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Lapin I.L., Golubovich N.V.: 외국 문학. 17세기 문학

17~18세기 외국문학
17세기 세계문학 발전사.

17세기 유럽의 문학 과정은 매우 복잡하고 모순적이었습니다. 17세기는 르네상스에서 계몽주의로 넘어가는 전환기로서 유럽 국가들의 역사·문화 발전의 특징을 결정짓고 봉건적 가톨릭 반동의 입지가 강화되면서 르네상스 인문주의의 위기를 초래하게 되었으며, 바로크 미술에서 가장 강렬하게 표현된

스타일로서의 바로크는 문학뿐만 아니라 회화와 음악에서도 형성됩니다. 문학적 경향으로서 바로크에는 여러 가지 일반적인 철학적 예술적 원칙이 있습니다.

바로크는 르네상스 전통과 관련하여 논쟁적인 인간 개념을 기반으로 합니다. 바로크 작가들이 믿었던 것처럼 약하고 연약한 생물, 사람은 삶의 비극적 혼돈 속에서 방황할 운명에 처해 있습니다. 존재에 대한 매우 비관적인 개념은 바로크 문학을 금욕적인 종교적 이상으로 이끈다.

바로크는 엘리트 주의적 예술 이론을 만들고 특별한 은유적인 장식 스타일을 주장합니다. 세계의 부조화에 대한 생각을 바탕으로 바로크 작가들은 작품의 비 유적 체계에서 부조화에 대한 생각을 표현하려고 노력하면서 의미 론적 대조와 회화 적 대조에 매료됩니다. 바로크 양식의 원칙은 위대한 스페인 극작가 P. Calderon의 작품에서 가장 생생하게 구현되었습니다.

유럽 바로크에서는 높고 풀뿌리 또는 민주적 바로크의 두 가지 흐름이 형성됩니다. P. Calderon의 극장, L. de Gongora, D. Donne의 시, 목가적이고 용감한 영웅 소설 인 풀뿌리 바로크는 만화 스타일에 반대합니다. 여러 면에서 숭고한 이미지를 의식적으로 패러디하는 벌레스크(이러한 경향은 17세기 피카레스크 소설에서 가장 분명하게 표현되었습니다).

17 세기의 또 다른 문학적 경향은 프랑스에서 특별한 꽃을 피운 고전주의였습니다. 고전주의의 기원은 예술적 이상의 초점으로 고대 숭배를 창조한 르네상스의 미학으로 거슬러 올라간다는 것을 기억해야 합니다. 고전주의는 프랑스 사회의 민족의식의 부상을 반영했다. 17세기의 1/3에 프랑스에서는 절대 군주제가 수립되어 봉건 내전이 사라지고 단일 중앙 집중 국가가 형성되었습니다. 이 역사적으로 진보적인 과정은 고전주의의 발전을 위한 객관적인 전제 조건을 만듭니다. 합리주의 철학 학교의 창시자 R. Descartes의 아이디어는 고전주의의 미학에 깊은 영향을 미쳤습니다.

개발 과정에서 17 세기 고전주의는 두 가지 주요 단계를 거쳤습니다. 17세기 전반에 그는 P. Corneille의 정치적 비극에 반영된 시민권과 영웅주의에 대한 고상한 생각을 확인했습니다.

Fronde의 비극적 인 사건 이후 17 세기 후반에 비극적 동기가 고전주의로 깊어졌습니다. 고전주의는 N. Boileau의 논문 "Poetic Art"에서 완성된 일관된 미학 이론을 만들었습니다. 고전 주의자들은 "높음"과 "낮음", 엄격한 장르 및 스타일 표준 간의 명확한 구별을 포함하여 규범적인 예술 이론을 개발했습니다. 합리주의적 태도는 고전 작품에서 갈등의 특징인 인간의 개념을 결정했다. 동시에 고전 주의자들은 "자연의 모방", "합리적인 가능성"의 원칙을 옹호하여 17 세기 사회 생활의 전형적인 특징을 작품에서 재현 할 수있었습니다.
^ 세계 문학 발전의 XVII 세기

르네상스는 17세기의 역사와 문화와 분리하기 어렵다. 17세기 초에 르네상스의 유명인들은 계속해서 창조했습니다. 시대 간 전환은 매우 매끄럽고 여러 세대에 걸쳐 지속됩니다. 기간의 상한선에서도 같은 일이 발생합니다. XVII - XVIII 세기 - 현대 유럽 문화 발전의 근본적인 시대. 이 시대에 근대형 국가가 만들어집니다. 프랑스에서는 고전주의 문화의 영향으로 20세기까지 뿌리내린 문학과 언어의 규범이 만들어졌다. 계몽 운동과 합리주의 문학은 영국에서 유사한 규제 기능을 가졌습니다.

르네상스는 사회적 낙관주의, 우주와 인간 능력의 발견의 시대입니다. 사회 시스템은 더욱 역동적이 되고 인간의 성격과 운명의 가능성이 열립니다. 다양한 영역에서 사회적 장애를 극복할 수 있다는 믿음이 있습니다. 르네상스 인간의 이상은 문화에 따라 유형적으로 유사합니다. 보편적인 이상은 아름다움, 선함, 진실의 삼위일체를 구현했습니다. 그러나 이미 르네상스 말기인 16세기에 이 이상이 흔들리기 시작합니다. XVI 세기에는 종교 전쟁, 식민지 국가의 투쟁, 유럽 무대에서의 경쟁이 있습니다. 단일 유럽 문화가 흔들리고 있습니다. 라틴어 기원의 일반화 영향력이 사라집니다. 국가 문화가 나타나고 다양한 유형의 국가가 생성됩니다. 재 봉건화 과정의 결과로 등장한 부르주아 (네덜란드와 영국의 혁명), 오래된 사회 관계로의 복귀 (스페인, 독일, 이탈리아). 독일에서는 "난쟁이 절대주의"가 지배했고 국가는 분열 상태에있었습니다. 상황은 16세기에 일어난 30년 전쟁으로 더욱 악화되었습니다. 프랑스에서는 자본주의를 향한 점진적인 움직임이 있었습니다. 그 시대의 프랑스는 유럽의 주요 강국 중 하나입니다. 그녀는 시대 문학의 고전으로 간주됩니다. 그것은 중앙 집중화의 경향을 가장 분명하게 나타냅니다. 지역적 차이가 사라지고 중앙이 강화되고 단일 법률 및 문화 시스템이 생성되고 절대주의 (왕권의 배타적 역할)가 생성됩니다.

17세기에는 권력의 개념이 등장한다. 권력은 통제할 수 없는 초월적인 힘이 됩니다. 영국 철학자 홉스는 모든 것을 통제하고 복종을 요구하며 가혹한 방법으로 행동하는 괴물 리바이어던의 형태로 국가를 상상했습니다. 삶의 완전한 통일, 왕에 대한 복종이 있습니다. 관리 용이성의 범주는 시대를 선도하는 범주가 됩니다. 유럽에는 문화와 사회생활을 관장하는 의례가 있고, 에티켓이 도입된다. 루이 14세 시대에는 에티켓이 과장되었습니다. 경직된 상태 제어는 제약하는 힘이 됩니다. 혁명이 일어나고 독재가 이어지고 군주제가 복원됩니다.

17세기에 새로운 종교적 이상이 형성되고 있었습니다. 일상 생활에 대한 그의 접근 방식 인 "개인적인"신에 대한 검색이 있습니다. 부르주아지는 개인적 주도권을 전제로 한다. 이 탐구의 구체화는 극단적인 표현의 종교개혁(청교도주의, 칼빈주의)입니다. 의례적인 면은 버려지고 적나라한 신앙만 남는다. 개신교의 기본 가정은 당신이 신성한 구원에 합당하다는 개인적인 증거입니다. 시대의 내용은 특히 스페인과 이탈리아에서 발전하고 있는 반종교개혁 운동이기도 하다. 반개혁가들에 따르면, 신은 하늘로 밀려나 맹목적이고 비합리적인 힘으로 행동한다. 이 신앙의 담지자는 역시 하늘로 이관된 교회입니다. 이 전략은 "끝이 수단을 정당화한다"는 슬로건을 가진 예수회 조직에 의해 실행됩니다.

17세기는 인간의 가치관이 파국적으로 변하는 전환점이다. 시대의 상징은 끝없는 탐색, 불합리한 범주에 대한 신뢰와 반항, 자신의 의지의 폭동입니다. 시대의 남자는 검색 지원을 찾고 있습니다. 이 지지는 이성이나 감정이 됩니다. 진실, 선, 아름다움은 서로 따로따로 존재하기 시작합니다. 결과적으로 합리주의와 비합리주의라는 두 가지 상반된 경향이 발생합니다.

합리주의의 가장 두드러진 징후는 과학의 부상이다. 경험론에 대한 연구에서 방법의 문제가 발생하여 과학을 문학에 더 가깝게 만듭니다(르네 데카르트, 스피노자, 홉스). 이러한 과학적 탐색은 20세기까지 계속됩니다.

이러한 검색의 이면은 비합리주의입니다. 비합리주의는 인간 지식의 가능성을 의심합니다. 그는 미지의 영역을 식별하고 현상의 다양성과 유희를 보여주려고 합니다. 비합리주의에서 개념의 범주는 다르지만 신비적으로 관련된 범주의 수렴입니다. 은유는 개념에서 발전합니다. 이 시대의 문학은 은유적이다. 특정 진리 사이의 선택은 자신의 의지에 달려 있습니다.

시대의 보편자 중 하나는 위기감, 전환점, 르네상스 이상에 대한 재평가입니다. 그 시대의 문학은 논쟁적이고 선전적이다. 르네상스의 이상은 그것을 복원하거나 부정하는 것입니다. 조화의 원칙에 대한 거부도 있습니다. 17세기에는 지배적인 범주에 대한 설치가 있었습니다. 변증법은 이성과 감정, 성격과 사회의 상호 작용과 같은 반대의 통일과 투쟁에 의해 결정됩니다. 바로크 시대는 개인 프로세스에 관심이 있습니다. 인본주의는 변하고 있습니다. 그것은 "그럼에도 불구하고" 인본주의가 됩니다. 사람의 가치는 처음에 정해져 있는 것이 아니라 획득되는 것입니다. 시대의 또 다른 특징은 연구 접근 방식 인 분석주의입니다. 현실을 세부 사항과 예상치 못한 조합으로 분해하는 방법이 개발되었습니다. 시대는 넓은 서사시 파노라마를 위해 노력합니다. 저자는 아이디어의 중앙 집중화를 강조합니다. 아이디어의 발견 덕분에 저널리즘과 예술적 창의성 사이에 상호 작용이 있습니다. 문학 텍스트의 아이디어는 파토스와 논리를 통해 드러납니다. 논리는 구성, 부품의 연결을 구성합니다. 시대의 주요 이슈 중 하나는 진실과 신뢰성입니다. 진리의 기준에 대한 검색이 있습니다.
^ 바로크 문학(일반 설명).

바로크 시대의 작가와 시인들은 현실 세계를 환상이자 꿈으로 인식했습니다. 사실적인 묘사는 종종 우화적인 묘사와 결합되었습니다. 기호, 은유, 연극 기법, 그래픽 이미지(시가 그림을 형성함), 수사적 인물의 채도, 대조, 평행법, 계조, 모순어법이 널리 사용됩니다. 현실에 대한 소극적 풍자적 태도가 있습니다. 바로크 문학은 다양성에 대한 열망, 세계에 대한 지식의 총합에 대한 열망, 포용성, 때때로 혼돈으로 변하고 호기심을 모으는 백과사전주의, 그 대조(영과 육체, 어둠과 빛, 시간 그리고 영원). 바로크 윤리는 밤의 상징주의, 연약함과 무상함의 주제, 삶의 꿈에 대한 갈망으로 표시됩니다 (F. de Quevedo, P. Calderon). 칼데론의 희곡 "인생은 꿈이다"는 잘 알려져 있습니다. 용감한 영웅 소설 (J. de Scudery, M. de Scudery), 실생활 및 풍자 소설 (Furetière, C. Sorel, P. Scarron)과 같은 장르도 발전하고 있습니다. 바로크 스타일의 틀 내에서 그 다양성과 방향은 Marinism, Gongorism (Culteranism), Conceptism (이탈리아, 스페인), 형이상학 학교 및 Eufuism (영국) (정확한 문헌 참조)에서 탄생했습니다.

소설의 행동은 종종 고대의 허구의 세계, 그리스로 옮겨지고 법원 기사와 숙녀는 목가적이라고 불리는 양치기와 양치기로 묘사됩니다 (Honoré d' Urfe, "Astrea"). 시는 복잡한 은유를 사용하는 허세를 부립니다. 소네트, 론도, 콘세티(재치 있는 생각을 표현하는 짧은 시), 마드리갈과 같은 일반적인 형식.

서쪽의 소설 분야에서 뛰어난 대표자는 G. Grimmelshausen (소설 "Simplicissimus"), 드라마 분야-P. Calderon (스페인)입니다. V. Voiture(프랑스), D. Marino(이탈리아), Don Luis de Gongora y Argote(스페인), D. Donne(영국)은 시에서 유명해졌습니다. 러시아에서 바로크 문학에는 S. Polotsky, F. Prokopovich가 포함됩니다. 프랑스에서는 이 기간 동안 "귀중한 문학"이 번성했습니다. 그런 다음 가장 유행하고 유명한 파리의 귀족 살롱 중 하나 인 Madame de Rambouillet의 살롱에서 주로 재배되었습니다. 스페인에서는 문학의 바로크 경향을 가장 두드러진 대표자의 이름을 따서 "곤고리즘"이라고 불렀습니다(위 참조).
바로크 문학(일반 특성).

시대의 보편성은 바로크와 고전주의에 나타난다. 유럽 문학에서 고전주의는 바로크의 단순화된 버전으로 제시되고, 러시아 문학에서는 바로크와 고전주의가 다른 예술 운동으로 간주됩니다. 그러나 한 작가의 작품에서는 이 두 경향이 수렴될 수 있다. 스페인에서는 바로크 양식이 지배적 위치를 차지했습니다. 그의 미학과 시학은 Lope de Vega 학교의 대표자들에 의해 개발되었습니다. 고전주의는 이론적으로만 발전했습니다. 영국에서는 르네상스의 전통이 강했기 때문에 어떤 방법도 지배적이지 않았습니다. 세기 중반이 되어서야 영국 예술에서 고전주의적 특징이 성장했지만(Ben Jonson의 이론), 그들은 이 나라에서 뿌리를 내리지 못했습니다. 풀뿌리 바로크는 독일에서 발전하고 있으며 선호되는 장르는 피비린내 나는 드라마와 피카레스크 소설입니다. 고전주의는 프랑스에서 근본적인 방법이 되지만 바로크 경향도 여기에서 나타납니다. 고전과 함께 방랑자의 시인 살롱 문학도 있습니다.

바로크는 문학에서만 실현되는 것이 아닙니다. 처음에는 건축(베르니니의 작품, 베르사유의 분수)에서 강조되었습니다. 음악에서 바로크는 Bach와 Handel의 작품, Titian과 Caravaggio의 그림, Jean-Baptiste Marino와 Calderon의 문학으로 표현되었습니다. 바로크는 르네상스와 밀접한 관련이 있습니다. Yu.B. Wipper는 후기 르네상스의 비극적 인본주의 인 매너리즘에 대해 이야기합니다. 이것은 인간에 대한 믿음과 인간 존재의 비극을 보여주는 철학적 갈등이 있는 우화적 공간으로의 출구입니다.

"바로크"라는 단어 자체에는 정확한 설명이 없습니다. 이 용어는 광범위한 현상을 나타냅니다. 정의상 바로크에는 표준이 없습니다. 정경은 개인이며 다양성이 여기에서 지배합니다.
바로크 시대의 세계관 설정:
1. 세상의 모순, 정해진 형식의 부재, 끝없는 투쟁을 느끼다. 저자의 임무는 가변성에서 현실을 포착하는 것입니다.

2. 비관적인 감정 톤. 그것은 파편화, 세계의 이중성에서 비롯됩니다. 이러한 경향의 문헌에는 이중의 모티프가 자주 발견된다.

3. 주요 동기 - 육체와 영, 보이는 것과 실제의 투쟁. 가장 좋아하는 주제는 삶과 죽음의 투쟁입니다. 바로크 작가는 종종 경계선 상태(수면, 질병, 광기, 전염병 동안의 잔치)에 있는 사람을 묘사합니다.

4. 연극, 연극, 삶에 대한 영웅의 실험, 세상의 기쁨에 대한 경건한 태도, 삶의 작은 것들에 감탄. 바로크 작품은 삶의 만화경을 보여줍니다.

5. 바로크 영웅은 완전한 개인주의자이다. 이것은 밝지 만 처음에는 자신의 죄를 속죄해야하는 사악한 피조물이거나 처음에는 친절하지만 삶의 상황에 따라 변형 된 사람입니다. 두 번째 유형의 영웅은 창의성으로 또는 삶의 유토피아를 창조함으로써 세상에서 벗어나려고 합니다.
바로크 미학은 Wit or the Art of a Quick Mind(Balthasar Grassian) 논문과 Aristotle의 Spyglass(Emmanuel Tesauro) 논문에서 설명됩니다. 바로크의 관점에서 예술은 주관적인 창조성입니다. 진실을 표현하는 것이 아니라 작가의 뜻에 따라 환상을 만들어낸다. 작가의 임무는 현실의 변형입니다. 생각의 비행은 과장되어야합니다. 바로크 작가들은 특이한 모든 것에 관심이 있습니다. 전례없는 일에 익숙해지면서 독자는 놀랄 수 있습니다. 주요 예술적 도구는 은유입니다. 은유는 증폭-과장과 교차합니다. 동일한 개체가 다른 측면에서 회전됩니다.
^ 17세기 영문학의 특징.

17세기 전반부는 영국에서 주로 형이상학파 시인들로 대표되는 바로크 시가 꽃피는 시기였습니다. 현대 유럽시의 새로운 지평을 연이 방향의 가장 재능있는 시인 중 한 명은 John Donne (1572-1631)으로 학생들이 친해지도록 권장하는 작품입니다. 영국 부르주아 혁명(1640-1650)은 17세기 영문학의 발전에 결정적인 영향을 미쳤습니다. 그것은 시대의 예술적 사상의 세부 사항을 결정한 종교적 청교도 슬로건으로 열렸습니다.

17 세기 영문학 연구의 주된 관심은 D. Milton (1608-1674)의 작품에 주어져야합니다. 뛰어난 혁명적 선전가인 밀턴은 그의 시에 우리 시대의 가장 시급한 정치적 갈등을 반영했습니다. 그의시 "Paradise Lost"는 세계와 인류 전체의 발전에 대한 사회 철학적 이해를 시도한 것입니다. 시의 예술세계에는 바로크와 고전주의적 경향이 유기적으로 결합되어 있어 이를 분석할 때 주목해야 할 부분이다.

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17세기 외국 문학

주요 문학 운동

17세기는 20세기의 거의 절반 동안 "고전주의 시대"로 해석되었습니다. 고전주의의 범주에서 나오는 모든 예술적 현상은 예술적으로 불완전한 작품(외국 문학 비평에서 탁월함) 또는 문학 발전의 관점에서 가장 중요한 사실적인 창작물로 간주되었습니다(소련 문학 비평에서). 20 세기 30-40 년대 서양 과학에서 발생하여 우리를 포함하여 점점 더 확산되고있는 독특한 바로크 패션은 17 세기가 "바로크 시대"로 바뀌고 고전주의가 시작되었을 때 반대 현상을 가져 왔습니다. 프랑스에서는 바로크 예술의 변종으로 간주되어 최근 고전주의 연구는 바로크 연구보다 더 많은 노력과 과학적 용기를 요구합니다.

"17세기 리얼리즘" 문제에 특별한 관심을 기울여야 한다. 이 개념은 국내 문학 비평 발전의 특정 단계에서 매우 인기가 있었습니다. 리얼리즘의 일종의 "축적"요소로서의 문학의 발전, 민주적 문학 운동, 풀뿌리 만화 및 풍자 문학 등을 현실적인 경향과 기꺼이 연관시킵니다. 17세기의 문학적 과정에서 리얼리즘이 어떤 형태로든 참여한다는 진술. 이미지, 동기, 갈등 등의 예술적 진정성, 진정성, 설득력 19세기 문학의 현상인 사실주의가 아닌 다른 미학적 법칙에 따라 성취되고 구현되었습니다.

보로크와 고전주의

현대 과학에서는 17세기의 주요 문학 사조가 바로크와 고전주의였다는 사실이 거의 보편적으로 인식되고 있습니다. 그들의 발전은 모순되고 고르지 않았으며 이러한 경향의 시학 사이에는 유사점과 차이점, 상호 영향과 논쟁이있었습니다. 바로크와 고전주의는 그 역사적, 문학적 시대에 서로 다른 지역과 서로 다른 단계에서 다양한 정도로 퍼졌습니다.

우선 바로크 문학 연구의 요점에 대해 살펴 보겠습니다. "바로크"라는 용어의 복잡한 어원을 이해하는 것이 필요합니다. 과학자들은 30 대 초반부터 우리 세기 50 대 중반까지 그것에 대해 논쟁했습니다. 또한 오늘날의 과학이 바로크 운동을 언급하는 작가들은 이 용어(적어도 문학 용어로는)를 몰랐고 스스로를 바로크 작가라고 부르지 않았다는 점을 기억해야 합니다. 예술사에서 용어로서의 "바로크"라는 단어 자체는 17세기의 특정 범위의 예술적 현상에 적용되기 시작했으며, 다음 18세기에만 부정적인 의미로 사용되기 시작했습니다. 따라서 프랑스 계몽주의 "백과 사전"에서 "바로크"라는 단어는 "이상하고 기괴하며 맛이 없다"는 의미로 사용됩니다. 이 용어에 대한 단일 언어 소스를 찾기가 어렵습니다. 그 단어가 의미의 음영과 함께 이탈리아어, 포르투갈어 및 스페인어로 사용되었기 때문입니다. 어원이 이 문학적 개념의 현대적 의미를 소진하지는 않지만 바로크 시학의 일부 특징(기이함, 특이성, 모호성)을 포착할 수 있게 하고 그것과 관련되어 역사에서 용어의 탄생을 증명한다는 점을 강조해야 합니다. 문학은 우연적이지만 임의적이지 않고 일정한 논리를 가지고 있다.

용어학적 개념으로서의 바로크 디자인이 오늘날 그 해석에 논란의 여지가 없다는 것을 의미하지는 않습니다. 종종 이 용어는 문화 역사가들로부터 반대 해석을 받습니다. 그래서 연구원의 특정 부분은 "바로크"의 개념에 매우 광범위한 내용을 넣어 예술적 스타일의 발전에서 특정 반복 단계, 즉 위기의 단계 인 "질병"을보고 일종의 맛 실패. 예를 들어, 잘 알려진 과학자 G. Wölfflin은 르네상스의 "건강한" 예술과 바로크의 "병든" 예술을 대조합니다. E. Ors는 소위 헬레니즘, 중세, 로마 바로크 등을 구별합니다. 이러한 해석과 달리 대부분의 학자들은 "바로크"라는 용어에 대한 구체적인 역사적 이해를 선호합니다. 러시아 문학 비평에서 가장 널리 퍼진 것은 바로크 예술에 대한 이러한 해석입니다. 그러나 우리 과학자들 사이에서도 바로크 시학 분석, 그의 이론의 특정 측면에 대한 논의에는 차이가 있습니다.

오랫동안 우리나라의 바로크 양식에 대한 해석은 저속한 사회학적, 직접적인 이데올로기적 개념의 영향을 받았다는 것을 알아야 합니다. 지금까지 문헌에서 바로크 예술은 반종교개혁 예술이며, 주로 귀족계급이 부르주아지를 압도한 곳에서 번창했으며, 궁정 귀족의 미적 열망을 표현했다는 주장 등을 찾을 수 있습니다. . 그 이면에는 바로크의 '반동적' 양식에 대한 믿음이 깔려 있다. 이러한 경향의 작가들이 양식의 형식적 세련미로 평가된다면 그들의 '이데올로기적 열등함'을 용서할 수 없다. 이것은 분명히 S.D.의 교과서에서 악명 높은 바로크 정의의 의미입니다. Artamonova: "Baroque는 아버지와 아름다운 어머니의 괴물에게서 태어난 병든 아이입니다." 따라서 바로크 문학의 특징에 대한 진정으로 깊고 정확한 이해를 위해서는 특히 필요한 것은 구식 교과서가 아니라 새로운 과학적 연구입니다.

해당 추가 문헌을 추천하기 전에 이러한 연구에 나타나는 바로크 시학의 주요 매개 변수를 간략하게 특성화해 보겠습니다.

러시아인을 포함한 과학자들이 현재 단계에서 바로크 문화와 문학에 부여하는 중요성은 때때로 바로크가 "전혀 스타일이 아니라 방향이 아니다"라는 주장으로 이어집니다. 이런 종류의 주장은 논쟁적인 극단으로 보인다. 물론 바로크는 예술적 스타일이자 문학 운동입니다. 그러나 그것은 또한 문화의 한 종류로서, 취소되지 않고 이 용어의 이전 의미를 포함합니다. A.V. 의 기사의 일반적인 경로라고 말해야합니다. Mikhailov는 바로크가 좁은 의미의 스타일로 인식되는 경우가 많기 때문에 매우 중요합니다. 형식적인 미적 장치의 총합으로서.

바로크 양식의 세계에 대한 태도, 예술적 시스템으로서의 바로크 양식은 여전히 연구되고 있지만 다소 덜하고 나빠 보입니다. 스위스의 저명한 바로크 전문가인 J. Rousset은 "바로크의 개념은 우리를 피하는 것 중 하나이며, 자세히 조사할수록 숙달되지 않습니다."라고 말했습니다. 예술적 창작의 목표와 메커니즘이 바로크에서 어떻게 생각되는지, 시학이 무엇인지, 새로운 세계관과 어떻게 관련되어 있는지 이해하는 것이 매우 중요합니다. 물론 A.V.가 옳습니다. 바로크는 "준비된 단어"의 문화라고 강조하는 Mikhailov, 즉. 현실에 대한 직접적인 배출구가 없는 수사적 문화. 그러나 "기성 단어"를 통해 전달 된 바로이 세계와 인간에 대한 생각은 17 세기 사람의 마음에 일어난 깊은 사회 역사적 변화를 느낄 수있게 해줍니다. 르네상스 세계관. 매너리즘을 여전히 후기 르네상스 문학의 문학적 과정의 일부로 만들고, 바로크가 그것을 넘어서 새로운 문학적 단계에 있는 17세기를 포함하는 이러한 위기를 바탕으로 매너리즘과 바로크가 어떻게 연관되어 있는지 추적할 필요가 있다. 매너리즘과 바로크의 차이를 느낄 수 있는 관찰은 L.I. Tanaeva "매너리즘의 일부 개념과 16 세기와 17 세기 말 동유럽 예술 연구".

바로크 세계관의 철학적 토대는 세계와 인간의 이율배반적 구조라는 개념이다. 바로크 비전의 일부 건설적인 측면(신체와 정신, 높고 낮음, 비극과 희극의 반대)을 중세의 이원론적 현실 인식과 비교할 수 있습니다. 그러나 중세 문학의 전통은 변형된 형태로 바로크 문학에 포함되어 있으며 존재 법칙에 대한 새로운 이해와 관련되어 있음을 강조합시다.

우선, 바로크 이율배반은 인간 존재의 혼돈과 부조화를 말로 전달하기 위해 현실의 모순적인 역학을 예술적으로 마스터하려는 열망의 표현입니다. 바로크 미술계의 서적성 자체는 책으로서의 우주에 대한 중세로부터 물려받은 아이디어에서 비롯됩니다. 그러나 바로크 사람에게이 책은 존재의 거대한 백과 사전으로 그려지기 때문에 바로크의 문학 작품도 백과 사전이되기 위해 노력하고 세계 전체와 분해 가능성을 단어, 개념과 같은 별도의 요소로 그립니다. 바로크 작품에서 스토아주의와 에피쿠로스주의의 전통을 모두 찾을 수 있지만, 이러한 대립은 싸울 뿐만 아니라 일반적인 비관적 삶의 의미로 수렴됩니다. 바로크 문학은 삶의 무상함, 가변성, 환상적인 본질에 대한 감각을 표현합니다. 중세 시대에 이미 알려진 "인생은 꿈이다"라는 논문을 실현하면서 바로크는 주로 수면과 "생명"사이의 경계의 취약성에 주목하고 수면 상태에 있는지 여부에 대한 사람의 끊임없는 의심에 주목합니다. 또는 얼굴과 마스크 사이의 대조 또는 기괴한 화해에 대해 깨어 있습니다.

환상, 가상의 주제는 바로크 문학에서 가장 인기있는 주제 중 하나이며 종종 세계를 극장으로 재창조합니다. 바로크의 연극성은 인간의 외적 삶의 부침과 내적 갈등에 대한 극적 인식, 얼굴과 가면의 범주 사이의 이율배반적 대립에서 뿐만 아니라 일종의 실증적 예술적 스타일에 대한 선호, 시각적 수단의 장식성 및 화려함, 그들의 과장. 그렇기 때문에 바로크는 때때로 과장법의 예술이라고 불리며 예술적 수단의 낭비 원칙에 대한 바로크 시학의 지배에 대해 이야기합니다. 바로크 문학에서 세계와 언어의 다의미적 특성, 이미지, 모티프, 단어의 다변량 해석에 주의를 기울여야 합니다. 반면에 바로크는 작품의 시학에서 감정과 이성을 결합하고 표현하며 특정 "합리적 낭비"(S.S. Averintsev)를 가지고 있다는 사실을 간과해서는 안됩니다. 바로크 문학은 이질적일 뿐만 아니라 깊은 교훈주의에 유기적으로 내재되어 있지만 무엇보다도 이 예술은 흥분과 놀라움을 추구했습니다. 그렇기 때문에 교훈적인 기능이 직접적인 방식으로 표현되지 않은 바로크의 문학 작품을 찾을 수 있으며, 이는 구성의 선형성을 거부하고 예술적 갈등의 발전에 의해 크게 촉진됩니다 (이것은 얼마나 구체적입니까? 공간 및 심리적 바로크 미로가 발생), 복잡한 분기 이미지 시스템 및 언어의 은유 적 특성.

바로크 은유의 특성에 대해 Yu.M. Lotman: "... 여기에서 우리는 비유(한 유형의 비유를 다른 유형과 구분하는 경계가 바로크 텍스트에서 예외적으로 불안정한 성격을 얻음)가 표현 계획의 일부 요소를 다른 요소로 외부 대체하는 것이 아니라는 사실에 직면합니다. 의식의 특별한 구조를 형성하는 방식." 바로크에서 은유는 단순히 서사를 장식하는 수단이 아니라 특정한 예술적 관점입니다.

바로크 장르 체계의 특징을 익히는 것도 필요하다. 이러한 문학사조에 따라 발전하는 가장 특징적인 장르는 목가시, 목가극과 목가로맨스, 철학적이고 교훈적인 가사, 풍자시, 풍자시, 희극, 희비극 등이다. 그러나 상징과 같은 장르에 특별한주의를 기울여야합니다. 그것은 바로크 시학의 가장 중요한 특징, 우화 및 백과 사전, 시각적 및 언어 적 조합을 구현했습니다.

의심할 여지 없이 바로크 운동 내의 주요 이데올로기 및 예술적 흐름을 인식해야 하지만 이러한 흐름에 대한 편협한 사회학적 해석에 대해 경고할 필요가 있습니다. 따라서 바로크 문학을 "높음"과 "낮음"으로 나누는 것은 "귀족"과 "민주적"바로크의 개념과 관련이 있지만 그들에게 귀속되지는 않습니다. 바로크의 "높은"또는 "풀뿌리"날개는 작가의 사회적 지위 또는 그의 정치적 동정심에 의해 결정되는 것이 아니라 종종 장르 전통, 장르의 확립 된 계층 구조에 의해 인도되는 미적 선택이며 때로는 의식적으로 반대됩니다. 이 전통에. 많은 바로크 작가들의 작품을 분석하면 그들이 때때로 거의 동시에 "고급"과 "저급"의 작품을 만들었고 기꺼이 "세속적-귀족적"과 "민주적" 음모의 오염에 의지하여 숭고한 예술에 도입되었다는 것을 쉽게 알 수 있습니다. 소극적인 세계의 바로크 버전의 예술적 세계, 축소된 캐릭터, 그 반대의 경우도 마찬가지입니다. 따라서 바로크 시대에서 "엘리트와 평민은 같은 전체의 서로 다른 측면을 구성한다"고 느끼는 연구자들은 절대적으로 옳습니다. 바로크 방향 내에서 볼 수 있듯이 훨씬 더 부분적인 구분이 있습니다. 스페인의 컬트주의와 개념주의, 이탈리아의 마리니즘, 프랑스의 자유주의 문학, 영국 형이상학자의 시와 같은 현상의 특징에 대한 아이디어가 있어야 합니다. 프랑스의 바로크 현상에 적용되는 "정확성"의 개념에 특별한주의를 기울여야하는데, 이는 우리 교과서와 과학 저작물 모두에서 잘못 해석됩니다. 전통적으로 '정확함'은 국내 전문가들에게 '귀족적' 바로크 문학의 동의어로 이해된다. 한편, 이 현상에 대한 현대 서양 연구는 사회 역사적 뿌리(정확성은 궁정 귀족이 아니라 주로 도시, 미용실 부르주아 귀족 환경에서 발생함), 연대기적 틀(40년대 중반 - 50년대 XVII)을 명확히 할 뿐만 아니라 세기 (예를 들어 Jurfe "Astrea"(1607-1627)의 소설은 정확한 것으로 간주 될 수 없음) 미적 원칙의 오염을 기반으로 한 특별한 고전주의 바로크 유형의 창의성으로서 예술적 특이성을 드러냅니다. 양방향의.

또한 17세기 전반에 걸친 바로크 양식의 진화, 르네상스에서 물려받은 스타일의 "물질성", 경험적 세부 사항의 그림과 다채로움에서 철학적 일반화, 상징적 및 우화적 이미지의 강화로의 상대적인 움직임에 대해 기억해야 합니다. , 지성 및 세련된 심리학(예를 들어 스페인의 17세기 초 바로크 소설과 중세 스페인의 철학적 소설, 프랑스의 C. Sorel과 Pascal의 산문, 또는 영국 밀턴의 시가 있는 초기 Donne 등). 바로크 양식의 국가적 변이 사이의 차이를 느끼는 것도 중요합니다. 바로크 양식의 특별한 혼란, 스페인의 극적인 긴장, 프랑스에서 바로크 양식과 고전주의를 하나로 모으는 상당한 정도의 지적 분석주의 등입니다.

문학에서 바로크 전통의 발전에 대한 더 많은 전망을 고려할 필요가 있습니다. 이 측면에서 특히 흥미로운 것은 바로크와 낭만주의의 관계 문제입니다. 참조 목록에 나열된 기사는 이 문제를 해결하는 현대적인 수준에 익숙해지는 데 도움이 될 것입니다. 20세기 바로크의 전통을 연구하는 문제도 관련이 있습니다. 현대 외국 문학에 관심이 있는 사람들은 시가 바로크를 명확하게 반영하는 작품을 쉽게 찾을 수 있습니다(예를 들어 라틴 아메리카 소설에 적용됨). 소위 "마술적 사실주의" 등).

17세기 외국 문학의 또 다른 중요한 문학 경향인 고전주의를 연구하기 시작하면 "바로크"의 어원보다 더 명확한 "고전"이라는 용어의 어원을 명확히 하는 것부터 시작하여 동일한 분석 순서를 따를 수 있습니다. 명확성과 논리에 대한 고전주의 자체의 성향을 포착하는 경우. 바로크의 경우와 마찬가지로 17세기 예술의 정의로서의 "고전주의"는 "고대", 고대 작가들과의 일종의 경쟁에 초점을 맞추었고, 원래의 의미에는 고전 시학의 일부 특징을 포함하고 있지만 그들 모두를 설명하지 마십시오. 그리고 바로크 작가와 마찬가지로 17 세기의 고전 주의자들은 스스로를 그렇게 부르지 않았고 낭만주의 시대 인 19 세기에이 단어로 정의되기 시작했습니다.

거의 20세기 중반까지 17세기는 문학사가들에 의해 "고전주의의 시대"로 간주되었습니다. 이것은 바로크 양식의 예술적 성취를 과소평가하거나 반대로 고전주의를 과대평가했기 때문입니다(일부 국가의 경우 고전주의자가 국가 문학의 고전이기도 하기 때문에 이러한 경향은 "과대평가하기 어렵습니다"). , 그러나 무엇보다도 17세기에 이 예술의 객관적인 중요성, 특히 예술적 창의성에 대한 이론적 성찰이 이 기간에 주로 고전적이라는 사실과 함께 말입니다. 이것은 선집 "서유럽 고전 주의자의 문학 선언문"(M., 1980)을 참조하여 볼 수 있습니다. 17세기에 바로크 이론가들이 있었지만, 그들의 개념은 종종 바로크와 고전 원리를 오염시키는 경향이 있었고, 상당한 양의 합리주의적 분석과 때로는 규범성(프랑스 작가 M. de Scuderi의 소설 이론과 같은)까지 포함했습니다. 이 장르의 "규칙"을 만들려고 노력했습니다. ).

고전주의는 스타일이나 경향일 뿐만 아니라 바로크와 마찬가지로 르네상스 시대에 다시 형성되기 시작한 보다 강력한 예술 체계입니다. 고전주의를 연구할 때 17세기 고전문학에서 르네상스 고전주의의 전통이 어떻게 굴절되는지 추적할 필요가 있다. 예술의 영원한 법칙과 경쟁 대상의 올바른 준수. 고전주의와 바로크는 동시에 모순적이지만 하나의 세계관에 의해 생성되었음을 기억하는 것이 매우 중요합니다. 그러나 특정 국가 발전의 특정 사회 문화적 상황은 종종 프랑스, 예를 들어 스페인, 영국 및 독일 등에서 매우 다른 유병률로 이어졌습니다. 때때로 문헌에서 고전주의가 일종의 "국가"예술이라는 주장을 접할 수 있습니다. 왜냐하면 고전주의의 가장 큰 개화는 중앙 집중식 군주제 권력의 안정화가 증가한 국가 및 기간과 관련이 있기 때문입니다. 그러나 질서, 사고 및 스타일의 규율, 미적 원칙으로서의 계층 구조를 엄격한 국가 원칙으로 계층, 규율 등으로 혼동해서는 안되며, 더욱이 고전주의에서 일종의 준공식 예술을 보는 것입니다. 제거되지는 않지만 아마도 외부 표현의 규율에 의해 강화되는 현실에 대한 고전주의 비전의 내적 드라마를 느끼는 것은 매우 중요합니다. 고전주의는 바로크 예술이 기발하게 포착하는 모순을 예술적으로 극복하고 엄격한 선택, 정렬, 이미지 분류, 주제, 동기, 현실의 모든 재료를 통해 극복하려고 시도합니다.

고전주의의 철학적 기초가 데카르트의 철학이라는 진술도 찾을 수 있습니다. 그러나 나는 고전주의를 데카르트에게, 그리고 데카르트를 고전주의로 환원하는 것에 대해 경고하고 싶습니다. 고전주의적 경향은 데카르트가 르네상스 시대로 돌아가기 전에 문학에서 형성되기 시작했고 데카르트가 다음과 같이 많은 것을 일반화했습니다. 허공을 맴돌며 과거의 합리주의적 전통을 체계화하고 종합했다. 동시에 고전주의 시학에서 의심 할 여지가없는 "데카르트"원칙에 주목할 가치가 있습니다 (복잡한 현실 현상의 예술적 재구성 과정에서 "어려움의 분리"등). 이것은 고전 예술의 일반적인 미적 "의도성"(J. Mukarzhovsky)의 표현 중 하나입니다.

유럽 고전 주의자들의 가장 중요한 이론에 익숙해지면 구현보다 디자인의 우선 순위, 기발한 영감보다 합리적인 창의성을 "올바른"이라는 원칙에 대한 논리적 입증을 추적 할 수 있습니다. 자연 모방 원리의 고전주의 해석에 특별한주의를 기울이는 것이 매우 중요합니다. 자연은 "수학 법칙에 따라"(Galileo) 지어진 아름답고 영원한 창조물로 보입니다.

우도의 특정 원리는 고전주의에서 중요한 역할을 합니다. 이 개념은 이 단어의 일상적인 사용과는 거리가 멀고 "진실"이나 "현실"의 동의어가 아닙니다. 유명한 현대 학자가 쓴 것처럼 "고전 문화는 현실이 타당성과 결코 섞일 수 없다는 생각으로 수세기 동안 살았습니다." 고전주의의 타당성은 이미지와 상황의 윤리적, 심리적 설득력 외에도 품위와 교화, "가르치고 즐겁게"라는 원칙의 구현을 의미합니다.

따라서 고전주의의 특성화는 세 가지 통일성의 규칙을 열거하는 것으로 축소될 수 없지만 이러한 규칙도 무시할 수 없습니다. 고전 주의자에게 그들은 예술의 보편적 법칙을 적용하는 특별한 경우이며 이성의 경계 내에서 창의성의 자유를 유지하는 방법입니다. 중요한 미학적 범주로서 단순성, 명확성, 구성의 논리적 순서의 중요성을 인식하는 것이 필요합니다. 바로크 예술가와 달리 고전 주의자들은 "불필요한"예술적 세부 사항, 이미지, 단어를 거부하고 표현 수단의 "경제"를 고수합니다.

다양한 장르 형성에 따라 현실의 "높음"과 "낮음", "비극적"및 "코믹"현상의 일관된 번식을 기반으로 장르의 계층 적 시스템이 고전주의에서 어떻게 구축되었는지 알아야합니다. 동시에 고전주의와 실천의 장르 이론이 완전히 일치하지 않는다는 사실에 주목할 필요가 있습니다. 이론적 추론에서 "높은"장르-비극, 서사시, 고전 주의자들은 "낮은"에서 손을 뻗었습니다. " 장르-풍자, 코미디, 심지어 비정규 장르에서도 고전주의 계층에서 벗어납니다 (예 : 소설 : M. de Lafayette의 고전 소설에 대해서는 아래 참조).

고전주의자들은 예술의 "영원한" 법칙과 관습, 권위, 전통이 아닌 합리적인 판단에 따라 예술 작품을 판단했습니다. 따라서 고전 주의자들은 그들의 이론을 학교 또는 방향에 대한 별도의 미적 프로그램의 생성이 아니라 일반적으로 예술 법칙에 대한 분석으로 생각한다는 점에 유의해야합니다. 취향에 대한 고전주의자들의 추론은 개인의 취향이나 미적 선호의 변덕스러움을 의미하는 것이 아니라 "훌륭한 사람들"의 집단적 합리적 규범으로서의 "좋은 취향"을 의미한다. 그러나 실제로는 예술적 창의성의 특정 문제에 대한 고전 주의자들의 구체적인 판단, 특정 작품에 대한 평가가 상당히 크게 다르기 때문에 고전주의 내의 논쟁과 고전 문학의 국가 버전 간의 실제 차이점이 모두 발생했습니다. . 17 세기 문학 경향 발전의 역사적, 사회적, 문화적 패턴을 이해하고, 예를 들어 스페인에서 바로크 예술이 우세한 이유와 프랑스에서 고전주의, 연구자들이 "바로크 고전주의"에 대해 이야기하는 이유를 이해하는 것이 필요합니다. " 독일의 M. Opitz, 영국 Milton의 작업에서 일종의 조화 또는 바로크와 고전 원칙의 균형에 관한 것 등 그 시대 문학 사조의 실생활이 도식적이지 않고, 서로를 연속적으로 대체하는 것이 아니라 서로 얽히고 싸우고 상호 작용하며 다른 관계를 맺는다는 것을 느끼는 것이 중요합니다.

바로크 고전주의 문학 시학

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성적 증명서

1 주석 문헌학 학생을 대상으로 강의 형식으로 작성된 이 출판물은 17세기와 18세기 유럽 문학의 형성 조건을 설명하고 저명한 작가들의 작품을 분석합니다. 당시의 시스템-르네상스 리얼리즘, 바로크, 고전주의, 계몽 고전주의, 계몽 리얼리즘, 감상주의. 각 주제 후에는 이 과정 내에서 학생들의 오리엔테이션을 크게 용이하게 하는 참고 문헌 목록이 제공됩니다.

2 Veraksich I.Yu. 17-18세기 외국문학사 강의과정

3 머리말 "17-18세기 외국문학사" 과정은 대학 과정 "외국문학사"의 필수적인 부분입니다. 강의 형식으로 작성된 이 매뉴얼은 학생들이 어렵지만 흥미로운 자료를 습득하고 17-18세기 문학에 대한 인식을 준비할 수 있도록 설계되었습니다. 모든 자료는 결과적으로 학생들이 17-18세기 문학 과정의 특성에 대한 전체론적 관점을 갖도록 배열되어 있습니다. 17세기 외국문학은 오랫동안 계몽주의 이전의 현상으로 여겨져 왔다. 그러나 최근 수십 년 동안의 연구에 따르면 스타일을 포함하여 고유한 특징이 있는 것으로 나타났습니다. 오랫동안 그 당시의 주요 예술 시스템 인 고전주의, 바로크, 르네상스 리얼리즘의 발전을 결정한 것은 17 세기였습니다. Enlighteners는 서사적 개념 (명예, 이성, 명예와 의무의 비율 등) 개발에서 전임자의 경험에 크게 의존했습니다. 18세기의 예술 체계(계몽주의 고전주의, 계몽주의 리얼리즘, 감상주의)를 상세히 고찰한다. 복잡한 이론적 자료는 특정 예술 시스템의 가장 저명한 대표자의 작품 분석으로 보완됩니다. 이것은 교과서, 문학사 교과서 및 참고 출판물에 제시된 잘 알려진 문학 비평가의 개념을 고려하여 이 과정 내에서 학생들의 오리엔테이션을 크게 촉진합니다. 불행히도 "17-18 세기 외국 문학사"과정을 공부하기 위해 커리큘럼에서 할당 한 시간이 적기 때문에이 매뉴얼은 학생들에게 필요한 기본 지식 시스템을 제공합니다. 각 주제가 끝나면 학생들에게 참고 문헌 목록이 제공되며, 이를 통해 강의에서 얻은 지식과 해당 주제에 대한 독립적인 작업 중에 얻은 지식을 요약할 수 있습니다.

4 내용 강의 1. 17세기 문학 과정의 일반적인 특징. 로페 데 베가의 작품. 강의 2. 17세기 스페인 바로크 문학. 강의 3. 17세기 독일 문학. 강의 4. 프랑스 고전주의(Cornel, Racine, Molière). 강의 5. 계몽의 시대. 영국 계몽주의의 일반적인 특징. 강의 6. 영어 계몽. D. 스위프트. R. 번스. 강의 7. 독일 계몽주의. 레싱의 에스테틱 프로그램. 강의 8. 괴테의 작품. 강의 9. 프랑스 계몽주의. 볼테르. J.-J. 루소. 강의 10. Beaumarchais의 창의성.

5 강의 1 XVII 세기 문학 과정의 일반적인 특성. 창의력 Lope de Vega 계획 1. XVII 세기 문학 과정 개발의 특징. 2. 17세기의 주요 문학사조: a) 고전주의; b) 바로크; c) 르네상스 리얼리즘. 3. Lope de Vega의 독창성: a) 극작가의 삶과 창작 경로에 대한 간략한 개요; b) 드라마 "Fuente Ovehuna"의 이념적, 예술적 독창성; c) 드라마 "세비야의 별"의 이념적, 예술적 독창성. 1. 17세기 문학 발전의 특징 문학적 시대는 달력의 엄격한 틀에 맞추기 어렵다. 18세기 문학이라고 하면 먼저 계몽주의 시대를 염두에 두고 있다. "17세기 외국문학"이라는 개념에 유사한 이데올로기적, 미학적 내용이 있는가? 국내 과학과 해외 모두에서이 문제에 대한 합의가 없습니다. 많은 문학 학자들은 이 질문에 대해 부정적으로 답하고 매우 설득력 있게 들리는 많은 주장을 제시합니다. 이 시대에 대한 연구를 시작하는 사람은 무엇보다도 그 당시 유럽의 여러 국가에서 일어난 다양한 경제적, 사회적, 정치적 및 문화적 과정에 충격을 받았습니다. 영국과 네덜란드의 경제에서는 17세기 부르주아 관계가 지배적이 되었다. 프랑스에서는 자본주의 질서가 공업, 무역, 은행에서 승리했지만 농업에서는 봉건제도가 여전히 강력했다. 스페인, 이탈리아, 독일에서는 부르주아 관계가 고리대금의 형태로 거의 눈에 띄지 않았다. 마찬가지로 사회적 힘의 상관 관계에서 대조가 분명합니다. 17세기 초, 네덜란드의 부르주아 혁명이 끝났고, 스페인 통치에 반대하는 민족 해방 투쟁과 합쳐져 네덜란드 부르주아 국가가 등장했습니다. 영국에서 부르주아 혁명이 일어났습니다. 그러나 이탈리아, 스페인, 독일에서는 봉건 세력이 권력을 강화하려고 노력하고 있습니다.

6 서유럽의 정치 생활에 대한 다양한 그림. 17세기에는 절대주의가 지배적인 국가 형태였습니다. 고려중인 세기가 절대주의의 세기라고 불리는 것은 우연이 아닙니다. 그러나 절대주의 체제의 형태는 유럽 국가들에서 다양했다. 17세기는 유럽에서 계속되는 전쟁, 신대륙, 아시아, 아프리카에서 계속되는 식민지 정복의 시대입니다. 동시에 오래된 식민지 국가인 스페인과 포르투갈은 젊은 국가인 네덜란드와 영국에 의해 점차 뒷전으로 밀리고 있습니다. 유럽 국가들의 경제적, 정치적, 사회적 관계의 다양성으로 인해 17세기 서유럽 문화의 통일성을 말하는 것은 불가능해 보입니다. 그러나 우리는 S.D.의 관점을 언급할 것입니다. Artamonova, Z.T. 이 시대를 외국 문학사에서 독립된 단계로 간주하는 시민은 개별 국가의 다양한 특정 형태의 역사 및 문화 발전을 통해이 시대의 사회, 정치 및 문화 과정의 유형 학적 공동체의 특징을 볼 수 있기 때문입니다. . 따라서 17세기는 르네상스와 계몽주의 사이에 있는 봉건제에서 자본주의로의 과도기적 독립기입니다. 지금은 극도로 격화된 계급 투쟁으로 특징지어지고 자연에 대한 탐구가 증가하는 사건으로 가득 찬 역사의 시기입니다. 개신교 연합(1607년에 설립된 프랑스, 네덜란드, 영국, 덴마크, 스웨덴)과 가톨릭 연맹(오스트리아, 스페인, 1609년에 설립된 바티칸)의 두 그룹이 정치 무대에 진입합니다. 이 두 진영의 경쟁은 17세기의 핵심 사건인 30년 전쟁으로 이어졌다. 전쟁은 1618년에 시작되었고 해방 운동의 결과로 네덜란드에 설립된 초기 부르주아 질서와 후기 봉건 제도의 특별한 반동적 형태 사이의 투쟁으로 특징지어졌습니다. 한편, 발전 수준이 다른 봉건 국가간에 무력 충돌이 발생했습니다. 전쟁은 1648년 베스트팔렌 평화조약과 1649년 영국 부르주아 혁명의 최종 승인으로 끝났다. 이것이 최초의 부르주아 민족 국가가 생겨났고 반동적인 스페인의 통치가 무너진 방식입니다. 따라서 우리는 17세기 유럽의 역사를 특징짓는 가장 중요한 것이 시대의 위기인 과도기라는 것을 알 수 있습니다. 오래된 기초가 무너지고 있습니다. 봉건 질서는 여전히 지배력을 유지하지만 봉건주의의 깊숙한 곳에서 가장 심각한 모순이 드러나 구 체제의 붕괴를 예고합니다.

7 이 기간의 시작은 이전 시대에 의해 마련되었습니다. 르네상스 세계관은 새로운 세계관으로 대체되고 있습니다. 과학 분야의 변화도 그 형성에 기여했습니다. 유럽에서는 최초의 과학 커뮤니티와 아카데미가 나타나고 과학 저널 출판이 시작됩니다. 중세의 학문적 과학은 실험적 방법에 자리를 내주었다. 17세기에 수학은 과학의 주요 분야가 되었습니다. 이러한 역사적 조건과 부분적으로 지속된 르네상스 전통의 영향으로 세계와 인간의 목적에 대한 상반된 견해에 기초한 현실 이해의 개념이 개발되었습니다. 이러한 과정은 문학적 창의성의 영역과 시대의 철학적 사상의 발전에 반영되지 않을 수 없었다. 저술가들은 한편으로 개인의 해방을 옹호했지만, 다른 한편으로 이전의 개인적 복종 대신에 새로운 형태의 인간 의존을 확립한 낡은 사회 질서로의 점진적 회귀를 관찰했습니다. 물질적, 이념적 기반. 이 새로운 것은 운명에 대한 믿음을 불러 일으켰습니다. 이 시대의 문학이 제시한 인간 개념의 새로운 점은 그가 묶인 정치적, 종교적 관계에 관계없이 그의 행동과 행동에 대한 책임에 대한 이해였습니다. 하나님과 인간의 관계에 대한 질문은 17세기 사상에서 결정적인 위치를 차지했습니다. 신은 혼돈스러운 지상 구조의 모델로 취해진 최고의 질서, 조화를 대표했습니다. 하나님에 대한 참여는 사람이 인생의 시련을 견디도록 돕는 것으로 여겨졌습니다. 2. 17세기 문학사조를 주도 정치사상투쟁의 격화는 바로크와 고전주의라는 양대 예술체계의 형성과 대립으로 반영되었다. 일반적으로 이러한 시스템을 특성화하면 차이점에 중점을 둡니다. 그들의 차이점은 논쟁의 여지가 없지만 이 두 시스템이 유형학적으로 공통적인 특징을 가지고 있다는 것은 의심의 여지가 없습니다. 1) 예술적 시스템은 르네상스 이상의 위기에 대한 인식으로 발생했습니다. 2) 바로크와 고전주의의 대표자들은 인간과 사회 사이의 조화 대신에 17세기의 예술은 개인과 환경 사이의 복잡한 상호작용을 드러낸다는 인본주의적 르네상스 개념의 조화에 대한 생각을 거부했습니다. 이성과 감정의 조화 대신 열정을 이성에 종속시키는 아이디어가 제시됩니다.

8 A. 고전주의 17세기의 고전주의는 후기 르네상스 휴머니즘의 일종의 반영이 되었다. 고전 주의자들은 세계와의 연결에서 성격을 탐구하려는 욕구가 특징입니다. 예술적 시스템으로서의 고전주의는 고대에 대한 지향과 캐릭터의 내면 세계에 대한 깊은 침투를 결합합니다. 느낌과 의무 사이의 투쟁은 고전주의의 주요 갈등입니다. 프리즘을 통해 작가들은 현실의 많은 모순을 해결하려고 노력했습니다. 위도의 고전주의. classicus 일류, 모범은 고대를 모방하는 관행으로 대학에서 16 세기 이탈리아에서 시작되었습니다. 인본주의 학자들은 고대인의 고도로 낙관적인 예술로 봉건 세계에 대항하려 했다. 그들은 고대 희곡을 되살리려 했고, 고대 거장들의 작품에서 고대 그리스 희곡이 세워졌다고 추정되는 일반 규칙을 도출하려고 했습니다. 사실 고대 문학에는 규칙이 없었지만 인본주의자들은 한 시대의 예술이 다른 시대로 "이식"될 수 없다는 것을 이해하지 못했습니다. 결국 모든 작업은 특정 규칙이 아니라 특정 사회 발전 조건에 따라 발생합니다. 17세기 프랑스에서 고전주의는 빠르게 발전하고 철학에서 방법론적 정당성을 찾았을 뿐만 아니라 역사상 처음으로 공식적인 문학 운동이 되었습니다. 이것은 프랑스 법원의 정책에 의해 촉진되었습니다. 프랑스 절대주의 (약해진 귀족과 아직 힘을 얻지 못한 부르주아지가 왕의 무한한 권력에 똑같이 관심을 가질 때 국가의 과도기적 형태)은 삶의 모든 영역에서 질서를 회복하고 원칙을 확립하려고했습니다. 시민 규율의. 엄격한 규칙 체계를 가진 고전주의는 절대주의에 편리했습니다. 그는 왕권이 창작 과정을 통제하기 위해 공공 생활의 예술적 영역에 간섭하도록 허용했습니다. 유명한 Académie de Reshelie가 17 세기 40 년대에 만들어진 것은 그러한 통제를위한 것입니다. 신이 아니라 인간이 만물의 척도라고 주장한 르네 데카르트(René Descartes)의 철학()은 여러 측면에서 당시의 가톨릭 반응에 반대했습니다. 금욕주의와 순종을 주장하는 대신 데카르트는 "Cogito, ergo sum" "나는 생각한다, 그러므로 나는 존재한다." 인간 이성의 선포는 객관적으로 반성직적인 성격을 가졌습니다. 이것이 프랑스 사상가의 가르침에서 고전주의 미학 이론가들을 매료시킨 것입니다. 합리주의 철학은 이상과 긍정적 영웅에 대한 고전 주의자들의 생각의 본질을 미리 결정했습니다. 고전 주의자들은 아름다움의 이상으로 작용하는 진리에 대한 지식에서 예술의 목표를 보았습니다. 그들은 그것을 달성하기 위한 방법을 그들의 세 가지 중심 범주에 기초하여 제시했습니다.

9가지 미학: 이성, 모델, 취향 이 모든 범주는 예술성의 객관적인 기준으로 간주되었습니다. 고전 주의자의 관점에서 볼 때 위대한 작품은 재능의 열매가 아니라 영감이나 예술적 환상이 아니라 완고하게 이성의 지시를 따르고 고대의 고전 작품을 연구하며 취향의 규칙을 아는 것입니다. 고전 주의자들은 자신의 감정과 열정을 이성에 종속시킬 수있는 사람만이 가치있는 예라고 믿었습니다. 그렇기 때문에 이성을 위해 자신의 감정을 희생할 수 있는 사람은 항상 고전 문학의 긍정적인 영웅으로 여겨져 왔습니다. 그래서 그들의 의견으로는 Corneille의 같은 이름의 연극 캐릭터 인 Sid입니다. 합리주의 철학은 또한 모든 다양성에서 현실의 예술적 발전이 이루어지는 원칙 체계로서의 예술적 방법에 기반한 고전주의 예술 체계의 내용을 미리 결정했습니다. 장르의 위계(즉, 종속)의 원리가 나타나 장르의 불평등을 주장한다. 이 원칙은 사회를 피라미드에 비유하는 절대주의 이데올로기와 그 위에 왕이 서 있는 것과 잘 일치하며, 명료성, 단순성, 모든 현상에 대한 체계적 접근을 요구하는 합리주의 철학과도 일치합니다. 계층의 원칙에 따라 "높음"과 "낮음"장르가 있습니다. "높은"장르 (비극, 송시)에는 국가 주제가 지정되었으며 왕, 장군 및 최고 귀족에 대해서만 말할 수있었습니다. 이 작품의 언어는 경쾌하고 엄숙한 성격("고조한 고요함")을 가졌습니다. "낮은"장르(코미디, 우화, 풍자)에서는 특정 문제나 추상적인 악(인색함, 위선, 허영심 등)만을 만질 수 있었으며, 인간 성격의 절대적 사적 특징으로 작용했습니다. "낮은"장르의 영웅은 사회의 하층 계급을 대표 할 수 있습니다. 귀족의 해임은 예외적인 경우에만 허용되었다. 그러한 작품의 언어에서 무례함, 모호한 힌트, 말장난 ( "낮은 차분함")이 허용되었습니다. 여기서 "높은 고요함"이라는 단어의 사용은 일반적으로 패러디적인 성격이었습니다. 합리주의의 원칙에 따라 고전 주의자들은 장르의 순수성을 요구합니다. 비극 코미디와 같은 혼합 장르가 밀려나고 있습니다. 이는 특정 장르가 현실을 종합적으로 반영할 수 있는 능력에 타격을 준다. 이제부터는 장르의 전체 체계만이 삶의 다양성을 표현할 수 있습니다. 즉, 고전주의에서는 현실의 풍부함과 복합성이 장르가 아닌 방법을 통해 드러난다.

10 17세기 중반까지 가장 중요한 문학 장르는 비극(건축에서는 궁전, 의식 초상화를 그리려면)이라는 의견이 확고하게 자리 잡았습니다. 이 장르에서는 법이 가장 엄격했습니다. 줄거리(역사적이거나 전설적이지만 그럴듯함)는 먼 나라의 삶인 고대를 재현해야 합니다. 첫 번째 줄의 아이디어처럼 이름에서 이미 추측해야 합니다. 음모의 명성은 음모 숭배에 반대했습니다. 규칙성이 우연을 이기는 삶의 논리를 확인하는 것이 필요했습니다. 비극 이론의 특별한 위치는 세 통일의 원칙에 의해 점령되었습니다. 그것은 중세 극장과의 투쟁에서 아리스토텔레스에 의존했던 16 세기 이탈리아와 프랑스 인본주의 자 (J. Trissino, J. Scaliger)의 작품에서 공식화되었습니다. 그러나 17세기의 고전주의자들(특히 Boileau)만이 그것을 명백한 법칙으로 끌어올렸습니다. 액션의 통일성은 모든 캐릭터를 통합하는 하나의 통합적이고 완전한 액션의 재생산을 요구했습니다. 시간의 통일성은 하루 안에 조치를 취해야 하는 요구 사항으로 축소되었습니다. 장소의 통일성은 극 전체의 액션이 한 장소에서 펼쳐져야 한다는 점에서 표현되었다. 우리가 고려한 원칙을 설명하는 주요 이론적 작업은 N. Boileau "Poetic Art"(1674)의 책이었습니다. 고전주의의 가장 유명한 대표자 : Jean Lafontaine (), Pierre Corneille (), Jean Racine (), Jean-Baptiste Moliere (). B. 바로크 "바로크"라는 용어에 대한 다른 설명이 있습니다. 그리고 그들 각각은 스타일 자체를 이해하기 위해 많은 것을 제공합니다. 이 방향의 이름은 무지개의 모든 색상으로 반짝이고 반짝이는 불규칙한 모양의 귀중한 진주를 의미하는 포르투갈어 perola barrocca에서 유래했다고 믿어집니다. Barocco의 두 번째 버전에 따르면 복잡한 학문적 삼단 논법입니다. 마지막으로 barocco의 세 번째 버전은 거짓과 속임수를 의미합니다. 이 불규칙한 모양의 진주는 바로크와 르네상스의 조화로운 예술을 즉시 대조하여 고전적 이상에 가깝습니다. 귀중한 진주와의 화해에서 고급 스러움, 정교함, 장식성에 대한 바로크 적 욕구가 주목됩니다. 삼단논법에 대한 언급은 바로크와 중세 스콜라주의의 연결을 가리킨다. 마지막으로 바로크가 거짓과 속임수로 해석된다는 사실은 이 예술에서 매우 강한 환상적 순간을 강조한다.

11 바로크는 부조화와 대조를 기반으로 합니다. 이것은 비합리적인 인간 본성과 냉정한 마음의 대조입니다. 바로크는 또한 산문적인 것과 시적인 것, 추한 것과 아름다운 것, 캐리커처와 숭고한 이상 사이의 대조를 특징으로 합니다. 바로크 작가들은 객관적인 조건, 자연과 사회, 물질적 환경과 환경에 대한 인간의 의존성을 강조했습니다. 사람에 대한 그들의 견해는 냉정하고 무자비하게 가혹합니다. 르네상스 문학의 근간이 된 인간의 이상화를 거부한 바로크 미술가들은 인간을 사악하고 이기적이거나 평범하고 평범한 존재로 묘사한다. 인간 자신이 그들의 눈에는 부조화의 전달자입니다. 그의 심리학에서 그들은 모순과 기이함을 찾습니다. 따라서 그들은 사람의 내면 세계의 복잡성을 가리고 상호 배타적 인 특징을 강조합니다. 그러나 인간만이 부조화적인 것은 아닙니다. 바로크 문학의 원리 중 하나는 역학, 운동의 원리이기도 합니다. 운동은 내부 모순과 적대에 기반한 것으로 간주됩니다. 바로크 문학에 반영된이 내부 부조화에서 이기적인 이익의 투쟁에서 발생하는 부조화가 사회 자체에서 지배한다는 사실이 나타났습니다. 아름다움에 대한 이해의 중요한 특징, 바로크 예술의 아름다움 개념이 이와 연결되어 있습니다. 인생은 평범하고 인간은 본질적으로 약하고 사악합니다. 그러므로 아름다운 모든 것은 물질적 자연 원리 밖에 있다. 영적인 충동만이 아름다울 수 있습니다. 아름다운 것은 덧없고 이상적이며 현실이 아닌 다른 세계, 환상의 세계에 속합니다. 르네상스 작가들에게 아름다움은 예를 들어 민중의 자연스러운 시와 같이 자연 그 자체에 담겨 있었습니다. 바로크 작가에게 아름다움은 의식적인 기술, 의식적인 정신 활동의 결과입니다. 기괴하고 특이하며 허세입니다. 16세기와 17세기에 여러 나라의 작가들은 더 높은 것, 즉 자연 자체의 직접성 또는 예술, 장인 정신에 대해 논쟁했습니다. 바로크 작가들의 공감은 장인정신의 편이었다. 이것은 또한 접근하기 어렵고 복잡하며 복잡한 은유와 비교, 과장 및 수사적 수치로 가득 찬 문학적 스타일에도 적용됩니다. 바로크 양식이 완전한 스타일이라는 사실에도 불구하고 이데올로기적 관점에서 볼 때 그것은 통합적이지 않았습니다. 공고라와 케베도가 추구하는 치열한 정책을 지적하는 것으로 충분하다. Gongora는 귀족적인 형태로 바로크를 대표했습니다. 그는 조건부 풍경과 유사한 환상의 세계와 현실을 대조했습니다. 이 세계의 창조는 또한 복잡한 과장법과 기괴한 이미지로 가득 찬 Gongora 스타일에 의해 제공되었습니다.

12 인생을 환상으로 바꿉니다. 이 스타일은 "culteranism"(culto 가공, 옷차림이라는 단어에서 유래)이라고 불 렸습니다. Gongora와 달리 그의 상대 Quevedo는 스페인 현실 자체에서 대조와 모순을 찾아 희화적이고 기괴한 삶의 악을 가져 왔습니다. 그의 "개념주의" 스타일(개념적 사고라는 단어에서 유래)은 Gongora가 표현한 것과 반대입니다. 바로크의 특성화를 완성하려면 다음이 추가되어야 합니다. 이 시대의 가장 큰 작가 인 Quevedo, Tirso de Molina, Calderon은 종교인이었습니다. 그들의 작품 중 상당수는 종교적 사상으로 가득 차 있으며 종교 예술에 속합니다. 이를 근거로 이들을 반동으로 규정하기는 매우 쉽다. 그러나 그들 중 가장 위대한 사람들 (Calderon, Quevedo, Gracian, Tirso de Molina)은 그들의 작업에서 민속 사상과 민속적 관점을 접했습니다. 그들은 신흥 화폐 세계에 대해 냉철하고 날카로운 비판을 가하고 평범한 사람을 그려 예술의 민주화에 기여했습니다. 나. 르네상스 리얼리즘 고전주의, 바로크와 병행하여 발전한 르네상스 리얼리즘은 시대의 모순, 특히 인간이 가장 높은 도덕적 가치관을 새롭게 조명하였다. 르네상스 리얼리즘의 대표자들은 여러면에서 이국적이고 환상의 세계를 열망하는 규칙과 규범 및 바로크 시스템으로 고전주의에 반대했습니다. 그들은 매너리즘, 바로크 작품의 과도한 세련미를 받아들이지 않았습니다. 인본주의의 추종자들은 예술의 명확성과 진실성을 지지했지만 더 이상 인간 정신의 힘과 개인의 무한한 가능성을 주장하기 위해 서두르지 않았습니다. 동시대인과 마찬가지로 인본주의적 이상에 대한 실망을 경험한 르네상스 리얼리즘의 작가들은 뜨거운 질문을 던지는 것을 두려워하지 않았습니다. 그들 중 특별한 위치는 봉건주의의 계급적 편견과 충돌하는 인간의 존엄성, 자부심, 명예를 포함한 미덕의 개념이 차지합니다. 또한 르네상스 리얼리즘의 대표자들은 사람들의 일상 생활에 대한 설명으로 향했습니다. 그들은 도시 문학의 전통을 계속 발전시켰다. 처음으로 르네상스 리얼리즘의 대표자들은 사람의 도덕적 성격과 그의 재산, 그가 교육받은 환경 사이의 관계에 대한 질문을 제기했습니다. 동시에 사람들의 대표자들은 그들의 작품에서 더 높고 도덕적으로 더 자주 밝혀졌으며 예를 들어 Lope de Vega는 처음으로 농민을 밝은 개인의 공동체로 보여주었습니다. 그리고 필요하다면 인간의 존엄성을 끝까지 지킨다.

13 인본주의 작가들에 대한 비평가들의 비난은 그들의 글에 날카로운 사회비판이 없다는 점이다. 그러나 우리는 극작술과 산문 모두에서 윤리 문제가 정치적 문제와 밀접하게 연결되어 있음을 잊지 말아야 합니다. 지금은 전경에 배치되지 않습니다. 사람의 일상 생활은 생각 표현에 높은 파토스와 정교함을 요구하지 않습니다. 동시에 작가들은 현실을 묘사하는 단순해 보이는 것 뒤에 국가와 국민의 운명에 대한 진지한 반성을 숨기고 있습니다. 그렇기 때문에 Lope de Vega의 드라마투르기나 Tirso de Molina의 초기 드라마투르기는 아직 민간인의 소리를 잃지 않았습니다. 그리고 다양한 문학 자료에서 17세기 전반의 르네상스 리얼리즘 작가들이 후기 르네상스 작가들 사이에서 자주 언급되고 그들의 작품이 르네상스 문학사 섹션에서 고려되는 것은 우연이 아닙니다. 우리는 A.L.의 작업에서 그러한 접근 방식을 찾습니다. 스타인, V.S. 우지나, N.I. 발라쇼바. 3. Lope de Vega의 창의성 A. 극작가의 삶과 창작 경로 개요 16 세기와 17 세기의 전환기에 Lope de Vega ()는 스페인 민속 극장의 전통과 강력한 사실주의 전통에 의존합니다. 르네상스, 스페인 극작술을 만들었습니다. 뛰어난 극작가의 은하계에서 그는 1 위를 차지합니다. 스페인 사람들은 그들의 국가적 천재성을 숭배했습니다. 그의 이름은 모든 아름다움의 상징이 되었습니다. Lope Felix de Vega Carpio는 1562년 11월 25일 마드리드에서 태어났습니다. 아스투리아스의 소작농 가문 출신인 그의 아버지는 마드리드에 금 자수 공장을 소유한 부유한 사람이었습니다. 그는 당시의 관습에 따라 고귀한 칭호에 대한 특허를 구입하여 아들에게 좋은 교육과 귀족까지 제공했습니다. 예수회 대학에서 초기 교육을 받은 청년은 대학을 졸업했습니다. 이미 어린 나이부터 그는 귀족을 섬기고 연극을 썼던 극단과 함께 일찍 공연했으며 한때 군인이었고 여러 번 결혼했으며 끝없는 연애를했습니다. 50은 종교 재판소의 직원이 된 후 승려와 사제가되었습니다. 노년까지 연애를 중단하지 않고 세속적 인 생활 방식을 인도하는 것을 막지 않았습니다. 그가 죽기 직전에 어려운 개인적인 경험 (아들의 죽음, 딸의 납치)의 영향으로 Lope de Vega는 금욕적인 신념에 빠지기 시작했고 신비주의를 좋아했습니다. 그는 보편적인 명예에 둘러싸여 죽었다. 100명 이상의 시인이 그의 죽음을 위해 시를 지었습니다. Lope de Vega의 다재다능한 삶은 그의 문학 작품에 반영되어 있습니다. 그가 쓴 용이성, 풍부함과 탁월함

그의 작품 중 14개는 그를 "자연의 기적", "불사조", "시의 바다"라고 불렀던 동시대 사람들에게 존경을 받았습니다. Lope de Vega는 다섯 살 때 이미 시를 쓰고 있었고 열두 살 때 코미디를 작곡하여 상연했습니다. 그 후 그는 확신했듯이 하루에 한 번 이상 연극을 썼습니다. 그는 모든 시와 산문 장르를 시도했습니다. Lope de Vega 자신에 따르면 그는 1800편의 코미디를 썼으며 여기에 400편의 종교 연극과 매우 많은 수의 막간이 추가되어야 합니다. 그러나 Lope de Vega 자신은 그의 극작물의 안전에 대해 거의 신경을 쓰지 않았으며, 그 결과 가장 낮은 종류의 문학으로 간주되어 대부분이 그의 생애 동안 출판되지 않았습니다. Lope de Vega (거의 전적으로 시적)의 희곡 400편만이 우리에게 전해졌고, 또 다른 250편은 제목으로만 알려져 있습니다. 극작가는 고전주의의 엄격한 규칙에 따라 쓰여진 희곡이 대중들 사이에서 제대로 된 반응을 찾지 못한다는 것을 일찍이 알아차렸다. 영웅의 장엄한 문구는 차갑게 인식되고 열정은 과도한 것 같습니다. Lope de Vega는 청중을 기쁘게 하고 싶었고 서민을 위해 글을 썼습니다. 고전 연극의 창시자들은 인상의 통일성을, 비극에는 비극을, 희극에는 웃김을 요구했습니다. Lope de Vega는 인생의 모든 것이 비극적이지 않거나 모든 것이 재미 있다고 말하면서 이것을 거부했으며 삶의 진실을 위해 그는 자신의 극장을 위해 "비극과 재미의 혼합", "숭고한 혼합"을 설정했습니다. 그리고 웃기다." Lope de Vega는 극작가를 24 시간 제한으로 제한하고 그에게 장소의 통일성을 요구하는 것은 터무니 없지만 음모의 통일성이 필요하고 행동의 통일성이 의무적이라고 믿었습니다. 극작가는 무대 음모 이론을 개발합니다. 음모는 연극의 신경입니다. 연극을 하나로 묶고 관객을 무대로 사로잡는 힘이 있다. 처음부터 음모는 이미 이벤트의 매듭을 단단히 묶고 무대 장애물의 미로를 통해 시청자를 이끌어야합니다. Lope de Vega는 다양한 장르에서 손을 뻗었습니다. 그는 소네트, 서사시, 단편 소설, 영적 시를 썼습니다. 그러나 Lope de Vega는 탁월한 극작가였습니다. 작품의 음모 범위는 넓습니다 : 인류 역사, 스페인의 국가 역사, 특히 영웅 시대, 국가의 다양한 사회 계층의 동시대 사람들의 삶의 사건, 모든 민족의 삶의 생생한 에피소드. 극작가의 작업에는 세 가지 기간이 있습니다. I 기간 () 이때 그는 국립 극장의 업적을 적극적으로 요약하고 작가의 자유로운 창의력에 대한 권리를 주장합니다. 이 시기 최고의 연극은 The Dance Teacher(1594), The Valencian Widow(1599), The New World Discovered by Christopher Columbus(1609)입니다.

15 두 번째 기간 ()에서 작가는 민속 소설 Fuente Ovehuna (1613), Mudarra의 불법 아들 (1612)의 음모를 사용하여 자신의 국가 역사 드라마를 만듭니다. 이 기간 동안 가장 유명한 코미디는 "구유의 개"(1613), "바보"(1613)입니다. III 기간 ()은 드라마 "The Best Alcalde King"(), "The Star of Seville"(1623), 코미디 "Girl with a Jug"(1623), "To Knowing Without Knowing Whom"(1622)을 씁니다. 작가의 유산을 장르별로 분류하는 복잡성에도 불구하고 일반적으로 민속 영웅, 국가 역사 및 사회 드라마의 세 그룹으로 구분됩니다. "망토와 검 희극"이라고 불리는 가정 희극; 자동차 영적 활동. B. 드라마 "Fuente Ovejuna"의 이념적, 예술적 독창성 드라마 "Fuente Ovejuna"는 Lope de Vega 작품의 정점 중 하나입니다. 그것은 또한 Ferdinand와 Isabella의 통치 기간 동안 15 세기 말에 행동이 이루어지기 때문에 역사적인 연극의 수에 기인 할 수 있습니다. 진정으로 혁명적인 파토스로 가득 찬 이 연극에서 가장 놀라운 점은 그 주인공이 어떤 개인의 인물이 아니라 대중이라는 점이다. 푸엔테 오베후나(Fuente Ovehuna)는 "양의 샘"을 의미하며 스페인의 코르도바(Cordoba) 시 근처에 있습니다. 여기에서 1476 년에 Calatrava 교단 사령관 Fernand Gomez de Guzman의 자의성에 대한 반란이 일어났습니다. 사령관은 반군에 의해 살해되었습니다. 이 역사적 사실은 극작가의 연극에서 재현되었습니다. "영적 질서"의 개념은 우리를 스페인의 깊은 고대로 이끈다. 12세기 초에 무어인과 싸우기 위해 영적 기사단, 군대 및 수도원 조직이 이 나라에 만들어졌습니다. 교단의 머리에는 교단과 교황의 조언을 받는 그랜드 마스터가 있었습니다. 그랜드 마스터의 권한은 지역 군 총재의 지휘관이 수행했습니다. 이 명령은 곧 광대 한 영토를 점령하고 경제적으로 강해졌으며 왕이 아닌 교황에게 직접 종속 되었기 때문에 국가의 봉건적 무정부 상태의 일종의 거점이되었습니다. 푸엔테 오베후나(Fuente Ovehuna) 마을에 주둔하고 있는 칼라트라바(Calatrava) 교단의 사령관 페르난드 고메즈(Fernand Gomez)는 주민들에게 폭력을 행사하고 지역 알칼데를 모욕하며 그의 딸 로렌시아를 불명예스럽게 하려고 합니다. 그녀를 사랑하는 농부 Frondoso는 소녀를 보호합니다. 그러나 Frondoso와 Laurencia의 결혼식 중에 사령관은 부하들과 함께 나타나 모인 사람들을 분산시키고 alcalde를 때리고 Frondoso를 매달고 Laurencia를 납치하여 강제로 그녀를 점령합니다. 농민들은 그러한 불명예를 참을 수 없다. 그들은 모두 남자들이다.

16명의 여성과 아이들은 예외 없이 스스로 무장하고 강간범들을 구타합니다. 이 사건에 대해 왕이 임명한 법원 조사에서 농부들이 고문을 당했을 때 정확히 Fernand Gomez를 죽인 사람은 모두 하나의 대답으로 "Fuente Ovejuna!" 왕은 법원을 중단해야합니다. 그는 농민을 "용서"하고 Fuente Ovejuna를 그의 직접적인 권위 아래로 데려갑니다. 이것이 대중적 연대의 힘이다. 역사 연대기에서 알 수 있듯이 Fernand Gomez 사령관은 왕의 의지와 코르도바시의 당국에 반하여 임의로 Fuente Ovehuna 마을을 점령했습니다. 그에게 반란을 일으킨 농민들은 인민의 압제자들에 대항하는 투사들뿐만 아니라 로페 데 베가가 그의 연극에서 강조한 국가의 정치적 통합을 위한 투사들을 의인화했습니다. 이것은 스페인 당국의 정치 프로그램과 일치했습니다. 그러므로 반항적 인 농민들을 그렇게 대담하게 찬양하는 것이 가능했습니다. 연극의 정치적 문제는 Lope de Vega에 의해 역사적 관점에서 해석됩니다. Aragonese Infante Ferdinand와 Castile의 Isabella의 결혼은 Castile의 Aragon 왕국의 합병, 즉 스페인 전체의 통일을 의미했습니다. Lope de Vega에서 Fuente Ovehuna의 농민들은 Ferdinand와 Isabella에게 헌신하는 반면 사령관은 그의 전체 명령과 함께 배신자 역할을하여 다른 지원자의 Castilian 왕좌에 대한 주장을 지원하여 분열로 이어질 것입니다. 스페인. 따라서 Lope de Vega의 연극에서 국가적 단결, 국적 및 진정한 귀족은 내부적으로 연결됩니다. 연극 로렌시아의 주인공. 이것은 단순한 농부 소녀입니다. 매력적이고, 자랑스럽고, 예리하고, 똑똑합니다. 그녀는 고도로 발달된 자존감을 가지고 있으며 자신을 화나게 하지 않을 것입니다. Lawrencia는 마을 소년들에게 구애를 받지만 지금은 그녀와 그녀의 친구 Pascuala는 남자들이 모두 불량배라고 결정했습니다. 군인들은 Laurencia를 선물로 유혹하여 그녀를 사령관의 호의로 기울 였지만 소녀는 경멸로 대답합니다. 암탉은 그렇게 어리석지 않고 예, 그에게 가혹합니다. (K. Balmont 옮김) 그러나 소녀는 이미 사랑이 세상에 존재한다는 것을 알고 있습니다. 그녀는 이미 이와 관련하여 특정한 철학을 가지고 있습니다. 연극의 한 장면에서 젊은 농민 소년 소녀들 사이에서 사랑에 대한 논쟁이 시작됩니다. 사랑이란 무엇입니까? 심지어 존재합니까? 극중 가장 흥미로운 캐릭터 중 하나인 농부 멍고는 사랑을 부정한다. Barrildo는 그에게 동의하지 않습니다. 사랑이 존재하지 않는다면 세상도 존재할 수 없습니다. (K. Balmont 번역)

17 이 판단은 다른 사람들이 받아들입니다. Laurencia에 따르면 사랑은 "아름다움에 대한 열망"이며 그 궁극적인 목표는 "즐거움을 맛보는 것"입니다. 우리 앞에는 르네상스의 삶을 긍정하는 철학이 있습니다. Laurencia의 캐릭터는 시청자에게 즉시 공개되지 않습니다. 우리는 이 시골 소녀가 자신 안에 어떤 영혼의 힘을 숨기고 있는지 아직 모릅니다. 다음은 강가의 장면입니다. Laurencia는 옷을 헹구고 있고, 그녀에 대한 사랑에 시달린 농부 소년 Frondoso는 그녀에게 자신의 감정에 대해 이야기합니다. 평온한 Laurencia는 그를 비웃습니다. 애인을 조롱하는 것이 그녀에게 기쁨을 주지만, 그녀는 이 정직하고 진실한 청년을 좋아합니다. 사령관이 나타납니다. 그를보고 Frondoso는 숨고 사령관은 소녀가 혼자라고 믿고 무례하게 그녀에게 달라 붙습니다. Laurencia는 큰 위험에 처해 있으며 도움을 요청할 수밖에 없습니다. 그녀는 덤불 뒤에 숨은 Frondoso의 이름을 언급하지 않고 하늘을 외칩니다. 다음은 Frondoso의 용기에 대한 테스트입니다. 그의 사랑은 강합니까, 그는 충분히 이타적입니까? 그리고 청년은 구조하러 달려갑니다. 그는 죽음의 위협을 받지만 소녀를 구합니다. Frondoso는 강제로 숨어 있습니다. 사령관의 병사들은 그를 잡아 처형하기 위해 그를 추적합니다. 그러나 그는 부주의합니다. 그는 Laurencia를 만나기를 원하고 그녀를 사랑하고 다시 한 번 그의 사랑에 대해 이야기합니다. 이제 소녀는 그를 사랑할 수밖에 없으며 그와 결혼 할 준비가되었습니다. 그래서 모든 남자를 사기꾼이자 도적이라고 여겼던 부주의한 로렌시아는 사랑에 빠졌다. 모든 것이 그녀의 행복을 약속합니다. 결혼식이 곧 있을 예정입니다. 젊은이의 부모는 그들을 단결시키는 데 동의합니다. 한편 사령관과 그의 병사들은 난폭해 백성들의 인내의 잔을 넘친다. Fuente Ovehuna에서 끔찍한 일들이 벌어지고 있습니다. 그러나 시인은 이것에 대해 이야기하면서 우울할 수 없습니다. 낙담과 비관주의의 분위기는 그와 그의 농민 영웅들에게 외계인입니다. 쾌활함과 진리에 대한 믿음의 정신이 무대에 보이지 않게 존재합니다. Frondoso와 Laurencia는 결혼했습니다. 농민들은 건전한 노래를 부릅니다. 결혼식 행렬은 병사들과 함께 사령관이 추월합니다. 사령관은 둘 다 점령하라고 명령합니다. 그리고 축제 군중이 흩어지고 젊은 배우자가 잡히고 불행한 부모가 자녀를 애도합니다. Frondoso는 죽음의 위협을받습니다. 오랜 고문과 더러운 괴롭힘 끝에 Laurencia는 사령관에게서 도망칩니다. 그리고 그녀가 어떻게 변했는지! 그녀는 여성이 허용되지 않는 국회에 나타났습니다. 나는 투표권이 필요하지 않습니다. 여성은 신음 할 권리가 있습니다 (K. Balmont 번역) 그러나 그녀는 신음하러 온 것이 아니라 그녀의 경멸을 표현하기 위해 여기에 왔습니다 자신을 방어할 수 없는 비참한 사람들을 위해. 그녀는 아버지를 거부합니다. 그녀는 비겁한 농민들을 비난합니다.

18 당신은 양이고 Sheep Key는 당신이 살기에 딱 맞습니다. .. 당신은 야만인이고 스페인 사람이 아닙니다. 불행한! 당신은 낯선 남자에게 당신의 아내를 제공합니다! 검을 왜 들고 다니지? 스핀들 측면에서 걸어보세요! 나는 당신에게 맹세합니다, 나는 여성들이 배신한 폭군의 피로 얼룩진 명예를 씻고 그들은 당신을 추위에 남겨 둘 것입니다 (K. Balmont 번역) Laurencia의 연설은 농민들을 불 태우고 반란을 일으켰습니다. 반란군의 분노는 무자비합니다. 사령관이 죽었습니다. 쾌활하고 수줍음이 많고 연극 초반에 꽤 평범한 농민 여성 인 Laurencia는 행동 과정에서 반란군의 인정받는 지도자가됩니다. 그리고 Frondoso에 대한 개인적인 원한과 사랑이 그녀의 행동을 인도할 뿐만 아니라 마을의 공통 관심사이기도 합니다. 연극은 해피엔딩으로 끝난다. 농민들이 이겼다. 인생은 항상 승리하기 때문에 그렇지 않을 수 없습니다. 이것이 Lope de Vega와 바로크 시인 및 극작가의 주요 차이점입니다. 질문의 본질은 묘사 된 사건이 아니라 주제와 줄거리가 아니라 이러한 주제, 줄거리 및 사건에 대한 작가의 태도입니다. B. 드라마 "세비야의 별"(1623)의 이데올로기 및 예술적 독창성 연극은 고대에 농민 왕 Sancho IV the Bold가 통치하던 안달루시아의 중심 인 세비야에서 열립니다. 타인의 인간적 존엄성을 고려하지 않는 왕과 높은 명예의 법칙에 따라 전통과 삶을 보존하는 옛 스페인 사이에서 갈등이 전개됩니다. 두 가지 명예 개념이 갈등의 발전을 결정합니다. 둘 다 중심 캐릭터 Sancho Ortiz로 구현됩니다. 왕은 아름다움 때문에 "세비야의 별"이라는 별명을 가진 Estrella를 좋아했습니다. 그는 아름다움을 소유하고 싶어하지만 소녀의 형제 Busto Tabera가 방해합니다. 그의 집에서 왕을 찾은 그는 칼을 들고 그에게 달려갑니다. 군주는 적을 죽이기로 결정하지만 이를 위해 Estrella의 약혼자 인 고귀한 Sancho Ortiz를 사용합니다. 왕은 산초의 정직함을 이용합니다. Busto Tabera의 암살을 명령하기 전에 그는 Sancho를 데리고 솔직한 이야기를 나눕니다.

19 왕에게 충성하고 충성하며 그의 말을 받아 주인의 모든 명령을 의심 없이 이행한다. 산초의 자랑스러운 성격을 잘 아는 그는 청년에게 모든 후속 조치를 정당화하는 종이를 건네지만 산초는 그것을 찢습니다. 그리고 왕이 마침내 Sancho가 군주에 대한 모욕에 복수 할 준비가되어 있음을 확신 한 후에야 그는 희생자의 이름이 적힌 서면 명령을 내리고 부하들의 운명에 대한 완전한 무관심을 나타내는 발언과 함께 즉시 서둘러 떠납니다. 누구를 죽여야 하는지 알아내십시오. 이름이 혼란스러울 수 있지만 물러서지 마십시오(T. Shchepkina-Kupernik 번역) 자신의 가장 친한 친구이자 Estrella의 형제인 Busto Taber를 죽여야 한다는 사실을 알게 된 Sancho는 선택에 직면했습니다. 주문하거나 거절하십시오. 두 경우 모두 그는 명예의 인질입니다. 극작가는 처음으로 비인간적 사회에서 인간의 자유 부족과 삶의 무의미함에 대해 이야기했습니다. Sancho는 Busto Tabera를 죽이고 Estrella를 영원히 잃습니다. 명예 논쟁의 절정은 산초가 살인을 지시한 사람의 이름을 밝히기를 거부하는 법정 장면이 될 것이다. 명예 문제와 옛 스페인의 전통에 초점을 맞추면서 Lope de Vega는 동시에 이러한 전통의 정신으로 자란 Sancho Ortiz가 인질이되어 왕권의 도구가된다고 강조했습니다. 연극의 특징은 작가가 Sancho IV the Bold 시대 고유의 역사적 풍미를 무대 내러티브에 도입하여 액션에 흥미 진진한시를 부여한다는 것입니다. 다른 많은 작품과 마찬가지로 "세비야의 별"도 유머, 교활한 농담이 특징입니다. 젊은 연인들의 애처로운 설명이 끝나자마자 그는 이 사건을 우연히 목격한 하인들로 하여금 그들의 주인을 패러디하게 만든다. 여기에서 Lope de Vega는 그의 전통을 따라 무대 내러티브에 "숭고하고 재미있는" 것을 가져옵니다. 권장 및 사용 문헌 목록 1. Artamonov, S.D. XVII-XVIII 세기의 외국 문학사 / S.D. Artamonov. 모스크바: 계몽주의, S. Artamonov, S.D. 17-18세기의 외국 문학: 선집. 절차 학생 수당. 소아 in-tov / S.D. Artamonov. M.: 깨달음, S

20 3. Vipper, Yu.B., Samarin, R.M. 17 세기 외국 문학사 강의 과정 / Yu.B. 비퍼, R.M. 사마린; 에드. 봄 여름 시즌. Ignatov. M.: Universitetskoe, S Erofeeva, N.E. 외국 문학. XVII 세기: ped 학생들을 위한 교과서. 대학 / N.E. Erofeev. 모스크바: Bustard, S Plavskin, Z.I. 로페 데 베가 / Z.I. 플라브스킨. 중.; L., S. 6. 스타인, A.L. 스페인 문학사 / A.L. 매트. 2판. 모스크바: Editorial URSS, S

21 강의 2 17세기 스페인 바로크 문학 계획 1. 스페인 바로크 문학 발전의 특징. 2. 스페인 바로크 문학 학교. 3. 스페인 바로크 가사의 대표주자인 Luis de Gongora. 4. 스페인 바로크 드라마투르기(칼데론). 5. 프란시스코 데 케베도와 스페인 바로크 산문. 1. 가장 깊은 경제 쇠퇴, 정치적 위기 및 이데올로기 적 반응의 시대 인 스페인의 스페인 바로크 문학 XVII 세기 발전의 특징. 15세기 말에 스페인 통일 국가가 세워지고 레콘키스타가 완성되었을 때 그 어떤 것도 빠른 재앙을 예고하는 것 같지 않았습니다. 식민지화는 처음에 경제 발전, 산업 및 무역에서 초기 부르주아 관계의 출현을 위한 원동력이 되었습니다. 그러나 곧 스페인 국가, 경제 및 정치의 깊은 쇠퇴가 드러났습니다. 미국의 금은 스페인의 지배계급과 왕권이 국내 산업과 상업의 발전을 등한시하도록 허용했습니다. 그 결과 16세기 말까지 산업은 쇠퇴했습니다. 모든 생산 부문이 사라졌고 무역은 외국인의 손에 넘어갔습니다. 농업이 무너졌습니다. 사람들은 구걸했고 귀족과 고위 성직자들은 사치에 빠져들었습니다. 국가 내의 사회적 및 국가적 모순이 급격히 증가했습니다. 1640년 카탈로니아(당시 스페인에서 가장 산업화된 지역)에서 광범위한 분리주의 봉기가 시작되었고 수많은 농민 봉기와 폭동이 수반되었습니다. 점차 스페인은 식민지를 잃기 시작했습니다. 이 모든 것이 17세기 스페인 문학에 각인을 남길 수밖에 없었습니다. 17세기 스페인 문학의 특징: 1) 17세기 첫 10년 동안 르네상스 미술은 이미 위기의 모습을 보이기는 했지만 스페인에서 강력한 지위를 유지했다. 주요 작가들은 르네상스 이상의 내부 불일치, 우울한 현실과의 불일치를 점점 더 명확하게 인식하고 있습니다.

22 2) 세기 내내 스페인의 지배적인 예술 시스템은 바로크였다. 그 경향은 17세기 예술가 Velazquez(“거울 앞의 비너스”), Murillo(“방랑자들에게 빵을 나눠주는 예수”) 등의 작품에 내재되어 있습니다. 서유럽의 다른 국가보다 강렬합니다. 스페인 바로크 Quevedo, Calderon 및 기타 문학의 주요 인물의 작업에서 르네상스 이상과 문제의 메아리가 명확하게 추적되는 것은 우연이 아닙니다. 3) 스페인 바로크 미술은 지식 엘리트를 지향했다. 일반적으로 스페인 바로크 예술은 심각성과 비극으로 구분됩니다. 영적 원리 강조; 삶의 산문의 손아귀에서 벗어나려는 욕망. 17세기 후반에는 신비주의 경향이 증가하는 것이 특징이었습니다. 2. 스페인 바로크 문학 학교 스페인 바로크 문학에서(특히 세기 전반기) 이교주의(cultarianism)와 개념주의라는 두 주요 학파 사이에 투쟁이 있었습니다. 컬티즘(가공되고 재배된 스페인 컬트에서 유래)은 엄선되고 정교하게 교육받은 사람들이 인식하도록 설계되었습니다. 현실을 받아들이지 않고 완벽하고 아름다운 예술 세계에 반대하는 이교도들은 주로 추악한 현실을 거부하는 수단으로 언어를 사용했습니다. 그들은 독특하고 복잡한 은유, 신조어(주로 라틴어 기원) 및 복잡한 구문 구조로 작품을 오버로드하는 특별한 "어두운 스타일"을 만들었습니다. 가장 크고 가장 재능있는 시인 컬티스트는 Gongora였습니다 (그래서 컬트주의를 Gongorism이라고도합니다). 개념주의(스페인 개념주의에서 유래)는 컬트주의와 달리 인간 사고의 복잡성을 표현한다고 주장했습니다. 개념주의자의 주요 임무는 서로 멀리 떨어져 있는 개념과 대상 사이의 깊고 예상치 못한 연결을 밝히는 것입니다. 개념주의자들은 문장의 최대 의미론적 풍부함을 요구했습니다. 개념 주의자들이 가장 좋아하는 트릭은 단어의 다의어 사용, 말장난, 안정적이고 친숙한 문구의 파괴입니다. 그들의 언어는 이교도들의 언어보다 더 민주적이지만 이해하기 어렵지 않습니다. 저명한 스페인 문헌학자 R. Menendez Pidal이 개념주의자들의 방식을 "어려운 스타일"이라고 불렀던 것은 우연이 아닙니다. 가장 저명한 개념주의 저술가는 Quevedo, Guevara 및 Gracian(후자는 개념주의 이론가이기도 함)이었습니다.

23 그러나 두 학파는 차이점보다 공통점이 더 많습니다. 두 방향 모두 무엇보다 "빠른 마음"이 예상치 못한 먼 개념과 일치하고 부조화를 결합하는 은유를 넣었습니다. 그들의 교리를 극도로 고수하면서 학교는 새로운 표현 수단으로 문학을 풍부하게 하고 이후의 발전에 영향을 미쳤습니다. 컬트주의는 시에서, 개념주의는 산문에서 가장 생생하게 구현되었습니다. 그리고 이것은 우연이 아닙니다. 컬티스트들은 감정의 가장 미묘한 색조를 표현했습니다. 그들의 시는 감정적으로 과포화되어 있습니다. 개념주의자들은 예리한 사고의 모든 풍부함과 유연성을 전달했습니다. 그들의 산문은 무미건조하고 합리주의적이며 재치가 있습니다. 3. 스페인 바로크 가사를 대표하는 Luis de Gongora Luis de Gongora y Argote()는 세계 문학에서 가장 복잡하고 재능 있는 시인 중 한 명으로 오랫동안 일반 독자가 접근할 수 없는 "난해한", "어두운" 것으로 여겨져 왔습니다. . 그의 작품에 대한 관심은 R. Dario와 F. Garcia Lorca와 같은 시인들의 노력을 통해 20세기에 되살아났습니다. Gongora의 작품은 그의 생애 동안 출판되지 않았습니다. 그것들은 사후에 스페인 호메로스의 시집 Works in the Verses of the Spanish Homer(1627)와 1629년에 출판된 그의 작품집에 출판되었습니다. 로맨스, letrilla (인기있는 민속시의 형태), 소네트, 서정시-시인이 그의 이름을 불멸화시킨 장르. Gongora는시에서 생각없는시 읽기를 배제하고 그에게 추악한 현실을 거부하는 일종의 수단이 된 특별한 "어두운 스타일"을시에서 만들었습니다. 시인의 스타일 형성에 가장 중요한 것은 중세 아랍-안달루시아 가사였습니다 (Gongora는 천년 문화의 전통을 유지 한 아랍 칼리프의 전 수도 인 코르도바에서 태어났습니다). 그녀는 실제와 조건의 두 평면에서 현실을 재현했습니다. 실제 계획을 은유적 계획으로 끊임없이 대체하는 것은 공고라 시에서 가장 흔한 장치이다. 그의시의 주제는 거의 항상 단순하지만 구현은 매우 어렵습니다. 그의 대사는 풀릴 필요가 있으며 이것이 그의 의식적인 창작 설정입니다. 저자는 표현의 모호함, "어두운 스타일"이 사람의 활동과 공동 창조를 유도하는 반면, 평범하고 말소 된 단어와 표현은 그의 의식을 진정 시킨다고 믿었습니다. 그렇기 때문에 그는 특이한 맥락에서 친숙한 단어를 사용하여 이국적인 신조어와 고고학으로 시적 연설을 포화시키고 전통적인 구문을 포기했습니다. 공고라의 시는 주제에 대한 관점의 다양성(다원주의)과 바로크 예술 시스템의 전형적인 단어의 모호성을 보여줍니다. 그의 시적 어휘에는 특이한 점이 있다.

크리스탈, 루비, 진주, 금, 눈, 카네이션 등 전체 은유 시스템이 구축된 24개의 핵심 단어. 문맥에 따라 그들 각각은 하나 또는 다른 추가 의미를 얻습니다. 따라서 "크리스탈"이라는 단어는 물, 근원뿐만 아니라 여성의 몸이나 눈물을 의미할 수도 있습니다. "골드"는 헤어 골드, 올리브 오일 골드, 허니컴 골드입니다. "비행 눈"은 하얀 새, "스펀 눈"은 하얀 식탁보, "도망치는 눈"은 사랑하는 사람의 새하얀 얼굴입니다. 몇 년 동안 아직 꽤 어린 Gongora는 Ariosto, Tasso 및 기타 이탈리아 시인을 기반으로 쓴 약 30 개의 소네트를 만듭니다. 이미 여전히 학생의 시인 경우가 많은 이 시는 의도의 독창성과 형식의 세심한 연마가 특징입니다. 그들 대부분은 삶의 연약함, 아름다움의 연약함이라는 주제에 전념합니다. 유명한 소네트 "당신의 머리카락이 흐르는 동안"의 모티브는 호레이스로 거슬러 올라갑니다. 그것은 Tasso를 포함한 많은 시인에 의해 개발되었습니다. 그러나 비극적 인 Tasso에서도 Gongora만큼 절망적으로 들리지 않습니다. 아름다움은 단순히 퇴색하거나 퇴색하는 것이 아니라 전능 한 무로 변할 것입니다 ... 서둘러 피부에 숨겨진 힘의 즐거움을 맛보고, 컬에서, 입에서. 당신의 카네이션과 백합의 꽃다발이 불명예스럽게 시들지 않았을뿐만 아니라 세월이 당신을 재와 흙으로, 재와 연기와 먼지로 만들지 않았습니다. (S. Goncharenko 번역) 전능 한 무 앞에서 행복이 덧없는 세상의 부조화는 가장 작은 세부 사항까지 생각한시의 조화로운 조화로운 구성으로 강조됩니다. Gongora의 시적 스타일은 그의 시 The Tale of Polyphemus and Galatea(1612)와 Solitude(1614)에서 가장 완벽하게 표현되었습니다. Polyphemus와 Galatea의 줄거리는 Ovid의 Metamorphoses에서 빌려온 것입니다. Gongora는 환상적인 캐릭터와 기발한 이미지로 줄거리에 매료되었습니다. 공고라는 고전적 이미지에서 출발하여 완전하고 완벽한 바로크 시를 창작했으며 서사보다 서정적이다. 그녀는 내부적으로 음악적입니다. Gongora Belmas의 작업 연구원은 그것을 교향곡과 비교했습니다. 옥타브 단위로 쓰여진 이 시는 갈라테이아와 그녀가 사랑하는 아시스의 아름답고 밝은 세계와 폴리페모스의 어두운 세계의 대립과 키클롭스의 추악한 모습과 그를 완전히 채운 그 온화하고 강력한 느낌을 바탕으로 만들어졌습니다. . 시의 중심에는 Asis와 Galatea의 만남이 있습니다. 우리는 그들의 말을 듣지 않습니다. 그것은 무언극이나 발레입니다. 날짜는 조화와 평온의 정신으로 가득 찬 짧은 서사시처럼 보입니다. 그는 질투에 분노한 괴물의 등장에 방해를 받는다. 연인들은 도망치지만 재앙

25가 그들을 추월합니다. 화가 난 폴리페모스는 아시스에게 돌을 던지고 그를 묻습니다. Asis는 스트림으로 변합니다. Gongora는 독자를 생각으로 인도합니다. 세상은 부조화하고 행복은 얻을 수 없으며 아름다운 Asis가 바위 조각 위에 죽는 것처럼 아름다움은 그 안에서 죽습니다. 그러나 삶의 부조화는 예술의 엄격한 조화로 균형을 이룬다. 시가 완성되었습니다. 그리고 모든 내부 부조화와 함께 구성 요소의 균형이 있습니다. Gongora 작품의 진정한 정점은 "Loneliness"라는시입니다 (계획된 4 부분 중 "First Loneliness"와 "Second"의 일부만 작성됨). 이름 자체는 모호하고 상징적입니다. 들판, 숲, 사막, 인간 운명의 외로움입니다. 시의 주인공인 외로운 방랑자의 방황은 인간 존재의 상징으로 인식된다. 시에는 거의 음모가 없습니다. 난파선의 결과로 모든 것에 실망하고 짝사랑으로 고통받는 이름없는 청년이 무인도 해안에 도착합니다. 줄거리는 자연을 생각하는 영웅 의식의 가장 미묘한 연관성을 드러내는 구실로만 사용됩니다. 이시는 이미지, 은유로 과포화되어 있으며, 대부분 서로 훨씬 뒤에있는 개념의 하나의 이미지 병합 (소위 "concetto")을 기반으로합니다. 한계에 도달한 구절의 비 유적 압축은 스타일의 "어둠"의 효과를 만듭니다. 따라서 우리는 Gongora의 작업에 교육을 받고 신화, 역사에 익숙하고 역사주의와 격언을 아는 사려 깊은 독자가 필요하다는 것을 알 수 있습니다. 물론 완벽한 독자에게는 그의 시가 더 이해하기 쉬우나 Gongora의 동시대 사람들에게는 신비스럽고 소름 끼치는 것처럼 보였습니다. 4. 스페인 바로크 드라마투르기(칼데론) 바로크 드라마는 극장의 이데올로기 투쟁이 격화되는 맥락에서 형성되었다. 반종교 개혁의 가장 광적인 지지자들은 세속 연극 공연의 금지를 반복적으로 요구했습니다. 그러나 스페인 극장의 인본주의적인 인물뿐만 아니라 사회 지배 엘리트의 온건 한 대표자들도 극장에서 그들의 이상을 주장하는 강력한 수단을보고 이러한 시도에 반대했습니다. 그럼에도 불구하고 17세기 초부터 지배 계급은 점점 더 단호하게 스페인 전역에 자리 잡은 민주 세력을 공격했습니다. 이 목표는 극단 수의 감소, 레퍼토리에 대한 엄격한 세속 및 교회 검열의 확립, 특히 공공 도시 극장(소위 "목장") 활동의 점진적인 제한으로 달성되었습니다. 법원 극장의 역할 강화. 물론 연극 패션의 입법자는 "목장"에서와 같이 폭력적이고 반항적 인 마을 사람들이 아닙니다.

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이 장을 학습한 후 학생은 다음을 수행하게 됩니다.

알다

문화 역사적 과정의 다양한 시대 구분 원칙의 존재에 대해;
르네상스 휴머니즘 위기의 원인;
17세기에 형성된 새로운 인간 개념의 내용;
고전주의와 바로크의 미학과 시학의 기본 원칙;

가능하다

특별한 문화적, 역사적 시대로서의 특수성을 결정하는 17 세기 콘텐츠의 주요 특징을 강조합니다.
17세기 사람의 태도와 전망의 변화를 특징짓는 것;
예술 작품에서 바로크 및 고전 시학의 요소를 식별합니다.

소유하다

17세기 역사적, 문화적 과정의 주요 경향에 대한 아이디어;
바로크와 고전주의의 대결의 상대성에 대한 생각;
고전주의의 시학과 미학의 주요 조항.

현대 역사가와 문화 연구자들 중에는 인간 사회 역사의 시대 구분에 대한 기존 원칙을 신뢰하지 않는 사람들이 있습니다. 그들 중 일부는 "인간의 본성은 항상 불변성을 위해 노력한다"고 믿기 때문에 연속적인 세대 간의 차이점을 찾는 것은 근본적으로 의미가 없습니다. 다른 사람들은 일부 역사적 논리에 따라 변화가 일어나지 않고 개별 밝은 성격의 영향으로 변화가 발생한다고 확신하므로 그러한 인물의 이름으로 역사적 기간을 호출하는 것이 더 합리적입니다 ( "베토벤의 시대", " 나폴레옹 시대' 등) . 그러나 이러한 사상은 아직까지 역사과학에 눈에 띄는 영향을 미치지 못했으며 대부분의 인문학은 전통적인 시대구분에 기반을 두고 있다.

동시에 17세기는 독자적인 문화·역사적 시대로서의 특수성을 규정하는 데 어려움을 겪는다. 복잡성은 이미 "17 세기"라는 용어 지정으로 표시됩니다. 인접한 시대는 "르네상스"와 "계몽"이라고 불리며 이미 이름 자체에는 이러한 시대의 내용과 근본적인 이데올로기 지침이 표시되어 있습니다. "17세기"라는 용어는 연대기 축의 위치만을 표시합니다. 이 시기에 대한 다른 명칭(반종교개혁시대, 절대주의시대, 바로크시대 등)을 찾으려는 시도가 거듭되었지만, 그 어느 것도 뿌리를 내리지 못했다. 연대. 그러나 이 역사적 시기의 불일치와 이질성에도 불구하고 많은 학자들은 다음과 같이 지적합니다. 전이성문화 및 역사 시대로서 17 세기의 주요 특징으로.

넓은 역사적 관점에서 모든 시대는 하나의 역사적 단계에서 다른 단계로의 과도기적이지만 17세기는 이 시리즈에서 특별한 위치를 차지합니다. 르네상스와 계몽주의를 연결하는 역할을 합니다. 르네상스 시대에 시작된 유럽 사회 생활의 다양한 영역의 많은 경향은 18세기에야 논리적 결론과 공식화를 받았기 때문에 "중간"세기는 급진적 변화의 시대가 되었습니다. 이러한 변화는 주로 경제에 영향을 미쳤습니다. 봉건 관계는 자본주의 관계로 적극적으로 대체되어 서유럽 사회에서 더 영향력있는 역할을 주장하기 시작한 부르주아지의 지위를 강화했습니다. 대체로 태양의 장소를 위한 새로운 계급의 투쟁은 여러 나라에서 사회적 대격변을 일으켰습니다. 영국의 부르주아 혁명은 찰스 1세의 처형으로 끝났고, Fronde라고 불리는 세기 중반, 이탈리아와 스페인을 휩쓸었던 농민 봉기.

서유럽 국가에서 새로운 경제 관계의 강화가 다른 속도로 발생했기 때문에 국제 무대의 힘의 균형도 17 세기에 변화를 겪었습니다. 스페인과 포르투갈은 이전의 경제력과 정치적 영향력을 잃었고, 자본주의가 더욱 역동적으로 발전한 영국, 네덜란드, 프랑스는 유럽 역사의 최전선에 진입했습니다. 서유럽의 이 새로운 재분배는 현대에서 가장 길고 피비린내 나는 전쟁 중 하나인 30년 전쟁(1618-1648)의 구실이 되었습니다. 주로 가톨릭 국가 (스페인, 오스트리아, 독일의 가톨릭 공국)를 통합 한 합스부르크 연맹이 영국과 네덜란드의 지원을받는 독일, 프랑스, \u200b\u200b스웨덴, 덴마크의 프로테스탄트 왕자들에 의해 반대되는이 군사 분쟁에서. 역사가들에 따르면 인구 2000만 명 중 700만 명 이상이 합스부르크 동맹으로 사망했다. 동시대 사람들이 이 사건을 최후의 심판과 비교한 것은 놀라운 일이 아닙니다. 30년 전쟁의 공포에 대한 묘사는 이 시기의 독일 문학 작품에서 자주 발견됩니다. Hans Jakob Christoffel Grimmelshausen은 그의 소설 The Adventures of Simplicius Simplicissimus(1669)에서 전쟁 기간 동안 독일에 닥친 재난에 대한 확장되고 매우 우울한 그림을 제시했습니다.

유럽 국가 간의 갈등의 근거는 경제적, 정치적 모순뿐만 아니라 종교적 모순이었습니다. 17세기 무너진 입장을 바로잡고 이전의 영향력을 되찾기 위해 가톨릭 교회는 종교개혁에 대항하는 새로운 투쟁을 시작합니다. 이 운동을 반개혁.예술의 선전 가능성을 잘 알고 있는 교회는 종교적 주제와 동기를 예술에 침투하도록 장려합니다. 바로크 문화는 그러한 소개에 더 개방적인 것으로 밝혀졌으며 더 자주 그리고 더 기꺼이 종교적 음모와 이미지로 향했습니다. 바로크가 전성기를 맞이한 나라 중 하나가 유럽 코아종교개혁의 본거지인 스페인임은 당연하다.

17세기 문학

17세기 이후 인류 문명사에서 새시를 세는 것이 관례가 되어 왔다. 르네상스 (XIV-XVI 세기)와 계몽주의 (XVIII 세기) 사이의 경계 위치를 차지하는 XVII 세기는 르네상스에서 많은 것을 얻었고 많은 것을 남겼습니다.

17세기의 주요 문학 사조는 바로크와 고전주의였다.

바로크는 17세기 문학에서 중요한 역할을 합니다. 16세기 말부터 새로운 양식의 조짐이 나타나기 시작했지만 전성기가 된 것은 17세기였다. 바로크는 사회적, 정치적, 경제적 불안정, 이념적 위기, 프론티어 시대의 심리적 긴장에 대한 반응입니다. 이것은 르네상스 인본주의 프로그램의 비극적 결과를 창의적으로 재고하려는 욕구입니다. 영적 위기의 상태.

비극적으로 숭고한 내용은 바로크 양식의 주요 특징을 예술적 방법으로 결정했습니다. 바로크 작품은 연극 성, 환상적 성격 (P. Calderon의 드라마가 "인생은 꿈이다"라고 불리는 것은 우연이 아닙니다), 이율배반 (개인 원칙과 사회적 의무의 충돌), 감각적, 영적 성격의 대조가 특징입니다. 인간, 환상과 현실, 이국적인 것과 평범한 것, 비극과 희극의 대립 . 바로크는 복잡한 은유, 우화, 상징주의로 가득 차 있으며 단어의 표현력, 감정의 고양, 의미 론적 모호성, 고대 신화의 모티프와 기독교 상징의 혼합으로 구별됩니다. 바로크 시인들은 구절의 그래픽 형식에 큰 관심을 기울여 하트, 별 등의 패턴을 형성하는 "곱슬"시를 만들었습니다.

그러한 작품은 읽을 수 있을 뿐만 아니라 예술 작품으로 간주됩니다. 작가들은 작품의 독창성을 가장 중요한 장점으로, 지각의 어려움과 다양한 해석의 가능성 등 필요한 특징을 꼽았다. 스페인 철학자 그라시안은 "진실을 알기가 어려울수록 그것을 이해하는 것이 더 즐겁다"고 썼다. 높은 가치의 단어의 예술가, 역설적 판단: “생명의 이름으로 서두르지 마십시오. / 서둘러 태어나다-서둘러 죽다”(공고라).

가장 유명한 바로크 작가는 스페인의 Luis de Gongora(1561-1627), Pedro Calderon(1600-1681), 이탈리아의 Torquato Tasso(1544-1595), Giambattista Marino(1569-1625), 독일의 Hans Jacob von Grimmelshausen입니다. ( 약 1621-1676), 벨로루시와 러시아 Polotsk의 Simeon (1629-1680). 연구자들은 바로크 양식이 영국 작가 W. 셰익스피어와 J. 밀턴의 작품에 미친 영향에 주목합니다.

17세기에 널리 퍼진 두 번째 문학 경향은 고전주의이다. 그의 고향은 이탈리아 (XVI 세기)였습니다. 여기에서 부활한 고대 극장과 함께 고전주의가 생겨났고 원래는 중세 드라마에 대한 직접적인 반대라고 생각되었습니다. 르네상스의 인본주의 자들은 Plautus와 Terentius의 희극 인 Euripides와 Seneca의 비극을 되살리기 위해 특정 역사적 시대와 민족의 독창성을 고려하지 않고 추측 적으로 결정했습니다. 그들은 고전주의의 최초의 이론가였습니다. 따라서 고전주의는 초기에 합리주의 적 엄격함과 무대 행동의 논리, 예술적 이미지의 추상성, 말의 파토스, 장엄한 자세와 몸짓, 11 음절의 운율없는 구절과 같은 고대 예술을 모방하는 이론과 실천으로 작용했습니다. 소포클레스와 에우리피데스의 비극을 모델로 삼아 유럽 고전주의 시대를 연 트리시노(1478~1550)의 비극 <소포니스바>의 특징이다.

고전 예술의 샘플은 17세기 프랑스에서 만들어졌습니다. 여기에서 그의 이론이 구체화되었습니다.

데카르트의 합리주의 교리는 고전적 방법의 철학적 기초가 되었다. 철학자는 진리의 유일한 원천은 이성이라고 믿었습니다. 이 진술을 출발점으로 삼아 고전 주의자들은 고대의 예술적 법칙을 준수한다는 명목으로 예술을 합리적인 필요성의 요구 사항과 조화시키는 엄격한 규칙 시스템을 만들었습니다. 합리주의는 고전 예술의 지배적인 특성이 되었습니다.

고대에 대한 고전 이론의 방향은 주로 영원에 대한 생각과 아름다움의 이상에 대한 절대성과 관련이 있습니다. 이 교리는 모방의 필요성을 확인했습니다. 한 번에 이상적인 아름다움의 예가 만들어지면 후속 시대의 작가의 임무는 가능한 한 가까이 다가가는 것입니다. 따라서 엄격한 규칙 시스템, 의무 준수는 예술 작품의 완성도를 보장하고 작가의 기술을 나타내는 지표로 간주되었습니다.

고전 주의자들은 또한 문학 장르의 명확하게 규제 된 계층 구조를 확립했습니다. 장르의 정확한 경계와 그 특징이 결정되었습니다. 비극, 서사시, 송시가 높았습니다. 그들은 공적 생활의 영역, 운명적인 사건, 군주, 군사 지도자, 귀족과 같은 높은 장르에 어울리는 영웅을 묘사했습니다. 독특한 특징은 극적인 갈등, 비참한 열정, 비인간적 고통과 같은 비극에서 높은 스타일, 고상한 감정이었습니다. 높은 장르의 임무는 시청자에게 충격을주는 것입니다.

낮은 장르(코미디, 풍자, 에피그램, 우화)는 사생활 영역, 생활 방식 및 관습을 반영했습니다. 영웅은 평범한 사람들이었습니다. 이러한 작품은 간단한 구어체로 작성되었습니다.

고전주의 극작가는 시간(하루 이상), 장소(하나의 풍경), 행동(사이드 스토리 없음)의 "세 가지 통일성" 규칙을 따라야 했습니다. 확실성의 환상을 만들기 위해 규칙이 설정되었습니다.

고전 이론의 중요한 구성 요소는 인간 성격의 일반적인 유형에 대한 개념입니다. 따라서 예술적 이미지의 잘 알려진 추상성. 그들은 보편적이고 "영원한" 특성(Misanthrope, Miser)을 강조했습니다. 영웅은 긍정과 부정으로 나뉩니다.

고전 주의자들의 무대 성격은 모순과 발전없이 주로 일방적이고 정적입니다. 이것은 캐릭터 아이디어입니다. 그것은 그 안에 포함된 아이디어가 요구하는 만큼 개방적입니다. 따라서 저자의 성향은 매우 직설적으로 나타납니다. 인간의 성격 속에 개인, 개인-개인의 묘사가 없으면 고전주의자들은 도식적이고 관습적인 이미지를 피하기 어려웠다. 그들의 용감한 영웅은 모든 일에 끝까지 용감합니다. 사랑하는 여자는 무덤까지 사랑한다. 위선자는 무덤까지 위선이지만 구두쇠는 인색하다. 고전주의의 독특한 특성은 예술의 교육적 역할에 대한 교리였습니다. 악을 처벌하고 미덕을 보상하는 고전주의 작가들은 인간의 도덕적 본성을 개선하려고 노력했습니다. 고전주의 최고의 작품은 높은 시민의 파토스로 가득 차 있습니다.

스페인 문학

17세기 초 스페인은 심각한 경제 위기에 처해 있었습니다. 영국 해안에서 "무적 함대"(1588)의 패배, 불합리한 식민 정책, 스페인 절대주의의 약점, 정치적 근시안은 스페인을 유럽의 작은 국가로 만들었습니다. 반대로 스페인 문화에서는 국가적 의미뿐만 아니라 범 유럽적 의미를 지닌 새로운 경향이 명확하게 확인되었습니다.

르네상스 문화의 강력한 메아리는 재능 있는 스페인 극작가의 작품입니다. 로페 데 베가(1562-1635).르네상스 리얼리즘을 대표하는 그는 바로크 시대의 비극을 낙관적 에너지, 밝은 전망, 활력의 고갈에 대한 확신과 대조했습니다. 극작가는 또한 고전 이론의 "과학적"규범성을 거부했습니다. 작가는 삶을 사랑하는 이상을 확인하고 사람들의 청중과의 화해를 위해 노력했으며 예술가의 자유로운 영감을 옹호했습니다.

Lope de Vega의 광범위하고 다양한 극적 유산 - 동시대 사람들에 따르면 그는 2,000 편 이상의 연극을 썼고 그 중 약 500 편이 출판되었습니다 - 일반적으로 세 그룹으로 나뉩니다. 이들 중 첫 번째는 역사적 자료 (Fuente Ovejuna, The Grand Duke of Moscow)를 기반으로 한 사회 정치적 드라마입니다.

두 번째 그룹에는 사랑의 일상 코미디 ( "Dance Teacher", "Dog in the Manger", "Jug with a Jug", "Peasant Woman from Getafe", "Star of Seville")가 포함됩니다. 때때로 그들은 "망토와 검"코미디라고 불립니다. 그 주된 역할은이 옷차림에서 (비옷과 칼로) 수행하는 고귀한 청년에게 속하기 때문입니다.

세 번째 그룹에는 종교적 성격의 연극이 포함됩니다.

Lope de Vega의 극적인 작품의 특성을 이해하기 위해 "The New Art of Composed Comedies in Our Day"(1609)라는 논문이 매우 중요합니다. 본질적으로 그것은 민속 연극의 전통에 초점을 맞추고 관객의 요구를 충족시키려는 열망으로 무대에서 보여지는 개연성과 음모의 능숙한 구성, 극이 별도의 에피소드로 분리되는 것을 허용하지 않는 단단히 묶인 매듭.

논문을 따른 예술 작품은 작가의 미학적 원리의 구현이 되었다. 이 연극 중 최고는 드라마 "Fuente Ovejuna"( "The Sheep Spring", 1614)입니다. 드라마는 역사적 근거가 있다. 1476 년 Fuente Ovejuna 마을에서 잔학 행위와 모든 종류의 폭력을 저질렀던 Calatavra 기사단과 그 사령관 Fernand Gomez de Guzman의 잔학 행위에 맞서 농민 봉기가 일어났습니다. 봉기는 사령관의 암살로 끝났습니다. Lope de Vega의 드라마에서 Commander는 농민 소녀들의 명예를 침해하는 폭군이자 강간범이며, 그중 한 명인 자랑스러운 Laurencia는 동료 마을 사람들에게 정당한 복수를 요구합니다. 극에는 생생한 이미지가 많지만 여기서 주인공은 정의를 회복하려는 열망으로 뭉친 사람들이다.

Lope de Vega의 연극은 삶을 긍정하는 파토스, 평범한 사람들에 대한 동정적인 태도, 도덕적 체력에 대한 믿음으로 구별됩니다.

17세기 30년대 말부터 시작하여 르네상스 시대에 스페인이 급속도로 성장한 후 주로 사회 정치적 이유로 인해 쇠퇴의 징후가 점점 더 뚜렷해지고 있습니다. 미국으로부터의 금 유입 중단, 국내 경제 생활의 완전한 붕괴, 일련의 외교 정책 실패-이 모든 것이 마침내 스페인의 경제적, 정치적 힘을 약화 시켰습니다.

사회 정치적 문제, 인본주의 의식의 위기, 가장 심각한 봉건-가톨릭 반응, 봉건 제도 전체의 파괴는 사회에 퇴폐적 분위기를 불러 일으켰습니다. 무슨 일이 일어나고 있는지 이해하고, 영적 위기 상태에서 벗어나고, 새로운 역사적 조건에서 도덕적 토대를 찾으려는 시도는 바로크였으며, 루이스 드 공고라(1561-1627)그리고 페드로 칼데론(1600-1681).

Gongora는 스페인 바로크 시대의 가장 위대한 시인이었습니다. Gongora의 스타일은 은유 적 풍부함, 신조어 사용, 고고학으로 구별됩니다. 시인은 전통적인 구문을 버립니다. 어휘는 모호한 단어로 가득 차 있습니다. "프레임의 눈에 입술의 루비"-얼굴의 하얗게, "날아 다니는 눈"-흰 새에 대해, "도망치는 눈"-Polyphemus에서 달리는 Galatea에 대해. 비 유적 풍부함에도 불구하고 Gongora는 독자의 적극적인 지적 작업이 필요한 "마음을위한시"를 만듭니다. Gongora의 시적 기술은 The Tale of Polyphemus and Galatea (1612)와 Loneliness (1614)시에서 가장 잘 드러났습니다. 시 "고독"은 인간과 자연의 조화로운 공존에 대한 르네상스 아이디어와 세계에서 인간의 영원한 외로움이라는 바로크 개념과 밀접하게 얽혀 있습니다.

칼데론의 예술은 르네상스 최고의 전통을 흡수했지만 다른 시대에 생성되어 완전히 다른 세계관을 제공합니다. 칼데론은 120개의 다양한 내용의 희곡, 80개의 "autos sacramentales"(또는 "신성한 행동") 및 20개의 막간을 썼습니다. 그의 예술적 의식으로 칼데론은 스페인 르네상스와 그 시대의 위기 현상과 연결되어 있습니다.

Lope de Vega의 위대한 전임자의 전통을 이어 Calderon은 "망토와 검"코미디를 썼습니다. 그중 가장 유명한 것은 쉽고 우아한 언어로 쓰여진 재치 있고 쾌활한 코미디 The Invisible Lady (1629)입니다. 그것은 인생을 지배하는 우연의 게임이라는 생각을 표현합니다. 여기서 임의성은 다른 코미디와 마찬가지로 플롯을 형성하는 역할을 합니다.

그러나 칼데론이 세계적인 명성을 얻게 된 것은 르네상스 희극이나 민속 사실주의 드라마가 아니었습니다. 활력과 낙관주의는 그의 작품의 분위기가 되지 않았다. 진정한 칼데론은 그의 "autos sacramentales"와 종말론적 분위기, 불가해성으로 압도되는 실존적 문제, 의식을 고갈시키는 모순으로 가득 찬 철학적이고 상징적인 연극에서 찾을 수 있습니다. 칼데론의 "십자가의 숭배"(1620)의 젊은 드라마에서 이미 인본주의 자의 특징 인 종교에 대한 회의적 분위기는 우울한 종교적 광란으로 대체되었습니다. God Calderon은 사람이 무의미하고 길을 잃은 것처럼 느껴지는 강력하고 무자비한 힘입니다.

철학적이고 우화적인 드라마 Life is a Dream (1634)에서 가혹한 가톨릭 교리의 미화는 겸손과 신의 섭리에 대한 복종의 필요성에 대한 설교와 결합됩니다. 칼데론의 주요 극적인 개념은 인간의 운명이 운명에 의해 미리 결정되고 일시적인 지상 생활은 환상적이며 영원한 내세를 위한 준비일 뿐이라는 생각입니다.

시간과 환경은 칼데론의 작업의 전반적인 방향인 세계관의 본질뿐만 아니라 예술가로서의 그의 독창성을 결정했습니다. 칼데론의 극작술은 철학적 깊이, 심리적 갈등의 정교함, 독백의 흥분된 서정성으로 유명합니다. Calderon 연극의 줄거리는 부차적 인 역할을하며 캐릭터의 내면 세계를 드러내는 데 모든 관심을 기울입니다. 행동의 발전은 아이디어의 유희로 대체됩니다. Calderon의 스타일은 스페인 문학 바로크의 흐름 중 하나 인 Gongorism과 관련이있는 수사적 파토스, 높은 은유 적 이미지가 특징입니다.

칼데론의 시적 대담함은 A. S. Pushkin에 의해 높이 평가되었습니다.

이탈리아 문학

XVII 세기에 이탈리아는 인본주의 적 이상의 위기를 겪고 있습니다.

이 상황에서 이탈리아 시인 Giambattista Marino (1569-1625)에서 이름을 얻은 추세 인 Marinism에서 가장 명확하게 표현되는 바로크 양식이 전면에 등장합니다. 마리노의 추종자인 해양화가들의 작품에서 형식은 언어적 세련미와 나르시시즘으로 내용을 가렸다. 여기에는 사회적으로 중요한 주제도, 우리 시대의 시사 문제도 없습니다. 편지의 특징은 복잡한 은유, 기괴한 이미지, 예상치 못한 비교입니다. Marino는 소위 "concetti"의 발명가였습니다. 거장 문구, 구두 역설, 비정상적으로 사용되는 별명, 비정상적인 말의 전환 ( "학습 된 무지", "즐거운 고통").

이탈리아에서 마리노의 영광은 어디에나 있었습니다. 그럼에도 불구하고 시인의 동시대인들은 마리니즘의 위험을 보았고 이탈리아 국민의 필요와 열망을 표현하고 그 고통에 대해 이야기하는 정치적으로 시사적인 시로 반대했습니다(Fulvio Testi, Vincenzo Filicaia, Alessandro Tassoni).

알레산드로 타소니(1565-1635)그는 바로크 시인(Marinists)과 이탈리아 시에서 모방과 권위주의의 옹호자(The Classicists)를 모두 거부했습니다. 애국적인 시인으로서 그는 국가의 정치 생활에 적극적으로 개입하고 이탈리아의 지역 분열에 반대하며 독립을위한 투쟁을 촉구했습니다 (시 "The Stolen Bucket").

17세기 이탈리아 산문은 이름으로 표현된다. 갈릴레오 갈릴레이(1564-1642),과학적 아이디어를 전파하기 위해 논쟁적인 저널리즘 기술을 사용한 사람 ( "세계의 두 가지 주요 시스템에 대한 대화"), 트라이아노 보칼리니(1556-1613), 이탈리아의 스페인 지배, 귀족적 속물근성, 아리스토텔레스의 미적 표준만을 인정하는 고전주의 변증자들에 반대하는 항의(풍자 "파르나소스의 뉴스").

프랑스 문학

봉건적 지역주의를 철폐하고 프랑스를 서유럽의 강대국으로 변모시키려는 절대주의 국가의 정책은 시대의 역사적 진보적 경향에 부합하여 고전주의의 성격을 발전된 문학적 현상으로 규정하였다. 그 시간 동안. 절대주의 프랑스 정부가 공식적으로 인정한 대표적인 예술적 방법은 고전주의였습니다. 고전문학은 봉건적 분열에서 민족적 통합으로 이행하는 시기에 프랑스 사회의 진보적 계층의 민족적 자의식의 부상을 반영했다.

리슐리외 추기경(1624-1642) 하에서 루이 13세의 전임자인 앙리 4세에 의해 시작된 강력한 군주제 국가의 창설이 기본적으로 완료되었습니다. Richelieu는 국가, 사회, 문화 생활의 모든 측면을 규제하고 왕좌에 종속했습니다. 1634년에 그는 프랑스 아카데미를 창설했습니다. Richelieu는 프랑스에서 등장한 정기 언론을 후원했습니다.

그의 통치 기간 동안 Theophrastus Renaudeau는 최초의 프랑스 신문인 Gazett de France(1631)를 창간했습니다. (The Théophrastus Renaudeau Prize는 현대 프랑스에서 가장 높은 문학상 중 하나입니다.)

고전주의의 역사적 진보성은 시대의 선진사조, 특히 합리주의 철학과의 밀접한 관련에서 드러난다. 르네 데카르트(1596-1650), 소위 데카르트주의. Descartes는 중세 봉건 이데올로기에 대담하게 싸웠으며 그의 철학은 정확한 과학의 데이터를 기반으로했습니다. 데카르트에게 진리의 기준은 이성이었다. "나는 생각한다, 그러므로 나는 존재한다"고 그는 말했다.

합리주의는 고전주의의 철학적 기초가 되었다. 데카르트의 동시대인, 고전주의 이론가 프랑수아 말헤르브(1555-1628)그리고 니콜라 부알로(1636-1711)이성의 힘을 믿었다. 그들은 예술 작품의 객관적 가치에 대한 가장 높은 기준인 이성의 기본 요구 사항이 예술이 부분과 전체의 진실성, 명확성, 일관성, 명확성 및 구성 조화를 요구한다고 믿었습니다. 그들은 또한 고전 프로그램을 만들 때 안내했던 고대 예술의 법칙을 준수한다는 명목으로 이것을 요구했습니다.

이성에 대한 17세기 작가들의 감탄은 고전 드라마투르기의 핵심 원칙 중 하나인 "세 가지 통일성"(시간, 장소, 행동)에 대한 악명 높은 규칙에도 반영되었습니다.

N. Boileau "Poetic Art"(1674)의 교훈적인시는 프랑스 고전주의의 코드가되었습니다.

르네상스 예술가와 마찬가지로 고전 주의자들은 미학과 예술적 창의성에서 고대 예술에 의존했다는 점에 주목했습니다. 그러나 르네상스 작가들과 달리 고전주의 이론가들은 주로 고대 그리스가 아니라 제국 시대의 로마 문학으로 향했다. "태양왕" 루이 14세의 군주제는 자신을 로마 제국에 비유했으며, 고전 비극의 영웅들은 로마의 용맹과 웅장함을 부여받았습니다. 따라서 고전주의 문학의 잘 알려진 관습, 화려하고 장식적인 성격.

그러나 프랑스 고전주의자들은 고대 작가들을 미친 듯이 모방한 사람들이 아니었습니다. 그들의 작품은 민족적 성격이 깊었고 절대주의 전성기 프랑스의 사회적 조건과 밀접하게 연결되어 있었습니다. 고대 문학의 경험과 사람들의 전통을 결합한 고전 주의자들은 자신 만의 독창적 인 예술적 스타일을 만들었습니다. Corneille, Racine 및 Molière는 극적인 방식으로 고전 예술의 예를 만들었습니다.

예술에 대한 고전적 개념은 그 모든 기념비적 특성에도 불구하고 고정되고 변하지 않는 것으로 상상할 수 없습니다. 고전주의 진영 내에는 사회정치적, 철학적, 윤리적 관점의 완전한 통합이 없었다. 높은 고전 비극의 창작자 인 Corneille과 Racine조차도 여러면에서 달랐습니다.

정통 Carthusians Boileau와 Racine과 달리 Molière와 La Fontaine은 유물론자의 제자였습니다. 가센디(1592-1655), 감각 경험을 모든 지식의 주요 원천으로 간주한 뛰어난 프랑스 과학자. 그의 가르침은 이 작가들의 미학과 작품의 민주주의, 낙관주의, 인본주의적 지향 모두에 반영되었습니다.

고전주의의 주요 장르는 고상한 영웅과 이상화 된 열정을 묘사하는 비극이었습니다. 프랑스 비극 극장의 창시자는 피에르 코르네유(1608-1684). Corneille은 많은 성공을 거두지 못한시와 코미디로 문학 활동을 시작했습니다.

비극 "Sid"(1636)의 무대에 등장하면서 Corneille에 영광이옵니다. 연극은 열정과 의무 사이의 비극적 갈등을 바탕으로 비극이 만들어집니다.

젊고 용감한 기사 로드리고는 아버지에게 가해진 모욕에 복수하고 결투에서 사랑하는 지 메나의 아버지를 죽입니다. Jimena는 가족 명예의 의무를 다하고 자신의 의무를 다한 Rodrigo의 행동을 정당화합니다. 그는 왕에게 사랑하는 사람의 죽음을 요구합니다. 가족의 의무를 다하면서 Rodrigo와 Jimena는 매우 불행해집니다. 무어인이 카스티야를 공격한 후 눈부신 승리를 거둔 로드리고는 국가적 영웅이 됩니다. Corneille은 가족의 의무와 조국에 대한 의무를 대조합니다. 봉건적 명예는 시민적 명예에 양보해야 합니다. 그들은 Jimena에게 그녀의 요구의 불일치를 설득하려고 합니다. 가족의 이익은 사회적 필요라는 이름으로 희생되어야 합니다. Jimena는 특히 그녀의 개인적인 감정에 반응하기 때문에 새로운 도덕성을 받아들입니다. Corneille은 새로운 국가 도덕이 봉건적 도덕보다 더 인간적임을 설득력있게 증명했습니다. 그는 절대주의 시대에 새로운 국가이념의 출현을 보여주었다. 카스티야의 왕 돈 페르난도는 연극에서 국가의 이익에 부합하는 행동을 할 경우 국민의 전반적인 복지와 개인의 행복을 보증하는 이상적인 독재자로 묘사됩니다.

따라서 "Sid"에서는 특정 역사적 조건에서 당시의 요구 사항을 충족하는 절대 군주제의 진보에 대한 아이디어가 확인되었습니다.

청중의 성공에도 불구하고 "Sid"는 문학계에서 심각한 논란을 일으켰습니다. "프랑스 아카데미의 의견"(1638)에서 Corneille의 연극은 고전주의의 표준과 일치하지 않는다는 이유로 비난 받았습니다. 우울한 상태에서 Corneille은 고향으로 떠납니다. 그러나 4년 후 Corneille은 Rouen에서 이미 고전적인 대포(Horace, Cinna)와 상당히 일치하는 두 가지 새로운 비극을 가져왔습니다. 비극작가로서 코르네유는 역사적, 정치적 비극을 선호했다. 비극의 정치적 문제는 또한 Corneille이 시청자에게 가르치고 자하는 행동 규범을 결정했습니다. 이것이 영웅 의식, 애국심의 개념입니다.

비극 "Horace"(1640)에서 극작가는 Titus Livius 이야기의 줄거리를 사용했습니다. 극적인 갈등의 중심에는 로마와 알바 롱가라는 두 도시의 단일 전투가 있으며, 이는 우정과 친족 관계로 묶인 Horatii 형제와 Curians 형제의 결투로 해결되어야 합니다. 연극에서 의무는 분명하게 이해됩니다. 그것은 애국적인 의무입니다.

약혼자의 죽음에 대해 오빠 호레이스를 용서할 수 없었던 카밀라는 자신의 행복을 파괴한 로마를 저주한다. 여동생을 반역자로 생각한 호레이스는 그녀를 죽인다. 카밀라의 죽음은 새로운 갈등을 야기합니다. 로마법에 따르면 살인자는 처형되어야 합니다. 호레이스의 아버지는 정당한 분노, 시민의 의무, 애국심 때문에 아들을 죽였다는 것을 증명한다. 로마를 구한 호레이스는 고국을 위해 필요합니다. 그는 더 많은 업적을 달성할 것입니다. Tull 왕은 Horace에게 생명을 부여합니다. 범죄에 대한 속죄 시민 용맹. "Horace"의 비극은 시민 영웅주의의 신격화가되었습니다.

비극 "Cinna 또는 Augustus의 자비"(1642)는 자신에 대한 음모가 준비되고 있음을 알게 된 Octavian-Augustus 황제 통치의 첫날을 묘사합니다. 비극의 목적은 공모자들과 관련하여 주권자가 어떤 전술을 선택할 것인지를 보여주는 것입니다. Corneille은 지적이고 공정한 군주가 권력을 잡으면 국가의 이익이 사람들의 사적인 열망과 일치 할 수 있다고 확신합니다.

비극의 공모자 인 Cinna, Maxim, Emilia는 두 가지 동기에 따라 행동합니다. 첫 번째 이유는 정치적입니다. 그들은 정치적 근시안을 깨닫지 못한 채 로마를 공화당 정부 형태로 되돌리고 싶어합니다. 정치적 자유를 지지하는 이들은 공화국이 구식이 되었고 로마에 확고한 정부가 필요하다는 사실을 이해하지 못합니다. 두 번째 동기는 개인적인 것입니다. Emilia는 Augustus에 의해 살해된 아버지의 복수를 원합니다. Emilia와 사랑에 빠진 Cinna와 Maxim은 호혜적인 느낌을 원합니다.

야망, 복수, 잔인 함을 억누른 황제는 공모자들을 용서하기로 결정합니다. 그들은 거듭남의 과정을 겪고 있습니다. 자비는 그들의 이기적인 열정을 이겼습니다. 그들은 아우구스투스에서 현명한 군주를 보았고 그의 지지자가 되었습니다.

Corneille에 따르면 최고의 국가 지혜는 자비로 나타납니다. 현명한 공공 정책은 합리적인 것과 인도적인 것을 결합해야 합니다. 그러므로 자비의 행위는 선한 옥타비아누스가 아니라 현명한 황제 아우구스투스가 행한 정치적 행위입니다.

"첫 번째 방식"(약 1645년까지) 기간 동안 Corneille은 프랑스 절대주의의 정의를 믿었던 합리적인 국가 숭배를 요구했습니다( "Martyr Polyeuct", 1643; "Death of Pompey", 1643; "Theodora - 처녀와 순교자”, 1645; 희극 "거짓말쟁이", 1645).

"두 번째 방식"의 Corneille은 너무 강력 해 보였던 프랑스 군주제의 많은 정치적 원칙을 과대 평가합니다 ( "Rodogunda - the Parthian princess", 1644; "Heraclius - Emperor of the East", 1646; "Nycomedes", 1651 등) .). 코르네유는 계속해서 역사적이고 정치적인 비극을 쓰고 있지만 강조점은 바뀌고 있습니다. 이는 루이 14세 즉위 이후 프랑스 사회의 정치적 삶의 변화에 따른 것으로, 이는 절대주의 정권의 무제한 지배를 의미했다. 이제 합당한 국가의 가수인 코르네유는 승리한 절대주의 분위기에 숨이 막힐 지경이었다. 최고의 의무로 해석되는 희생적 공익사상은 더 이상 코르네유 연극의 영웅들의 행동에 자극제가 되지 않았다. 극적 행동의 원천은 편협한 개인의 이익, 등장인물의 야심찬 야망이다. 도덕적으로 고상한 느낌의 사랑은 억제되지 않은 열정의 게임으로 바뀝니다. 왕좌는 도덕적, 정치적 안정을 잃고 있습니다. 이유가 아니라 기회가 영웅과 국가의 운명을 결정합니다. 세상은 비합리적이고 흔들리게 됩니다.

바로크 비극 코미디 장르에 가까운 Corneille의 후기 비극은 엄격한 고전주의 규범에서 벗어났다는 증거입니다.

프랑스의 고전주의는 프랑스의 또 다른 위대한 국민 시인의 작품에서 가장 완전하고 완벽하게 표현되었습니다. 장 라신(1639-1690). 고전 비극 발전의 새로운 단계는 그의 이름과 관련이 있습니다. Corneille이 주로 영웅적인 역사적 정치적 비극 장르를 개발했다면 Racine은 동시에 훌륭한 정치적 콘텐츠로 가득 찬 사랑-심리적 비극의 창시자 역할을했습니다.

Racine의 가장 중요한 창의적 원칙 중 하나는 비범하고 뛰어난 것에 대한 Corneille의 매력과 반대로 단순성과 타당성에 대한 열망이었습니다. 더욱이 라신은 이러한 욕망을 비극의 구성과 등장인물의 등장인물뿐만 아니라 무대 작품의 언어와 스타일까지 확장시켰다.

아리스토텔레스의 권위에 의지하여 Racine은 Corneille 극장의 주요 요소 인 "완벽한 영웅"을 거부했습니다. "아리스토텔레스는 우리에게 완벽한 영웅을 요구하는 것과는 거리가 멀고, 반대로 비극적 인물, 즉 불행이 비극에서 파국을 만드는 사람들이 완전히 선하지도 완전히 악하지도 않기를 원합니다."

Racine은 사람의 약점을 묘사하기 위해 "보통 사람"(사회적 의미가 아니라 심리적 의미에서)을 묘사 할 예술가의 권리를 주장하는 것이 중요했습니다. Racine에 따르면 영웅은 평균적인 미덕, 즉 약점을 가질 수있는 미덕을 가져야합니다.

Racine의 첫 번째 대 비극은 Andromache(1667)였습니다. 그러나 Racine은 이미 고대에 Homer, Virgil 및 Euripides에 의해 발전된 그리스 신화 주제로 전환하여 고전적인 플롯을 새로운 방식으로 해석했습니다. 열정의 영향에 굴복하여 비극의 영웅 인 Pyrrhus, Hermione, Orestes는 이기주의에서 범죄를 저지를 수있는 잔인한 사람들로 밝혀졌습니다.

Pyrrhus의 이미지를 생성함으로써 Racine은 정치적 문제를 해결합니다. Pyrrhus (군주)는 국가의 복지에 대한 책임이 있어야하지만 열정에 굴복하여 국가의 이익을 그녀에게 희생합니다.

Hermione은 또한 비극의 가장 설득력있는 이미지 중 하나 인 열정의 희생자가되며 내부 상태는 심리적 동기가 뛰어납니다. 피로스에게 거절당하고 오만하고 반항적인 헤르미온느는 포부와 행동에서 이기적이고 독재적이 됩니다.

Andromache에 이어 Britannicus (1669) - 고대 로마의 역사에 헌정 된 Racine의 첫 번째 비극. Andromache에서와 마찬가지로 여기서 군주는 무자비한 폭군으로 묘사됩니다. Young Nero는 자신이 불법적으로 왕좌를 차지했으며 그를 좋아했던 Junia가 사랑하는 이복형 Britannicus를 배신적으로 파괴합니다. 그러나 Racine은 Nero의 독재를 비난하는 데 그치지 않았습니다. 그는 역사의 최고 재판관으로서 로마 국민의 저력을 보여주었다.

"사랑에 빠진 여성과 왕의 가수"(푸쉬킨), Racine은 인간의 존엄성, 도덕적 체력, 자기 희생 능력, 폭력에 영웅적으로 저항하는 능력 및 독단. Andromache, Junia, Berenice ( "Berenice", 1670), Monima ( "Mithridates", 1673), Iphigenia ( "Iphigenia in Aulis", 1674)입니다.

인간의 열정을 묘사하는 예술적 힘과 구절의 완성도 측면에서 Racine의 시적 작업의 정점은 Racine 자신이 최고의 창조물이라고 생각한 1677 년에 작성된 Phaedra입니다.

Phaedra 여왕은 아테네 공주 Arikia와 사랑에 빠진 그녀의 의붓 아들 Hippolytus를 열정적으로 사랑합니다. 남편 테세우스의 죽음에 대한 거짓 소식을 접한 파이드라는 히폴리투스에게 자신의 감정을 고백하지만 그는 그녀를 거절한다. 테세우스가 돌아오자 절망과 두려움, 질투에 사로잡힌 파이드라는 히폴리투스를 비방하기로 결심한다. 그런 다음 그는 회개와 사랑의 고통으로 괴로워하며 독을 먹습니다. 남편에게 모든 것을 고백하고 죽는다.

Racine의 주요 혁신은 Phaedra의 캐릭터와 연결되어 있습니다. Racine에서 Phaedra는 고통받는 여성입니다. 그녀의 비극적 인 죄책감은 Phaedra 자신이 범죄자라고 부르는 감정에 대처할 수 없다는 것입니다. 라신은 그의 비극에서 그 시대의 도덕적, 심리적 갈등뿐만 아니라 인간 심리의 일반적인 패턴을 발견하고 이해하고 구현합니다.

Racine의 첫 번째 러시아어 번역가는 "Russian Racine"이라는 별명을받은 Sumarokov였습니다. XIX 세기에 A. S. Pushkin은 Racine에 대한 사려 깊은 태도를 보였습니다. 그는 프랑스 극작가가 용감하게 세련된 형태의 비극에 깊은 내용을 담았고 이로 인해 Racine을 셰익스피어 옆에 놓을 수 있었다는 사실에 주목했습니다. M. P. Pogodin의 드라마 "Martha Posadnitsa"분석에 대한 소개 역할을 한 극적인 예술의 발전에 관한 1830 년의 미완성 기사에서 Pushkin은 다음과 같이 썼습니다. 사람과 사람. 인간의 운명, 국민의 운명. 그것이 그의 비극의 좁은 형태에도 불구하고 Racine이 위대한 이유입니다. 그렇기 때문에 불평등, 과실, 마무리의 추함에도 불구하고 셰익스피어가 위대합니다.”(Pushkin-비평가-M., 1950, p. 279).

고전 비극의 가장 좋은 예가 코르네이유와 라신에 의해 만들어졌다면 고전 희극은 전적으로 몰리에르(1622-1673).

Molière (Jean Baptiste Poquelin)의 작가 전기는 전형적인 음모 코미디 인 5 막 시적 코미디 "Naughty, or Everything Out of Place"(1655)로 시작됩니다. 1658년 몰리에르는 명성을 얻게 됩니다. 그의 공연은 큰 성공을 거두고 왕 자신의 후원을받을 것이지만 Moliere가 그의 코미디에서 조롱 한 사람들 중에서 부러워하는 사람들, 위험한 상대는 그의 생애가 끝날 때까지 그를 쫓았습니다.

Molière는 웃고, 폭로하고, 비난했습니다. 그의 풍자의 화살은 평범한 사회인도 고위 귀족도 아끼지 않았다.

코미디 "Tartuffe"의 서문에서 Moliere는 "극장은 큰 교정력을 가지고 있습니다. "라고 썼습니다. "우리는 악덕을 공개적으로 조롱함으로써 큰 타격을 입힙니다." "코미디의 의무는 사람들을 즐겁게 함으로써 바로잡는 것입니다." 극작가는 풍자의 사회적 중요성을 잘 알고있었습니다. "내가 할 수있는 최선의 일은 재미있는 이미지로 내 나이의 악을 폭로하는 것입니다."

코미디 "Tartuffe", "The Miser", "The Misanthrope", "Don Juan", "The Philistine in the Nobility"에서 Moliere는 깊은 사회적, 도덕적 문제를 제기하고 웃음을 가장 효과적인 약으로 제공합니다.

Moliere는 외부 행동 (극작가가 능숙하게 만화 음모를 만들었지 만)이 아니라 영웅의 도덕적, 심리적 상태가 중요한 역할을하는 "캐릭터 코미디"의 창시자였습니다. Moliere의 캐릭터에는 고전주의의 법칙에 따라 하나의 지배적 캐릭터 특성이 부여됩니다. 이를 통해 작가는 탐욕, 허영심, 위선과 같은 인간의 악에 대한 일반화 된 이미지를 제공 할 수 있습니다. 예를 들어 Tartuffe, Harpagon과 같은 Moliere 캐릭터의 일부 이름이 일반 명사가 된 것은 놀라운 일이 아닙니다. 위선자와 위선자는 tartuffe라고하고 구두쇠는 harpagon이라고합니다. Molière는 그의 연극에서 고전주의의 규칙을 지켰지 만 희극 극장의 민속 전통을 부끄러워하지 않았으며 심각한 사회 문제를 제기 한 "하이 코미디"뿐만 아니라 쾌활한 "코미디 발레"도 썼습니다. . Moliere의 유명한 코미디 중 하나 인 "The Philistine in the Nobility"는 문제의 심각성과 관련성을 "코미디 발레"의 화려 함과 우아함과 성공적으로 결합합니다. Moliere는 귀족에게 절하고 귀족 환경에 합류하려는 꿈을 꾸는 부유 한 부르주아 Jourdain의 생생한 풍자적 이미지를 그립니다.

무식하고 무례한 사람의 근거 없는 주장에 시청자는 웃음을 터트린다. Molière는 그의 영웅을 비웃지만 그를 경멸하지 않습니다. 속기 쉽고 편협한 Jourdain은 돈으로 사는 귀족보다 매력적이지만 Jourdain을 경멸합니다.

"진지한"클래식 코미디의 예는 Alceste와 Philint 간의 분쟁에서 인본주의 문제가 해결되는 코미디 "The Misanthrope"입니다. 절망에 가득찬 알체스테의 말에는 인간계를 지배하는 악덕과 불의에 대한 사회적 관계에 대한 날카로운 비판이 담겨 있다. Alceste의 계시는 코미디의 사회적 내용을 드러냅니다.

Moliere는 코미디 분야에서 발견했습니다. 일반화 방법을 사용하여 극작가는 개별 이미지를 통해 사회적 악의 본질을 표현하고 당시의 전형적인 사회적 특징, 도덕적 관계의 수준 및 품질을 묘사했습니다.

프랑스 고전주의는 극작술에서 가장 분명하게 드러났지만 산문에서도 아주 분명하게 표현되었습니다.

격언 장르의 고전적인 예는 La Rochefoucauld, La Bruyère, Vauvenart, Chamfort에 의해 프랑스에서 만들어졌습니다. 격언의 뛰어난 대가는 프랑수아 드 라 로슈푸코(1613-1689). "Reflections, or Moral Sayings and Maxims"(1665)라는 책에서 작가는 인류의 도덕적 초상화 인 보편적 심리학을 설명하는 "일반인"의 독특한 모델을 만들었습니다. 그려진 그림은 우울한 광경이었습니다. 작가는 진실이나 선함을 믿지 않습니다. 작가에 따르면 인간과 귀족조차도 스펙타클한 포즈일 뿐, 이기심과 허영심을 가리는 가면일 뿐이다. La Rochefoucauld는 그의 관찰을 일반화하고 역사적 현상에서 보편적 법칙을 봄으로써 인간 본성의 이기적 본질에 대한 아이디어에 도달합니다. 사람의 행동이 의존하는 강력한 메커니즘으로서의 자연스러운 본능으로서의 이기심은 그의 도덕적 동기의 기초입니다. 사람에게는 고통에 대한 증오와 쾌락에 대한 욕구가 자연스럽기 때문에 도덕성은 한 사람의 합리적으로 이해되는 "관심사"인 세련된 이기주의입니다. 자연스러운 자기 사랑을 억제하기 위해 사람은 이성의 도움을받습니다. Descartes에 이어 La Rochefoucauld는 열정에 대한 합리적인 통제를 요구합니다. 이것은 인간 행동의 이상적인 조직입니다.

장 라 브뤼에르(1645-1696)유일한 책인 이 시대의 인물 또는 도덕(1688)의 저자로 알려져 있습니다. 책의 마지막 9판에서 La Bruyère는 1120개의 문자를 설명했습니다. Theophrastus의 작업을 모델로 삼은 La Bruyère는 고대 그리스인의 방식을 크게 복잡하게 만들었습니다. 그는 사람들의 악과 약점의 원인을 발견했을 뿐만 아니라. 작가는 사회 환경에 대한 인간 성격의 의존성을 확립합니다. La Bruyère는 구체적이고 개별적인 다양성에서 전형적이고 가장 일반적인 규칙성을 도출합니다. "캐릭터"는 루이 14세 시대의 파리와 지방 사회의 다양한 계층을 묘사합니다. 책을 "법원", "도시", "주권자", "귀족"등의 장으로 나누고 저자는 초상화의 내부 분류 (왕자, 구두쇠, 수다쟁이, 말하는 사람, 아첨하는 사람, 궁정, 은행가, 승려, 부르주아 등). 17세기의 마지막 위대한 고전주의자인 La Bruyère는 그의 책에서 다양한 장르(격언, 대화, 초상화, 단편 소설, 풍자, 도덕성)를 결합하여 엄격한 논리를 따르고 그의 관찰을 일반적인 아이디어에 종속시키며 전형적인 캐릭터를 만듭니다.

1678년에 클레베스의 공주라는 소설이 등장했습니다. 마리 드 라파예트(1634-1693). 소설은 이미지에 대한 심층적 해석과 실제 상황의 정확한 표시로 구별되었습니다. Lafayette는 열정과 의무 사이의 투쟁을 강조하면서 Nemours 공작에 대한 Cleves 왕자의 아내의 사랑 이야기를 들려줍니다. 사랑의 열정을 경험하는 Cleves의 공주는 의지의 노력으로 그것을 극복합니다. 평화로운 거처로 물러난 그녀는 마음의 도움으로 평화와 영적 순결을 유지했습니다.

독일 문학

17세기 독일은 30년 전쟁(1618-1648)이라는 비극적인 흔적을 간직하고 있습니다. Westphalia 평화는 많은 작은 공국으로 분할을 공식화했습니다. 조각화, 무역 감소, 수공예품 생산은 문화의 감소로 이어졌습니다.

시인은 현대 독일 문화의 부흥에 큰 역할을 했습니다. 마틴 오피츠(1597-1639)그리고 그의 이론 논문 The Book of German Poetry.

독일 문학에 고전주의 정경을 심어주는 Opitz는 고대의 시적 경험을 연구하고 문학의 주요 과제를 공식화하며 도덕 교육 과제를 강조합니다. Opitz는 검증의 음절음 체계를 도입하고 문학을 규제하려고 시도했으며 장르의 계층을 확립했습니다. Opitz 이전에 독일 시인들은 주로 라틴어로 글을 썼습니다. Opitz는 독일어로도 시적인 걸작을 만들 수 있다는 것을 증명하려고 했습니다.

Opitz는 30년 전쟁의 첫 번째 연대기 작가 중 한 명이 되었습니다. 최고의 작품 중 하나는 "전쟁의 재난 속에서 위로의 말"(1633)시입니다. 시인은 자신의 영혼에서 지원을 찾기 위해 동포들에게 삶의 혼돈을 뛰어 넘을 것을 촉구합니다. 전쟁 비난의 주제는 "Zlatna"(1623)와 "Praise to the God of War"(1628)시에서 들립니다. Opitz의 "학습 된 고전주의"는 널리 발전하지 않았으며 이미 그의 학생 Fleming과 Logau의 작업에서 바로크 시학의 영향이 분명히 눈에 띕니다.

독일 바로크의 뛰어난 시인은 안드레아스 그리피우스(1616-1664), 30 년 전쟁 시대의 세계관을 꿰뚫는 애도의 어조로 포착합니다.

Gryphius의시는 정서적, 시각적 이미지, 상징, 상징으로 가득 차 있습니다. Gryphius의 가장 좋아하는 트릭은 열거, 고의적 인 이미지 쌓기, 대조 비교입니다. "차갑고 어두운 숲, 동굴, 두개골, 뼈 - // 모든 것이 내가 세상의 손님이라고 말합니다. // 나는 약함이나 부패를 피하지 않을 것입니다."

Gryphius는 또한 독일 드라마의 창시자이자 독일 바로크 비극의 창시자입니다. , 등.).

독일 바로크의 두드러진 인물은 독창적인 시인이었다 요한 귄터(1695-1723). Gunther는 전쟁으로 약탈당한 최고의 감정, 아들을 잊은 고향 ( "To the Fatherland")에 대한 Gryphius의 아이디어를 발전시킵니다. 시인은 삶의 둔함, 비참함, 독일 현실, 후진성과 무기력에 반대합니다. 그의 시의 많은 모티프는 나중에 Sturm und Drang 운동의 대표자들에 의해 채택되고 발전되었습니다.

바로크 산문의 가장 큰 대표자는 한스 야콥 크리스토펠 그리멜스하우젠(1622-1676).그의 최고의 작품은 소설 Simplicissimus (1669)입니다. 저자는 Simplicius Simplicissimus라는 이름이 "가장 단순한 것 중 가장 단순한 것"으로 번역되는 영웅의 특이한 여정을 설명합니다. 삶의 길을 걷는 순진하고 무관심한 젊은 농민은 독일 사회의 다양한 사회 계층의 대표자들을 만납니다. 영웅은 자의성, 세상을 지배하는 잔인 함, 정직, 정의, 친절의 부족에 직면합니다.

Hanau 통치자의 궁전에서 그들은 Simplicius에서 광대를 만들고 싶어합니다. 그들은 송아지 가죽을 입고 그를 밧줄로 이끌고 찡그린 얼굴을하고 그를 조롱합니다. 영웅의 순진함과 성실함은 모두에게 광기로 인식됩니다. 우화를 통해 Grimmelshausen은 독자에게 가장 중요한 것, 즉 사람의 불행이 재미있는 역할을 하는 끔찍한 세계에 대해 이야기하고 싶어합니다. 전쟁은 사람들을 단단하게 만들었습니다. Simplicissimus는 인간의 마음에서 친절을 찾고 모든 사람을 평화로 부릅니다. 그러나 영웅은 흉포한 문명과는 거리가 먼 무인도에서 마음의 평화를 찾습니다.

Grimmelshausen은 독일 문학에서 전쟁이 인간의 영혼에 미치는 파괴적인 영향을 처음으로 보여주었습니다. 그의 영웅에서 작가는 민속 도덕의 법칙에 따라 사는 전체 자연인의 꿈을 구현했습니다. 그렇기 때문에 오늘날에도 소설은 생생한 반전 작품으로 인식됩니다.

영국의 문학

정치적 사건과 불가분의 관계가 있는 17세기 영문학의 발전에서 전통적으로 세 시기를 구분합니다.

1. 혁명 이전 기간(1620-1630).

2. 혁명, 내전, 공화정 시대(1640-1650).

3. 복원기(1660~1680).

영문학의 첫 번째 시기(17세기 20-30년대)에는 극작술과 연극이 쇠퇴했습니다. 의기양양한 절대주의 반동의 이데올로기는 현실의 문제로부터 추상화된 사변 문학을 창조하는 소위 "형이상학적 학파"와 왕당파 시인을 포함하는 "캐롤라인 학파"의 활동에서 표현됩니다. D. Donn, D. Webster,

외로움, 치명적인 예정, 절망의 T. Dekker 동기가 들립니다.

이것은 셰익스피어의 젊은 동시대인이었습니다. 벤 존슨(1573-1637), 삶을 긍정하고 사실적인 코미디 Volpone (1607), Episin 또는 Silent Woman (1609), The Alchemist (1610), Bartholomew 's Fair (1610)의 저자.

1640년대와 1650년대에는 저널리즘(소책자, 팜플렛, 설교)이 매우 중요했습니다. 청교도 작가들의 선전적이고 예술적인 작품들은 종종 종교적인 색채를 띠면서도 격렬한 계급투쟁의 정신인 저항으로 점철되어 있었다. 그들은 크롬웰이 이끄는 부르주아지의 열망뿐만 아니라 수평파("평등주의자"), 특히 "진정한 수평파" 또는 "굴착가"의 이데올로기에 표현된 광범위한 대중의 분위기와 기대를 반영했습니다. ( "굴착기"), 농촌 가난한 사람들에게 의존했습니다.

1640년대와 1650년대의 민주적 반대는 재능 있는 레벨러 홍보 담당자 John Lilburn(1618-1657)을 등장시켰습니다. Lilburne의 유명한 팜플렛 "The New Chains of England"는 혁명적 사령관에서 독재적인 매너를 가진 영주 보호자로 변신 한 Cromwell의 명령에 반대하는 것입니다. 민주주의 경향은 Gerald Winstanley(1609 - 약 1652)의 작업에서 뚜렷이 나타납니다. 그의 고발 논문과 팜플렛(The Banner Raised by the True Levellers, 1649; Declaration of the Poor, Oppressed People of England, 1649)은 부르주아지와 새로운 귀족에 대한 것입니다.

17세기 40-50년대 영문학에서 가장 두드러진 혁명 진영의 대표자는 존 밀턴(1608-1674).

그의 작업의 첫 번째 기간(1630년대)에 Milton은 다수의 서정시와 두 개의 시 "Cheerful"과 "Pensive"를 썼는데, 이는 후속 작업의 주요 모순인 청교도주의와 르네상스 휴머니즘의 공존을 설명합니다. 1640년대와 1650년대에 밀턴은 정치 투쟁에 적극적으로 참여했습니다. 그는 거의 시로 향하지 않고(소네트 20편만 쓴다) 전적으로 저널리즘에 전념하여 결국 17세기 저널리즘 산문의 뛰어난 예를 만들어 냈다. Milton 작업의 세 번째 기간(1660-1674)은 복원 시대(1660-1680)와 일치합니다. 밀턴은 정치에서 멀어집니다. 시인은 예술적 창의성으로 전환하여 대규모 서사시인 실낙원(1667), 복락낙원(1671), 비극 삼손 더 레슬링(1671)을 씁니다.

성경적 주제로 쓰여진 이 작품들은 불타는 혁명 정신으로 가득 차 있습니다. 실낙원에서 밀턴은 신에 대한 사탄의 반역에 대한 이야기를 들려줍니다. 이 작품은 현대 밀턴 시대의 많은 특징을 가지고 있습니다. 가장 극심한 반동의 시기에도 밀턴은 자신의 압제적이고 공화주의적인 원칙에 충실했습니다. 두 번째 줄거리는 아담과 이브의 타락 이야기와 연결되어 있습니다. 이것은 인류가 도덕적 중생을 향한 어려운 길을 이해하는 것입니다.

Paradise Regained에서 Milton은 혁명에 대한 반성을 계속합니다. 사탄의 모든 유혹을 거부하는 그리스도의 영적 강인함을 찬양하는 것은 반응을 두려워하고 급히 왕당파 편으로 넘어간 최근 혁명가들에게 교화 역할을했습니다.

Milton의 마지막 작품 인 비극 "Samson the Wrestler"도 영국 혁명의 사건과 우화 적으로 연결되어 있습니다. 그것에서 정치적 적들에게 괴롭힘을당하는 Milton은 복수를 요구하고 가치있는 존재를위한 사람들의 투쟁을 계속합니다.