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19세기 벨기에 화가. 17세기 플랑드르 화가

문화

벨기에 예술가

벨기에 회화의 절정기는 15세기 부르고뉴 통치기에 해당한다. 르네상스 시대에 예술가들은 복잡한 세부 묘사로 초상화를 그렸습니다. 이것은 예술가들이 최대의 사실성과 명확성을 달성하려고 노력한 중요하고 이상적이지 않은 그림이었습니다. 이 스타일의 그림은 새로운 네덜란드 학교의 영향으로 설명됩니다.

벨기에 회화에 있어 20세기는 제2의 황금기였다. 그러나 화가들은 이미 회화의 리얼리즘 원칙에서 벗어나 초현실주의로 방향을 틀었다. 이 예술가 중 한 명은 Rene Magritte였습니다.

벨기에 회화에는 벨기에인들이 당연히 자랑스러워하는 오래된 전통이 있습니다. 루벤스 하우스 박물관은 앤트워프에 있고 왕립 미술관은 브뤼셀에 있습니다. 그들은 예술가들과 회화의 고대 전통에 대한 벨기에인들의 깊은 존경심을 표현했습니다.

플랑드르 원시주의자

유럽의 중세 말기에도 플랑드르와 브뤼셀에서는 회화에 관심을 기울였습니다. Jan Van Eyck(약 1400-1441)은 플랑드르 예술에 혁명을 일으켰습니다. 그는 내구성 있는 페인트를 만들기 위해 기름을 사용하고 캔버스나 나무에 페인트를 혼합한 최초의 사람이었습니다. 이러한 혁신 덕분에 그림을 더 오래 보관할 수 있게 되었습니다. 르네상스 시대에 패널 페인팅이 퍼지기 시작했습니다.

Jan Van Eyck은 플랑드르 원시주의 학교의 창립자가 되어 밝은 색상과 캔버스에 움직이는 삶을 묘사했습니다. 겐트 대성당에는 유명한 예술가와 그의 형제가 만든 제단 폴립티치 "어린 양의 숭배"가 있습니다.

회화의 플랑드르 원시주의는 특히 사실적인 초상화, 조명의 선명도, 옷과 직물의 질감에 대한 세심한 묘사로 구별됩니다. 이 방향으로 작업한 최고의 예술가 중 한 명은 Rogierde la Pasture(Rogier van der Weyden)(약 1400-1464)였습니다. Rogirde la Pasture의 유명한 그림 중 하나는 Descent from the Cross입니다. 작가는 종교적 감정과 사실주의의 힘을 결합했습니다. Rogierde la Pasture의 그림은 새로운 기법을 물려받은 많은 벨기에 예술가들에게 영감을 주었습니다.

새로운 기술의 가능성은 Dirk Bouts(1415-1475)에 의해 확장되었습니다.

Hans Memling(약 1433-1494)은 15세기 브뤼헤를 묘사한 그림을 그린 마지막 플랑드르 원시인으로 간주됩니다. 산업 유럽 도시를 묘사한 최초의 그림은 Joachim Patinir(약 1475-1524)가 그렸습니다.

브뤼겔 왕조

16세기 초 벨기에 미술은 이탈리아의 영향을 많이 받았다. 화가 Jan Gossaert(약 1478-1533)는 로마에서 공부했습니다. 브라반트 공작의 통치 왕조를 위해 그림을 그리기 위해 그는 신화적인 주제를 선택했습니다.

16-17세기. Bruegel 가족은 Flemish 예술에 가장 큰 영향을 미쳤습니다. Flemish 학교의 최고의 화가 중 한 명은 Pieter Brueghel the Elder (약 1525-1569)였습니다. 그는 1563년에 브뤼셀에 왔습니다. 그의 가장 유명한 작품은 농민의 코믹한 모습을 묘사한 캔버스입니다. 그들은 중세의 세계로 뛰어들 기회를 제공합니다. 종교적 주제로 캔버스를 그린 Pieter Brueghel the Younger(1564-1638)의 유명한 그림 중 하나는 The Census in Bethlehem(1610)입니다. Brueghel the Velvet으로도 알려진 Jan Brueghel the Elder(1568-1625)는 벨벳 휘장을 배경으로 꽃을 묘사하는 복잡한 정물화를 그렸습니다. Jan Brueghel the Younger(1601-1678)는 웅장한 풍경을 그렸고 궁정 화가였습니다.

앤트워프의 예술가

17세기 벨기에 회화의 중심은 브뤼셀에서 플랑드르의 중심인 앤트워프로 옮겨갔다. 이것은 세계적으로 유명한 최초의 플랑드르 예술가 중 한 명인 Peter Paul Rubens (1577-1640)가 앤트워프에 살았다는 사실에 크게 영향을 받았습니다. 루벤스는 장엄한 풍경화, 신화적인 음모가 있는 그림을 그렸고 궁정 화가였습니다. 그러나 가장 유명한 것은 푹신한 여성을 묘사한 그의 캔버스입니다. 루벤스의 인기가 너무 커서 플랑드르의 직공들은 그의 장엄한 그림을 묘사한 태피스트리 컬렉션을 많이 만들었습니다.

궁정 초상화 화가인 루벤스의 제자인 안토니 반 다이크(Anthony van Dyck, 1599-1641)는 세계적인 명성을 얻은 두 번째 앤트워프 화가가 되었습니다.

장로 Jan Bruegel은 앤트워프에 정착했고 그의 사위 David Teniers II(1610-1690)는 1665년 앤트워프에 미술 아카데미를 설립했습니다.

유럽의 영향

18세기에도 예술에 대한 루벤스의 영향은 여전히 남아 있었기 때문에 플랑드르 예술의 발전에는 큰 변화가 없었습니다.

19세기 초부터 벨기에 예술에 대한 다른 유럽 학교의 강한 영향이 느껴지기 시작했습니다. François Joseph Navez(1787-1869)는 플랑드르 회화에 신고전주의를 더했습니다. Constantin Meunier(1831-1905)는 사실주의를 선호했습니다. Guillaume Vogels(1836-1896)는 인상주의 양식으로 그렸습니다. 그림에서 낭만적인 경향을 지지한 사람은 브뤼셀의 예술가인 앙투안 비르츠(1806-1865)였습니다.

1830년경에 실행된 "Hasty Cruelty"와 같은 Antoine Wirtz의 혼란스럽고 왜곡되고 흐릿한 그림은 예술의 초현실주의의 시작입니다. 모호한 여성의 무서운 초상화로 유명한 Fernand Khnopff(1858-1921)는 벨기에 상징주의 학교의 초기 지수로 간주됩니다. 그의 작품은 독일의 낭만주의자 구스타프 클림트의 영향을 받았다.

James Ensor(1860-1949)는 작품이 사실주의에서 초현실주의로 옮겨간 또 다른 예술가였습니다. 신비하고 오싹한 해골은 종종 그의 캔버스에 묘사됩니다. 1884-1894년 예술가 협회 "LesVingt"(LesXX). 브뤼셀에서 유명한 외국 아방가르드 예술가들의 작품 전시회를 조직하여 도시의 문화 생활에 활기를 불어넣었습니다.

초현실주의

20세기 초부터 세잔의 영향은 벨기에 예술에서 느껴졌습니다. 이 기간 동안 Fauves는 벨기에에 등장하여 태양에 흠뻑 젖은 밝은 풍경을 묘사했습니다. Fauvism의 저명한 대표자는 조각가이자 예술가인 Rick Wauters(1882-1916)였습니다.

초현실주의는 20세기 중반 브뤼셀에서 나타났습니다. 르네 마그리트(Rene Magritte, 1898-1967)는 이러한 예술 경향의 저명한 대표자가 되었습니다. 초현실주의는 16세기에 발전하기 시작했습니다. Pieter Brueghel the Elder와 Bosch의 Phantasmagoric 그림은 이러한 스타일로 그려졌습니다. Magritte의 캔버스에는 랜드마크가 없으며, 그는 자신의 초현실주의 스타일을 "익숙한 것에서 외계인으로의 회귀"라고 정의했습니다.

Paul Delvaux(1897-1989)는 좀 더 충격적이고 감성적인 예술가였으며 그의 캔버스는 안개 낀 인물이 있는 기괴하고 우아한 인테리어를 묘사합니다.

1948년 CoBrA 운동은 추상 미술을 위한 캠페인을 벌였습니다. 추상주의는 설치의 거장인 마르셀 브루다어스(Marcel Brudtaers, 1924-1976)가 이끄는 개념 미술로 대체되었습니다. Broodtaers는 홍합으로 가득 찬 냄비와 같은 친숙한 물건을 묘사했습니다.

태피스트리와 레이스

벨기에 태피스트리와 레이스는 600년 이상 사치품으로 여겨져 왔습니다. 12세기에 플랑드르에서 손으로 만든 태피스트리가 만들어지기 시작했고 나중에는 브뤼셀, 투르네, 우데나르드, 메헬렌에서 만들어지기 시작했습니다.

16세기 초부터 레이스 제작 기술이 벨기에에서 발전하기 시작했습니다. 레이스는 모든 지방에서 직조되었지만 브뤼셀과 브뤼헤의 레이스가 가장 가치가 있었습니다. 종종 가장 숙련된 레이스 제작자는 귀족의 후원을 받았습니다. 귀족에게는 아름다운 태피스트리와 절묘한 레이스가 그들의 지위를 나타내는 표시로 간주되었습니다. 15~18세기. 레이스와 태피스트리가 주요 수출품이었습니다. 그리고 오늘날 벨기에는 최고의 태피스트리와 레이스의 발상지로 간주됩니다.

플랑드르 도시 투르네와 아라스(오늘날 프랑스에 위치)는 13세기 초에 유명한 유럽 직조 중심지가 되었습니다. 공예와 무역이 발전했습니다. 이 기술은 더 섬세하고 값 비싼 작업을 가능하게했으며 실제은과 금 실이 양모에 추가되기 시작하여 제품 비용이 더욱 증가했습니다.

플랑드르의 사실주의와 이탈리아의 이상주의를 그림으로 결합한 Bernard van Orley(1492-1542)는 태피스트리 제조의 혁명을 일으켰습니다. 나중에 Flemish 마스터는 유럽으로 유인되었고 18 세기 말에는 Flemish 태피스트리의 모든 영광이 파리 공장으로 넘어갔습니다.

일년 내내 벨기에

벨기에의 기후는 북유럽의 전형적인 기후입니다. 이러한 이유로 거리와 집에서 모두 축하 행사를 할 수 있습니다. 날씨 조건은 수도의 예술가들이 경기장과 고대 건물 모두에서 완벽하게 공연할 수 있도록 합니다. 벨기에 주민들은 계절의 변화를 이용하는 방법을 알고 있습니다. 예를 들어 여름에는 수도에서 꽃 축제가 열립니다. 그랑 플라스는 8월 초마다 수백만 송이의 꽃으로 뒤덮입니다. 댄스, 영화 및 연극 시즌의 개막은 1월에 열립니다. 여기에서 "자동차 영화관"에서 오래된 수도원에 이르는 시사회가 시청자를 기다리고 있습니다.

브뤼셀에서는 일년 내내 다양한 축제의 흐름을 볼 수 있습니다. 여기에서 삶의 역사적 행렬로 가득 찬 호화로운 것을 볼 수 있습니다. 그들은 중세 시대부터 매년 개최되었습니다. 유럽의 최신 실험 예술이 이곳에서 시연됩니다.

휴가

새해 - 1월 1일
부활절 - 부동 날짜
클린먼데이 - 플로팅데이트
노동절 - 5월 1일
어센션 - 플로팅 데이트
트리니티 데이 - 부동 날짜
Spirits Monday - 플로팅 데이트
벨기에 국경일 - 7월 21일
기숙사 - 8월 15일
모든 성인의 날 - 11월 1일
휴전 - 11월 11일
크리스마스 - 12월 25일

봄

벨기에의 봄날이 길어지면서 문화생활도 활기를 띤다. 관광객들이 이곳에 오기 시작했습니다. 거리에서 바로 음악 축제가 열립니다. 도심 공원이 꽃을 피우면 전 세계적으로 알려진 라이켄의 열대 온실이 방문객을 위해 개방됩니다. 벨기에 초콜릿 제조사들은 중요한 부활절 휴가를 위해 온갖 종류의 과자를 준비하느라 분주합니다.

국제 판타지 영화제(3주 및 4주). 기적과 이상한 팬들은 수도 전역의 영화관에서 새로운 영화를 기다리고 있습니다.
아르스뮤직(3월 중순~4월 중순). 이 휴가는 최고의 유럽 축제 중 하나입니다. 유명한 공연자들이 찾아옵니다. 종종 콘서트는 Old Masters Museum에서 열립니다. 모든 음악 감정가들이 이 축제에 참석합니다.
Euroantique (지난 주). Heysel Stadium은 골동품을 사고 파는 방문객과 상인으로 가득합니다.
부활절(부활절 일요일). 부활절 전에 교회 종이 로마로 날아간다는 믿음이 있습니다. 돌아와서 그들은 특히 아이들을 위해 들판과 숲에 부활절 달걀을 남깁니다. 그리하여 매년 1000개 이상의 색칠한 달걀이 로얄 파크에 어른들에 의해 숨겨지고, 도시 전역의 아이들이 그것을 찾기 위해 모여듭니다.

4월

Sablon의 봄 바로크(3주차). 유명한 Place de la Grande Sablon은 젊은 벨기에 재능을 모으고 있습니다. 그들은 17세기 음악을 연주합니다.
라이켄의 왕실 온실(12일, 날짜는 다양함). 선인장과 모든 종류의 이국적인 식물이 피기 시작하면 특히 대중을 위해 벨기에 왕실의 개인 온실이 열립니다. 객실은 유리로 되어 있고 철로 마감되어 있습니다. 악천후로부터 다양한 희귀 식물이 이곳에 보관됩니다.
Flanders의 축제(4월 중순 - 10월) 이 축제는 모든 종류의 스타일과 방향이 혼합된 음악 축제입니다. 120개 이상의 유명한 오케스트라와 합창단이 이곳에서 공연합니다.
"화면 장면". (3주차 - 종료). 특히 관객을 위해 매일 새로운 유럽 영화가 상영됩니다.

유럽의 날 기념(5월 7~9일). 브뤼셀이 유럽의 수도라는 사실 때문에 축하 행사에서 다시 한 번 강조됩니다. 예를 들어 마네킹 파이도 노란색 별이 장식된 파란색 정장을 입고 있습니다.
Kunstin-Festival of Arts (5월 9일-31일). 젊은 연극 배우와 무용수들이 이 축제에 참여합니다.
퀸 엘리자베스 대회(5월~6월 중순). 이 음악 대회는 클래식 팬들을 모았습니다. 이 대회는 40년 넘게 진행되어 왔습니다. 젊은 피아니스트, 바이올리니스트 및 가수가 그곳에서 공연합니다. 유명한 지휘자와 솔리스트가 그들 중에서 가장 합당한 연주자를 선택합니다.
브뤼셀에서 20km 경주(지난 일요일). 20,000명 이상의 아마추어 및 프로 러너가 활약하는 수도에서 달리기.
재즈 랠리(마지막 휴무). 소규모 재즈 앙상블은 비스트로와 카페에서 공연합니다.

여름

7월에는 옴멘강에서 궁정의 화려한 시즌이 열립니다. 이것은 꽤 오래된 관습입니다. 거대한 행렬이 그랑플라스(Grand Place)와 주변 거리를 따라 이동합니다. 일년 중 이 멋진 시간에 다양한 방향의 음악을 들을 수 있습니다. 연주자들은 IJsel의 거대한 King Baudouin 경기장이나 작은 카페 바 등 다양한 장소에서 음악을 연주할 수 있습니다. 독립기념일에 모든 벨기에인들은 미디 박람회에 옵니다. 트레이가 설치되고 경로가 만들어지는 광장에서 진행됩니다.

브뤼셀 여름 축제(6월 초~9월). 콘서트 프로그램은 유명한 고대 건물에서 열립니다.
Wallonia의 축제(6월 - 10월). 브뤼셀과 플랑드르에서 일련의 갈라 콘서트를 개최함으로써 가장 재능 있는 젊은 벨기에 솔리스트와 오케스트라 연주자를 청중에게 선보일 수 있습니다.
페스티벌 카페 "쿨러"(지난 주). 3일 동안 재건된 Tour-e-Taxi 창고에서 매우 패셔너블한 프로그램이 진행됩니다. 청중은 아프리카 드러머, 살사, 민족 음악 및 산성 재즈에 의해 기대됩니다.
음악 축제(마지막 날). 월드뮤직 전용 시청과 박물관에서 2주 연속 혜택과 콘서트가 열린다.

칠월

Ommegang(7월 첫 번째 주말). 이 행사를 보기 위해 전 세계에서 관광객들이 찾아옵니다. 이 축제는 1549년부터 브뤼셀에서 열리고 있습니다. 이 행렬(또는 "우회"라고 함)은 그랑 플라스(Grand Place)와 인접한 모든 거리를 돌며 원을 그리며 움직입니다. 2000 명 이상의 참가자가 여기에 참여합니다. 의상 덕분에 그들은 르네상스 도시 거주자로 변신합니다. 퍼레이드는 고위 벨기에 관리들에 의해 전달됩니다. 티켓은 사전에 주문해야 합니다.
재즈 민속 축제 "Brosella"(2일째 휴무). 축제는 Osseghem Park에서 열립니다. 그것은 유럽의 모든 유명한 음악가들을 끌어들입니다.
브뤼셀의 여름 축제(7월~8월). 연중 이맘때가 되면 음악가들은 로어 타운과 어퍼 타운에서 클래식 곡을 연주합니다.
미디 페어(7월 중순~8월 중순). 유명한 브뤼셀 역 Gardu-Midi에서 박람회를 개최합니다. 이 이벤트는 한 달 동안 진행됩니다. 그것은 아이들에게 매우 인기가 있습니다. 이 박람회는 유럽에서 가장 큰 것으로 간주됩니다.

벨기에의 날(7월 21일). 1831년부터 기념해 온 독립기념일을 기리기 위해 군사 퍼레이드를 진행한 후 브뤼셀 공원에서 불꽃놀이를 합니다.
왕궁 개장일(7월 마지막 주 - 9월 둘째 주). 왕궁의 문은 방문객을 위해 열려 있습니다. 이 행사는 6주 연속 진행됩니다.

팔월

메이폴(메이붐)(8월 9일). 이 축제는 1213년에 시작되었습니다. 이 액션의 참가자는 인형이라는 거대한 의상을 입습니다. 행렬은 Lower City를 통과합니다. 그랑 플라스(Grand Place)에서 멈추고 거기에 메이폴(Maypole)이 놓입니다.
꽃 융단(8월 중순, 2년마다). 이 휴일은 격년으로 열립니다. 이것은 브뤼셀의 화초 재배에 대한 찬사입니다. 그랑 플라스 전체가 신선한 꽃으로 덮여 있습니다. 이러한 카펫의 총 면적은 약 2000m²입니다.

가을

가을에는 벨기에 엔터테인먼트가 현대 음악을들을 수있는 카페 또는 문화 센터로 이동합니다. "Heritage Days" 기간 동안 일반 대중은 평소에는 공개되지 않는 민가를 방문하고 소장품을 관람하며 건축물을 감상할 수 있습니다.

구월

생일 마네킹 피스(마지막 휴일).
오줌 싸는 소년의 유명한 조각품은 다른 고위 외국 손님이 기증한 다른 옷을 입고 있습니다.

축제 "해피 시티"(첫날 휴무).
현재 브뤼셀 최고의 카페 30곳에서 약 60회의 콘서트가 열리고 있습니다.
보태니컬 나이트(지난 주).
식물원의 이전 온실에 위치한 프랑스 문화 센터 "Les Botaniques"는 재즈 음악의 모든 감정가를 기쁘게 할 일련의 콘서트를 개최합니다.
유산일(2일 또는 3일 휴무).
며칠 동안 많은 보호 건물과 개인 주택, 폐쇄된 예술품 컬렉션이 방문객에게 문을 엽니다.

십월

아우디 재즈 페스티벌(10월 중순~11월 중순).
전국 곳곳에서 재즈의 소리가 들려와 가을의 권태를 푼다. 현지 공연자들이 연주하지만 일부 유럽 스타들은 종종 브뤼셀의 Palace of Fine Arts에서 공연합니다.

겨울

겨울에는 벨기에에 보통 비와 눈이 내리기 때문에 이 기간의 거의 모든 행사는 실내에서 진행됩니다. 아트 갤러리는 세계적 수준의 전시회를 주최하고 브뤼셀 영화제는 기성 거장과 젊은 재능의 작품을 주최합니다. 크리스마스 휴가 전에 Lower Town은 밝은 조명으로 밝혀지고 크리스마스에는 벨기에 테이블이 전통 요리로 장식됩니다.

"Sablon 's Nocturne"(마지막 날). Grande Sablon의 모든 상점과 박물관은 저녁 늦게까지 문을 닫지 않습니다. 마구가 달린 말이 달린 마차가 박람회를 돌아 다니며 고객을 태우고 메인 광장에서는 모두가 진짜 멀드 와인을 맛볼 수 있습니다.

12월

성 니콜라스의 날(12월 6일).
전설에 따르면 이날 크리스마스 산타 클로스의 수호 성인이 도시에오고 모든 벨기에 어린이들은 과자, 초콜릿 및 기타 선물을받습니다.
크리스마스(12월 24~25일).
다른 가톨릭 국가와 마찬가지로 벨기에의 크리스마스는 12월 24일 저녁에 축하합니다. 벨기에 사람들은 선물을 교환하고 다음날 부모님을 방문합니다. 모든 종류의 크리스마스 속성이 1월 6일까지 수도의 거리를 장식합니다.

1월

왕의 날(1월 6일).
이날은 특별한 아몬드 '로얄 케이크'가 준비돼 있으며, 그곳에 숨겨진 완두콩을 찾고자 하는 모든 이들의 발길이 끊이지 않는다. 그것을 찾는 사람은 축제의 밤 내내 왕으로 선언됩니다.
브뤼셀 영화제(1월 중순~말).
유럽 영화 배우들의 참여로 새로운 영화 시사회.

2월

골동품 박람회(2주 및 3주차).
Palace of Fine Arts는 전 세계의 골동품 딜러를 모았습니다.
국제만화축제(2주, 3주).
만화 작가와 예술가들은 만화 그리기 예술에 큰 영향을 미쳤던 도시를 방문하여 경험을 공유하고 새로운 작품을 선보입니다.

Emile Claus (Dutch. Emile Claus, 1849 년 9 월 27 일 출생, Waregem-mind. 1924 년 6 월 14 일, Deinze)는 벨기에 인상파 회화의 주요 대표자이자 Luminism의 창시자 중 한 명인 벨기에 예술가입니다.

E. Klaus는 시골 상점 주인의 대가족에서 태어났습니다. 그는 지역 예술 학교에서 그림을 공부하기 시작했습니다. 작곡가 Peter Benois의 조언에 따라 Klaus는 1869년 Antwerp Academy of Fine Arts에 입학하여 초상화, 역사 및 풍경화를 공부했습니다. 1874년 아카데미에서 학업을 마쳤다. 1875년에는 겐트에서, 1876년에는 브뤼셀에서 성공적으로 작품을 전시했습니다.

작업 초기에 E. Klaus는 주로 초상화와 장르 그림에 종사했습니다. 그는 대부분 어두운 색으로 사실적인 방식으로 그림을 그리고 사회적 주제를 사용합니다(예: 캔버스 부와 빈곤(1880)). 1879년 작가는 스페인, 모로코, 알제리를 여행합니다. 1882년 파리 살롱에 데뷔하여 Klaus는 자신의 그림 Cockfight in Flanders(1882)를 선보였습니다. 그 순간부터 그는 특히 겨울에 파리에서 많은 시간을 보내며 사회적 주제를 사실적으로 그린 프랑스 예술가 Bastien-Lepage의 창조적 영향에 빠집니다.

1883년 재정적인 번영의 도래와 함께 작가는 고향에 있는 별장 Zonneschijn(Sunshine)을 구입합니다. 1886년 그는 인근 Deinze에서 온 공증인의 딸인 Charlotte Dufour와 결혼합니다. 이 기간 동안 Klaus는 주로 사실적인 스타일로 유지되는 자연의 풍경을 그립니다. 시골에서 생활하는 동안 그는 예술가 Albin van den Abele, 조각가 Constantine Meunier, 작가 Cyril Beuysse 및 Emile Verhaern과 우호적인 관계를 유지하고 활발한 서신을 교환합니다. Klaus는 그들과 예술가 Henri Le Sidanet을 통해 프랑스 인상주의 현상을 발견합니다. 인상파 작품에 대한 지식은 또한 E. Claus 자신의 그림을 변경합니다. 그의 색상은 더 가볍고 따뜻해집니다. 그는 공식적인 문제가 배경으로 물러나기 때문에 빛과 그림자의 상호 작용에 더 많은 관심을 기울입니다 (Kingfishers (1891) ). 프랑스 인상파 중 Claude Monet은 E. Claus의 그림에 특별한 영향을 미쳤습니다. 두 작가의 작품에서 색 구성표가 비슷할 뿐만 아니라 캔버스에 대한 주제 선택도 거의 동일합니다(런던 시대). 새로운 형태의 표현과 가벼운 실험에 대한 끊임없는 탐색으로 인해 E. Claus는 루미니즘과 같은 벨기에 회화 경향의 즉각적인 전임자가 되었습니다. 파리에서 Klaus는 작가 Emile Zola와 Maurice Maeterlinck를 비롯한 유명한 문화계 인사들과도 친구입니다.

1차 세계대전이 발발할 때까지 작가는 Anna de Werth, Robert Hutton Monks, Torajiro Kojima, Georges Morren, Leon de Smet 등 많은 학생들을 훈련시켰습니다. 1893년 11월에 그는 예술 그룹 Union Artistique에 합류했습니다. 그 목적은 유사한 프랑스 인상파 그룹과 마찬가지로 전시회 조직과 그림 판매였습니다. 또한 Klaus의 작품은 1896년 브뤼셀 예술가 연합(La Libre Esthétique) 전시회와 베를린 분리파(Berlin Secession)에 출품되었습니다. 1904년 E. Klaus는 화가 Georges Beuysset과 함께 Vie et Lumière 그룹을 만들었으며 나중에 James Ensor, William Deguve de Nuncque 및 Adrian Heymans와 같은 아티스트를 포함했습니다.

제 1 차 세계 대전까지 E. Klaus는 많이 여행했습니다. 그는 네덜란드 파리를 반복적으로 방문했습니다. 1907 년에 그는 1914 년에 미국을 여행하여 프랑스 코트 다 쥐르로 여행했습니다. 1914년 독일군이 그의 고향 마을에 입성하기 직전에 작가는 간신히 영국으로 이주한다. 여기에서 그는 런던의 템스 강둑에 있는 집에 살고 있습니다. 망명 기간 동안 거장 작품의 주요 주제는 이 런던 강이었습니다. 포스트 인상파 방식으로 쓰여진 템스 강 풍경을 그린 E. Klaus의 그림은 전쟁 후 런던과 브뤼셀에서 모두 큰 성공을 거두었습니다.

적대 행위가 끝난 후 E. Klaus는 Asten에있는 그의 별장으로 돌아갑니다. 이곳에서 그는 1924년에 죽었고 그의 정원에 묻혔습니다. 주인의 무덤에는 Georges Minnet의 대리석 기념물이 세워졌습니다.

L. 알레시나

과거에 세계에 수많은 위대한 예술가들을 배출한 작은 나라 - 19세기 초에 벨기에인 반 에이크 형제, 브뤼겔과 루벤스의 이름을 짓는 것으로 충분합니다. 예술의 오랜 침체를 경험했습니다. 이에 대한 특정 역할은 1830 년까지 국가 독립이 없었던 벨기에의 정치적, 경제적 종속 위치에 의해 수행되었습니다. 새 세기 초부터 민족 해방 운동이 점점 더 강력하게 발전할 때만 예술이 살아나고 곧 국가의 문화 생활에서 매우 중요한 위치를 차지했습니다. 다른 유럽 국가와 비교할 때 인구 대비 작은 벨기에의 예술가 수가 매우 많다는 것은 적어도 중요합니다.

19세기 벨기에 예술문화의 형성에 있어서. 국가 회화의 위대한 전통이 중요한 역할을했습니다. 전통과의 연결은 뛰어난 전임자의 많은 예술가를 직접 모방했을뿐만 아니라 특히 세기 중반에 벨기에 회화의 특징이었습니다. 전통의 영향은 현대 벨기에 예술 학교의 특성에 영향을 미쳤습니다. 이러한 특징 중 하나는 객관적인 세계, 사물의 실제 육체에 대한 벨기에 예술가의 헌신입니다. 따라서 벨기에에서 사실주의 예술이 성공했지만 사실주의 해석에는 약간의 제한이 있었습니다.

국가의 예술적 삶의 특징은 벨기에 문화와 프랑스 문화의 세기에 걸친 긴밀한 상호 작용이었습니다. 젊은 예술가와 건축가는 지식을 향상시키기 위해 그곳에갑니다. 차례로 많은 프랑스 거장들이 벨기에를 방문할 뿐만 아니라 수년 동안 벨기에에 살면서 작은 이웃의 예술적 삶에 참여합니다.

19세기 초 고전주의는 다른 많은 유럽 국가와 마찬가지로 벨기에의 회화, 조각, 건축을 지배했습니다. 이 시기에 가장 중요한 화가는 François Joseph Navez(1787-1869)였습니다. 그는 처음에 브뤼셀에서 공부한 다음 1813년부터 파리에서 브뤼셀로 망명할 때 동행한 다비드와 함께 공부했습니다. 벨기에 망명 기간 동안 뛰어난 프랑스 거장은 현지 예술가들 사이에서 최고의 명성을 누렸습니다. Navez는 David가 가장 좋아하는 학생 중 한 명이었습니다. 그의 작품은 비교할 수 없습니다. 그가 고전주의의 대포를 따랐던 신화적이고 성경적인 구성은 생명이 없고 차갑습니다. 그의 유산의 대부분을 구성하는 초상화는 매우 흥미 롭습니다. 그의 초상화에서 자연에 대한 면밀하고 세심한 관찰과 연구는 인간 성격에 대한 숭고한 이상적인 아이디어와 결합되었습니다. 고전적인 방법의 가장 큰 특징 인 강력한 구성 구조, 플라스틱 형태의 충만 함은 생생한 이미지의 표현력과 특이성과 함께 Navez의 초상화에서 조화롭게 융합됩니다. Hemptinne 가족의 초상화(1816; 브뤼셀, 현대 미술관)는 예술적 특성이 가장 높은 것 같습니다.

세 인물의 초상화라는 어려운 작업은 작가가 성공적으로 해결했습니다. 어린 딸을 둔 부부인 젊은 가족의 모든 구성원은 활기차고 편안한 포즈로 묘사되지만 강한 내적 유대감이 있습니다. 초상화의 색 구성표는 van Eyck로 거슬러 올라가는 플랑드르 회화의 고전적 전통을 이해하려는 Navez의 열망을 증언합니다. 순수하게 빛나는 색상이 즐거운 하모닉 화음으로 합쳐집니다. Hemptinne 가족의 훌륭한 초상화는 소성 강도, David의 후기 초상화 작품에 대한 다큐멘터리 정확성에 가깝고 가사에서 영혼의 내면을 전달하려는 열망은 이미 떠오르는 낭만주의와 관련이 있습니다. 낭만주의에 훨씬 더 가까운 것은 나베즈의 어린 나이(1810년대, 브뤼셀, 개인 소장품) 자화상으로, 작가는 연필과 앨범을 손에 들고 눈앞의 무언가를 생생하고 골똘히 응시하고 있는 자신을 묘사했습니다. Navez는 교사로서 매우 중요한 역할을 했습니다. 많은 예술가들이 그와 함께 공부했으며, 그는 나중에 벨기에 회화의 사실주의 경향의 핵심을 형성했습니다.

이 나라의 혁명적 정서의 성장은 낭만주의 예술의 승리에 기여했습니다. 국가 독립을 위한 투쟁은 1830년 여름에 혁명적 폭발로 이어졌고, 그 결과 벨기에는 네덜란드와의 관계를 끊고 독립 국가를 형성했습니다. 예술은 펼쳐지는 행사에서 중요한 역할을 했습니다. 그것은 애국심을 불러 일으켰고 반항적 인 분위기를 불러 일으켰습니다. 잘 알려진 바와 같이 Aubert의 오페라 The Mute from Portici의 공연은 브뤼셀 혁명 봉기의 직접적인 원인이 되었습니다.

벨기에 회화의 혁명 직전에 역사적 장르의 애국적인 방향이 형성되고 있습니다. 이 추세의 리더는 젊은 예술가 Gustave Wappers (1803-1874)로 1830 년 "라이덴 공성전에서 Burgomaster van der Werf의 자기 희생"(위트레흐트, 박물관) 그림을 전시했습니다. 조상의 영웅적 행위를 노래하면서 이 방향의 주인은 낭만적인 형태의 언어로 향합니다. 비 유적 구조의 애처로운 승영, 증가 된 다채로운 색상의 소리는 루벤스가 가장 생생하게 표현한 원초적 국가 그림 전통의 부활로 동시대 사람들에게 인식되었습니다.

30대에. 역사적인 장르의 캔버스 덕분에 벨기에 그림은 유럽 예술에서 인정을 받고 있습니다. 국가 발전의 공동 과제에 기여한 계획적이고 애국적인 성격이 이러한 성공을 결정했습니다. Wappers, Nicaise de Keyser (1813-1887), Louis Galle은 유럽에서 가장 인기있는 예술가 중 하나였습니다. 그러나 곧 이 방향은 제한된 측면을 드러냈다. 가장 성공적인 것은 과거와 현재의 자유 투쟁의 영웅주의에서 영감을 얻은 민족 해방 운동의 파토스를 반영한 작품이었습니다. Wappers의 1830년 9월의 날(1834-1835; 브뤼셀, 현대 미술관)이 가장 큰 성공을 거둔 것은 우연이 아닙니다. 작가는 현대적인 소재로 역사적인 캔버스를 만들어 혁명적 사건의 중요성을 드러냈습니다. 혁명의 에피소드 중 하나가 표시됩니다. 행동은 브뤼셀 중앙 광장에서 이루어집니다. 대중 운동의 폭풍 같은 고조는 불균형한 대각선 구성으로 전달됩니다. 그룹과 일부 인물의 배열은 예술가에게 의심의 여지가 없는 모델인 들라크루아의 그림 "민중을 이끄는 자유"를 연상시킵니다. 동시에 이 캔버스의 Wappers는 다소 외부적이고 선언적입니다. 그의 이미지는 부분적으로 연극적인 화려 함, 감정 표현의 실증성이 특징입니다.

벨기에가 독립한 직후 역사화는 내용의 깊이를 잃었습니다. 민족 해방의 주제는 관련성, 사회적 기반을 잃고 있습니다. 역사적인 그림은 재미있는 음모와 함께 멋진 의상을 입은 광경으로 바뀝니다. 역사적인 그림에서 두 가지 경향이 결정화되고 있습니다. 한편으로 이것은 기념비적 인 화려한 캔버스입니다. 다른 방향은 역사에 대한 장르적 해석이 특징입니다. 회화의 국가 전통은 시대의 영향에 의해 결정되지 않는 기술과 수단의 합으로 매우 피상적으로 이해됩니다. "17세기의 거장"과 같은 그림 장르나 "루벤스와 같은" 역사적 장면에서 자신의 모든 소명을 보는 예술가들이 많이 있습니다.

Antoine Joseph Wirtz (1806-1865)는 소박하지만 성공적이지 못했지만 그의 거대한 역사적 상징적 캔버스에서 미켈란젤로와 루벤스의 업적을 결합하려고 노력합니다. Hendrik Leys(1815-1869)는 먼저 렘브란트의 색상을 모방하여 작은 장르의 역사 그림을 그립니다. 60년대부터. 그는 북부 르네상스의 일상적인 장면을 포함하는 광범위한 다중 그림 구성으로 전환하며 실행 방식은 이 기간의 거장들의 순진한 정확성과 세부 사항을 따릅니다.

세기 중반의 수많은 역사 화가 중 Louis Galle (1810-1887)은 언급 할 가치가 있습니다. 그의 그림은 구속과 간결한 구성으로 구별되며 이미지는 내적 의미와 고귀함으로 유명합니다. 전형적인 예는 "Egmont와 Horn 백작의 유골에 대한 마지막 영예"(1851; Tournai, Museum, 1863의 반복-Pushkin Museum) 그림입니다. 이러한 동일한 특성은 "어부의 가족"(1848) 및 "Slavonets"(1854; 둘 다 Hermitage)와 같은 그의 장르 그림의 특징입니다.

점차적으로 벨기에의 역사적인 그림은 장르 체계에서 주도적 역할을 잃고 약 60 년대부터 전면에 등장합니다. 가정용 그림이 나옵니다. 세기 중반의 장르 화가는 일반적으로 17 세기 예술가를 모방하여 선술집이나 아늑한 가정 인테리어에서 재미있는 장면을 만들었습니다. 장 밥티스트 마두(Jean Baptiste Madou, 1796-1877)가 그린 많은 그림들입니다. Hendrik de Brakeler(1840-1888)는 그의 주제에서 매우 전통적이며 빛이 가득한 실내에서 조용한 직업에 있는 외로운 인물을 묘사합니다. 그의 장점은 조명과 공기의 문제를 현대회화로 해결한 데 있다.

이미 60 년대에 독립을 얻은 후 매우 빠른 속도로 일어난 국가의 자본주의 발전. 예술에 새로운 문제를 제기했습니다. 근대성은 점점 벨기에의 예술 문화를 침범하기 시작했습니다. 젊은 세대의 예술가들은 주변 삶의 특징적인 면모를 보여줌으로써 리얼리즘의 슬로건을 제시합니다. 열망에서 그들은 Courbet의 예에 의존했습니다. 1868년 브뤼셀에서 자유 미술 협회가 설립되었습니다. 가장 중요한 참가자는 Charles de Groux, Constantin Meunier, Felicien Rops, Louis Dubois였습니다. 그들 모두는 삶에서 멀리 떨어진 주제와 구식 예술 언어를 가진 오래된 예술에 맞서 싸울 것을 요구하면서 사실주의의 슬로건을 내놓았습니다. 1871년에 발행되기 시작한 자유 예술 저널은 이 사회의 미학적 견해를 알리는 전령사가 되었습니다. 사회 하층 생활의 그림으로 유명해졌습니다. 그의 글쓰기 방식은 쿠르베에 가깝다. 채색은 어둡고 절제된 톤으로 유지되며 감정적으로 묘사 된 고통스러운 우울함에 해당합니다. "Coffee Roaster"(60s; 앤트워프, 박물관) 그림입니다. 여기에서 가난한 사람들은 어둡고 추운 겨울날 밖에서 커피 원두를 볶는 화로 옆에서 몸을 녹이는 모습을 보여줍니다. 소외된 이들에 대한 깊은 공감이 작가의 작업을 특징짓는다.

벨기에의 사실주의는 곧 모든 장르의 예술에서 강력한 위치를 차지했습니다. 풍경화가의 전체 은하계가 나타나 진실하고 동시에 그들의 본성을 다양하게 보여줍니다. 소위 Tervuren 학교 (브뤼셀 근처 숲에 위치한 장소의 이름을 따서). 학교장 인 Hippolyte Boulanger (1837-1874)는 Barbizon과 비슷한 색상으로 미묘하고 다소 우울한 숲 풍경을 그립니다. Louis Artan (1837-1890)의 본질을 더 정력적으로 인식합니다. 대부분 그는 바다와 해안의 전망을 묘사했습니다. 그의 번짐은 역동적이고 탄력적입니다. 작가는 변화하는 분위기, 풍경의 분위기를 전달하고자 한다.

Felicien Rops(1833-1898)는 벨기에 예술에서 특별한 위치를 차지했습니다. 주인은 프랑스에서 창작 생활의 상당 부분을 보냈음에도 불구하고 벨기에 예술 과정에 적극적으로 참여했습니다. 예술가의 다소 스캔들 같은 명성-파리 cocottes의 가수로서 종종 벨기에의 문화 생활에서 그의 매우 중요한 역할을 가립니다. Rops는 문학 및 예술 잡지인 Ulenspiegel(1856년 브뤼셀에서 창간)의 창립자 중 한 명이며 Charles de Coster(1867)의 유명한 소설의 첫 삽화가입니다. 에칭 기법으로 제작된 삽화는 소설 속 주인공들의 이미지를 날카롭고 흥미롭게 구현하고 있다. Rops는 그의 많은 작품에서 알 수 있듯이 드로잉의 뛰어난 대가이자 현대 생활에 대한 세심한 관찰자였습니다.

19세기 말까지의 벨기에 건축. 중요한 것을 만들지 않았습니다. 세기 전반기에 엄격한 취향으로 표시되는 고전주의 스타일로 여러 건물이 지어졌습니다 (브뤼셀 아카데미 궁전 -1823-1826, 건축가 Charles van der Straten, 브뤼셀 식물원의 온실 - 1826- 1829, 건축가 F.-T. Seys 및 P.-F. Ginest). 세기 중반부터 자유로운 절충주의와 웅장한 화려한 건물을 만들고자하는 열망이 건축에서 성장해 왔습니다. 예를 들어 브뤼셀의 증권 거래소 건물(1873-1876, 건축가 L. Seiss), 같은 장소에 있는 고대 미술관 건물(1875-1885, 건축가 A. Bala)이 특징입니다. 번영하는 벨기에 자본주의는 자신의 권력에 대한 기념비를 만들고자 합니다. 이것이 브뤼셀에있는 법무부 건물 (1866-1883, 건축가 J. Poulart)이 발생하는 방식입니다. 유럽에서 가장 웅장한 건축물 중 하나이며 모든 종류의 건축 양식을 소박하고 터무니없이 쌓고 혼합하는 것으로 구별됩니다. 동시에 양식화는 벨기에 건축에서 중요한 역할을 하며 고딕, 플랑드르 르네상스, 로마네스크 양식을 모방한 많은 교회, 시청 및 기타 공공 건물이 건설되고 있습니다.

19세기 말까지의 벨기에 조각. 회화에서 발전이 뒤처졌습니다. 30대에. 그럼에도 불구하고 애국적인 사상의 영향으로 몇 가지 흥미로운 조각상이 만들어졌습니다. 우선, Willem Gefs (1805-1883-브뤼셀 (1837, 브뤼셀, St. Gudula 대성당)에서 혁명적 인 전투에서 쓰러진 Frederic de Merode 백작의 묘비와 장군의 동상에 주목할 필요가 있습니다. 수도 광장 중 하나에 서있는 Belliard ( 1836.) 다른 많은 국가와 마찬가지로 벨기에의 세기 중반은 조각 예술의 쇠퇴로 표시되었습니다.

기념비적 인 예술에 대한이 어려운시기에 벨기에 최대 예술가 Constantin Meunier (1831-4905)의 작품이 형성되고 있습니다. Meunier는 조각 수업에서 브뤼셀 미술 아카데미에서 공부를 시작했습니다. 이곳에서는 세기 중반에 보수적인 학문 체계가 지배했습니다. 그들의 일과 가르침에서 교사들은 패턴과 일상을 따랐고 추상적 이상이라는 이름으로 자연의 장식을 요구했습니다. Meunier의 첫 번째 조형 작업은 여전히 이 방향에 매우 가깝습니다("Garland"; 1851년에 전시되었지만 보존되지 않음). 그러나 곧 그는 조각품을 버리고 그림으로 전향하여 나베즈의 제자가 되었습니다. 후자는 시대에 뒤떨어진 고전주의의 상징이었지만 자신감 있는 드로잉 구사, 회화의 조형 모델링, 웅장한 스타일에 대한 이해를 가르칠 수 있었습니다. 그 당시 젊은 스승에 대한 또 다른 영향은 프랑스 현실 주의자 인 Courbet과 Millet의 작품에 대한 친분과 함께 Charles de Groux와의 우정과 관련이 있습니다. Meunier는 의미있는 예술, 큰 아이디어의 예술을 찾고 있지만 처음에는 현대적인 주제가 아니라 종교적이고 역사적인 그림으로 향합니다. 특히 흥미로운 것은 "1797 년 농민 전쟁의 에피소드"(1875; 브뤼셀, 현대 미술관) 그림입니다. 작가는 패배로 끝난 반란의 마지막 장면 중 하나를 선택합니다. 일어난 일을 국가적 비극으로 묘사함과 동시에 굽힐 줄 모르는 민중의 의지를 보여준다. 그림은 그해의 벨기에 역사 장르의 다른 작품과 매우 다릅니다. 여기에는 역사를 이해하는 다른 접근 방식과 캐릭터 묘사의 사실주의, 묘사 된 감정의 관통, 풍경을 적극적으로 들리는 환경으로 도입하는 것이 있습니다.

70년대 말. Meunier는 벨기에의 산업 지역 인 "흑인 국가"에 속합니다. 여기에서 그는 아직 아무도 예술에 반영하지 않은 완전히 새로운 세계를 엽니다. 완전히 다른 아름다움의 측면을 가진 삶의 현상은 새로운 예술적 언어, 고유한 색상을 지시했습니다. Meunier는 광부 작업에 전념하는 그림을 만들고 광부와 여성 광부의 유형을 그리고이 "흑인 국가"의 풍경을 포착합니다. 그의 그림에서 주된 내용은 연민이 아니라 일하는 사람들의 힘이다. 이것이 바로 Meunier 작업의 혁신적인 의미입니다. 사람들은 연민과 동정의 대상이 아니라 위대한 삶의 가치를 창조하는 사람으로서 이미 자신에 대한 합당한 태도를 요구합니다. 사회 생활에서 일하는 사람들의 큰 중요성에 대한 이러한 인식에서 Meunier는 객관적으로 그 시대의 가장 진보된 사상가들과 같은 수준에 있었습니다.

그의 그림에서 Meunier는 일반화의 언어를 사용합니다. 그는 색의 도움으로 형태를 조각합니다. 색상은 엄격하고 제한적입니다. 하나 또는 두 개의 밝고 다채로운 점이 흙빛 회색 톤에 산재되어 전체 거친 범위 사운드를 만듭니다. 그 구성은 단순하고 기념비적이며 단순하고 명확한 선의 리듬을 사용합니다. 특징은 그림 "광산에서 반환"(c. 1890; Antwerp, Museum)입니다. 연기가 자욱한 하늘을 배경으로 선명한 실루엣으로 캔버스 위를 지나가듯 세 명의 노동자가 그려져 있다. 인물들의 움직임은 서로 반복되면서 동시에 전체적인 모티프를 변화시킨다. 그룹의 리듬과 그림 공간의 리듬은 조화로운 균형 솔루션을 만듭니다. 그림은 그림의 왼쪽 가장자리로 이동하고 그림과 오른쪽 프레임 사이에는 열린 여유 공간이 있습니다. 그룹 실루엣의 선명도와 일반화, 각 그림 이미지의 간결함은 구성에 거의 플라스틱 얕은 부조의 특성을 부여합니다. 그를 매료시킨 새로운 주제로 전환한 Meunier는 곧 그의 원래 소명을 기억했습니다. 조형 언어 수단의 일반화, 간결함은 인간 노동의 아름다움을 노래하는 데 더 이상 사용될 수 없습니다. 80년대 중반부터. 뫼니에의 조각상과 부조가 속속 등장하여 그의 이름을 기리며 19세기 조형예술 발전의 한 시대를 이룬다. 조각가의 주요 주제와 이미지는 망치질공, 광부, 어부, 광부 소녀, 농민과 같은 노동, 일하는 사람들입니다. 이전에는 근대성과는 거리가 먼 조건부 주체와 인물의 좁은 범위에 국한되었던 조각품에 노동자들은 무겁고 자신감있는 발걸음을 내디뎠습니다. 플라스틱 언어는 그때까지 완전히 무력화되기 전까지 다시 강력한 무자비한 힘과 강력한 설득력을 얻었습니다. 인체는 그 안에 숨겨진 아름다움의 새로운 가능성을 보여주었다. 구호 "산업"(1901; 브뤼셀, Meunier 박물관)에서 모든 근육의 긴장, 인물의 탄력있는 유연성과 힘, 가슴을 찢는 고된 호흡, 무겁게 부어 오른 손-이 모든 것이 사람을 손상시키지 않습니다. 그러나 그에게 특별한 힘과 아름다움을 부여합니다. Meunier는 노동 과정의 시인 노동 계급을 묘사하는 전통이라는 새로운 놀라운 전통의 창시자가되었습니다.

Meunier가 묘사하는 사람들은 절묘하게 아름답거나 전통적으로 고전적인 포즈를 취하지 않습니다. 진정한 실제 위치에서 조각가가보고 제시합니다. 예를 들어 그들의 움직임은 강하고 무례한 "The Hauler"(1888; Brussels, Meunier Museum)에서와 같이 무례하고 때로는 서투르기까지합니다 ( "The Pudding Man", 1886; Brussels, Museum of Ancient Art). 이 인물들이 서거나 앉는 방식에서 그들의 외모와 성격에 노동이 남긴 흔적이 느껴집니다. 동시에 이들의 포즈는 고혹적인 조형미와 강인함으로 가득 차 있다. 이것은 진정한 의미의 조각품으로, 공간에 살고 주변을 조직합니다. 인체는 Meunier의 손 아래에서 모든 탄성력과 강렬한 강렬한 역학을 드러냅니다.

Meunier의 플라스틱 언어는 일반화되고 간결합니다. 따라서 "The Loader"동상 (c. 1905; 브뤼셀, Meunier Museum)에서는 초상화가 일반화 된 유형으로 만들어지지 않았으며 이것이 큰 설득력을 부여하는 것입니다. Meunier는 기존의 학술적 커튼을 거부하고 그의 작업자는 말하자면 "작업복"을 입지만 이러한 옷은 형태를 부수거나 축소하지 않습니다. 직물의 넓은 표면은 근육 주위에 달라붙는 것처럼 보이며 몇 개의 개별 주름은 신체의 움직임을 강조합니다. Meunier의 최고의 작품 중 하나는 Antwerp (1900; Brussels, Meunier Museum)입니다. 조각가는 추상적인 우화가 아니라 근면하고 활동적인 도시의 의인화로서 항구 노동자의 매우 구체적인 이미지를 선택했습니다. 극도의 간결함으로 만들어진 엄숙하고 남성적인 머리는 근육질의 어깨에 단단히 박혀 있습니다. 노래하는 노동, Meunier는 그 심각성을 눈감지 않습니다. 그의 가장 눈에 띄는 조형 작품 중 하나는 Mine Gas 그룹(1893, 브뤼셀, 고대 미술관)입니다. 이것은 죽은 아들의 어머니가 애도하는 영원한 주제의 진정한 현대 버전입니다. 광산 재해의 비극적 여파를 포착합니다. 슬픔에 잠긴 여성의 모습은 경련을 일으키며 늘어진 벌거벗은 몸 위로 억눌린 말없는 절망에 몸을 굽혔다.

Meunier는 일하는 사람들의 수많은 유형과 이미지를 만들어 냈으며 90년대에 구상했습니다. 노동 기념비. 그것은 "산업", "수확", "항구"등 다양한 유형의 노동을 미화하는 여러 부조와 "씨 뿌리는 사람", "모성", "노동자"의 동상 인 원형 조각을 포함해야했습니다. 기타 이 아이디어는 주인의 죽음으로 인해 최종 구현을 찾지 못했지만 1930 년 조각가의 원본에 따라 브뤼셀에서 수행되었습니다. 전체적으로 기념물은 기념비적 인 인상을주지 않습니다. 더 설득력있는 것은 개별 조각입니다. 건축가 Orta가 제안한 건축 버전에서 이들을 함께 결합하는 것은 다소 외부적이고 단편적인 것으로 판명되었습니다.

Meunier의 작품은 독특한 방식으로 19세기 벨기에 예술의 발전을 요약했습니다. 검토중인 기간 동안이 나라에서 가장 높은 사실주의 성취로 판명되었습니다. 동시에 Meunier의 현실적인 정복의 의미는 국가 예술의 한계를 넘어 섰습니다. 조각가의 놀라운 작품은 세계 플라스틱 개발에 큰 영향을 미쳤습니다.

N. 스테판린(미술); O. Shvidkovsky, S. Khan-Magomedov(건축)

이미 XIX 세기의 마지막 10년 동안. 벨기에 예술에서 가장 큰 벨기에 예술가 Constantin Meunier의 작품을 형성 한 민주적 민속 재단에서 출발하는 첫 징후가 나타납니다. Meunier 이미지의 활력과 웅장 함은 그의 젊은 동시대 사람들이 접근 할 수 없었습니다. 앞으로 벨기에 예술의 운명은 여러모로 모순적이고 극적으로 전개될 것이다.

19세기 벨기에 회화에서 발생한 사실적인 경향은 Leon Frederic(1856-1940), Eugene Larmanet(1864-1940) 등과 같은 거장들에 의해 발전되었습니다. 평범한 사람들, 그들의 일상 생활 - 이것은이 거장들의 작품의 주제이지만 해석에서 그들은 C. Meunier의 조각과 그림의 특징 인 영웅적인 기념비, 활동 및 무결성에서 벗어납니다. L. Frederick의 캔버스에 있는 사람들은 훨씬 더 평범하고 일상적인 방식으로 나타납니다. 신비한 경향은 벨기에 예술에서 자연주의의 요소, 풍경 전송의 사진 정확도, 유형, 특별한 낙담과 결합되어 시청자가 세계 질서의 비극적 절망의 영원에 대한 생각으로 인도합니다. 그림 "죽음"(1904; 브뤼셀, 현대 미술관)은 말할 것도없고 E. Larmans (1894)의 "파업의 저녁"과 같은 주제에서 중요한 작품조차도 분위기로 구별됩니다. 절망과 행동의 목적 없음.

벨기에 미술 발전의 가장 특징적인 작품은 James Ensor(1860-1949)의 작품입니다. 장르적 사실주의 회화에서 엔서는 점차 상징주의로 다가온다. 이 예술가의 환상적이고 섬뜩한 이미지, 우화에 대한 그의 갈망, 도전적으로 밝고 거의 시끄러운 채색에 대한 가면과 해골의 묘사는 의심 할 여지없이 부르주아 세계의 소부르주아 편협함과 저속함에 대한 일종의 항의였습니다. 그러나 Ensor의 풍자는 구체적인 사회적 내용이 없으며 인류에 대한 풍자처럼 보이며 그의 예술의 이러한 속성에서 벨기에 예술에서 더 이상의 형식적 편차의 세균을 보지 않는 것은 불가능합니다.

J. Ensor는 벨기에 그래픽에서 특별한 위치를 차지합니다. 긴장된 에너지로 가득 찬 그의 독창적 인 에칭은 매우 표현력이 풍부하며 내면의 흥분과 불안의 분위기를 전달합니다. 특히 극적인 것은 인간의 장엄한 창조물과 군중 사이의 날카롭고 역설적인 대조를 이루는 "마리아케르케의 전망"(1887)과 "대성당"(1886; 둘 다 브뤼셀 왕립 도서관의 판화실에 있음)의 풍경입니다. 고딕 양식의 사원 기슭에 놀란 개미집처럼 떼지어 있습니다. 풍자와 판타지의 결합 - I. Bosch로 거슬러 올라가는 벨기에 예술의 국가적 전통 - 여기에서 새롭고 날카로운 굴절을 찾습니다.

Art Nouveau 트렌드 (건축가 A. van de Velde 및 기타)와 관련된 새로운 문체 현상의 벨기에 건축가 및 응용 예술의 등장 인 Maurice Maeterlinck의 이름과 관련된 문학적 상징주의는 미술에서 중요한 역할을했습니다. 벨기에. 1898-1899년에 영향을 받았습니다. "1st Latem 그룹"이 형성되었습니다 (예술가들이 정착 한 장소 인 Ghent 근처의 Latem-Saint-Martin 마을 이름을 따서 명명 됨). 이 그룹은 조각가 J. Minnet이 이끌었고 G. van de Wusteine, V. de Sadeler 등이 포함되었습니다. 그들의 작업은 현실보다 "더 높은"영적 세계의 우선 순위에 대한 아이디어를 기반으로했습니다. 인상주의 경향을 극복한 이 거장들은 "사물의 영적 아름다움을 표현하기 위해" "현상의 표면에서" 벗어나려고 노력했습니다. Latemians는 14-16 세기의 네덜란드 프리미티브 인 국가 회화 전통으로 전환했지만 상징주의의 아이디어를 가장 완벽하게 표현한 다음 더욱 강력한 표현주의의 표시로 발전한 작업에서 그들은 본질적으로 매우 그들이 언급한 전통과는 거리가 멀다. II Valerius de Sadeler (1867-1914)의 엄격하고 아름다운 풍경과 그룹의 젊은 구성원 인 Gustav van de Wusteine (1881-1947)의 신비주의로 스며든 작품에서 이미지를위한 장소가 없습니다 사람의.

세기 초에 점묘법은 다소 강력한 발전을 이루었으며 벨기에에서 가장 밝은 대표자는 Theo van Reiselberghe (1862-1926)였습니다.

20대 초반. 1 차 세계 대전의 비극적 사건과 관련된 벨기에의 표현주의 자체가 특별한 색을 띠지 만 표현주의의 영향으로 작업하는 "2nd Latem 그룹"이 만들어졌습니다. 이 방향의 책임자는 Constant Permeke(1886-1952)였습니다. 이 거장의 넓고 넓게 칠해진 캔버스에는 땅, 바다, 농민의 이미지와 같은 벨기에 예술에 친숙한 주제가 비극과 깊은 영적 혼란의 색조로 그려져 있습니다. 고의적 인 모든 변형을 통해 Permeke의 농민 이미지의 영적 한계와 무례함에 대한 강조, 예술가가 정서적으로 인상적인 이미지를 만들 수 있도록 허용 한 사람들에 대한 그의 동정과 동정이 깨집니다. 우울하고 흐릿한 채색, 행동의 불명료 함, 인간 캐릭터의 부동성은 슬픔에 잠긴 예감과 절망의 분위기를 전달합니다 ( "The Betrothed", 1923; 브뤼셀, 현대 미술관).

Gustave de Smet(1877-1943), Jean Brusselmans(1884-1953)는 표현주의의 원칙을 자신의 방식으로 재작업했습니다. 그들의 풍경의 색채 체계를 꿰뚫는 힘으로. R. Woutsrs, E. Taitgat 및 F. Cox를 포함하는 Brabant Fauvists 그룹과 Brusselmans를 회화에서 감정적 영향의 전달자로서의 색상에 대한 관심. 특히 중요한 것은 Rick Wouters(1882-1916)의 예술입니다. 밝게 장식된 색상 조합에 대한 열정은 이 예술가에게 그의 모델의 심리적 특성을 모호하게 만들지 않습니다. 프랑스의 Fauvists와 달리 Wauters는 그의 "Lesson"(1912; 브뤼셀 미술관), 후기 "Black Bandage가있는 자화상"(1915; Antwerp)과 같은 사물의 양인 가소성을 찾고 있습니다. , L. van Bogart 컬렉션), "Nele in red"(1915; 개인 소장품).

30대부터. 초현실주의는 벨기에에서 발전하고 있으며 두 대표가 널리 알려지고 있습니다. 이들은 R. Magritte (b. 1898)와 P. Delvaux (b. 1897)입니다. 이 주인은 구성의 개별 부분, 에로틱 한 계획의 강박적인 아이디어 등의 조합에서 순전히 살롱의 아름다움과 아픈 환상의 조합이 특징입니다. 동시에 "내밀한"예술가 Albert van Dyck (1902- 1951), Jacques Mas(b. 1905)는 그들과 함께 작업했습니다. 화가 L. van Lint(b. 1909)와 R. Slabbink(b. 1914)는 처음에는 전후, 특히 1950년대로 옮겨간 "Intimists"와 관련이 있었습니다. 벨기에에서 널리 보급되고 인정받은 추상 회화에 이르기까지.

20세기에 남아 있는 벨기에 회화의 대가는 거의 없습니다. 현실적인 위치에서. 그들 중 가장 중요한 것은 Isidore Opsomer(b. 1878)로, 날카롭고 활력이 넘치며 깊은 심리적 초상화("Portrait of K. Huysmans", 1927; Antwerp, Royal Museum of Fine Arts)의 저자입니다. Opsomer는 매우 그림 같고 신선하며 밝은 색상의 여러 정물화를 만들었습니다.

사회적 주제, 권리를 위한 벨기에 국민의 투쟁 주제는 Pierre Polus(b. 1881)와 Kurt Peiser(1887-1962), 특히 젊은 진보적 예술가 Roger Somville(b. 1923)의 작품에서 들을 수 있습니다. , 그는 또한 기념비적 그림, 스테인드 글라스 및 카펫 예술 분야에서 일하고 있습니다. E. Dubrinfo, L. Deltour, R. Saumville은 벨기에 국민의 투쟁을 주제로 한 대형 주제 그림을 제작했으며, 이 예술가들은 건축가와 긴밀한 접촉을 통해 작업합니다.

현대 벨기에 그래픽 학교는 새로운 주제와 새로운 문체 문제에 대한 대담한 진술이 특징입니다. 이미 지명된 D. Ensor 외에도 Jules de Breuker(1870-1945)는 벨기에에서 가장 큰 에칭가였습니다. 그의 시트는 현대 자본주의 세계의 사회적 대조인 도시 빈민가의 삶에 전념합니다. Breaker의 날카로운 시선은 삶의 비극적 측면을 보고, 그의 작업의 분석적 특성에도 불구하고 사람들에 대한 깊은 연민으로 부채질됩니다. 이런 의미에서 Breaker의 많은 시트("Death soars over Flanders", 1916)는 벨기에 예술의 민속 전통과 연결되어 있습니다.

현대 벨기에 그래픽의 가장 저명한 대표자는 Frans Mazerel(b. 1889)로 기념비와 이젤 페인팅 분야에서도 일했습니다. Maserel의 창작 활동은 벨기에뿐만 아니라 프랑스와 독일 지식인의 선진 서클의 이익과 불가분의 관계가 있습니다. 제1차 세계대전을 기점으로 마제렐은 날카로운 반군국주의적 신문화 연작을 들고 나왔을 때, 높은 인본주의적 이상을 위한 인류의 투쟁에 전 작업을 바친 거장임을 자처한다. 이 기간 동안 Maserel은 주요 언론인 및 예술가와 긴밀한 관계를 유지했으며 Romain Rolland와 친했습니다. 동시에 일러스트 레이터로서의 그의 작업이 시작되었고 첫 번째 목판화 시리즈가 만들어졌습니다 ( "The Way of the Cross of a Man", 1918; "My Book of Hours", 1919 등)-이 시리즈에서 다음과 같이 조용한 연대기에서 현대인의 삶의 길, 그의 투쟁, 의식의 성장, 기쁨과 슬픔이 지나갑니다. 대조의 선명도, 시각적 수단의 간결함 및 표현력은 종종 Maserel의 판화를 포스터에 더 가깝게 만듭니다.

현대 유럽 문화의 거장들과 함께 F. Mazerel은 19세기 민주주의 문화의 전통, 사실주의와 휴머니즘의 전통, 높고 효과적인 박애주의의 유기적 발전을 위해 노력합니다. 동시에 마제렐은 우리 시대의 근본적인 사회 문제를 미술로 해결하면서도 사실주의적 미술의 수단을 확장하고 현대적 세계관에 부합하는 새로운 사실적 회화 언어를 창조하기 위해 끊임없이 노력했다.

Maserel의 판화 언어는 깊은 은유적 연관성으로 가득 찬 간결함, 간결함이 특징입니다. Mazerel의 시트에는 하위 텍스트가 있으며 모든 표현력이 뛰어나므로 콘텐츠가 점차 펼쳐집니다. 저자의 의도의 깊이는 각 시트뿐만 아니라 각 주제 시리즈의 시트 비율, 순서, 플롯 및 정서적 차이, 이데올로기 및 예술적 통일성에도 숨겨져 있습니다. Maserel의 손에 있는 조각의 특징인 대비의 언어는 사회적 특성화의 유연한 무기가 되어 가장 미묘한 서정적 경험과 직접적인 동요 호소를 전달하는 역할을 합니다.

현대 도시("City", 1925)에 대한 일련의 판화는 웅장합니다. 그림의 표현력과 전체 구성은 결코 과도한 변형으로 변하지 않으며 Maserel의 언어를 이해할 수 있습니다. 상징주의 (Siren, 1932)에 의지하더라도 작가는 그림의 구체성에서 벗어나지 않고 자신의 예술로 사람들과 대화 할 기회를 얻기 위해 의식적으로 명확성을 위해 노력합니다. 낙관론의 메모는 특히 Maserel의 최신 작품 인 그의 그림에서 그의 시리즈 "From Black to White"(1939), "Youth"(1948)에서 강합니다. 현대 부르주아 사회의 악덕을 폭로하는 Maserel은 결코 명확한 사회적 기준을 잃지 않고 진보 세력을 믿으며 인간의 최종 승리와 위대함을 믿습니다. 깊은 민속 예술 Maserel은 평화를위한 투쟁의 아이디어로 가득 차 있으며 Maserel은 그의 예술과 함께 정의의 높은 이상을 제공하는 예술가 전투기의 예입니다. “나는 단지 예술가가 될 만큼 심미주의자는 아닙니다.”라고 Maserel은 말했습니다.

표현주의의 영향을 거의 경험하지 못한 L. Spilliart (1881-1946)는 서정주의의 대가 인 벨기에 그래픽에서 다소 떨어져 컬러 수채화 ( "A Gust of Wind", 1904; "White Clothes") , 1912).

20세기 벨기에 조각에서 가장 중요한 인물은 Georges Minnet(1866-1941)입니다. Rodin의 학생 인 Minne은 교사의 창의적 원칙과 거의 관련이 없었으며 Maeterlinck와의 우정은 그의 성격 형성에 훨씬 더 큰 영향을 미쳤습니다. 추상적이고 일반적인 아이디어를 바탕으로 Minne은 그의 작업에 다소 추상적인 영성을 부여합니다. 이것은 미묘하고 정확한 제스처 전달의 대가입니다. 인간 감정의 구체적인 표현이 아닌 개념을 표현하려는 끊임없는 욕구는 조각가를 조형 형태의 왜곡이라는 억지스러운 이미지로 이끈다. 그의 "아이를 애도하는 어머니"(1886, 브뤼셀, 현대 미술관), "무릎을 꿇은 청년"(1898, 대리석, 에센, Folkwang 박물관)이 있습니다. 1908-1912년. Minnet은 현재로 돌아서 벨기에 노동자들의 초상화는 자연에 대한 세심한 관찰을 기반으로 하며 19세기 조각의 전통을 이어갑니다. 그의 말년에 종교적인 주제에 대한 그림에서 Minne의 작품의 특징인 상징적이고 신비로운 특징이 다시 나타납니다.

일반적으로 현대 벨기에 조각은 감성적이고 아름다운 초상화 흉상과 조각 구성을 만드는 Ch. Leple (b. 1903)과 O. Jespers (b. . 1887), 흑인 원시인을 의도적으로 모방하는 대가.

이 나라의 전통적인 메달 예술은 벨기에에서 크게 발전하고 있습니다. 현대 벨기에 장식 도자기 (Dura의 작업장), 장식 조각 (master P. Kay; b. 1912), 장식적인 밝기, 형태 및 장식의 자연 스러움, 현대 건축 인테리어와의 유기적 연결에 대한 열망으로 장식용 그릇을 그렸습니다.

19세기 말~20세기 초. 벨기에에서는 국가의 천연 자원(철광석 및 석탄)의 집중적 개발과 광대한 아프리카 식민지의 약탈적 착취를 기반으로 산업 및 상업 도시의 급속한 성장이 있습니다. 산업의 자발적인 위치, 토지의 개인 소유, 벨기에 특유의 교외(공동체)의 행정적 독립성은 대도시의 정상적인 발전과 성장을 방해했으며, 재건 작업은 주로 중심지의 개선과 개발에 국한되었습니다. 도시 교통의. 주택 위기의 악화는 근로자를위한 "저렴한"주거용 건물의 다양한 형태의 주택 건설 (합작, 협동 조합 및 자선 단체)을 일으켰습니다.

이 기간 동안 새로운 유형의 산업, 비즈니스 및 공공 건물의 광범위한 건설이 벨기에 도시에서 시작되었으며 이는 경제 발전과 특히 노동 조합으로 조직된 노동 계급과 같은 새로운 고객의 출현을 반영합니다. -협동 기반의 소위 인민 주택 건설 (예 : 브뤼셀에서 건축가 V. Horta가 1896-1899 년에 설계) 무역, 문화, 교육 및 사무실 건물이 하나의 건물에 결합되었습니다.

1890년대 초 벨기에는 고전주의와 절충주의 (소위 국가 낭만주의 포함)의 표준에 대한 투쟁의 주요 (유럽 건축에서) 중심지 중 하나가되었습니다. 벨기에 건축가 A. van de Velde, V. Horta, P. Ankar는이 기간 동안 19 세기 건축 양식의 절충주의에 대한 거부로 특징 지어졌으며 새로운 "스타일"의 출현의 기원에있었습니다. ” -유럽 아르누보. 새로운 재료, 디자인의 가능성을 사용하고 건물에 대한 새로운 기능적 요구 사항을 고려하여 현대적인 스타일을 찾으려는 지속적인 시도.

Henri van de Velde(1863-1957)는 유럽 근대성의 가장 큰 대표자이자 이데올로기 중 한 사람이었습니다. 그는 인테리어와 가정 용품을 만드는 새로운 접근 방식을 위해 3 차원 구성을 위해 싸운 고전과 "외관"의 대포에 반대했습니다. 동시에 그는 건물을 짓고 가정 용품을 제조하는 과정에 산업적 대량 생산 방법을 도입하는 것에 반대했고 가정 용품 생산을 위한 장인의 방법을 옹호했으며 각 프로젝트의 개성을 옹호했습니다.

아르누보의 두 번째로 큰 지지자인 빅토르 오르타(1861-1947)는 아르누보의 창조적인 원칙을 실제로 처음으로 적용한 건축가(브뤼셀의 Turen Street에 있는 저택, 1892-1893)였을 뿐만 아니라 또한이 "스타일"의 건축 장식 검색 방향을 크게 결정했습니다. 1880-1890년대 초. 몇 년 동안 그는 새로운 장식에 대한 집중적 인 실험실 형식 미학 검색에 참여했으며 "채찍으로 때리기"(Horta 라인)라는 탄력있는 구불 구불 한 선을 처음으로 사용하여 모든 장식의 특징 중 하나가되었습니다. Art Nouveau는 1890년 말에서 1900년대 초에 거의 모든 유럽 국가에서 가장 널리 퍼졌습니다.

20-30년대 벨기에 건축의 창의적인 방향 개발에 대해. 전쟁 전에 벨기에가 근대성 발전의 주요 중심지 중 하나라는 사실은 영향을 미칠 수밖에 없었으며 van de Velde 및 Horta와 같은 주요 건축가는 전후 몇 년 동안 집중적으로 작업을 계속했습니다. 정통적인 근대성이었지만 그들의 작업은 급진적인 혁신과는 거리가 멀었습니다. 사실, van de Velde는 이 기간 동안 근대성의 합리주의적 측면을 발전시키려고 노력했습니다. 그러나 실제로 그는 전쟁 전 유럽 건축의 합리주의적 경향이 전반적으로 이미 통과한 단계를 작업에서 경험했습니다. 미국 건축의 영향을받은 Horta (1916-1919 년 미국에 있음)는 장식 요소가없는 단순화 된 순서를 사용하여 벨기에 건축에 신고전주의를 전파하려고했습니다 (브뤼셀의 미술 궁전, 1922-1928).

20-30년대 벨기에 건축의 합리주의 경향. 주로 젊은 건축가의 작업과 관련이 있었는데, 주요 활동 분야는 국가 대출을 사용하는 지방 자치 단체 및 협동 조합이 수행하는 저렴한 주택의 소위 "사회적"건설이었습니다. 이 건설은 할당된 자금이 극도로 제한되어 있기 때문에 건축가가 아파트의 합리적인 배치를 만들기 위해 프로젝트에 효과적인 새로운 건축 자재와 구조물을 사용해야 했습니다. 값싼 주택 건설은 실제로 건축가가 긴축 조건에서 근로자를 위해 비교적 편안한 주택을 만들려고 노력하고 응용 과학의 유형화 및 성취 원칙 (예 : 일사량 요구 사항)을 사용하려고 시도한 창의적인 실험실이었습니다. , 즉 직사광선 조명), 현대식 위생 및 기술 장비, 중앙 난방, 전기, 쓰레기 슈트 및 빌트인 가구를 대량 주택에 도입했으며 건물의 건축 이미지를 새로운 기능 및 건설과 연결하려고했습니다. 기초.

벨기에뿐만 아니라 유럽 최초의 현대식 주거 단지 중 하나는 1922-1925년 브뤼셀 근처의 Victor Bourgeois(1897-1962)가 설계했습니다. Cite Modern(현대 도시)의 마을. 여기에는 해당 연도의 새로운 계획 기술이 적용되었습니다. 분기에 레크리에이션을위한 특별한 조경 장소가 제공되고 어린이 놀이터가 배치되었으며 가장 유리한 방향을 고려하여 주택이 배치되었습니다. 더욱이 부르주아는 가장 유리한 아파트 방향의 원칙을 추구하는 데 매우 일관하여 마을 배치의 일반적인 구성(예를 들어, 중앙 광장의 폐쇄된 공간을 만들다), 선반(평면의 톱니)으로 디자인했다. 마을 주택의 아파트는 교차 환기와 일광이 있는 모든 방의 필수 조명으로 설계되었습니다. 집의 외관은 평평한 지붕, 모퉁이 및 누운 창, 입구 위의 가벼운 캐노피와 같은 철근 콘크리트의 특징을 반영했습니다.

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전후 벨기에 건축의 합리주의 경향 발전의 관점에서 볼 때 큰 관심은 건물의 새로운 요구 사항을 고려하여 건물의 계획 및 체적-공간 구성에 대한 기능적 솔루션을 찾는 학교 건설입니다. 교육 과정은 가장 엄격한 비용 절감 조건에서 저렴한 주택 건설과 동일한 방식으로 수행되었습니다.

건축 분야의 새로운 추세는 어려움이 있지만 여전히 독특한 공공 건물 건설에 영향을 미쳤습니다. 1935년 브뤼셀에서 열린 국제 박람회는 신고전주의와 절충주의에 대한 합리주의 경향의 투쟁을 위한 일종의 경기장이 되었으며, 많은 파빌리온의 전통적인 모습은 현대적인 건설적 기반을 숨겼습니다. 예를 들어 건축가 Jean van Peek의 디자인에 따라 지어진 세기의 대궁전이 있습니다. 거대한 홀(철근 콘크리트 포물선 아치) 천장의 대담한 디자인은 건물의 외관에서 드러나지 않으며, 외관은 신고전주의 정신으로 양식화된 계단식 구성입니다. 그러나 이미 이번 전시회에서 많은 파빌리온 (주요 파빌리온은 아님)에서 새로운 재료와 구조물 (유리, 철근 콘크리트)을 대담하게 사용하여 현대적인 건물의 외관을 만들었습니다.

제2차 세계 대전으로 인한 파괴는 광범위한 복구 작업을 필요로 했습니다. 더욱이 제1차 세계대전 이후 복원공사와 달리 이전의 형태로 많은 것을 복원하고자 하는 욕구가 만연했을 때 새로운 조건 하에서 특히 복잡한 계획과 좁은 도로로 인해 교통이 불편한 도시의 오래된 지역에서 복원은 재건 작업과 결합되었습니다. 어려움. 전후 벨기에에서 대량으로 만들어진 방송 도시 계획은 궁극적으로 1958년 브뤼셀에서 열린 국제 전시회의 조직과 동시에 브뤼셀 중부 지역의 교통을 활성화하기 위한 구체적인 조치로 귀결되었습니다. 브뤼셀의 막 다른 두 기차역 사이의 승객 교통량에서 도시 중심부의 교통 네트워크를 내리기 위해 관통 터널이 트랙을 도심의 지하철역과 연결했습니다.

전후 벨기에의 주택 건설은 상당한 관심을 받고 있습니다. 여기서 우리는 개별 건물이 여러 층에 위치한 "수직"아파트가있는 단독 주택으로 도시를 건설하는 전통의 극복과 현대식 아파트 건물 (단면, 갤러리) 건설로의 결정적인 전환을 주목할 수 있습니다. , 타워), 다수의 공공 건물(주로 가정용 및 상업용)을 포함하는 주거 단지로 결합됩니다. 이러한 주거 단지는 일반적으로 미개발 지역에 있습니다. 앤트워프의 Kiel 단지(건축가 R. Brahm, R. Mas 및 V. Marmans, 1950-1955), Liege의 Manevrov Square(EGAU 그룹 건축가 프로젝트, 1956) 다른 사람. 주거 단지는 일반적으로 여러 유형의 주택으로 지어지며 미개발 지역의 면적을 늘리기 위해 많은 주택이 종종 V 자형 지지대에 배치되어 새로운 벨기에 주거 단지의 구성을 제공합니다. 공간성, 특정 형식적 선명도 및 독창성.

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좁은 다층 외관을 가진 서로 다른 시대의 주택이 거리를 따라 연속적으로 늘어선 도시의 밀집된 오래된 지역에서 새 주택은이 "레이어 케이크"에 지어 져야합니다. 더욱이 벨기에 건축가들은 이 경우 이웃집의 외관을 모방하려 하지 않고 콘크리트와 유리로 된 현대식 건물을 여러 시대의 집에 과감하게 도입하여 건물 전체에 특별한 풍미를 더한다. 이 새 건물은 일반적으로 수익성있는 주택으로 건축가가 진정한 거장 기술과 독창성을 보여야하는 디자인에서 좁은 줄거리로 인해 집의 찢어진 부분에만 창 개구부를 배치 할 수 있기 때문에 (거리 및 안마당으로).

50년대 후반부터. 벨기에 건축에서는 미국의 다양한 기능주의 인 Mies van der Rohe 학교의 영향이 증가했습니다. 우선 이것은 사무실 건물 건설에 적용되며 그 중 하나는 건축가 Hugo van Cuijk의 프로젝트에 따라 1958년에 지어진 브뤼셀의 사회 보장 건물입니다. 도시의 높은 지점 중 하나에 성공적으로 위치한 이 건물은 마치 더 넓은 기단에서 자라난 것처럼 직사각형 베이스가 있는 평평한 높은 유리 프리즘입니다. 이 건물은 도시의 주요 도로 중 하나의 관점을 닫고 주변 다중 시간 건물과 건물 앞의 그림처럼 계획된 그늘진 광장을 포함하여 복잡하지만 표현력이 풍부한 앙상블의 구성 중심입니다. 야외에 배치됩니다. 이 사실적인 조각품은 건물의 현대적인 외관과 뚜렷하게 대조되며 건물 근처의 터널로 이어지는 현대적인 고속도로를 따라 질주하는 자동차 흐름으로 도시적 특성이 더욱 강조됩니다.

가장 유명하고 의심 할 여지없이 전후 벨기에 건축 최고의 작품 중 하나는 건축가 M. Brunfo가 1958 년 전시회와 관련하여 지은 새로운 브뤼셀 항공 터미널 건물입니다. 이 건물의 계획과 공간 구성에서 순전히 실용성과 예술적 과제가 모두 성공적으로 해결되었습니다. 주 수술실의 내부가 가장 큰 인상을 남깁니다. 홀은 50m 길이의 캔틸레버 알루미늄 트러스로 덮여 있으며 ^ 모양의 지지대에 놓여 있습니다. 홀의 세로 벽 중 하나는 여름 필드를 향한 거대한 유리 스크린으로 바뀌었습니다.

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벨기에의 건축 생활에서 중요한 사건은 1958년 국제 브뤼셀 전시회였습니다. 벨기에 건축가들은 개관과 관련된 많은 전시관 및 기타 건물의 제작에 직접 참여했습니다. 이 건물들 중에서 상징적 기념물로 분류될 수 있는 Atomium(엔지니어 A. Waterkeyn, 건축가 A. 및 J. Polak)과 같은 독특한 구조를 주목할 수 있습니다. 파빌리온 "철근 콘크리트 화살표"-철근 콘크리트의 건설 능력을 시연 한 80m 캔틸레버 (엔지니어 A. Paduard, 건축가 J. van Dorselaer)와 브뤼셀 중심에 지어진 정보 센터의 파빌리온 , 천장은 쌍곡선 포물선 형태의 두 개의 철근 콘크리트 지지대에 놓인 안장 모양의 껍질로 나무 3 층 접착 슬래브로 만들어졌습니다 (건축가 L. J. Bochet, J. P. Blondel 및 O. F. Philippon, 엔지니어 R. Sarge) .

길을 따라 여러 박물관이 있습니다. 이 기사에서는 브뤼셀의 왕립 미술관에 대해 알려 드리겠습니다. 오히려 6개의 박물관으로 구성된 전체 단지입니다.

브뤼셀 중심부에 있는 4곳:

* 고대 미술관.
15세기부터 18세기까지의 거장들의 훌륭한 컬렉션입니다.
이 컬렉션의 대부분은 남부 네덜란드(플랑드르) 예술가들의 그림으로 구성되어 있습니다. Rogier van der Weyden, Petrus Christus, Dirk Bouts, Hans Memling, Hieronymus Bosch, Lucas Cranach, Gerard David, Pieter Brueghel the Elder, Peter Paul Rubens, Anthony van Dyck, Jacob Jordaens, Rubens 등과 같은 거장들의 걸작…
컬렉션은 침략자들이 많은 예술 작품을 압수한 프랑스 혁명 중에 시작되었습니다. 상당한 부분이 파리로 옮겨졌고, 보관된 것에서 박물관은 1801년 나폴레옹 보나파르트에 의해 설립되었습니다. 압수 된 모든 귀중품은 나폴레옹이 퇴적 된 후에야 파리에서 브뤼셀로 반환되었습니다. 1811년부터 박물관은 브뤼셀 시 소유가 되었습니다. 윌리엄 1세 치하의 네덜란드 연합 왕국이 등장하면서 박물관의 자금이 크게 확장되었습니다.

로버트 캄핀. "성모 영보", 1420-1440

제이콥 조르다네스. 사티로스와 농부들, 1620년

*현대미술관.
현대 미술 컬렉션은 18세기 후반부터 현재까지의 작품을 다룹니다. 컬렉션의 기본은 벨기에 예술가들의 작품입니다.
Jacques-Louis David의 유명한 그림인 Marat의 죽음은 박물관의 오래된 부분에서 볼 수 있습니다. 컬렉션은 벨기에 신고전주의를 설명하며 벨기에 혁명과 국가 건국에 헌정된 작품을 기반으로 합니다.
현재 소위 "파티오"룸에서 임시 전시회 형태로 대중에게 공개됩니다. 이를 통해 현대 미술 작품을 정기적으로 교체할 수 있습니다.
박물관은 벨기에 인상주의의 가장 유명한 대표인 Alfred Stevens의 "Salome"을 소장하고 있습니다. 또한 James Ensor의 "Russian Music"과 Fernand Khnopf의 "Tenderness of the Sphinx"와 같은 유명한 작품도 선보입니다. 박물관에 전시된 19세기 거장 중에는 장 오귀스트 도미니크 앵그르, 구스타브 쿠르베, 앙리 팡탱 라투르의 걸작이 눈에 띕니다. 19세기 말 프랑스 회화. Paul Gauguin의 "Suzanne Bambridge의 초상화", Georges Seurat의 "Spring", Paul Signac의 "Bay", Edouard Vuillard의 "두 제자", Maurice Vlaminck의 풍경 및 Auguste Rodin의 조각 "Caryatid", "Portrait of Vincent van Gogh(1885. )의 a Peasant"와 Lovis Corinth의 꽃이 있는 정물.

장 루이 다비드. "마라의 죽음", 1793

구스타프 와퍼스. "9 월 일의 에피소드", 1834

* 마그리트 미술관.
2009년 6월에 개장했습니다. 벨기에 초현실주의 화가 르네 마그리트(1898년 11월 21일 – 1967년 8월 15일)를 기리기 위해. 박물관 컬렉션에는 캔버스, 구 아슈, 그림, 조각 및 페인트 개체에 대한 200 개 이상의 작품과 광고 포스터 (수년 동안 종이 공장에서 포스터 및 광고 아티스트로 일함), 오래된 사진 및 영화 촬영이 포함되어 있습니다. 마그리트 자신에 의해.
20년대 말, 마그리트는 브뤼셀의 센토 갤러리와 계약을 맺고 그림에만 몰두했습니다. 그는 초현실주의 그림 "The Lost Jockey"를 만들었는데, 이 그림은 그의 첫 번째 성공적인 그림으로 간주되었습니다. 1927년에 그는 첫 번째 전시회를 준비합니다. 그러나 비평가들은 그것이 성공하지 못한 것으로 인식하고 Magritte는 파리로 떠나 Andre Breton을 만나 그의 초현실주의 동아리에 합류합니다. 그는 자신의 그림을 알아볼 수 있게 만드는 시그니처 스타일을 얻습니다. 브뤼셀로 돌아온 그는 새로운 스타일로 작업을 계속합니다.
박물관은 또한 초현실주의 예술가의 유산에 대한 연구 센터이기도 합니다.

*세기말 박물관(Fin de siècle).
박물관은 19세기 말과 20세기 초 소위 "세기말"의 작품을 주로 아방가르드적 성격으로 모았습니다. 한편으로는 회화, 조각 및 그래픽뿐만 아니라 다른 한편으로는 응용 예술, 문학, 사진, 영화 및 음악도 있습니다.
대부분 벨기에 예술가들이 대표되지만 맥락에 맞는 외국 거장들의 작품도 있습니다. 당시 벨기에 예술가들의 위대한 진보 운동의 일원이었던 예술가들의 작품.

그리고 교외에 있는 두 곳:

*비르츠 박물관
Wirtz (Antoine-Joseph Wiertz) - 벨기에 화가 (1806-1865). 1835년에 그는 그의 첫 번째 중요한 그림인 파트로클로스의 시체를 소유하기 위한 트로이 목마와 그리스인의 투쟁을 그렸는데, 이 그림은 파리에서 전시회가 허용되지 않았지만 벨기에에서 강한 열광을 불러일으켰습니다. 이어 “성 베드로의 죽음. Dionysius", 삼부작 "The Entombment"(날개에 Eve와 Satan의 형상이 있음), "The Flight into Egypt", "The Revolt of the Angels" 및 예술가의 최고의 작품 "The Triumph of Christ" . 개념과 구성의 독창성, 색상의 활력, 대담한 조명 효과 및 붓의 전면적인 스트로크는 대부분의 벨기에 사람들에게 Wirtz를 오래된 국가 역사 그림의 부흥가로 보는 이유를 제공했습니다. 루벤스의 후계자. 멀수록 그의 이야기는 더욱 편심 해졌습니다. 대부분 거대한 크기의 그의 작품과 그에 의해 발명된 무광택 그림 적용 실험을 위해 벨기에 정부는 브뤼셀에 광범위한 작업장을 세웠습니다. 여기에서 그의 그림을 판매하지 않고 초상화 주문으로 만 존재했던 Wirtz는 그의 의견으로는 그의 모든 자본 작품을 수집하고 작업장 자체와 함께 벨기에 사람들에게 유산으로 물려주었습니다. 이제 이 워크숍은 Wirtz 박물관입니다. 앞서 언급한 6개의 그림을 포함하여 최대 42개의 그림을 저장합니다.

*뫼니에 박물관
박물관은 벨기에 탄광 지역 Borinage에서 온 가난한 이민자 가정에서 태어나고 자란 Constantin Meunier(1831-1905)를 기리기 위해 개관했습니다. 어린 시절부터 그는 어려운 사회적 상황과 종종 광부와 그 가족의 비참한 존재를 잘 알고 있었습니다. Meunier는 광산 지역의 삶에 대한 인상을 조형 형태로 포착하여 조화롭게 발전된 성격으로 노동하는 사람을 보여줍니다. 조각가는 그의 자부심과 힘을 반영하고 로더 또는 도커로서의 직업을 부끄럽게 여기지 않는 노동자의 이미지를 개발했습니다. 뫼니에가 자신의 영웅을 만들어낸 어떤 이상화를 인정하면서, 우리는 그가 육체 노동에 종사하는 남자를 작품의 중심 주제로 삼고 창조자로서의 모습을 보여준 최초의 거장 중 한 명이라는 사실에서 그의 위대한 역사적 공로를 인정해야 합니다. 내면의 위엄으로 가득 차 있습니다.