초상화 란 무엇입니까? 초상화의 스타일과 장르

Mikhail Mikhailovich Prishvin은 그의 산문 작품으로 세계에서 기억되었습니다. 그의 작품은 조국에 대한 사랑으로 가득 차 있습니다. 저자는 작가 O.G. Vereisky. 그의 작품은 높은 수준의 기술을 나타내는 학교 커리큘럼의 일부입니다.

Prishvin의 전기 초상화

산문 작가는 1873년 2월에 태어났다. 그는 부유한 상인 가문 출신이었습니다. 소년은 무례한 행동으로 4 학년 때 학교에서 퇴학당한 것으로 입증 된 것처럼 활동적이고 시끄러운 아이로 자랐습니다. 타고난 반항아인 작가 Prishvin은 나중에 자신의 성격이 삶의 두 가지 주요 행동에 의해 형성되었음을 인정했습니다.

• 고등학교에서 제외.
• 고등학교 탈출.

Prishvin의 전기는 눈처럼 하얗지 않습니다. Riga Polytechnic School에서 공부하는 동안 그는 마르크스주의에 진지하게 관심을 갖게 되었고 그 때문에 체포되어 2년 동안 유배되었습니다. 이 트릭은 눈에 띄지 않았고 청년은 러시아에서 추가 교육을 금지했습니다. 그러나 그의 어머니는 현명한 여성이었고 아들이 학업을 계속할 수 있도록 모든 노력을 기울였습니다. 1900년 미하일 프리슈빈은 라이프치히로 유학을 가 농경학 교육을 받았다.

러시아 북부와 스칸디나비아의 긴 여행은 미래 작가의 상상력에 각인을 남겼고 이것이 첫 번째 이야기 인 "Sashok"을 쓴 이유였습니다. 이것은 Prishvin의 다른 스케치 스케치가 이어졌지만 곧 그는 그의 기술을 바꿔야했습니다. 1914년 작가의 어머니가 세상을 떠났고 작가는 자신에게 남겨진 땅에 집을 짓기로 결정했습니다. 이것은 시작되고 Prishvin이 파트 타임 질서로 전면에 나갔기 때문에 일어날 운명이 아닙니다.

전쟁이 끝날 무렵 Prishvin은 강의를 시작하고 동시에 그의 작품을 썼습니다. 작가는 1954년 모스크바에서 사망했다.

작가의 창작 유산

Prishvin의 초상화는 전기적 감각 측면에서 눈에 띄지 않으며 다른 작가의 초상화 배경에 눈에 띄지 않습니다. 단순한 삶을 살았던 Prishvin은 문학 걸작의 러시아 재무부의 일부가 된 충분한 작품을 썼습니다.

저자의 첫 번째 작품은 "두려운 새의 땅에서"와 "마술 롤빵 뒤에"라는 책이 출판 된 1906-1907 년으로 거슬러 올라갑니다. Prishvin이 30 년대 극동을 여행 한 결과. 이야기 "인삼"과 소설 "주권의 길"이 쓰여졌습니다. 단편 소설 모음은 상당한 관심을 받을 만합니다: Calendar of Nature 및 Forest Drops. 시간이 지남에 따라 어린이를위한 최고의 책으로 인정받은 유명한 동화 "태양의 식료품 저장실"이 등장했습니다.

O.G. Vereisky - 일러스트레이터

전문적으로 선택한 삽화가 없다면 독자들이 얼마나 책을 좋아할지 생각하는 사람은 거의 없습니다. 이것은 그림이 좋은 책의 필수 속성인 어린 독자들에게 특히 해당됩니다. 작가의 영광을 위해 책 뒤뜰에서 일생을 보낸 천재들 중에는 O.G. Vereisky. 그는 Vasnetsov 또는 Vrubel만큼 유명하지는 않지만 그럼에도 불구하고 그의 장점은 과대 평가하기 어렵습니다. 그는 소련 인민 예술가이자 예술 아카데미 회원이었습니다.

Vereisky의 창의적인 길은 Osmerkin의 감독하에 Leningrad에서 시작되었습니다. 그러나 작가는 수도에서 일하면서 큰 인기를 얻었다. 그의 창작 경력에서 마스터는 고전 삽화로 기억되었습니다. Vereisky가 작업한 가장 유명한 작가 중에는 Hemingway, Paustovsky, Sholokhov, Fadeev 및 Bunin이 있습니다. Prishvin의 작품 스케치에는 특별한 관심이 필요합니다. 1984년에 작가는 "Anna Karenina" 작품으로 최고의 일러스트레이션 작품상을 수상했습니다.

M. M. Prishvin의 초상

Orest Georgievich Vereisky는 단편 소설과 이야기 삽화 외에도 러시아의 같은 이름의 박물관에 보관되어있는 M. M. Prishvin의 초상화도 그렸습니다. 이 작업은 1948년에 완료되었지만 이것이 덜 중요한 것은 아닙니다. Prishvin의 초상화는 작가의 개인 일기 항목에서 알 수 있듯이 삶에서 그렸습니다. 캔버스의 크기는 39.5x48로 작습니다. 작가의 머리와 작가의 서명이 종이에 그려져 있습니다.

일러스트레이터 Vereisky가 그린 M. M. Prishvin의 초상화는 어디에 있습니까?

창의적인 환경에서 그들은 종종 서로가 더 인기를 얻고 역사에 흔적을 남기도록 돕는 예술가들의 공생을 관찰합니다. 일러스트 레이터 Vereisky의 손으로 그린 ​​Prishvin M. M.의 초상화는 서로를 홍보하려는 시도가 아니 었습니다. 오히려 Mikhail Mikhailovich에 대한 찬사입니다.

Orest Georgievich는 풍부한 이젤 작품, 작가의 석판화 및 많은 수채화 스케치 덕분에 그의 작품에서 일어났습니다. Prishvin의 초상화는 연필 드로잉이라는 글쓰기 방식에서 알 수 있듯이 그에게 평생의 작품이 아니 었습니다. 작가는 평생 동안 일기를 작성하여 모든 사건을 자세히 설명했습니다. Vereisky가 그린 초상화는 전기만큼 예술적 가치가 없습니다.

1946 년 봄, Prishvin은 모스크바 근처의 Porechye 요양소에서 쉬고 있었는데 그곳에서 그는 근처의 집을 돌 보았습니다. 작가의 아내는 모든 것이 남편의 다재다능한 관심사를 가리키는 오래된 저택처럼 보이게 만들기 위해 모든 노력을 기울였습니다. 그것은 아름답게 나왔다. 작가가 죽은 후 사람들이 이곳에 왔고 그 집은 공식적으로 박물관의 지위를 받았습니다.

집 장식은 Prishvin의 일상을 보여줍니다. 테이블 위에 사모바르가 있고 방은 꽃과 책으로 장식되어 있습니다. 특히 흥미로운 것은 Orest Vereisky가 그린 Mikhail Mikhailovich의 가장 유명한 초상화 중 하나를 볼 수있는 작가의 방입니다.

Prishvin의 머리를 묘사한 그림이 침실에 있는 그의 침대 머리 바로 위에 걸려 있습니다. 산문 작가가 연필로 그려진 노란색 종이를 두툼한 짙은 갈색 프레임이 둘러싸고 있습니다. 직장 왼쪽에서 초상화의 날짜를 볼 수 있습니다. 전체 방은 소유자의 개성을 표현하고 겸손과 정확성을 나타냅니다. 초상화의 왼쪽에는 사냥에 대한 Prishvin의 사랑의 의인화 인 교차 총이 걸려 있습니다. 나무 바닥은 독특한 패턴의 카펫으로 장식되어 있습니다. 그러나이 작은 것들에도 불구하고 방의 중심 요소는 정확히 Vereisky가 그린 초상화입니다. 물론 이러한 배치는 작가의 작품에 대한 작가의 존경심을 배반하는 것이다. 이것은 그들의 마지막 공동 프로젝트였으며 몇 년 후 Prishvin이 사망했습니다.

초상화 란 무엇입니까 (초상화 - 이전 프랑스어 - 초상화 - 묘사를 의미) - 초상화는 특정 사람이나 사람들의 그룹을 묘사하는 데 전념하는 미술의 한 유형입니다. 성격, 내면 세계, 묘사 된 삶의 가치를 다른 사람들에게 제시하는 것을 목표로합니다.

초상화에 사람의 얼굴을 그리는 것은 시각 예술에서 가장 어려운 방향입니다. 작가는 성격의 주요 악센트를 발견하고 특징적인 특징, 사람의 감정을 강조하고 묘사되는 사람의 영적 성향을 드러내야합니다. 그림의 크기에 따라 초상화는 흉상, 절반 길이, 세대 및 전체 길이와 같은 다양한 유형이 될 수 있습니다. 세로 자세: 얼굴에서 옆으로 3/4 정도 회전합니다. 창의적인 초상화는 창의적인 그림, 인간의 이미지에서 새로운 것을 창조하는 것과 관련된 특별한 그림 장르입니다.

초상화의 기본. 초상화에서 가장 중요한 것은 초상화 화가가 대부분의 시간 동안 작업하는 사람의 얼굴이며 가능한 한 정확하게 머리의 유사성과 성격, 색조를 전달하려고 노력합니다. 그런 다음 특정 캐릭터와 관련된 제스처와 표정, 작가는 얼굴 이미지에서 더 큰 활력, 자연 스러움의 특징을 찾고 초상화의 나머지 세부 사항은 옷, 배경, 캡처 여부입니다. 캔버스에 있는 특정 측근의 세부 사항은 유사성이 이것에 의존하지 않기 때문에 더 조건적인 것으로 간주됩니다.

초상화의 유사성은 주요하고 지배적 인 역할을 차지하며 유사성이 매우 절름발이이면 고전 초상화의 다른 모든 긍정적 인 이점보다 중요하므로 정교함과 색상이 아름답지만 얼굴이없는 그림이 될 수 있습니다.

이 사이트에서 다음 스타일은 초상화, 캔버스에 유채 및 마른 붓입니다. 초상화는 다양한 스타일과 기법이 있으며, 가장 주목할만한 스타일, 즉 실행 기법은 물론 캔버스에 유화로 초상화를 그리는 것입니다. 초상화를 유화로 그리는 것은 많은 인내와 정확성이 필요한 매우 길고 힘든 과정입니다. 이 스타일은 수세기의 깊이에서 왔으며 전 세계적으로 큰 명성을 얻었습니다.

종종 예술가들은 목탄, 세피아, 핏빛으로 스케치 또는 빠른 초상화를 그립니다. 특히 연필이나 파스텔 및 수채화 초상화에서 훨씬 덜 자주 사용됩니다. 의심 할 여지없이 일류 초상화 스타일이고 더 힘들지만 특별한주의를 기울일 가치가 있습니다. 그러나 드라이 브러시 스타일의 초상화도 인기를 얻고 있습니다. 아티스트 Igor Kazarin이 이 멋진 초상화 스타일로 소녀의 초상화를 그리는 비디오를 볼 수 있습니다.

초상화 장르는 세분됩니다 : 챔버, 친밀한 공식 초상화 및 일반적으로 예술가가 자신을 묘사하는 자화상. 시각예술에서의 초상화 장르는 특별한 명분이 필요하지 않은 자연스러운 독립 회화 장르이다.

초상화 하위 장르: 초상화 장르의 경계는 다른 장르의 요소와 상호 연결된 다양한 방향을 반영합니다. 예를 들어, 역사적 초상화: 지난 세기의 옷을 입은 사람의 이미지는 상상력과 사용 가능한 자료, 당시의 기억에 의해 만들어집니다. 그림 초상화 -캐릭터는 자연, 사물 및 가정 용품의 세계에 대한 음모가있는 건축물로 둘러싸여 있습니다. 캐릭터의 의상을 입은 초상화는 지각하기에 아름다운 역사적인 연극 의상과 줄거리와 관련된 다양한 도구로 묘사됩니다.

한 사람의 이미지 전송과 캔버스 또는 종이에 두세 사람의 그룹에 전념합니다. 아티스트가 선택한 스타일이 특히 중요합니다. 초상화에서 사람의 얼굴을 그리는 것은 그림에서 가장 어려운 영역 중 하나입니다. 붓의 주인은 포즈를 취하는 사람의 외모, 감정 상태, 내면 세계의 특징을 전달해야 합니다. 초상화의 크기에 따라 모양이 결정됩니다. 이미지는 흉상, 세대, 절반 길이 또는 전체 길이일 수 있습니다. 포즈에는 얼굴 (전체 얼굴), 한 방향 또는 다른 방향으로 "3/4"회전 및 프로필의 세 가지 각도가 포함됩니다. 예술적 아이디어를 실현할 수 있는 무한한 가능성을 담고 있는 초상화입니다. 먼저 스케치를 만든 다음 그림 자체를 만듭니다.

초상화 장르의 역사

인간의 얼굴을 묘사하려는 가장 오래된 시도는 27,000년 전으로 거슬러 올라갑니다. "그림"은 프랑스 도시 앙굴렘 근처의 동굴에서 발견되었습니다. 초상화는 분필로 윤곽선을 그린 것으로, 사람 얼굴의 특징을 어렴풋이 닮았다. 고대 예술가는 눈, 코, 입의 주요 라인을 설명했습니다. 나중에 (또한 동굴에서) 발칸 반도와 이탈리아에서 더 명확하고 명확한 이미지가 나타나기 시작했으며 그 중 프로필에 그려진 얼굴이 우세했습니다. 창조하는 것은 인간의 본성이며 재능 있는 사람은 흔적을 남기지 않고 살 수 없습니다. 들판에 자갈을 깔아 놓은 문양일 수도 있고, 나무껍질에 새겨진 장식품일 수도 있고, 바위에 숯불로 그린 누군가의 얼굴일 수도 있다. 창의력을 발휘할 기회는 많습니다.

stucco 이미지

옛날에는 초상화 장르가 조각으로 구현되는 경향이 있었는데, 고대에는 붓을 철저히 마스터하고 빛과 그림자의 유희를 전달할 수 있는 예술가가 없었기 때문입니다. 점토로 된 얼굴의 이미지가 더 좋았으므로 먼 시대에는 치장 벽토 초상화가 지배적이었습니다. 회화의 예술은 인류가 문화적 소통의 필요성을 깨닫게 된 훨씬 후에 나타났습니다.

매장

그림에 가까운 이미지의 출현도 후기에 속하며 최초의 초상화는 고대 동부 지역에서 발견되었습니다. 이집트 국가에서는 죽은 자의 신화가 일어났습니다. 매장하는 동안 조건부로 고인의 두 배로 간주되는 일종의 초상화가 만들어졌습니다. 미라화의 원리가 나타난 다음 초상화가 나타났습니다. 초상화 장르의 역사에는 드로잉과 조각 모두에서 상징적인 이미지의 많은 예가 포함되어 있습니다. 죽은 자의 얼굴 그림은 점점 더 원본과 비슷해졌습니다. 그리고 다른 세계로 떠난 자의 얼굴을 복사해 마스크로 대체했다. 이집트인은 석관에 묻히기 시작했으며 그 뚜껑에는 고인이 아름다운 양식화 된 얼굴로 완전히 성장한 모습이 그려져 있습니다. 그러한 장례식은 귀족만을 위해 마련되었습니다. 예를 들어 이집트 파라오는 석관뿐만 아니라 거대한 구조물인 무덤에도 배치되었습니다.

다양한 솔루션

작가는 초상화를 그릴 때 선택할 수 있습니다. 원본에 따라 사람의 얼굴과 옷을 묘사하거나 창의적으로 정교하고 창의적인 그림을 만듭니다. 이에 대한 주된 조건은 지배적 인 역할을하는 유사성입니다. 독립 - 초상 예술, 가장 광범위한 스펙트럼의 실험에 열려 있습니다. 아티스트는 최신 기술 성과를 적용하여 기술을 향상시킬 수 있습니다.

실제로 실행 기술은 최적의 결과를 달성하는 데 결정적입니다. 전문 예술가가 초상화를 그리는 가장 일반적인 방법은 다음과 같습니다. 이 스타일은 수세기에 걸쳐 뿌리를 내리고 있습니다. 그것은 고대 예술가들이 사용했습니다. 그들의 작업은 오늘날까지 살아 남았습니다. 미술의 한 장르로서의 초상화는 태곳적부터 존재해 왔으며 오늘날 대중적인 예술적 표현 수단입니다.

"드라이 브러쉬"

최근에는 획이 아닌 소량의 물감을 문질러 이미지를 만드는 기법이 유행하고 있다. 동시에 브러시는 거의 건조하고 방법 자체를 사용하면 아름다운 하프 톤을 얻을 수 있습니다. 가장 미묘한 그림 장르는 초상화이고 페인트의 얼굴 이미지에는 섬세한 색조가 필요하기 때문에 "드라이 브러시"기법이 이러한 목적에 가장 적합합니다.

유형

초상화의 장르는 의식, 실내, 친밀한 및 음모의 여러 유형으로 나뉩니다. 작가가 자신을 묘사하는 자화상이라는 특별한 유형도 있습니다. 원칙적으로 이것은 순전히 개별 도면입니다. 일반적으로 초상화 장르는 특정 규칙에 따라 완전히 독립적입니다. 이러한 규칙은 특정 상황에서 범위가 확장될 수 있지만 절대 위반되지 않습니다.

이미 나열된 것 외에도 체계적인 접근이 필요한 특수한 품종 인 특별한 예술적 특징을 포함하는 초상화의 또 다른 장르가 있습니다. 현대인이 과거의 옷을 입고 캔버스에 그려지는 의상을 입은 초상화입니다. 주제의 범위는 제한되지 않습니다. 원시인이 입는 가죽에서 르네상스 웨딩 드레스에 이르기까지. 이 초상화의 다양성에는 연극적인 요소가 있습니다. 러시아 연방, 특히 모스크바에서는 의상을 입은 초상화가 널리 사용되었지만 이것은 패션을 위해서가 아니라 예술에 대한 찬사였습니다.

예술의 초상화 장르

서로 다른 시간에 쓰여진 그림 같은 캔버스는 하나의 필수 조건으로 통합됩니다. 그림은 진본이어야 합니다. 초상화 구성 요소, 즉 캐릭터의 얼굴 이미지가 중요한 역할을합니다. 그림의 성공 여부는 얼굴 특징을 얼마나 주의 깊게 작성하느냐에 달려 있습니다. 눈, 미소 또는 반대로 찡그린 눈썹의 표현, 모든 뉘앙스가 캔버스에 반영되어야합니다. 작업은 쉽지 않지만 신뢰성 요소는 아티스트의 기술을 증명합니다. 그렇기 때문에 예술의 초상화 장르가 매우 모호하지 않고 마스터의 전적인 헌신이 필요합니다. 경험이 풍부한 예술가는 사람, 얼굴 클로즈업 및 강조된 움직임을 포함하는 그림에 가장 적합합니다.

문학 초상화

작가와 예술가는 종종 사람의 얼굴을 묘사합니다. 이것에 대한 훨씬 더 많은 문학적 기술이 있으며 풍부한 러시아어를 사용하면 수많은 예술적 형식, 구 및 구의 전환을 사용할 수 있습니다. 작가가 추구하는 목표는 작가의 의도와 의미가 동일하며 작가는 사람의 기분, 생각, 감정 및 경험의 반영으로 얼굴 표정을 묘사합니다. 초상화는 다소 복잡합니다. 피상적 인 공식을 피하면서 설명하는 것이 필요합니다. 이것은 진정한 크리에이터의 기술이 필요합니다. 인간 형태의 본질을 몇 마디로 표현할 수있는 러시아 작가 중 위대한 Maxim Gorky가 1 위를 차지합니다. 그의 미국인 추종자는 또한 구두 초상화 그림의 예술을 완벽하게 마스터했습니다. 문학 초상화의 장르는 다양하고 설명은 특정 스타일을 따르며 명랑하거나 슬프거나 짧거나 길 수 있으며 모두 개별 작업에 따라 다릅니다.

사진

daguerreotype의 출현으로 미술의 가능성이 확대되었고 초상화도 예외는 아닙니다. 사진 초상화는 유화보다 비용이 훨씬 저렴하고 인지도는 100%였습니다. 그리고 예술가들은 사진이 가난한 사람들을 위한 것이라고 인색하게 말했지만, "일반 대중은 은도금된 판에 있는 더 정확한 이미지로 돌아섰습니다. 초상화 사진 장르는 빠르게 유행했습니다. 사랑하는 사람.

그러나 새로운 방법인 다게레오타입에는 단점이 있었습니다. 그림 같은 초상화와 달리 사진은 아무것도 변경할 수 없습니다. 이미지가 단번에 멈춰서 무언가를 고칠 수 없었습니다. 그리고 그 사람이 앉아 있거나 서있는 (긴장된 자세로) 사진을 찍었다는 점을 감안할 때 그는 사진에 가장 좋은 방법으로 나오지 않았습니다. 따라서 많은 실망, 주장 및 불만이있었습니다. 그럼에도 불구하고 인물 사진이 뿌리를 내리고 사람들은 예술적으로 포즈를 취하는 방법을 배웠고 모든 것이 제자리를 찾았습니다.

초상화 (프랑스 초상화 - 묘사) - 캐릭터의 외모, 개인의 신체, 자연적 특징뿐만 아니라 사람의 외모에서 사회 문화적 환경에 의해 형성되는 모든 것 : 옷, 헤어 스타일, 행동 - 몸짓, 얼굴 표정에 대한 설명 , 자세, 눈 표정, 얼굴, 미소 등 초상화는 대화, 인테리어, 연설과 함께 가장 중요한 특성화 수단입니다. 전형적이고 개별적인 것은 예술적 초상화의 가장 중요한 구성 요소입니다. 영웅의 모습에 대한 설명은 그의 캐릭터 공개에 기여합니다. 초상화는 서사시에서 사용됩니다. 가사와 드라마에서 언어적 묘사는 제한적이다. 각 문학 시대는 등장 인물의 외모 전이라는 고유 한 특성을 특징으로합니다.

따라서 민속, 고대 문학, 중세 시대의 초상화는 영웅의 사회적 지위를 직접적으로 나타내는 극도로 일반화되었습니다. 영웅의 모습은 종종 일종의 안정적인 별명으로 표시되었습니다 (호머의 "Achilles swift", "Apollo silver-armed", "Agamemnon the mighty", "hairy-eyed Hera", "pink-fingered Eos"). 르네상스부터 정적 박람회 초상화가 보편화됩니다 (외관에 대한 자세한 설명은 내러티브 시작 부분에 한 번 제공되며 가장 일반적이고 변경되지 않은 외부 기능이 표시됨). 그래서 F. Rabelais "Gargantua and Pantagruel"의 소설에서 Panurge의 초상화가 제공됩니다. 파뉘르쥬는 35세 정도의 키에 키가 크지도 작지도 않은 중간 정도의 남자로, 코가 뾰족하고 면도칼처럼 날카로웠으며, 다른 사람에게 코를 맡기는 것을 좋아했고, 약간 무뚝뚝하긴 하지만 극도로 예의 바르고 태어날 때부터 당시에 "돈 부족은 참을 수없는 질병"이라고 말한 특별한 질병입니다. 그 모든 것을 가지고 그는 돈을 버는 63가지 방법을 알고 있었는데, 그 중 가장 정직하고 가장 일반적인 것은 몰래 하는 것이었고, 그는 장난꾸러기, 사기꾼, 방탕한 사람, 방탕한 사람, 사기꾼이었습니다. 파리에는 그런 사람이 거의 없습니다. 그리고 사실, 필사자 중 가장 훌륭합니다. 르네상스 작품의 초상화는 생리적, 정신적 자질의 특정 복합체라는 점은 주목할 가치가 있습니다. 저자는 종종 그들 사이의 내부 연결을 찾으려고하지 않고 특정 기능을 나열합니다. 따라서 영웅의 내적 특성은 저자가 언급하는 경우 캐릭터의 외부 생리적 특성에 반영되지 않습니다. G. Boccaccio의 Decameron에 나오는 Niccolosa의 초상화입니다.

그러다가 낭만주의 시대까지 이상화된 초상화가 문학을 지배했다. N.V에서 비슷한 유형의 초상화를 찾습니다. 이야기 "Taras Bulba"의 Gogol :“그는 창가에 서있는 아름다움을 보았습니다. 그는 평생 본 적이 없었습니다. 눈처럼 검은 눈과 흰색, 아침 홍조에 비춰졌습니다. 그녀는 활짝 웃었고, 웃음은 그녀의 눈부신 아름다움에 반짝이는 힘을 선사했다.

19세기에는 초상화가 문학에 등장하여 영웅의 영적 이미지의 복잡성과 다재다능함을 드러냈습니다. 특징은 M.Yu의 소설에서 Pechorin의 초상화입니다. Lermontov: “그는 중간 키였습니다. 가녀린 체격과 넓은 어깨는 대도시 생활의 타락과 영적 폭풍에도 굴하지 않고 유목 생활과 기후 변화의 모든 어려움을 견딜 수 있는 강인한 체격을 입증했습니다. 그의 걸음 걸이는 부주의하고 게으르지 만 팔을 휘두르지 않는다는 것을 알았습니다. 이는 성격의 비밀을 나타내는 확실한 신호입니다.<…>그의 얼굴을 언뜻 봤을 때 나는 그에게 23년 이상을 주지 않았을 것이다. 그의 미소에는 어린애 같은 것이 있었다.<…>초상화를 완성하기 위해 나는 그가 약간 위로 향한 코, 눈부신 하얀 이빨, 갈색 눈을 가졌다 고 말할 것입니다. 나는 눈에 대해 몇 마디 더 말해야합니다.

첫째, 그가 웃을 때 그들은 웃지 않았습니다. 어떤 사람들에게서 그런 이상함을 본 적이 있습니까? .. 이것은 악한 성향이나 끊임없는 깊은 슬픔의 표시입니다. 반쯤 처진 속눈썹은 말하자면 일종의 인광 광택으로 빛났습니다. 그것은 영혼의 열기나 장난스러운 상상의 반영이 아니었습니다. 그것은 매끄러운 강철의 광채와 같은 광채, 눈부시지만 차갑습니다. 그의 시선은 짧지 만 꿰뚫고 무겁고 무분별한 질문에 대한 불쾌한 인상을 남겼으며 그렇게 무관심하게 침착하지 않았다면 무례 해 보일 수있었습니다. 이 초상은 주인공의 심리적 특성이 지배하는 인상초상화이다.

19 세기 (후반) 작가의 작품에서 역동적 인 초상화가 우세하기 시작합니다 (영웅의 모습에 대한 설명은 동작으로 제공되며 행동으로 그의 몸짓, 억양, 표정이 한 번에 기록됩니다. ). 예를 들어 L.N. 작품의 초상화입니다. 톨스토이.

다양한 유형의 초상화가 있습니다 : 초상화 설명 (작가의 평가 및 심리적 의견이없는 캐릭터의 외모에 대한 객관적인 설명-A.S. Pushkin의 "The Captain 's Daughter"이야기에서 Masha Mironova의 초상화) 및 인상 초상화 ( 작가의 캐릭터 외모 평가를 수정하거나 다른 사람의 생각과 인상을 전달합니다-소설 "우리 시대의 영웅"에서 Pechorin의 초상화); 상세 (확장, 상세-I.A. Goncharov의 동명 소설에서 Oblomov의 초상화) 및 간략한 (단편, 1-2 세부 사항으로 구성-이야기 "The Young Lady-Peasant Woman"에서 Lisa Muromskaya의 초상화 A.S. 푸쉬킨); 정적 초상화 (영웅의 변함없는 외모 특징의 일회성 이미지-시 "Dead Souls"의 Manilov 초상화) 및 동적 초상화 (영웅의 외모에 대한 설명은 역학으로 제공되며 외모는 복잡한 설명을 통해 전달됩니다. 영웅의 자세, 몸짓, 표정, 움직임, 말-F. M. Dostoevsky의 소설 "범죄와 처벌"에서 Raskolnikov의 초상화); 원피스 초상화 (영웅과의 첫 만남 당시 완전히 제공됨-A.S. Pushkin의 "The Captain 's Daughter"이야기에서 Shvabrin의 초상화) 및 멍청한 초상화 (외관 세부 사항은 전체에 걸쳐 제공됩니다. 작품 - 서사시 소설 "전쟁과 평화"에서 나타샤 로스토바의 초상화 ); leitmotiv 초상화 (L.N. Tolstoy의 소설 "전쟁과 평화"에서 Liza Bolkonskaya의 초상화); 심리적 초상화 (그의 외모에 대한 설명에서 영웅의 정신 세계 반영-M.Yu. Lermontov의 소설 "우리 시대의 영웅"에 나오는 Pechorin의 초상화).

오늘 포스트에서는 초상화 발전의 간략한 역사에 대해 이야기하고 싶습니다. 제한된 양의 게시물에서이 주제에 대한 모든 자료를 완전히 다룰 수는 없으므로 그러한 작업을 설정하지 않았습니다.

초상화의 역사에 대한 짧은 여담

초상화(프랑스 초상화에서) - 이것은 미술의 한 장르이자 특정인의 모습을 보여주는 장르의 작품입니다. 초상화는 단 하나의 모델에 내재 된 개별적인 특성, 고유 한 기능을 전달합니다 (모델은 예술 작품을 작업하면서 마스터를 위해 포즈를 취하는 사람입니다).

"파리지앵". 기원전 16세기 크노소스 궁전의 프레스코

하지만 외부 유사성은 초상화 고유의 유일한 속성이 아니며 아마도 가장 중요한 속성은 아닙니다. . 실제 초상화가는 모델의 외형을 재현하는 데 그치지 않고 캐릭터의 속성을 전달하고 내면의 영적 세계를 드러냅니다. . 특정 시대를 대표하는 전형적인 이미지를 만들기 위해 묘사되는 사람의 사회적 지위를 보여주는 것도 매우 중요합니다.
장르로서 초상화는 수천년 전에 고대 예술에 나타났습니다. 고고학자들이 크레타 섬에서 발굴하는 동안 발견한 유명한 크노소스 궁전의 프레스코화 중에는 기원전 16세기로 거슬러 올라가는 그림 같은 여성 이미지가 많이 있습니다. 연구자들은 이러한 이미지를 "궁정 여성"이라고 불렀지 만 우아한 드레스를 입은 여신, 여사 제 또는 귀족 여성 등 크레타의 주인이 누구를 보여 주려고했는지 알 수 없습니다.
가장 유명한 것은 과학자들이 "파리지앵"이라고 부르는 젊은 여성의 초상화였습니다. 우리는 그녀의 검은 테두리 눈과 밝게 칠해진 입술에서 알 수 있듯이 매우 요염하고 화장을 게을리하지 않는 젊은 여성의 프로필 (당시 ​​예술의 전통에 따라) 이미지를 봅니다.
동시대의 프레스코 초상화를 만든 예술가들은 모델의 특성을 탐구하지 않았으며 이러한 이미지의 외부 유사성은 매우 상대적입니다.

"젊은 로마인의 초상", AD 3세기 초

고대 그리스와 고대 로마에는 이젤 그림이 존재하지 않았기 때문에 초상화 예술은 주로 조각으로 표현되었다. 고대 거장들은 시인, 철학자, 군사 지도자 및 정치인의 플라스틱 이미지를 만들었습니다. 이 작품들은 이상화를 특징으로 함과 동시에 심리적 특성에 매우 정확한 이미지도 발견된다.
큰 관심은 AD 1-4세기에 이집트에서 만들어진 그림 같은 초상화입니다. 발견 장소(카이로 북쪽에 있는 카바라의 무덤과 프톨레마이오스 시대에 아르시노에라고 불렸던 파이윰 오아시스의 공동묘지)에 따르면 파이윰이라고 합니다. 이 이미지는 의식 및 마법 기능을 수행했습니다. 그들은 고대 이집트가 로마인에게 점령당한 헬레니즘 시대에 나타났습니다. 나무 판자나 캔버스에 만든 이 초상화 이미지는 고인의 무덤에 미라와 함께 놓였습니다.
Fayum 초상화에서 우리는 AD 1-4세기에 이집트에 살았던 이집트인, 시리아인, 누비아인, 유대인, 그리스인, 로마인을 봅니다. 고대 로마에서 이집트에 이르기까지 나무판에 주인의 초상화를 그리고 죽은 친척의 조각 가면을 집안에 보관하는 관습이 있었습니다.

Fayum 미라의 초상

Fayum 초상화는 온도 또는 encaustic 기술을 사용하여 만들어졌으며 특히 초기 이미지의 특징입니다. Encaustic은 주요 링크가 왁스 인 페인트로 그림을 그리는 것입니다. 예술가들은 녹은 왁스 페인트를 사용했습니다 (이러한 페인트가 떨어지는 흔적은 초상화 이미지가있는 많은 보드에 보존되었습니다). 이러한 기술에는 특별한 기술이 필요했습니다. 뺨, 턱, 코 부분에는 페인트를 촘촘하게 바르고 나머지 얼굴과 머리카락은 더 액체 페인트로 칠했습니다. 대가들은 초상화를 위해 플라타너스(뽕나무 무화과나무)와 레바논 삼나무의 얇은 판자를 사용했습니다.

G. 벨리니. 기증자 초상화. 파편

가장 유명한 encaustic 초상화 중에는 평생 이미지 인 "남자의 초상화"(AD 1 세기 후반)와 "노인의 초상화"(AD 1 세기 말)가 있습니다. 이 작품들에서 노련한 명암 조형과 색채 반사의 활용이 눈에 띈다. 아마도 우리에게 알려지지 않은 초상화를 그린 거장들은 헬레니즘 회화 학교를 거쳤을 것입니다. "누비아의 초상화"와 소위 아름다운 여성 이미지라는 두 개의 다른 그림이 같은 방식으로 실행되었습니다. "Lady Alina"(서기 2세기). 마지막 초상화는 캔버스에 붓과 액체 템페라로 그린다.
예술이 교회에 종속되었던 중세 시대에는 주로 종교적 이미지가 회화로 만들어졌습니다. 그러나 이때에도 일부 예술가들은 심리적으로 정확한 초상화를 그렸습니다. 신, 마돈나, 성인을 마주한 옆모습에 가장 많이 등장하는 기부자(기부자, 고객)의 이미지가 널리 사용되었다. 기증자의 이미지는 의심 할 여지없이 원본과 닮은 점이 있었지만 도상 학적 캐논을 넘어서지 않았으며 구성에서 부차적 인 역할을했습니다. 아이콘에서 나오는 프로필 이미지는 초상화가 독립적인 의미를 갖기 시작했을 때에도 지배적인 위치를 유지했습니다.
초상화 장르의 전성기는 세계의 주요 가치가 이 세상을 변화시키고 역경에 맞설 수 있는 활동적이고 목적이 있는 사람이었던 르네상스 시대에 시작되었습니다. 15세기에 예술가들은 탁 트인 장엄한 풍경을 배경으로 모델을 보여주는 독립적인 초상화를 만들기 시작했습니다. B. Pinturicchio의 "소년의 초상화"입니다.

B. 핀투리키오. "소년의 초상", 아트 갤러리, 드레스덴

그럼에도 불구하고 초상화 속의 자연 파편의 존재는 사람과 주변 세계의 무결성, 통일성을 생성하지 않으며 묘사되는 사람은 자연 경관을 가리는 것처럼 보입니다. 16세기의 초상화에서만 일종의 소우주인 조화가 나타난다.

보티첼리, 라파엘, 레오나르도 다빈치를 포함하여 르네상스의 많은 유명한 거장들이 초상화로 전환했습니다. 세계 예술의 가장 위대한 작품은 Leonardo의 유명한 걸작 인 초상화 "Mona Lisa"( "La Gioconda", c. 1503)로, 이후 세대의 많은 초상화 화가들이 역할 모델을 보았습니다.
유럽 ​​초상화 장르의 발전에 큰 역할을 한 Titian은 시인, 과학자, 성직자, 통치자와 같은 동시대 이미지의 전체 갤러리를 만들었습니다. 이 작품에서 위대한 이탈리아 거장은 미묘한 심리학자이자 인간 영혼의 뛰어난 감정가로 활동했습니다.

티치아노: 포르투갈의 이사벨라 황후.

르네상스 시대에 제단과 신화 작품을 만든 많은 예술가들은 초상화 장르로 눈을 돌렸습니다. 네덜란드 화가 Jan van Eyck ( "Timothy", 1432; "The Man in the Red Turban", 1433)의 심리적 초상화는 모델의 내면 세계에 대한 깊은 침투로 구별됩니다. 초상화 장르의 인정받는 대가는 독일 예술가 Albrecht Dürer였으며 그의 자화상은 여전히 ​​관객을 기쁘게하고 예술가의 모범이됩니다.

알브레히트 뒤러, 자화상

르네상스 시대에 유럽 회화에는 다양한 형태의 초상화가 등장했습니다. 흉상 초상화는 그 당시 매우 인기가 있었지만 반신, 세대 이미지 및 전신 초상화도 등장했습니다. 귀족 부부는 모델이 다른 캔버스에 묘사된 한 쌍의 초상화를 주문했지만 두 구성은 공통된 개념, 색상 및 풍경 배경으로 통합되었습니다. 한 쌍의 초상화의 생생한 예는 이탈리아 화가 Piero della Francesca가 만든 Urbino 공작과 공작 부인 (Federigo da Montefeltro 및 Battista Sforza, 1465)의 이미지입니다.
아티스트가 한 캔버스에 여러 모델을 보여줄 때 그룹 초상화도 널리 사용되었습니다. 그러한 작품의 예는 Titian의 "Alessandro와 Ottavio Farnese와 함께하는 Pope Paul III의 초상화"(1545-1546)입니다.

이미지의 성격에 따라 초상화는 의식과 친밀함으로 나뉘기 시작했습니다. 첫 번째는 그 위에 나타난 사람들을 높이고 영화롭게 하기 위한 목적으로 창조되었습니다. 의식 초상화는 계층 적 사다리의 상단을 차지한 통치 인물과 가족, 궁중, 성직자가 유명한 예술가에게 주문했습니다.
기념 초상화를 만들면서 화가들은 금으로 수놓은 화려한 제복을 입은 남자들을 묘사했습니다. 아티스트를 위해 포즈를 취한 여성들은 가장 고급스러운 드레스를 입고 보석으로 장식했습니다. 이러한 초상화에서 배경은 특별한 역할을 했습니다. 마스터는 풍경, 건축 요소 (아치, 기둥) 및 무성한 휘장을 배경으로 모델을 그렸습니다.
의식 초상화의 가장 큰 주인은 Fleming P.P. 많은 주의 왕실에서 일했던 루벤스. 그의 고귀하고 부유한 동시대인들은 화가가 자신들을 캔버스에 담을 것이라고 꿈꿨습니다. 풍부한 색상과 그림의 기교가 돋보이는 루벤스의 맞춤형 초상화는 다소 이상적이고 차갑습니다. 작가가 자신을 위해 만든 친척과 친구의 이미지는 따뜻하고 성실한 감정으로 가득 차 있으며 부유 한 고객의 정식 초상화처럼 모델을 아첨하려는 욕구가 없습니다.

Rubens의 학생이자 추종자는 과학자, 변호사, 의사, 예술가, 상인, 군사 지도자, 성직자, 궁중과 같은 동시대 사람들의 초상화 이미지 갤러리를 만든 재능있는 플랑드르 화가 A. van Dyck이었습니다. 이러한 사실적인 이미지는 모델의 개성을 미묘하게 전달합니다.
화가가 영국 왕 찰스의 궁정에서 일하던 후기에 반 다이크가 그린 초상화는 예술적으로 덜 완벽합니다. 많은 주문을받은 주인은 이에 대처할 수 없었고 일부 세부 사항의 이미지를 조수에게 맡겼습니다. 그러나 이때에도 반 다이크는 다소 성공적인 그림을 많이 그렸습니다(Louvre portrait of Charles I, c. 1635; Three Children of Charles I, 1635).

A. 반 다이크. "찰스 1세의 세 자녀", 1635, 왕실 소장품, 윈저 성

17 세기에 유럽 회화의 중요한 장소는 사람의 마음 상태, 감정 및 감정을 보여주는 것이 목적인 친밀한 (챔버) 초상화가 차지했습니다. 이러한 유형의 초상화의 대가로 인정받는 네덜란드 예술가 렘브란트는 진심 어린 이미지를 많이 그렸습니다. "노파의 초상화"(1654), "독서하는 티투스의 아들의 초상화"(1657), "창가의 Hendrikje Stoffels"(예술가의 두 번째 아내의 초상화, c. 1659)에는 진지한 감정이 담겨 있습니다. 이 작품들은 관객에게 고귀한 조상도 재산도 없는 평범한 사람들을 보여줍니다. 그러나 초상화 장르의 역사에서 새로운 페이지를 연 렘브란트에게는 그의 모델의 친절함, 그녀의 진정한 인간적 자질을 전달하는 것이 중요했습니다.

무명 화가. Parsuna "모든 Rus의 군주 Ivan IV the Terrible", 17세기 후반.

Rembrandt의 숙달은 다양한 기질과 생생한 인간의 성격을 전달하는 대형 형식의 그룹 초상화(Night Watch, 1642; Sindics, 1662)에서도 나타납니다.
17세기 유럽에서 가장 주목할 만한 초상화가 중 한 사람은 스페인 왕과 왕비, 자녀를 나타내는 의식용 초상화뿐만 아니라 평범한 사람들의 친밀한 이미지도 많이 그린 스페인 예술가 D. Velasquez였습니다. 궁정 난쟁이의 비극적 인 이미지는 현명하고 절제되거나 비통하지만 항상 인간의 존엄성을 유지하는 시청자의 최고의 감정을 다룹니다 ( "광대 Sebastiano Mora의 초상화", ca. 1648).

초상화 장르는 18세기에 더욱 발전했습니다. 풍경과 달리 초상화는 예술가들에게 좋은 수입을 제공했습니다. 부유하고 고귀한 고객을 아첨하기 위해 의식 초상화 제작에 참여한 많은 화가는 외모의 가장 매력적인 특징을 강조하고 단점을 가리려고 노력했습니다.
그러나 가장 용감하고 재능있는 장인들은 통치자의 분노를 두려워하지 않고 사람들의 신체적, 도덕적 결점을 숨기지 않고 실제 모습을 보여주었습니다. 이런 의미에서 유명한 스페인 화가이자 그래픽 아티스트 F. Goya의 유명한 "카를로스 4 세 가족의 초상화"(1801)가 흥미 롭습니다. National School of Portraiture는 영국에서 시작되었습니다. 가장 큰 대표자는 18세기에 활동한 예술가 J. Reynolds와 T. Gainsborough입니다. 그들의 전통은 젊은 영국 거장 J. Romney, J. Hopner, J. Opie에 의해 계승되었습니다.
초상화는 프랑스 예술에서 중요한 장소를 차지했습니다. 18세기 후반의 가장 재능 있는 예술가 중 한 명인 19세기 1분기는 J.L. 고대 및 역사적 장르의 그림과 함께 많은 아름다운 초상화를 만든 David. 거장의 걸작 중에는 레카미에 부인(1800)의 비정상적으로 표현적인 이미지와 세인트 베르나르 고개(St. Bernard Pass)에 있는 나폴레옹 보나파르트의 낭만적인 초상화(1800)가 있습니다.

초상화 장르의 탁월한 대가는 J.O.D. 웅장한 색상과 우아한 선으로 구별되는 의식 초상화로 그의 이름을 영광스럽게 한 Ingres.
T. Gericault, E. Delacroix와 같은 프랑스 예술가들이 낭만적인 초상화의 좋은 예를 세상에 선보였습니다.
프랑스 현실주의자(J.F. Millet, C. Corot, G. Courbet), 인상파(E. Degas, O. Renoir), 후기 인상파(P. Cezanne, V. van Gogh)는 삶과 예술에 대한 태도를 초상화로 표현했습니다.
20세기에 등장한 모더니즘 운동의 대표자들도 초상화 장르로 눈을 돌렸습니다. 유명한 프랑스 예술가 파블로 피카소가 많은 초상화를 우리에게 남겼습니다. 이 작품에서 주인의 작품이 소위에서 어떻게 발전했는지 추적할 수 있습니다. 청색시대에서 큐비즘으로.

그의 "청색 시대"(1901-1904)에서 그는 초상화와 장르 유형을 만들어 외로움, 슬픔, 사람의 운명, 영웅의 영적 세계와 그의 적대적인 환경을 관통하는 주제를 개발합니다. 이것은 예술가의 친구 인 시인 X. Sabartes (1901, 모스크바, 푸쉬킨 박물관)의 초상화입니다.

러시아 초상화의 발전에 크게 기여한 것은 18 세기 전반의 재능있는 예술가 I.N. 심리학자의 기술로 "야외 Hetman의 초상화"(1720 년대)에서 Petrine 시대 남성의 복잡하고다면적인 이미지를 보여준 Nikitin.

XVIII 세기 후반의 그림은 F.S.와 같은 유명한 초상화 화가의 이름과 관련이 있습니다. 동시대 사람들의 많은 영적인 이미지를 만든 Rokotov (V.I. Maikov의 초상화, c. 1765), D.G. 모델의 본질의 무결성을 전달하는 아름다운 의식 및 실내 초상화의 저자 인 Levitsky (Smolny Institute 학생 초상화, c. 1773-1776), V.L. 놀랍도록 서정적인 여성 초상화가 여전히 시청자를 기쁘게하는 Borovikovsky.

Borovikovsky, Vladimir Lukich: Elena Alexandrovna Naryshkina의 초상화.

1860 ~ 1870 년대는 방랑자의 작품에서 가장 분명하게 드러난 러시아 회화에서 사실주의가 형성되는시기였습니다. 이 기간 동안 초상화 장르에서 초상화 유형은 민주적 사고를 가진 대중 사이에서 큰 성공을 거두었으며 모델은 심리적 평가를 받았을뿐만 아니라 사회에서의 그녀의 위치에서도 고려되었습니다. 그러한 작품에서 작가는 묘사된 대상의 개별적인 특징과 전형적인 특징 모두에 동일한 관심을 기울였습니다.
이러한 초상화 유형의 예는 예술가 N.N.이 1867 년에 그렸습니다. A.I의 Ge 초상화. 헤르젠. 민주주의 작가의 사진을 보면 주인이 얼마나 정확하게 외형적 닮음을 포착했는지 알 수 있다. 그러나 화가는 거기서 멈추지 않고 투쟁에서 국민의 행복을 이루기 위해 노력하는 사람의 영적 삶을 캔버스에 담았습니다. Herzen의 이미지에서 Ge는 그의 시대 최고의 사람들의 집단 유형을 보여주었습니다.

N.N. A.I의 Ge 초상화. 헤르젠

Ge의 초상화 전통은 V.G. Perov (F.M. Dostoevsky의 초상화, 1872), I.N. Kramskoy (L.N. Tolstoy의 초상화, 1873). 이 예술가들은 뛰어난 동시대 사람들의 전체 이미지 갤러리를 만들었습니다.
주목할만한 유형의 초상화는 I.E. 각 사람의 고유 한 개성을 매우 정확하게 전달한 Repin. 올바르게 눈에 띄는 제스처, 자세, 표정의 도움으로 주인은 묘사 된 것에 대한 사회적, 영적 설명을 제공합니다. 중요하고 의지가 강한 사람이 N.I의 초상화에 나타납니다. Pirogov. 여배우 P.A.를 묘사하는 그의 캔버스에서 보는 사람은 깊은 예술적 재능과 자연의 열정을 볼 수 있습니다. 스트레페토프(1882).

배우 펠라게야 안티포브나 스트레페토바(엘리자베스 역)의 초상. 1881년

글라주노프_ 일리야 레즈니크의 초상, 1999

러시아 초상화의 발전에 큰 공헌을 한 것은 A.M. Shilov ( "Academician I.L. Knunyants의 초상화", 1974; "Olya의 초상화", 1974).

오전. 실로프. "Olya의 초상화", 1974

재료 준비에 사용되는 재료