20-30년대 러시아 예술가들의 그림. 소비에트 그림 - 현대 미술의 역사
"카드 플레이어"
작가
폴 세잔
국가 프랑스
수년간의 삶 1839–1906
스타일 후기 인상주의
작가는 프랑스 남부 엑상 프로방스의 작은 마을에서 태어났지만 파리에서 그림을 그리기 시작했습니다. 수집가 Ambroise Vollard가 주최한 개인전 이후 그에게 진정한 성공이 찾아왔습니다. 떠나기 20년 전인 1886년, 그는 고향 도시 외곽으로 이사했다. 젊은 예술가들은 그에게 여행을 "Aix로의 순례"라고 불렀습니다.
130x97cm
1895년
가격
2억 5천만 달러
판매된 2012 년에
비공개 입찰에서
세잔의 작품은 이해하기 쉽습니다. 작가의 유일한 규칙은 주제 나 줄거리를 캔버스로 직접 옮기는 것이었기 때문에 그의 그림은 보는 사람을 당황하게 만들지 않습니다. Cezanne은 그의 예술에서 고전주의와 낭만주의라는 두 가지 주요 프랑스 전통을 결합했습니다. 다채로운 질감의 도움으로 그는 물체의 형태에 놀라운 유연성을 부여했습니다.
1890-1895년에 일련의 5개의 그림 "Card Players"가 작성되었습니다. 그들의 음모는 동일합니다. 여러 사람이 열정적으로 포커를하고 있습니다. 작품은 플레이어의 수와 캔버스의 크기만 다릅니다.
4점의 그림은 유럽과 미국의 박물관(Musée d'Orsay, the Metropolitan Museum of Art, the Barnes Foundation 및 Courtauld Institute of Art)에 보관되어 있으며 다섯 번째는 최근까지 개인 소장품의 장식품이었습니다. 그리스 억만장자 선주 조지 엠비리코스. 그가 죽기 직전인 2011년 겨울, 그는 그것을 매물로 내놓기로 결정했습니다. Cezanne의 "무료" 작품의 잠재적 구매자는 약 2억 2,000만 달러를 제공한 미술상 William Aquavella와 세계적으로 유명한 갤러리 소유주 Larry Gagosian이었습니다. 그 결과 이 그림은 2억5000만 달러에 아랍 카타르 왕실에 넘어갔고, 2012년 2월 회화 역사상 최대 아트 딜이 성사됐다. 이것은 언론인 Alexandra Pierce에 의해 Vanity Fair에 보고되었습니다. 그녀는 그림의 가격과 새 주인의 이름을 알게 되었고, 그 정보는 전 세계 언론에 퍼졌습니다.
2010년에는 아랍 현대 미술관과 카타르 국립 박물관이 카타르에 문을 열었습니다. 이제 그들의 컬렉션이 늘어나고 있습니다. 아마도 The Card Players의 다섯 번째 버전은 이러한 목적으로 족장에 의해 인수되었을 것입니다.
제일비싼 사진세상에
소유자
셰이크 하마드
빈 칼리파 알 타니
알타니 왕조는 130년 넘게 카타르를 통치했습니다. 약 반세기 전에 이곳에서 엄청난 양의 석유와 가스 매장량이 발견되어 즉시 카타르를 세계에서 가장 부유한 지역 중 하나로 만들었습니다. 탄화수소 수출 덕분에 이 작은 나라는 1인당 국내총생산(GDP) 1위를 기록했습니다. Sheikh Hamad bin Khalifa al-Thani는 1995년 그의 아버지가 가족의 지원을 받아 스위스에 있는 동안 권력을 장악했습니다. 전문가들에 따르면 현재 통치자의 장점은 국가 발전을위한 명확한 전략으로 국가의 성공적인 이미지를 창출하는 것입니다. 카타르에는 이제 헌법과 총리가 있으며 여성은 의회 선거에서 투표권을 얻었습니다. 그건 그렇고, Al Jazeera 뉴스 채널을 설립한 것은 카타르의 에미르였습니다. 아랍 국가 당국은 문화에 큰 관심을 기울입니다.
2
"숫자 5"
작가
잭슨 폴록
국가 미국
수년간의 삶 1912–1956
스타일 추상표현주의
잭 더 스프링클러(Jack the Sprinkler) - 이러한 별명은 미국 대중이 그의 특별한 그림 기법으로 폴록에게 부여한 것입니다. 작가는 붓과 이젤을 버리고 캔버스나 섬유판의 표면에 물감을 붓고 그 주위를 계속해서 움직인다. 어린 시절부터 그는 Jiddu Krishnamurti의 철학을 좋아했으며, 그 주요 메시지는 무료 "부어주는" 동안 진실이 드러난다는 것입니다.
122x244cm
1948년
가격
1억 4천만 달러
판매된 2006년
경매에 소더비
Pollock의 작업의 가치는 결과가 아니라 과정에 있습니다. 작가는 실수로 자신의 예술을 "액션 페인팅"이라고 부르지 않았습니다. 그의 가벼운 손놀림으로 그것은 미국의 주요 자산이 되었다. 잭슨 폴록은 페인트에 모래, 깨진 유리를 섞어 골판지, 팔레트 나이프, 칼, 삽으로 글을 썼습니다. 예술가는 1950 년대에 소련에 모방가가있을 정도로 인기가있었습니다. 그림 "숫자 5"는 세계에서 가장 이상하고 가장 비싼 그림 중 하나로 인식됩니다. 드림웍스 창업자 중 한 명인 데이비드 게펜이 개인 소장품으로 사들였고 2006년 소더비 경매에서 1억4000만 달러에 멕시코 수집가 데이비드 마르티네즈에게 팔았다. 그러나 법률 회사는 곧 고객을 대신하여 David Martinez가 그림의 소유자가 아니라는 보도 자료를 발표했습니다. 한 가지만 확실하게 알려져 있습니다. 멕시코 금융가는 실제로 최근에 현대 미술 작품을 수집했습니다. 그가 Pollock의 "Number 5"와 같은 "큰 물고기"를 놓쳤을 것 같지 않습니다.
3
"여자 III"
작가
윌렘 드 쿠닝
국가 미국
수년간의 삶 1904–1997
스타일 추상표현주의
네덜란드 태생인 그는 1926년 미국으로 이민을 갔다. 1948년 작가의 개인전이 열렸다. 미술 평론가들은 복잡하고 신경질적인 흑백 구성을 높이 평가했으며 작가를 위대한 모더니스트 예술가로 인정했습니다. 그는 평생 동안 알코올 중독에 시달렸지만 모든 작품에서 새로운 예술을 창조하는 기쁨이 느껴진다. De Kooning은 그림의 충동성, 넓은 획으로 구별되기 때문에 이미지가 캔버스의 경계에 맞지 않는 경우가 있습니다.
121x171cm
1953년
가격
1억 3,700만 달러
판매된 2006년
비공개 입찰에서
1950년대 데 쿠닝의 그림에는 텅 빈 눈, 풍만한 가슴, 추악한 이목구비를 가진 여성들이 등장한다. "Woman III"는 경매에 참여한 이 시리즈의 마지막 작품이었습니다.
1970년대부터 이 그림은 테헤란 현대미술관에 보관되어 왔지만 엄격한 도덕적 규칙이 도입된 후 제거하려고 했습니다. 1994년에 이 작품은 이란에서 반출되었고 12년 후 소유주인 David Geffen(Jackson Pollock의 "Number 5"를 판매한 동일한 제작자)이 이 그림을 백만장자 Stephen Cohen에게 1억 3,750만 달러에 팔았습니다. 1년 만에 Geffen이 자신의 그림 컬렉션을 판매하기 시작했다는 것은 흥미 롭습니다. 이것은 많은 소문을 불러일으켰습니다. 예를 들어 제작자가 Los Angeles Times를 인수하기로 결정했다는 것입니다.
예술 포럼 중 하나에서 Leonardo da Vinci "Lady with an Ermine"의 그림과 "Woman III"의 유사성에 대한 의견이 표명되었습니다. 여주인공의 함박웃음과 형체 없는 모습 뒤에 그림의 감정가는 왕족의 품위를 분별했다. 이것은 또한 여성의 머리를 덮고 있는 잘 보이지 않는 왕관에 의해 입증됩니다.
4
"아델의 초상블로흐-바우어 1세"
작가
구스타프 클림트
국가 오스트리아
수년간의 삶 1862–1918
스타일 현대의
구스타프 클림트는 조각가의 7남매 중 둘째로 태어났다. Ernest Klimt의 세 아들은 예술가가 되었고 Gustav만이 전 세계적으로 유명해졌습니다. 그는 어린 시절의 대부분을 가난 속에서 보냈다. 아버지가 돌아가신 후 그는 온 가족을 책임져야 했습니다. 이때 클림트가 자신의 스타일을 발전시켰습니다. 그의 그림 앞에서 모든 시청자는 얼어 붙습니다. 얇은 금색 선 아래에서 솔직한 에로티시즘이 분명하게 보입니다.
138x136cm
1907년
가격
1억 3,500만 달러
판매된 2006년
경매에 소더비
"오스트리아 모나리자"라고 불리는 그림의 운명은 쉽게 베스트셀러의 기초가 될 수 있습니다. 작가의 작품은 국가 전체와 한 할머니의 갈등의 원인이되었습니다.
따라서 "Adele Bloch-Bauer I의 초상화"는 Ferdinand Bloch의 아내 인 귀족을 묘사합니다. 그녀의 마지막 유언은 그림을 오스트리아 주립 미술관으로 옮기는 것이었다. 그러나 Bloch는 유언장에서 기부를 취소했고 나치는 그림을 몰수했습니다. 나중에 갤러리는 Golden Adele을 거의 사지 않았지만 상속녀 인 Ferdinand Bloch의 조카 인 Maria Altman이 나타났습니다.
2005 년에 유명한 재판 "오스트리아 공화국에 대한 마리아 알트만"이 시작되었고 그 결과 사진이 그녀와 함께 로스 앤젤레스로 "떠났습니다". 오스트리아는 전례없는 조치를 취했습니다. 대출이 협상되었고 인구가 초상화를 사기 위해 돈을 기부했습니다. 선은 결코 악을 정복하지 못했다: 알트만은 가격을 3억 달러로 올렸다. 재판 당시 79세였던 그녀는 개인의 이익을 위해 블로흐-바우어의 뜻을 바꾼 인물로 역사에 이름을 남겼다. 이 그림은 뉴욕의 New Gallery 소유주인 Ronald Lauder가 구입하여 오늘날까지 남아 있습니다. 오스트리아가 아니라 그를 위해 Altman은 가격을 1억 3500만 달러로 낮췄습니다.
5
"비명"
작가
에드바르트 뭉크
국가 노르웨이
수년간의 삶 1863–1944
스타일 표현주의
전 세계적으로 유명해진 뭉크의 첫 번째 그림인 "병든 소녀"(5부 존재)는 15세의 나이에 결핵으로 사망한 화가의 여동생에게 헌정되었습니다. 뭉크는 항상 죽음과 외로움이라는 주제에 관심을 가져왔습니다. 독일에서는 그의 묵직하고 광적인 그림이 추문을 불러일으키기까지 했다. 그러나 우울한 음모에도 불구하고 그의 그림에는 특별한 자성이 있습니다. 적어도 "비명"을 가져 가라.
73.5x91cm
1895년
가격
$119.992 백만
판매 2012년
경매에 소더비
그림의 전체 이름은 Der Schrei der Natur(독일어에서 "자연의 외침"으로 번역됨)입니다. 사람이나 외계인의 얼굴은 절망과 공황을 표현합니다. 시청자는 사진을 볼 때 동일한 감정을 경험합니다. 표현주의의 핵심 작품 중 하나는 20세기 예술에서 첨예해진 주제를 경고합니다. 한 버전에 따르면 작가는 평생 고통을 겪은 정신 장애의 영향으로 그것을 만들었습니다.
이 그림은 다른 박물관에서 두 번 도난당했지만 반환되었습니다. 도난 후 약간 손상을 입은 The Scream은 복원되어 2008년 뭉크 미술관에서 다시 전시될 준비가 되었습니다. 대중 문화의 대표자들에게 작품은 영감의 원천이되었습니다. Andy Warhol은 일련의 인쇄물 사본을 만들었고 영화 "Scream"의 마스크는 그림의 주인공의 이미지와 모양으로 만들어졌습니다.
한 줄거리에 대해 Munch는 네 가지 버전의 작품을 썼습니다. 개인 소장품 중 하나는 파스텔로 만들어졌습니다. 노르웨이의 억만장자 Petter Olsen이 2012년 5월 2일 경매에 내놓았습니다. 구매자는 "Scream"에 기록적인 금액을 아끼지 않은 Leon Black이었습니다. Apollo Advisors의 설립자 L.P. 라이온 고문, L.P. 예술에 대한 그의 사랑으로 유명합니다. Black은 Dartmouth College, 현대 미술관, Lincoln Art Center 및 Metropolitan Museum of Art의 후원자입니다. 그것은 현대 예술가들과 지난 세기의 고전 거장들의 가장 큰 그림 컬렉션을 가지고 있습니다.
6
"가슴과 녹색 잎을 배경으로 한 누드"
작가
파블로 피카소
국가 스페인, 프랑스
수년간의 삶 1881–1973
스타일 입체파
원래 그는 스페인 사람이지만 정신과 거주지에서 그는 진정한 프랑스 인입니다. 피카소는 겨우 16세 때 바르셀로나에 자신의 아트 스튜디오를 열었습니다. 그런 다음 그는 파리로 가서 인생의 대부분을 그곳에서 보냈습니다. 그렇기 때문에 그의 성에 이중 강세가 있습니다. 피카소가 창안한 스타일은 캔버스에 묘사된 물체를 한 각도에서만 볼 수 있다는 의견을 부정하는 데 기반을 두고 있습니다.
130x162cm
1932년
가격
$106.482 백만
판매된 2010 년에
경매에 크리스티
로마에서 작업하는 동안 예술가는 곧 그의 아내가 된 댄서 Olga Khokhlova를 만났습니다. 그는 방랑을 끝내고 그녀와 함께 호화로운 아파트로 이사했습니다. 그 무렵 인정은 영웅을 찾았지만 결혼 생활은 파괴되었습니다. 세계에서 가장 비싼 그림 중 하나는 거의 우연히 만들어졌습니다. 항상 피카소와 마찬가지로 수명이 짧은 큰 사랑으로 만들어졌습니다. 1927년에 그는 젊은 Marie-Therese Walter(그녀는 17세, 그는 45세)에게 관심을 갖게 되었습니다. 아내에게서 비밀리에 그는 여주인과 함께 파리 근처의 마을로 떠났고 그곳에서 다프네의 이미지로 마리 테레즈를 묘사 한 초상화를 그렸습니다. 이 그림은 뉴욕 딜러 Paul Rosenberg가 구입했으며 1951년 Sidney F. Brody에게 판매되었습니다. Brodys는 예술가가 80 세 였기 때문에 단 한 번만 그림을 세상에 선보였습니다. 남편이 사망한 후 Brody 부인은 2010년 3월 Christie's 경매에 작품을 내놓았습니다. 60년 동안 가격이 5,000배 이상 올랐습니다! 익명의 수집가가 1억 650만 달러에 구입했습니다. 2011년 영국에서 '원 페인팅 전시회'가 열렸는데, 그곳에서 두 번째로 빛을 보게 되었지만 아직 주인이 누구인지는 알 수 없다.
7
"여덟 엘비스"
작가
앤디 워홀
국가 미국
수년간의 삶 1928-1987
스타일
팝 아트
"섹스와 파티는 당신이 직접 나타나야 하는 유일한 장소입니다."라고 컬트 팝 아티스트이자 감독이자 인터뷰 매거진의 창립자 중 한 명인 디자이너 앤디 워홀이 말했습니다. 그는 Vogue 및 Harper's Bazaar와 함께 일했으며 레코드 커버를 디자인하고 I.Miller의 신발을 디자인했습니다. 1960년대에는 캠벨의 수프와 코카콜라, 프레슬리, 먼로 등 미국의 상징을 그린 그림이 등장해 그를 전설로 만들었다.
358x208cm
1963년
가격
1억 달러
판매된 2008 년에
비공개 입찰에서
워홀의 60년대 - 이른바 미국 팝아트 시대. 1962년 그는 뉴욕의 모든 보헤미아들이 모이는 맨해튼의 팩토리 스튜디오에서 일했다. 가장 밝은 대표자 : Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote 및 세계의 다른 유명한 인물. 동시에 Warhol은 하나의 이미지를 여러 번 반복하는 실크 스크린 인쇄 기술을 시도했습니다. 그는 또한 "Eight Elvises"를 만들 때이 방법을 사용했습니다. 시청자는 스타가 살아나는 영화의 프레임을 보는 것 같습니다. 작가가 그토록 사랑했던 모든 것이 여기에 있습니다. 상생의 공개 이미지, 은색, 죽음의 예감이 주요 메시지입니다.
오늘날 세계 시장에서 워홀의 작품을 홍보하는 두 명의 아트 딜러가 있습니다: 래리 가고시안(Larry Gagosian)과 알베르토 무그라비(Alberto Mugrabi). 2008년 첫 번째는 워홀의 작품 15점 이상을 구입하는 데 2억 달러를 지출했습니다. 두 번째는 그의 그림을 크리스마스 카드처럼 사고 팔지만 더 비쌉니다. 그러나 그것은 그들이 아니라 로마의 예술 감정가인 Annibale Berlinghieri가 알 수 없는 구매자에게 Warhol 기록인 1억 달러에 여덟 Elvises를 판매하는 것을 도운 겸손한 프랑스 예술 컨설턴트 Philippe Segalo였습니다.
8
"주황색,빨강 노랑"
작가
마크 로스코
국가 미국
수년간의 삶 1903–1970
스타일 추상표현주의
컬러 필드 페인팅의 제작자 중 한 명은 러시아 드빈스크(현재 라트비아 다우가프필스)에서 유대인 약사의 대가족으로 태어났습니다. 1911년에 그들은 미국으로 이민을 갔다. Rothko는 Yale University의 미술과에서 공부하고 장학금을 받았지만 반유대주의 정서로 인해 학업을 중단했습니다. 모든 것에도 불구하고 미술 평론가들은 예술가를 우상화했고 박물관은 평생 그를 쫓았습니다.
206x236cm
1961년
가격
$86.882 백만
판매된 2012 년에
경매에 크리스티
Rothko의 첫 번째 예술적 실험은 초현실주의적 지향이었지만 시간이 지남에 따라 플롯을 색 반점으로 단순화하여 객관성을 박탈했습니다. 처음에는 밝은 색상이었으며 1960년대에는 갈색, 보라색으로 채워져 예술가가 사망할 무렵에는 검은색으로 진해졌습니다. 마크 로스코는 자신의 그림에서 어떤 의미도 찾지 말라고 경고했습니다. 저자는 그가 말한 것을 정확히 말하고 싶었습니다. 공기 중에 녹는 색만 있고 그 이상은 없습니다. 그는 45cm 거리에서 작품을 볼 것을 권장하여 시청자가 깔때기처럼 색상으로 "끌어다"집니다. 주의: 모든 규칙에 따라 보는 것은 명상의 효과로 이어질 수 있습니다. 즉, 무한대에 대한 인식이 점차 다가오고 자신에 대한 완전한 몰입, 이완, 정화입니다. 그의 그림 속 색은 살아 숨 쉬고 강한 정서적 영향을 미칩니다 (때때로 치유라고합니다). 작가는 "시청자가 그들을 보며 울어야한다"고 말했는데 정말 그런 경우가 있었다. Rothko의 이론에 따르면, 이 순간 사람들은 그가 그림을 작업하는 과정에서 가졌던 것과 동일한 영적 경험을 하고 있습니다. 그러한 미묘한 수준에서 그것을 이해할 수 있었다면 이러한 추상화 작품이 종종 비평가들에 의해 아이콘과 비교된다는 사실에 놀라지 마십시오.
작품 "Orange, Red, Yellow"는 Mark Rothko 그림의 본질을 표현합니다. 뉴욕 크리스티 경매의 초기 비용은 3500만~4500만 달러다. 알 수 없는 구매자가 예상 가격의 두 배를 제시했습니다. 종종 그렇듯이 그림의 행복한 주인의 이름은 공개되지 않았습니다.
9
"삼부작"
작가
프랜시스 베이컨
국가
대 브리튼 섬
수년간의 삶 1909–1992
스타일 표현주의
위대한 철학자의 먼 후손이자 정식 이름을 딴 Francis Bacon의 모험은 그의 아버지가 아들의 동성애 성향을 받아 들일 수 없었던 그를 부인하면서 시작되었습니다. 베이컨은 먼저 베를린으로, 그다음에는 파리로 갔고, 그 후 그의 흔적은 유럽 전역에서 혼란스러워집니다. 생전에 그의 작품은 구겐하임 미술관과 트레차코프 갤러리를 비롯한 세계 유수의 문화 센터에 전시되었습니다.
147.5x198cm(각각)
1976년
가격
8,620만 달러
판매된 2008 년에
경매에 소더비
명망 있는 박물관들은 베이컨의 그림을 소장하기 위해 노력했지만, 원시 영국 대중은 그러한 예술을 위해 서두르지 않았습니다. 전설적인 영국 총리 마거릿 대처는 그에 대해 "이 끔찍한 그림을 그린 사람"이라고 말했습니다.
그의 작업의 시작 기간은 작가 자신이 전후 기간을 고려했습니다. 서비스에서 돌아온 그는 다시 그림을 그리고 주요 걸작을 만들었습니다. 1976년 삼부작이 경매에 나오기 전 베이컨의 최고가 작품은 '교황 이노첸시오 10세의 초상 연구'(5270만 달러)였다. "Triptych, 1976"에서 예술가는 분노에 의한 Orestes 박해의 신화적인 음모를 묘사했습니다. 물론 Orestes는 Bacon 그 자체이고 분노는 그의 고통입니다. 30년 넘게 이 그림은 개인 소장품이었고 전시회에 참가하지 않았습니다. 이 사실은 그것에 특별한 가치를 부여하고 그에 따라 비용을 증가시킵니다. 그러나 예술 감정가에게 수백만 달러는 얼마이며 러시아어로도 관대합니까? Roman Abramovich는 1990 년대에 그의 컬렉션을 만들기 시작했으며, 여기에서 그는 현대 러시아에서 세련된 갤러리 소유자가 된 그의 여자 친구 Dasha Zhukova의 영향을 크게 받았습니다. 비공식 데이터에 따르면 사업가는 Alberto Giacometti와 Pablo Picasso의 작품을 소유하고 있으며 1억 달러가 넘는 금액에 구입했습니다. 2008년에 그는 Triptych의 소유자가 되었습니다. 그건 그렇고, 2011 년에 Bacon의 또 다른 귀중한 작품 인 "Lucian Freud의 초상화를위한 세 가지 스케치"가 인수되었습니다. 숨겨진 소식통에 따르면 Roman Arkadievich가 다시 구매자가되었습니다.
10
"수련이 있는 연못"
작가
클로드 모네
국가 프랑스
수년간의 삶 1840–1926
스타일 인상주의
작가는 그의 캔버스에서이 방법을 "특허"한 인상주의의 창시자로 인정 받고 있습니다. 첫 번째 중요한 작업은 "Breakfast on the Grass"(Edouard Manet 작품의 원본) 그림이었습니다. 젊었을 때 그는 캐리커처를 그렸고 해안과 야외에서 여행하는 동안 실제 그림을 그렸습니다. 파리에서 그는 보헤미안 라이프 스타일을 이끌었고 군 복무 후에도 떠나지 않았습니다.
210x100cm
1919년
가격
8,050만 달러
판매된 2008 년에
경매에 크리스티
모네는 위대한 예술가라는 사실 외에도 정원 가꾸기에 열정적이었고 야생 동물과 꽃을 좋아했습니다. 그의 풍경에서 자연의 상태는 순간적이며 사물은 공기의 움직임에 의해 흐려지는 것처럼 보인다. 인상은 큰 스트로크로 향상되며 특정 거리에서 보이지 않게되고 질감이있는 3 차원 이미지로 병합됩니다. 후기 모네의 그림에서 물과 그 안의 생명이라는 주제가 특별한 장소를 차지합니다. 지베르니 마을에서 작가는 자신의 연못이 있었는데 그곳에서 특별히 일본에서 가져온 씨앗에서 수련을 키 웠습니다. 꽃이 피었을 때 그는 그림을 그리기 시작했습니다. 수련 시리즈는 작가가 죽을 때까지 거의 30년에 걸쳐 그린 60점의 작품으로 구성되어 있다. 그의 시력은 나이가 들면서 악화되었지만 멈추지 않았습니다. 바람, 계절, 날씨에 따라 연못의 풍경은 끊임없이 변했고, 모네는 이러한 변화를 포착하고 싶었습니다. 세심한 작업을 통해 자연의 본질에 대한 이해가 그에게 왔습니다. 이 시리즈의 그림 중 일부는 국립서양미술관(도쿄), 오랑제리(파리)와 같은 세계 최고의 갤러리에 보관되어 있습니다. 다음 "수련이있는 연못"의 버전은 기록적인 금액으로 알려지지 않은 구매자의 손에 들어갔습니다.
11
거짓 별 티
작가
재스퍼 존스
국가 미국
생년월일 1930
스타일 팝 아트
1949년 Jones는 뉴욕의 디자인 학교에 입학했습니다. Jackson Pollock, Willem de Kooning 등과 함께 그는 20세기의 주요 예술가 중 한 명으로 인정받고 있습니다. 2012년에는 미국에서 민간인에게 주어지는 최고의 상인 대통령 자유 메달을 받았습니다.
137.2x170.8cm
1959년
가격
8천만 달러
판매된 2006년
비공개 입찰에서
Marcel Duchamp와 마찬가지로 Jones는 실제 물체로 작업하여 원본과 완전히 일치하는 캔버스와 조각으로 묘사했습니다. 그의 작품에서 그는 맥주병, 깃발 또는 지도와 같이 모든 사람이 간단하고 이해하기 쉬운 물건을 사용했습니다. False Start 그림에는 명확한 구도가 없습니다. 작가는 종종 그림의 색상에 "잘못" 서명하여 색상의 개념을 뒤집는 시청자와 놀고 있는 것 같습니다. 방법." 비평가들에 따르면 그의 가장 폭발적이고 "불안"한 그림은 알려지지 않은 구매자가 인수했습니다.
12
"앉아적나라한소파에서"
작가
아메데오 모딜리아니
국가 이탈리아, 프랑스
수년간의 삶 1884–1920
스타일 표현주의
Modigliani는 어린 시절부터 종종 아팠고 열이 나는 섬망 동안 그는 예술가로서의 운명을 인식했습니다. 그는 리보르노, 피렌체, 베니스에서 그림을 공부했고 1906년 파리로 떠났고 그곳에서 그의 예술은 꽃을 피웠다.
65x100cm
1917년
가격
689억 6200만 달러
판매된 2010 년에
경매에 소더비
1917년 모딜리아니는 그의 모델이자 나중에 그의 아내가 된 19세의 잔느 에뷔테른을 만났습니다. 2004년 그녀의 초상화 중 하나는 3,130만 달러에 팔렸는데, 이는 2010년 소파에 앉은 누드가 판매되기 전 마지막 기록이었습니다. 이 그림은 알려지지 않은 구매자가 현재 Modigliani의 최대 가격으로 구입했습니다. 활발한 작품 판매는 작가의 죽음 이후에만 시작되었습니다. 그는 결핵을 앓으며 가난하게 세상을 떠났고, 다음날 임신 9개월이던 잔느 에뷔테른도 자살했다.
13
"소나무 위의 독수리"
작가
치백석
국가 중국
수년간의 삶 1864–1957
스타일 궈화
서예에 대한 관심으로 Qi Baishi는 그림을 그렸습니다. 28세에 화가 후칭위안(胡靑元)의 제자가 되었다. 중국 문화부는 그에게 "중국 인민의 위대한 예술가"라는 칭호를 수여했으며 1956년에는 국제 평화상을 받았습니다.
10x26cm
1946년
가격
6,540만 달러
판매된 2011 년에
경매에 차이나 가디언
Qi Baishi는 많은 사람들이 중요하지 않은 주변 세계의 표현에 관심이 있었으며 이것이 그의 위대함입니다. 교육을 받지 못한 사람이 교수가 되었고 역사상 뛰어난 창조자가 되었습니다. Pablo Picasso는 그에 대해 "중국에 Qi Baishi가 있기 때문에 당신의 나라에 가기가 두렵습니다. "라고 말했습니다. "소나무 위의 독수리"라는 작곡은 작가의 가장 큰 작품으로 인정 받고 있습니다. 캔버스 외에도 두 개의 상형 문자 두루마리가 포함되어 있습니다. 중국의 경우 제품 구매 금액은 4억 2,550만 위안으로 기록적입니다. 고대 서예가인 Huang Tingjian의 두루마리만 4억 3,680만 달러에 팔렸습니다.
14
"1949-A-#1"
작가
클리포드 스틸
국가 미국
수년간의 삶 1904–1980
스타일 추상표현주의
20세 때 뉴욕 메트로폴리탄 미술관을 찾았다가 실망했다. 나중에 그는 학생 예술 리그 과정에 등록했지만 수업 시작 45 분 후에 떠났습니다. "그의 것이 아닌"것으로 판명되었습니다. 첫 번째 개인전은 공명을 일으켰고 작가는 자신을 발견했으며 그와 함께 인식
79x93cm
1949년
가격
6,170만 달러
판매된 2011 년에
경매에 소더비
800점이 넘는 캔버스와 1600점이 넘는 종이 작업인 그의 모든 작품은 여전히 그의 이름을 딴 박물관이 열릴 미국 도시에 유증됩니다. 덴버는 그런 도시가 되었지만, 건축비만 당국에 비쌌고, 그것을 완성하기 위해 4개의 작품이 경매에 부쳐졌다. 스틸의 작품은 다시는 경매에 나올 가능성이 낮아 사전에 가격을 올렸다. 전문가들은 최대 2,500만~3,500만 달러의 판매를 예상했지만, 그림 "1949-A-No.1"은 아티스트에게 기록적인 금액으로 판매되었습니다.
15
"슈프레마티스트 구성"
작가
카지미르 말레비치
국가 러시아
수년간의 삶 1878–1935
스타일 절대주의
Malevich는 Kyiv Art School에서 그림을 공부한 다음 Moscow Academy of Arts에서 공부했습니다. 1913년에 그는 Suprematism(라틴어 "dominance"에서 유래)이라고 부르는 스타일로 추상적인 기하학적 그림을 그리기 시작했습니다.
71x88.5cm
1916년
가격
6천만 달러
판매된 2008 년에
경매에 소더비
이 그림은 약 50년 동안 암스테르담 시립 박물관에 보관되었지만 말레비치의 친척들과 17년 간의 분쟁 끝에 박물관에서 이 그림을 포기했습니다. 작가가 이 작품을 절대주의 선언과 같은 해에 그렸기 때문에 소더비는 경매 전부터 6000만 달러 이하로는 개인 소장에 들어가지 않겠다고 발표했다. 그래서 일어났습니다. 위에서 보는 것이 좋습니다. 캔버스의 그림은 지구의 조감도와 비슷합니다. 그건 그렇고, 몇 년 전에 같은 친척이 필립스에서 1,700만 달러에 팔기 위해 MoMA 박물관에서 또 다른 "슈프레마티스트 작품"을 몰수했습니다.
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"목욕자들"
작가
폴 고갱
국가 프랑스
수년간의 삶 1848–1903
스타일 후기 인상주의
7세까지 페루에 살다가 가족과 함께 프랑스로 돌아갔지만 어린 시절의 추억은 끊임없이 그를 여행으로 몰아갔다. 프랑스에서 그는 그림을 그리기 시작했고 반 고흐와 친구였습니다. 그는 반 고흐가 다투는 동안 귀를 잘릴 때까지 Arles에서 그와 몇 달을 보냈습니다.
93.4x60.4cm
1902년
가격
5,500만 달러
판매된 2005년
경매에 소더비
1891년 고갱은 그 수익금을 타히티 섬 깊숙이 파고드는 데 사용하기 위해 자신의 그림 판매를 주선했습니다. 그곳에서 그는 자연과 인간의 미묘한 연결을 느낄 수 있는 작품을 만들었습니다. 고갱은 초가집에서 살았고 그의 캔버스에는 열대 낙원이 피어났습니다. 그의 아내는 13세의 타히티인 테후라로 예술가가 난잡한 관계를 맺는 것을 막지 못했습니다. 매독에 걸린 그는 프랑스로 떠났다. 그러나 그곳에서 고갱은 비좁아 타히티로 돌아갔다. 이 기간을 "두 번째 타히티"라고합니다. 그때 그의 작품에서 가장 호화로운 그림 중 하나 인 "Bathers"가 그려졌습니다.
17
"파란색과 분홍색의 수선화와 식탁보"
작가
앙리 마티스
국가 프랑스
수년간의 삶 1869–1954
스타일 야수파
1889년 앙리 마티스는 맹장염에 걸렸다. 그가 수술에서 회복되었을 때 그의 어머니는 그에게 페인트를 사주었다. 첫째, 지루함에서 Matisse는 컬러 엽서를 복사 한 다음 루브르 박물관에서 본 위대한 화가의 작품을 복사했으며 20 세기 초에 그는 야수파라는 스타일을 생각해 냈습니다.
65.2x81cm
1911년
가격
4,640만 달러
판매된 2009 년에
경매에 크리스티
그림 "수선화와 파란색과 분홍색의 식탁보"는 오랫동안 Yves Saint Laurent의 소유였습니다. 꾸뛰리에가 사망한 후 그의 전체 미술 컬렉션은 크리스티 경매에 내놓기로 결정한 그의 친구이자 연인인 피에르 베르제(Pierre Berger)의 손에 넘어갔습니다. 판매 된 컬렉션의 진주는 캔버스 대신 일반 식탁보에 그려진 그림 "파란색과 분홍색의 수선화와 식탁보"였습니다. Fauvism의 예로서 색채의 에너지로 가득 차서 색채가 폭발하고 비명을 지르는 것처럼 보입니다. 잘 알려진 식탁보 그림 시리즈 중에서 오늘날 이 작품은 개인 소장품에 있는 유일한 작품입니다.
18
"잠자는 소녀"
작가
로이이씨
첸슈타인
국가 미국
수년간의 삶 1923–1997
스타일 팝 아트
작가는 뉴욕에서 태어나 학교를 졸업한 후 오하이오로 가서 미술 과정을 다녔다. 1949년에 리히텐슈타인은 미술 석사 학위를 받았습니다. 만화에 대한 관심과 아이러니한 능력은 그를 지난 세기의 컬트 아티스트로 만들었습니다.
91x91cm
1964년
가격
448억 8200만 달러
판매된 2012 년에
경매에 소더비
한때 껌이 리히텐슈타인의 손에 떨어졌습니다. 그는 캔버스에 삽입된 그림을 다시 그려 유명해졌습니다. 그의 전기의 이 줄거리에는 팝 아트의 전체 메시지가 포함되어 있습니다. 소비는 새로운 신이며 모나리자보다 껌 포장지에 아름다움이 적지 않습니다. 그의 그림은 만화와 만화를 연상시킵니다. Lichtenstein은 완성 된 이미지를 단순히 확대하고 래스터를 그렸고 스크린 인쇄와 실크 스크린 인쇄를 사용했습니다. 그림 "Sleeping Girl"은 거의 50년 동안 수집가인 Beatrice와 Philip Gersh의 소유였으며 그의 상속인은 경매에서 그것을 팔았습니다.
19
"승리. 부기 우기"
작가
피에트 몬드리안
국가 네덜란드
수년간의 삶 1872–1944
스타일 신조형주의
그의 본명은 코르넬리스(Cornelis)이며 1912년 파리로 이주하면서 예술가는 몬드리안으로 바뀌었다. 예술가 Theo van Doesburg와 함께 그는 종양학 운동을 창시했습니다. Piet 프로그래밍 언어는 Mondrian의 이름을 따서 명명되었습니다.
27x127cm
1944년
가격
4천만 달러
판매된 1998년
경매에 소더비
20세기의 가장 "음악적인" 예술가는 신생물 예술가로 유명해졌지만 수채화 정물화로 생계를 꾸렸습니다. 그는 1940년대에 미국으로 건너가 여생을 그곳에서 보냈다. 재즈와 뉴욕 - 그것이 그에게 가장 큰 영감을 준 것입니다! 회화 "승리. 부기우기가 가장 좋은 예입니다. 몬드리안이 가장 좋아하는 재료인 접착 테이프를 사용하여 "브랜드"가 있는 깔끔한 사각형을 얻었습니다. 미국에서 그는 "가장 유명한 이민자"라고 불렸다. 60년대에 Yves Saint Laurent는 대형 컬러 체크 프린트가 있는 세계적으로 유명한 "Mondrian" 드레스를 생산했습니다.
20
"구성 번호 5"
작가
바질칸딘스키
국가 러시아
수년간의 삶 1866–1944
스타일 아방가르드
예술가는 모스크바에서 태어 났고 그의 아버지는 시베리아 출신이었습니다. 혁명 후 그는 소련 당국과 협력하려했지만 곧 프롤레타리아트의 법이 그를 위해 만들어지지 않았다는 것을 깨달았고 어려움없이 독일로 이주했습니다.
275x190cm
1911년
가격
4천만 달러
판매된 2007 년에
경매에 소더비
칸딘스키는 처음으로 오브제 페인팅을 완전히 포기한 사람 중 한 명으로 천재라는 칭호를 받았습니다. 독일의 나치즘 기간 동안 그의 그림은 "타락한 예술"로 분류되어 어디에도 전시되지 않았습니다. 1939년 칸딘스키는 프랑스 시민권을 취득했고 파리에서 예술 과정에 자유롭게 참여했습니다. 그의 그림은 푸가처럼 "소리"가 나기 때문에 많은 작품이 "작곡"이라고 불립니다(첫 번째는 1910년에, 마지막은 1939년에 작성됨). “작곡 5번”은 이 장르의 핵심 작품 중 하나다. 많은 추종자들과 달리 그는 마치 노트를 쓰듯 거대한 캔버스에 무엇을 그릴지 계획했다.
21
"푸른 옷을 입은 여인의 연구"
작가
페르낭 레제
국가 프랑스
수년간의 삶 1881–1955
스타일 입체파-후기 인상주의
Leger는 건축 교육을 받은 후 파리 미술 학교에서 학생이었습니다. 작가는 자신을 세잔의 추종자로 여겼고 입체파의 옹호자였으며 20세기에는 조각가로도 성공했습니다.
96.5x129.5cm
1912년–1913년
가격
3,920만 달러
판매된 2008 년에
경매에 소더비
Sotheby's International Impressionism and Modernism의 회장인 David Normann은 The Lady in Blue에 지불된 막대한 금액이 전적으로 정당하다고 믿습니다. 이 그림은 유명한 Leger 컬렉션에 속하며 (작가는 한 줄거리에 세 개의 그림을 그렸고 그중 마지막 그림은 오늘날 개인 손에 있습니다. -Ed.) 캔버스 표면은 원래 형태로 보존되었습니다. 저자 자신이 이 작품을 Der Sturm 갤러리에 제공한 후 독일 모더니즘 수집가인 Hermann Lang의 컬렉션에 포함되었으며 현재는 알 수 없는 구매자의 소유입니다.
22
"거리 풍경. 베를린"
작가
에른스트 루트비히키르츠너
국가 독일
수년간의 삶 1880–1938
스타일 표현주의
독일 표현주의의 경우 키르히너는 획기적인 인물이 되었습니다. 그러나 지방 당국은 그가 1938년에 자살한 그의 그림의 운명과 예술가의 삶에 비극적인 영향을 미친 "타락한 예술"을 고수했다고 비난했습니다.
95x121cm
1913년
가격
380억 9600만 달러
판매된 2006년
경매에 크리스티
베를린으로 이사한 후 Kirchner는 거리 장면에 대한 11개의 스케치를 만들었습니다. 그는 대도시의 번잡함과 긴장감에서 영감을 받았습니다. 2006년 뉴욕에서 판매된 이 그림에서 작가의 불안은 특히 심각합니다. 베를린 거리의 사람들은 우아하고 위험한 새와 비슷합니다. 그녀는 유명한 시리즈의 마지막 작품으로 경매에서 판매되었으며 나머지는 박물관에 보관됩니다. 1937년 나치는 키르츠너를 잔인하게 대했습니다. 그의 작품 중 639점이 독일 갤러리에서 압수되어 파괴되거나 해외로 팔렸습니다. 예술가는 살아남을 수 없었습니다.
23
"휴식춤추는 사람"
작가
에드가 드가
국가 프랑스
수년간의 삶 1834–1917
스타일 인상주의
예술가로서의 Degas의 역사는 그가 루브르 박물관에서 필사자로 일했다는 사실에서 시작되었습니다. 그는 "유명하고 알려지지 않은"사람이되는 꿈을 꾸었고 결국 성공했습니다. 80세의 드가는 귀머거리와 맹인으로 생을 마칠 때까지 계속해서 전시회와 경매에 참석했습니다.
64x59cm
1879년
가격
$37.043 백만
판매된 2008 년에
경매에 소더비
"발레리나는 항상 제게 천을 묘사하고 움직임을 포착하기 위한 핑계일 뿐입니다." 드가가 말했습니다. 댄서들의 삶의 장면이 엿보이는 것 같습니다. 소녀들은 예술가를 위해 포즈를 취하지 않고 단순히 Degas의 시선에 잡힌 분위기의 일부가됩니다. Resting Dancer는 1999년에 2,800만 달러에 팔렸고 10년이 채 지나지 않아 3,700만 달러에 팔렸습니다. 오늘날 이 작품은 경매에 나온 예술가의 가장 비싼 작품입니다. Degas는 프레임에 많은 관심을 기울였으며 직접 디자인했으며 변경을 금지했습니다. 판매된 그림에 어떤 액자가 설치되어 있는지 궁금합니다.
24
"그림"
작가
후안 미로
국가 스페인
수년간의 삶 1893–1983
스타일 추상 미술
스페인 내전 동안 예술가는 공화당 편에 섰습니다. 1937년에 그는 파시스트 세력을 피해 파리로 도망쳐 가족과 함께 가난하게 살았습니다. 이 기간 동안 Miro는 "Help Spain! "이라는 그림을 그려 파시즘의 지배에 전 세계의 관심을 끌고 있습니다.
89x115cm
1927년
가격
$36,824,000,000
판매된 2012 년에
경매에 소더비
그림의 두 번째 이름은 "Blue Star"입니다. 작가는 같은 해에 "그림을 죽이고 싶다"고 발표하면서 캔버스를 무자비하게 조롱하고 손톱으로 페인트를 긁고 깃털을 캔버스에 붙이고 작품을 쓰레기로 덮었습니다. 그의 목표는 그림의 신비에 대한 신화를 폭로하는 것이었지만 이에 대처하여 Miro는 초현실적 인 추상화라는 자신의 신화를 만들었습니다. 그의 "회화"는 "그림-꿈"의 순환을 의미합니다. 4명의 구매자가 경매에서 그것을 놓고 싸웠지만, 익명의 전화 한 통으로 분쟁이 해결되었고 "그림"은 예술가의 가장 비싼 그림이 되었습니다.
25
"파란 장미"
작가
이브 클라인
국가 프랑스
수년간의 삶 1928–1962
스타일 흑백 그림
작가는 화가의 가족에서 태어 났지만 동양 언어, 항해, 액자 금 공예, 선불교 등을 공부했습니다. 그의 성격과 뻔뻔스러운 익살은 흑백 그림보다 몇 배 더 흥미로웠다.
153x199x16cm
1960년
가격
367억 7900만 달러
2012년에 판매
크리스티 경매에서
단색의 노란색, 주황색, 분홍색 작품의 첫 전시는 대중의 관심을 불러일으키지 못했습니다. Klein은 기분이 상했고 다음에 그는 특수 합성 수지와 혼합된 군청색으로 칠해진 11개의 동일한 캔버스를 제시했습니다. 그는 심지어 이 방법에 대한 특허까지 받았습니다. 색상은 "International Klein Blue"로 역사상 기록되었습니다. 작가는 또한 공허함을 팔고 종이를 비에 노출시키고 판지에 불을 지르고 캔버스에 인체를 인쇄하여 그림을 만들었습니다. 한마디로 최선을 다해 실험했습니다. "Blue Rose"를 만들기 위해 마른 안료, 수지, 자갈 및 천연 스폰지를 사용했습니다.
26
"모세를 찾습니다"
작가
로렌스 알마 타데마 경
국가 대 브리튼 섬
수년간의 삶 1836–1912
스타일 신고전주의
로렌스 경은 자신의 성에 접두사 "alma"를 추가하여 예술 카탈로그에 첫 번째로 등장했습니다. 빅토리아 시대 영국에서 그의 그림은 수요가 너무 많아서 예술가가 기사 작위를 받았습니다.
213.4x136.7cm
1902년
가격
$35.922 백만
판매된 2011 년에
경매에 소더비
Alma-Tadema 작업의 주요 주제는 고대였습니다. 그림에서 그는 로마 제국의 시대를 아주 자세하게 묘사하려고 노력했습니다. 이를 위해 그는 아펜 니노 반도에서 고고학 발굴에도 참여했으며 그의 런던 집에서는 그 시대의 역사적인 내부를 재현했습니다. 신화 이야기는 그에게 또 다른 영감의 원천이 되었습니다. 작가는 생전에 큰 수요가 있었지만 사망 후 빠르게 잊혀졌습니다. 이제 사전 판매 추정치보다 7 배 높은 그림 "In Search of Moses"의 비용에서 알 수 있듯이 관심이 되살아나고 있습니다.
27
"잠자고 있는 벌거벗은 관료의 초상"
작가
루시안 프로이트
국가 독일,
대 브리튼 섬
수년간의 삶 1922–2011
스타일 구상화
화가는 정신분석학의 아버지 지그문트 프로이트의 손자다. 독일에서 파시즘이 확립된 후 그의 가족은 영국으로 이주했습니다. 프로이트의 작품은 이전에 어떤 현대 미술가도 전시한 적이 없는 런던의 월리스 컬렉션에 있습니다.
219.1x151.4cm
1995년
가격
3,360만 달러
판매된 2008 년에
경매에 크리스티
20세기의 패셔너블한 예술가들이 긍정적인 "벽의 색 반점"을 만들어 수백만 달러에 팔았지만, 프로이트는 극도로 자연주의적인 그림을 그렸고 그 이상으로 팔았습니다. “나는 영혼의 울부짖음과 시들어가는 육신의 고통을 포착합니다.”라고 그는 말했습니다. 비평가들은 이 모든 것이 지그문트 프로이트의 "유산"이라고 믿습니다. 그림이 너무 활발하게 전시되고 성공적으로 판매되어 전문가들은 의심했습니다. 최면 속성이 있습니까? Sun에 따르면 경매에서 판매 된 "잠자는 알몸 관리의 초상화"는 아름다움 감정가이자 억만 장자 Roman Abramovich가 인수했습니다.
28
"바이올린과 기타"
작가
엑스하나의 그리스
국가 스페인
수년간의 삶 1887–1927
스타일 입체파
마드리드에서 태어나 미술 공예 학교를 졸업했습니다. 1906 년에 그는 파리로 이주하여 당대 가장 영향력있는 예술가 인 Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Leger와 함께 Sergei Diaghilev 및 그의 극단과 함께 일했습니다.
5x100cm
1913년
가격
$28.642 백만
판매된 2010 년에
경매에 크리스티
Gris는 자신의 말로 "평면의 유색 건축"에 종사했습니다. 그의 그림은 정확하게 생각됩니다. 그는 기하학과 관련된 창의성을 만드는 우연한 획을 한 번도 남기지 않았습니다. 예술가는 운동의 창시자 인 Pablo Picasso를 크게 존경했지만 자신 만의 입체파 버전을 만들었습니다. 후계자는 그의 첫 번째 입체파 작품인 피카소에 대한 찬사를 그에게 바치기까지 했습니다. 그림 "바이올린과 기타"는 작가의 작품에서 뛰어난 것으로 인정 받고 있습니다. 그의 생애 동안 Gris는 비평가와 미술 평론가가 선호하는 것으로 알려졌습니다. 그의 작품은 세계 최대의 박물관에 전시되어 있으며 개인 소장품으로 소장되어 있습니다.
29
"초상화엘뤼아르의 들판»
작가
살바도르 달리
국가 스페인
수년간의 삶 1904–1989
스타일 초현실주의
“초현실주의는 나야.” 달리가 초현실주의 그룹에서 추방되었을 때 한 말이다. 시간이 흐르면서 그는 가장 유명한 초현실주의 예술가가 되었습니다. 달리의 작품은 갤러리뿐만 아니라 어디에나 있습니다. 예를 들어 Chupa-Chups의 포장을 생각해 낸 사람은 바로 그 사람이었습니다.
25x33cm
1929년
가격
2,060만 달러
판매된 2011 년에
경매에 소더비
1929년 시인 폴 엘뤼아르(Paul Eluard)와 그의 러시아인 아내 갈라(Gala)는 위대한 선동가이자 투사인 달리(Dali)를 방문했습니다. 그 만남은 반세기가 넘는 사랑 이야기의 시작이었다. 그림 "Paul Eluard의 초상화"는 이 역사적인 방문 기간 동안에 그렸습니다. "나는 올림푸스에서 뮤즈 중 하나를 훔친 시인의 얼굴을 포착해야 할 의무가 있다고 느꼈습니다. "라고 작가는 말했습니다. 갈라를 만나기 전에는 처녀였고 여자와 성관계를 갖는다는 생각에 혐오스러웠다. 사랑의 삼각 관계는 Eluard가 죽을 때까지 존재했으며 그 후 Dali-Gala 듀엣이되었습니다.
30
"기념일"
작가
마크 샤갈
국가 러시아, 프랑스
수년간의 삶 1887–1985
스타일 아방가르드
Moishe Segal은 비테프스크에서 태어났지만 1910년 파리로 이주하여 이름을 바꾸고 당대의 주요 아방가르드 예술가들과 가까워졌습니다. 1930년대 나치가 집권하자 미국 영사의 도움을 받아 미국으로 떠났다. 그는 1948년에야 프랑스로 돌아왔다.
80x103cm
1923년
가격
1,485만 달러
1990년에 판매
소더비 경매에서
그림 "Jubilee"은 작가의 최고의 작품 중 하나로 인정 받고 있습니다. 그것은 그의 작품의 모든 특징을 가지고 있습니다. 세상의 물리적 법칙이 지워지고 소부르주아 생활의 풍경에 동화의 느낌이 보존되며 사랑이 줄거리의 중심에 있습니다. 샤갈은 자연에서 사람을 그린 것이 아니라 기억이나 환상에서 사람을 그렸습니다. 그림 "Jubilee"은 예술가 자신과 그의 아내 Bela를 묘사합니다. 이 그림은 1990년에 팔렸고 그 이후로 입찰되지 않았습니다. 흥미롭게도 뉴욕 현대 미술관 MoMA는 "생일"이라는 이름으로만 정확히 동일하게 유지합니다. 그건 그렇고, 그것은 1915 년에 더 일찍 작성되었습니다.
초안 준비
타티아나 팔라소바
집계된 평가
www.art-spb.ru 목록에 따르면
tmn 매거진 13호
(2013년 5월~6월)
XX 세기의 1930 년대부터. 러시아의 공식 예술은 사회주의 리얼리즘에 따라 발전했습니다. 다양한 예술적 스타일이 끝났습니다.
소비에트 미술의 새로운 시대는 엄격한 이데올로기적 통제와 선전 요소로 특징지어졌다.
1934년 제1회 소련 작가 전 연합 대회에서 막심 고리키는 사회주의 리얼리즘의 기본 원칙을 소비에트 문학과 예술의 방법으로 정식화했습니다.
국적.
관념론.
구체성.
사회주의 리얼리즘의 원칙은 선언되었을뿐만 아니라 국가의 지원도 받았습니다. 정부 명령, 예술가를위한 창의적인 출장, 주제별 및 기념일 전시회, 기념비적 예술을 독립으로 부활시키기 때문입니다. 그것은 "사회주의 사회의 발전에 대한 웅대한 전망"을 반영했습니다.
이 기간의 이젤 그림의 가장 중요한 대표자는 Boris Ioganson, Sergei Gerasimov, Arkady Plastov, Alexander Deineka, Yuri Pimenov, Nikolai Krymov, Arkady Rylov, Pyotr Konchalovsky, Igor Grabar, Mikhail Nesterov, Pavel Korin 등이었습니다. 일부 아티스트에게 기사.
보리스 블라디미로비치 요간손(1893-1973)
B. Ioganson. 자화상
회화에서 사회주의 리얼리즘의 대표적인 대표자 중 한 사람. 그는 19 세기 러시아 회화의 전통에서 일했지만 그의 작품에 "시대에 맞는 새로운 혁명적 내용"을 도입했습니다.
그는 또한 회화 교사, 1951-1954 년 State Tretyakov Gallery의 감독, 소련 예술가 연합의 첫 번째 비서, 백과 사전 "Art of the Countries and Peoples of the World"의 편집장이었습니다. 많은 국가 상과 타이틀을 가졌습니다.
그의 그림 중 특히 유명한 두 작품은 "공산주의자 심문"과 "오래된 우랄 공장에서"(1937)입니다.
B. Ioganson "공산주의자 심문"(1933). 캔버스, 유채. 211 x 279 cm State Tretyakov Gallery (모스크바)
이 경우 그림 생성의 역사는 그 아이디어를 이해하는 데 필요합니다. “저는 개인적으로 화해할 수 없는 계급 모순을 그림으로 표현하고 싶은 욕망에 의해 계급을 병치한다는 생각에 쫓겼습니다.
White Guard는 역사상 특별한 파생물이며, 옛 장교의 잔재, 군복을 입은 수익자, 노골적인 산적, 전쟁의 약탈자가 뒤섞인 폭도입니다. 사회주의 조국과 노동인민의 이데올로기적 지도자이자 옹호자였던 우리의 군사위원, 공산주의자들은 이 패거리와 얼마나 현저한 대조를 이뤘습니까? 이 대비를 표현하고 비교하는 것이 나의 창의적인 작업이었습니다.”(B. Ioganson)
한 백위대 장교가 보는 사람을 등지고 금박을 입힌 의자에 앉아 있습니다. 나머지 백인 장교들이 마주하고 있습니다. 극적 효과를 높이기 위해 작가는 인공 야간 조명을 제공합니다. 에스코트의 모습은 왼쪽 모서리의 어두운 상단 가장자리에 배치되며 거의 눈에 띄지 않는 실루엣입니다. 오른쪽 구석에는 커튼이 달린 창문이 있고, 추가로 야간 조명이 쏟아집니다.
공산주의자들은 백인들에 비해 높은 위치에 있는 것 같습니다.
공산주의자는 소녀이자 노동자입니다. 그들은 근처에 서서 침착하게 적의 얼굴을 들여다보고 내면의 흥분을 숨 깁니다. 젊은 공산주의자들은 새로운 유형의 소비에트 국민을 상징합니다.
세르게이 바실리예비치 게라시모프(1885-1964)
S. Gerasimov. 자화상 (1923). 캔버스, 유채. 88 x 66 cm Kharkov Art Museum (Kharkov, 우크라이나)
러시아 인상주의를 대표하는 러시아 예술가는 특히 그의 풍경에서 나타납니다. 그는 또한 많은 표준 사회주의 사실주의 그림을 만들었습니다.
S. Gerasimov“봄. 3월". 캔버스, 오일
역사 장르에서 그의 가장 유명한 작품은 The Oath of the Siberian Partisans입니다.
S. Gerasimov "시베리아 당파의 맹세"(1933). 캔버스, 유채. 173 x 257 cm 국립 러시아 박물관(Petersburg)
그림은 내용이 심각하지만 표현력과 표현력이 풍부합니다. 그것은 명확한 구성과 이데올로기 적 지향성을 가지고 있습니다.
S. Gerasimov "Collective Farm Holiday"(1937)의 장르 그림은 XX 세기 30 년대 소련 예술의 가장 중요한 작품 중 하나로 간주됩니다.
S. Gerasimov "집단 농장 휴가"(1937). 캔버스, 유채. 234 x 372 cm State Tretyakov Gallery (모스크바)
전쟁에 관한 가장 유명한 그림 중 하나는 S. Gerasimov "Mother of a Partisan"의 그림이었습니다.
S. Gerasimov "당파의 어머니"(1943-1950). 캔버스, 유채. 국립 트레차코프 미술관(모스크바)
작가 자신은 그림의 아이디어에 대해 다음과 같이 말했습니다. "나는 아들을 전쟁에 보낸 모든 어머니를 그녀의 이미지로 보여주고 싶었습니다."
여자는 자신의 의로움이 확고하고 사람들의 분노의 큰 힘을 의인화합니다. 그녀는 고통 받고 있지만 이것은 자랑스럽고 강한 사람의 고통이기 때문에이 비극적 인 순간에 그녀의 얼굴은 차분해 보입니다.
아르카디 알렉산드로비치 플라스토프(1893-1972)
P. 벤델. 예술가 플라스토프의 초상
예술가 A. Plastov는 "소련 농민의 가수"라고 불립니다. 그의 풍속화는 모두 풍경을 배경으로 만들어졌다. 작가의 러시아적 성격은 항상 서정적이고 생동감 넘칩니다. 그의 그림은 시적인 표현력과 거의 충돌이 없는 특징이 있습니다.
A. Plastov "첫 눈"(1946)
작가는 마을 생활의 작은 조각을 묘사했습니다. 목조 주택의 문지방에는 두 명의 농부 자녀가 있는데, 아마도 자매와 형제일 가능성이 큽니다. 아침에 눈을 떴을 때 그들은 눈이 내리는 것을 보고 현관으로 뛰쳐나갔다. 소녀는 따뜻한 노란색 목도리를 묶을 시간조차 없었고 가벼운 집 드레스에 던지고 발을 펠트 부츠에 넣었습니다. 아이들은 놀라움과 기쁨으로 첫눈을 바라봅니다. 그리고 이 기쁨, 자연의 아름다움이 주는 유치한 기쁨이 관객들에게 전달된다.
Plastov는 철저한 현실주의자입니다. 완전히 새롭고 전례 없는 것을 찾는 것은 그에게 낯설었습니다. 그는 세상에 살았고 그 아름다움에 감탄했습니다. Plastov는 다음과 같이 믿었습니다. 예술가에게 가장 중요한 것은이 아름다움을보고 캔버스에 전달하는 것입니다. 아름답게 쓸 필요 없이, 진실을 써야 하며, 그 어떤 환상보다 아름다울 것입니다.
A. Plastov "Golden Edge"(1952). 캔버스, 유채. 57 x 76cm 로스토프 크렘린 주립 박물관 보호 구역
A. Plastov "Haymaking"(1945). 캔버스, 유채. 193 x 232 cm State Tretyakov Gallery (모스크바)
작가는 위대한 애국 전쟁에 관한 일련의 그림을 만들었습니다. 캔버스 "파시스트가 날아 갔다"는 비극으로 가득 차 있으며 군대와 전후 소련 예술의 걸작으로 간주됩니다.
A. Plastov "파시스트가 날아 갔다"(1942). 캔버스, 유채. 138 x 185 cm 국립 트레차코프 미술관(모스크바)
아티스트 A. Deineka는 자신이 가장 좋아하는 주제로 계속 작업하고 있습니다.
유리 이바노비치 피메노프(1903-1977)
화가, 연극 예술가, 무대 디자이너 및 그래픽 아티스트, 포스터 아티스트, 교사로 알려져 있습니다.
그의 가장 유명한 그림은 New Moscow입니다.
Y. Pimenov "뉴 모스크바"(1937). 캔버스, 유채. 140 × 170cm 국립 트레차코프 갤러리(모스크바)
수도 재건 중에 작성되었습니다. 바퀴 뒤의 여성은 그 해 동안 다소 드문 일입니다. 새 생명의 상징입니다. 구성 솔루션도 이례적입니다. 이미지가 카메라 프레임처럼 보입니다. 여자는 뒤에서 보여지며, 이 각도는 시청자가 그녀의 눈을 통해 아침 도시를 보도록 초대합니다. 기쁨, 신선함, 봄 분위기를 연출합니다. 이것은 작가의 인상주의적인 글쓰기 스타일과 그림의 부드러운 채색에 의해 촉진됩니다. 그림은 그 시대의 특징인 낙관적인 태도로 물들어 있다.
작가는 그림 '앞길'을 그릴 때도 이 기법을 사용했다. 그림의 정서적 내용은 그림 "Front Road"에 묘사 된 평화 롭고 변화하는 모스크바의 이미지와 파시스트 침략의 결과로 약탈되고 파괴 된 도시의 대조를 기반으로합니다.
Y. Pimenov "앞 도로"(1944)
그의 작업 초기에 Pimenov는 독일 표현주의의 영향을 받았는데, 이는 "전쟁의 병자", "중공업을 제공하십시오! "라는 그의 최고의 그림의 극적인 선명도를 크게 설명합니다. (1927), "군인들은 혁명의 편으로 넘어간다"(1932). 점차 그는 "아름다운 순간"이라는 창의적인 원칙을 고수하면서 인상주의로 옮겨갔습니다.
Yu.Pimenov "Invalids of War"(1926). 러시아 국립 박물관(상트페테르부르크)
게오르기 그리고리예비치 니스키(Georgy Grigorievich Nissky, 1903-1987)
이 기간 동안 Georgy Nissky는 조경 예술에 적극적으로 참여했습니다. 그의 그림은 그림 같은 간결함, 역동성, 밝은 구성 및 리드미컬한 솔루션으로 유명합니다. 작가의 본성은 언제나 인간의 손에 의해 변형된다.
G. Nissky“가을. 세마포어"(1932)
G. Nissky“모스크바 지역. 2월"(1957). 캔버스, 유채. 국립 트레차코프 미술관(모스크바)
이전 세대의 풍경화가로는 Nikolai Krymov가 있습니다.
니콜라이 페트로비치 크리모프(1884-1958)
니콜라이 크리모프(1921)
N.P. Krymov는 순회 예술가의 가족으로 태어 났기 때문에 그의 작업의 원래 방향은 동일했습니다. 수년간의 연구 (1905-1910)에 그는 자연의 인상주의 이미지에 관심이 있었고 섬세한 파스텔 색상과 가벼운 획은 그의 캔버스에 영적이고 무중력적인 느낌을주었습니다. 1920년대에 그는 러시아 사실주의 회화의 신봉자가 되었다.
N.P. Krymov“I의 이름을 딴 문화 및 레저 중앙 공원의 아침. 모스크바의 M. Gorky”(1937). 캔버스, 유채. 81 x 135 cm 주립 Tretyakov 갤러리(모스크바)
화가 작업의 마지막 기간은 Krymov가 방문한 오카 강과 작은 마을 Tarusa와 관련이 있습니다. 그는 "자유를 숨쉬는" 지역 풍경과 오카 강에 매료되었습니다.
N. Krymov "Tarusa의 거리"(1952)
그림 "Before Twilight", "Polenovo. 오카 강 "외 다수. 작가는 겨울 풍경이 많다.
N. Krymov“겨울. 지붕" (1934)
아르카디 알렉산드로비치 라일로프(1870-1939)
A. 라일로프. 다람쥐와 함께 있는 자화상(1931). 종이, 잉크, 이탈리아 연필. 국립 트레차코프 미술관(모스크바)
러시아와 소련의 풍경화가, 그래픽 아티스트 및 교사.
그의 가장 유명한 그림은 "Lenin in Razliv"입니다.
A. Rylov“V.I. 1917년 라즐리브의 레닌 (1934). 캔버스, 유채. 126.5 × 212cm 러시아 국립 박물관(상트페테르부르크)
이것은 그의 창작 후기에 작가의 최고의 작품 중 하나입니다. 이 그림에서 작가는 풍경과 역사적 장르를 결합합니다. 1917년 여름 레닌의 라즐리프 체류는 소련 미술에서 레닌주의 주제의 주요 주제 중 하나입니다. 풍경과 리더의 역동적인 모습에서 순간의 설렘과 긴장감이 느껴진다. 구름이 하늘을 가로질러 돌진하고, 바람이 거대한 나무를 구부리며, 이러한 자연의 힘에 대항하는 투쟁에서 레닌의 모습은 미래의 이름으로 승리하겠다는 확고한 결의로 바람을 향해 돌진합니다.
폭풍우 치는 호수와 불안한 하늘은 폭풍을 상징합니다. 황혼이 땅에 내려옵니다. 레닌은 이 사실을 전혀 눈치채지 못한 채 먼 곳을 강렬하게 응시한다. 수령상에 대한 이러한 해석이 소비에트 시대의 이데올로기적 질서이다.
현재 소비에트 초상화 장르가 활발히 발전하고 있으며 Pyotr Konchalovsky, Igor Grabar, Mikhail Nesterov가 가장 분명하게 나타납니다.
P. Konchalovsky. 작곡가 세르게이 세르게예비치 프로코피예프의 초상(1934). 캔버스, 유채. 181 x 140.5 cm 국립 트레차코프 갤러리(모스크바)
P. Konchalovsky. V.E. 메이어홀드(1938). 캔버스, 유채. 211 x 233 cm State Tretyakov Gallery (모스크바)
대량 탄압 기간 동안 Meyerhold가 체포되어 사망하기 직전에 P. Konchalovsky는이 뛰어난 연극 인물의 초상화를 만들었습니다. 1938년 1월 7일, 예술위원회는 메이어홀드 주립극장을 청산하는 결의안을 채택했습니다.
작가는 복잡한 구성의 해법을 통해 주변 현실과의 성격의 갈등을 전달했다. 캔버스는 몽상가가 아니라 운명이 저울에 달려 있고 그것을 알고 있는 사람을 묘사합니다. 콘찰로프스키는 장신구로 빽빽하게 덮인 밝은 카펫과 감독의 흑백 인물의 병치를 통해 감독-개혁가의 비극적 이미지를 드러낸다.
I. Grabar. Academician N.D. 젤린스키(1935). 캔버스, 유채. 95 x 87 cm 주립 Tretyakov 갤러리(모스크바)
I. Grabar. 블라디미르 이바노비치 베르나츠키의 초상(1935)
파벨 드미트리예비치 코린(1892-1967)
파벨 코린(1933)
러시아와 소비에트 화가, 벽화가, 초상화 마스터, 복원가 및 교사, 교수.
그는 Palekh에서 자랐고 아이콘을 그리는 것으로 시작했습니다. 그는 모스크바 조각 및 건축 학교에서 공부했으며 결국 초기 소련 초상화의 가장 중요한 거장 중 한 명이되었으며 당시 지식인 초상화의 전체 갤러리를 만들었습니다.
이 작가의 작품은 기념비성, 거친 범위, 명확하게 조각된 형태가 특징이다.
P. Korin의 가장 유명한 작품 : 삼부작 "Alexander Nevsky", Georgy Zhukov와 Maxim Gorky의 초상화.
P. 코린. 삼부작 "알렉산더 네프스키"
삼면화는 침략자와의 대결이라는 주제가 예술의 중심이었던 위대한 조국 전쟁의 해에 작가에게 의뢰되었습니다.
삼부작의 왼쪽과 오른쪽에는 군인들이 전쟁을 치르고 있습니다. 그들은 여성의 호위를받습니다. 노모, 어린 아이를 품에 안고있는 아내. 그들과 그들의 고국은 보호가 필요합니다.
가운데에는 전사의 이미지가 있습니다. 고대에 Alexander Nevsky는 독일 기사를 막았으므로 수비수가 파시스트 침략자에 맞서 싸울 수 있도록 영감을 줄 수 있습니다. 그의 모습은 기념비적입니다. 그것은 러시아 영웅의 기억입니다. 그리스도의 얼굴이 새겨진 깃발은 러시아 땅의 거룩함을 상기시킵니다. 그는 검에 기대어 서 있습니다. 적들은 그들이 온 검으로 죽어야합니다.
그 뒤에는 보호해야 할 고국이 있습니다.
주인이 수행하는 주제별 그림과 초상화는 이미지의 영성과 평정, 구성 및 그림의 엄격함이 특징입니다.
창의적인 인물에 대한 관심은 이 시대 분위기의 특징입니다.
S. Gerasimov "집단 농장 휴가"
소련 미술 작품에 익숙해지면 미술사에서 이전 시대와 매우 다르다는 것을 즉시 알 수 있습니다. 이러한 차이점은 모든 소비에트 예술이 소비에트 이데올로기로 스며들고 소비에트 사회의 주도 세력으로서 소비에트 국가와 공산당의 모든 아이디어와 결정의 지휘자가 될 것을 요구 받았다는 사실에 있습니다. 19세기에서 20세기 초의 예술에서 예술가들이 기존의 현실을 심각한 비판에 처했다면 소비에트 시대에는 그러한 작품이 용납될 수 없었습니다. 사회주의 국가 건설의 파토스는 소비에트 미술 전체에 붉은 실처럼 붙어 있었다. 소련 붕괴 25년이 지난 지금, 관객들의 소련 예술에 대한 관심이 높아지고 있으며, 특히 젊은이들에게 흥미로워지고 있습니다. 예, 이전 세대는 우리나라의 과거사에서 많은 것을 재고하고 있으며 매우 친숙한 소비에트 회화, 조각 및 건축 작품에도 관심이 있습니다.
10월 혁명, 남북전쟁, 20-30년대의 예술.
혁명 후 첫해와 내전 기간 동안에 큰 역할을 한 사람은 다음과 같습니다. 전투 정치 포스터. DS Moore와 V.N. Denis는 당연히 포스터 예술의 고전으로 간주됩니다. 무어의 포스터 "자원봉사 신청을 하셨나요?" 이제 이미지의 표현력에 매료됩니다.
인쇄된 포스터 외에도 남북 전쟁 기간 동안 손으로 그린 포스터와 스텐실 포스터가 등장했습니다. 이것은 시인 V. Mayakovsky가 적극적으로 참여한 "ROSTA Windows"입니다.
남북 전쟁 동안 V. I. Lenin은 기념비적 인 선전 계획을 세웠으며 그 의미는 사회주의 혁명의 준비와 성취에 어떤 식 으로든 기여한 유명한 사람들을 위해 전국에 기념비를 세우는 것이 었습니다. 이 프로그램의 출연자에는 우선 조각가 N.A. Andreev I.D. 샤드르.
1920 년대에 새로운 소비에트 사회를 건설하는 데 중요한 역할을 한 협회 인 러시아 "(AHRR)"혁명 러시아 예술가 협회 (AHRR)가 결성되었습니다.
1930 년대에 사회주의 리얼리즘의 방법을 따라야하는 모든 예술가를 통합하는 단일 소련 예술가 연합이 만들어졌습니다. 이전 세대의 예술가 (B. Kustodiev, K. Yuon 등)와 젊은 예술가들은 소비에트 현실에 새로운 것을 반영하려고 노력했습니다.
I.I. Brodsky는 역사적이고 혁명적 인 주제를 반영했습니다. M. Grekov와 K. Petrov-Vodkin의 작품에서 같은 주제는 매우 낭만적입니다.
같은 해에 서사시 "Leniniana"가 세워져 소비에트 시대에 V.I.
M. Nesterov, P. Konchalovsky, S. Gerasimov, A. Deineka, Y. Pimenov, G. Ryazhsky 및 기타 예술가는 장르 화가 (일상 장르의 거장) 및 20-30 년대 초상화 화가라고해야합니다.
K.Yuon, A.Rylov, V.Baksheev 등과 같은 예술가들은 풍경 분야에서 일했습니다.
혁명과 내전 이후 급속한 도시 건설이 이루어졌고, 여기에는 혁명, 당, 국가의 저명한 인물을 기리는 기념비가 많이 세워졌습니다. 유명한 조각가는 A. Matveev, M. Manizer, N. Tomsky, S. Lebedeva 등이었습니다.
소련 미술 1941 -1945 그리고 첫 번째 전후 년
위대한 애국 전쟁 동안 소련 예술은 "총이 울리면 뮤즈는 침묵한다"는 말을 단호하게 반박했습니다. 아니요, 인류 역사상 가장 잔인하고 끔찍한 전쟁 기간 동안 뮤즈는 침묵하지 않았습니다. 소련에 대한 독일 파시스트의 배신적인 공격 직후 예술가의 붓, 연필, 끌은 적과의 싸움에서 강력한 무기가되었습니다.
사람들의 영웅적 고양, 그들의 도덕적 통일성은 애국 전쟁의 소비에트 예술이 발생한 기초가되었습니다. 그는 애국심의 생각으로 스며 들었습니다. 이러한 아이디어는 포스터 예술가에게 영감을 주었고 화가에게 영감을 주어 소비에트 국민의 착취에 대해 이야기하는 그림을 만들도록 영감을 주었으며 모든 유형의 예술 작품의 내용을 결정했습니다.
Ivanov, V.B. Koretsky 등과 같은 예술가들이 일했던 정치 포스터는 내전과 마찬가지로 현재 큰 역할을했습니다. 그들의 작품에는 화난 파토스가 내재되어 있으며, 그들이 만든 이미지에는 조국을 지키기 위해 일어선 사람들의 굽힘 없는 의지가 드러납니다.
진정한 르네상스는 손으로 그린 포스터를 통해 전쟁 중에 경험됩니다. 1941-1945년 "Windows ROSTA"의 예에 따라 "Windows TASS"의 수많은 시트가 만들어졌습니다. 그들은 침략자들을 비웃고 파시즘의 진정한 본질을 폭로했으며 사람들에게 조국을 지키라고 촉구했습니다. "Windows TASS"에서 작업하는 아티스트 중 처음에는 Kukryniksy (Kupriyanov, Krylov, Sokolov)라고해야합니다.
이 시간의 그래픽 시리즈는 전쟁 기간 동안 소련 사람들의 경험에 대해 설득력있게 이야기합니다. D.A. Shmarinov의 웅장한 그림 시리즈 "우리는 잊지 않을 것입니다. 용서하지 않을 것입니다!" 포위 된 레닌 그라드의 삶의 심각성은 A. F. Pakhomov "봉쇄 시대의 레닌 그라드".
전쟁 기간 동안 화가가 작업하는 것은 어려웠습니다. 결국 완성 된 그림을 만드는 데는 시간과 적절한 조건, 재료가 필요합니다. 그럼에도 불구하고 소비에트 예술의 황금 기금에 포함 된 많은 캔버스가있었습니다. Grekov의 이름을 딴 군사 예술가 스튜디오의 화가는 전사 영웅에 대한 전쟁의 어려운 일상 생활에 대해 이야기합니다. 그들은 전선으로 가서 적대 행위에 가담했습니다.
군사 예술가들은 자신이 보고 경험한 모든 것을 캔버스에 담았습니다. 그중에는 그림 "Victory"의 저자 인 P.A. Krivonogov, B.M. Nemensky 및 조국의 어려운시기에 많은 것을 살아남은 오두막에서 군인을 보호 한 농민 여성 인 그의 그림 "Mother"가 있습니다.
이 기간 동안 A.A. Deineka, A.A. Plastov, Kukryniksy가 훌륭한 예술적 가치를 지닌 캔버스를 만들었습니다. 전면과 후면에서 소련 국민의 영웅적인 행동에 전념하는 그들의 그림은 진심 어린 흥분으로 가득 차 있습니다. 예술가들은 파시즘의 잔인한 세력에 대한 소비에트 국민의 도덕적 우월성을 확인합니다. 이것은 사람들의 인본주의, 정의와 선의 이상에 대한 믿음을 나타냅니다. 러시아 국민의 용기는 E.E. Lansere "Trophies of Russian Weapons"(1942)의 그림주기, P.D. Korin "Alexander Nevsky"의 삼부작, A.P. .Bubnova "Kulikovo 필드의 아침".
초상화는 또한 우리에게 전시 사람들에 대해 많은 것을 말해줍니다. 뛰어난 예술적 가치를 지닌 많은 작품들이 이 장르에서 만들어졌습니다.
애국 전쟁 기간의 초상화 갤러리는 많은 조각 작품으로 보충되었습니다. Lebedeva, N. V. Tomsky, V.I. Mukhina, V. E. Vuchetich의 조각 초상화에는 밝은 개인차로 표시되는 구부러지지 않는 의지의 사람들, 용감한 캐릭터가 표시됩니다.
애국 전쟁 동안 소비에트 예술은 명예롭게 애국적인 의무를 다했습니다. 예술가들은 전후 첫 해에 복잡하고 다면적인 콘텐츠로 작품을 만들 수 있었던 깊은 경험을 통해 승리했습니다.
1940년대 후반과 1950년대에는 예술이 새로운 주제와 이미지로 풍성해졌습니다. 이 기간 동안 주요 임무는 전후 건설의 성공, 도덕성 및 공산주의 이상 육성을 반영하는 것이 었습니다.
전후 예술의 번영은 가장 중요한 거장을 포함하는 소련 예술 아카데미의 활동에 의해 크게 촉진되었습니다.
전후 시대의 예술은 주로 그 내용과 관련된 다른 특징이 특징입니다. 이 기간 동안 인간의 내면 세계에 대한 예술가의 관심이 높아졌습니다. 따라서 화가, 조각가 및 그래픽 아티스트는 다양한 삶의 상황에 있는 사람들을 상상하고 그들의 성격과 경험의 독창성을 보여줄 수 있는 초상화와 장르 구성에 관심을 기울입니다. 따라서 소비에트 국민의 삶과 삶에 전념하는 많은 작품의 특별한 인간성과 따뜻함.
당연히 현재 예술가들은 최근 전쟁의 사건에 대해 계속 걱정하고 있습니다. 계속해서 그들은 사람들의 착취, 가혹한시기에 소비에트 사람들의 고통스러운 경험으로 향합니다. B. Nemensky의 "Mashenka", A. Laktionov의 "전면에서 온 편지", Y. Nemensky의 "전투 후 휴식"과 같은 그 해의 캔버스가 알려져 있습니다. , V. Kostecki 등의 "Return".
이 예술가들의 캔버스는 전쟁의 주제가 일상적인 장르로 해결되기 때문에 흥미 롭습니다. 그들은 전쟁과 후방에서 소련 사람들의 삶의 장면을 그리고 그들의 고통, 용기, 영웅주의에 대해 이야기합니다.
역사적 내용의 그림들도 이 시기에 일상적 장르에서 자주 풀린다는 점은 주목할 만하다. 점차 전쟁의 고난을 대신한 소비에트 국민의 평화로운 삶은 많은 예술가들의 작품에서 더욱 완전하고 성숙한 구체화를 찾습니다. 풍속화(일상의 풍속화)가 다수 등장하며 다양한 주제와 플롯이 눈에 띈다. 이것은 단순한 기쁨과 슬픔이있는 소비에트 가족의 삶입니다 ( "Again a deuce!"F. Reshetnikova). 이것은 공장과 공장, 집단 농장 및 주 농장에서 뜨거운 작업입니다 (T. Yablonskaya의 "빵" , A. Mylnikov의 "평화로운 들판에서" ). 이것은 소비에트 청소년의 삶, 처녀지 개발 등입니다. 이 기간 동안 예술가 A. Plastov, S. Chuikov, T. Salakhov 등이 장르 그림에 특히 중요한 기여를 했습니다.
이 몇 년 동안 성공적으로 계속해서 초상화를 개발했습니다. 이들은 P. Korin, V. Efanov 및 기타 예술가입니다. 이 기간 동안 풍경화 분야에서 M. Saryan, R. Nissky, N. Romadin 등을 포함한 가장 오래된 예술가들과 함께 일했습니다.
이후 몇 년 동안 소비에트 시대의 순수 예술은 같은 방향으로 계속 발전했습니다.
D. S. 무어
D. S. 무어
K. Petrov-Vodkin "1918 in Petrograd"(1920)
I. D. Shadr "프롤레타리아트의 조약돌 무기"
Gerasimov - 집단 농장 휴가 1937
S. Gerasimov "당파의 어머니"
D. S. 무어
P. Konchalovsky "바구니 속의 라일락"(1933)
N. A. Andreev "V. I. 레닌"
M. Grekov "배너와 트럼펫 연주자"(1934)
1934년 제1회 소련 작가 전연방 대회에서 막심 고리키는 소련 문학과 예술의 한 방법으로서 사회적 리얼리즘의 기본 원칙을 공식화했습니다. 이 순간은 더 엄격한 이데올로기적 통제와 선전 계획과 함께 소비에트 예술의 새로운 시대의 시작을 의미합니다.
기본 원리들:
- - 국적. 일반적으로 사회주의 리얼리즘 작품의 영웅은 도시 및 시골 노동자, 노동자 및 농민, 기술 지식인 및 군인 대표, 볼셰비키 및 비 당파였습니다.
- - 이데올로기. 사람들의 평화로운 삶, 새롭고 더 나은 삶의 길을 찾는 것, 모든 사람들의 행복한 삶을 달성하기 위한 영웅적인 행동을 보여주십시오.
- - 특이성. 현실의 이미지에서 역사에 대한 유물론적 이해와 일치해야하는 역사 발전 과정을 보여줍니다 (존재 조건을 바꾸는 과정에서 사람들은 주변 현실에 대한 의식과 태도를 바꿉니다).
문학 및 예술 조직의 구조 조정에 관한 볼셰비키 전 연합 공산당 중앙위원회의 결의 이후 몇 년 동안 국가가 요구하는 방향으로 예술을 발전시키는 것을 목표로하는 여러 주요 행사가 열렸습니다. 국가 명령, 창의적인 출장, 대규모 주제 및 기념일 전시회의 관행이 확대되고 있습니다. 소련 예술가들은 VDNKh의 미래를 위해 많은 작품(패널, 기념비, 장식)을 만듭니다. 이것은 기념비적 예술이 독립된 예술로 부활하는 중요한 단계를 의미했습니다. 이 작품들에서 기념비에 대한 소비에트 예술의 매력은 우연이 아니라 "사회주의 사회 발전에 대한 장대 한 전망"을 반영한다는 것이 분명해졌습니다.
1918년 레닌은 K. 제트킨과의 대화에서 소비에트 사회에서 예술의 과제를 다음과 같이 정의했습니다. “예술은 인민의 것입니다. 그것은 광범위한 노동 대중의 가장 깊은 곳에 가장 깊은 뿌리를 가져야 합니다. 대중이 이해하고 사랑해야 합니다. 이 대중의 감정, 사상, 의지를 통합하고 고양시켜야 합니다. 그 안에 있는 예술가들을 깨우고 발전시켜야 한다.”
검토중인 기간에는 이미 존재하는 예술 영역과 함께 아방가르드와 같이 근본적으로 새로운 몇 가지가 나타났습니다.
기념비주의 스타일의 틀 내에서 조각은 가장 큰 관심사입니다. 소비에트 예술의 다른 모든 경향과 마찬가지로 그 시대의 조각품은 동요에 초점을 맞추고 플롯에 애국적인 내용을 담고 있습니다. 1918년에 채택된 레닌의 기념비적 선전 계획은 조각품의 발전에 매우 중요했으며, 이 계획에 따라 새로운 혁명적 가치를 홍보하는 기념비가 전국에 설치되었습니다. 저명한 조각가들이 작업에 참여했습니다. N.A. Andreev (나중에 조각 Leniniana의 제작자가 됨). 이 시기의 또 다른 저명한 조각가는 Ivan Shadr입니다. 1922 년에 그는 "Worker", "Sower", "Peasant", "Red Army"동상을 만들었습니다. 그의 방법의 독창성은 특정 장르 플롯, 볼륨의 강력한 모델링, 움직임의 표현력, 낭만적 인 파토스를 기반으로 한 이미지의 일반화입니다. 그의 가장 눈에 띄는 작품은 “조약돌은 프롤레타리아트의 도구입니다. 1905"(1927). 같은 해 코카서스의 수력 발전소 영토에 ZAGES는 "최고 중 하나"라는 자신의 작업으로 레닌 기념비를 세웠습니다. Vera Mukhina도 20 대에 마스터로 형성됩니다. 이 기간 동안 그녀는 기념비 "해방 노동"(1920, 보존되지 않음), "농민 여성"(1927)에 대한 프로젝트를 만듭니다. 더 성숙한 주인 중에서 초상화를 만든 Sarah Lebedeva의 작품이 주목됩니다. 형태에 대한 이해에서 그녀는 인상주의의 전통과 경험을 고려합니다. Alexander Matveev는 가소성의 건설적 기초, 조각 매스의 조화 및 공간의 볼륨 비율("Undressing Woman", "Woman Putting on a Shoe") 및 유명한 "October"를 이해하는 데 있어 고전적인 명확성을 특징으로 합니다. (1927), 3 명의 벌거 벗은 남자가 구성에 포함 된 인물-고전적인 전통과 "혁명 시대의 남자"(속성-낫, 망치, budenovka)의 이상.
혁명 후 첫 몇 년 동안 거리에서 "살아갈" 수 있는 예술 형식은 "혁명적 인민의 사회적, 미적 의식을 형성"하는 데 결정적인 역할을 했습니다. 따라서 기념비적인 조형물과 함께 정치포스터가 가장 활발하게 발전하였다. 그것은 가장 모바일 및 운영 예술 형식으로 밝혀졌습니다. 남북 전쟁 동안이 장르는 다음과 같은 특성을 특징으로했습니다. 형성. 그들은 간결함, 이미지의 관습성, 실루엣과 제스처의 명확성으로 밝혀졌습니다. 포스터는 매우 일반적이었고 대량으로 인쇄되어 모든 곳에 게시되었습니다. 포스터 개발의 특별한 장소는 Cheremnykh, Mikhail Mikhailovich 및 Vladimir Mayakovsky가 뛰어난 역할을 한 ROSTA Windows of Satire가 차지합니다. 스텐실 포스터, 손으로 색칠하고 오늘의 주제에 대한 시적인 비문이 있습니다. 그들은 정치적 선전에서 큰 역할을 했고 새로운 조형물이 되었다. 축제의 예술적 디자인은 전통이 없었던 소비에트 예술의 또 다른 새로운 현상입니다. 공휴일에는 10월 혁명 기념일, 5월 1일, 3월 8일 및 기타 소비에트 공휴일이 포함되었습니다. 이것은 그림에 새로운 공간과 기능을 부여하는 새로운 비 전통적 예술 형식을 만들었습니다. 휴일에는 기념비적 인 선전 파토스가 특징 인 기념비적 인 패널이 만들어졌습니다. 예술가들은 광장과 거리 디자인을 위한 스케치를 만들었습니다.
Petrov-Vodkin, Kustodiev, E. Lensere, S. V. Gerasimov와 같은 사람들이 이 휴일의 디자인에 참여했습니다.
소련 미술사는 이 시기 소련 회화의 거장들을 두 그룹으로 나누었습니다.
- - 사실적 표현의 일반적인 회화적 언어로 줄거리를 포착하고자 했던 예술가들;
- - 현대성에 대한 보다 복잡하고 비유적인 인식을 사용한 예술가.
그들은 새로운 상태에서 시대에 대한 "시적이고 영감을 받은" 인식을 표현하려는 상징적 이미지를 만들었습니다. Konstantin Yuon은 이벤트가 보편적이고 우주적 규모로 해석되는 혁명 이미지 (New Planet, 1920, State Tretyakov Gallery)에 전념하는 최초의 작품 중 하나를 만들었습니다. 1920년 Petrov-Vodkin은 "1918 in Petrograd (Petrograd Madonna)"라는 그림을 만들어 당시의 윤리적, 철학적 문제를 해결했습니다. Arkady Rylov는 그의 풍경 "In the Blue Space"(1918)에서 믿었던 것처럼 상징적으로 생각하여 "광활한 세계로 탈출하여 낭만적 인 발견, 자유롭고 강력한 경험에 이르는 인류의 자유로운 숨결"을 표현합니다. .”
그래픽은 또한 새로운 이미지를 보여줍니다. Nikolai Kupreyanov는 "나무 조각의 복잡한 기술에서 혁명에 대한 그의 인상을 표현하려고 합니다"( "Armored Cars", 1918; "Volley of Aurora", 1920). 1930년대에 기념비적 회화는 전체 예술 문화에서 없어서는 안 될 부분이 되었다. 그것은 건축의 발달에 의존했고 그것과 확고하게 연결되어 있었다. 그 당시 혁명 이전의 전통은 전 World of Art 예술가 Evgeny Lansere에 의해 계속되었습니다. Kazan Station의 레스토랑 홀 그림 (1933)은 모바일 바로크 양식에 대한 그의 갈망을 보여줍니다. 그것은 천장의 평면을 뚫고 공간을 바깥쪽으로 확장합니다. 이 시기에 기념비적인 그림에 큰 공헌을 한 데이네카는 다른 방식으로 작업합니다. Mayakovskaya 역 (1938)의 그의 모자이크는 리듬의 선명도, 지역 다채로운 반점의 역학, 각도의 에너지, 인물과 물체를 묘사하는 관습과 같은 현대적인 스타일을 사용하여 만들어졌습니다. 주제는 대부분 스포츠입니다. 유명한 그래픽 아티스트인 Favorsky도 기념비적인 그림에 기여했습니다. 그는 책 일러스트레이션에서 개발한 형태 구성 시스템을 새로운 작업에 적용했습니다. Maternity and Infancy Museum(1933, Lev Bruni와 함께)과 House of Models(1935)에 있는 그의 벽화는 고대 러시아 회화의 경험을 바탕으로 프레스코와 건축의 결합인 비행기의 역할에 대한 그의 이해를 보여줍니다. (두 작품 모두 살아남지 못했습니다).
구성주의는 1920년대 건축의 지배적인 스타일이 되었습니다.
구성주의자들은 단순하고 논리적이며 기능적으로 정당한 형태, 편리한 디자인을 만들기 위해 새로운 기술적 가능성을 사용하려고 했습니다. 소비에트 구성주의 건축의 예는 Vesnin 형제의 프로젝트입니다. 그들 중 가장 장대 한 노동 궁전은 결코 실행되지 않았지만 국내 건축 발전에 큰 영향을 미쳤습니다. 불행히도 건축 기념물도 파괴되었습니다. 30 년대에만. 모스크바에서는 수카레프 탑, 구세주 그리스도 대성당, 크렘린의 기적 수도원, 붉은 문, 수백 개의 모호한 도시 및 시골 교회가 파괴되었습니다.
소비에트 예술의 정치적 성격과 관련하여 많은 예술 협회와 그룹이 자체 플랫폼과 선언문으로 만들어지고 있습니다. 예술은 검색 중이었고 다양했습니다. 주요 그룹은 AHRR, OST 및 "4 예술"이었습니다. 혁명 러시아 예술가 협회는 1922년에 설립되었습니다. 그 핵심은 이전 Wanderers로 구성되어 그룹의 접근 방식에 큰 영향을 미쳤습니다. 후기 Wanderers의 현실적인 일상 쓰기 언어, "사람들에게가는 것"및 주제별 설명입니다. 그림의 주제 (혁명에 의해 지시됨) 외에도 AHRR은 "노동자의 삶과 삶", "적군의 삶과 삶"과 같은 주제별 전시회 조직이 특징입니다.
그룹의 주요 마스터 및 작품 : Isaac Brodsky ( "Putilov 공장에서의 레닌 연설", "Lenin in Smolny"), Georgy Ryazhsky ( "Delegate", 1927; "Chairman", 1928), 초상화 화가 Sergei Malyutin ( " Furmanov의 초상", 1922 ), Abram Arkhipov, Efim Cheptsov(“마을의 만남”, 1924), Vasily Yakovlev(“운송이 좋아지고 있습니다”, 1923), Mitrofan Grekov(“Tachanka”, 1925, 나중에 “To the Kuban” 및 “First Cavalry의 트럼펫 연주자”, 1934 ). 1925년에 설립된 이젤 예술가 협회에는 그림에 대해 덜 보수적인 견해를 가진 예술가들이 주로 VKHUTEMAS의 학생들을 포함했습니다. 이들은 다음과 같습니다 : Williams "Hamburg Uprising"), Deineka ( "새로운 작업장 건설 중", 1925; "광산으로 내려 가기 전", 1924; "Petrograd의 방어", 1928), Labas Luchishkin ( "공이 날아갔습니다. ", "나는 인생을 사랑합니다”), Pimenov (“중공업”), Tyshler, Shterenberg 등. 그들은 이젤 그림의 부흥과 발전이라는 슬로건을 지지했지만 사실주의가 아니라 동시대 표현주의의 경험에 이끌렸다. 주제 중 그들은 산업화, 도시 생활 및 스포츠에 가깝습니다. Four Arts Society는 이전에 World of Art의 일부였던 예술가들과 그림의 문화와 언어에 관심을 가진 Blue Rose에 의해 설립되었습니다. 협회의 가장 저명한 회원: Pavel Kuznetsov, Petrov-Vodkin, Saryan, Favorsky 및 기타 뛰어난 마스터. 사회는 적절한 조형 표현과 함께 철학적 배경이 특징이었습니다. 모스크바 예술가 협회에는 모스크바 화가, Makovets 및 Genesis 협회의 전 회원과 Jack of Diamonds 회원이 포함되었습니다. 가장 활발한 예술가 : Pyotr Konchalovsky, Ilya Mashkov, Lentulov, Alexander Kuprin, Robert Falk, Vasily Rozhdestvensky, Osmerkin, Sergei Gerasimov, Nikolai Chernyshev, Igor Grabar. 예술가들은 축적된 "다이아몬드 잭" 등을 사용하여 "주제별" 그림을 만들었습니다. 아방가르드 학교의 경향. 이 그룹의 창의성은 구세대 주인의 의식이 새로운 현실에 적응하려고 노력하고 있다는 사실의 증상이었습니다. 1920 년대에는 10 월 10 주년과 적군과 "소련 민족 예술 전시회"(1927)를 위해 트렌드를 통합 한 두 개의 대규모 전시회가 열렸습니다.
20년대 문학 발전의 주역. 의심 할 여지없이시입니다. 형식면에서 문학적 삶은 대체로 동일하게 유지되었습니다. 세기 초와 마찬가지로 문학계는 그것에 대한 분위기를 설정했으며, 그 중 상당수는 피비린내 나는 어려운시기에서 살아 남았고 상징 주의자, 미래 학자, 절정 주의자 등 20 년대에도 계속 운영되었습니다. 그들은 이제 예술 영역을 넘어 종종 정치적 배음을 띤다. RAPP, Pereval, Serapionov Brothers 및 LEF 협회는 문학 발전에 가장 중요했습니다.
RAPP(러시아 프롤레타리아 작가 협회)는 1925년 I All-Union 프롤레타리아 작가 회의에서 형성되었습니다. 여기에는 작가(가장 유명한 A. Fadeev 및 D. Furmanov 중)와 문학 평론가가 포함되었습니다. RAPP의 전신은 1917년에 설립된 가장 거대한 조직 중 하나인 Proletkult였습니다. 그들은 조직의 구성원이 아닌 거의 모든 작가를 "계급의 적"으로 취급했습니다. RAPP 회원의 공격을받은 작가 중에는 A. Akhmatova, Z. Gippius, I. Bunin뿐만 아니라 M. Gorky 및 V. Mayakovsky와 같이 인정받는 "혁명의 가수"도 있습니다. RAPP에 대한 이념적 반대는 문학 그룹 "Pass"로 구성되었습니다.
Serapion Brothers 그룹은 1921년 Petrograd House of Arts에서 만들어졌습니다. 그룹에는 V. Ivanov, M. Zoshchenko, K. Fedin 등과 같은 유명한 작가가 포함되었습니다.
LEF - 예술의 왼쪽 앞. 이 조직의 구성원(V. Mayakovsky, N. Aseev, S. Eisenstein 등)의 입장은 매우 모순적입니다. 미래주의와 프롤레타리아 정신의 혁신을 결합하여 그들은 사회에서 물질 생산에 유리한 분위기를 제공하는 실용적인 기능을 수행하는 일종의 "생산적인"예술을 창조한다는 매우 환상적인 아이디어를 내놓았습니다. 예술은 하위 텍스트, 심리학의 허구 등없이 기술 구성의 요소로 간주되었습니다.
20세기 러시아 문학의 발전에 매우 중요합니다. V. Ya. Bryusov, E. G. Bagritsky, O. E. Mandelstam, B. L. Pasternak, D. Poor, "농민"시인의 시적 작품을 연주했으며 가장 밝은 대표자는 Yesenin의 친구 N. A. Klyuev였습니다. 러시아 문학사의 특별한 페이지는 혁명을 받아들이지 않고 나라를 떠나도록 강요받은 시인과 작가들의 작품입니다. 그중에는 M. I. Tsvetaeva, Z. N. Gippius, I. A. Bunin, A. N. Tolstoy, V. V. Nabokov와 같은 이름이 있습니다. 그들 중 일부는 고국에서 떨어져 살 수 없다는 것을 깨닫고 나중에 돌아 왔습니다 (Tsvetaeva, Tolstoy). 문학의 모더니스트 경향은 환상적인 디스토피아 소설 "We"(1924)의 저자 E. I. Zamyatin의 작품에서 나타납니다. 20년대 풍자문학. M. Zoshchenko의 이야기로 대표됩니다. 공동 저자 I. Ilf (I. A. Fainzilberg) 및 E. Petrov (E. P. Kataev) "The Twelve Chairs"(1928), "The Golden Calf"(1931) 등의 소설
30대에. 러시아 문화사에 들어간 몇 가지 주요 작품이 등장했습니다. Sholokhov는 소설 "Quiet Flows the Don", "Virgin Soil Upturned"를 만듭니다. Sholokhov의 작품은 전 세계적으로 인정을 받았습니다. 그의 문학적 장점으로 그는 노벨상을 수상했습니다. 30년대에 M. Gorky는 그의 마지막 서사 소설인 The Life of Klim Samgin을 완성했습니다. 소설 "How the Steel Was Tempered"(1934)의 저자 N. A. Ostrovsky의 작품은 매우 유명했습니다. A. N. Tolstoy ( "Peter I"1929-1945)는 소련 역사 소설의 고전이되었습니다. 20~30대는 아동문학의 전성기였다. 여러 세대의 소비에트 사람들은 K. I. Chukovsky, S. Ya. Marshak, A. P. Gaidar, S. V. Mikhalkov, A. L. Barto, V. A. Kaverin, L. A. Kassil, V P. Kataeva의 책에서 자랐습니다.
1928 년 소련의 비판에 시달린 M. A. Bulgakov는 출판 희망없이 그의 최고의 소설 인 The Master and Margarita를 쓰기 시작합니다. 소설 작업은 1940 년 작가가 사망 할 때까지 계속되었습니다. 이 작품은 1966 년에만 출판되었습니다. 80 년대 후반 A.P. Platonov (Klimentov) "Chevengur", "Pit", "Juvenile Sea"의 작품이 출판되었습니다. 시인 A. A. Akhmatova, B. L. Pasternak은 "테이블 위에서" 작업했습니다. Mandelstam(1891-1938)의 운명은 비극적이었습니다. 비범한 힘과 뛰어난 비유적 정확성을 지닌 시인은 당시 10월 혁명을 받아들였기 때문에 스탈린 사회에서 잘 지낼 수 없었던 작가들 중 하나였습니다. 1938년에 그는 억압당했다.
30대에. 소련은 점차 나머지 세계로부터 스스로를 차단하기 시작했습니다. "철의 장막"뒤에는 모든 일에도 불구하고 계속 작업하는 많은 러시아 작가들이있었습니다. 첫 번째 규모의 작가는 시인이자 산문 작가 Ivan Alekseevich Bunin (1870-1953)이었습니다. Bunin은 처음부터 혁명을 받아들이지 않고 프랑스로 이주했습니다 (이야기 "Mitya 's Love", 소설 "The Life of Arsenyev", 단편 소설 "Dark Alleys"모음). 1933년에 그는 노벨상을 받았다.
30대 초반. 자유로운 크리에이티브 서클과 그룹의 존재가 끝났습니다. 1934 년 소련 작가의 제 1 차 전 연합 대회에서 "작가 연합"이 조직되어 문학 작업에 종사하는 모든 사람들이 강제로 가입했습니다. 작가 연합은 창작 과정에 대한 완전한 권력 통제의 도구가 되었습니다. 이 경우 작가는 자신의 작품을 출판 할 기회를 박탈 당하고 "기생충"으로 기소 될 수 있기 때문에 연합 회원이 아닌 것은 불가능했습니다. M. Gorky는이 조직의 기원에 서 있었지만 그의 회장직은 오래 가지 못했습니다. 1936년 사망한 후 A. A. Fadeev가 회장이 되었습니다. 작가 연합 외에도 예술가 연합, 건축가 연합, 작곡가 연합과 같은 다른 "창조적"연합이 조직되었습니다. 소비에트 예술에서 획일성의 기간이 시작되었습니다.
혁명은 강력한 창조력을 불러일으켰습니다. 이것은 국내 연극 예술의 발전에도 영향을 미쳤습니다. 수많은 연극 그룹이 생겨났습니다. A. Blok이 최초의 예술 감독이었던 Leningrad의 Bolshoi Drama Theatre는 연극 예술 발전에 중요한 역할을했습니다. V. Meyerhold, 극장. E. Vakhtangov, 모스크바 극장. 모스크바 시의회.
20년대 중반, 연극 예술의 발전에 큰 영향을 미쳤던 소비에트 드라마투르기의 출현은 거슬러 올라갑니다. 1925-1927년 연극 시즌의 주요 사건. 강철 "Storm"V. Bill-Belotserkovsky 극장에서. MGSPS, Maly Theatre의 K. Trenev의 "Love Yarovaya", 극장의 B. Lavrenev의 "The Rupture". E. Vakhtangov 및 볼쇼이 드라마 극장, 모스크바 예술 극장에서 V. Ivanov의 "Armored Train 14-69". 고전은 극장 레퍼토리에서 강력한 위치를 차지했습니다. 그것을 다시 읽으려는 시도는 학술 극장 (모스크바 예술 극장의 A. Ostrovsky의 Hot Heart)과 "좌파"(A. Ostrovsky의 "The Forest"와 V의 N. Gogol의 "Inspector General")에 의해 이루어졌습니다. 메이어홀드 극장).
드라마 극장이 소비에트 첫 10 년 말까지 레퍼토리를 재건했다면 오페라와 발레 그룹 활동의 주요 장소는 여전히 고전이 차지했습니다. 현대적인 주제를 반영한 유일한 주요 성공은 R. Glière의 발레 The Red Poppy (The Red Flower)의 상연이었습니다. 서유럽과 미국 국가에서 L.V. Sobinov, A.V. Nezhdanova, N.S. Golovanov, 모스크바 예술 극장, 챔버 극장, 스튜디오의 극단. E. Vakhtangov, 고대 러시아 악기 사중주
그해 국가의 음악적 삶은 S. Prokofiev, D. Shostakovich, A. Khachaturian, T. Khrennikov, D. Kabalevsky, I. Dunaevsky 및 기타 젊은 지휘자 E. Mravinsky, B. Khaikin의 이름과 관련이 있습니다. 대두되었습니다. 음악 앙상블이 만들어졌고 나중에 국내 음악 문화 인 Quartet을 미화했습니다. 베토벤, 그랜드 스테이트 심포니 오케스트라, 스테이트 필하모닉 오케스트라 등 1932년에 소련 작곡가 연합이 결성되었습니다.
이전 세대의 배우 (M. N. Ermolova, A. M. Yuzhin, A. A. Ostuzhev, V. I. Kachalov, O. L. Knipper-Chekhova)와 함께 새로운 혁명적 극장이 등장했습니다. 새로운 형태의 무대 표현을 모색하는 것은 V. E. 메이어홀드(지금의 메이어홀드 극장)가 지휘한 극장의 특징입니다. V. Mayakovsky의 연극 Mystery Buff (1921), The Bedbug (1929) 등이이 극장 무대에서 상연되었으며 모스크바 예술 극장의 3 번째 스튜디오 감독이 극장 발전에 크게 기여했습니다. 챔버 극장의 조직자이자 지도자, 무대 예술 개혁가 A.Ya Tairov.
20년대 문화사에서 가장 중요하고 흥미로운 현상 중 하나. 소련 영화 발전의 시작이었습니다. 포스터와 함께 사상투쟁과 선동을 위한 가장 효과적인 도구가 된 다큐멘터리 영화제작이 발전하고 있다. 소설 영화 발전의 중요한 이정표는 세계 걸작 중 하나가 된 Sergei Mikhailovich Eisenstein (1898-1948) "Battleship Potemkin"(1925)의 영화였습니다. 상징파, 미래파, 인상파, 이미지파 등은 "형식주의적 기이함", 그들의 예술이 소비에트 국민에게 필요하지 않고 사회주의에 적대적이라는 비난을 받았습니다. 작곡가 D. Shostakovich, 감독 S. Eisenstein, 작가 B. Pasternak, Yu.
정치문화 전체주의 이데올로기
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러시아 교육부
마그니토고르스크 주립대학교
시험
20~30대 아티스트
완성자: Timeeva Alena
마그니토고르스크 2001
소개
1917년 10월은 사회생활뿐 아니라 예술생활에도 새로운 시대를 열었다. 모든 혁명은 무언가를 파괴하고 새로운 것을 창조하기 시작합니다. 지금 일어나고 있는 일은 단순한 발전이 아니라 이전의 사회적, 정치적, 이데올로기적, 그리고 예술을 포함한 다른 종류의 구조의 기반을 결정적으로 재정비하는 것입니다.
혁명은 적어도 두 가지 문제를 제기했습니다. 첫 번째 문제는 예술의 계급적 성격이다. 그것을 계급투쟁과 밀접하게 연결시키려는 시도는 그것의 다기능적 성격의 왜곡으로 이어졌다. 악명 높은 Proletcul의 활동에서 예술의 계급적 성격에 대한 특히 날카롭게 단순화 된 이해가 나타났습니다. 투쟁의 요소는 내전 중 군사 작전과 외국의 개입뿐만 아니라 부르주아 문화를 분쇄하려는 정책으로 인해 문화 기념물의 파괴로 이어졌습니다. 따라서 많은 조각 기념물, 종교 숭배와 관련된 고대 건축물이 철거되거나 파괴되었습니다.
두 번째 문제는 예술에서 계급 정치의 문제입니다. "부르주아"와 "프롤레타리아", 파괴적이고 건설적인, 소련과 비 소련, "좌파"와 "우파", 문화적이고 무지하고 전문적이고 아마추어적인 모든 세력이 그 해결책에 참여했습니다.
국가가 선포한 사회 발전의 원칙은 대체로 예술의 점진적인 움직임을 결정했습니다. 실제 예술 상태의 벡터가 추가되어 일종의 힘 계층화가 발생했습니다. 한편으로 이것은 예술적 창의성의 본질에 포함된 형태의 움직임 패턴에 영향을 미치는 예술 자체 개발의 힘입니다. 다른 한편으로, 특정 형태의 예술 운동이 아닌 이것에 관심이 있는 사회 세력, 공공 기관의 영향. 세 번째-사회적 힘에 의존하거나 의존하지 않는 국가 정책의 지시는 예술의 구조, 본질, 진화 및 혁명적 잠재력에 무조건적인 영향을 미쳤습니다. 1920년대 말부터 정치는 예술 발전의 정상적인 과정을 왜곡하고 특정 "비프롤레타리아" 표현을 금지하거나 비난함으로써 예술 발전에 일정한 압력을 가하기 시작했습니다.
20년대 예술가와 예술단체.
1920년대는 예술의 격동기였다. 다양한 진영이 있었습니다. 그들 각각은 플랫폼을 내놓았고 각자 자신의 선언문을 말했습니다. 탐구의 발상에 사로잡힌 예술은 다양했다. 그것은 시대와 보조를 맞추고 미래를 내다 보려고 노력하면서 끓고 끓었습니다.
당시의 주요 창작 과정을 반영한 선언과 창작 활동을 가진 가장 중요한 그룹은 AHRR, OST 및 "4 예술"(8, p. 87)이었습니다.
AHRR 그룹(러시아 혁명 예술가 협회)은 1922년에 생겼습니다(1928년에 AHRR - 혁명 예술가 협회로 개명됨). AHRR의 핵심은 주로 여행 전시회 협회의 이전 회원들로 구성되었습니다. AHRR의 선언은 1922년 전시 카탈로그에 다음과 같이 명시되어 있습니다. 노동자, 농민, 혁명가, 노동 영웅의 삶" .
AHRR 예술가들은 당시 대중이 자신의 그림에 접근할 수 있도록 노력했습니다. 그들의 작업에서 그들은 종종 후기 Wanderers의 일상적인 쓰기 언어를 기계적으로 사용했습니다. AHRR은 "노동자의 삶과 삶"(1922), "붉은 군대의 삶과 삶"(1923), "혁명, 삶과 노동"(1924 - 1925), "소련 인민의 삶과 삶"(1926)-현대 현실을 직접 반영하는 작업에 대해 이야기합니다.
"Akhrovites"의 관행의 특징은 그곳에서 영웅의 삶과 삶을 관찰하기 위해 공장과 공장, 적군 막사로 갔다는 것입니다. "소련 민족의 삶과 삶"전시회를 준비하는 동안 참가자들은 소련 국가의 가장 먼 구석을 방문하여 작업의 기초가 된 상당수의 스케치를 가져 왔습니다. AHRR 예술가들은 당시 다양한 예술 그룹의 대표자들에게 영향을 미치며 새로운 주제를 마스터하는 데 중요한 역할을 했습니다.
AHRR 아티스트들 사이에서 돋보이는 독창성 I.I.브로드스키(1883-1939), 혁명의 사건과 영웅을 정확하고 다큐멘터리로 재현하는 것을 그의 임무로 설정했습니다. V.I. 의 활동에 전념하는 그의 캔버스. 레닌. 그림 같은 Leniniana의 탄생은 Brodsky의 1929년 그림 "Putilov 공장에서의 레닌의 연설"과 그의 가장 유명한 작품 중 하나인 "Lenin in Smolny"(1930)를 기반으로 하여 직장에서 레닌을 묘사했습니다. Brodsky는 레닌을 여러 번 보았고 그를 스케치했습니다(12, p. 92).
Brodsky의 작품은 역사적, 인지적 중요성이 큰 진정성이라는 중요한 특성을 가지고 있습니다. 그러나 다큐멘터리에 대한 열망은 때때로 사건에 대한 경험적, 자연주의적 해석으로 이어졌다. Brodsky 그림의 예술적 중요성은 또한 그의 작품의 상당 부분의 건조한 자연주의와식이 색소 특성으로 인해 감소했습니다.
인물화의 대가 G.G.랴즈스키(1895 - 1952)는 1923년 AHRR에 가입했다. 그의 대표작으로는 "Delegate"(1927)와 "Chairwoman"(1928)이 있다. 국가의 산업 및 사회 생활에 적극적으로 참여합니다. 그의 "회장"은 활동가 노동자입니다. 그녀의 자세에서 몸짓, 자존감, 느슨함은 새로운 노동 사회에서 여성의 위치에 대한 증거로 드러난다.
AHRR의 초상화 화가들 중 눈에 띄는 역할은 다음과 같습니다. S.V.말류틴(1859-1937). 그가 혁명 이전에 시작한 초상화 갤러리는 소비에트 시대에 V.K의 초상화로 보완되었습니다. Byalynitsky-Biruli, A.V. Lunacharsky 및 기타 다수. 그 중 1922년에 그려진 드미트리 푸르마노프의 가장 흥미로운 초상화는 새로운 소련 지식인을 대표하는 전사 작가의 이미지를 설득력 있게 드러낸다.
AHRR 전시회에 적극적으로 참여한 사람은 19-20세기 전환기의 주요 러시아 화가였습니다. A.E. 아르키포프. 1920 년대에 Arkhipov는 "주전자를 든 여자", "녹색 앞치마를 입은 농부 여자", "손에 분홍색 스카프를 든 농부 여자"등 농민 여성의 이미지를 만들었습니다. 기질적으로 다채롭게.
삶의 새로운 현상에 대한 면밀한 관찰과 관심은 E.M. 일상 장르 분야에서 방황 전통을 이어온 Cheptsov (1874-1943). 혁명 초기의 마을 활동가를 묘사 한 그의 그림 "마을 세포의 만남"(1924)은 널리 알려져 있습니다. 작가의 관찰력과 성실함, 캐릭터 외모의 단순함, 주변 액세서리의 무능함은 Cheptsov의 작고 겸손한 그림 작업을 AHRR 예술의 가장 흥미로운 예 중 하나로 만들었습니다.
풍경화가 B.N. 의 작품 중 하나에 대해서도 마찬가지입니다. 야코블레프(1880~1972). 그의 "운송이 좋아지고있다"(1923)는 겸손하면서도 동시에 혁명 첫해의 어려운 시대, 사람들의 일상 업무에 대한 깊은 이야기입니다. 차분하고 단순하게 그린 이 그림은 소비에트 그림에서 산업 풍경의 첫 번째 예 중 하나입니다.
AHRR 그림의 특별한 장소는 M.B. Grekov (1882-1934) - 소련 예술에서 전투 장르의 창시자. 10 년 반 동안-그의 인생이 끝날 때까지-그는 예술가가 참여한 캠페인과 전투에 참여한 제 1 기병대 전용 그림 시리즈를 만드는 데 바빴습니다. 그의 작품, 특히 초기에는 Vereshchagin의 전통이 분명히 느껴집니다. Grekov의 주인공은 전쟁의 모든 어려움을 스스로 짊어진 사람들입니다. Grekov의 작품은 삶을 긍정합니다. "Tachanka"(1925)와 같은 1920 년대 중반의 그림에서 이미지의 순회 정확성은 낭만적 인 기쁨과 결합됩니다. 나중에 제 1 기병대의 원래 그림 연대기를 계속하면서 Grekov는 "쿠반에게"와 "제 1 기병대의 트럼펫"그림이 눈에 띄는 서사시 캔버스를 만듭니다 (둘 다-1934).
혁명 당시 이미 광범위한 창작 경험을 가진 구세대 및 중년 세대의 예술가를 포함하는 AHRR과 함께 OST 그룹 (Society of Easel Painters)이 그 해의 예술적 삶에서 적극적인 역할을 담당했습니다. , 1925 년에 조직되었습니다. 그것은 최초의 소련 예술 대학 인 VHU-TEMAS의 예술적 청년들을 통합했습니다. (삼)
협회의 주요 임무는 현대적인 주제 또는 현대적인 내용으로 이젤 그림의 부흥과 발전을 위한 투쟁이었습니다. 그러나 OST 아티스트들의 창작 포부와 방법에는 특징적인 차이가 있었다. 그들은 이전 시대와 관련하여 현대 시대의 새로운 특성을 개별적인 사실에 반영하려고 노력했습니다. 그들의 주요 주제는 러시아의 산업화, 최근에는 여전히 농업과 후진, 현대 생산과 인간 사이의 관계의 역학을 보여주고자 하는 욕구였습니다.
OST 그룹의 가장 재능있는 대표 중 한 명은 A.A.데이네카. 가장 가까운 OST 선언은 그의 그림입니다. "새로운 작업장 건설 중"(1925), "광산으로 내려가기 전에"(1924), "축구 선수"(1924), "직물 노동자"(1926). Ostovets 인 Deineka의 비 유적 파토스는 "At the machine", "The godless at the machine", "Spotlight"와 같은 일반적인 독서를 위해 잡지에서 일러스트 레이터로 활동하는 저널리즘 그래픽에서 탈출구를 찾았습니다. , "청소년"등 Ostovo 시대의 중심 작품 Deineka는 1928 년 "붉은 군대의 10 년"이라는 주제 전시회를 위해 작성된 그림 "Petrograd의 방어"가되었습니다. 이 작품은 이후 시대의 소비에트 예술에서 가장 생명을주고 발전시킨 OST의 혁신적인 전통의 주요 파토스와 의미를 드러냅니다. Deineka는 이 그림에서 그의 스타일의 모든 독창성을 구현하고 표현 수단을 최소한으로 줄였지만 매우 활동적이고 효과적으로 만들었습니다(8, p. 94).
OST의 다른 멤버 중 Yu.I. Pimenov, P.V. 윌리엄스, S.A. Luchishkin. Pimenov의 "Heavy Industry", Williams의 "Hamburg Uprising", Luchishkin의 "The Ball Has Flew"및 "I Love Life"는 같은 기간에 만들어졌으며 현대 현실의 중요한 특성을 드러내고 혁신적으로 반영했습니다.
구성이 젊었던 Ostovo 그룹과 달리 그해의 예술적 삶에서 중요한 위치를 차지한 두 개의 다른 크리에이티브 그룹 인 "4 Arts"와 OMX가있었습니다. (모스크바 예술가 협회),-혁명 이전 시대에 창의적으로 형성된 이전 세대의 거장들을 통합하여 그림 문화 보존 문제를 특별한 경외심으로 다루고 그 언어와 조형 형태를 매우 중요하게 생각했습니다. 작업의 일부. 4 예술 협회는 1925년에 생겨났습니다. 이 그룹의 가장 두드러진 구성원은 P.V. Kuznetsov, K.S. Petrov-Vodkin, M.S. Saryan, N.P. Ulyanov, K.N. Istomin, V.A. Favorsky.
"전투 후"(1923), "창가의 소녀"(1928), "불안"(1934)과 같은 Petrov-Vodkin의 작품은 다양한 기간의 윤리적 의미를 가장 완벽하게 표현합니다. 개발의 이정표 소비에트 사회의. Deineka의 "Defense of Petrograd"와 같은 그의 그림 "The Death of a Commissar"(1928)는 Deineka의 비 유적 결정의 기초 인 특정 홍보와는 대조적으로 "적군의 10 년"전시회와 관련하여 그렸습니다. 작업에 대한 자신의 철학적 솔루션을 제공합니다. 이러한 이벤트의 윤리적 본질을 드러내면서 지구 전체에서 발생하는 이벤트에 대한 아이디어를 일반화하는 사실을 통해. 위원은 삶과 죽음 모두에서 인류의 이름으로 위업을 수행하는 사람입니다. 그의 이미지는 이러한 아이디어의 가장 적극적인 운반자의 죽음에도 불구하고 미래에 이길 밝은 아이디어의 무적을 표현한 것입니다. 죽어가는 커 미서의 이별의 시선은 공격 전 전투기 분리에 대한 이별의 말과 같습니다. 그는 승리에 대한 믿음으로 가득 차 있습니다.
Petrov-Vodkin의 철학적 아이디어는 적절한 플라스틱 표현을 찾습니다. 묘사 된 공간은 그대로 행성의 구형 표면 위로 확장됩니다. 직접 및 역방향 관점의 조합은 일어나고 있는 일에 대한 "행성" 파노라마를 설득력 있고 날카롭게 전달합니다. 비 유적 문제는 색채 체계에서 명확하게 해결됩니다. 그의 그림에서 작가는 마치 지구의 주요 색상 인 차가운 푸른 공기, 푸른 물을 구현하는 것처럼 삼색의 원리를 고수합니다. 갈색-적색 지구; 식물 세계의 녹지.
1927년에 조직된 OMX 그룹의 예술가들은 소비에트 회화의 역사에서 중요한 흔적을 남겼습니다. 그들 중 많은 사람들이 "Jack of Diamonds"협회에서 혁명 이전 시대에 서로 가까워졌습니다. OMche에서 가장 활동적인 것은 P.P. Konchalovsky, I.I. Mashkov, A.V. Lentulov, A.V. Kuprin, R.R. 포크, V.V. Rozhdestvensky, A.A. 오스머킨. 예술 초상화 예술적인
그들의 선언에서 OMHa 예술가들은 "우리는 예술가에게 그의 작품의 이데올로기적 측면과 분리할 수 없는 형식적 측면의 최대 효율성과 표현력을 요구합니다."라고 말했습니다. 이 프로그램에는 '4예술' 그룹에 대한 애착이 있다.
초창기 소비에트 미술에서 이 프로그램의 가장 두드러진 주창자 중 한 명은 P.P. Konchalovsky. 그는 "다이아몬드 잭" 경향과 러시아 사실주의 예술가의 유산을 결합하기 위해 노력했으며, 이는 그의 창작 범위를 크게 확장하고 1920년대 소련 예술에 보다 유기적으로 진입하는 데 도움이 되었습니다. "아내와 함께한 자화상"(1922), "O.V. Konchalovskaya의 초상화"(1925), "나타샤의 딸의 초상화"(1925)와 같은 주인의 작품은 개별 색상의 강도와 함께 색채 무결성으로 구별됩니다. 같은 해에 P.P. Konchalovsky는 주제별 그림을 만들려고 시도하며 그중 최고는 Novgorodians (1921)와 From the Fair (1926)입니다. 작가는 "러시아 농민"의 전통적인 이미지에 관심이 있습니다. 강력하고 덤불이며 친숙한 물건에 둘러싸여 살고 있으며 오래된 관습의 법칙에 따라 환경과 함께 일반적으로 국가적인 것을 구성합니다.
30년대 예술가와 미술협회.
소비에트 예술사에서 1930년대는 현실 자체의 모순을 반영하는 어려운 시기이다. 사회에서 일어난 상당한 변화를 인식하고 동시에 예술의 거장 인 산업화의 파토스는 주요 사회적 모순을 거의 눈치 채지 못했고 스탈린의 성격 숭배 강화와 관련된 사회적 갈등을 표현하지 않았습니다 (1).
1932년 4월 23일 당 중앙위원회는 "문예 조직의 구조조정에 관한" 결의안을 채택했다. 이 법령은 기존의 모든 예술 그룹을 제거하고 소비에트 예술의 모든 창조력의 안정화 및 발전의 일반적인 방법과 형태를 나타냅니다. 이 결의안은 1920년대와 1930년대로 접어들면서 더욱 악화되었던 개별 협회 간의 대립을 약화시켰다. 그러나 다른 한편으로는 예술 생활에서 통일 경향이 심화되었습니다. 1920년대에 느껴지던 아방가르드 실험은 중단되었다. 소위 형식주의에 대한 투쟁이 전개되었고 그 결과 많은 예술가들이 이전 정복을 포기할 수밖에 없었습니다.
단일 노조의 창설은 A.M. 소련 작가의 첫 번째 전체 연합 대회에서 Gorky. 사회주의 리얼리즘은 19세기 사실주의 예술의 전통을 이어받았다. 혁명적 발전에서 현실을 묘사하는 예술가를 목표로 삼았습니다. 그러나 소비에트 예술의 추가 관행에서 알 수 있듯이 "사회주의 리얼리즘"이라는 용어는 새로운 문화의 복잡하고 다층적인 경향에 충분히 수용적이고 적절하지 않은 것으로 판명되었습니다. 예술적 실천에 대한 형식적 적용은 종종 예술 발전에 대한 독단적인 제동 역할을 했습니다. 1980년대 사회 구조 조정의 조건 하에서 "사회주의 리얼리즘"이라는 용어는 다양한 수준의 전문 분야에서 논의의 대상이 되었습니다.
20대에 등장한 많은 진보적 경향이 30대에도 계속 발전한다. 예를 들어, 이것은 다양한 국립 학교의 유익한 상호 작용에 관한 것입니다.
소련의 모든 공화국에서 온 예술가들이 1930년대에 조직된 대규모 미술 전시회에 참가합니다. 동시에 수십 년간의 국가 예술과 관련하여 공화당 전시회가 모스크바에서 조직됩니다. 민족 예술의 문제는 형제적 공화국의 예술가들에게 특별한 관심사입니다.
1930년대에는 예술가를 위한 국가 명령과 창의적인 출장의 관행이 확대되었습니다. "적군 15년", "적군 20년", "콤소몰 20년", "사회주의 산업", "소련 회화 최고의 작품 전시회" 등의 주요 전시회가 조직되고 있습니다. .소련 예술가들은 파리와 뉴욕의 국제 전시회에 참여하고 모스크바의 All-Union Agricultural Exhibition을 위해 작품을 공연하며 그 준비와 관련하여 상당한 수의 기념비적이고 장식적인 작품이 만들어졌습니다. 자체 목표와 패턴을 가진 독립적인 예술 형식으로 기념비적 회화의 부활에서 중요한 단계. 이 작품들에서 기념비주의에 대한 소련 예술의 매력이 표현되었습니다.
이 시대 이젤 그림의 가장 중요한 대표자 중 한 명은 화가입니다. 보리스 블라디미로비치 요간손(1893-1973), 그의 작품을 XIX 세기 러시아 회화의 가장 높은 전통으로 바꿨습니다. 그는 Surikov와 Repin의 유산을 해석하여 시대와 일치하는 그의 작품에 새로운 혁명적 내용을 도입합니다. 이러한 관점에서 Ioganson의 그림 "공산주의자 심문"(1933)과 "At the Old Ural Plant"(1937)는 특히 중요합니다.
그림 "공산주의자 심문"은 "적군 15년" 전시회에서 처음으로 전시되었습니다. 그 안에서 작가는 혁명적 인 조국을 지키기 위해 일어 섰던 공산주의자들과 내전 중에 소비에트 국가를 교살하려했던 적들 인 화이트 가드를 보여주었습니다. 작가는 특정 환경에서 특정 행동을 보여줌으로써 Repin의 전통에서 역사적 일반화를 수행합니다. 여기에 묘사 된 사람들의 이름을 모르면 역사적으로 이미지 전체가 보편적으로 인식됩니다. Ioganson의 그림에 나오는 공산주의자들은 죽을 운명에 처해 있습니다. 그러나 작가는이 상황뿐만 아니라 역사 앞에서 무력한 화이트 가드 그룹을 지배하는 불안, 초조함, 심리적 불일치와 대조되는 평온함, 용기, 힘 및 체력을 보여줍니다. .
"사회주의 산업"전시회를 위해 그린 그림 "At the Old Ural Factory"에서 Ioganson은 육종가와 노동자의 이미지를 대조하여 착취 자에 대한 초기 계급 의식과 내부 우월감을 드러냅니다. 작가는 이 그림을 통해 구(舊)와 신(新), 반동과 진보의 역사적 갈등을 보여주고 혁명과 진보의 승리적 힘을 확인했다. 이것은 Ioganson의 그림을 예로 들어 소련 역사 혁명 장르의 새로운 특징입니다.
이 기간의 특별한 장소는 이미지, 주제 및 창의성 장르에서 다면적입니다. 세르게이 바실리예비치 게라시모프. 그의 작품에서 역사 장르의 가장 눈에 띄는 작품은 "시베리아 파르티잔의 맹세"(1933) 그림으로 개방적인 표현력, 드러난 색채 표현력, 날카로운 그림, 역동적 인 구성이 인상적입니다. 국내 장르에서 일하는 S.V. Gerasimov는 농민 주제에 주된 관심을 기울였습니다. 이를 해결하기 위해 작가는 초상화를 통해 여러 가지 설득력있는 농민 이미지를 만들었습니다. 집단 농장 마을을 건설하는 동안 그는 가장 눈에 띄는 초상화 중 하나인 "집단 농장 파수꾼"(1933)을 그렸습니다. 1930년대 풍속화의 가장 중요한 작품 중에는 사회주의 산업 전시회에 전시된 집단 농장 휴일(1937) 그림이 있습니다. 가장 큰 소비에트 미술 평론가 학자 I.E. 의이 그림을 정확하고 간결하게 특징 짓습니다. Grabar : ""사회주의 산업"전시회 최고의 그림 중 하나 인 멋진 캔버스 "Collective Farm Holiday"가 나타 났을 때 주인의 새롭고 놀라운 성장이 분명해졌습니다. Sergei Gerasimov를 제외한 소련 예술가는 거의 없습니다. , 그러한 구성, 빛 및 색상 작업에 대처할 수 있으며 이러한 간단한 수단과 기술의 도움으로도 가능합니다. 제한된 계획으로 실행되었다는 사실에도 불구하고 혁명 기간 동안 러시아 회화에서 가장 햇볕이 잘 드는 그림이었습니다. " (1, 189쪽).
소비에트 농민의 "가수"는 아르카디 알렉산드로비치 플라스토프(1893-1983), 그의 기원에 따라 러시아 마을과 관련이 있습니다. 그는 자연, 땅, 이 땅에 사는 농민들과 밀접하게 접촉하면서 보낸 어린 시절의 인상에 평생 동안 큰 영향을 받았습니다.
위대한 10 월 사회주의 혁명 이후 Plastov는 그의 고향 마을 인 Prislonikhe에서 일에 빠져 자유 시간을 그림에 바치고 농민 생활에 전념하는 그의 미래 작품에 대한 스케치와 인상을 축적했습니다. 공기와 빛으로 가득 찬 Plastov의 첫 번째 중요한 작품 중 하나 인 "Bathing the Horses"그림은 "적군 20 년"전시회를 위해 그에 의해 제작되었습니다. 전시회 "사회주의 산업"을 위해 Plastov는 큰 캔버스 "Collective Farm Holiday"를 그렸습니다. 당시 Plastov의 또 다른 밝은 작품은 "Collective Farm Herd"(1938)입니다. 이 그림들은 모두 몇 가지 공통된 특징을 보여줍니다. Plastov는 풍경 외부, 러시아 자연 외부의 장르 장면을 생각하지 않으며 항상 서정적으로 해석되어 가장 단순한 표현으로 그 아름다움을 드러냅니다. Plastov 장르 작품의 또 다른 특징은 작가가 선택한 줄거리에 갈등이나 특별한 순간이 없다는 것입니다. 예를 들어 "Collective Farm Herd"와 같이 그의 그림에서 때때로 사건이 전혀없고 아무 일도 일어나지 않습니다. 그러나 동시에 작가는 항상 그림의 시적 표현력을 얻습니다.
30대에 나름대로 성장한 인재 A.A.데이네카. 그는 이전 테마, 플롯, 좋아하는 이미지, 색상 및 구성 시스템을 계속 고수했습니다. 사실, 그의 그림 스타일은 다소 부드러워졌습니다. 그 예로는 "Mother"(1932), "Lunch Break in the Donbass"(1935), "Future Pilots"(1938) 등 30 년대 최고의 작품이 있습니다. 스포츠, 항공, 알몸의 훈련 된 몸, 간결함과 그림 언어의 단순성, 갈색-주황색과 파란색의 경쾌한 조합은 어떤 경우에는 사색의 순간 인 서정에 의해 부드러워집니다. Deineka는 또한 미국, 프랑스, 독일 및 이탈리아 여행의 결과로 등장한 외국 생활 장면을 포함하여 그의 작업의 주제 프레임 워크를 확장했습니다.
OST의 또 다른 전 멤버 - Yu.I.피메노프(1903-1977)은 30년대 최고의 그림 중 하나인 "New Moscow"(1937)를 만들었습니다. 모스크바 중심(스베르들로프 광장)의 풍경은 보는 사람을 등지고 젊은 여성이 운전하는 질주하는 차에서 보이는 듯하다. 새로 지어진 건물, 자동차의 빠른 주행, 밝은 색상, 풍부한 공기, 넓은 공간 및 구성 프레임-모든 것이 낙관적 인 세계관으로 가득 차 있습니다.
1930년대 G.G. Ostovtsy의 추종자 인 Nissky (1903-1987)는 간결함, 구성 및 리드미컬 솔루션의 선명도를 채택했습니다. 그의 그림 "Autumn"(1932)과 "On the Way"(1933)입니다. Nyssa의 풍경에서는 인간의 변혁적 활동을 항상 볼 수 있습니다.
이전 세대의 풍경화가 중 N.P. Krymov (1884-1958), 1937 년 유명한 그림 "모스크바의 Gorky 문화 및 레저 중앙 공원의 아침"을 만들었습니다. 공원의 넓은 전경, 그 뒤로 펼쳐지는 거리, 캔버스 너머로 보는 사람의 시선을 이끄는 평평한 수평선 - 모든 것이 신선함과 광활함을 호흡합니다.
A. 20 세기 초에 작품이 형성된 Rylov는 "Lenin in Razliv"(1934) 그림에서 풍경과 역사적 장르를 결합하여 자연, 생각, 느낌, 역사적 긍정의 확장을 달성합니다. 낙천주의.
탁 트인 풍경에 대한 매력은 여러 공화국의 많은 화가들의 작품에서 나타났습니다. 이 중력은 1930 년대에 강화되고 성장한 조국, 조국에 대한 예리한 감각과 관련이 있습니다. D.N. 그의 "Imeretian landscape"(1934)에서 Kakabadze (1889 - 1952)는 능선 후 능선, 경사 후 경사면까지 멀리 뻗어있는 백인 산의 넓은 확산을 제공합니다. M.S. Saryan 1930년대는 또한 아르메니아의 탁 트인 전망에 대한 국가적 경관에 대한 관심으로 표시되었습니다.
이 기간 동안 초상화 장르도 유익한 발전을 이루었으며 이전 세대의 예술가 P.P. Konchalovsky, I.E. 그라바, M.V. Nesterov 및 기타.
P.P. 가장 다양한 장르의 회화 작품으로 유명한 Konchalovsky는 30-40 년대 소련 과학 및 예술 인물의 전체 초상화 시리즈를 만들었습니다. V. V. 의 최고의 초상화 중. 피아노를 치는 소프로니츠키(1932), S.S. 프로코피예프(1934), V.E. 메이어홀드(1937). 이 작품들에서 Konchalovsky는 조형적 색채 체계를 통해 삶을 표현하는 뛰어난 능력을 발휘합니다. 그는 오래된 예술의 최고의 전통을 혁신적인 색각의 선명도, 삶을 긍정하고 감정적으로 강력한 주요 이미지 사운드와 결합합니다.
그 시대 초상화 발전의 진정한 정점은 M.V. 네스테로프. 19세기와 20세기를 통합한 그의 작업 전반에 걸쳐 Nesterov는 삶과 살아있는 연결을 유지했습니다. 1930년대에 그는 초상화가로서의 재능을 재발견하면서 눈부신 전성기를 경험했습니다. Nesterov의 초상화에서 비 유적 의미는이 시대를 대표하는 가장 다양한 사람들의 창조적 인 파토스를 식별하여 시대의 창조적 정신을 확인하는 것입니다. Nesterov의 영웅 서클은 구세대의 소비에트 지식인, 창의적인 직업을 가진 사람들을 대표합니다. 따라서 Nesterov의 가장 중요한 작품 중에는 Korin 형제 (1930), 조각가 I.D. Shadra (1934), Academician I.P. Pavlov (1935), 외과 의사 S.S. Yudin (1935), 조각가 V.I. 무 키나 (1940). Nesterov는 V.A. 초상화 전통의 후계자 역할을합니다. Serov. 그는 특성을 강조하고 제스처, 캐릭터의 특징적인 자세를 강조합니다. 학자 파블로프가 탁자 위에 올려놓은 주먹을 꼭 쥐고 있는 모습은 노년의 노후와 대비되는 강인함을 드러낸다. 외과 의사 Yudin도 테이블에 앉아 옆모습으로 묘사됩니다. 그러나이 이미지의 표현력은 손을 들어 올리는 "비행"제스쳐의 특징에 기반합니다. Yudin의 쭉 뻗은 손가락은 그의 의지를 이행할 준비가 된 손재주 있고 강한 전형적인 외과 의사의 손가락입니다. Mukhina는 창조의 순간에 묘사됩니다. 그녀는 예술가에게주의를 기울이지 않고 집중하여 그녀의 충동에 완전히 순종하여 조각품을 조각합니다.
이 초상화에는 액세서리가 간결하게 제공됩니다. 그들은 색상, 조명, 실루엣으로 묘사 된 사람들의 특성에 정당하고 적극적으로 포함됩니다. 초상화의 채색은 극적으로 활동적이며 경쾌하고 미묘하게 조화를 이루는 추가 톤으로 가득 차 있습니다. 따라서 차가운 색조와 따뜻한 색조의 가장 좋은 색조 조합을 기반으로 한 Pavlov 초상화의 복잡한 색상은 과학자 내면 세계의 영적 선명도와 무결성을 특징으로합니다. 그리고 고린 형제의 초상에서는 짙은 파란색, 검은색, 진한 갈색으로 두꺼워져 그들의 창작 상태의 극적인 성격을 표현합니다. Nesterov의 초상화는 노동 열정이 높은 시대에 사람들의 상태를 가장 전형적이고 생생한 표현으로 근본적으로 새롭고 삶을 긍정하는 시작, 창조적 연소를 예술에 도입했습니다.
Nesterov와 가장 가까운 아티스트 파벨 드미트리예비치 코린(1892-1967). 그는 Palekh 화가들 사이에서 자랐고 아이콘 그림으로 경력을 시작했으며 1911 년 Nesterov의 조언에 따라 모스크바 회화, 조각 및 건축 학교에 입학했습니다. 자신과 사람들에게 엄격하게 요구하는 Korin은 그의 모든 작업을 통해 이러한 품질을 수행했습니다. A.M.은 창의적 발전과 실제로 예술가의 삶에서 중요한 역할을 했습니다. 1931 년에 만난 Gorky. Gorky는 Korin이 세계 최고의 예술 기념물을 공부하기 위해 해외 여행을 도왔습니다.
아마도 이것이 Korin이 수년 동안 만들어 온 우리 시대의 과학자, 예술가, 작가의 초상화 갤러리가 A.M.의 이미지로 시작된 이유 일 것입니다. 고리키(1932). 본질적으로 이미 이 작품에서 초상화가 고린의 주요 특징이 드러난다. Gorky의 초상화는 명확하게 정의 된 실루엣, 대조되는 배경, 캔버스의 넓은 영역을 채우는 넓은 색상, 날카로운 표현 그림이 작가 성격의 역사적 일반화를 표현하는 진정으로 기념비적 인 작품입니다. 이를 위해 Korin의 다른 초상화와 마찬가지로 진한 회색, 진한 파란색, 때로는 검은 색 톤에 이르는 풍부한 범위가 특징입니다. 이 영역은 묘사되는 사람의 머리와 형상의 명확하게 조각된 형태뿐만 아니라 예술가의 본성의 감정적 특성을 표현합니다(6).
30년대에 코린은 배우 L.M. Leonidov와 V.I. Kachalov, 아티스트 M.V. Nesterov, 작가 A.N. 톨스토이, 과학자 N.F. 가말레야. 그와 그의 영적 교사 M.V. Nesterov, 창의적인 성격에 대한 관심은 우연이 아닙니다.
1930년대 회화의 성공이 회화의 발전 경로가 단순하고 모순이 없었다는 것을 의미하지는 않습니다. 그해의 많은 작품에서 I.V. 스탈린. 이것은 "의식"예술의 본질과 의미를 결정하는 삶에 대한 의사 영웅적, 의사 낭만적, 의사 낙관적 태도의 잘못된 파토스입니다. I.V. 스탈린, 산업화의 성공, 농민과 집단화의 성공. 주제를 "전문화"하는 많은 예술가들이 등장했습니다. 이와 관련하여 가장 경향이있는 것은 Alexander Gerasimov ( "크렘린의 스탈린과 KE Voroshilov"및 그의 다른 작품)였습니다.
서지
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K.S. Petrov-Vodkin. 다양한 작품을 통한 혁명의 이해. 현대 플롯과 아이콘의 교차 플롯. 고전적인 엄격한 그림의 전통과 초기 르네상스 예술가. 작가 작품의 전통.
실제 작업, 2014년 1월 23일 추가됨
XX 세기 초 러시아의 예술적 삶. 창의성의 기원과 K. Petrov-Vodkin 예술의 핵심 핵심, 1917년 혁명 이전과 그 기간 동안의 그의 작품. 이론적 견해와 그들 자신의 예술적 실천 사이의 연결의 불가분성.
테스트, 2010년 11월 28일 추가됨
XIX 후반 ~ XX 세기 초반의 시각적 수단 개발, 러시아 사실주의 회화 대표의 회화 적 방식. 역사적인 캔버스, 순회 예술가의 풍경, 아방가르드 예술가, 초상화 거장; "슈프리마티즘", 상징주의 예술가들.
프레젠테이션, 2013년 10월 2일 추가됨
주인의 새로운 예술적 시스템의 형성 인 Petrov-Vodkin의 전기. 그의 캔버스의 다양한 방식의 색채적 특성. Petrov-Vodkin 작품의 시공간 연속체: 초상화, 풍경화, 정물화, 스토리 페인팅.
논문, 2011년 3월 24일 추가됨
60-80 년대의 예술적 삶에 대한 시청자의 관심을 끄는 주요 순간 중 하나 인 청소년 전시회. G. Korzhev, T. Salakhov, Tkachev 형제, G. Iokubonis, I. Golitsyn의 작품에 대한 지식. 새로운 미술 잡지의 등장.
프레젠테이션, 2013년 10월 30일 추가됨
드로잉 실습의 이론적 입증의 시작. 고대 이집트에서 그리는 법 배우기. 르네상스 예술가. 사실주의에 공개적이고 일관되게 적대적인 예술 운동. 혁명 러시아의 미학 교육 이론가.
초록, 2013년 1월 10일 추가됨
Vera Mukhina의 조각 "Worker and Collective Farm Girl"및 기타 조각 작품. 조각가 이반 샤드린의 작품. 소비에트 예술가 Mitrofan Grekov, Arkady Plastov의 그림. 구성주의 건축가 Viktor와 Leonid Vesnin.
프레젠테이션, 2013년 1월 6일에 추가됨
1900-1930년에 활동한 화가, 그래픽 아티스트, 조각가 러시아에서 다양한 예술 그룹 및 협회에 포함되었습니다. 여행 미술 전시회 협회. 전시 협회 "러시아 예술가 연합"의 출현.
프레젠테이션, 2015년 10월 25일 추가됨
예술 작품 분석의 주요 방법에 대한 설명. 20세기 초 러시아 예술에서 상징주의와 근대성의 위치 분석. K.S. Petrov-Vodkin. 의 작품에서 러시아 음악의 사실주의 형성의 특징. 글린카.
설명서, 2010년 11월 11일 추가됨
XIX 세기 건축가의 전기, 삶 및 창조적 경로 탐색 : Beketova O.M., Bernardazzi O.Y., Gorodetsky V.V. 그 안에. 그 시대의 유명한 조각가 및 예술가 : Zhemchuzhnikov L.M., Shevchenko T.G., Bashkirtseva M.K., Bogomazov O.K.
