핀란드 예술가들. Ateneum 박물관 홀을 통해 : Hermitage에서 가장 유명하고 흥미로운 핀란드 예술가 전시회

악셀리 갈렌-칼렐라

새먼 풀러스터스(1896)

칼레발라 삽화. " 삼포디펜스«.

삼포(지느러미. 삼포) - Karelian-Finnish 신화에서 마법의 힘을 가지고 있으며 행복, 번영 및 풍요의 원천인 독특한 마법의 물체. Kalevala 서사시에서 제작자 Elias Lönnrot은 Sampo를 풍차 형태로 선보였습니다.

휴고 심버그

한라 (1895)

한라- 이것 서리, 내가 올바르게 이해한 경우, 예를 들어 여름 밤이나 이른 아침에

이런 의미에서 그림은 이미지를 잘 전달합니다.

헬렌 슈저프벡

토이필라스 (1888)

토필라 — 회복기

휴고 심버그

쿠올만 푸타르하 —죽음의 정원

이 그림에는 여러 버전이 있습니다. 이 그림은 탐페레 대성당의 프레스코화입니다.

이 사진은 핀란드 소녀가 나에게 추천했는데, 우울한 핀란드 인들에게도 어딘지 모르게 우울하다는 것을 알았을 때 그녀는 나에게 따뜻하게 대답했습니다. 그들은 용서를 구하는 것처럼 부드럽게 행동합니다 ...”

휴고 심버그

Haavoittunut enkeli -상처 입은 천사
(1903)

그림의 줄거리는 인식할 수 있는 역사적 배경에 대해 전개됩니다. 이곳은 헬싱키의 Eleintarha 공원(“동물원”)과 Töölö Bay입니다. 20세기 초에 공원은 노동자들에게 인기 있는 휴양지였으며 자선 기관도 수용했습니다. 캐릭터가 이동하는 길은 오늘날까지 살아 남았습니다. 행렬은 당시 존재했던 맹인 소녀 학교와 장애인 쉼터를 향해 이동합니다.

이 그림은 피 흘리는 날개를 가진 눈가리개를 한 나약한 천사를 들것에 짊어진 두 소년을 묘사하고 있습니다. 소년 중 한 명이 보는 사람을 골똘하고 찌푸린 표정으로 응시하고 그의 시선은 상처 입은 천사에 대한 동정이나 경멸을 표현합니다. 배경 풍경은 일부러 거칠고 희박하지만 차분한 느낌을 줍니다. 사소하지 않은 플롯은 다양한 해석의 여지를 열어줍니다. 소년들의 거친 옷과 신발, 찌푸린 표정과 진지한 얼굴은 삶과 죽음의 대립을 암시하는 가벼운 옷차림의 연약한 천사의 모습과 대비되며, 천사의 날개에 묻은 피와 눈가리개는 연약함과 일시적인 존재의 표시이지만 그의 손에 천사가 들고 있는 헌병 꽃다발은 중생과 회복의 상징입니다. 이곳에서의 삶은 죽음에 가까운 것 같습니다. 소년 중 한 명이 청중을 향해 몸을 돌려 그림의 밀폐된 공간을 깨고 삶과 죽음의 문제가 그들과 직접적으로 관련되어 있음을 분명히 했습니다. Simberg 자신은 The Wounded Angel에 대한 해석을 거부하여 시청자가 스스로 결론을 내리도록했습니다.

그림은 핀란드 문화에 큰 영향을 미쳤습니다. 그것에 대한 언급은 많은 고급 및 대중 예술 작품에서 발견됩니다. 핀란드 메탈 밴드 Nightwish의 노래 "Amaranth"에 대한 비디오는 "The Wounded Angel"을 모티브로 재생됩니다.

알베르트 에델펠트

파리신 룩셈부르크 푸이스토사 — 파리의 뤽상부르 정원에서.

악셀리 갈렌-칼렐라

아카 자 키사 — 할머니와 고양이

Gallen-Kallela에서는 일반적으로 모든 그림이 걸작이며 이것은 정말 세계적인 예술가입니다.

이 그림은 매우 자연주의적인 방식으로 쓰여졌지만, 꾸밈이 없음에도 불구하고 가장 단순하고 가난한 사람들에 대한 동정과 사랑으로 가득 차 있습니다.

이 그림은 1895년 투르쿠 미술관(Turku Art Museum)에 인수되어 오늘날까지 남아 있습니다.

단어 아카나는 항상 "여자"와 "할머니"를 어렵게 번역합니다.

여기에 약간의 맛을 보여주고 사진을 하나 더 추가하겠습니다. 헬렌 슈저프벡- 러시아어로 Helena Schjerfbeck이라는 이름을 읽습니다.

그리고 여기에 빛과 따뜻함이 있습니다.

1882년 회화, 탄시아이스켄가트 —댄스 슈즈.

이것은 아마도 가장 슬픈 핀란드 사진 일 것입니다. 적어도 제 생각에는.

알베르트 에델펠트

랩센 루미사앗토 — 아이의 장례식(말 그대로 어린이의 장례 행렬)

이것은 핀란드 시각 예술에서 최초의 야외 장르 구성입니다. 그녀는 작가가 보고 포착한 실생활의 단편이 되었다. 그림은 인간의 슬픔에 대해 알려줍니다. Edelfelt는 배에 작은 관을 싣고 가는 단순한 가족을 묘사했습니다. 험난한 풍경은 마지막 여정에서 아이를 배웅하는 사람들의 기분과 일치한다. 그들의 슬픈 얼굴에는 절제된 움직임-호수의 하얀 고요한 표면, 밝고 차가운 하늘, 먼 낮은 해안에 의해 반향되는 엄숙한 슬픔.

"아이의 장례식"은 그에게 학자라는 칭호를 가져다 주었고 작품은 모스크바의 개인 소장품으로 구입되었습니다. 동시에 Tsarskoe Selo에서 개인 전시회가 열렸고 그림을 좋아했던 Alexander III와 Maria Feodorovna에게 Edelfelt가 수여되었습니다.

예술가와 법원의 근접성은 러시아에서 핀란드 회화의 인기를 도왔습니다. Edelfelt는 러시아를 위해 핀란드 예술을 발견 한 사람 중 한 명이라고 말할 수 있습니다.

1907년에 이 그림은 핀란드로 돌아왔고 현재 헬싱키의 아테네움 박물관에 있습니다.

그래도 저를 대신하여 저는이 그림에서 죽음에 대한 핀란드 인의 태도가 매우 정확하게 전달된다는 점에 주목하고 싶습니다 (아아, 모든 삶의 일부, 마지막 부분입니다). 그것은 매우 엄격하고 제한적이며 여기에서도 러시아인과 차이가 있습니다. 그러나이 엄격함과 구속은 그들의 무감각 함을 말하는 것이 아니라 핀란드 인들이이 모든 것을 그들 자신 안에 깊숙이 가지고 있다는 것입니다. 우리 러시아인보다 더 깊습니다. 그러나 이것으로 인한 슬픔은 그들에게 슬픔이 아닙니다.

페카 할로넨

티엔라이바지아 카르자라싸 — 카렐리야의 도로 건설업자.

문자 그대로 "카렐리야의 도로 청소부"가 될 것입니다.

라이바타- 좋은 동사 길을 비우다
단어와 공통점이 있는지 모르겠지만 라이보 — 분노, 광란

그러나이 그림을 보면 그렇다고 가정 할 수 있습니다.

그림에는 핀란드 인의 또 다른 특징이 있습니다. 역사적으로 그들은 극도로 불리한 자연 환경에서 살아야했습니다. 즉, 때때로 그들은 자신의 존재를 위해 치열하게 싸우기 때문에 아마도 그들이 일과 역경에서 보여주는 인내 일 것입니다. 적어도 예전에는 그랬습니다.

휴고 심버그

Hugo Simberg의 또 다른 사진 - " 꿈«.

Simberg는 당연히 상징주의자로 간주되며 그의 그림은 해석과 해석에 매우 개방적입니다.

그리고 동시에 그의 그림에는 항상 매우 국가적인 것이 있습니다.

악셀리 갈렌-칼렐라

포이카 자 바리스 — 소년과 까마귀.

(1884) 그런데 개인적으로 성인이 되어서야 알게 된 사실 까마귀 (바리스), 상대적으로 말하자면 아내/여자가 아니다. 까마귀 (코르피). 사실 이러한 혼동은 다행히도 러시아어에서만 발생합니다. 예를 들어 우크라이나어에서 까마귀는 "사기꾼"이고 까마귀는 "까마귀"입니다. 영어로 raven이라는 단어는 "raven"으로 들리고 까마귀는 "crow"라고 합니다.

그림은 현재 Ateneum에 있습니다.

Akseli Gallen-Kallela.

Lemminkäisen 아이티 — Lemminkäinen의 어머니.
(1897)

이 그림은 헬싱키의 아테네움에 있습니다.

이 그림은 Lemminkäinen이 살해되고 해체되고 신체 일부가 어두운 강인 Tuonela에 던져지는 Kalevala의 한 장면을 묘사합니다. 영웅의 어머니는 갈퀴로 아들의 신체 일부를 모아서 하나로 꿰매 었습니다. 사진에서 그녀는 꿀벌을 기다리고 있습니다. 그래서 그녀는 Lemminkäinen을 부활시켜야 하는 고위 신 Ukko로부터 마법의 꿀을 가져올 꿀벌을 올려다 봅니다.

1933년 헬싱키에서 설립되었습니다. 처음에는 1930 년대 말까지 약 45 명인 다양한 전문 분야의 23 명의 예술가를 통합했습니다. 사회의 첫 번째 회장은 건축가이자 인테리어 아티스트 L. E. Kurpatov였으며 1934 년부터이 게시물은 1935 년부터 E. A. Buman-Kolomiytseva가 차지했습니다. Baron R. A. Shtakelberg (1936 년 명예 회원 선출), 1936 년부터-V. P. Shchepansky. 협회는 매년 회원 작품 전시회(상금 포함)와 연례 자선 무도회(보통 Hotel Grand에서)를 주최했습니다. 상호 이익 기금이 있었고 친근한 저녁이 열렸으며 예술에 대한 공개 보고서가 읽혔습니다. 여러 해에 읽은 보고서 중 : S. M. Veselov (1935)의 "지난 25 년 동안의 러시아 극장", V. P. Shchepansky (1936; 예술가 M. A. Fedorova의 기억에 전념)의 "러시아 풍경화가", "집에서의 문화 " L. E. Kurpatova (1936) 및 기타. 협회는 A. S. Pushkin의 생일을 축하하고 1937 년 시인 사망 100 주년과 관련된 행사에서 연례 러시아 문화의 날 조직에 참여했습니다. 1934년에는 미술 워크샵을 조직하고 여름에는 스케치 작업을 위해 여름 별장을 공동으로 임대하기로 결정했습니다.

사회 전시회에는 M. Akutina-Shuvalova, N. P. Bely, A. P. Blaznov, N. Blinov, E. A. Buman-Kolomiytseva, P. Varlachev, V. A. Veiner, S. M. Veselov , V. I. Voutilainen, E. V. Deters, H. Dippel- Shmakov, S. Dobrovolsky, P. S. Zakharov, S. G. Irmanova, I. M. Karpinsky, I. Krasnostovsky, L. Kratz, L L. Kuzmin, N. G. Kuzmina, I. Kurkiranta, L. E. Kurpatov, O. Kurpatova, T. Kurto, A. Lindenberg, P. Lomakin, Baroness M. B. Maidel, M. Milova, M. M. von Mingin, V. Mitinin, M.N. Nemilova, M. Pets-Blaznova, L. Platan, G. Presas, Yu. I. Repin, V. I. Repina, M. Romanov, S. Rumbin, V. P. Semenov-Tyan-Shansky, M. A. Fedorova, T. Schwank, V. Shermanova -Brown, M. N. Shilkin, A. L. von Schultz, G. Schumacher, M. N. Shchepanskaya, V. P. Shchepansky.

1939년 핀란드에 대한 적대 행위가 발발하면서 협회의 활동은 중단되었고 전쟁이 끝난 후에야 더욱 활발해졌습니다. 1945년 협회는 I. M. Karpinsky가 의장을 맡은 핀란드의 러시아 예술가 연합으로 변모했습니다. 이듬해 이 조직은 러시아 문화민주연합(Russian Cultural Democratic Union)의 공동 회원이 되었고 1947년 Harhammer Art Salon에서 첫 전시회가 열렸습니다.

서지:	해외 러시아인의 문학적 삶의 연대기: 핀란드(1918–1938) / 편찬: E. Hämäläinen, Yu. A. Azarov // 문학 저널. 러시아 과학 아카데미의 언어 및 문학 섹션. 러시아 과학 아카데미의 사회 과학에 관한 과학 정보 연구소. – 2006. No. 20. S. 271–319.
사이:
지리학:
작성자:
입장 날짜:

아테네움 박물관 상설전시건물의 3층을 차지하고(작은 주제별 박람회도 이곳에 배치됨) 2층에서는 임시 전시회가 열립니다(홀 계획). 이 노트에서 우리는 Ateneum 컬렉션에서 가장 흥미롭고 유명한 그림과 조각과 그 저자에 대해 이야기할 것입니다. 핀란드의 화가와 조각가. Ateneum 박물관의 역사와 박물관 건물의 건축에 ​​대한 추가 정보읽을 수 있습니다. 에 대한 유용한 정보도 제공합니다. 티켓 가격, 영업시간 Ateneum 박물관 방문 절차. 주의: 항상 박물관에서 모든 유명한 작품을 동시에 볼 수 있는 것은 아닙니다.

핀란드 조각가들의 작품

입구에서 바로 Ateneum 박물관을 통해 산책을 시작합시다.

로비에서 대리석 그룹이 우리를 맞이합니다 " 아폴로와 마르시아스» (1874) 유명한 핀란드 조각가 발터 루네베르그 (발터 매그너스 루네베르그) (1838-1920), 헬싱키의 Johan Runeberg와 Alexander II 황제 기념비의 저자. 조각가의 아버지이자 국가 낭만주의 문학사조를 대표하는 시인 요한 루네베르그는 용기와 헌신의 가치를 비롯한 그리스·로마 문명의 이상을 핀란드 문화에 도입했다. 그의 아들은 이러한 이상을 계속해서 표현했지만 조각을 통해 표현했습니다. 1858-62년. Walter Runeberg는 국제적으로 인정받는 신고전주의 조각의 거장인 유명한 Thorvaldsen의 학생인 덴마크 조각가 Hermann Wilhelm Bissen의 지도 아래 코펜하겐의 미술 아카데미에서 공부했습니다. 1862-1876년. Runeberg는 로마에서 일하면서 고전 유산을 계속 연구했습니다.

이 조각 그룹에서 Runeberg는 빛의 신 Apollo를 묘사하여 그의 예술로 satyr Marsyas를 물리 치고 어둠과 흙을 의인화했습니다. Apollo의 모습은 고대 이상의 정신으로 만들어졌지만이 이미지는 바로크 양식의 야생 목자 Marsyas와 분명히 반대됩니다. 이 구성은 원래 새로운 헬싱키 학생회관을 장식하기 위한 것이었고 여학생회에서 의뢰한 것이었지만, 여성들은 분명히 Runeberg의 조각품에 과도한 노출이 있다고 결정했습니다. 어떤 식 으로든 결국 작품은 핀란드 미술 협회에 선물로 제공되어 Ateneum Museum 컬렉션에 올랐습니다.

아테네움 3층 주전시관 입구에서 더 재미있는 작품들을 만나보실 수 있습니다. 핀란드 조각가. 특히 매력적인 것은 대리석과 청동 조각품, 우아한 조각상 및 꽃병입니다. 빌 월그렌 (빌 월그렌) (1855–1940).빌 월그렌핀란드에서 기본 교육을받은 후 코펜하겐이 아닌 파리에서 공부를 계속하기로 결정한 최초의 핀란드 조각가 중 한 명입니다. 그의 선택은 Porvoo 출신의 유명한 예술가 Albert Edelfelt의 영향을 받았습니다. Edelfelt는 다른 삶과 직업 문제에서 충동적인 동포를 도왔습니다. 예를 들어 Wallgren은 Esplanade Boulevard의 유명한 Havis Amanda 분수 (1908)를 완성하라는 명령을 받았습니다.

빌 월그렌거의 40년 동안 프랑스에서 살았던 은 관능적인 여성상으로 가장 잘 알려져 있습니다. 아르누보 스타일로. 그러나 초기 작업 단계에서 그는 종종 젊은 남성을 묘사하고 보다 고전적인 스타일을 고수했습니다(예: 시적인 대리석 조각 " 에코"(1887) 및 " 게를 가지고 노는 소년(1884), Wallgren이 인간 캐릭터와 자연 세계를 연결함).

19세기 말에 Ville Wallgren은 애도하는 애도하는 소녀의 모습으로 장식된 꽃병, 장례식 항아리, 눈물 방울뿐만 아니라 장식용 인형의 놀라운 대가로 세계적인 명성을 얻었습니다. 그러나 못지않은 설득력으로 생생한 Wallgren은 같은 Havis Amanda와 같은 들떠 있고 매혹적인 여성을 포함하여 삶의 기쁨을 묘사했습니다. 앞서 언급한 조각품 "게를 가지고 노는 소년"(1884) 외에도 아테네움 박물관 3층에서 볼 수 있습니다. Wille Wallgren의 청동 작품: "눈물"(1894), "봄(르네상스)"(1895), "두 젊은이"(1893) 및 꽃병(c. 1894). 디테일이 완벽하게 구현된 이 정교한 작품은 크기는 작지만 강렬한 감동을 선사하며 그 아름다움으로 기억됩니다.

Ville Wallgren은 조각가로서 먼 길을 걸어왔지만 일단 방향을 찾고 전문가의 지원을 받으면 역사상 가장 존경받고 국제적으로 인정받는 예술가 중 한 사람이 되었습니다. 핀란드 예술. 예를 들어, 그는 파리에서 열린 세계 박람회(1900년에 일어난 일)에서 자신의 작품으로 그랑프리 메달을 받은 유일한 핀란드인이었습니다. Wallgren은 1889년 세계 박람회에서 처음으로 그의 부조 "Christ"가 발표된 동안 동료와 비평가들의 관심을 끌었습니다. 다시 한번, 핀란드 조각가는 파리의 상징주의 살롱에서 자신을 알렸습니다. 로즈 + 크루아 1892년과 1893년. Wallgren의 아내는 스웨덴의 예술가이자 조각가인 Antoinette Rostrem( 앙투아네트 로스트룀) (1858-1911).

핀란드 예술의 황금기: Albert Edelfelt, Akseli Gallen-Kallela, Eero Järnefelt, Pekka Halonen

3층에 있는 가장 큰 홀 중 하나에서 아테네움 박물관친구 Ville Wallgren의 작품을 포함하여 고전 그림이 제공됩니다. 알베르트 에델펠트 (알베르트 에델펠트) (1854-1905), 세계에서 가장 널리 알려진 핀란드 예술가.

관객의 시선은 필연적으로 멋진 그림에 매료됩니다. 퀸 블랑카"(1877)-핀란드에서 가장 인기 있고 사랑받는 그림 중 하나 인 모성에 대한 진정한 찬송가. 이 그림의 인쇄된 복제품과 그것을 묘사한 자수는 전국의 수천 집에서 찾을 수 있습니다. Edelfelt는 Zacharias Topelius의 단편 소설 "The Nine Silversmiths"에서 영감을 받았습니다. 드 니오 실버페닝가르나), 중세 스웨덴과 노르웨이의 여왕, 나뮈르의 블랑카가 그녀의 아들이자 덴마크의 마가렛 1세의 미래 남편이 될 하콘 마그누손 왕자를 노래로 즐겁게 해 줍니다. 이 결혼의 결과 퀸 블랑카, 스웨덴, 노르웨이 및 덴마크의 연합 인 Kalmar Union (1397-1453)이되었습니다. Pretty Blanca는 어린 아들에게 이 모든 미래의 사건에 대해 노래합니다.

이 캔버스 제작 시대에 역사적인 그림은 가장 고귀한 예술 형식으로 간주되었으며 당시 국가 정체성이 막 형성되기 시작했기 때문에 핀란드 사회의 교육받은 부분에서 요구했습니다. Albert Edelfelt는 중세 스칸디나비아 역사를 주제로 한 그림을 그리기로 결정했을 때 겨우 22세였으며 블랑카 여왕은 그의 첫 진지한 작품이 되었습니다. 예술가는 그의 사람들의 기대에 부응하고 역사적 장면을 가능한 한 생생하고 확실하게 구현하려고 노력했습니다. 그 시대의 의상, 중세 건축 및 가구에 관한 책 읽기, 중세 Cluny 박물관 방문). 여왕 드레스의 빛나는 비단, 바닥의 곰 가죽 및 기타 많은 세부 사항이 쓰여지는 기술을보십시오 (작가는 백화점에서 특별히 곰 가죽을 빌 렸습니다). 그러나 적어도 현대 시청자에게 (그리고 세상 누구보다 어머니를 사랑했던 에델펠트 자신에게) 그림에서 가장 중요한 것은 따뜻한 감정적 내용입니다. 어머니의 얼굴과 아이의 몸짓은 사랑, 기쁨과 친밀감.

아름다운 18세 파리지앵이 블랑카 여왕의 모델로, 예쁜 이탈리아 소년이 왕자를 위해 포즈를 취했습니다. 그림 "퀸 블랑카" 1877년 파리 살롱에서 처음 대중에게 공개되었고 큰 성공을 거두었으며 프랑스 미술 출판물에 복제되었습니다. 그런 다음 그녀는 핀란드에서 보여졌고 그 후 캔버스는 Aurora Karamzina에게 판매되었습니다. 그 후, 그 그림은 그것을 기증한 거물 Hjalmar Linder의 컬렉션으로 끝났습니다. 아테네움 박물관 1920년.

초기 창의성의 또 다른 예 알베르트 에델펠트슬픈 그림 " 아이의 장례식"("관 운송") (1879). 우리는 이미 에델펠트가 젊었을 때 역사화가가 될 것이라고 말했습니다. 그는 앤트워프와 파리에서 공부하면서 이것을 준비했습니다. 그러나 1870년대 말에 그의 이상은 바뀌었고 프랑스 화가인 바스티앙 르파주와 친구가 되었으며 외광화의 설교자가 되었다. 다음 작품 에델펠트이미 농민의 삶과 고국의 살아있는 삶을 현실적으로 반영하고 있습니다. 그러나 그림 "어린이의 장례식"은 일상 생활의 장면을 반영하는 것이 아니라 인간의 근본적인 감정 중 하나 인 슬픔을 전달합니다.

그해 Edelfelt는 Porvoo 근처의 Haikko 부동산에서 어머니가 임대 한 dacha를 처음 방문했습니다 (나중에 예술가는 매년 여름이 아름다운 장소에 왔습니다). 그림은 완전히 야외에서 그렸는데, 바람에 펄럭이지 않도록 해안 바위에 큰 캔버스를 부착해야했습니다. 에델펠트는 한 친구에게 "야외에서 그림을 그리는 것이 그렇게 어렵다고 생각하지 않았습니다. Edelfelt는 Porvoo 군도 주민들의 풍화 된 얼굴을 스케치하고 어부들과 한 번 이상 바다로 나갔고 세부 사항을 정확하게 재현하기 위해 특별히 절단 된 어선을 작업장에 배치했습니다. 에델펠트 그림 « 어린아이의 장례식'은 1880년 파리 살롱에 전시되어 3급 메달(처음으로)을 수상했습니다. 핀란드 예술가그런 영예를 얻었습니다). 프랑스 평론가들은 지나친 감상적이지 않으면서도 인물들이 피할 수 없는 것을 받아들이는 품위를 반영하는 등 그림의 다양한 장점에 주목했다.

그림은 완전히 다른 맑고 평온한 분위기로 가득 차 있습니다. 알베르트 에델펠트 « 룩셈부르크 정원»(1887). Edelfelt가 이 캔버스를 그렸을 때 그는 이미 파리 미술계에서 매우 유명한 인물이었습니다. 수많은 아이들과 유모들이 좋은 날씨를 즐기는 파리의 공원에 매료된 그는 이 아름다움을 포착하기로 결정했습니다. 그 무렵 화가는 이미 파리에서 10년 이상을 살았고, 이 그림이 파리지앵의 삶을 그린 그의 유일한 주요 작품이라는 사실조차 이상하다. 이것은 아마도 예술가들 간의 치열한 경쟁 때문일 것입니다. 더 "이국적인" 핀란드 주제를 작업하면서 이러한 환경에서 눈에 띄기가 더 쉬웠습니다. 그림 "룩셈부르크 정원"은 Edelfelt가 인상주의 기법을 많이 사용했다는 점에서도 이례적입니다. 동시에 그는 인상파 화가들과 달리 야외와 스튜디오에서 1년 이상 이 캔버스 작업을 했다. 악천후 또는 늦은 모델로 인해 진부한 이유로 작업이 종종 느려졌습니다. 자기 비판적인 에델펠트는 작품을 전시장으로 가져갈 마지막 순간까지 반복적으로 캔버스를 수정했다.

이 그림은 전시회에서 처음으로 공개되었습니다. 갤러리 쁘띠 1887년 5월. Edelfelt 자신은 결과에별로 만족하지 않았습니다. 프랑스 인상파 그림의 색상 폭발을 배경으로 그의 캔버스는 빈혈, "액체"처럼 보였습니다. 그러나이 작업은 비평가와 대중에게 호평을 받았습니다. 그 후, 이 그림은 당시 예술 세계의 진원지였던 파리와 핀란드 예술, 특히 에델펠트의 긴밀한 유대 관계를 상징하는 일종의 상징이 되었습니다.

그림 " 루오콜라티 교회의 여성들» (1887) 알베르트 에델펠트 Haikko의 여름 워크샵에서 그는 민속 생활을 주제로 거의 모든 작품을 만들었습니다. 그림은 동부 핀란드 여행의 인상을 반영하고 있지만 Haikko 여성이 ​​그림의 모델로 알려진 것으로 알려져 있습니다 (Edelfelt를 위해 포즈를 취한 사진은 그의 스튜디오에서 보존되었습니다). 다른 대규모 구성과 마찬가지로 이 구성도 하룻밤 사이에 만들어진 것이 아니라 항상 신중한 예비 스케치가 만들어졌습니다. 그러나 아티스트의 주요 목표는 항상 "스냅샷"의 즉흥적이고 생생한 효과를 얻는 것이었습니다.

Ateneum 박물관의 Albert Edelfelt 작품 옆에는 핀란드 예술의 황금기를 대표하는 또 다른 대표자의 그림을 볼 수 있습니다. 에로 야르네펠타 (에로 예르네펠트) (1863-1937). Järnefelt는 핀란드에서 학업을 마친 후 상트 페테르부르크그가 공부한 곳 예술 아카데미그의 삼촌 Mikhail Klodt와 함께 Repin 및 Korovin과 가까워진 후 파리에서 교육을 계속했습니다. 외국의 영향에도 불구하고 Järnefelt의 작업은 국가적 정체성에 대한 탐색과 그의 고유 문화의 독특한 특성을 강조하려는 열망을 반영합니다. 창의성에 대해 더 알아보기 에로 야르네펠타읽다 ).

Jarnefelt는 그의 별장 스튜디오 Suviranta가 위치한 Koli 지역과 Tuusulanjärvi 호수 주변의 장엄한 풍경을 그린 초상화가이자 작가로 가장 잘 알려져 있습니다. 야네펠트의 여동생).

그러나 Eero Järnefelt의 가장 중요하고 유명한 작품은 물론 그림입니다. "멍에 아래"( "숲을 태우다")(1893) (이름의 다른 변형 - " 돈을 위해 뒤로 구부리기», « 강제 노동"). 캔버스의 플롯은 경작할 수 있는 땅을 얻기 위해 숲을 불태우는 것으로 구성된 고대 농업 방식(소위 화전 농업)과 연결되어 있습니다. 이 그림은 1893년 여름 농장에서 제작되었습니다. 란난 푸룰라북부 Savo 지역의 Lapinlahti에서. 그해 서리는 두 번째로 수확을 망쳤습니다. Järnefelt는 부유한 가족의 농장에서 일하면서 수확이 좋을 때만 일한 대가를 받는 땅 없는 노동자들의 열악한 생활과 노동 조건을 관찰했습니다. 동시에 Järnefelt는 불타는 숲 풍경을 스케치하고 불과 연기의 행동을 연구했으며 결국 그의 그림의 주인공이 된 마을 사람들을 촬영했습니다.

그림 속 한 캐릭터 만 시청자를 직접 바라 봅니다. 잠시 일을 중단하고 비난의 표정으로 우리를 바라 보는 소녀입니다. 그녀의 배는 굶주림으로 부풀어 올랐고 얼굴과 옷은 그을음으로 검게 변색되었으며 Jarnefelt는 머리 주위에 후광을 닮은 연기를 묘사했습니다. 작가는 Johanna Kokkonen(Johanna Kokkonen)이라는 14세 소녀에게서 이 이미지를 그렸습니다. 요한나 코코넨), 농장의 하인. 전경에 있는 사람은 Heikki Puurunen( 헤이키 푸루넨), 농부의 형제, 농장의 주인이 배경에 그려져 있습니다.

사진을 보면 말 그대로 불의 열기를 느낄 수 있고, 불꽃의 숨막히는 소음과 나뭇가지가 부서지는 소리를 들을 수 있습니다. 이 그림은 여러 가지 해석이 있지만 그 주된 의미는 억압받는 사람들에 대한 가혹한 비판으로 보입니다. 그림 속의 소녀는 모든 가난하고 배고픈 아이들, 핀란드의 모든 불우한 사람들의 일반화된 이미지가 되었습니다. 캔버스는 1897년에 처음 대중에게 공개되었습니다.

넓은 홀 전체 아테네움 박물관핀란드 미술의 황금기를 대표하는 또 다른 유명인의 작품에 바칩니다. 악셀리 갈레나-칼렐라 (악셀리 갈렌-칼렐라) (1865-1931). 그 기간의 다른 주요 핀란드 예술가들과 마찬가지로 그는에서 공부했습니다. Gallen-Kallela는 1900년 세계 박람회 기간 동안 핀란드 서사시 Kalevala를 기반으로 한 핀란드 전시관을 위한 여러 프레스코화를 제작하면서 파리 대중의 특별한 관심을 받았습니다.

동안 파리에서 공부하다 Gallen-Kallela는 종종 거리와 카페에서 발견한 장면을 스케치했습니다. 이 시대의 창의성의 예는 그림입니다. "누드"( "마스크없이") (데마스크 ) (1888) - Gallen-Kallela의 작품에서 거의 유일한 에로틱 캔버스. 성적으로 노골적인 그림 컬렉션을 보충하기를 원했던 핀란드 수집가이자 박애주 의자 Fridtjof Antell의 의뢰로 23 세의 예술가가 만든 것으로 알려져 있습니다. 그러나 Antell은 그림을 보았을 때 자신의 취향에도 불구하고 그림이 너무 외설적이라고 생각하여 그림을 거부했습니다.

이 그림은 화가의 작업실에서 전통적인 핀란드 카펫으로 덮인 소파에 앉아 있는 벌거벗은 파리 여성(분명히 매춘부)을 묘사합니다. 그림은 보헤미안 라이프 스타일에 대한 아이디어를 제공하지만 동시에 그의 기쁨이 죽음, 타락으로 가득 차 있음을 암시합니다. 천진난만함을 상징하는 백합을 표현하고, 강렬한 관능미를 지닌 모델과 에로틱한 느낌을 더욱 고조시키는 형태의 기타와 대조를 이룬다. 여자는 매혹적이면서도 위협적으로 보입니다. 십자가상, 불상, 골동품 핀란드 카펫 루유, 자기 만족하는 여성 육체 옆에 묘사되어 성인의 모독을 암시합니다. 배경의 테이블에서 웃는 해골-Vanitas 장르의 그림에서 자주 나타나는 요소로 시청자에게 지상 쾌락의 연약함과 죽음의 불가피성을 상기시킵니다. 캔버스 데마스크에서 처음 전시되었다. 아테네움 박물관 1893년.

많은 후기 작품 갈레나-칼렐라헌신적인 "칼베일". Väinämöinen 및 Lemminkäinen과 같은 핀란드 서사시의 영웅을 묘사할 때 예술가는 흉내낼 수 없는 밝은 색상과 양식화된 장식으로 가득 찬 거칠고 표현력이 풍부한 특별한 스타일을 사용합니다. 이 사이클에서 놀라운 그림을 주목할 가치가 있습니다. Lemminkäinen의 어머니»(1897). 그림은 서사시의 삽화이지만 보다 세계적이고 보편적인 울림을 갖고 있어 일종의 북방 피에타(Northern Pieta)라고 할 수 있다. 어머니의 사랑에 대한 이 날카로운 노래는 주제 "에 대한 Gallen-Kallela의 가장 놀라운 작품 중 하나입니다. 칼레발라».

Lemminkäinen의 어머니-쾌활한 남자, 영리한 사냥꾼이자 여성 유혹자-성스러운 백조를 쏘려고했던 죽음의 검은 강 (Tuonela River)에서 아들을 찾습니다. 어두운 물을 배경으로 백조가 그려져 있고, 바위가 많은 해안에 해골과 뼈가 흩어져 있고 죽음의 꽃이 싹트고 있습니다. Kalevala는 어머니가 긴 갈퀴로 물을 빗고 모든 조각을 긁어 모아서 아들을 다시 접는 방법을 알려줍니다. 주문과 연고의 도움으로 그녀는 Lemminkäinen을 되살립니다. 그림은 부활 전의 순간을 묘사합니다. 모든 것이 사라진 것 같지만 태양 광선은 죽은 자의 영역으로 침투하여 희망을주고 꿀벌은 영웅의 부활을 위해 생명을주는 신성한 향유를 운반합니다. 어둡고 차분한 색상은 이 지하 세계의 고요함을 높이며, 바위 위의 강렬한 피처럼 붉은 이끼, Lemminkäinen의 식물과 피부의 치명적인 흰색은 꿀벌의 신성한 황금색과 하늘에서 쏟아지는 광선과 대조됩니다.

이 그림을 위해 작가는 자신의 어머니가 포즈를 취했습니다. 그는 생생하고 강렬한 표정으로 매우 사실적인 이미지를 만들었습니다 (이것은 진정한 감정입니다. Gallen-Kallela는 일부러 슬픈 일에 대해 어머니에게 말하여 어머니를 울게 만들었습니다). 동시에 그림이 양식화되어 특별한 신화적인 분위기를 조성하고 사건이 현실의 "반대편"에서 일어나고 있다는 느낌을줍니다. 정서적 영향을 강화하기 위해 Gallen-Kallela는 유성 페인트 대신 온도를 사용했습니다. 단순화된 형태, 명확한 인물 윤곽 및 큰 색상 평면은 강력한 구도를 만드는 데 도움이 됩니다. 그림의 우울한 분위기를 더 잘 전달하기 위해 작가는 채광창이 유일한 조명 소스 인 Ruovesi에있는 스튜디오 하우스에 완전히 검은 방을 갖추고 있습니다. 또한 바닥에 나체로 누워있는 자신의 모습을 촬영하여 Lemminkäinen의 모습을 그렸습니다.

완전히 다르고 목가적이며 거의 경솔한 스타일로 Gallen-Kallela의 삼부작 " 아이노의 전설»(1891). 이 구성은 어린 소녀 Aino와 늙은 현자 Väinämöinen에 대한 Kalevala의 음모에 전념합니다. Aino는 부모의 결정에 따라 Väinämöinen과 결혼해야했지만 익사하는 것을 선호하여 그에게서 도망 쳤습니다. 삼부작의 왼쪽에는 카렐리야 전통 의상을 입은 노인과 소녀가 숲에서 처음 만나는 모습이 그려져 있고, 오른쪽에는 슬픈 아이노가 보인다. 물에 몸을 던질 준비를 한 그녀는 물가에서 노는 바다 처녀들의 부름을 들으며 해안에서 울었습니다. 마지막으로 중앙 패널은 이야기의 끝을 묘사합니다. Väinämöinen은 배를 타고 바다로 나가 낚시를 떠납니다. 작은 물고기를 잡은 그는 자신의 잘못으로 익사 한 소녀를 인식하지 못하고 물고기를 다시 물에 던집니다. 하지만 그 순간 물고기는 아이노로 변한다. 그녀를 그리워하는 노인을 비웃고 영원히 파도 속으로 사라지는 인어.

1890년대 초 갈렌칼렐라자연주의의 지지자였으며 그림의 모든 인물과 사물에 대한 진정한 모델이 분명히 필요했습니다. 따라서 길고 아름다운 수염을 가진 Väinämöinen의 이미지를 위해 Karelian 마을 중 한 거주자가 예술가를 위해 포즈를 취했습니다. 또한 작가는 노인이 두려워하는 물고기의 가장 정확한 이미지를 얻기 위해 농어를 말렸다. Aino의 손에서 반짝이는 은팔찌도 현실에 존재했습니다. Gallen-Kallela는 이 보석을 그의 젊은 아내 Mary에게 선물했습니다. 그녀는 분명히 Aino의 모델로 활동했습니다. 삼부작의 풍경은 예술가가 카렐리야에서 신혼 여행을 하는 동안 스케치했습니다.

구성은 Gallen-Kallela 자신이 직접 쓴 Kalevala의 장신구와 인용문이있는 나무 프레임으로 둘러싸여 있습니다. 이 삼부작이 운동의 출발점이 되었습니다. 핀란드의 민족적 낭만주의- 아르누보의 핀란드 버전. 화가는 1888-89년에 파리에서 이 그림의 첫 번째 버전을 만들었습니다. (현재 핀란드 은행 소유). 이 그림이 헬싱키에서 처음 발표되었을 때 큰 열광을 받았고 상원은 공공 비용으로 새 버전을 주문하기로 결정했습니다. 이러한 생각은 핀란드 국가를 이상화하고 낭만화한 페노마니 운동의 여파로 매우 자연스럽게 보입니다. 또한 예술은 핀란드의 국가적 이상을 표현하는 강력한 수단으로 인식되었습니다. 동시에 "진정한 핀란드 스타일"을 찾기 위해 카렐 리야로의 예술가 탐험이 시작되었습니다. Karelia는 Kalevala의 흔적이 보존 된 유일한 손길이 닿지 않은 땅으로 간주되었으며 Gallen-Kallela 자신은이 서사시를 잃어버린 낙원의 이미지로 과거 국가 위대함의 이야기로 인식했습니다.

Gallen-Kallela의 그림 " 쿨레르보의 저주"(1899)는 Kalevala의 또 다른 영웅에 대해 알려줍니다. Kullervo는 엄청난 힘을 가진 청년이었고 노예로 보내져 소를 치기 위해 광야로 보내진 고아였습니다. 대장장이 Ilmarinen의 아내 인 사악한 여주인은 그에게 돌이 숨겨져있는 여행을 위해 빵을주었습니다. 빵을 자르려던 쿨레르보는 아버지의 유일한 기억인 칼을 부러뜨렸다. 분노한 그는 늑대, 곰, 스라소니의 새로운 무리를 모아 여주인을 찢습니다. Kullervo는 노예 제도에서 탈출하여 가족이 살아 있다는 사실을 알고 집으로 돌아갑니다. 그러나 Kullervo의 불행은 여기서 끝나지 않습니다. 끝없는 복수의 소용돌이는 새로 찾은 가족뿐만 아니라 자신도 파괴합니다. 그는 자신의 누이로 밝혀진 소녀를 처음 만나 유혹하고, 이 죄악된 관계 때문에 누이는 자살한다. 곧 그의 모든 친척이 죽습니다. 그런 다음 Kullervo는 칼에 몸을 던져 자살합니다.

Gallen-Kallela의 그림은 Kullervo가 여전히 양치기로 봉사하고있을 때의 에피소드를 보여줍니다 (그의 무리는 배경에 보이고 구운 돌이 달린 빵이 앞에 그려져 있습니다). 청년은 주먹을 휘두르며 적에게 복수하겠다고 다짐한다. 작가는 초가을의 맑은 풍경을 배경으로 분노한 영웅을 묘사했지만 이미 배경에는 구름이 모이고 있고 빨간색으로 쏟아지는 마가목은 경고, 미래의 유혈 예언 역할을합니다. 이 그림에서 비극은 카렐리야 자연의 아름다움과 결합되며, 복수하는 영웅은 어떤 의미에서 핀란드의 투지와 성장하는 민족 의식의 상징으로 볼 수 있습니다. 다른 한편으로 우리 앞에는 분노와 실망의 초상, 폭력과 복수의 분위기 속에서 가족을 몰살시킨 낯선 사람에 의해 양육된 한 남자의 무력함이 그의 운명에 비극적인 흔적을 남겼습니다.

창의성에 대해 자세히 알아보기 갈레나-칼렐라읽다 .

핀란드 황금 시대의 유명한 예술가인 페카 할로넨(Pekka Halonen) 회화에서 핀란드 국가 낭만주의의 또 다른 저명한 대표자의 작품에 대한 이야기로 이 섹션을 마무리합니다. 페카 할로넨 (페카 할로넨)(1865-1933)는 1890년대에 두각을 나타내며 자신이 겨울 풍경. 이 장르의 걸작 중 하나는 그림 " 눈 아래 어린 소나무"(1899), 예를 들어 핀란드 일본주의그림의 아르누보. 묘목을 덮은 부드럽고 푹신한 눈이 다양한 흰색 음영으로 재생되어 숲 동화 같은 평화로운 분위기를 연출합니다. 안개가 자욱한 공기는 추운 겨울 안개로 가득 차 있으며 무성한 눈 층은 어린 소나무의 연약한 아름다움을 강조합니다. 일반적으로 나무는 창의성에서 가장 좋아하는 주제 중 하나였습니다. 페키 할로네나. 평생 동안 그는 일년 중 여러시기에 나무를 열정적으로 묘사했으며 특히 봄을 좋아했지만 그럼에도 불구하고 그는 정확히 마스터로서 가장 유명해졌습니다. 겨울 풍경-추위 속에서 감히 창작을 시도한 화가는 거의 없습니다. Pekka Halonen은 겨울을 두려워하지 않았으며 평생 동안 날씨에 관계없이 야외에서 일했습니다. 외광 작업의 지지자였던 그는 "창문을 통해 세상을 보는" 예술가들을 경멸했습니다. Halonen의 그림에서 서리로 인해 가지가 갈라지고 나무는 눈 모자의 무게로 처지고 태양은 땅에 푸르스름한 그림자를 드리 우고 숲 거주자는 부드러운 흰색 카펫에 발자국을 남깁니다.

겨울 풍경은 핀란드의 일종의 국가적 상징이 되었고, Pekka Halonen은 1900년 파리에서 열린 세계 박람회에서 핀란드 전시관을 위해 핀란드의 자연과 민속 생활을 주제로 12개의 캔버스를 만들었습니다. 이 주기에는 예를 들어 "그림"이 포함됩니다. 구멍에서"(얼음 세척") (1900). 할로넨은 1894년 파리에서 폴 고갱과 함께 공부하면서 "북부 이국주의"를 묘사하는 데 관심을 갖게 되었습니다.

일반적으로 예술가들은 핀란드 회화의 황금기도시 중산층 출신. 또 다른 것은 깨달은 농민과 장인의 가족에서 온 Pekka Halonen입니다. 그는 Lapinlahti(동핀란드)에서 태어 났고 아주 일찍 그림뿐만 아니라 음악에도 관심을 갖게 되었습니다. 이 사랑은 거의 종교가 되었습니다.) 청년은 동료들보다 조금 늦게 그림을 공부하기 시작했지만 핀란드 미술 협회의 그림 학교에서 4 년간 공부하고 훌륭한 졸업을 한 후 Halonen은 그가 갈 수있는 장학금을받을 수있었습니다. 당시 예술의 메카에서 공부하십시오. 그는 Académie Julian에서 처음 공부한 후 1894년부터 폴 고갱그의 친구 Vyaino Bloomstead와 함께. 이 기간 동안 Halonen은 상징주의, 종합주의, 심지어 신지학까지 알게되었습니다. 그러나 최신 예술 경향에 대한 지식은 사실적인 방식을 버리지 않았고 고갱의 밝은 팔레트를 빌리지 않았지만 고갱의 영향으로 Halonen은 일본 미술의 깊은 감정가가되어 수집하기 시작했습니다. 일본 판화 사본.

예를 들어, 그의 작품은 종종 일본 미술에서 인기 있는 모티프인 구부러진 소나무를 특징으로 합니다. 또한 많은 그림에서 Halonen은 세부 사항, 가지의 장식 패턴 또는 눈의 특수 패턴에 특별한주의를 기울이며 겨울 풍경 자체의 주제는 일본 미술에서 드물지 않습니다. 또한 Halonen은 "kakemono"와 같은 세로로 좁은 캔버스, 비대칭 구도, 클로즈업 및 비정상적인 각도를 선호하는 것이 특징입니다. 다른 많은 풍경화가들과 달리 그는 위에서 내려다보는 전형적인 파노라마 풍경을 그리지 않았습니다. 그의 풍경은 자연에 가까운 깊은 숲 속으로 그려져 있으며 나무는 말 그대로 보는 사람을 둘러싸고 있으며 그를 그의 조용한 세계로 초대합니다. Halonen에게 영감을 주어 자연을 묘사하는 자신만의 스타일을 발견하고 국가적 뿌리에서 그의 주제를 찾도록 격려한 사람은 Gauguin이었습니다. Gauguin과 마찬가지로 Halonen은 그의 예술의 도움으로 기본적이고 원시적인 것을 찾으려고 했지만 프랑스인이 태평양 섬에서 자신의 이상을 찾고 있는 경우에만 핀란드 예술가는 핀란드 사람들의 "잃어버린 낙원"을 되살리려 했습니다. 원시림에서 Kalevala에 묘사된 신성한 야생.

Pekka Halonen의 작업은 항상 평화와 조화를 추구하는 것으로 구별되었습니다. 작가는 "예술은 사포처럼 신경을 자극해서는 안 된다. 그것은 평화의 감각을 만들어내야 한다"고 믿었다. 농민 노동을 묘사하더라도 Halonen은 차분하고 균형 잡힌 구성을 달성했습니다. 그래서 직장에서 카렐리야의 개척자» (« 카렐리야의 도로 공사”) (1900) 그는 핀란드 농민들을 일을 완수하기 위해 과도한 노력을 기울일 필요가 없는 독립적이고 지적인 노동자로 제시했습니다. 또한 작가는 전체적인 장식적 인상을 만들기 위해 노력했음을 강조했다. 이것은 그림의 비현실적인 "고요한 일요일 분위기"를 비판하고 노동자들의 너무 깨끗한 옷, 땅에 약간의 부스러기, 한가운데 보트의 이상한 모습에 놀란 동시대 사람들에 대한 그의 반응이었습니다. 숲. 그러나 작가의 생각은 완전히 달랐다. Pekka Halonen은 힘들고 지친 작업의 그림을 만들고 싶지 않았지만 차분하고 측정 된 농민 노동의 리듬을 전달하고 싶었습니다.

Halonen은 또한 피렌체에서 본 초기 르네상스 걸작을 포함하여 이탈리아 여행(1896-97 및 1904)에서 큰 영향을 받았습니다. 그 후 Pekka Halonen은 아내와 자녀(총 8명의 자녀가 있음)와 함께 Tuusula 호수로 이사했습니다. 그곳의 조용하고 그림 같은 주변 환경은 "단조롭고 추악한 모든 것의 근원인 헬싱키에서 멀리 떨어진 무한한 영감과 유익한 작업의 원천이 되었습니다. " 여기에서 호수에서 스키를 타면서 예술가는 미래의 집을 찾을 곳을 찾았고 1899 년 부부는 해안에서 음모를 샀고 몇 년 후 Pekka Halonen의 스튜디오 하우스가 자랐습니다. 할로세니에미 (할로세니에미) (1902). 국가적 낭만주의의 이 아늑한 목조 주택은 작가가 직접 디자인했습니다. 오늘날 이 집에는 Pekka Halonen 박물관이 있습니다.

핀란드 상징주의자

Ateneum 박물관 컬렉션에서 가장 흥미로운 섹션 중 하나는 Hugo Simberg 및 기타 핀란드 상징가의 독특한 작품입니다.

Ateneum 박물관의 별실에서 유명한 그림 " 상처 입은 천사» (1903) 핀란드 예술가 휴고 심버그. 이 우울한 캔버스는 이상한 행렬을 묘사합니다. 두 명의 음침한 소년이 들것에 실려 나갑니다. 흰색 옷을 입은 소녀, 눈가리개를하고 상처 입은 날개를 가진 천사. 그림의 배경은 초봄의 벌거벗은 풍경이다. 천사의 손에는 치유와 새 생명의 상징인 봄의 첫 꽃인 헌병 꽃다발이 있습니다. . 행렬은 장의사 (아마도 죽음의 상징)를 닮은 검은 옷을 입은 소년이 이끈다. 또 다른 소년의 시선은 우리를 향하며 보는 이의 영혼을 직접적으로 꿰뚫고 삶과 죽음의 주제가 우리 각자와 관련되어 있음을 상기시킵니다. 타락한 천사, 낙원에서의 추방, 죽음에 대한 생각 -이 모든 주제는 예술가들에게 특별한 관심사였습니다- 상징주의자. 작가 자신은 그림에 대한 기성 해석을 제공하는 것을 거부했으며 보는 사람이 스스로 결론을 내리도록 내버려 두었습니다.

Hugo Simberg는 이 그림을 오랫동안 작업했습니다. 첫 번째 스케치는 1898년 그의 앨범에서 찾을 수 있습니다. 일부 스케치와 사진은 구성의 개별 조각을 반영합니다. 때로는 천사가 수레에 싣고 때로는 소년이 아닌 경우도 있지만 작은 악마는 포터로 표현되며 동시에 천사의 모습은 항상 중앙에 남아 있으며 배경은 실제 풍경입니다. Simberg가 중병에 걸렸을 때 그림 작업 과정이 중단되었습니다. 1902 년 가을부터 1903 년 봄까지 작가는 헬싱키의 Deaconess Institute 병원에서 치료를 받았습니다. 헬싱긴 디아코니살라이토스) Kallio 지역에서. 그는 매독에 의해 악화되는 심각한 신경 질환을 앓았습니다 (이후 예술가는 사망했습니다).

Simberg는 작업장과 앞서 언급한 병원 옆에 위치한 Eleintarcha 공원에서 자신의 모델(어린이)을 촬영한 것으로 알려져 있습니다. 그림에 묘사된 경로는 오늘날에도 여전히 존재합니다. Töölönlahti Bay 해안을 따라 이어집니다. Simberg 시대에 Eleintarcha Park는 인기있는 노동 계급 휴양지였습니다. 또한 맹인을위한 여학교와 장애인을위한 고아원을 포함하여 많은 자선 기관이 있습니다. Simberg는 1903년 봄에 심각한 질병을 앓으며 그곳을 걸었을 때 공원 주민들을 반복해서 관찰했습니다. 분명히이 긴 산책 중에 그림의 아이디어가 마침내 구체화되었습니다. 그림 "상처 입은 천사"(낙원에서 추방, 병든 인간 영혼, 사람의 무력감, 깨어진 꿈의 상징)에 대한 철학적 해석 외에도 일부는 그것을 예술가의 고통스러운 상태와 특정 신체의 의인화로 간주합니다. 증상 (일부 보고서에 따르면 Simberg도 수막염을 앓았습니다).

심버그의 그림 상처 입은 천사완성 직후 큰 성공을 거두었습니다. 발표는 1903년 핀란드 미술협회 가을 전시회에서 열렸습니다. 처음에 캔버스는 제목 없이(더 정확하게는 제목 대신 대시가 있음) 전시되어 어느 한 해석의 불가능성을 암시했습니다. 매우 개인적이고 감성적인 이 작품으로 작가는 1904년 국가상을 수상했습니다. The Wounded Angel의 두 번째 버전은 Simberg가 Magnus Enckel과 함께 작업한 프레스코화로 탐페레 대성당의 내부를 장식하는 동안 실행되었습니다.

2006년 핀란드에서 실시된 설문조사에 따르면, “ 상처 입은 천사"는 Ateneum 컬렉션에서 가장 인기있는 작품, 핀란드에서 가장 사랑받는 "국가 그림"이자 국가의 예술적 상징으로 인식되었습니다.

휴고 심버그 (휴고 심버그)(1873-1917)는 하미나 시에서 태어나 그곳에서 살면서 공부한 후 핀란드 미술 협회 학교에 다녔습니다. 그는 종종 여름을 핀란드 만 연안의 니멘라우타(샤키예르비)에 있는 가족 사유지에서 보냈습니다. Simberg는 유럽을 광범위하게 여행하고 런던과 파리를 방문하고 이탈리아와 코카서스를 방문했습니다. 예술가로서의 그의 발전에서 중요한 단계는 전형적인 학업 교육에 환멸을 느낀 Simberg가 Gallen-Kallela가 작업장을 지은 Ruovesi의 외딴 지역에서 Akseli Gallen-Kallela로부터 개인 교습을 받기 시작했을 때였습니다. Gallen-Kallela는 학생의 재능을 높이 평가했으며 Simberg의 작업을 모든 사람이 들어야 할 진실하고 열정적 인 설교와 비교하여 예술계에서 그의 위대한 미래를 예측했습니다. Simberg는 1895년에서 1897년 사이에 Ruovesi를 세 번 방문했습니다. 여기에서 예술적 자유의 분위기 속에서 그는 곧 자신의 언어를 찾았습니다. 예를 들어, Ruovesi에 머무르는 첫 번째 가을에 그는 유명한 작품을 썼습니다. 동결(1895), Munch의 The Scream을 다소 연상시킵니다. 이 경우 전 세계 농부들의 두려움 인 기상 현상은 눈에 보이는 구체화, 얼굴 및 형태를 받았습니다. 귀가 큰 창백한 모습으로 뭉치 위에 앉아 치명적인 숨결로 주변의 모든 것을 중독시킵니다. . 몇 년 전에 완성된 뭉크의 절규와 달리 심베르그의 프로스트는 완전한 공포와 절망을 불러일으키는 것이 아니라 이상한 위협과 연민의 감정을 동시에 불러일으킨다.

Simberg의 인생에서 중요한 순간은 1898년 가을 전시회였으며 그 후 그는 핀란드 예술가 연합에 가입했습니다. Simberg는 유럽을 광범위하게 여행하고 가르치고 전시회에 참가했습니다. 그러나 예술가의 재능의 규모는 그의 죽음 이후에만 진정으로 평가되었습니다. 소름 끼치고 초자연적 인 것에 초점을 맞추는 것은 당시의 모든 비평가와 시청자가 이해하는 것과는 거리가 멀었습니다.

휴고 심버그가장 큰 것 중 하나였습니다 핀란드 상징주의자. 그는 진부한 일상 상황이 아니라 다른 현실의 문을 열고 시청자의 마음과 영혼을 감동시키는 무언가를 묘사했습니다. 그는 예술을 “한겨울의 사람을 아름다운 여름 아침으로 옮기고 자연이 어떻게 깨어나고 당신 자신이 그와 조화를 이루는지를 느낄 수 있는 기회로 이해했습니다. 그것이 내가 예술 작품에서 찾고 있는 것입니다. 그것은 우리에게 무언가에 대해 말하고 큰 소리로 말하여 우리가 다른 세계로 끌려가도록 해야 합니다.

Simberg는 특히 천사, 악마, 트롤 및 죽음 자체의 이미지와 같이 상상에서만 볼 수 있는 것을 묘사하는 것을 좋아했습니다. 그러나 이러한 이미지에도 그는 부드러움과 인간성을 부여했습니다. Simberg의 죽음은 종종 자비 롭고 동정심으로 가득 차 있으며 열정없이 의무를 수행합니다. 여기에서 그녀는 노파를 데리러 세 개의 흰색 꽃을 가지고 왔습니다. 그러나 죽음은 서두르지 않고 바이올린을 연주하는 소년의 말을들을 여유가 있습니다. 벽에 걸린 시계만이 시간의 흐름을 표시합니다(" 죽음은 듣는다", 1897).

작업 중 " 죽음의 정원”(1896)은 자신이 말했듯이 파리로의 첫 연구 여행 중에 만들어진 Simberg는 인간의 영혼이 천국에 가기 전에 죽음 직후에가는 곳을 묘사했습니다. 검은 옷을 입은 세 개의 해골은 수도원 정원을 돌보는 승려와 같은 사랑으로 식물의 영혼을 다정하게 돌봅니다. 이 작업은 예술가에게 매우 중요했습니다. 거의 10년 후, Simberg는 그것을 탐페레 대성당의 대형 프레스코화 형태로 반복했습니다. 이 작품의 묘한 매력은 귀여운 일상의 디테일(물뿌리개, 갈고리에 걸린 수건), 평화로운 분위기, 그리고 파괴의 힘이 아닌 배려의 화신인 죽음 그 자체의 온순한 이미지에 있다. 흥미롭게도 Hans Christian Andersen의 동화 "The Story of a Mother"에서도 비슷한 이미지를 찾을 수 있습니다. 이야기꾼은 인간의 영혼이 각 꽃이나 나무 뒤에 "고정"되어있는 온실 인 거대한 죽음의 온실을 묘사합니다. 죽음은 자신을 신의 정원사라고 부릅니다.

첫 번째 죽음의 이미지 Simberg의 작품에 등장 " 죽음과 농부»(1895). 짧은 검은 망토와 짧은 바지는 데스에게 온화하고 우울한 모습을 보여줍니다. 이 작업은 Akseli Gallen-Kallela와 함께 공부하는 동안 Ruovesi의 Simberg가 수행했습니다. 그해 봄, 선생님의 막내딸이 디프테리아로 세상을 떠났고, <죽음과 농부>는 아이를 잃은 남자에 대한 애도의 표현으로 볼 수 있다.

악마와 마찬가지로 Hugo Simberg의 천사는 인간화되어 취약합니다. 그들은 사람들을 선의 길로 인도하려고 하지만 현실은 이상과는 거리가 멀다. 직업 " 꿈”(1900) 시청자의 질문을 제기합니다. 천사가 남편과 춤을 추는 동안 왜 여자는 울고 있습니까? 아마도 남편은 다른 세상을 위해 아내를 떠날 것입니까? 이 작품의 또 다른 이름은 "회개"였으므로 다른 방식으로 해석될 수 있습니다.

천사의 이미지는 1895년 가을 Simberg의 작업에 처음 등장했습니다. 경건"). 이 장난스러운 작품에서 기도하는 천사 소녀는 이웃 천사가 마음에 완전히 다른 것을 가지고 있다는 것을 알아차리지 못합니다. 그리고 실로 이 둘째 천사의 날개는 그리 희지 않습니다. 관능과 영성 사이에는 투쟁이 있습니다.

Simberg가 거의 항상 가족의 집에서 여름 시간을 보내는 Niemenlautta 지역의 제방은 여름 저녁에 젊은이들에게 인기있는 만남의 장소였습니다. 아코디언 소리에 이끌려 멀리서도 젊은 남녀들이 배를 타고 이곳으로 춤을 추러 왔다. Simberg는 반복적으로 댄서의 스케치를 만들었습니다. 하지만 직장에서 물가에서 춤을"(1899) 소녀들은 남자들과 춤을 추는 것이 아니라 Simberg에서 자주 발견되는 죽음의 인물들과 함께 춤을 춥니 다. 이번에 죽음은 끔찍한 수확을 위해 온 것이 아니라 단순히 일반적인 재미에 참여하고 싶습니까? 어떤 이유로 아코디언이 연주되지 않습니다.

보시다시피 휴고 심버그- 특유의 아이러니가 없는 작품이 아니라 동시에 신비주의가 스며들어 선과 악, 삶과 죽음, 예술의 특성을 주제로 하는 매우 독창적인 작가 상징주의자. Simberg의 작품에는 깊은 철학적 질문이 부드러운 유머와 깊은 공감과 얽혀 있습니다. 브라우니의 왕인 "불쌍한 악마", "온유 한 죽음"-이 모든 캐릭터는 꿈과 동화에서 그의 작품에 왔습니다. 금박 프레임과 반짝이는 캔버스가 없습니다. “오직 사랑만이 예술 작품을 현실로 만듭니다. 사랑없이 진통이 오면 아이는 불행하게 태어날 것입니다.

Hugo Simberg의 작품 외에도 Ateneum Museum은 Hugo Simberg의 작품을 전시합니다. 핀란드의 상징주의 화가 매그너스 엔켈 (매그너스 엔켈) (1870-1925), Tampere Cathedral (1907)의 프레스코 화 작업을 한 Simberg처럼. 엔켈은 하미나 시의 사제 가정에서 태어나 회화를 공부하고 1891년 파리로 가서 줄리안 아카데미에서 교육을 계속했다. 그곳에서 그는 Rosicrucian J. Peladan의 상징주의와 신비로운 아이디어에 관심을 갖게되었습니다. 후자에서 Magnus Enkel은 중성적인 아름다움의 이상을 채택하여 그의 작품에서 사용하기 시작했습니다. Enckel은 잃어버린 낙원, 잃어버린 순결한 인간, 예술가에게 인간의 가장 순수한 형태를 나타내는 중성적인 아름다움을 가진 아주 어린 소년이라는 아이디어에 매료되었습니다. Enkel이 동성애자였으며 종종 벌거 벗은 소년과 솔직히 에로틱하고 관능적 인 외모의 남성을 그렸다는 사실을 잊지 마십시오. 1894-95년. 작가는 이탈리아를 여행했고 20세기 초 이탈리아 고전 예술과 후기 인상파의 영향을 받아 그의 팔레트는 훨씬 더 다채롭고 가벼워졌습니다. 1909년 컬러리스트 Werner Thomé 및 Alfred Finch와 함께 그룹을 설립했습니다. 구월.

반대로 Magnus Enkel의 초기 작업은 음소거 범위, 색상 금욕주의로 표시됩니다. 그 당시 아티스트의 팔레트는 회색, 검정색 및 황토색 음영으로 제한되었습니다. 그 예가 그림이다. 각성"(1894), 예술가의 두 번째 방문 중에 Enkel이 작성했습니다. 캔버스는 색상 미니멀리즘, 단순화 된 구성 및 그림의 밑줄로 구별됩니다. 이 모든 것은 이미지의 중요성을 강조하는 데 사용됩니다. 사춘기에 접어든 청년은 벌거벗은 채 벌거벗은 채 침대에 앉아 생각에 잠긴 채 심각한 표정으로 고개를 숙이고 있다. 몸의 뒤틀린 자세는 침대에서 일어나는 익숙한 몸짓이 아니다. 상징주의 예술가들 사이에서 자주 발견되는 이 모티프는 더 복잡합니다. 사춘기와 성적 각성/순수함의 상실은 Enckel의 동시대인 중 많은 사람들을 매료시킨 주제였습니다(예를 들어 Munch의 충격적인 그림 Maturation(1894/95) 참조). 흑백 감마는 억압적인 세상과의 만남의 우울한 분위기를 강조합니다.

또 다른 핀란드의 상징주의 화가, 가장 잘 알려져 있지는 않지만 Väinö Bloomstedt (Blomstedt) (바이노 블롬스테트) (1871-1947). Bloomstedt는 예술가이자 텍스타일 디자이너였으며 특히 일본 예술의 영향을 받았습니다. 그는 처음에 핀란드에서 공부했고 그 다음에는 핀란드에서 Pekka Halonen과 함께 공부했습니다. 우리가 이미 알고 있듯이, 이 핀란드 예술가들은 파리를 방문하는 동안 최근에 타히티에서 돌아온 고갱을 만나 그로부터 수업을 받기 시작했습니다. 충동적인 Bloomstedt는 즉시 고갱과 그의 색채 호흡 캔버스의 영향을 받았습니다. 고갱의 작품에서 잃어버린 낙원을 찾는 일은 블룸스테트와 매우 가까웠습니다. 고갱이 이국적인 나라에서 이 낙원을 찾고 있는 경우에만 Väinö Bloomstedt는 당시의 많은 핀란드 예술가와 마찬가지로 그의 고향인 Kalevala의 처녀지의 기원을 찾는 것을 목표로 했습니다. Bloomstedt의 그림의 영웅은 종종 상상적이거나 신화적인 인물입니다.

Bloomstedt는 Gauguin을 만난 후 1890년대 중반 사실주의 회화를 포기하고 상징주의그리고 밝은 다색 인조팔레트. 상징주의 이데올로기에 따르면 시각적 관찰에 기반한 사실적인 예술은 너무 제한적이며 사람의 가장 중요한 것, 그의 정서적 및 영적 본질, 삶 자체의 비밀을 포착하는 것을 허용하지 않습니다. 일상의 현실 너머에는 또 다른 세계가 있으며, Symbolists의 목표는 예술을 통해 이 세계를 표현하는 것입니다. 현실의 3차원적 환상을 창조하려고 시도하는 대신, 상징주의 예술가들은 양식화, 단순화, 장식성에 의지하여 순수하고 시적인 것을 찾으려고 노력했습니다. 따라서 초기 이탈리아 르네상스, 온도 및 프레스코 기술의 사용에 대한 관심. 가장 명확한 예 중 하나 핀란드 예술가들의 작품에 나타난 상징주의사진이다 Väinö Bloomstedt « 프란체스카"(1897), 양귀비의 취한 냄새가 나는 정적이고 마법 같은 분위기 인 수면과 망각의 세계에 시청자를 몰입시킵니다.

이 그림의 영감은 시인이 지옥에서 프란체스카 다 리미니를 만나 파올로에 대한 비극적인 사랑 이야기를 들려주는 단테의 신곡입니다. 마돈나를 연상시키는 소녀의 이미지, 짙은 노송 나무가있는 "르네상스"풍경, 그림의 반투명 색상 표면 (색상을 통해 캔버스가 분명히 빛남)은 이탈리아 교회의 오래된 프레스코 화를 암시합니다. 또한 특수한 실행 기술로 인해 그림이 부분적으로 초라한 태피스트리와 비슷합니다. 그림은 이탈리아 여행 중에 Bloomstedt가 그렸습니다. 그것은 또한 Pre-Raphaelites 예술의 영향을 봅니다.

예술계 여성: 핀란드 예술가

아테네움 박물관그의 컬렉션의 상당 부분이 작품으로 구성되어 있다는 사실로도 유명합니다. 여성 예술가, 다음과 같은 세계적으로 유명한 것을 포함합니다. 핀란드 예술가 헬레나 슈저프벡. 2012년 아테네움 박물관은 그녀의 탄생 150주년을 기념하여 Helena Schjerfbeck 작품의 대규모 전시회를 개최했습니다. Ateneum 박물관은 세계에서 Helena Schjerfbeck의 작품 중 가장 크고 가장 완벽한 컬렉션을 소장하고 있습니다(212점의 그림, 소묘, 스케치북).

헬레나 슈저프벡 (헬레나 슈저프벡) (1862-1946) 헬싱키에서 태어나 일찍 그림을 공부하기 시작했고 이미 어린 시절에 눈에 띄는 기술을 얻었습니다. Helena의 인생은 어린 시절 계단에서 넘어진 후 심각한 고관절 부상으로 특징지어졌습니다. 이 때문에 소녀는 가정 교육을 받았습니다. 그녀는 정규 학교에 가지 않았지만 그림을 그릴 시간이 많았고 비정상적으로 어린 나이에 미술 학교에 입학했습니다. (안타깝게도 고관절 부상은 평생 절뚝거림으로 기억되었습니다.) Adolf von Becker의 사립 아카데미를 포함하여 핀란드에서 공부한 후 Schjerfbeck은 장학금을 받고 Colarossi Academy에서 공부할 곳으로 떠났습니다. 1881년과 1883-84년. 그녀는 또한 Brittany의 예술가 식민지에서 일했습니다 (그림 " 여동생에게 먹이를 주는 소년(1881)은 프랑스의 이 지역에서 쓰여진 것으로, 지금은 핀란드 모더니즘의 시작으로 여겨지기도 합니다. Brittany에서 그녀는 알려지지 않은 영국 예술가를 만나 그와 결혼했지만 1885년 약혼자는 약혼을 파기했습니다(그의 가족은 Helena의 고관절 문제가 그녀의 아버지가 사망한 결핵과 관련이 있다고 믿었습니다). Helena Schjerfbeck은 결혼하지 않았습니다.

1890년대에 Schjerfbeck은 한때 졸업한 적이 있는 School of the Art Society에서 가르쳤습니다. 1902년 건강 문제로 그녀는 교직을 그만두고 어머니와 함께 Hyvinkää의 외딴 지역으로 이사했습니다. 침묵이 필요한 작가는 은둔 생활을 하면서도 꾸준히 전시에 참여했다. 대중을위한 Schjerfbeck의 "발견"은 1917 년에 열렸습니다. 작가의 첫 개인전은 헬싱키의 Ëst Stenman 아트 살롱에서 열렸으며 시청자와 비평가들에게 큰 성공을 거두었고 그녀의 은둔 생활을 침해했습니다. 다음 주요 전시회는 1937년 스톡홀름에서 열렸으며 극찬을 받았으며 스웨덴 전역에서 유사한 전시회가 연이어 열렸습니다. 1935년에 어머니가 돌아가시자 Helena는 Tammisaari로 이주하여 스웨덴 Saltsjöbaden에 있는 요양소에서 말년을 보냈습니다. 핀란드에서는 Schjerfbeck의 작업에 대한 태도가 오랫동안 논란의 여지가 있었지만(그녀의 재능은 20세기 후반에만 인정됨) 스웨덴에서는 그녀의 예술이 큰 열정으로 아주 일찍 받아들여졌습니다. 그러나 Schjerfbeck의 진정한 국제적 인정은 2007년 파리, 함부르크, 헤이그에서 그녀의 작품에 대한 대규모 회고전이 열렸을 때 찾아왔습니다.

Helena Schjerfbeck의 모든 그림 중 세계에서 가장 유명한 것은 수많은 자기 비판적인 자화상으로 그녀의 스타일의 진화와 노화 된 얼굴을 무자비하게 수정 한 작가 자신의 변화를 추적 할 수 있습니다. Schjerfbeck은 16세에 처음, 83세에 마지막으로 약 40점의 자화상을 그렸습니다. 그 중 6개는 Ateneum 컬렉션에 있습니다.

하지만 아마도 가장 유명한 그림은 헬레나 슈저프벡캔버스입니다 회복기"(1888), 종종 보석으로 언급 아테네움 박물관. 대중의 높은 평가를 받은 26세 예술가의 이 그림은 1889년 파리 만국박람회에서 동메달을 수상했습니다(이 캔버스는 "First Green"이라는 제목으로 전시되었습니다. 초연) - 이것은 Schjerfbeck 자신이 원래 그림을 불렀던 방법입니다). 아픈 아이의 주제는 19세기 미술에서 흔했지만 Schjerfbeck은 아픈 아이뿐만 아니라 회복 중인 아이를 묘사합니다. 그녀는 1887-1888년과 1889-1890년에 오스트리아 친구의 조언에 따라 영국 남서부 콘월에 있는 그림 같은 해안 마을 세인트 아이브스에서 이 그림을 그렸습니다.

이 작품은 종종 Schjerfbeck의 작품에서 자연주의적 라이트 페인팅의 마지막 예라고 불립니다(나중에 그녀는 금욕적인 팔레트를 사용하여 양식화된 모더니즘과 거의 추상적인 표현주의로 옮겼습니다). 여기에서 작가는 빛으로 능숙하게 작업하여 봄과 새 생명의 상징 인 연약한 꽃 나뭇 가지가 손에 든 머그잔을 들고 흐트러진 머리카락과 열렬하게 붉게 물든 뺨을 가진 회복중인 소녀의 얼굴에 시청자의 시선을 그립니다. 회복에 대한 희망을 표현하는 미소가 아이의 입가에 번집니다. 이 흥미진진한 그림은 보는 이를 사로잡아 공감하게 만든다. 어떤 의미에서 이 그림은 파혼에서 헤어나고자 애쓰던 당시 화가의 자화상이라고 할 수 있다. 또한 이 그림에서 Schjerfbeck은 어린 시절의 자신을 묘사했으며, 자신이 느꼈던 것을 우리에게 말했고, 종종 침대에 누워 봄의 첫 징후에 기뻐했습니다.

현재 Helena Schjerfbeck의 가장 유명한 작품은 스웨덴에서 "투어 중"입니다. 한 전시회는 스톡홀름에서 열리며 2013년 2월 말까지, 다른 전시회는 예테보리(2013년 8월까지)에서 열립니다.

하나 더 핀란드 예술가그의 작품은 Ateneum Museum에서 찾을 수 있습니다. 문제 Shernschanz (Sternshantz)(베다 스테른샨츠) (1867-1910). 그런데 2014년에는 미술관에서 이 작가의 대규모 전시가 예정돼 있다. Beda Shernschanz는 세대의 중요한 대표자였습니다. 핀란드의 상징주의 예술가 19세기와 20세기 초. 그녀는 Porvoo시의 귀족 가정에서 태어났습니다. 1886년에 그녀의 아버지가 사망했고 가족은 경제적 어려움에 직면했습니다. 다른 여성 예술가들과 달리 Shernschantz는 생계를 유지하기 위해 일해야 했습니다. 1891년 그녀는 또 다른 유명한 핀란드 예술가인 Ellen Tesleff와 동시에 파리에 왔고 소녀들은 Colarossi Academy에 함께 등록했습니다. Bede의 멘토는 Magnus Enckell이었는데, 그의 영향으로 그녀는 상징주의의 개념을 흡수했습니다. 이러한 경향의 대표자들은 예술이 자연을 맹목적으로 모방해서는 안 되며 미묘한 감정과 경험의 표현인 아름다움을 위해 정화되어야 한다고 확신했습니다. 돈이 부족하여 Shernchanz는 파리에서 1년밖에 살지 못했습니다. 핀란드로 돌아온 그녀는 자신을위한 장소를 찾을 수 없었고 1895 년에 언어, 관습 및 옷을 유지하는 오래된 스웨덴 정착지가있는 에스토니아의 Vormsi 섬으로갔습니다. 그곳에서 화가는 그림을 그렸다. 어디에서나 목소리로 우리를 부른다»(1895). 그림의 제목은 당시 유명했던 "핀란드의 노래"( 수오멘 라우루), 시인 Emil Kwanten이 쓴 단어. 보시다시피 카렐리야는 핀란드 예술가들이 깨끗한 자연과 사람을 찾아 떠난 곳이 아닙니다.

이 시적인 캔버스에서 작가는 외계 환경에서 국가 전통과 언어를 보존하는 데 성공한 스웨덴 어린이 그룹을 묘사했습니다. 이 때문에 일부 비평가들은 특히 소녀 중 한 명이 연주하는 kantele 악기가 구성에서 중요한 위치를 차지하기 때문에 그림에서 애국적인 의미를 보았습니다. 또 다른 소녀가 노래하고, 이 소리는 금욕적인 풍경을 풍차로 채웁니다. 완전히 정적이고 얼어붙은 포즈와 주변 풍경의 공허함 때문에 보는 사람도 그대로 캔버스에서 들리는 음악을 듣기 시작합니다. 바람도 잦아든 것 같고 나뭇잎도 풍차도 움직이지 않는 듯하다. 그림의 상징주의적 해석에서 출발한다면, 이 신비로운 풍경을 배경으로 경건하고 집중된 아이들의 얼굴은 순수함을 전달하는 방법이다. 또한 Symbolists의 다른 많은 작품에서와 같이 가장 미묘하고 가장 고귀한 예술인 음악에 특별한 역할이 할당됩니다.

1897-98년. 핀란드 정부로부터 지원금을 받은 베다 셰른샨츠는 이탈리아를 여행했지만 이 기간 이후 그녀의 창작 활동은 물거품이 됐다. 작가의 유산은 작지만 연구자들의 관심을 끌고 있으며, 앞으로 많은 회의와 출판이 기대되어 국제적 맥락에서 그녀의 작업이 갖는 의미를 더 많이 알 수 있을 것입니다. 세기.

같은 시기에 또 다른 흥미로운 핀란드 예술가는 엘린 다니엘슨 감보기 (엘린 다니엘슨 감보기) (1861-1919). 엘린 다니엘슨 감보기핀란드의 1세대에 속하는 여성 예술가전문 교육을 받은 자. 그녀는 주로 사실적인 초상화 장르에서 작업했으며 삶과 작업 모두 해방과 보헤미안 라이프 스타일에서 동료들과 달랐습니다. 그녀는 사회에서 여성의 지위를 비판했고, 바지를 입고 담배를 피웠으며, 반순응적인 삶을 살았고 노르웨이 조각가 구스타프 비겔란(그들은 1895년에 바람을 피웠다)을 비롯한 많은 예술가들과 교제했습니다. 일상적인 상황에서 여성을 그린 그녀의 그림은 많은 비평가들에게 저속하고 외설적인 것으로 간주되었습니다.

« 자화상» Elin Danielson-Gambogi(1900)는 화가가 유럽에서 인정받기 시작하던 시기에 그렸습니다. 작가는 작업실에서 손에 붓과 팔레트를 들고 창 앞 커튼을 통해 빛이 흘러 머리 주위에 후광을 만드는 모습으로 묘사됩니다. 캔버스의 큰 형식, 예술가의 포즈와 표정 - 이 모든 것이 독립적이고 자신감 있는 성격을 표현합니다. 이 그림으로 Danielson-Gambogi는 1900년 피렌체에서 은메달을 받았습니다.

Elin Danielson-Gamboji는 Pori 마을 근처의 마을에서 태어났습니다. 1871년에 그들의 가족 농장이 파산했고 그녀의 아버지는 1년 후 자살했습니다. 그럼에도 불구하고 어머니는 자금을 찾아 15 세에 Elin이 이사하여 그림을 공부하기 시작했습니다. 소녀는 엄격한 사회적 금기를 벗어나 자유로운 분위기에서 자랐습니다. 1883년 Danielson-Gambogi는 그곳으로 떠나 Colarossi Academy에서 교육을 계속했고 여름에는 Brittany에서 그림을 공부했습니다. 그런 다음 작가는 핀란드로 돌아와 다른 화가들과 소통하고 미술 학교에서 가르쳤으며 1895 년 장학금을 받고 피렌체로갔습니다. 1년 후, 그녀는 Antignano 마을로 이사했고 이탈리아 화가 Raffaello Gamboggi와 결혼했습니다. 부부는 유럽 전역에서 수많은 전시회에 참가했습니다. 그들의 작품은 1900년 파리 세계 박람회와 1899년 베니스 비엔날레에서 선보였습니다. 그러나 20 세기 초에 가족 문제와 재정적 어려움, 남편의 배신과 질병이 시작되었습니다. Elin Danielson-Gambogi는 폐렴으로 사망하여 리보르노에 묻혔습니다.

마지막으로 중 핀란드 여성 예술가불릴 수 없다 엘렌 테슬레프 (엘렌 테슬레프) (1869-1954). 핀란드 작가 중 그러한 초기 인정을 받은 사람은 거의 없습니다. 이미 1891년에 젊은 Thesleff는 그녀의 멋진 작품으로 핀란드 미술 협회 전시회에 참가했습니다. 에코» ( 카이쿠) (1891)에서 비평가들의 찬사를 받았습니다. 당시 그녀는 Gunnar Berndtson의 사립 아카데미를 막 졸업했습니다. 군나르베른트손) 그리고 그녀의 친구 Beda Shernschanz와 함께 Colarossi Academy에 입학 한 첫 번째 여행을 떠났습니다. 파리에서 그녀는 상징주의에 익숙해졌지만 처음부터 그녀는 자신의 독립적인 예술 경로를 선택했습니다. 이 기간 동안 그녀는 금욕적인 색상으로 그림을 그리기 시작했습니다.

Ellena Tesleff에게 가장 중요한 영감의 원천은 이탈리아 예술이었습니다. 이미 1894년에 그녀는 초기 르네상스의 고향인 피렌체로 갔다. 여기에서 예술가는 루브르 박물관에서 존경했던 보티첼리의 작품을 포함하여 아름다운 종교화 작품을 많이 보았습니다. Thesleff는 또한 수도원 프레스코 화를 복사했습니다. 영적인 이탈리아 회화의 영향은 시적이고 숭고한 예술에 대한 그녀의 갈망을 강화했으며 이후 몇 년 동안 그녀의 작품에서 색채 금욕주의가 최대한 표현되었습니다. 그녀의 작품의 전형적인 모티프는 엄격하고 어두운 색의 풍경과 인간의 형상, 유령적이고 우울합니다.

이 기간의 작품의 예는 적당한 크기입니다. " 자화상» (1894-95) Ellen Tesleff, 연필로 그렸습니다. 피렌체에서 제작된 이 자화상은 2년에 걸친 준비 작업의 결과물입니다. 어둠 속에서 떠오르는 영혼의 얼굴은 당시 작가와 그녀의 이상에 대해 많은 것을 말해줍니다. 상징주의 철학에 입각하여 존재에 대한 근본적인 질문을 던지고 인간의 감정을 연구했다. 이 자화상에서 레오나르도 다빈치 예술의 현대적 화신을 그의 질문과 삶의 신비와 함께 볼 수 있습니다. 동시에 사진은 매우 개인적인 것입니다. 2 년 전에 일어난 사랑하는 아버지의 죽음에 대한 Thesleff의 슬픔을 반영합니다.

Thesleff는 음악가 집안에서 자랐고 어린 시절부터 자매들과 함께 노래하고 음악을 연주하는 것을 좋아했습니다. 그녀의 작품에서 가장 자주 등장하는 모티브 중 하나는 음악의 가장 원시적인 형태인 메아리 또는 비명이었다. 그녀는 또한 가장 숭고하고 복잡한 악기 중 하나인 바이올린 연주를 자주 묘사했습니다. 예를 들어 "그림의 모델" 바이올린 연주” ("바이올리니스트")(1896)는 1890년대에 종종 그녀를 위해 포즈를 취했던 예술가의 여동생 Tira Elizaveta가 연주했습니다.

구성은 따뜻하고 반투명한 마더 오브 펄 오팔 톤으로 지속됩니다. 바이올리니스트는 게임에 집중하면서 시청자를 외면했습니다. 가장 영적이고 신성한 예술로 숭배되는 음악의 주제는 상징주의에서 가장 흔한 것 중 하나 였지만 예술가들은 여성 음악가를 거의 묘사하지 않았습니다.

그녀의 친구 Magnus Enkkel과 마찬가지로 작업 초기 단계에서 Ellen Thesleff는 색상 금욕주의를 선호했습니다. 그러나 그녀의 스타일은 바뀌었다. Kandinsky와 그의 뮌헨 서클의 영향으로 예술가는 핀란드 최초의 Fauvist가되었으며 1912에서는 핀란드 협회 전시회에 초대되었습니다. 구월밝고 순수한 색상을 위해 일 어선 사람.

그러나 그녀의 참여는 전시회의 범위를 벗어나지 않았습니다. Tesleff는 외로움을 강한 성격의 정상적인 상태로 간주하여 어떤 그룹에도 가입하지 않았습니다. 더 성숙한 나이에 오래된 회색 갈색 범위에서 벗어나 Thesleff는 다채롭고 계층화 된 색상 환상을 만들기 시작했습니다. 그녀는 언니와 어머니와 함께 반복적으로 토스카나를 방문하여 화창한 이탈리아 풍경을 그렸습니다.

Tesleff는 결혼하지 않았지만 창의적인 사람으로 자리를 잡았습니다. 작가는 장수하며 인정을 받았습니다.

Ateneum의 외국 예술

Ateneum Museum의 외국 예술 컬렉션에는 Cezanne, Wag Gogh, Chagall, Modigliani, Munch, Repin, Rodin, Zorn과 같은 유명한 거장들이 만든 650 점 이상의 그림, 조각 및 그림이 포함되어 있습니다.

해외 컬렉션에서 아테네움 박물관발탁하다 반 고흐의 "오베르 쉬르 우아즈의 거리"(1890). 빈센트 반 고흐가 죽기 직전에 오베르 쉬르 우아즈라는 작은 마을에서 이 그림을 그렸습니다. 오베르 쉬르 우아즈), 북서쪽으로 약 30km 떨어진 센 강 지류 계곡에 위치하고 있습니다. 정신병을 앓던 반 고흐는 폴 가셰 박사의 치료를 받기 위해 형 테오의 조언을 받아 오베르 쉬르 우아즈로 갔다. Auvers-sur-Oise에는 예술에 무관심하지 않고 많은 프랑스 예술가들과 친숙하며 Van Gogh의 친구가 된이 의사의 진료소가있었습니다.

Auvers-sur-Oise 마을은 결국 그의 형제와 그의 가족에게 짐처럼 느껴졌던 예술가의 죽음의 장소가 되었습니다. 반 고흐는 스스로 총을 쏘고 피를 흘리며 죽었습니다. 작가는 생의 마지막 70일 동안 Auvers-sur-Oise에 살면서 이 짧은 기간 동안 74점의 그림을 완성했으며 그 중 하나는 현재 헬싱키의 주요 미술관에 있습니다. 그림이 미완성 상태로 남겨졌을 가능성이 있습니다(프라이머가 일부 위치에서 보입니다). 하늘의 밝은 빛은 대지의 차분한 녹색 톤과 기와 지붕의 붉은 색조를 돋보이게 합니다. 전체 장면이 불안한 에너지로 스며드는 영적 움직임에있는 것 같습니다.

매우 흥미로운 이야기는 그림 "Street in Auvers-sur-Oise"가 어떻게 등장했는지입니다. 아테네움 박물관. 반 고흐가 죽은 후 얼마 동안 그것은 예술가의 형제인 테오의 소유였으며 그 다음에는 Julien Leclerc가 캔버스를 구입한 그의 미망인의 소유였습니다. 줄리앙 르클레르크)는 프랑스의 시인이자 미술 평론가이다. 1900년에 Leclerc는 Theo의 미망인으로부터 적어도 11점의 Van Gogh 그림을 입수한 것으로 알려져 있습니다. 1년 후 그는 반 고흐의 첫 번째 회고전을 조직했지만 곧 예기치 않게 사망했습니다. Leclerc의 아내는 피아니스트 Fanny Flodin ( 엉덩이플로딘), 핀란드 예술가이자 조각가인 Hilda Flodin( 힐다 플로딘). 1903년 Fanny는 위에서 반복적으로 언급한 수집가 Fridtjof Antell의 대표에게 반 고흐의 그림을 2,500마르크(현재 금액으로 약 9,500유로)에 판매했습니다. 이 캔버스는 Wag Gogh Old Church의 첫 번째 그림

알베르트 구스타프 아리스티드 에델펠트(1854–1905)

Albert Edelfelt는 1854년 핀란드 포르보 근처에서 태어났습니다. 그의 아버지는 건축가였습니다. 아버지로부터 음악과 그림에 대한 사랑을 물려받았습니다. 그러나 어머니는 미래의 예술가에게 가장 가까운 사람이었습니다. Albert Edelfelt는 여러면에서 그의 야심 찬 어머니의 창조물이었습니다.

화가 어머니의 초상. 1883년

그 소년은 헬싱키에 있는 핀란드 미술 협회 학교에서 첫 회화 수업을 받았습니다. 그림에 전념하기로 결정한 그는 앤트워프의 미술 아카데미에 입학했지만 1 년 후 파리로 이사하여 L. Jerome에게 수업을 듣습니다.

리얼리스트 대표. 인상주의의 영향을 받았다. 역사적인 캔버스, 민속 생활의 그림, 풍경, 초상화의 저자는 예술적 형식의 자유와 표현력, 가벼운 공기 환경의 미묘한 전달, 축제의 색상 밝기로 표시됩니다.

이미 23세의 나이에 에델펠트는 핀란드 회화에서 가장 두드러진 인물이 되었고 사실주의와 자연으로부터의 작업을 위한 젊은 세대 예술가들의 투쟁을 이끌었습니다. Albert는 원래 역사화가가 되려고 했습니다. 그에게서 애국적인 그림이 기대되었습니다. 이 계획의 가장 유명한 그림은 Duke Karl의 Desecration of the Remains of C. Fleming(1878)입니다. 이 이야기는 16세기 말에 전개된 핀란드의 권력 투쟁을 강조합니다.

K. Fleming의 유해에 대한 Duke Charles의 모독. 1878년

멋진 색채와 젊음의 신선함이 그림 "아이와 함께하는 블랑카 여왕"(1877)을 매료시킵니다.

그러나 점차 그의 고국의 살아있는 삶은 그를 점점 더 매료시킵니다. 화가의 다음 작품은 이미 민속 생활을 사실적으로 묘사하는 스타일로 만들어졌습니다. 집에서 Albert는 어부들과 함께 바다로 한 번 이상 여행을 갔고 Heiko의 스튜디오에서 세부 사항을 정확하게 실행하기 위해 특별히 톱질 한 어선을 세웠습니다. 그림 "The Funeral of a Child"(1879)의 성공과 "At the Sea"(1883) 그림의 진정한 성공으로 Edelfelt는 고국에서 인정받는 대가가되었습니다.

아이의 장례식. 1879년

바다에서. 1883년

A. Edelfelt의 국민 예술가로서의 명성은 "Boys by the Water"(1884), "Girl with a Rake"(1886), "Women from Ruoholahti"( 1887).

러시아 비평가 V.V. Stasov는 이렇게 썼습니다. 이 사진은 러시아에 남아 있었고 1930년부터 에르미타주에 보관되었습니다.

세탁부. 1889년

청중의 관심은 항상 진정한 "파리 정신"그림 "In the Luxembourg Gardens"(1887)에 매료됩니다. A. Edelfelt는 최근의 야외 작업에서 빛과 색상의 문제에 많은 관심을 기울입니다.

룩셈부르크 정원에서. 1887년

유럽을 여행한 에델펠트는 오랫동안 상트페테르부르크에 머물렀다. 그는 1881년에 상트페테르부르크에 처음 왔습니다. 러시아 예술가와 사회는 A. Edelfelt를 열광적으로 맞이했으며 1881 년 젊은 핀란드 화가는 그의 작품을 상트 페테르부르크 아카데미 법원에 발표했습니다. 그는 큰 성공을 거두었습니다. 그는 학자라는 칭호를 받았으며 Tsarskoye Selo에서 개인전을 조직했습니다. Edelfelt는 왕실에 소개되었습니다. Tsar Alexander III의 요청에 따라 그는 그림 "On the Sea"를 복사하고 여러 의뢰 작품을 만들었습니다. 같은 기간에 작가는 여러 장르의 초상화를 만들었는데 그중 가장 인기있는 것은 Heiko의 dacha에서 개가있는 작가의 여동생 Berta의 초상화였습니다.

좋은 친구. 1881년

"좋은 친구"(1881)라는 제목으로 이 그림의 사본은 아테네움과 예테보리에 보관되어 있습니다. 성격이 가까운 그림 "In the Nursery"(1885)는 Alexander III가 Gatchina Palace를 위해 구입했습니다. Athenium은 또한 이 해에 제작된 Sophie Manzey의 초상화도 전시하고 있습니다.

소피 맨지의 초상화.

A. Edelfelt의 인기와 권위 덕분에 핀란드 예술은 러시아에서 인정을 받았습니다. 상트 페테르부르크에서 Edelfelt는 새로운 러시아 예술의 젊은 인물 인 Sergei Diaghilev와 Alexander Benois를 만났습니다. 핀란드와 러시아 예술가의 근접성은 여러 공동 전시회로 표시되었습니다. 그들 중 가장 큰 것은 Baron Stieglitz 학교의 박물관에서 1898 년에있었습니다. 당시 젊은 예술가들의 작품이 거기에 발표되었습니다 : Serov, Repin, Vrubel-러시아어; 및 M. Enkel, Gallen-Kallela, Yarnefeld - 핀란드 측에서. 전시회는 러시아 대중 사이에서 핀란드 문화와 핀란드 자체에 대한 큰 관심을 불러 일으켰습니다.

그러나 성인기에 A. Edelfelt의 주요 창의성 형태는 초상화 그림이었습니다. Edelfelt는 초상화 장르에서 광범위하고 성공적으로 작업했습니다. 피프랑스 정부의 명령에 대해 그는 썼다.루이 파스퇴르의 초상화(1885). 1880년대와 1890년대에 Edelfelt는 러시아 왕실의 명령에 따라 광범위하게 일했습니다. 그러나 공식 초상화 외에도 그는 "어머니의 초상화", "이야기꾼 Larin Paraske", 위대한 핀란드 여배우 Aine Akte 및 Ida Aalberg의 초상화와 같은 아름다운 작품을 만들었습니다.

풍경은 에델펠트의 작업에서 상대적으로 작은 공간을 차지합니다. 그러나 Hermitage에는 "Porvo의 전망", 수채화 "Kaukola의 호수 전망", 에칭 "눈 속의 소나무"라는 그의 작품이 있습니다. Hermitage에는 뛰어난 핀란드 거장의 그림과 삽화도 많이 있습니다.

에델펠트의 작품 스케치는 그의 마지막 작품을 언급하지 않고는 불완전할 것입니다. 1900-1904년에 예술가는 "1640년 투르쿠에서 대학 개교 ." 구성은 17 세기 의상을 입은 퍼레이드 행렬의 형태로 만들어졌습니다.

1640년 1902년 투르쿠 대학 개교(클릭 가능)

Albert Edelfelt는 1905년 8월 Porvo 근처의 다차에서 갑자기 사망했습니다. 핀란드 예술에 타격이었습니다. 그러나 그의 그림은 동시대 사람들과 가까웠기 때문에 우리에게도 흥미롭고 이해하기 쉽습니다.

블라디미르 로세프

내실에서 젊은 여자. 1879년

샹젤리제에서. 1886년

화가의 여동생 Berta Edelfelt의 초상. 1884년

화가 어머니의 초상. 1902년

우산 아래 여자입니다. 1886년

차르 알렉산드르 3세의 아이들

파리지앵 모델. 1885년

막달라 마리아. 1891년

비애. 1894년

핀란드 어부들. 1898년

그리스도와 막달라 마리아. 1890년

루이 파스퇴르의 초상화. 1885년

해변에서 노는 소년들. 1884년

작은 배. 1884년

보트에 여자입니다. 1886년

미사 후 성당 옆에 앉아 있는 이웃들. 1887년

카렐리안 여성. 1887년

양말을 뜨개질하는 소녀. 1886년

딸기.

교회에서 사려깊은 여자. 1893년

솔베이그

Uusimaa 군도에서의 예배.

세례식에서 돌아오다.

젊은 여자의 초상화입니다. 1891년

파리지앵을 읽다. 1880년

발레리 라도 부인의 초상화. 1888년

문화와 예술은 모든 국가의 유산이자 재산입니다. "천 호수의 땅"은 여행자와 관광객을 위한 스키와 낚시의 천국일 뿐만 아니라 다양한 미술사학자와 단순한 창의성 감정가를 위한 장소이기도 합니다. 예술, 특히 회화는 핀란드에서 매우 발전했습니다. 많은 아트 갤러리, 박물관 및 전시회는 가장 정교한 미술 감정가조차도 기쁘게 할 것입니다.

19세기에 유럽의 교육을 받은 수오미 출신의 예술가들은 핀란드 순수미술의 발전을 추동하는 주역이자 원동력이 되었다. 핀란드 회화의 대표자들과 친해지기 전에 "핀란드 미술과 회화의 아버지"인 Robert Ekman의 작품에 대해 알아 봅시다.

로버트 빌헬름 에크만

1808 년에 태어난 그의 그림에서 예술가는 평범한 핀란드 농민의 ​​삶, 삶의 모든 고난을 묘사했으며 평민과 관련된 핀란드 국가의 사회 정책에 사회의 관심을 집중했습니다. 로버트는 16세 때 스웨덴 예술 아카데미에서 공부하기 위해 스톡홀름으로 갔다. 젊고 뛰어난 재능을 가진 에크만은 그 재능으로 스웨덴 장학금을 받았고, 훗날 예술가로서의 천직은 그가 이탈리아와 프랑스, ​​그리고 네덜란드로 유학을 갔다는 사실에 기여했습니다. 이들 국가에서 붓의 대가는 1837년부터 1844년까지 7년을 보냈다.

Suomi 국가로 돌아온 Robert Wilhelm은 Turku시에 정착하여 벽 프레스코 화와 그림으로 지역 대성당을 그리기 시작했습니다. 그 후 그는 도시에 드로잉 학교를 설립하여 1873년까지 다녔습니다. 그는 귀족과 농민 사이의 심연을 매우 명확하게 설명했습니다. 화가의 그림은 독특하고 발명되지 않은 사실주의로 모든 사람을 놀라게했습니다. "핀란드 회화와 예술의 아버지"는 1873년에 사망했습니다.

악셀리 발데마르 갈렌 칼렐라(Gallen-Kallela Akseli)

Akseli Gallen Kallela는 1863년 4월 핀란드의 작은 마을 Bjorneborg(현대 이름 Pori)에서 태어났습니다. 핀란드의 독립을 위한 투사였던 작가는 자신의 작품에서 조국의 독립을 위해 싸우는 국가에 대한 부름을 묘사하기 위해 최선을 다했습니다. 화가 고유의 모더니즘은 Axel Gallen Kallela가 매우 사실적인 그림을 만들 수 있게 했습니다. 핀란드 내전(1918)이 끝난 후 예술가는 문장과 깃발 디자인에 참여했습니다. 20세기 중반, 작가는 미국에서 한동안 거주하며 작업했으며 그곳에서 성공적으로 작품 전시회를 열었습니다. 화가는 1931년 스톡홀름에서 폐렴으로 사망했습니다.

오스카 클라이네

가장 유명한 핀란드 해양 풍경화가는 1846년 9월 핀란드 수도에서 태어났습니다. 오스카의 독일 뿌리는 그가 독일, 즉 뒤셀도르프에서 공부할 수 있도록 "구조하러 왔습니다". 나중에 Kleinech는 St. Petersburg와 Karlsruhe에서 공부를 계속했습니다. 해양 화가의 가장 큰 인기는 바다 정물과 풍경을 묘사 한 그림으로 가져 왔으며 한 작가의 작품은 St. Petersburg Hermitage에서도 전시됩니다. 화가는 1919년 고향인 헬싱키에서 사망했습니다.