로 실행했습니다. 한편, 그는 다른 조각가들에게 자신이 그린 유명한 동시대 인물들의 작은 초상화 시리즈를 하나의 회색 톤으로 재현하도록 의뢰했습니다. 전체 컬렉션에서 백 장의 "Van Dyck의 도상학"은 그의 죽음 이후에만 나타났습니다.

Charles I의 궁정 화가로서 Van Dyck은 생애의 마지막 8년 동안 종교 및 신화 그림을 거의 그리지 않았습니다. 그럼에도 불구하고 그가 네덜란드에 잠시 머무는 동안 쓰여진 최고의 그림들 중 몇몇은 이 거장의 후기에 속합니다. 앤트워프 박물관에서 가장 성숙하고 가장 아름다운 "그리스도의 애도"인 Hermitage에서 천사와 날아 다니는 자고의 둥근 춤과 함께 "이집트로의 휴식"의 마지막이자 가장 그림 같은 묘사였습니다. 명료하고 고요하며 감동적인 구성일 뿐만 아니라 진정한 슬픔의 표현뿐만 아니라 파란색, 흰색, 짙은 금색의 아름다운 화음과 함께 색상도 훌륭하고 매혹적인 작품을 나타냅니다. 그런 다음 영국 시대의 수많은 초상화를 따르십시오. 사실, 런던 법원 유형의 영향으로 그의 머리는 점점 더 가면처럼되고 그의 손은 점점 표현력이 떨어집니다. 그러나 드레스는 서면으로 더 세련되고 더 많은 재료, 색상, 은빛 톤이 점차 퇴색하기 시작하여 점점 더 부드러운 매력으로 승리합니다. 물론 Van Dyck은 대규모 생산을 위해 런던에 워크샵을 열었고 수많은 학생들이 참여했습니다. 두 자녀와 개 한 마리를 안고 앉아 있는 왕실 부부를 보여주는 윈저의 가족 초상화는 다소 빈약한 전시입니다. 개선문 앞 같은 장소에 있는 왕의 기마 초상화는 멋지게 그려졌고, 내셔널 갤러리에 있는 그의 기마 초상화는 더욱 그림 같고, 루브르 박물관에서 사냥복을 입은 왕의 유쾌한 초상화는 정말 그림 같습니다. . 반 다이크가 그린 헨리에타 마리아 여왕의 초상화 중에서 런던의 노스브룩 경이 소유하고 정원 테라스에서 난쟁이들과 함께 있는 여왕을 묘사한 초상화는 가장 신선하고 초기의 것 중 하나이며 드레스덴 갤러리에 있는 초상화는 모든 고귀함에도 불구하고 가장 약하고 최신입니다. Van Dyck의 가장 매력적인 걸작에 속하는 영국 왕의 아이들의 다양한 초상화가 유명합니다. Turin과 Windsor는 세 왕실 자녀의 가장 훌륭한 초상화를 가지고 있습니다. 그러나 가장 호화롭고 아름다운 것은 크고 작은 개와 함께 왕의 다섯 자녀가 있는 윈저 초상화입니다. Windsor의 Van Dyck의 다른 수많은 초상화 중에서 Lady Venice Digby의 초상화는 비둘기와 사랑의 신의 형태로 우화적으로 추가되어 새로운 시대를 예고하며 Thomas Killigrew와 Thomas Carew의 이중 초상화는 우리 주인에게는 특이한 삶의 관계가 묘사되었습니다. 뉴욕의 메트로폴리탄 미술관에 있는 큰 개를 안고 있는 제임스 스튜어트의 초상화는 약혼자 윌리엄 2세와 헨리에타 마리아 스튜어트의 자녀인 특별한 은총으로 구별됩니다. 암스테르담의 시립 박물관은 유쾌합니다. 거장의 영국 시대 초상화 약 100점이 보존되어 있습니다.

Van Dyck은 젊은 나이에 사망했습니다. 예술가로서 그는 분명히 모든 것을 말했습니다. 그는 위대한 스승의 다재다능함, 충만함, 힘이 부족하지만 순전히 회화적인 분위기의 미묘함에서 플랑드르 동시대인들을 모두 능가했습니다.

Van Dyck 이전과 이후의 앤트워프에서 루벤스의 다른 중요한 화가, 협력자 및 학생은 루벤스의 예술, 심지어 Abraham Dipepbeck(1596 - 1675), Cornelis Schut(1597 - 1655), Theodor van Thulden(1606 - 1676)의 메아리만 살고 있습니다. , 위대한 조각가의 형제 인 Erasmus Quellinus (1607-1678)와 그의 손자 Jan Erasmus Quellinus (1674-1715)는 그다지 중요하지 않습니다. Rubens 워크샵의 다양한 실제 부서 대표는 더 독립적으로 중요합니다. Frans Snyders(1579 - 1657)는 죽은 자연에서 시작했는데, 그는 실물 크기로 광범위하고 사실적으로 그리고 무엇보다 장식적인 것을 좋아했습니다. 평생 동안 그는 브뤼셀, 뮌헨, 드레스덴에서 구할 수 있는 것과 같은 주방 용품과 과일의 건강한 관찰 이미지로 가득 찬 큰 그림을 그렸습니다. 루벤스의 작업장에서 그는 또한 거의 그의 스승, 살아있는 세계, 사냥 장면의 실물 크기 동물의 힘과 밝기로 생생하고 매혹적으로 묘사하는 법을 배웠습니다. 드레스덴, 뮌헨, 비엔나, 파리, 카셀, 마드리드에서 그린 그의 대형 사냥 그림은 고전적입니다. 때때로 Snyders와 혼동되는 것은 그의 처남인 Paul de Vos(1590-1678)인데, 그의 큰 동물 그림은 Snyders 그림의 신선함과 따뜻함을 따라갈 수 없습니다. 루벤스의 영향으로 개발된 새로운 풍경 스타일은 오래된 3색 무대 배경과 전통적인 덤불 같은 나무 잎사귀를 거의 완전히 없앴으며 루카스 반 오덴스(1595~ 1672), 풍경화의 대가 말년의 조수. 드레스덴에 9점, 상트페테르부르크에 3점, 뮌헨에 2점이 걸려 있는 그의 수는 많지만 대부분 작은 풍경화는 브라반트 언덕 지역과 플랑드르 평야 사이의 매력적인 지역 경계 풍경을 단순하고 자연스럽게 포착한 이미지입니다. 성능은 넓고 세심합니다. 그의 색상은 푸른 나무와 초원, 갈색 땅과 푸른 언덕 거리의 자연스러운 인상뿐만 아니라 약간 흐리고 밝은 하늘을 전달하기 위해 노력합니다. 구름과 나무의 양지바른 면은 보통 노란 빛의 반점으로 반짝거리고 루벤스의 영향으로 때때로 비구름과 무지개도 나타납니다.

루벤스의 예술은 네덜란드의 동판화에 혁명을 일으켰습니다. 그가 작품을 살펴본 수많은 조각가들이 그의 봉사에 참여했습니다. 그들 중 가장 오래된 사람들인 Antwerp Cornelis Galle(1576 - 1656)과 네덜란드 Jacob Matham(1571 - 1631) 및 Jan Müller는 여전히 그의 스타일을 이전 형태의 언어로 번역했지만 Rubens 학교의 조각가들은 Harlem(1580 - 1643)의 Peter Southman이 개장했으며 Lukas Forstermann(b. 1584), Paul Pontius(1603 - 1658), Boethius 및 Schelte와 같은 이름으로 계속해서 빛을 발하고 있습니다. Bolswerth, Pieter de Jode the Younger, 그리고 무엇보다도 위대한 chiaroscuro 조각가 Jan Wittdöck(b. 1604)은 시트에 Rubensian 힘과 움직임을 불어넣었습니다. 그림을 부드러운 덩어리로 긁어내기 위해 곡괭이로 판의 표면을 거칠게 만드는 새로운 메조틴트 기술은 발명되지는 않았지만 처음으로 Lille의 Vallerand Vaillant에 의해 널리 사용되었습니다(1623). - 1677), 유명한 뛰어난 초상화가이자 죽은 자연의 원화가인 루벤스의 제자 에라스무스 켈리누스(Erasmus Quellinus)의 제자. 그러나 Vaillant는이 예술을 벨기에가 아니라 그가 이사 한 암스테르담에서 공부했기 때문에 플랑드르 예술의 역사는 그를 언급 할 수 있습니다.

로마에서 카라바조에 합류한 루벤스나 그의 학생들과 직접적인 관계가 없었던 이 시기의 일부 중요한 앤트워프 거장들은 로마 그룹을 형성했습니다. 명확한 윤곽선, 플라스틱 모델링, Caravaggio의 무거운 그림자는 루벤스의 영향에 대해 말한 더 자유롭고 따뜻하며 더 넓은 그림의 후기 그림에서만 부드러워집니다. 이 그룹의 머리에는 Abraham Janssens Van Nuessen(1576 - 1632)이 있는데, 그의 학생 Gerard Zegers(1591 - 1651)는 그의 후기 그림에서 의심할 여지 없이 루벤스의 페어웨이로 옮겨갔고 Theodore Rombouts(1597 - 1637)는 앤트워프, 겐트, 상트페테르부르크, 마드리드, 뮌헨의 그림, 금속 광택 색상과 검은 그림자가 있는 실물 크기의 그의 장르의 Caravaggio.

이탈리아에 없었던 당시 플랑드르 화가 중 가장 오래된 Caspar de Crayer (1582-1669)는 브뤼셀로 이주하여 루벤스와 경쟁하면서 절충주의를 취한 것 이상으로 가지 않았습니다. 그들은 Antwerp Jacob Jordaens(1583 - 1678)가 이끌고 있으며, 학생이자 Adam Van Noort의 사위이기도 합니다. 이 시대의 진정으로 독립적인 벨기에 현실주의자의 수장은 가장 중요한 플랑드르의 뛰어난 화가 중 한 명입니다. 17세기, 루벤스(Rubens)와 반 다이크(Van Dyck) 옆. Rooses는 또한 그에게 광범위한 작업을 바쳤습니다. 루벤스보다 거칠지만 그보다 더 직접적이고 독창적이다. 그의 몸은 루벤스보다 훨씬 더 거대하고 다육하며 머리는 더 둥글고 평범합니다. 일반적으로 다른 그림에 대해 약간의 변경과 함께 반복되는 그의 구성은 종종 더 예술적이고 종종 과로했으며 그의 모든 기술에 대해 그의 브러시는 더 건조하고 매끄럽고 때로는 더 조밀합니다. 그럼에도 불구하고 그는 훌륭하고 독창적인 컬러리스트입니다. 처음에 그는 신선하고 활기차게 글을 쓰고 포화 된 지역 색상으로 약하게 모델링합니다. 1631년 이후 루벤스의 매력에 휩싸인 그는 더 섬세한 명암법, 더 선명한 중간색, 그림의 갈색 톤으로 이동하여 풍부한 깊은 기본 톤이 효과적으로 빛납니다. 그는 또한 묘사된 모든 것을 묘사했습니다. 그는 대부분의 경우 민속 속담을 주제로 한 실물 크기의 우화 및 장르 그림에 최고의 성공을 거두었습니다.

1617년 St. 앤트워프의 폴은 루벤스의 영향을 드러냅니다. Jordaens는 1618년 스톡홀름의 "Adoration of the Shepherds"와 Braunschweig의 유사한 그림, 특히 그가 믿을 수 없는 이야기를 들려주는 농부를 방문하는 사티로스의 초기 이미지에서 그 자신입니다. 이런 종류의 가장 초기 그림은 브뤼셀에 있는 Mr. Celst가 소유하고 있습니다. 그 뒤를 이어 부다페스트, 뮌헨, 카셀에 사본이 있습니다. 초기 종교화에는 루브르 박물관의 전도자들과 드레스덴 구세주의 무덤에 있는 제자들의 표현적인 이미지도 포함됩니다. 초기 신화 그림 중 Antwerp의 Meleager와 Atlanta는 언급할 가치가 있습니다. 그의 가족 초상화 그룹(1622년경)의 살아있는 작품 중 가장 초기 작품은 마드리드 박물관에 속해 있습니다.

Rubensian의 영향은 1631년 이후에 작성된 Jordaens의 그림에서 다시 분명하게 나타납니다. 브뤼셀의 농부에 대한 그의 풍자에서 이미 전환이 눈에 띕니다. Kassel이 가장 초기 사본을 소유하고 있는 "콩의 왕"에 대한 그의 유명한 묘사(다른 사본은 루브르 박물관과 브뤼셀에 있음)와 속담 "늙은이가 노래하는 것, 작은 것이 삐걱거리는 것", 앤트워프의 무수한 이미지 그 사본은 1638년으로 거슬러 올라갑니다. 1641년에 작성된 드레스덴(루브르 박물관과 베를린에 있는 다른 것)보다 색이 더 산뜻한 것은 이미 거장의 부드럽고 부드러운 방식에 속합니다.

1642년 이전에는 카셀의 "바쿠스의 행렬"과 드레스덴의 "아리아드네"의 대략적인 신화 그림, 쾰른의 Jan Wirth와 그의 아내의 생생한 훌륭한 초상화도 그려졌습니다. 그런 다음 1652년까지 St. George와 같은 더 차분한 선에도 불구하고 그림은 외부와 내부에 활기를 불어넣었습니다. 브뤼셀의 이보(1645), 카셀의 뛰어난 가족 초상화, 비엔나의 생생한 "콩 왕".

1652 년에 마스터는 Jordaens의 "프리드리히 하인리히 왕자의 신격화"와 "부러움에 대한 죽음의 승리"가주는 "숲의 성"장식에 참여하도록 헤이그에 초청하여 전권을 가졌습니다. 그의 각인과 1661년 암스테르담으로의 초대를 받아 그곳에서 살아남았지만 지금은 거의 구별할 수 없는 새로운 시청을 위한 그림을 그렸습니다.

그의 말년의 가장 훌륭하고 가장 종교적인 그림은 마인츠의 서기관들 사이의 예수(1663)이다. 드레스덴의 "성전 입구"와 앤트워프의 빛이 스며드는 "최후의 만찬" 등 색채가 화려합니다.

Jordaens가 위대한 인물 중 가장 위대함에 속하기에는 너무 조야하고 고르지 못하더라도 그럼에도 불구하고 앤트워프 시민 화가이자 시민 화가로서 그는 화가의 왕자이자 왕자의 화가인 루벤스 다음으로 명예로운 자리를 차지합니다. 그러나 바로 그의 독창성 때문에 그는 주목할만한 제자나 추종자를 만들지 않았습니다.

Cornelis de Vos(1585 - 1651)는 플랑드르 미술의 루벤스 이전의 과거를 독립적으로 접한 요르단과 같은 거장으로, 특히 초상화 화가로서 탁월하며 차분하고 관통하는 화풍으로 예술 없는 진실과 성실을 추구했으며, 그의 인물의 눈에 광채와 밝은 색상으로 가득합니다. 편안한 구성의 최고의 가족 초상화 그룹은 브뤼셀 박물관에 속하고 길드 마스터 Grapheus의 가장 강력한 단일 초상화는 앤트워프에 속합니다. 베를린에 있는 부부와 어린 딸들의 이중 초상화도 매우 전형적입니다.

17세기 대부분의 벨기에 화가들이 크든 작든 편차를 가지고 유지했던 이탈리아풍의 순수한 플랑드르 스타일과는 대조적으로, 겔비에가 탐구한 루티히 왈론파는 로마-벨기에 양식을 발전시켰습니다. 프랑스를 따르는 Poussin 추세. 이 학교의 책임자는 뮌헨에서 가장 잘 알려진 독창적이고 고도로 세련된 학자인 Gerard Duffet(1594 - 1660)입니다. Gérard Leresse(1641 - 1711), 그의 제자 Bartolet Flemalle 또는 Flemal(1614 - 1675)의 제자이자 1667년에 이미 암스테르담으로 이주한 Poussin의 느릿느릿한 모방가는 Lüttich에서 네덜란드로 이식된 이 학문적 스타일을 프랑스를 모방했습니다. 그는 신화적 주제의 화가이자 판화 제작자로서 뿐만 아니라 그의 책에서 펜으로도 상당한 영향을 미쳤습니다. 그는 극도의 반동적이었고 무엇보다도 네덜란드 회화의 건전한 국가적 추세가 로마네스크 페어웨이로 바뀌는 데 세기의 전환기에 기여했습니다. 암스테르담의 "Seleucus and Antioch"와 Schwerin, Dresden의 "Parnassus", Louvre의 "Departure of Cleopatra"는 그에 대한 충분한 아이디어를 제공합니다.

마지막으로 Leres는 위대한 벨기에 그림에서 작은 그림으로 우리를 되돌립니다. 그리고 이 후자는 의심할 여지 없이 여전히 풍경이나 건축 배경을 가진 작은 그림에서 과도기의 거장들이 준비한 토양에서 직접 자란 17세기의 성숙한 국화를 경험했지만 전능한 루벤스, 어떤 곳에서는 프랑스와 이탈리아의 새로운 영향, 심지어 플랑드르에 대한 젊은 네덜란드 예술의 영향 덕분입니다.

실제 장르 그림은 이제 이전과 마찬가지로 Flanders에서 첫 번째 역할을했습니다. 동시에 세속적 인 장면이나 소그룹 초상화에서 상류층의 삶을 묘사 한 거장과 선술집, 박람회, 시골 길의 민속 생활 화가 사이에는 다소 날카로운 경계가 눈에 띕니다. 루벤스는 두 속의 예를 만들었습니다. 루벤스의 사랑의 정원 정신에 입각한 세속 화가들은 실크와 벨벳 옷을 입은 신사 숙녀 여러분, 카드 놀이, 잔치, 경쾌한 음악 연주 또는 춤을 묘사합니다. 이 화가들 중 첫 번째 화가는 Christian van der Lamen(1615-1661)으로 마드리드, 고타, 특히 루카의 그림으로 유명합니다. 그의 가장 성공적인 제자는 Jérôme Janssens(1624 - 1693), "댄서"였으며 그의 춤 장면은 Braungschweig에서 볼 수 있습니다. 그의 위에는 카셀, 드레스덴, 런던, 부다페스트, 헤이그에 있는 가족 구성원을 묘사하는 귀족 소그룹 초상화의 거장인 Gonzales Kokvets(1618 - 1684)가 화가로 서 있습니다. 하층 계급의 민중 생활을 가장 많이 그린 플랑드르인은 테니어(Teniers)였다. David Teniers the Elder (1582-1649)와 그의 아들 David Teniers the Younger (1610-1690)는이 예술가들의 대가족에서 두드러집니다. 형은 아마도 루벤스의 제자였을 것이고, 후배 루벤스는 아마도 다정한 충고를 했을 것입니다. 둘 다 풍경과 장르 모두에서 똑같이 강합니다. 그러나 선배의 작품과 후배의 젊은 그림을 모두 분리할 수는 없었다. 의심 할 여지없이 장로는 비엔나 궁정 박물관의 네 가지 신화 풍경을 소유하고 있으며 여전히 "세 가지 차원", "성 베드로의 유혹"을 전송하느라 바쁘다. 베를린의 안토니오', 브라운슈바이크의 '마운틴 캐슬', 뮌헨의 '마운틴 협곡'.

David Teniers the Younger는 Oudenard의 위대한 Adrien Brouwer(1606-1638)의 영향을 받았기 때문에 후자를 선호합니다. Brouwer는 새로운 경로의 창조자이자 평신도입니다. Bode는 그의 예술과 삶을 철저히 조사했습니다. 여러 면에서 그는 가장 위대한 네덜란드 민중 화가이자 동시에 가장 영감을 받은 벨기에와 네덜란드 풍경화가 중 한 명입니다. 17세기 플랑드르 회화에 대한 네덜란드 회화의 영향은 이미 1623년 이전에 하를렘에 있는 프란스 할스의 제자였던 그와 함께 처음이었습니다. 네덜란드에서 돌아온 그는 앤트워프에 정착했습니다.

동시에 그의 예술은 평범한 사람들의 삶에서 가장 단순한 별칭이 그들의 공연 덕분에 최고의 예술적 가치를 얻을 수 있음을 증명합니다. 네덜란드에서 그는 자연에 대한 인식, 화보 공연, 그 자체로 예술적이라는 즉각적인 인식을 취했습니다. 네덜란드 인으로서 그는 귀중한 유머와 함께 네덜란드 인처럼 삶의 다양한 표현의 순간을 전달하는 데 엄격한 고립을 선언하고 흡연, 싸움, 카드 게임 및 선술집 술자리 장면을 강조합니다.

그가 네덜란드에서 그린 가장 초기의 그림들, 암스테르담에서 농민들의 술자리, 싸움은 그들의 거칠고 시끄러운 성격에서 옛 플랑드르 과도기적 예술의 반응을 드러낸다. 이 시대의 걸작은 이미 앤트워프의 "Card Players"와 프랑크푸르트에 있는 Städel Institute의 선술집 장면입니다. 추가 개발은 뮌헨 Pinakothek의 "Knife"와 "Village Bath"에서 급격히 나타납니다. 모든 세부 사항의 실행은 그림처럼 생각됩니다. 색상의 황금색 chiaroscuro에서 빨간색과 노란색 톤이 여전히 빛납니다. 그 다음에는 마스터의 성숙한 후기 (1633-1636)가 이어지며 더 많은 개별 인물, 더 차가운 색조, 녹색 및 파란색 페인트 로케일이 두드러집니다. 여기에는 그의 18개의 뮌헨 중 12개와 그의 4개의 드레스덴 그림 중 최고가 포함됩니다. Schmidt-Degener는 파리의 개인 소장품에서 여러 그림을 첨부했지만 진위 여부가 항상 정확하게 확립되지는 않았습니다. 앤트워프 주변의 가장 단순한 자연 모티프가 공기와 빛 현상의 따뜻하고 빛나는 전달로 부채질되는 Brouwer의 최고의 풍경도 이 시대에 속합니다. 주인의 이름이 적힌 그림 브뤼셀의 "Dunes"는 타인의 진정성을 증명합니다. 그들은 그의 다른 모든 플랑드르 풍경보다 더 현대적인 느낌을 가지고 있습니다. 그중 최고는 베를린의 달빛과 목가적인 풍경, 브리지워터 갤러리의 붉은 지붕 사구 풍경, 런던의 루벤스가 그린 강렬한 일몰 풍경입니다.

큰 크기의 주인의 지난 2 년 동안의 풍속화는 일반 회색 톤보다 가볍고 음영 처리 된 글씨와 지역 색상의 명확한 종속을 선호합니다. 노래하는 농부, 주사위를 던지는 군인, 뮌헨 피나코텍의 술집에 있는 주인 부부는 스타델 연구소와 루브르 박물관 "흡연자"의 작업을 묘사하는 강력한 그림과 함께합니다. Brouwer의 독창적인 예술은 항상 모든 학문적 관습과 정반대입니다.

귀족 세계에서 가장 좋아하는 장르 화가 David Teniers the Younger는 1651 년 궁정 화가이자 앤트워프에서 브뤼셀까지 Leopold Wilhelm 대공의 갤러리 디렉터가 초대하여 노년기에 사망했으며 Brouwer와 비교할 수 없습니다. 유머의 감정적 경험에서 삶의 전이의 직접성, 그러나 그것이 이해되는 민속 생활의 외부 세련미와 도시 양식화로 그를 능가하는 이유입니다. 그는 마을 사람들과의 관계에서 귀족 복장을 한 마을 사람들을 묘사하는 것을 좋아했고, 때때로 귀족의 삶에서 세속적인 장면을 그렸고, 심지어 그의 풍속화 스타일로 정교하게 장식된 방 안에서 또는 진실하게 관찰된 가운데 종교적인 에피소드를 전달하기도 했습니다. 그러나 장식적인 풍경. 세인트의 유혹 Anthony (드레스덴, 베를린, 상트 페테르부르크, 파리, 마드리드, 브뤼셀)는 그가 가장 좋아하는 주제에 속합니다. 한 번 이상 그는 Peter의 이미지를 배경으로 던전을 그렸습니다 (Dresden, Berlin). 그의 장르 그림 스타일의 신화 적 주제 중 베를린의 "Neptune and Amphitrite", 브뤼셀의 우화 그림 "Five Senses", 시적 작품-마드리드의 "해방 된 예루살렘"의 12 개의 그림을 명명합니다. 연금술사를 대표하는 그의 그림(드레스덴, 베를린, 마드리드)도 상류사회 장르로 분류할 수 있다. 마드리드에 50개, 상트페테르부르크에 40개, 파리에 30개, 뮌헨에 28개, 드레스덴에 24개 등 대부분의 그의 그림은 여가 시간에 즐기는 마을 사람들의 환경을 묘사합니다. 그는 파티, 선술집 또는 거리에서 잔치, 음주, 춤, 흡연, 카드 놀이 또는 주사위 놀이를 묘사합니다. 그의 가볍고 자유로운 형태의 자연스러운 언어, 휩쓸고 동시에 부드러운 글쓰기는 색상의 변화만을 경험했습니다. 1641년 드레스덴에서 작곡한 "어두운 빛의 성전 만찬"의 음색은 무겁지만 깊고 차갑습니다. 그런 다음 그는 초기의 갈색 톤으로 돌아가서 1642년 상트페테르부르크의 던전, 1643년 뮌헨의 "길드 비어 하우스", 루브르 박물관의 1644는 뮌헨의 1645년의 "Dance", 드레스덴의 1646년의 "Dice Players"와 같이 더 밝게 타오르다가 뮌헨의 1650년의 "Smokers" 쇼처럼 점차 회색으로 변하고 마침내 1651년 뮌헨의 "Peasant Wedding"에서 세련된 은색 톤으로 변하고 버킹엄 궁전의 1657년 "Guard"와 같이 50년대 Teniers의 그림을 구별하는 점점 더 가볍고 유동적인 글씨가 동반됩니다. 마침내 1660년 이후 그의 브러시는 자신감이 떨어지고 색상은 다시 갈색이고 건조하며 흐려집니다. 뮌헨은 연금술사를 나타내는 그림을 소유하고 있는데, 1680년에 제작된 노 거장의 그림이 특징입니다.

Brouwer의 학생들 중에는 Joos van Kreesbeek (1606-1654)가 눈에 띄는데, 그의 그림에서 싸움은 때때로 비극적으로 끝납니다. Gillis van Tilborch(약 1625-1678)는 Kokves 스타일로 가족 그룹 초상화를 그렸던 Teniers the Younger의 학생들로부터 알려져 있습니다. 그들과 함께 Rikavert 화가 가족의 구성원이 있는데, 그중 특히 David Rikaert III (1612 - 1661)는 어느 정도 독립의 폭을 넓혔습니다.

국가 플랑드르 작은 그림 옆에는 동등하지는 않지만 동시에 이탈리아 화 추세가 있으며, 그 추세는 일시적으로 이탈리아에서 일하고 모든 표현에서 이탈리아 생활을 묘사했습니다. 그러나 라파엘이나 미켈란젤로에 의해 끌려간 로마에 있는 네덜란드 "공동체"의 구성원 중 가장 큰 구성원은 아래에서 다시 살펴볼 네덜란드인이었습니다. Gaarlem의 Pieter Van Laer(1582 - 1642)는 Cherkvozzi 유형의 이탈리아인과 Jan Mils 유형의 벨기에인(1599 - 1668) 모두에게 동등하게 영향을 준 이러한 경향의 진정한 창시자입니다. 덜 독립적 인 사람은 로마 유적을 다채로운 삶으로 채운 Anton Goubau (1616-1698)와 이탈리아 말 박람회, 기병 전투 및 캠프 장면을 선호했던 Standardaard (1657-1720)라는 별명을 가진 Peter Van Blemen입니다. 이탈리아의 민속 생활은 이 대가들의 시대 이후로 매년 북부 화가들의 군중을 끌어들이는 지역으로 남아 있습니다.

반대로 풍경화는 학생 Peter Snyers (1592-1667)가 앤트워프에서 브뤼셀로 이주한 Sebastian Vranks와 인접하여 전투 및 강도 주제와 함께 국가 플랑드르 정신으로 발전했습니다. 드레스덴과 같은 Sniers의 초기 그림은 그를 매우 그림 같은 트랙에 보여줍니다. 나중에 합스부르크 왕가의 전투 화가로서 그는 브뤼셀, 비엔나, 마드리드에서 그의 큰 그림이 보여주듯 회화적 충실도보다 지형적, 전략적 충실도를 강조했습니다. 그의 최고의 학생은 루이 14세의 전투 화가이자 파리 아카데미의 교수인 Adam Frans Van der Meulen(1631-1690)으로, Snyers의 스타일을 파리에 이식하여 공중 및 조명 원근법으로 세련되게 만들었습니다. 베르사유 궁전과 파리의 앵발리드 호텔에서 그는 자신감 있는 형태와 그림 같은 풍경의 인상이 흠잡을 데 없는 일련의 벽화를 그렸습니다. 드레스덴, 비엔나, 마드리드, 브뤼셀에서 캠페인, 도시 포위 공격, 캠프, 대왕의 승리의 입장이있는 그의 그림은 밝은 그림의 미묘한 지각으로도 유명합니다. 이 새로운 네덜란드 전투 그림은 제노아에 정착한 Cornelis de Wael(1592-1662)에 의해 이탈리아로 옮겨졌으며, 여기에서 더 완벽한 붓과 따뜻한 색상을 얻은 그는 곧 이탈리아 민속 생활을 묘사하기 시작했습니다.

이 책의 저자가 The History of Painting (그 자신과 Woltmann의 것)에서 더 자세히 설명하는 벨기에 풍경화에서 원본, 네이티브, 남부 영향 경향에 약간만 영향을 받은 것과 의사 고전적인 것을 아주 명확하게 구별할 수 있습니다. 이탈리아의 Poussin에 인접한 경향. 국립 벨기에 풍경화는 네덜란드와 비교하여 다소 외부 장식의 특징 인 Rubens와 Brouwer를 제외하고 유지되었습니다. 이 기능으로 그녀는 다른 어느 곳에서도 볼 수 없을 정도로 풍부한 장식 그림 시리즈로 궁전과 교회 장식에 나타났습니다. Antwerpian Paul Bril은 이런 종류의 그림을 로마에 주입했습니다. 나중에 프랑스 화 된 벨기에 인 Francois Millet과 Philippe de Champagne는 풍경화로 파리 교회를 장식했습니다. 이 책의 저자는 1890년에 교회 풍경에 대한 별도의 기사를 썼습니다.

앤트워프 거장들 중에서 먼저 Caspar de Witte(1624 - 1681)를 가리킨 다음 Peter Spirincks(1635 - 1711)를 가리켜야 합니다. 앤트워프의 교회, 특히 Jan Frans Van Bloemen (1662 - 1748), Duguet를 강력하게 연상시키는 성공의 푸른 산 거리의 선명도를 위해 "Horizonte"라는 별명을 얻었지만 거칠고 차가운 그림.

이 시기의 국가 벨기에 풍경화는 주로 브뤼셀에서 번성했습니다. 그 조상은 Denis Van Alsloot(약 1570-1626)였는데, 그는 과도기적 스타일을 기반으로 그의 반 시골, 반 도시 그림에서 큰 힘, 견고함 및 그림의 선명도를 발전시켰습니다. Jacques d' Artois의 영향을받은 그의 위대한 제자 Lucas Achtschellingx (1626-1699)는 넓고 자유롭고 다소 넓은 방식으로 무성한 짙은 녹색 나무와 푸른 언덕이있는 성서적 풍경으로 벨기에 교회 장식에 참여했습니다. 거의 알려지지 않은 Jan Mertens의 학생 인 최고의 브뤼셀 풍경화가 인 Jacques d' Artois (1613-1683)도 교회와 수도원을 큰 풍경으로 장식했으며 그 성서적 장면은 그의 친구이자 역사 화가가 그렸습니다. 성 베드로 예배당의 그의 풍경 이 책의 저자는 이 교회의 성구실에서 브뤼셀 대성당의 부인들을 보았다. 어쨌든 교회 풍경화는 비엔나 궁정 박물관과 리히텐슈타인 갤러리에 있는 그의 큰 그림이기도 했습니다. 거대한 푸른 나무, 노란 모래 길, 푸른 언덕 거리, 밝은 강과 연못이 있는 브뤼셀 주변의 울창한 숲의 자연을 나타내는 그의 작은 방 그림으로 마드리드와 브뤼셀을 가장 잘 알 수 있으며 드레스덴에서도 완벽하게 알 수 있습니다. , 뮌헨 및 다름슈타트. 황금빛 노란색 조명면이 특징 인 구름이있는 맑은 공기와 함께 깊고 밝은 색상으로 포화 된 고급스러운 폐쇄 구성으로 완벽하게 일반을 전달하지만 여전히 해당 지역의 일반적인 특성 만 전달합니다. 황금색, 더 따뜻하고 더 장식적이며 원하는 경우 d' Artois, 그의 최고의 학생 Cornelis Huysmans (1648-1727)보다 베네치아 색상이 더 많습니다. 최고의 교회 풍경은 Mecheln에있는 St. Wives 교회의 "Christ at Emmaus"입니다. .

해변 도시 앤트워프에는 선착장도 자연스럽게 발달했다. 17세기의 자유와 자연스러움에 대한 열망은 Andries Aartvelt 또는 Van Ertvelt(1590 - 1652), Buonaventura Peters(1614 - 1652) 및 Hendrik Mindergout(1632 - 1696)의 해안 및 해상 전투를 나타내는 그림에서 실현되었습니다. 그러나 같은 업계에서 최고의 네덜란드 장인을 따라잡을 수는 없습니다.

고딕 양식의 교회 내부를 기꺼이 묘사한 건축 회화에서 거친 과도기 양식을 거의 넘지 못한 Peter Neefs the Younger (1620-1675)와 같은 플랑드르 거장들도 네덜란드의 내부적이고 밝은 그림 같은 매력이 부족했습니다. 교회의 이미지.

벨기에인들은 동물, 과일, 죽은 자연, 꽃의 이미지에 대담함과 밝음을 더했습니다. 그러나 주방 용품과 과일의 화가인 Jan Fit(1611-1661)조차도 모든 세부 사항을 신중하게 실행하고 장식적으로 병합한 Snyders보다 더 나아가지 않았습니다. 꽃 그림은 또한 장로 Jan Brueghel보다 더 이상 앤트워프에 가지 않았습니다. 이 분야의 Brueghel의 학생 인 Daniel Seghers (1590-1661)조차도 장식 레이아웃의 폭과 고급 스러움에서만 그를 능가했지만 개별 색상의 형태와 무지개 빛깔의 매력을 이해하지 못했습니다. 여하튼 Seghers의 위대한 인물화가의 마돈나에 있는 꽃 화환과 드레스덴의 은색 꽃병과 같은 그의 희귀하고 독립적인 꽃 이미지는 비할 데 없는 실행의 맑고 차가운 빛을 드러냅니다. 17세기의 앤트워프는 네덜란드의 꽃과 과일 그림의 주요 장소이지만, 이것은 지역 거장들에게 빚진 것이 아니라 앤트워프로 이주하여 자신의 Leiden에서 태어난 아들 Cornelis de Gay(1631 - 1695), 나중에 앤트워프 마스터. 그러나 세부 마무리에 대한 무한한 사랑과 그림의 힘으로 구별되는 꽃과 과일의 모든 화가 중 가장 위대한 이들은 벨기에 유형이 아닌 네덜란드의 거장처럼 이러한 세부 사항을 내부적으로 병합 할 수 있습니다.

우리는 플랑드르 회화와 네덜란드, 이탈리아, 프랑스 예술 사이에 중요한 연관성이 있음을 보았습니다. Flemings는 네덜란드 인의 직접적이고 친밀한 인식, 프랑스 인의 한심한 우아함, 이탈리아 인의 형태와 색상의 장식적인 사치를 감상 할 수 있었지만 탈북자와 고립 된 현상을 제외하고는 항상 4 분의 1에 불과했습니다. 그들의 예술에서 그들 자신, 다른 분기에 그들은 내부적으로는 로마자화되었고 외부적으로는 게르만 네덜란드인이었습니다. 그들은 자연과 삶을 강하고 성급한 열정으로 그리고 장식적인 의미에서 분위기를 가지고 파악하고 재현할 수 있었습니다.

그중에서도 그 시대 플랑드르의 가장 유명한 거장 중 한 명인 Adrian Brauer의 초상화를 볼 수 있습니다. (1606-1632) , 그의 그림은 루벤스가 직접 수집했습니다. (그의 컬렉션에는 17개가 있었습니다). Brauer의 각 작품은 그림의 진주입니다. 예술가에게는 엄청난 색채 재능이 부여되었습니다. 그의 작품의 주제로 그는 단조롭고 공허한 플랑드르 가난한 사람들 (농민, 거지, 방랑자)의 일상 생활을 선택했습니다. Brouwer는 삶의 추함과 추악함, 인간 본성의 어리석음과 동물적 저속함에 대한 적극적인 거부와 동시에 고유한 특성에 대한 예리한 관심으로 예술에서 Bosch와 Brueghel의 전통을 이어갔습니다. 그는 사회 생활의 넓은 배경을 보는 사람 앞에 펼치는 것을 목표로 하지 않습니다. 장르적 상황 묘사에 강점이 있다. 특히 그는 사람이 경험하는 감정과 감각의 다양한 영향을 표정으로 표현하는 능력을 가지고 있습니다. Rubens, van Dyck, 심지어 Jordans와 달리 그는 이상과 고귀한 열정에 대해 생각하지 않습니다. 그는 그 사람을 있는 그대로 냉소적으로 관찰한다. 박물관에서 그의 그림 "Drinking Buddies"를 볼 수 있습니다. 섬세한 밝은 색상으로 눈에 띄게 조명과 대기 조건을 전달합니다. 방랑자 플레이어들과 함께 성벽 근처의 비참한 도시 풍경은 가슴 아픈 우울을 불러일으킨다. 실존의 무미건조함을 말하는 작가 자신의 이런 분위기는 확실히 극적이다.

프란스 할스

네덜란드 회화 부서는 상대적으로 작지만 Rembrandt, Jacob Ruisdael, Lesser Dutch, 풍경, 정물 및 장르 장면의 거장들의 그림이 포함되어 있습니다. 위대한 네덜란드 예술가 Frans Hals의 작품인 상인 Willem Heithuissen의 기이한 초상화 (1581/85-1666) . Heithuissen은 부유하지만 편협하고 극도로 허영심이 강한 사람이었습니다. 천성적으로 소박했지만, 그럼에도 불구하고 그는 자신의 재산이 획득하도록 허용된 것처럼 보이는 우아함으로 귀족 귀족을 닮기 위해 노력했습니다. Hals는이 신생 기업의 주장에 대해 우스꽝스럽고 이질적입니다. 집요하게 어느 정도 빈정거림으로 인물 이미지를 이중화하기 때문이다. 먼저 우리는 Heithuissen의 편안한 자세, 그의 화려하고 우아한 수트, 챙이 단정한 모자, 그리고 무표정하고 창백하며 더 이상 젊지 않은 칙칙한 얼굴을 보게 됩니다. 숨기려는 모든 속임수에도 불구하고 이 남자의 평범한 본질이 드러납니다. 이미지의 내부 불일치와 불안정성은 무엇보다도 원래 해결 된 초상화 구성에 의해 드러납니다. Heithuissen은 손에 채찍을 들고 마치 타고 난 것처럼 의자에 앉아 흔들리는 것 같습니다. 이 포즈는 작가가 짧은 시간 안에 모델의 상태를 빠르게 고착시키는 것을 암시한다. 그리고 같은 자세는 이미지에 내면의 이완과 무기력의 그늘을 제공합니다. 피할 수 없는 시들음, 욕망의 허무함, 내면의 공허함을 숨기려 하는 이 남자에게는 뭔가 불쌍한 면이 있다.

루카스 크라나흐

브뤼셀 박물관의 독일 회화 섹션에서는 장로 루카스 크라나흐의 뛰어난 작품이 눈길을 끈다. (1472-1553) . 이것은 1529년에 제작된 Dr. Johann Schering의 초상화입니다. 의지가 강하고 강한 남자의 이미지는 독일 르네상스 예술의 전형입니다. 그러나 Cranach는 매번 마음과 성격의 개별적인 특성을 포착하고 모델의 고유성에 의해 날카롭게 파악된 모델의 물리적 외관에서 이를 드러냅니다. Shering의 엄격한 표정에서 그의 얼굴에는 일종의 차가운 집착, 강성 및 비타협성을 느낄 수 있습니다. 엄청난 내면의 힘이이 사람의 독특한 성격에 대한 존경심을 불러 일으키지 않는다면 그의 이미지는 단순히 불쾌 할 것입니다. 작가의 그래픽 기술의 기교는 놀랍기 때문에 얼굴의 추악한 큰 특징과 초상화의 많은 작은 세부 사항을 날카롭게 전달합니다.

이탈리아 및 프랑스 컬렉션

이탈리아 예술가들의 그림 컬렉션은 이탈리아 르네상스의 마지막 거물인 위대한 화가 틴토레토의 작품을 포함하고 있기 때문에 박물관 방문객의 관심을 불러일으킬 수 있습니다. "세인트의 처형 Mark”는 성인의 삶에 바쳐진 주기의 캔버스입니다. 폭풍우가 치는 드라마, 열정적 인 파토스로 그림이 스며든다. 사람뿐 아니라 먹구름이 낀 하늘과 성난 바다도 사람의 죽음을 애도하는 것 같았다.

프랑스 컬렉션의 걸작은 Mathieu Lenin의 청년 초상화와 Claude Lorrain의 풍경입니다.

오래된 예술 섹션에는 현재 천 백 개가 넘는 예술 작품이 있으며 그 중 많은 작품이 시청자에게 깊은 미적 즐거움을 전달할 수 있습니다.

자크 루이 다비드

왕립 미술관의 두 번째 부분은 19세기와 20세기 미술 컬렉션입니다. 그들은 대부분 벨기에 거장의 작품을 포함합니다. 박물관에 보관된 프랑스 학교의 가장 뛰어난 작품은 Jacques Louis David의 "마라의 죽음"입니다. (1748-1825) .

다비드는 혁명적 고전주의의 수장인 프랑스의 유명한 화가로 프랑스 부르주아 혁명 이전 몇 년 동안 그의 역사화는 동시대인들의 시민의식을 일깨우는 데 큰 역할을 했다. 작가의 혁명 이전 그림의 대부분은 고대 그리스와 로마의 역사를 주제로 그렸지만 혁명적 현실은 David가 현재로 향하고 그 안에서 이상이 될만한 영웅을 찾도록 강요했습니다.

“마라투 - 데이빗. 2년차" - 사진에 있는 간결한 비문입니다. 비문으로 인식됩니다. 프랑스 혁명의 지도자 중 한 명인 Marat는 1793년에 사망했습니다. (2년차 혁명적 미적분학에 따르면)왕당파 샤를로트 코르데. "사람의 친구"는 타격 직후 사망 순간에 묘사됩니다. 육체적 고통에도 불구하고 그가 일했던 치유 목욕 근처에 피 묻은 칼이 던져집니다. 전사한 영웅을 위한 진혼곡처럼 들리는 가혹한 침묵이 그림을 가득 채운다. 그의 모습은 chiaroscuro로 강력하게 조각되어 동상에 비유됩니다. 던진 머리와 쓰러진 손은 영원한 엄숙한 평화 속에서 얼어 붙은 것 같았습니다. 구성은 개체 선택의 엄격함과 선형 리듬의 선명도가 인상적입니다. Marat의 죽음은 David에게 위대한 시민의 운명에 대한 영웅적인 드라마로 인식됩니다.

벨기에의 Francois Joseph Navez는 망명과 브뤼셀에서 생애 말년을 살았던 David의 학생이되었습니다. (1787-1863) . 인생이 끝날 때까지 Navez는이 장르에 이미지에 대한 낭만적 인 해석을 도입했지만 특히 초상화에서 선생님이 만든 전통에 충실했습니다. 예술가 "Emptinn 가족의 초상화"의 유명한 작품 중 하나는 1816년에 작성되었습니다. 시청자는 젊고 아름다운 부부가 사랑과 행복의 감정으로 하나가되었음을 무의식적으로 전달합니다. 여성의 이미지가 차분한 기쁨으로 가득 차 있다면 남성은 낭만적 인 신비와 약간의 슬픔으로 가득 차 있습니다.

19세기와 20세기의 벨기에 회화

박물관 홀에서는 19세기 벨기에 최대 화가인 Henri Leys, Joseph Stevens, Hippolyte Boulanger의 작품을 볼 수 있습니다. Jan Stobbarts는 벨기에의 농민 ​​노동을 진정으로 묘사한 그의 최고의 그림 중 하나인 Farm in Kreiningen을 선보였습니다. 화가가 독학으로 그림을 그렸지만 그림의 구성이 훌륭하고 그림의 완성도가 높다. 주제는 루벤스의 돌아온 탕자에서 영감을 받았을 것입니다. Stobbarts는 사실주의의 원리를 선포한 19세기 최초의 화가 중 한 명입니다.

그의 예술 경력의 시작은 어려웠습니다. 예술적 이미지의 낭만적 인 개념에 익숙한 앤트워프 대중은 분개하여 그의 진실한 그림을 거부했습니다. 이 적대감이 너무 강해서 Stobbarts는 결국 브뤼셀로 이주해야 했습니다.

박물관에는 유명한 벨기에 예술가 Henri de Brakeleur의 27점의 캔버스가 있습니다. (1840-1888) , 뛰어난 역사 화가 A. Leys의 조카이자 학생이었습니다. 벨기에의 국가 역사, 전통, 삶의 방식, de Brakeler에 결합 된 문화에 대한 관심이 높아졌으며 과거에 대한 약간의 후회와 그리움으로 가득 찬 이상한 사랑의 느낌이 있습니다. 그의 장르 장면은 과거의 기억으로 가득 차 있으며 그의 캐릭터는 골동품과 물건으로 둘러싸인 지난 세기의 사람들을 닮았습니다. de Brakelera의 작업에는 의심할 여지 없이 양식화의 요소가 있습니다. 특히 그의 그림 "Geographer"는 17 세기 네덜란드 거장 G. Metsu와 N. Mas의 작품과 닮았다. 그림에서 우리는 17세기 벨벳 의자에 앉아 오래된 페인트 칠한 새틴에 대해 생각에 잠긴 한 노인을 봅니다.

제임스 앙소르의 그림 (1860-1949) "레이디 인 블루" (1881) 프랑스 인상주의의 강한 영향을 받은 흔적이 남아 있습니다. 그림 같은 스케일은 파란색, 청회색 및 녹색 톤으로 구성됩니다. 활기차고 자유로운 스트로크는 진동과 공기의 움직임을 전달합니다.

그림의 그림 같은 해석은 일상의 모티프를 시적인 장면으로 바꿔줍니다. 작가의 고조된 회화 적 인식, 환상에 대한 선호, 그가 본 것을 특이한 것으로 변형시키려는 끊임없는 열망은 브뤼셀 스캇이 가장 성공적인 예인 그의 화려한 정물에도 반영됩니다. 바다 물고기는 눈 앞이 흐려지는 듯 선명한 핑크색과 형태로 혐오스러울 정도로 아름답다.

Ensor는 장수했지만 그의 작품 활동은 1879년부터 1893년까지의 기간에 속합니다. 무자비한 풍자로 인간 본성의 추악한 특징을 거부하는 Ensor의 아이러니는 브뤼셀 박물관에서도 볼 수있는 카니발 마스크를 묘사 한 수많은 그림에서 나타납니다. 의심 할 여지없이 Bosch 및 Brueghel의 예술과 Ensor의 연속적인 연결.

1차 세계대전에서 사망한 최고의 컬러리스트이자 가장 재능 있는 조각가, 릭 바우터스 (1882-1916) 그림과 조각으로 박물관에 전시. 예술가는 Cezanne의 가장 강력한 영향을 경험하고 소위 "Brabant Fauvism"의 흐름에 합류했지만 그럼에도 불구하고 매우 독창적 인 마스터가되었습니다. 그의 변덕스러운 예술은 삶에 대한 열정적 인 사랑으로 스며든다. The Lady with the Yellow Necklace에서 우리는 그의 아내 Nel이 안락의자에 앉아 있는 것을 봅니다. 커튼의 노란색, 빨간색 체크 무늬, 벽지의 녹색 화환, 드레스의 파란색의 축제 소리는 온 영혼을 사로 잡는 기쁨을 불러 일으 킵니다.

박물관에는 뛰어난 벨기에 화가 Permeke의 여러 작품이 있습니다. (1886-1952) .

Constant Permeke는 벨기에 표현주의의 수장으로 널리 알려져 있습니다. 벨기에는 이러한 경향이 예술적 환경에 큰 영향을 미친 두 번째 국가였습니다. 대부분 사람들의 사람들 인 Permeke의 영웅은 의도적으로 거칠게 묘사되며 저자에 따르면 자연스러운 힘과 힘을 드러내야합니다. Permeke는 단순화된 색 구성표인 변형에 의존합니다. 그럼에도 불구하고 그의 "Betrothed"에서는 원시적 이미지 임에도 불구하고 선원과 그의 여자 친구의 성격과 관계를 드러내고 자하는 일종의 기념비화를 느낍니다.

20세기 현실적인 경향의 거장들 중에서 Isidore Opsomer와 Pierre Polus가 눈에 띈다. 첫 번째는 훌륭한 초상화 화가로 알려져 있습니다. ("쥘 데스트르의 초상"), 두 번째-C. Meunier와 마찬가지로 벨기에 광부의 어려운 삶을 묘사하는 데 헌신 한 예술가로서. 박물관 홀에는 주로 초현실주의와 추상주의와 같은 현대 미술의 다른 경향에 속하는 벨기에 예술가들의 작품도 전시되어 있습니다.

Belgium Artists of Belgium (벨기에 예술가)

벨기에 왕국

“현대 벨기에 회화. 벨기에의 예술가»

벨기에와 현대의 예술가.

벨기에!
벨기에! 벨기에 국가!
벨기에! 벨기에 국가!
벨기에! 벨기에 국가의 공식 명칭은 벨기에 왕국입니다!

벨기에! 벨기에 왕국은 유럽 북서부에 있는 주입니다.
벨기에! 벨기에 왕국은 유럽 연합(EU), 유엔(UN) 및 북대서양 군사 블록(NATO)의 회원국입니다.
벨기에! 벨기에 왕국은 30,528km²의 면적을 차지합니다.
벨기에! 벨기에 왕국! 오늘날 천만 명이 넘는 사람들이 왕국에 살고 있습니다. 벨기에 인구의 대다수는 도시에 거주하며 2004년에 이미 약 97%가 거주하고 있습니다.
벨기에! 벨기에 왕국! 벨기에 왕국의 수도는 브뤼셀입니다.
벨기에! 벨기에 왕국! 벨기에는 북쪽으로 네덜란드, 동쪽으로 독일, 남동쪽으로 룩셈부르크, 남쪽과 서쪽으로 프랑스와 접해 있습니다. 북서쪽에 있는 벨기에 왕국은 북해에 접근할 수 있습니다.
벨기에! 벨기에 왕국! 벨기에의 정부 형태는 입헌 의회 군주제이며 행정 영토 구조의 형태는 연방입니다.

벨기에 벨기에의 역사
벨기에 선사시대
벨기에 벨기에의 역사 미래 벨기에의 영토에서 가장 오래된 호미니드 존재의 흔적은 리에 주 지방의 생 피에르 산 (Sint-Petersberg) 근처의 Allambe 언덕에서 발견되었으며 약 80만년 전.
벨기에 벨기에의 역사 기원전 250-35,000년 기간. 이자형. 벨기에 영토는 주로 Liege와 Namur 지방에서 네안데르탈 인이 거주했습니다.
벨기에 벨기에의 역사 기원전 30,000년경. 이자형. 네안데르탈인은 크로마뇽인에 의해 쫓겨나 사라지고 있습니다. 이 지역의 마지막 빙하기는 기원전 10,000년경에 끝났습니다. 이자형. 당시 이 지역의 해수면은 현재보다 현저히 낮았기 때문에 벨기에와 현대 영국 사이에 육지 연결이 있었지만 나중에 사라졌습니다.
벨기에 벨기에의 역사 신석기 시대에 실리콘은 선사 시대 Spienne 광산에서 알 수 있듯이 벨기에에서 활발하게 채굴되었습니다.
벨기에 벨기에의 역사 벨기에에서 청동기 시대의 첫 징후는 기원전 1750년경으로 거슬러 올라갑니다. 이자형.
벨기에 벨기에의 역사 기원전 5세기부터. 이자형. 그리고 시작하기 전에 이자형. 벨기에에서는 Gallic La Tène 문화가 번성하여 지중해와의 무역 및 문화적 유대를 유지합니다. 여기에서 Gallic을 사용하는 부족은 동쪽으로 소아시아까지 확장했습니다. "벨기에"라는 단어는 우리 시대 초기에 이 나라에 거주했던 갈릭 부족 벨기에인의 이름에서 유래했습니다. 벨기에 영토에 거주하는 부족 중 Eburons, Aduatics, Nervii, Menaps는 역사적 출처에서 알려져 있습니다.

벨기에 벨기에의 역사
벨기에 로마 시대
벨기에 벨기에의 역사 기원전 54년. 이자형. 현대 벨기에의 영토는 로마 황제 줄리어스 카이사르의 군대에 의해 정복되었고 로마의 갈리아 지방에 포함되었습니다.
벨기에 벨기에의 역사 서로마 제국이 멸망한 후 5세기에 로마의 갈리아 지방은 게르만족인 프랑크족에게 정복당했습니다.

벨기에 벨기에의 역사
벨기에 독립 전 벨기에의 역사
벨기에 벨기에의 역사 중세에 벨기에는 부르고뉴 공국의 일부였습니다.
벨기에 벨기에의 역사 1477-1556 이 기간 동안 부르고뉴의 마리아의 왕조적 결혼은 부르고뉴 소유를 신성 로마 제국으로 가져왔습니다.
벨기에 벨기에의 역사 1556-1713 이 기간 동안 현대 벨기에의 영토는 스페인의 통제하에 있었습니다. 30년 전쟁은 개신교 네덜란드로부터 벨기에 영토 분리의 시작을 알렸습니다.
벨기에 벨기에의 역사 1713-1792 현대 벨기에의 영토는 오스트리아령 네덜란드로 신성 로마 제국에 편입되었습니다.
벨기에 벨기에의 역사 1792-1815 현대 벨기에의 영토는 프랑스의 지배를 받게 되었습니다.
벨기에 벨기에의 역사 1815-1830 현대 벨기에의 영토는 비엔나 회의의 결정에 따라 연합 네덜란드 왕국에 포함되었습니다. 그러나 벨기에의 많은 사람들은 네덜란드와의 강제 통일에 불만을 품고 있었습니다.

벨기에 벨기에의 역사
벨기에 벨기에 혁명 벨기에 국가
벨기에 벨기에의 역사 1830년 벨기에 혁명의 결과로 벨기에는 네덜란드 왕국에서 철수했습니다. 1830년에 선포된 벨기에 왕국은 처음으로 독립 국가로서의 지위를 얻었습니다.
벨기에 벨기에의 역사 벨기에 왕국은 독립 후 집중적으로 경제를 발전시키기 시작했습니다. 예를 들어, 벨기에는 1835년 메헬렌-브뤼셀 철도가 건설된 유럽 대륙 최초의 국가가 되었습니다.
벨기에 벨기에의 역사 벨기에는 제1차 세계대전 동안 큰 고통을 겪었습니다. 벨기에인들은 여전히 ​​이 전쟁을 "Great War"라고 부릅니다. 대부분의 벨기에가 점령되었지만 전쟁 내내 벨기에군과 영국군은 북해와 이세르 강 사이에 끼인 국토의 일부를 차지했습니다.
벨기에 벨기에의 역사 벨기에 도시 Ypres의 역사는 특히 비극적입니다. 전쟁 중에 거의 완전히 파괴되었습니다. 여기 Ypres시 근처에서 전쟁 역사상 처음으로 독가스 (염소)가 사용되었습니다. 그리고 두 달 후에 적용된 겨자 가스는 이 도시의 이름을 따서 명명되었습니다.
벨기에 벨기에의 역사 1925년 4월 3일, 벨기에와 네덜란드 사이에 1839년 조약을 개정하는 협정이 체결되었습니다. 벨기에의 오랜 중립을 취소하고 앤트워프 항의 비무장화.
벨기에 벨기에 제2차 세계 대전(1940-1944)의 역사. 제2차 세계 대전 중에 독일군은 벨기에를 점령했습니다. 1940년 5월 28일 항복 문서에 서명한 벨기에 정부는 영국으로 망명하고 국왕 레오폴드 3세는 독일로 추방됩니다. 독일이 벨기에를 점령하는 동안 폰 팔켄하우젠 장군의 지휘하에 독일 군정 체제가 도입되었습니다.
벨기에 벨기에의 역사 독일군으로부터 벨기에의 해방은 1944년 9월 3일 영국군이 브뤼셀에 입성하면서 시작됩니다. 1945년 2월 11일 벨기에는 자체 정부를 시작합니다.

벨기에 벨기에의 역사
벨기에 벨기에 왕국 벨기에 근대사
벨기에 벨기에의 역사 1949년 4월 4일 벨기에 왕국이 NATO에 가입합니다.
벨기에 벨기에의 역사 1957년에 벨기에 왕국은 유럽 경제 공동체(EEC)에 가입했습니다.

벨기에 벨기에 문화

벨기에 벨기에의 문화 벨기에의 문화생활의 특징은 하나의 문화영역이 없다는 점이다.
벨기에 벨기에의 문화 사실 벨기에 왕국의 문화 생활은 언어 공동체에 집중되어 있습니다. 벨기에에는 전국적인 텔레비전, 신문 또는 기타 매체가 없습니다.

벨기에 벨기에의 문화 벨기에의 예술
벨기에 벨기에 미술
벨기에 이미 르네상스 시대에 플랑드르는 회화(플랑드르 프리미티브)로 유명해졌습니다.
벨기에 나중에 유명한 예술가 루벤스가 플랑드르에서 살면서 작업했습니다(벨기에에서는 앤트워프 시를 종종 루벤스 시라고 합니다). 그러나 17세기 후반에 플랑드르 예술은 점차 쇠퇴했습니다.
벨기에 벨기에 회화 예술의 새로운 부상은 낭만주의, 표현주의 및 초현실주의 시대에 속합니다. 세계적으로 유명한 벨기에 예술가: James Ensor(표현주의 및 초현실주의), Constant Permeke(표현주의), Leon Spilliart(상징주의).
벨기에 벨기에에서 가장 유명한 예술가는 의심할 여지 없이 초현실주의의 가장 중요한 지수 중 하나로 여겨지는 르네 마그리트입니다.
벨기에 2009년 6월 2일 브뤼셀 왕립 미술관 단지에 벨기에 초현실주의 예술가 르네 마그리트(1898-1967)의 새 박물관이 개관했습니다. 이번 전시에는 약 250여 점의 작품이 출품된다. 새로운 박물관은 르네 마그리트의 그림을 세계에서 가장 많이 전시하는 전시회가 되었습니다.

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벨기에! 벨기에의 예술가(벨기에 화가와 조각가), 벨기에 화가(벨기에 회화의 거장)는 전 세계적으로 잘 알려져 있으며 아름다운 그림을 만들어냅니다. 벨기에 예술가들의 작품은 매우 다양합니다. 벨기에 예술가 (벨기에 화가)는 종종 러시아를 비롯한 전 세계 국제 전시회에서 작품을 전시합니다.

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