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학교 백과사전. 앙리 마티스의 유명한 그림 마티스의 조각품

유명한 현대 미술 거장의 가장 유명하고 스캔들 같은 작품.

프랑스 화가 앙리 마티스(1869~1954)는 조각을 비롯한 다양한 예술 분야에서 활동했지만, 화가로서 가장 유명한 작품을 남겼다. 파블로 피카소, 마르셀 뒤샹과 함께 현대 미술에서 가장 영향력 있는 인물 중 한 명으로 여겨지며 그의 작품은 회화 세계에 혁명을 일으켰습니다. 저명한 컬러리스트인 마티스는 야수파 운동으로도 유명하며 이 운동에서 주도적인 인물이 되었습니다.

제작일: 1937년
이 작품은 뮤즈이자 나중에 Matisse의 동반자가 된 Lydia Delectorskaya의 초상화입니다. Lydia는 이국적인 색상과 추상적인 인테리어로 둘러싸인 이국적인 모로코 의상으로 묘사됩니다. 이 그림은 저자 스타일의 선언적 특성을 보여줍니다.

제작일: 1905년
앙리 마티스(Henri Matisse)는 화려한 표현주의와 비자연주의적 색채 사용이 특징인 20세기 단명했지만 두드러진 예술 운동인 야수파(Fauvism)의 가장 두드러진 구성원이었습니다. 이 트렌드의 작품에 대한 고전적인 삽화는 프랑스 남부 해안의 Collioure에있는 예술가의 아파트에서 바라본 전망을 묘사하는 그림 "Open Window"입니다. 이 작품은 초기 모더니즘의 랜드마크로 여겨진다.

제작일: 1914년
모로코를 방문하는 동안 Matisse는 지역 주민들이 중독성 약물을 사용한 후 금붕어에 대해 조용히 명상하는 데 시간을 보내는 것을 발견했습니다. 파리로 돌아온 그는 작업장에 그런 물고기가 담긴 그릇을 설치했습니다. 이 생물들은 작가의 그림 중 아홉 개에 등장하지만 아마도 이 그림이 가장 유명할 것입니다. Matisse는 원래 Paul Cezanne과 유사한 손에 팔레트를 들고 자화상을 스케치했습니다. 물고기와 팔레트는 자화상으로 해석되는 피카소의 작품 "할리퀸"과의 숨겨진 연결을 나타냅니다. Matisse와 Picasso는 절친한 친구였지만 영원한 라이벌이기도 했습니다.

제작일: 1905년
분할주의는 신인상파 스타일의 특징이었으며 색상을 점, 반점 또는 획으로 나누어 원거리에서 "혼합"하여 완전한 그림을 구성하는 접근 방식입니다. 처음으로 이 방법을 사용한 그림은 Paul Signac과 Georges Seurat에 의해 만들어졌습니다. 그림 " "는 신인상주의에서 마티스의 가장 유명한 작품이지만 1년 후 작가는 이 스타일을 버리고 야수파의 선구자가 된다.

제작일: 1905년
1905년 Salon d'Automne(파리 전시회)에 전시된 "The Woman in the Hat"은 관심의 중심이었습니다. Matisse의 아내 Amelie Pareille의 초상화는 자유로운 글쓰기 방식, 불완전함, 밝음 및 색 구성표의 부자연스러움으로 인해 보는 사람과 비평가 모두에게 충격을 주었고 화가의 가장 유명한 걸작 중 하나가 되었습니다.

제작일: 1905년
작가 자신은 이 그림 "Bathers"를 그의 경력에서 가장 중요한 그림 중 하나로 간주하고 입체파에 대한 그의 관심을 반영하여 세부 사항을 마무리하면서 8년 동안 작업했습니다. 절제된 색상 팔레트와 엄격한 형태는 그림을 대부분의 다른 Matisse 작품과 현저하게 구별합니다.

제작일: 1907년
이 조각품을 작업하는 동안 Matisse는 실수로 블랭크를 파괴했고 그 조각은 마스터가 그의 경력에서 가장 논란이 많은 작품을 만들도록 영감을 주었습니다. Salon des Indépendants에서 처음 선보인 조각 "Blue Nude"는 프랑스 대중에게 충격을 주었고 나중에 다른 나라에서 센세이션을 일으켰습니다. 이 작품은 파블로 피카소의 똑같이 논란이 많은 아비뇽의 처녀들에게 영감을 주었습니다.

레드 스튜디오

제작일: 1907년
그림은 Matisse의 작업실을 묘사합니다. 그림, 조각, 접시가 스튜디오 전체에 무작위로 흩어져 있습니다. 벽과 바닥은 빨간색 페인트로 고르게 덮여 있습니다. " 레드 스튜디오”는 미술사의 핵심 작품으로 간주되며 2004 년 전문가 설문 조사에 따르면 가장 영향력있는 현대 미술 작품 목록에서 500 개 중 5 위를 차지했습니다.

제작일: 1906년
Matisse의 획기적인 작품은 밝은 색상으로 가득 찬 배경에 여러 누드 여성과 남성을 묘사합니다. 멀리서 춤추는 인물을 볼 수 있습니다. 저자의 다른 많은 그림과 마찬가지로 Fauvism 스타일의 작업 예는 쇼 기간 동안 많은 분노를 불러 일으켰습니다.

생성 날짜: 1910
"원시적인" 에너지를 발산하는 그림은 의도적으로 다소 유치한 방식으로 그려졌습니다. 다섯 명의 춤추는 인물을 그린 이 작품은 현대 회화 발전의 핵심이자 앙리 마티스의 가장 유명한 작품으로 꼽힌다.

기독교 주제에 대한 예술가의 호소는 Matisse의 개인적인 비극의 영향을 받았습니다. 1944 년 그의 아내와 딸은 프랑스 저항에 참여하기 위해 Gestapo에 들어갔습니다. 고문을 당한 후 그들은 라벤스브뤼크 강제 수용소에 수감되었습니다. 그들은 여자들에게 가혹한 굴욕을 겪어야 했습니다. Matisse의 아내는 살아남지 못했고 그녀의 딸은 석방된 후 다리를 절게 되었습니다.

업데이트: 2017년 12월 1일 작성자: 글렙

앙리 마티스(Henri Matisse)의 간략한 전기와 프랑스 화가, 그래픽 아티스트, 조각가의 삶에 대한 흥미로운 사실이 이 기사에 나와 있습니다.

앙리 마티스 짧은 전기

Henri-Emile Benoit Matisse는 1869년 12월 31일 Le Cateau 시에서 태어났습니다. 그는 많은 기관에서 지식을 얻었습니다. 처음에는 1891 년 Julian Academy에서 파리에서 공부 한 다음 1893 년에는 장식 예술 학교에서, 마지막으로 1895-1899 년에는 미술 학교에서 공부했습니다.

처음에 그는 그 시대 화가의 많은 학생들과 마찬가지로 옛 네덜란드와 프랑스 거장의 작품을 복사하는 일에 종사했습니다. 그의 작품에서 그는 신인상주의(Signac의 작품에서 영감을 얻음), 아랍 동부 예술, 고갱 및 고대 러시아 아이콘 그림의 엄청난 영향을 경험했습니다.

1905년부터 1907년까지 Henri는 야수파라는 새로운 예술적 방향을 이끌었습니다. 20세기 초 큐비즘의 영향은 작가의 작품에서 찾아볼 수 있지만 1920년대 이후에는 색채의 다양성, 즉각성, 필력의 부드러움으로 구별된다. 1930년대부터 Matisse는 야수파의 장식성을 구성의 명확한 분석적 구성과 미묘하게 미묘한 색상 체계와 결합했습니다.

20 세기 후반에 Matisse는 예술에서 자신 만의 스타일을 발견했습니다. 간결한 그림, 대조되는 색상 영역 조합 또는 주요 단일 톤 음영 캔버스의 이점 및 숨기지 않는 톤 캔버스의 질감. 그의 패널 "Music", "Artist 's Studio"및 "Dance"에서 명확하게 볼 수 있습니다.

목가적 인 장면, 춤, 직물 및 카펫 패턴, 인형, 꽃병 및 과일 ( "Red Fish"및 "Still Life with a Shell")과 같은 주제가 그의 작업에서 우세합니다. Matisse의 독특한 특징은 라인의 작동입니다. 그는 그것을 매우 얇고 간헐적으로 수행하며 때로는 줄이 길고 둥글며 검은 색 또는 흰색 배경을 잘라냅니다 ( "Themes and Variations", "Poems", "Pasiphae", "Poems about Love").

그의 마지막 작품은 1953년 니스 근처의 묵주기도 도미니코회 예배당의 스테인드 글라스 창문이었습니다. 예술가는 죽었다 1954년 11월 3일.

앙리 마티스 흥미로운 사실들

마티스는 스무 살 때 맹장 제거 수술을 받았다. 이 사건은 Henri가 그림에 관심을 갖기 시작했다는 사실에 기여했습니다. 그가 와드에 누워있을 때 그의 어머니는 아들이 지루하지 않도록 페인트를 가져 왔습니다. Matisse는 회복된 후 더 이상 그림 없이는 살 수 없었습니다.
Matisse의 아버지는 아들이 변호사가 되기를 원했습니다. Henri는 법학부에서 파리에서 공부했으며 한때 점원으로 일했습니다.그러나 그림을 그리려는 욕망이 그의 모든 것을 이겼습니다.
와 친구였다. 그들은 오랫동안 서로의 작품을 따라 다니며 같은 이름을 붙였습니다.
1898년 1월 10일 앙리 마티스는 아멜리 파레유와 결혼하여 아들 장 제라르(1899-1976)와 피에르(1900-1989)를 낳았습니다. 그의 사생아인 마가리타도 가족이 되었다. 그의 아내와 딸은 예술가가 가장 좋아하는 모델이었습니다.
그의 삶의 마지막 해 예술가 마티스 휠체어와 침대에서 보낸. 오랫동안 서 있을 수 없게 되자 색종이와 가위를 이용해 명작을 만들기 시작했다. 그림을 그리고 싶은 욕구가 극에 달하자 그는 긴 막대기에 연필을 묶고 침대에서 그림을 그렸다.
Matisse는 여행을 좋아했습니다. 그는 독일, 스페인, 알제리, 모로코, 러시아 제국을 방문하고 타히티에 있었고 미국에 왔습니다. 그는 베를린, 뉴욕, 니스, 상트 페테르부르크, 파리, 마드리드에서 매우 자주 전시했습니다.
Matisse는 시력에 큰 문제가 있었기 때문에 기하학적이고 단순하며 거의 도식적인 형태의 예술에 매료되었습니다.

뛰어난 프랑스 예술가이자 야수파 운동의 선두주자인 앙리 마티스는 절묘한 감정과 느낌의 색채를 훌륭하게 전달하는 것으로 유명합니다. Matisse의 세계는 춤과 목가적 인 세계, 아름다운 꽃병, 수분이 많은 과일, 온실 식물, 카펫 및 다채로운 직물, 청동 조각상 및 끝없는 풍경의 세계입니다. 그의 스타일은 다양한 실루엣과 모양, 분위기 및 모티프를 전달하는 선의 유연성, 때로는 간헐적, 때로는 둥글다는 특징이 있습니다. 세련된 예술적 수단, 색상의 조화, 밝은 대조의 조화를 결합하여 이러한 작품의 관상가를 세상의 감각적 아름다움을 향유하도록 부르는 것 같습니다.

Matisse의 그림은 음악적이라고 합니다. 예술가의 예술은 종종 "세속적"과 "살롱"의 정의를 받았고, 그의 그림의 축제와 우아함은 부유한 후원자의 취향에 직접적인 영향을 미쳤습니다. 현실과 소외되고 퇴폐적이며 당대의 문제에 대한 오해로 지탄받는다. 사실, 드문 경우를 제외하고는 그의 그림에서 별 특징 없는 일상적인 모티프를 볼 수 없습니다. Henri는 완전히 다른 것을 포착하려고 노력했습니다. 아름답고 우아한 환경에서 잘 차려 입은 여성, 무성한 꽃다발, 밝은 카펫.

앙리 마티스의 춤

미래의 예술가는 1869 년 12 월 31 일 프랑스 북부의 Cato-Cambresy에서 새해가 시작되기 직전에 붓과 페인트의 도움으로 그런 사랑으로 나중에 노래를 부를 세상에 왔습니다. 아버지는 아들이 가능한 한 빨리 일어나기를 원했고 그에게서 부자 인 변호사를 보았지만 그의 욕망은 여전히 \u200b\u200b꿈이었습니다. 사실, Lyceum Saint-Quentin을 졸업한 후에도 Matisse는 여전히 파리에서 법을 공부해야 했습니다. 그는 병원에 있는 동안 처음으로 그림을 그렸지만 결국 맹장염에 걸렸습니다. 자유 시간이 많았고 Henri는 그림을 그렸고 또 하나는 ... 그 작업에 매료되었습니다. 20세에 그는 Ventin de la Tour 미술 학교에서 공부하기 시작했고 1891년에 파리로 가서 École des Beaux-Arts에 입학했습니다. 그런 다음 아버지의 뜻에 반하여 Matisse는 법을 떠나 파리에 완전히 정착하여 Julian Academy에 등록하고 프랑스 회화의 거장 Gustave Moreau에게 수업을 들었습니다.

신비주의자이자 상징주의자인 Moreau는 특히 예상치 못한 색상 조합으로 그의 혁신적인 기술을 높이 평가하면서 초보 예술가의 위대한 미래를 예측했습니다. 그림은 시간과 돈이 든다. 가족이 성장하고 있습니다. 2 세기 초에 예술가의 아들 인 Jean과 Pierre가 태어났습니다. 동시대 사람들의 회고록에 따르면 Matisse의 결혼 생활은 매우 행복했습니다. 예술가에게 헌신하는 Amelie Matisse는 남편이 창의력에만 참여할 수 있도록 열심히 일했습니다. 이 아름다운 여인은 주인의 많은 캔버스에 묘사되어 있습니다. 가장 유명한 작품은 "모자를 쓴 여자"와 "아내의 초상"입니다. Amelie는 Henri가 더 많이 여행하고, 세상을 보고, 그 색을 흡수할 수 있도록 가능한 모든 일을 했습니다. 부부는 함께 알제리로 가서 Matisse가 그에게 큰 영향을 준 동양의 예술에 대해 알게됩니다. 따라서 그의 작업에서 형태, 잡색 및 패터닝보다 색상이 우세하며 대상 개발의 양식화입니다.

1905년 파리 가을 살롱에서 열린 야수파 전시회에 출품된 작품에는 강렬한 색상, 단순화된 드로잉 및 평면 이미지의 도움으로 감각의 직접적인 전달에 대한 탐색이 반영되었습니다. 이때 Matisse는 아프리카 민족의 조각품을 발견하고 고전 일본 목판화와 장식용 아랍 예술에 관심을 가졌습니다.

1908년 러시아 수집가 Sergei Shchukin은 예술가에게 모스크바에 있는 자신의 집에 세 개의 장식 패널을 의뢰했습니다. 작품 "Dance"(1910)는 Sergei Diaghilev의 러시아 계절의 인상, Isadora Aunkan의 공연 및 그리스 꽃병 그림에서 영감을 얻은 황홀한 춤을 선보입니다. "음악"에는 다양한 악기를 연주하는 아티스트의 모습이 나와 있습니다. 세 번째 패널인 "목욕 또는 명상"은 개요만 남았습니다. 나머지 세계에서 전쟁으로 "단절"된 Shchukin 컬렉션의 그림은 혁명 이후 국가에 의해 압수되어 20 세기 중반에 걸쳐 소련 지하실에 갇혀 있었고 빛을 본 후에야 빛을 보았습니다. 스탈린(그리고 마티스 자신)의 죽음.

예술적인 보 몽드가 마티스의 작품을 분명하게 긍정적으로 받아들였다고 말할 수는 없다. 예를 들어, 파블로 피카소는 프랑스 화가를 전혀 인식하지 못했고 그를 경쟁자로 여겼습니다. Igor Stravinsky는 이렇게 회상합니다. “Matisse 란 무엇입니까? Pablo는 반복하는 것을 좋아했습니다. "밝은 화분이 있는 발코니."

피카소와 달리 마티스는 아들이 화가가 되기로 한 것을 평생 부끄럽게 여겼던 아버지의 반대에 부딪혀야 했다. 수년 동안 Matisse는 가난하게 살았습니다. 그가 마침내 스스로 가족을 부양할 수 있게 되었을 때 그는 약 40세였습니다. Henri는 삶이 그에게 줄 수 없는 고요함과 안정을 추구했습니다. 반대로 파블로는 세상의 기초를 흔들었습니다.

1906년 그들이 만났을 때 피카소는 스물다섯 살이었고 스페인에서 막 도착했고 프랑스어를 거의 할 줄 몰랐으며 파리에서는 그를 아는 사람이 거의 없었습니다. 당시 3b세의 마티스는 이미 일류 화가로 인정받고 있었다. 1907년 마티스가 피카소에게 처음으로 선물한 그림은 앙리의 딸 마거리트의 초상화였다. Picasso는 작업실에 작품을 걸고 친구들을 초대하여 "다트"를 치는 대상으로 사용했습니다.

Matisse는 1911년 뮌헨에서 열린 전시회에서 선보인 이슬람 예술의 영향을 강하게 받았습니다. 작가가 모로코에서 보낸 두 번의 겨울(1912년과 1913년)은 동양적 모티프에 대한 지식을 더욱 풍부하게 했으며 리비에라에서의 긴 수명은 밝은 팔레트의 개발에 기여했습니다. 큐비즘의 거장들과 달리 마티스의 작품은 사변적이지 않았으며 자연과 회화의 법칙에 대한 세심한 연구를 기반으로 했습니다. 여성 인물, 정물, 풍경을 묘사한 이 모든 캔버스는 자연 형태에 대한 오랜 연구의 결과입니다. Matisse는 가장 엄격한 예술적 형식으로 현실의 즉각적인 감정적 감각을 조화롭게 표현했다고 말할 수 있습니다. 뛰어난 기안가인 그는 여러 가지 강렬한 색상의 사운드를 조정하는 효과를 달성하는 뛰어난 컬러리스트였습니다. 예를 들어, 그림 "럭셔리, 평화 및 풍만함"에서 아르누보 스타일은 점묘법의 전형적인 점선 스타일과 결합됩니다. 앞으로는 색 에너지가 증가하고 표현 (Matisse가 가장 좋아하는 단어), 화려한 후광, 그림 구성 내 색채 정교에 대한 관심이 있습니다.

보는 사람에게 미치는 Matisse의 그림의 색상 효과는 놀랍습니다. 색상은 큰 팡파르처럼 부르고 비명을 지른다. 색상 대비가 선명하게 강조되고 강조됩니다. 예술가 자신이 말하는 내용은 다음과 같습니다. 절대 파란색; 순수한 녹지는 나무로, 울창한 주홍색은 인체로 사용되었습니다. 표현은 전체적으로 보는 사람이 덮는 색면에 달려 있기 때문입니다.

Matisse의 작품에서 색상이 그림보다 우세하여 그림 내용의 진정한 영웅은 바로 색상입니다. 이러한 창작 방식은 마티스뿐만 아니라 야수파 전체의 특징이기도 했다. 한 비평가는 야수파에 대해 이렇게 썼습니다. "그들은 대중의 얼굴에 페인트 통을 던졌습니다." Matisse는 그의 에세이 중 하나에서 다음과 같이 반박합니다. Guillaume Apollinaire가 다음과 같이 외친 것도 당연합니다. “Matisse의 작업을 비교해야 한다면 오렌지를 선택해야 합니다. Matisse는 눈부신 색상의 과일입니다.

앙리 마티스: matisse46

앙리 마티스: voiliers

놀라운 것은 그가 캔버스에 구성을 구축하는 정확성입니다. Matisse는 움직임의 축 자체를 포착하여 그림에 전체성과 규칙성을 부여합니다. 그의 스케치는 너무 날카 롭고 역동적이며 보석 적이며 동시에 플라스틱이어서 다른 기안자의 작업과 혼동 될 수 없습니다. 즉시 알아볼 수 있습니다!

프랑스 아르누보 예술가들은 춤에 무관심하지 않았습니다. 우아한 발레리나 Degas, 카바레 프리마 Toulouse-Lautrec-패션에 등장한 댄스 테마의 다양한 hypostases. 앙리 마티스도 예외는 아니었다. 그리고 Matisse의 이미지는 사실주의와는 거리가 멀고 그의 장식용 캔버스는 뾰족한 신발에 대한 발레리나의 신뢰할 수있는 묘사와 거의 공통점이 없지만 춤의 주제는 항상 그의 창의적인 경로의 전환점에서 발생합니다.

Henri Matisse: Matisse Icarus(Icare), 1943-1944, From Jazz

앙리 마티스: 마티스 음악, 1910년, 캔버스에 유채, 성 베드로 대성당의 에르미타주 애완 동물

패널 "Parisian Dance"는 쇠퇴기에 Matisse가 고안했습니다. 그럼에도 불구하고 이 작업은 가장 대담하고 혁신적인 작업 중 하나로 간주됩니다. 특히이 주문을 위해 저자는 독창적 인 기술인 decoupage (프랑스어에서 "절단"으로 번역됨)를 발명하고 개발했습니다. 거대한 퍼즐처럼 그림은 별도의 조각으로 조립되었습니다. 이전에 구 아슈로 칠한 시트에서 마에스트로는 자신의 손으로 가위로 그림과 배경 조각을 잘라낸 다음 목탄으로 표시된 그림에 따라 핀으로 바닥에 부착했습니다 ... "파리 dance'는 3가지 버전으로 알려져 있다. 가장 초기의 미완성 버전은 본질적으로 예비 연구입니다. 거의 완료된 두 번째 작업에서 불행한 이야기가 나왔습니다. Matisse는 방 크기에 실수를했고 전체 캔버스를 다시 작성해야했습니다. 최종 버전은 클라이언트의 승인을 받고 성공적으로 해외로 출발했습니다. 그리고 이전의 "결함"인 예술가는 1936 년에 파리의 현대 미술관에 약간의 비용을 지불하고 작업을 마쳤습니다. 오늘날 "파리의 춤"은이 박물관 컬렉션의 진주로 간주됩니다. 거대한 캔버스를 전시하기 위해 특별 홀이 지어진 것은 우연이 아닙니다. 또 다른 흥미로운 세부 사항 : 파리 댄스 작업 과정에서 Henri Matisse는 시인 Valery Bryusov 및 예술가 Valentin Serov와 함께 Matisse의 러시아 아이콘의 아름다움을 발견 한 모스크바를 방문해야했습니다. 기뻐서 그는 Lydia Aelektorskaya를 만났습니다. 이 단순한 러시아 소녀는 역사에 남을 운명이었습니다. 그녀는 비서가되었고, 그 다음에는 없어서는 안될 조수가되었고, 그 다음에는 예술가의 가장 친한 친구이자 마지막 뮤즈가되었습니다. 1933년 10월, Lydia Lelectorskaya는 Matisse의 집으로 이사하여 거의 22년 동안 그곳에 머물렀습니다.

Matisse는 러시아에 대한 자신의 인상에 대해 다음과 같이 썼습니다. “어제 나는 오래된 아이콘 모음을 보았습니다. 이것은 진정한 위대한 예술입니다. 나는 프라 안젤리코의 그림보다 나에게 더 가깝고 소중한 그들의 감동적인 단순함에 사랑에 빠졌습니다. 신비로운 꽃처럼 이 아이콘에는 예술가의 영혼이 드러납니다. 그리고 우리는 그들로부터 예술에 대한 이해를 배워야 합니다.”

마티스의 영혼에 깊은 흔적을 남긴 1차 세계대전은 그의 화풍을 바꾸었다. 그림의 채색은 우울해지고 그림은 거의 도식화됩니다. 1918년부터 작가는 거의 쉬지 않고 니스에 거주하며 가끔 파리를 방문합니다. 즐겁고 밝은 색상은 곧 그의 그림으로 돌아 가지 않습니다 ... 이 기간의 수많은 구성에서 가장 유명한 것은 "페르시아 드레스", "음악"(1939), "루마니아 블라우스"(1940), 아티스트는 재확인합니다. "순수 회화"의 원칙. 부주의한 획으로 쓰여진 이 그림들은 마치 행복하고 부주의한 영감의 결과로 처음에 쉽게 그린 것처럼 즐겁지만 기만적인 인상을 남겼습니다. 그러나 실제로 마스터의 각 작품은 고된 검색, 노력, 엄청난 도덕적, 육체적 스트레스의 결과입니다. 건강이 좋지 않고 불면증에 시달리는 Matisse는 일할 수있는 능력을 유지하기 위해 많은 즐거움을 거부했습니다. 그림을 그리면서 그는 세상의 모든 것을 잊었습니다.

Henri Matisse: Matisse Jazz- The Toboggan, 1943, 종이 컷아웃

작가는 가장 힘든 시기에도 창작을 계속한다. 1941 년부터 그는 중병에 걸렸고 그의 아내와 딸은 레지스탕스 운동에 참여한 혐의로 Gestapo에 의해 체포되었으며 Matisse는 오랫동안 그들의 운명에 대해 아무것도 알지 못했습니다. 최근 몇 년 동안 Henri는 일러스트레이터로 더 많이 일하고 콜라주를 좋아합니다. 그는 얼마나 기뻐하며 오리엔탈 카펫의 패턴을 기록했고 정확하고 조화로운 색상 비율을 얼마나 신중하게 달성했는지! 화려하고 신비로운 내면의 빛과 그의 정물, 후기 초상화로 가득합니다. 이것은 더 이상 친밀한 그림이 아니라 우주적인 소리를 얻습니다. 유화 작업을 포기하고 붓과 팔레트를 손에 쥘 수 없었던 작가는 색종이 조각으로 이미지를 구성하는 기술을 개발했습니다. 1948-53년에 마티스는 도미니쿠스 수도회의 의뢰를 받아 방스에 있는 묵주 예배당의 건축과 장식 작업을 했습니다. 구름이 있는 하늘을 묘사한 세라믹 지붕 위에는 비쳐진 십자가가 맴돌고 있습니다. 예배당 입구 위에는 성 베드로를 묘사한 세라믹 패널이 있습니다. 도미니코와 성모 마리아. 마스터의 스케치에 따라 만들어진 다른 패널은 내부에 배치됩니다. 예술가는 세부 사항에 매우 인색하고 불안한 검은 선은 최후의 심판 (예배당 서쪽 벽)을 극적으로 알려줍니다. 제단 옆에는 Dominic 자신의 이미지가 있습니다. 그가 큰 중요성을 부여한 Matisse의이 마지막 작품 (이전의 많은 검색의 합성)은 그의 예술적 경로를 합당하게 완성했습니다. 그러나 마티스는 죽기 전날인 1954년 11월 3일 밤에도 심장마비를 앓은 뒤에도 마지막까지 그림을 그렸다.

운 좋게도 예술가는 재앙, 기술, 과학 및 사회 혁명으로 가득 찬 세상에서 길고 강렬한 창조적 삶을 살았습니다. 이 세상은 귀머거리고 정말 폭발적인 속도로 변했고 Matisse는 모든 일반적인 생각을 뒤집고 폐허를 쌓고 발견을 곱하고 예술에서 새로운 형태의 존재를 찾았습니다. 검색해서 찾았습니다!

앙리 마티스: 붉은 꽃바구니를 입은 오달리스크