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러시아 오페라의 주요 장르. 오페라 - 오페라와 그 구성 요소를 특징으로 하는 장르의 형성

기사의 내용

오페라,음악에 맞춰진 드라마나 코미디. 오페라의 극적인 텍스트가 노래됩니다. 노래와 무대 동작은 거의 항상 기악(보통 오케스트라) 반주가 수반됩니다. 많은 오페라는 또한 관현악 막간(서론, 결론, 간격 등)과 발레 장면으로 가득 찬 줄거리 나누기가 있는 것이 특징입니다.

오페라는 귀족들의 오락으로 탄생했지만 곧 일반 대중의 오락이 되었습니다. 최초의 공공 오페라 하우스는 장르 자체가 탄생한 지 불과 40년 후인 1637년 베니스에서 문을 열었습니다. 그런 다음 오페라는 유럽 전역에 빠르게 퍼졌습니다. 대중 오락으로서 19세기와 20세기 초에 최고로 발전했습니다.

역사를 통틀어 오페라는 다른 음악 장르에 강력한 영향을 미쳤습니다. 이 교향곡은 18세기 이탈리아 오페라의 기악 서문에서 비롯되었습니다. 피아노 협주곡의 거장 악절과 카덴차는 주로 건반 악기의 질감에 오페라 성악의 기교를 반영하려는 시도의 결과입니다. 19세기 장대 한 "뮤지컬 드라마"를 위해 그가 만든 R. Wagner의 조화롭고 오케스트라적인 작문은 20 세기에도 여러 음악 형식의 추가 발전을 결정했습니다. 많은 음악가들은 바그너의 영향으로부터의 해방을 새로운 음악을 향한 움직임의 주류로 간주했습니다.

오페라 형식.

소위. 오늘날 오페라 장르의 가장 널리 퍼진 형태인 그랜드 오페라에서는 전체 텍스트가 노래됩니다. 코믹 오페라에서 노래는 대개 대화 장면과 번갈아 나타납니다. "코믹 오페라"(프랑스의 오페라 코미크, 이탈리아의 오페라 부파, 독일의 징슈필)라는 이름은 대체로 조건부입니다. 대화). 파리와 비엔나에서 널리 퍼진 일종의 가볍고 감상적인 코믹 오페라가 오페레타라고 불리기 시작했습니다. 미국에서는 뮤지컬 코미디라고합니다. 브로드웨이에서 명성을 얻은 음악(뮤지컬)이 있는 연극은 일반적으로 유럽 오페레타보다 내용이 더 진지합니다.

이러한 모든 종류의 오페라는 음악, 특히 노래가 텍스트의 극적인 표현력을 향상시킨다는 믿음에 기반을 두고 있습니다. 사실, 때때로 다른 요소가 오페라에서 똑같이 중요한 역할을 했습니다. 따라서 특정 기간의 프랑스 오페라(및 19세기 러시아 오페라)에서 춤과 화려한 측면은 매우 중요한 의미를 갖게 되었습니다. 독일 작가들은 관현악 파트를 반주가 아니라 그에 상응하는 성악 파트로 간주하는 경우가 많았습니다. 그러나 오페라의 역사를 통틀어 노래는 여전히 지배적인 역할을 했습니다.

가수가 오페라 공연을 리드하는 경우 오케스트라 부분은 프레임을 형성하고 액션의 기초를 형성하고 앞으로 나아가며 미래의 이벤트를 위해 청중을 준비시킵니다. 오케스트라는 성악가를 지원하고 절정을 강조하며 대본의 빈틈이나 장면 전환의 순간을 소리로 메우고 마지막으로 오페라의 막이 내릴 때 공연한다.

대부분의 오페라에는 청취자의 인식을 설정하는 데 도움이 되는 기악 도입부가 있습니다. 17~19세기 그러한 서론을 서곡이라고 불렀습니다. 서곡은 간결하고 독립적인 콘서트 작품으로 주제가 오페라와 관련이 없어 쉽게 교체할 수 있습니다. 예를 들어, 비극 서곡 팔미라의 아우렐리안 Rossini는 나중에 코미디 서곡으로 변했습니다. 세비야의 이발사. 그러나 19세기 후반. 작곡가들은 분위기의 통일성과 서곡과 오페라 사이의 주제 연결에 훨씬 더 큰 영향을 미치기 시작했습니다. 예를 들어 Wagner의 후기 뮤지컬 드라마에서 오페라의 주요 주제 (leitmotifs)를 포함하고 직접 실행하는 도입 형식 (Vorspiel)이 생겼습니다. "자율적인" 오페라 서곡의 형태는 쇠퇴하고 있었고, 갈망 Puccini(1900) 서곡은 단지 몇 개의 오프닝 화음으로 대체될 수 있습니다. 20세기의 여러 오페라에서. 일반적으로 무대 액션을 위한 음악적 준비는 없습니다.

따라서 오페라 액션은 오케스트라 프레임 내부에서 발전합니다. 그러나 오페라의 본질은 노래하는 것이기 때문에 드라마의 최고의 순간은 음악이 전면에 등장하는 아리아, 듀엣 및 기타 기존 형식의 완성된 형식에 반영됩니다. 아리아는 독백과 같고 듀엣은 대화와 같으며 트리오에서는 다른 두 참가자에 대한 캐릭터 중 하나의 상충되는 감정이 일반적으로 구현됩니다. 더 복잡해지면 4중주와 같은 다양한 앙상블 형식이 발생합니다. 리골레토베르디 또는 육중주 루시아 데 라메르무어도니제티. 그러한 형태의 도입은 일반적으로 하나(또는 여러) 감정의 발달을 위한 여지를 만들기 위해 행동을 중지합니다. 앙상블로 단합 된 가수 그룹 만이 진행중인 이벤트에 대한 여러 관점을 한 번에 표현할 수 있습니다. 때때로 합창단은 오페라 영웅들의 행동에 대한 해설자 역할을 합니다. 일반적으로 오페라 합창단의 텍스트는 상대적으로 느리게 발음되며 청취자가 내용을 이해할 수 있도록 문구가 반복되는 경우가 많습니다.

아리아 자체는 오페라를 구성하지 않습니다. 고전적인 유형의 오페라에서 음모를 대중에게 전달하고 행동을 발전시키는 주요 수단은 암송입니다. 간단한 코드로 지원되고 자연스러운 음성 억양을 기반으로하는 자유 미터의 빠른 멜로디 암송입니다. 코믹 오페라에서 암송은 종종 대화로 대체됩니다. 레치타티브는 구어체의 의미를 이해하지 못하는 청자에게는 지루해 보일 수 있지만, 오페라의 내용 구조에서 없어서는 안될 경우가 많다.

모든 오페라에서 암송과 아리아 사이에 명확한 선을 긋는 것이 가능한 것은 아닙니다. 예를 들어 Wagner는 음악적 행동의 지속적인 발전을 목표로 완전한 성악 형식을 포기했습니다. 이 혁신은 많은 작곡가들에 의해 다양한 수정과 함께 채택되었습니다. 러시아 땅에서 지속적인 "뮤지컬 드라마"에 대한 아이디어는 Wagner와 독립적으로 A.S. Dargomyzhsky에 의해 처음 테스트되었습니다. 스톤 게스트그리고 M.P. 무소르그스키 결혼하다- 그들은 이 형식을 "대화 오페라", 오페라 대화라고 불렀습니다.

드라마로서의 오페라.

오페라의 극적인 내용은 대본뿐만 아니라 음악 자체에도 구현되어 있습니다. 오페라 장르의 창시자들은 그들의 작품을 "음악으로 표현된 드라마"인 dramma per musica라고 불렀습니다. 오페라는 삽입된 노래와 춤이 있는 연극 그 이상입니다. 연극은 자급자족할 수 있습니다. 음악이 없는 오페라는 극적 통합의 일부일 뿐이다. 이것은 음성 장면이 있는 오페라에도 적용됩니다. 예를 들어 이러한 유형의 작업에서 마농 레스코 J. Massenet - 뮤지컬 번호는 여전히 핵심 역할을 유지합니다.

오페라 대본이 드라마틱한 작품으로 상연되는 것은 극히 이례적이다. 드라마의 내용은 말로 표현되고 특징적인 무대 장치가 있지만 그럼에도 불구하고 음악 없이는 중요한 것, 즉 음악으로 만 표현할 수 있는 중요한 것을 잃게 됩니다. 같은 이유로 드라마틱한 연극을 대본으로 사용하는 경우는 등장인물 수를 줄이고 줄거리와 주인공을 단순화하지 않고는 거의 사용되지 않습니다. 음악이 숨쉴 공간을 남겨두어야 하고, 반복해야 하고, 오케스트라 에피소드를 형성하고, 극적인 상황에 따라 분위기와 색감을 바꿔야 한다. 그리고 노래는 여전히 단어의 의미를 이해하기 어렵기 때문에 대본의 텍스트는 노래할 때 인식될 수 있을 정도로 명확해야 합니다.

이런 식으로 오페라는 훌륭한 극극의 어휘적 풍부함과 세련된 형식을 자신에게 종속시키지만, 청취자의 감정에 직접적으로 호소하는 고유한 언어의 가능성으로 이러한 피해를 보상합니다. 예, 문학적 출처 나비부인 Puccini - 게이샤와 미국 해군 장교에 대한 D. Belasco의 연극은 절망적으로 구식이며 Puccini의 음악에 표현된 사랑과 배신의 비극은 시간이 지나도 사라지지 않았습니다.

오페라 음악을 작곡할 때 대부분의 작곡가들은 특정 관습을 준수했습니다. 예를 들어, 높은 음역의 목소리나 악기를 사용하는 것은 "열정"을 의미하고 불협화음 하모니는 "두려움"을 표현했습니다. 그러한 관습은 자의적이지 않았습니다. 사람들은 일반적으로 흥분할 때 목소리를 높이고 두려움의 육체적 감각은 부조화입니다. 그러나 숙련된 오페라 작곡가들은 음악의 극적인 내용을 표현하기 위해 더 미묘한 수단을 사용했습니다. 멜로디 라인은 그것이 떨어지는 단어와 유기적으로 일치해야 했습니다. 조화로운 글쓰기는 감정의 밀물과 썰물을 반영해야 했습니다. 성급한 선언 장면, 엄숙한 앙상블, 사랑의 듀엣 및 아리아를 위해 다양한 리듬 모델을 만들어야했습니다. 다양한 악기와 관련된 음색 및 기타 특성을 포함하여 오케스트라의 표현 가능성도 극적인 목표를 위해 배치되었습니다.

그러나 극적 표현력만이 오페라 음악의 유일한 기능은 아니다. 오페라 작곡가는 극의 내용을 표현하는 것과 듣는 이에게 즐거움을 주는 것, 이 두 가지 상반된 과제를 해결한다. 첫 번째 작업에 따르면 음악은 드라마에 도움이 됩니다. 두 번째에 따르면 음악은 자급 자족합니다. Gluck, Wagner, Mussorgsky, R. Strauss, Puccini, Debussy, Berg와 같은 많은 위대한 오페라 작곡가는 오페라의 표현적이고 극적인 시작을 강조했습니다. 다른 작가들로부터 오페라는 더 시적이고 절제된 실내 모습을 얻었습니다. 그들의 예술은 하프톤의 미묘함으로 표시되며 대중의 취향 변화에 덜 의존합니다. 오페라 가수는 어느 정도 배우 여야하지만 그의 주된 임무는 순전히 음악적이기 때문에 가사 작곡가는 가수들에게 사랑 받고 있습니다. 그는 뮤지컬 텍스트를 정확하게 재현하고 소리에 필요한 색상을 부여하고 아름답게 표현해야합니다. 작사에는 18세기 나폴리인, 헨델, 하이든, 로시니, 도니제티, 벨리니, 베버, 구노, 마네, 차이코프스키, 림스키-코르사코프가 포함됩니다. Monteverdi, Mozart, Bizet, Verdi, Janacek 및 Britten 중에서 극적 요소와 서정적 요소의 거의 절대적인 균형을 이룬 작가는 거의 없습니다.

오페라 레퍼토리.

전통적인 오페라 레퍼토리는 주로 19세기 작품으로 구성되어 있습니다. 18세기 말과 20세기 초의 여러 오페라가 있습니다. 고상한 행위와 먼 땅에 매력을 느끼는 낭만주의는 유럽 전역에서 오페라 창작의 발전에 기여했습니다. 중산층의 성장으로 민속적 요소가 오페라 언어에 침투했고 오페라에 감사하는 많은 청중을 제공했습니다.

전통적인 레퍼토리는 오페라의 전체 장르 다양성을 "비극"과 "코미디"라는 두 가지 매우 큰 범주로 줄이는 경향이 있습니다. 첫 번째는 일반적으로 두 번째보다 넓게 표시됩니다. 오늘날 레퍼토리의 기초는 이탈리아와 독일 오페라, 특히 "비극"입니다. "코미디"분야에서는 이탈리아 오페라 또는 적어도 이탈리아어 (예 : 모차르트의 오페라)가 우세합니다. 전통적인 레퍼토리에는 프랑스 오페라가 거의 없으며 일반적으로 이탈리아 방식으로 공연됩니다. 여러 러시아 및 체코 오페라가 레퍼토리에서 자리를 차지하고 거의 항상 번역으로 공연됩니다. 일반적으로 주요 오페라단은 원어로 작품을 공연하는 전통을 고수합니다.

레퍼토리의 주요 규제자는 인기와 패션입니다. 일부 오페라(예: 보좌관 Verdi)는 종종 필요한 성부가 있는지 여부에 관계없이 수행됩니다(후자가 더 일반적임). 거장 콜로라투라 부분과 우화적인 음모가있는 오페라가 유행을 벗어난 시대에 적절한 제작 스타일에 관심을 가진 사람은 거의 없었습니다. 예를 들어, 헨델의 오페라는 유명한 가수인 조안 서덜랜드와 다른 사람들이 그것을 공연하기 시작할 때까지 무시되었습니다. 그리고 여기서 포인트는 이 오페라의 아름다움을 발견한 '신규' 관객뿐 아니라 세련된 오페라 파트에 대처할 수 있는 높은 발성 문화를 가진 다수의 가수들의 등장이다. 같은 방식으로 Cherubini와 Bellini의 작품의 부활은 그들의 오페라의 화려한 공연과 오래된 작품의 "참신함"발견에서 영감을 받았습니다. 초기 바로크의 작곡가들, 특히 Monteverdi뿐만 아니라 Peri와 Scarlatti도 마찬가지로 망각에서 벗어났습니다.

이러한 모든 부흥에는 주석판이 필요하며, 특히 17세기 작가의 작품은 정확한 정보가 없는 도구 및 동적 원리에 대해 설명합니다. 소위 끝없는 반복. 나폴리 학교 오페라와 헨델의 다 카포 아리아는 우리 시대, 즉 다이제스트 시대에 상당히 지루합니다. 현대 청취자는 19세기 프랑스 그랜드 오페라에서도 청취자의 열정을 거의 공유할 수 없습니다. (Rossini, Spontini, Meyerbeer, Halevi) 저녁 내내 (따라서 오페라의 전체 점수를 차지한 엔터테인먼트에) 페르난도 코르테스휴식 시간을 제외하고 5시간 동안 Spontini가 울립니다. 악보의 어두운 부분과 그 크기가 지휘자나 무대 감독이 숫자를 자르고, 재정렬하고, 삽입하고, 심지어 새 조각을 삽입하도록 유혹하는 것은 드문 일이 아닙니다. 대중 앞에서.

가수.

성악의 범위에 따라 성악가는 보통 6가지 유형으로 나뉜다. 고음에서 저음까지 세 가지 여성 유형의 목소리-소프라노, 메조-소프라노, 콘트랄토 (후자는 요즘 드뭅니다); 세 남자 - 테너, 바리톤, 베이스. 각 유형 내에는 목소리의 품질과 노래 스타일에 따라 여러 아종이 있을 수 있습니다. 가사 콜로라투라 소프라노는 가볍고 매우 움직이는 목소리를 가지고 있으며 이러한 가수는 거장 악절, 빠른 음계, 트릴 및 기타 장식품을 연주할 수 있습니다. Lyric-dramatic (lirico spinto) 소프라노 - 매우 밝고 아름다운 목소리. 드라마틱 소프라노의 음색은 풍부하고 강하다. 서정적인 목소리와 극적인 목소리의 구분은 테너에게도 적용됩니다. 베이스에는 두 가지 주요 유형이 있습니다: "진지한" 파티를 위한 "노래하는 베이스"(basso cantante)와 코믹한(basso buffo).

점차 특정 역할에 대한 노래 음색을 선택하는 규칙이 형성되었습니다. 주인공과여 주인공의 역할은 일반적으로 테너와 소프라노에게 맡겨졌습니다. 일반적으로 나이가 많고 경험이 많은 캐릭터일수록 목소리가 낮아야 합니다. 순진한 어린 소녀 - 예를 들어 Gilda in 리골레토베르디는 서정적인 소프라노이며, 오페라 생상스의 간사한 유혹자 들릴라입니다. 삼손과 들릴라- 메조소프라노. 활기차고 재치 있는 모차르트의 영웅 피가로의 일부 피가로의 결혼식그리고 로시니 세비야의 이발사두 작곡가가 바리톤을 위해 작곡했지만 주인공의 일부인 피가로의 일부는 첫 번째 테너를 위해 의도되었어야 했습니다. 농민, 마법사, 성인, 통치자 및 노인의 일부는 일반적으로베이스 바리톤 (예 : Mozart 오페라의 Don Giovanni) 또는베이스 (Mussorgsky의 Boris Godunov)를 위해 만들어졌습니다.

대중 취향의 변화는 오페라 성악 스타일을 형성하는 데 특정한 역할을 했습니다. 사운드 생성 기술, 비브라토("흐느끼는 소리") 기술은 수세기에 걸쳐 변화했습니다. J. Peri(1561–1633), 가수이자 부분적으로 보존된 최초의 오페라( 다프네)는 르네상스가 끝날 때까지 유행했던 악기로서의 목소리의 해석에 따라 비브라토가 거의 또는 전혀 없는 비교적 평평하고 변하지 않는 스타일로 백색 목소리로 알려진 것으로 추정됩니다.

18세기 동안 거장 가수의 숭배가 처음에는 나폴리에서, 그다음에는 유럽 전역에서 발전했습니다. 그 당시 오페라에서 주인공의 일부는 남성 소프라노-castrato, 즉 거세로 인해 자연스러운 변화가 멈춘 음색에 의해 수행되었습니다. 가수-카스트라티는 목소리의 범위와 이동성을 가능한 한계까지 끌어올렸습니다. 카스트라토 Farinelli (C. Broschi, 1705–1782)와 같은 오페라 스타는 이야기에 따르면 소프라노가 트럼펫 소리를 능가했으며 메조 소프라노 F. Bordoni는 그녀가 할 수 있다고 말했습니다. 그들이 연주한 음악을 작곡한 작곡가들의 기술에 완전히 종속된 세계의 모든 가수들보다 더 오래 소리를 낸다. 그들 중 일부는 스스로 오페라를 작곡하고 오페라단(Farinelli)을 감독했습니다. 작곡가가 작곡한 선율에 자신의 즉흥적인 장식으로 장식하는 것은 오페라의 줄거리 상황에 부합하든 그렇지 않든 가수들이 당연하게 여겼다. 모든 유형의 음성 소유자는 빠른 패시지 및 트릴 연주에 대한 훈련을 받아야 합니다. 예를 들어 로시니의 오페라에서 테너는 소프라노뿐 아니라 콜로라투라 기법도 숙달해야 합니다. 20세기에 그러한 예술의 부활. Rossini의 다양한 오페라 작품에 새로운 생명을 불어 넣을 수 있습니다.

18세기의 단 하나의 창법. 오늘날까지 거의 변하지 않은 - 코믹 베이스의 스타일. 단순한 효과와 빠른 수다로 인해 개별 해석, 뮤지컬 또는 무대를 위한 여지가 거의 없기 때문입니다. 아마도 D. Pergolesi(1749–1801)의 지역 희극은 적어도 200년 전에 오늘날 공연되고 있습니다. 수다스럽고 성미가 빠른 노인은 오페라 전통에서 매우 존경받는 인물이며, 성악 광대가 되기 쉬운 베이스가 가장 좋아하는 역할입니다.

18세기 말과 19세기 전반, 19세기 후반의 모차르트, 로시니 및 기타 오페라 작곡가들에게 사랑받았던 벨칸토(bel canto)의 순수하고 무지개 빛깔의 창법. 점차 더 강력하고 극적인 노래 스타일로 바뀌었습니다. 현대 화음과 관현악 작문의 발달은 오페라에서 오케스트라의 기능을 반주자에서 주인공으로 점차 변화시켰고, 결과적으로 가수들은 악기에 목소리가 묻히지 않도록 더 크게 노래할 필요가 있었다. 이러한 경향은 독일에서 시작되었지만 이탈리아를 포함한 유럽의 모든 오페라에 영향을 미쳤습니다. 독일어 "영웅적인 테너"(Heldentenor)는 바그너 오케스트라와의 결투에 참여할 수 있는 목소리의 필요성에 의해 분명히 생성됩니다. Verdi의 후기 작곡과 그의 추종자들의 오페라에는 "강한"(di forza) 테너와 에너지 넘치는 극적인(spinto) 소프라노가 필요합니다. 낭만주의 오페라의 요구는 때때로 작곡가 자신이 표현한 의도와 상반되는 것처럼 보이는 해석으로 이어지기까지 한다. 그래서 R. Strauss는 "Isolde의 목소리를 가진 16 세 소녀"와 같은 이름의 오페라에서 Salome을 생각했습니다. 그러나 오페라의 악기 편성은 너무 조밀해서 주요 부분을 연주하기 위해서는 성숙한 기혼 가수가 필요합니다.

과거의 전설적인 오페라 스타 중에는 E. Caruso(1873–1921, 아마도 역사상 가장 인기 있는 가수), J. Farrar(1882–1967, 항상 뉴욕에서 추종자들의 뒤를 따랐음), F. I. Chaliapin이 있습니다. (1873-1938, 강력한 저음, 러시아 사실주의의 대가), K. Flagstad(1895-1962, 노르웨이의 영웅적인 소프라노) 및 기타 다수. 다음 세대에는 M. Callas(1923–1977), B. Nilson(b. 1918), R. Tebaldi(1922–2004), J. Sutherland(b. 1926), L. Price(b. . 1927) ), B. Sills(b. 1929), C. Bartoli(1966), R. Tucker(1913–1975), T. Gobbi(1913–1984), F. Corelli(b. 1921), C. Siepi(b. . 1923), J. Vickers(b. 1926), L. Pavarotti(b. 1935), S. Milnes(b. 1935), P. Domingo(b. 1941), J. Carreras(b. 1946).

오페라 극장.

오페라 하우스의 일부 건물은 특정 유형의 오페라와 관련이 있으며 어떤 경우에는 실제로 극장 건축이 특정 유형의 오페라 공연으로 인해 발생했습니다. 따라서 파리 오페라(그랜드 오페라라는 이름은 러시아에서 고정됨)는 현재 건물이 1862~1874년(건축가 Ch. Garnier)에 지어지기 오래 전부터 밝은 광경을 연출하기 위한 것이었습니다. 발레의 풍경과 무대에서 펼쳐지는 장엄한 행렬과 경쟁하십시오. 바이에른의 바이로이트 마을에 있는 "엄숙한 공연의 집"(Festspielhaus)은 1876년 바그너가 그의 서사시적인 "뮤지컬 드라마"를 상연하기 위해 만들었습니다. 고대 그리스 원형 극장의 장면을 모델로 한 무대는 깊이가 깊고 오케스트라는 오케스트라 피트에 위치하고 청중에게 숨겨져있어 소리가 사라지고 가수가 목소리를 과도하게 낼 필요가 없습니다. 뉴욕의 원래 메트로폴리탄 오페라 하우스(1883)는 세계 최고의 가수와 존경받는 롯지 가입자를 위한 쇼케이스로 설계되었습니다. 홀이 너무 깊어서 "다이아몬드 편자" 상자는 상대적으로 얕은 무대보다 서로를 볼 수 있는 기회를 더 많이 제공합니다.

거울과 같은 오페라 하우스의 모습은 공공 생활의 현상으로서 오페라의 역사를 반영합니다. 그 기원은 귀족계에서 고대 그리스 극장의 부흥에 있습니다. 이 기간은 Vicenza의 A. Palladio가 지은 가장 오래 살아남은 오페라 하우스 인 Olimpico (1583)에 해당합니다. 바로크 사회의 소우주를 반영한 건축 양식은 특징적인 말굽 모양의 계획을 기반으로 하며, 상자 층이 중심인 왕실 상자에서 펼쳐져 있습니다. La Scala (1788, 밀라노), La Fenice (1792, 1992 년 베니스, 베니스), San Carlo (1737, Naples), Covent Garden (1858, London) 극장의 건물에도 유사한 계획이 보존되어 있습니다. ). 상자는 적지만 강철 지지대 덕분에 층이 더 깊어진 이 계획은 브루클린 음악원(1908), 샌프란시스코의 오페라 하우스(1932), 시카고(1920)와 같은 미국 오페라 하우스에서 사용되었습니다. 보다 현대적인 솔루션은 뉴욕 링컨 센터(1966)와 시드니 오페라 하우스(1973, 호주)에 있는 메트로폴리탄 오페라의 새 건물을 시연합니다.

민주적 접근 방식은 Wagner의 특징입니다. 그는 관객들에게 최대한의 집중을 요구하며 객석이 전혀 없는 극장을 지었고, 객석은 단조롭게 연속적으로 배열되었다. 엄숙한 바이로이트의 인테리어는 뮌헨 대극장(1909)에서만 반복되었다. 제2차 세계 대전 이후에 지어진 독일 극장도 이전 사례로 거슬러 올라갑니다. 그러나 Wagnerian 아이디어는 경기장의 개념을 향한 움직임에 기여한 것 같습니다. 일부 현대 건축가가 제안한 프로시니엄 없는 극장(원형은 고대 로마 서커스): 오페라는 이러한 새로운 조건에 적응하도록 남겨졌습니다. 베로나의 로마 원형극장은 다음과 같은 기념비적인 오페라 공연을 상연하기에 적합합니다. 아이다베르디와 윌리엄 텔로시니.

오페라 축제.

Wagnerian 오페라 개념의 중요한 요소는 여름 바이로이트 순례입니다. 1920년대에 오스트리아의 잘츠부르크 시는 주로 모차르트의 오페라 전용 축제를 조직하고 M. Reinhardt 감독과 A. Toscanini 지휘자와 같은 재능 있는 사람들을 초대하여 프로젝트를 구현했습니다. 1930년대 중반부터 모차르트의 오페라 작품은 영국 글라인드본 페스티벌을 형성했습니다. 제 2 차 세계 대전 후 주로 R. Strauss의 작업에 전념하는 축제가 뮌헨에 나타났습니다. 플로렌스는 초기 오페라와 현대 오페라를 아우르는 매우 광범위한 레퍼토리가 공연되는 "플로렌스 뮤지컬 메이"를 개최합니다.

이야기

오페라의 기원.

우리에게 내려온 오페라 장르의 첫 번째 예는 에우리디체 J. Peri (1600)는 프랑스 왕 Henry IV와 Maria Medici의 결혼식을 계기로 Florence에서 만든 겸손한 작품입니다. 예상대로 궁정에 가까운 젊은 가수이자 마드리갈 연주자는 이 엄숙한 행사를 위해 음악을 주문받았다. 그러나 Peri는 목가적 인 주제에 대한 일반적인 madrigal주기가 아니라 완전히 다른 것을 제시했습니다. 음악가는 과학자, 시인 및 음악 애호가로 구성된 Florentine Camerata의 회원이었습니다. 20년 동안 Camerata의 회원들은 고대 그리스 비극이 어떻게 공연되었는지에 대한 질문을 조사해 왔습니다. 그들은 그리스 배우들이 연설과 실제 노래 사이의 특별한 선언 방식으로 텍스트를 낭송했다는 결론에 도달했습니다. 그러나 잊혀진 예술의 부흥에 대한 이러한 실험의 실제 결과는 "모노디"라고 불리는 새로운 유형의 독창이었습니다. 모노디는 가장 단순한 반주와 함께 자유로운 리듬으로 연주되었습니다. 따라서 Peri와 그의 librettist O. Rinuccini는 7 개의 악기 앙상블이 아닌 작은 오케스트라의 화음으로 지원되는 암송으로 Orpheus와 Eurydice의 이야기를 시작하고 Florentine Palazzo Pitti에서 연극을 발표했습니다. 이것은 Camerata의 두 번째 오페라였습니다. 첫 번째 점수, 다프네 Peri (1598), 보존되지 않음.

초기 오페라에는 전작이 있었습니다. 7세기 동안 교회는 다음과 같은 전례 드라마를 발전시켜 왔습니다. 다니엘에 관한 게임솔로 노래가 다양한 악기 반주와 함께하는 곳. 16세기 다른 작곡가들, 특히 A. Gabrieli와 O. Vecchi는 세속 합창단이나 마드리갈을 스토리 사이클로 결합했습니다. 그러나 여전히 Peri와 Rinuccini 이전에는 단조로운 세속적 음악-극적 형식이 없었습니다. 그들의 작품은 고대 그리스 비극의 부활이 되지 못했다. 그것은 더 많은 것을 가져 왔습니다. 새로운 실행 가능한 연극 장르가 탄생했습니다.

그러나 Florentine camerata가 제시 한 musica 장르의 드라마의 가능성에 대한 완전한 공개는 다른 음악가의 작업에서 발생했습니다. C. Monteverdi(1567-1643)는 Peri와 마찬가지로 귀족 가문에서 교육받은 사람이었지만 Peri와 달리 전문 음악가였습니다. 크레모나 출신인 몬테베르디는 만투아에 있는 빈첸초 곤차가의 궁정에서 유명해졌으며 성 베드로 대성당 합창단을 지휘했습니다. 베니스의 마크. 7년 후 에우리디체 Peri, 그는 Orpheus의 전설에 대한 자신의 버전을 작곡했습니다. 오르페우스의 전설. 흥미로운 실험과 걸작이 다른 것처럼 이 작품들은 서로 다르다. Monteverdi는 오케스트라 구성을 5배로 늘려 각 캐릭터에게 자신만의 악기 그룹을 제공하고 서곡으로 오페라를 시작했습니다. 그의 레치타티브는 A. Strigio의 텍스트처럼 들렸을 뿐만 아니라 그 자체로 예술적인 삶을 살았습니다. Monteverdi의 조화로운 언어는 극적인 대조로 가득 차 있으며 오늘날에도 그 대담함과 그림 같은 느낌이 인상적입니다.

Monteverdi의 후속 살아남은 오페라에는 다음이 포함됩니다. 탄크레드와 클로린다의 결투(1624)의 한 장면을 바탕으로 해방된 예루살렘 Torquato Tasso - 십자군에 관한 서사시; 율리시스의 귀환(1641) 고대 그리스의 오디세우스 전설로 거슬러 올라가는 음모; 포페아의 대관식(1642), 로마 황제 네로 시대부터. 마지막 작품은 작곡가가 죽기 1년 전에 만든 작품입니다. 이 오페라는 그의 작품의 정점이었습니다. 부분적으로는 성악 부분의 기교 때문이었고 부분적으로는 기악 작문의 화려함 때문이었습니다.

오페라 배급.

Monteverdi 시대에 오페라는 이탈리아의 주요 도시를 빠르게 정복했습니다. 로마는 1647년 파리에서 오페라를 공연한 오페라 작가 L. Rossi(1598-1653)에게 오르페우스와 에우리디케프랑스 세계 정복. F. Cavalli(1602–1676)는 베니스의 Monteverdi's에서 노래를 불렀으며 약 30편의 오페라를 창작했습니다. M.A. Chesti(1623–1669)와 함께 Cavalli는 17세기 후반 이탈리아 오페라에서 중요한 역할을 한 베네치아 악파의 창립자가 되었습니다. 베네치아 악파에서는 피렌체에서 온 모노딕 양식이 레치타티보와 아리아 발전의 길을 열었습니다. 아리아는 점점 더 길고 복잡해졌으며, 일반적으로 카스트라토인 거장 가수들이 오페라 무대를 지배하기 시작했습니다. 베네치아 오페라의 줄거리는 여전히 신화나 낭만적인 역사적 에피소드에 기반을 두고 있었지만, 이제는 메인 액션과 무관한 소극적인 막간과 가수들이 그들의 기교를 보여주는 화려한 에피소드로 장식되었습니다. 명예의 오페라에서 황금 사과(1668)은 그 시대의 가장 복잡한 작품 중 하나로 50명의 배우와 67개의 장면, 23개의 장면 전환이 있습니다.

이탈리아의 영향력은 영국까지 도달했습니다. Elizabeth I의 통치가 끝날 무렵 작곡가와 librettists는 소위를 만들기 시작했습니다. 가면 - 암송, 노래, 춤을 결합하고 환상적인 이야기를 기반으로 한 궁정 공연. 이 새로운 장르는 1643년에 음악을 작곡한 G. Lowes의 작업에서 큰 비중을 차지했습니다. 코머스 Milton, 그리고 1656년에 최초의 실제 영국 오페라를 만들었습니다. 로도스 공성전. Stuarts의 복원 후 오페라는 점차 영국 땅에 발판을 마련하기 시작했습니다. J. 블로우(1649–1708), 웨스트민스터 대성당의 오르간 연주자, 1684년 오페라 작곡 비너스와 아도니스, 그러나 구성은 여전히 마스크라고 불렀습니다. 영국인이 창작한 진정으로 위대한 유일한 오페라는 디도와 아이네이아스 G. 퍼셀(1659–1695), 블로우의 제자이자 후계자. 1689년경 여대에서 초연된 이 작은 오페라는 놀라운 아름다움으로 유명합니다. Purcell은 프랑스와 이탈리아 기술을 모두 소유했지만 그의 오페라는 일반적으로 영국 작품입니다. 가사 불평, N. Tate가 소유했지만 작곡가는 극적인 특성의 숙달, 아리아와 합창단의 비범 한 우아함과 풍부함으로 표시되는 그의 음악으로 부활했습니다.

초기 프랑스 오페라.

초기 이탈리아 오페라처럼 16세기 중반 프랑스 오페라 고대 그리스 연극의 미학을 되살리려는 욕망에서 출발했다. 차이점은 이탈리아 오페라가 노래를 강조한 반면 프랑스 오페라는 당시 프랑스 궁정에서 가장 좋아했던 연극 장르인 발레에서 파생되었다는 점이다. 이탈리아 출신의 유능하고 야심찬 무용가 J. B. Lully(1632-1687)는 프랑스 오페라의 창시자가 되었습니다. 그는 루이 14세의 궁정에서 작곡기법의 기초를 배우는 등 음악교육을 받은 후 궁정작곡가로 임명되었다. 그는 무대에 대한 뛰어난 이해력을 가지고 있었는데, 이는 몰리에르의 여러 희극, 특히 귀족의 상인(1670). 프랑스에 온 오페라단의 성공에 감명을 받은 Lully는 자신의 극단을 만들기로 결정했습니다. Lully의 오페라, 그가 "서정적 비극"(tragédies lyriques)이라고 불렀습니다. , 특히 프랑스 뮤지컬 및 연극 스타일을 보여줍니다. 플롯은 고대 신화 또는 이탈리아 시에서 가져왔으며 엄격하게 정의된 크기의 엄숙한 구절이 있는 대본은 극작가 J. Racine인 Lully의 위대한 동시대의 스타일을 따릅니다. Lully는 사랑과 명성에 대한 긴 토론으로 줄거리의 전개를 산재시키고 프롤로그와 줄거리의 다른 지점-춤, 합창단 및 웅장한 풍경이 있는 장면-에 다양성을 삽입합니다. 작곡가 작품의 진정한 규모는 그의 오페라 제작이 재개되는 오늘날 명확해집니다. 알세스테 (1674), 아티사(1676) 및 아르미데스 (1686).

"체코 오페라"는 슬로바키아의 친러시아와 체코의 친독이라는 두 가지 대조적인 예술 경향을 가리키는 관례적인 용어입니다. 체코 음악계에서 인정받는 인물은 Antonín Dvořák(1841–1904)이지만 그의 오페라 중 하나만이 깊은 파토스로 가득 차 있습니다. 인어-세계 레퍼토리에 자리 잡았습니다. 체코 문화의 수도 프라하에서 오페라계의 주역은 스메타나(Bedřich Smetana, 1824~1884)였다. 물물교환된 신부(1866)은 일반적으로 독일어로 번역되는 레퍼토리에 빠르게 진입했습니다. 코믹하고 복잡하지 않은 음모로 인해이 작품은 Smetana의 유산에서 가장 접근하기 쉬웠지만 그는 역동적 인 "구원의 오페라"라는 두 개의 열렬한 애국 오페라의 저자입니다. 달리보르(1868) 및 그림 서사시 리부샤(1872, 1881년 상연)은 현명한 여왕의 통치 아래 체코인의 통일을 묘사한다.

슬로바키아 학교의 비공식 중심지는 무소르그스키와 드뷔시의 정신으로 음악에서 자연스러운 암송 억양을 재생산하는 또 다른 열렬한 지지자인 레오 야나체크(Leos Janacek, 1854–1928)가 살면서 일했던 브르노(Brno) 시였습니다. Janacek의 일기에는 말과 자연스러운 소리 리듬에 대한 많은 음표가 포함되어 있습니다. 오페라 장르에서 초기에 여러 번 성공하지 못한 경험을 한 후 Janáček은 처음으로 오페라에서 모라비아 농민의 삶에서 놀라운 비극으로 눈을 돌렸습니다. 에누파(1904, 작곡가의 가장 인기있는 오페라). 후속 오페라에서 그는 가족의 억압에 대한 항의로 불법적 인 연애에 들어가는 젊은 여성의 드라마 ( 카티아 카바노바, 1921), 자연의 생명( 교활한 살구, 1924), 초자연적 사건( Makropulos 치료법, 1926) 및 그가 고된 노동에 보낸 세월에 대한 도스토옙스키의 설명( 하우스 오브 더 데드의 노트, 1930).

Janacek은 프라하에서의 성공을 꿈꿨지만 그의 "깨달은"동료들은 작곡가의 생애 동안과 사후에 그의 오페라를 경멸했습니다. Mussorgsky를 편집한 Rimsky-Korsakov와 마찬가지로 Janáček의 동료들은 그의 악보가 어떻게 들려야 하는지 저자보다 더 잘 알고 있다고 생각했습니다. Janáček의 국제적인 인정은 나중에 John Tyrrell과 호주 지휘자 Charles Mackeras의 복원 노력의 결과로 이루어졌습니다.

20세기의 오페라

제 1 차 세계 대전은 낭만주의 시대를 종식 시켰습니다. 낭만주의 고유의 감정의 숭고함은 전쟁 시대의 격변에서 살아남을 수 없었습니다. 기존 오페라 형식도 쇠퇴하고 있었고 불확실성과 실험의 시대였습니다. 중세 시대에 대한 갈망은 특별한 힘으로 표현되었습니다. 파르지팔그리고 펠레아스, 다음과 같은 작품에서 마지막 번쩍임 세 왕의 사랑(1913) 이탈로 몬테메치(1875–1952), 에케부 기사단(1925) 리카르도 잔도나이(1883–1944), 세미라마(1910) 및 불꽃(1934) 오토리노 레스피기(1879-1936). Franz Schrekker(1878–1933; 먼 소리, 1912; 낙인찍힌, 1918), 알렉산더 폰 젬린스키(1871–1942; 피렌체의 비극;난쟁이– 1922) 및 Erik Wolfgang Korngold(1897–1957; 죽은 도시, 1920; 헬리아나의 기적, 1927)은 영적 사상이나 병리학적 심령 현상의 예술적 탐구를 위해 중세 모티프를 사용했습니다.

Richard Strauss가 선택한 Wagner 유산은 소위에게 전달되었습니다. 새로운 비엔나 학파, 특히 A. Schoenberg(1874–1951)와 A. Berg(1885–1935)의 오페라는 일종의 반낭만적 반응입니다. 특히 고조파, 선택 "폭력적인"장면에서. 베르크의 첫 번째 오페라 보체크(1925) - 불행하고 억압받는 군인의 이야기 - 매우 복잡하고 고도로 지적인 형식에도 불구하고 눈을 뗄 수 없을 정도로 강력한 드라마입니다. 작곡가의 두 번째 오페라, 룰루(1937, 작가 F. Tserhoy의 죽음 이후 완성)는 냉담한 여성에 대한 표현력이 풍부한 뮤지컬 드라마입니다. 일련의 작고 예리한 심리적 오페라 이후 가장 유명한 것은 기대(1909), Schoenberg는 평생을 음모 작업에 바쳤습니다. 모세와 아론(1954, 오페라는 미완성 상태로 남아 있음)-말이 묶인 예언자 모세와 이스라엘 사람들이 금 송아지에게 절하도록 유혹 한 웅변가 아론 사이의 갈등에 대한 성경 이야기를 바탕으로합니다. 구성의 극도의 복잡성뿐만 아니라 모든 연극 검열을 격분시킬 수있는 난교, 파괴 및 인간 희생 장면은 오페라 하우스에서의 인기를 방해합니다.

바그너의 영향으로 여러 국립 학교의 작곡가들이 등장하기 시작했습니다. 따라서 Debussy의 상징주의는 헝가리 작곡가 B. Bartok(1881–1945)이 심리적 우화를 만드는 원동력이 되었습니다. 듀크 블루비어드의 성(1918); 오페라에서 또 다른 헝가리 작가 Z. Kodály 하리 야노스(1926)은 민속 자료로 전환했습니다. 베를린에서 F. Busoni는 오페라의 오래된 음모를 다시 생각했습니다. 할리퀸(1917) 및 파우스트 박사(1928, 미완성으로 남아 있음). 언급된 모든 작품에서 바그너와 그의 추종자들의 만연한 교향곡은 모노디가 우세할 정도로 훨씬 더 간결한 스타일로 자리를 내줍니다. 그러나이 세대 작곡가의 오페라 유산은 상대적으로 적고, 이러한 상황은 미완성 작품 목록과 함께 표현주의 시대와 임박한 파시즘 시대에 오페라 장르가 겪었던 어려움을 증언합니다.

동시에 전쟁으로 황폐해진 유럽에서 새로운 흐름이 나타나기 시작했습니다. G. Puccini의 작은 걸작에서 이탈리아 코믹 오페라가 마지막 탈출구를 내놓았습니다. 잔니 스키키(1918). 그러나 파리에서 M. Ravel은 희미해지는 횃불을 들고 자신만의 멋진 작품을 만들었습니다. 스페인어 시간(1911) 그리고 나서 아이와 마법(1925, 콜레의 대본으로). 스페인에 오페라 등장 - 짧은 인생(1913) 및 마에스트로 페드로 부스(1923) 마누엘 드 팔라.

영국에서 오페라는 수세기 만에 처음으로 진정한 부흥을 경험했습니다. 가장 초기의 표본 불멸의 시간(1914) Rutland Baughton(1878–1960) 켈트 신화를 주제로, 배신자(1906) 및 뱃사공의 아내(1916) 에델 스미스(1858~1944). 첫 번째는 목가적인 사랑 이야기이고 두 번째는 가난한 영국 해안 마을에 집을 짓는 해적에 관한 것입니다. Smith의 오페라는 Frederic Delius(1862–1934)의 오페라와 마찬가지로 유럽에서도 어느 정도 인기를 누렸습니다. 로미오와 줄리엣 마을(1907). 그러나 Delius는 본질적으로 갈등 드라마투르기(텍스트와 음악 모두)를 구현할 수 없었기 때문에 그의 정적인 뮤지컬 드라마는 거의 무대에 나타나지 않았습니다.

영국 작곡가들의 화끈한 문제는 경쟁적인 플롯을 찾는 것이었다. 사비트리 Gustav Holst는 인도 서사시의 에피소드 중 하나를 기반으로 작성되었습니다. 마하바라타(1916) 및 휴 더 드로버 R. Vaughan-Williams (1924)는 민요가 풍부한 목가적입니다. Vaughan Williams의 오페라에서도 마찬가지입니다. 사랑에 빠진 존 경셰익스피어에 따르면 팔스타프.

B. Britten(1913–1976)은 영국 오페라를 새로운 차원으로 끌어올리는 데 성공했습니다. 그의 첫 번째 오페라는 성공을 거두었다. 피터 그라임스(1945)-중심 인물이 신비한 경험에 사로 잡힌 사람들에게 거부당한 어부 인 해변에서 일어나는 드라마. 코미디 풍자의 출처 앨버트 청어(1947)은 모파상의 단편소설이 되었고, 빌리 버드선과 악을 다룬 멜빌의 알레고리적 이야기가 사용된다(역사적 배경은 나폴레옹 전쟁 시대이다). 이 오페라는 일반적으로 Britten의 걸작으로 인정되지만 나중에 "그랜드 오페라"장르에서 성공적으로 작업했습니다. 예는 다음과 같습니다. 글로리아나(1951), 엘리자베스 1세 통치의 난기류 사건에 대해 이야기하고, 여름밤의 꿈(1960; 셰익스피어의 대본은 작곡가의 가장 친한 친구이자 공동 작업자인 가수 P. Pierce가 만들었습니다.) 1960년대에 브리튼은 우화 오페라에 많은 관심을 기울였다. 우드콕 강 – 1964, 동굴 액션 – 1966, 탕자- 1968); 그는 또한 텔레비전 오페라를 만들었습니다. 오웬 윙그레이브(1971) 및 실내 오페라 스크류 턴그리고 루크레시아의 모독. 작곡가의 오페라 작품의 절정은 이 장르의 마지막 작품이었습니다. 베니스에서의 죽음(1973), 탁월한 독창성이 위대한 성실성과 결합된 곳.

Britten의 오페라 유산은 너무나 중요해서 Peter Maxwell Davies의 오페라(b. 1934)의 유명한 성공은 언급할 가치가 있지만 다음 세대의 영국 작가 중 소수만이 그 그림자에서 벗어날 수 있었습니다. 선술집 주인(1972) 및 Harrison Birtwistle(b. 1934)의 오페라 가반(1991). 다른 나라의 작곡가에 관해서는 다음과 같은 작품을 주목할 수 있습니다. 아니아라(1951) Swede Karl-Birger Blomdahl(1916–1968) 작, 행성 간 우주선에서 액션이 발생하고 전자 사운드 또는 오페라 사이클을 사용함 빛이 있으라(1978–1979) 독일 Karlheinz Stockhausen(주기는 자막이 있음) 창조의 7일일주일 이내에 완료될 것으로 예상됩니다). 그러나 물론 그러한 혁신은 한순간입니다. 독일 작곡가 칼 오르프(1895-1982)의 오페라가 더 중요합니다. 안티고네(1949)는 금욕적인 반주(주로 타악기)를 배경으로 리드미컬한 낭송을 사용하는 고대 그리스 비극을 모델로 삼았다. 뛰어난 프랑스 작곡가 F. Poulenc(1899–1963)는 유머러스한 오페라로 시작했습니다. 티레시아의 가슴(1947), 그런 다음 자연스러운 음성 억양과 리듬을 최전선에 두는 미학으로 전환했습니다. 그의 최고의 오페라 두 편이 이런 맥락에서 쓰여졌다. 인성장 콕토(Jean Cocteau, 1959; 여주인공의 전화 통화처럼 만들어진 대본)와 오페라 가르멜회의 대화, 프랑스 혁명 동안 가톨릭 수녀들의 고통을 묘사합니다. Poulenc의 하모니는 믿을 수 없을 정도로 단순하면서도 동시에 감정을 표현합니다. Poulenc 작품의 국제적 인기는 또한 그의 오페라가 가능할 때마다 현지 언어로 공연되어야 한다는 작곡가의 요구에 의해 촉진되었습니다.

I.F. Stravinsky(1882-1971)는 다양한 스타일의 마술사처럼 저글링을 하며 인상적인 수의 오페라를 만들었습니다. 그들 중 - 디아길레프의 기업가 낭만주의를 위해 작성 나이팅게일 H.H. Andersen(1914)의 동화를 바탕으로 한 Mozartian 갈퀴의 모험 Hogarth (1951)의 판화와 골동품 프리즈를 연상시키는 정적을 기반으로 함 오이디푸스 렉스(1927), 극장과 콘서트 무대를 위해 똑같이 의도되었습니다. 독일 바이마르 공화국에서 K. Weil(1900–1950)과 B. Brecht(1898–1950)는 거지의 오페라 John Gay는 더욱 인기 있는 쓰리페니 오페라(1928), 날카롭게 풍자적인 음모로 지금은 잊혀진 오페라 작곡 마하고니 시의 흥망성쇠(1930). 나치의 부상으로 이 유익한 협력에 종지부를 찍게 되었고, 미국으로 이주한 베일은 미국 음악 장르에서 활동하기 시작했습니다.

아르헨티나의 작곡가 알베르토 히나스테라(1916~1983)는 1960년대와 1970년대에 표현주의적이고 노골적으로 에로틱한 오페라가 등장하면서 큰 인기를 끌었습니다. 돈 로드리고 (1964), 보마르조(1967) 및 베아트리체 센시(1971). 독일인 Hans Werner Henze(b. 1926)는 1951년 그의 오페라가 대로 외로움 Manon Lescaut의 이야기를 기반으로 한 Greta Weill의 대본; 작품의 음악적 언어는 재즈, 블루스 및 12음 기법을 결합합니다. Henze의 후속 오페라는 다음과 같습니다. 젊은 연인들을 위한 엘레지(1961; 액션은 눈 덮인 알프스에서 발생하며 악보는 실로폰, 비브라폰, 하프 및 첼레스타 소리에 의해 지배됨), 영주, 블랙 유머로 촬영(1965), 바사리과(1966; 이후 박채 Euripides, C. Cullman과 W. H. Auden의 영문 대본), 반군사주의자 우리는 강에 올 것이다(1976), 어린이 동화 오페라 폴리치노그리고 배신당한 바다(1990). 영국에서 Michael Tippett(1905–1998)은 오페라 장르에서 일했습니다. ) : 한여름밤의 결혼식(1955), 정원 미로 (1970), 얼음이 깨졌다(1977) 및 SF 오페라 새해(1989) - 모두 작곡가의 대본으로. 아방가르드 영국 작곡가 Peter Maxwell Davies는 앞서 언급한 오페라의 저자입니다. 선술집 주인(1972; 16세기 작곡가 John Taverner의 생애에 대한 줄거리) 및 부활 (1987).

주목할만한 오페라 가수

Björling, Jussi (요한 조나탄)(Björling, Jussi) (1911–1960), 스웨덴 가수(테너). 그는 스톡홀름 왕립오페라학교에서 공부했고 1930년 그곳에서 단역으로 데뷔했다. 마농 레스코. 한 달 후, Ottavio는 노래를 불렀습니다. 돈환. 전쟁 기간을 제외하고 1938년부터 1960년까지 그는 메트로폴리탄 오페라에서 노래했으며 특히 이탈리아와 프랑스 레퍼토리에서 성공을 거두었습니다.
갈리-쿠르시 아멜리타 .
고비, 티토(Gobbi, Tito) (1915-1984), 이탈리아 가수(바리톤). 그는 로마에서 공부했고 그곳에서 제르몽으로 데뷔했다. 라 트라비아테. 그는 런던과 1950년 이후 뉴욕, 시카고, 샌프란시스코에서 특히 베르디의 오페라에서 많은 공연을 했다. 이탈리아의 주요 극장에서 계속 노래했습니다. Gobbi는 그가 약 500 번을 불렀던 Scarpia 부분의 최고 연주자로 간주됩니다. 그는 오페라 영화에서 여러 번 연기했습니다.
도밍고, 플라시도 .
칼라스, 메리 .
카루소, 엔리코 .
코렐리, 프랑코- (Corelli, Franco) (b. 1921–2003), 이탈리아 가수(테너). 23세에 그는 Pesaro Conservatory에서 한동안 공부했습니다. 1952년에 그는 플로렌스 뮤지컬 메이 페스티벌의 성악 콩쿠르에 참가했는데, 로마 오페라의 감독이 그를 스폴레토 실험 극장에서 시험에 합격하도록 초대했습니다. 곧 그는 Don José의 역할로이 극장에서 공연했습니다. 카르멘. 1954년 라 스칼라 시즌 개막 당시 그는 마리아 칼라스와 함께 노래를 불렀다. 처녀스폰티니. 1961년 만리코로 메트로폴리탄 오페라 데뷔 음유 시인. 그의 가장 유명한 파티 중 하나는 Cavaradossi입니다. 토스카.
런던, 조지(London, George) (1920-1985), 캐나다 가수 (베이스 바리톤), 실명 George Bernstein. 그는 로스엔젤레스에서 공부했고 1942년 할리우드에 데뷔했다. 1949년 비엔나 오페라에 초청되어 보좌관. 그는 메트로폴리탄 오페라(1951-1966)에서 노래를 불렀고 1951-1959년 바이로이트에서 Amfortas and the Flying Dutchman으로 공연했습니다. 그는 Don Giovanni, Scarpia 및 Boris Godunov의 역할을 훌륭하게 수행했습니다.
밀스, 셰릴 .
닐슨, 비르기트(Nilsson, Birgit) (1918–2005), 스웨덴 가수(소프라노). 그녀는 스톡홀름에서 공부했고 그곳에서 아가사로 데뷔했다. 자유형 사수웨버. 그녀의 국제적인 명성은 1951년 Elektra를 불렀을 때로 거슬러 올라갑니다. 이도메네오 Glyndebourne Festival의 모차르트. 1954/1955 시즌에 그녀는 뮌헨 오페라에서 브룬힐데와 살로메를 불렀습니다. 그녀는 런던 코벤트 가든(1957)에서 브룬힐데(Brunnhilde)로, 메트로폴리탄 오페라(1959)에서는 이졸데(Isolde)로 데뷔했다. 그녀는 또한 다른 역할, 특히 Turandot, Tosca 및 Aida에서도 성공했습니다. 2005년 12월 25일 스톡홀름에서 사망.
파바로티, 루치아노 .
패티, 애들린(Patti, Adelina)(1843-1919), 이탈리아 가수(콜로라투라 소프라노). 그녀는 1859년 뉴욕에서 Lucia di Lammermoor로 데뷔했고, 1861년 런던에서 몽유병자). 그녀는 23년 동안 Covent Garden에서 노래를 불렀습니다. 훌륭한 목소리와 화려한 기술을 가진 Patti는 진정한 벨 칸토 스타일의 마지막 대표자 중 한 명이었지만 음악가로서 그리고 여배우로서 그녀는 훨씬 약했습니다.
프라이스, 레온티나 .
서덜랜드, 조안 .
스키파, 티토(Schipa, Tito) (1888-1965), 이탈리아 가수(테너). 그는 밀라노에서 공부했고 1911년 베르첼리에서 알프레드(Alfred)로 데뷔했다. 라 트라비아타). 밀라노와 로마에서 끊임없이 공연되었습니다. 1920~1932년에 그는 시카고 오페라에서 약혼했고 1925년부터 샌프란시스코와 메트로폴리탄 오페라(1932~1935, 1940~1941)에서 끊임없이 노래를 불렀다. 그는 Don Ottavio, Almaviva, Nemorino, Werther 및 Wilhelm Meister의 역할을 훌륭하게 수행했습니다. 미뇽.
스코토, 레나타(Scotto, Renata) (b. 1935), 이탈리아 가수(소프라노). 그녀는 1954년 나폴리 신극장에서 비올레타로 데뷔했다. 라 트라비아타), 같은 해에 그녀는 La Scala에서 처음으로 노래를 불렀습니다. 그녀는 Gilda, Amina, Norina, Linda de Chamouni, Lucia di Lammermoor, Gilda 및 Violetta와 같은 벨 칸토 레퍼토리를 전문으로 했습니다. 에서 Mimi로 그녀의 미국 데뷔 보헤미아그녀의 레퍼토리에는 Norma, Gioconda, Tosca, Manon Lescaut 및 Francesca da Rimini의 역할도 포함됩니다.
시에피, 체사레(Siepi, Cesare) (b. 1923), 이탈리아 가수(베이스). 1941년 베니스에서 스파라푸칠로로 데뷔 리골레토. 전쟁 후 그는 La Scala 및 기타 이탈리아 오페라 하우스에서 공연을 시작했습니다. 1950년부터 1973년까지 그는 메트로폴리탄 오페라에서 리드 베이스 연주자였으며, 그곳에서 그는 Don Giovanni, Figaro, Boris, Gurnemanz, Philipp 등을 불렀습니다. 돈 카를로스.
테발디, 레나타(Tebaldi, Renata) (b. 1922), 이탈리아 가수(소프라노). 그녀는 파르마에서 공부했고 1944년 로비고에서 엘레나로 데뷔했다. 메피스토펠레스). Toscanini는 La Scala (1946)의 전후 개막식에서 공연하기 위해 Tebaldi를 선택했습니다. 1950년과 1955년 런던에서 공연했으며 1955년 메트로폴리탄 오페라에서 Desdemona로 데뷔했으며 1975년 은퇴할 때까지 이 극장에서 노래를 불렀습니다. 그녀의 최고의 역할 중에는 Tosca, Adriana Lecouvreur, Violetta, Leonora, Aida 및 기타 극적인 Verdi의 오페라에서 역할.
파라, 제랄딘 .
표도르 이바노비치 샬리아핀 .
슈바르츠코프, 엘리자베스(Schwarzkopf, Elisabeth) (b. 1915), 독일 가수(소프라노). 그녀는 베를린에서 사사했으며 1938년 베를린 오페라에서 꽃처녀 중 한 명으로 데뷔했다. 파르지팔바그너. 비엔나 오페라에서 여러 번 공연한 후, 그녀는 주연을 맡아 달라는 요청을 받았습니다. 나중에 그녀는 Covent Garden과 La Scala에서도 노래를 불렀습니다. 1951년 베니스에서 스트라빈스키 오페라 초연 갈퀴의 모험 1953년 라 스칼라에서 안나 역을 불렀고 그녀는 오르프의 무대 칸타타 초연에 참여했습니다. 아프로디테의 승리. 1964년 그녀는 메트로폴리탄 오페라에서 처음으로 공연했습니다. 그녀는 1973년에 오페라 무대를 떠났다.

문학:

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장르의 역사

자코포 페리

오페라의 기원은 고대 비극으로 간주 될 수 있습니다. 독립적인 장르로서 오페라는 16세기와 17세기 초 이탈리아 피렌체의 음악가, 철학자, 시인 집단에서 시작되었습니다. 예술 애호가의 서클은 "kamerata"라고 불 렸습니다. "kamerata"참가자들은 드라마, 음악, 춤을 하나의 공연으로 결합하여 고대 그리스 비극을 되살리는 꿈을 꾸었습니다. 첫 번째 공연은 1600년 피렌체에서 열렸으며 오르페우스와 에우리디케에 대해 이야기했습니다. 뱀 파이썬과 아폴로 신의 투쟁에 관한 고대 그리스 신화의 음모로 1594 년에 노래와 함께 첫 번째 뮤지컬 공연이 상연 된 버전이 있습니다. 점차적으로 오페라 학교는 이탈리아의 로마, 베니스, 나폴리에 나타나기 시작했습니다. 그런 다음 오페라는 유럽 전역에 빠르게 퍼졌습니다. 17 세기 말과 18 세기 초에 오페라-세리아 (대형 진지 오페라)와 오페라-부파 (코믹 오페라)와 같은 주요 오페라가 형성되었습니다.

18세기 말 상트페테르부르크에 러시아 극장이 문을 열었습니다. 처음에는 외국 오페라만 있었다. 최초의 러시아 오페라는 코믹했습니다. Fomin은 제작자 중 한 명으로 간주됩니다. 1836 년 Glinka의 오페라 A Life for the Tsar의 시사회가 상트 페테르부르크에서 열렸습니다. 러시아의 오페라는 완벽한 형태를 얻었고 그 특징은 결정되었습니다. 주인공의 밝은 음악적 특성, 구어체 대화의 부재. 19세기에 러시아 최고의 작곡가들은 모두 오페라로 전향했습니다.

다양한 오페라

역사적으로 특정 형태의 오페라 음악이 발전했습니다. 오페라 극작술의 일반적인 패턴이 존재하는 상황에서 모든 구성 요소는 오페라 유형에 따라 다르게 해석됩니다.

그랜드 오페라( 오페라 세리아- ital., 비극 서정시, 나중에 그랜드 오페라- 프랑스어)
세미코믹( 세미세리아),
코믹 오페라( 오페라 부파- ital., 오페라 코미크- 프랑스어, Spieloper- 독일어.),
낭만적 인 음모에 대한 낭만적 인 오페라.
세미 오페라, 세미 오페라, 쿼터 오페라( 두 가구 연립 주택- 위도. 하프) - 구술 드라마(장르) 드라마, 성악 미장센, 호윅 및 교향곡을 결합한 영국 바로크 오페라의 한 형태. 세미 오페라의 지지자 중 한 명은 영국 작곡가 Henry Purcell /

코믹 오페라, 독일어와 프랑스어에서는 뮤지컬 번호 사이에 대화가 허용됩니다. 예를 들어 대화가 삽입된 진지한 오페라도 있습니다. 베토벤의 '피델리오', 케루비니의 '메데아', 베버의 '매직 슈터'.

희가극에서 나온 오페레타는 19세기 후반에 특별한 인기를 얻었다.
어린이 공연용 오페라(예: Benjamin Britten의 오페라 - The Little Chimney Sweep, Noah's Ark, Lev Konov의 오페라 - King Matt the First, Asgard, The Ugly Duckling, Kokinvakashu).

오페라의 요소

드라마 투르 기, 음악, 미술 (장식, 의상), 안무 (발레) 등 다양한 유형의 예술을 단일 연극 활동으로 결합한 합성 장르입니다.

오페라 그룹의 구성에는 솔리스트, 합창단, 오케스트라, 군악대, 오르간이 포함됩니다. 오페라 목소리: (여성: 소프라노, 메조-소프라노, 콘트랄토; 남성: 카운터테너, 테너, 바리톤, 베이스).

오페라 작품은 막, 그림, 장면, 숫자로 나뉩니다. 막이 시작되기 전에 프롤로그가 있고 오페라가 끝나면 에필로그가 있습니다.

오페라 작품의 일부 - 암송, 아리오소, 노래, 아리아, 듀엣, 트리오, 사중주, 앙상블 등. 교향곡 형식 - 서곡, 소개, 중간 휴식, 판토마임, 멜로 드라마, 행렬, 발레 음악.

캐릭터의 성격은 가장 완벽하게 드러납니다. 솔로 번호(아리아, 아리오소, 아리에타, 카바티나, 독백, 발라드, 노래). 오페라의 다양한 기능은 암송- 인간 음성의 음악적 억양 및 리드미컬한 재생산. 종종 그는 (플롯 및 음악적 용어로) 별도의 완성된 숫자를 연결합니다. 종종 뮤지컬 극작술에서 효과적인 요소입니다. 어떤 장르의 오페라에서는 레치타티브가 아닌 희극이 주를 이룬다. 말하기, 일반적으로 대화에서.

무대 대화, 오페라의 극적 공연 장면은 다음과 같다. 뮤지컬 앙상블(duet, trio, quartet, quintet 등) 갈등 상황을 만들 수있는 특이성은 행동의 발전뿐만 아니라 캐릭터와 아이디어의 충돌도 보여줍니다. 따라서 앙상블은 종종 오페라 액션의 절정이나 마지막 순간에 등장합니다.

성가대오페라는 다양한 방식으로 해석됩니다. 메인 스토리와 무관한 배경일 수도 있고, 때때로 무슨 일이 일어나고 있는지에 대한 일종의 해설자; 그것의 예술적 가능성은 민속 생활의 기념비적 인 그림을 보여주고 영웅과 대중 사이의 관계를 드러내는 것을 가능하게합니다 (예 : MP Mussorgsky의 민속 뮤지컬 드라마 "Boris Godunov"및 "Khovanshchina"에서 합창단의 역할).

오페라의 뮤지컬 드라마투르기에서 큰 역할은 다음과 같습니다. 오케스트라, 심포닉한 표현 수단은 이미지를 더욱 완벽하게 드러내는 역할을 한다. 오페라에는 서곡, 중간 휴식 (개별 공연 소개)과 같은 독립 오케스트라 에피소드도 포함됩니다. 오페라 공연의 또 다른 요소 - 발레, 플라스틱 이미지가 뮤지컬 이미지와 결합되는 안무 장면.

오페라 극장

오페라 하우스는 오페라 작품을 상영하기 위해 특별히 설계된 뮤지컬 극장 건물입니다. 야외 극장과 달리 오페라 하우스에는 오케스트라 피트와 하나 이상의 계층에있는 강당을 포함하여 값 비싼 기술 장비를 갖춘 대형 무대가 있으며, 다른 하나 위에 있거나 상자 형태로 설계되었습니다. 이 오페라 하우스의 건축 모델이 주요 모델입니다. 관객석을 기준으로 세계에서 가장 큰 오페라 하우스는 뉴욕의 메트로폴리탄 오페라(3,800석), 샌프란시스코 오페라(3,146석), 이탈리아의 라 스칼라(2,800석)입니다.

대부분의 국가에서 오페라 하우스 유지는 수익성이 없으며 정부 보조금이나 후원자의 기부가 필요합니다. 예를 들어, 라 스칼라 극장(이탈리아 밀라노)의 연간 예산은 2010년 현재 1억 1,500만 유로(40% - 국가 보조금, 60% - 개인 기부금 및 티켓 판매)에 달했으며, 2005년에는 라 스칼라 극장이 4억 6400만 유로의 25%를 받았습니다. 이는 미술 발전을 위해 이탈리아 예산에서 제공한 금액입니다. 그리고 2001년 에스토니아 국립 오페라는 에스토니아 문화부 자금의 5.4%에 해당하는 700만 유로(1억 1200만 크론)를 받았다.

오페라 목소리

오페라가 탄생할 당시에는 아직 전자 음향 증폭 장치가 발명되지 않았을 때 오페라 가창의 기법은 반주하는 교향악단의 소리를 커버할 수 있을 만큼 큰 소리를 추출하는 방향으로 발전했다. 세 가지 구성 요소(호흡, 후두의 작용 및 공명 공동의 조절)의 조정 작업으로 인한 오페라 음성의 힘은 1미터 거리에서 120dB에 도달했습니다.

성악가는 오페라 파트에 따라 목소리의 유형(질감, 음색, 성격)에 따라 분류됩니다. 남성 오페라 목소리에는 다음이 있습니다.

카운터 테너,

그리고 여성들 사이에서:

같은 기간 동안 가장 인기있는 오페라 작곡가는 Verdi, Mozart 및 Puccini-각각 3020, 2410 및 2294 공연입니다.

문학

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또한보십시오

노트

연결

오페라 및 오페라 행사 전용 러시아어 사이트
M. S. Druskin이 편집한 참고서 "100개의 오페라". 오페라의 간략한 내용(시놉시스)

음악 형식
보컬 형식	2련 형식 코러스-코러스 형식
단순한 모양	마침표 간단한 두 부분 형식 간단한 세 부분 형식
복잡한 모양	복합곡 형식 론도 변주 형식 소나타 형식 론도 소나타
순환 형태	모음곡 소나타 - 교향곡 순환 칸타타 오라토리오
다음 형식	캐논 푸가
유럽의 특정 형태 중세와 르네상스	Bar Virelet ́ Ballata ́ Estampi ́ La Madrigal
바로크 시대의 특정 형태	바로크 시대의 단순 형식 고대 소나타 형식 바로크 시대의 복합 형식 고대 콘서트 형식 합창 편곡
낭만주의 시대의 특정 형태	자유 형태 혼합 형태 단일 부분 순환 형태
뮤지컬 극장의 형태	오페레타 발레
음악 음악 이론

오페라자귀

극장 방향
극장

Tannhauser: 친애하는 PC 여러분! 최근 너무 많은 게시물에 속상해하지 마세요... 머지않아 게시물에서 휴식을 취할 수 있는 멋진 기회가 있을 것입니다...) 3주 동안... 오늘은 이 페이지를 포함했습니다. 내 일기에 오페라에 대해.. 텍스트가 있고, 사진이 늘어났습니다.. 오페라 조각이 있는 비디오 클립 몇 개를 집어들고 있습니다. 모든 것을 즐기시기 바랍니다. 물론 오페라에 대한 대화는 여기서 끝나지 않습니다. .대작의 수는 한정되어 있지만...)

음악에 맞춰 펼쳐지는 어떤 플롯이 있는 흥미로운 무대 공연이다. 오페라를 작곡한 작곡가의 엄청난 작업을 과소평가할 수 없습니다. 그러나 그다지 중요하지 않은 것은 작품의 주요 아이디어를 전달하고 청중에게 영감을 주며 사람들의 마음에 음악을 전달하는 데 도움이되는 성능의 숙달입니다.

오페라 공연 예술의 필수적인 부분이 된 이름이 있습니다. Fyodor Chaliapin의 거대한 저음은 오페라 팬들의 영혼에 영원히 가라 앉았습니다. 한때 축구선수를 꿈꾸던 루치아노 파바로티는 오페라 무대의 진정한 슈퍼스타가 됐다. Enrico Caruso는 어린 시절부터 청각도 목소리도 없다는 말을 들었습니다. 가수가 독특한 벨칸토로 유명해지기 전까지는요.

오페라의 줄거리

역사적 사실과 신화, 동화 또는 극적인 작품을 기반으로 할 수 있습니다. 오페라에서 듣게 될 내용을 이해하기 위해 대본 텍스트가 생성됩니다. 그러나 오페라에 익숙해지기 위해서는 대본만으로는 충분하지 않습니다. 결국 내용은 음악적 표현 수단에 의한 예술적 이미지를 통해 전달됩니다. 특별한 리듬, 밝고 독창적인 멜로디, 복잡한 오케스트레이션, 작곡가가 개별 장면을 위해 선택한 음악 형식 - 이 모든 것이 거대한 장르의 오페라 예술을 만듭니다.

오페라는 관통 및 번호 구조로 구별됩니다. 숫자 구조에 대해 이야기하면 여기에 음악적 완성도가 명확하게 표현되며 솔로 숫자에는 arioso, aria, arietta, romance, cavatina 등의 이름이 있습니다. 완성된 성악은 주인공의 성격을 온전히 드러내는 데 도움을 준다. 독일 가수 Annette Dasch는 Offenbach의 Tales of Hoffmann의 Antonia, Strauss의 Die Fledermaus의 Rosalind, Mozart의 The Magic Flute의 Pamina와 같은 부분을 연주했습니다. 메트로폴리탄 오페라, 샹젤리제 극장, 도쿄 오페라의 관객들은 가수의 다방면의 재능을 즐길 수 있었습니다.

오페라의 보컬 "반올림"숫자와 동시에 음악 암송이 사용됩니다-암송. 이것은 아리아, 합창단 및 앙상블과 같은 다양한 보컬 주제 간의 훌륭한 연결 고리입니다. 코믹 오페라는 레치타티보가 없는 것으로 유명하지만 대신 음성 텍스트로 대체합니다.

오페라의 볼룸 장면은 기본이 아닌 요소로 간주되어 삽입됩니다. 종종 그들은 일반적인 행동에서 고통없이 제거 될 수 있지만 음악 작품의 완성을 위해 춤의 언어가 필수 불가결 한 오페라가 있습니다.

오페라 공연

오페라는 성악, 기악 및 춤을 결합합니다. 오케스트라 반주의 역할은 중요합니다. 결국 그것은 노래의 반주일 뿐만 아니라 추가 및 풍부화이기도 합니다. 오케스트라 부분은 또한 독립적인 숫자가 될 수 있습니다: 동작 중단, 아리아 도입부, 합창단 및 서곡. Mario Del Monaco는 Giuseppe Verdi의 오페라 "Aida"에서 Radames의 역할 덕분에 유명해졌습니다.

오페라 그룹에 대해 말하면 솔리스트, 합창단, 오케스트라, 심지어 오르간까지 이름을 지정해야 합니다. 오페라 연주자의 목소리는 남성과 여성으로 나뉩니다. 여성 오페라 목소리 - 소프라노, 메조소프라노, 콘트랄토. 남성 - 카운터테너, 테너, 바리톤 및 베이스. 몇 년 후 가난한 가정에서 자란 Beniamino Gigli가 Mephistopheles의 Faust 부분을 부를 것이라고 누가 생각했을까요?

오페라의 종류와 형식

역사적으로 특정 형태의 오페라가 발전했습니다. 그랜드 오페라는 가장 고전적인 버전이라고 할 수 있습니다. Rossini의 William Tell, Verdi의 Sicilian Vespers, Berlioz의 Les Troyens가이 스타일에 기인 할 수 있습니다.

또한 오페라는 코믹하고 반 코믹합니다. 코믹 오페라의 특징은 모차르트의 작품 돈 조반니, 피가로의 결혼, 세라글리오로부터의 납치 등에 등장한다. 낭만적 인 음모를 기반으로 한 오페라를 낭만적이라고합니다. Wagner의 작품 Lohengrin, Tannhäuser 및 The Wandering Sailor는이 다양성에 기인 할 수 있습니다.

특히 중요한 것은 오페라 연주자의 음색입니다. 가장 희귀한 음색의 소유자 - 콜로라투라 소프라노는 Sumi Yo , 그의 데뷔는 Verdi Theatre의 무대에서 이루어졌습니다. 가수는 Rigoletto의 Gilda 역과 Donizetti의 오페라 Lucia di Lammermoor에서 25 년 동안 Lucia 역을 불렀던 Joan Elston Sutherland를 불렀습니다.

발라드 오페라는 영국에서 시작되었으며 노래와 춤의 민속 요소로 대화 장면이 번갈아 가며 연상됩니다. "거지의 오페라"를 가진 Pepusz는 발라드 오페라의 발견자가되었습니다.

오페라 공연자: 오페라 가수 및 가수

음악의 세계는 상당히 다면적이기 때문에 클래식 예술을 진정으로 사랑하는 사람들이 이해할 수 있는 특별한 언어로 오페라에 대해 이야기해야 합니다. 당사 웹사이트의 "공연자 » .

경험이 풍부한 음악 애호가라면 클래식 오페라의 최고 연주자들에 대해 읽으면 분명 기뻐할 것입니다. Andrea Bocelli와 같은 뮤지션은 오페라 예술 형성의 가장 재능있는 보컬리스트를 대신 할 가치가 있습니다. , 그의 우상은 Franco Corelli였습니다. 그 결과 Andrea는 그의 우상을 만날 기회를 찾았고 그의 제자가 되기까지 했습니다!

Giuseppe Di Stefano는 그의 놀라운 음색 덕분에 기적적으로 군대에 가지 못했습니다. Titto Gobbi는 변호사가 될 예정이었고 평생을 오페라에 바쳤습니다. "남성의 목소리"섹션에서 오페라 가수와 같은 이들과 다른 연주자에 대해 많은 흥미로운 것을 배울 수 있습니다.

오페라 디바라고 하면 모차르트의 오페라 <상상의 정원사>의 한 부분으로 툴루즈 오페라 무대에 데뷔한 아닉 마시스와 같은 위대한 목소리를 떠올리지 않을 수 없습니다.

가장 아름다운 성악가 중 한 명은 경력 기간 동안 Donizetti, Puccini, Delibes 및 Pergolesi의 오페라에서 솔로 파트를 연주한 Danielle De Niese로 간주됩니다.

몬세라트 카바예. 이 놀라운 여성에 대해 많은 이야기가 있습니다. "Diva of the World"라는 칭호를 얻을 수있는 공연자는 거의 없습니다. 가수가 노년임에도 불구하고 그녀는 웅장한 노래로 청중을 계속 기쁘게합니다.

많은 재능있는 오페라 공연자들이 Victoria Ivanova, Ekaterina Shcherbachenko, Olga Borodina, Nadezhda Obukhova 등 국내 공간에서 첫 발을 내디뎠습니다.

포르투갈의 파두 가수인 Amalia Rodrigues와 이탈리아의 오페라 디바인 Patricia Chofi는 세 살 때 처음으로 음악 대회에 참가했습니다! 오페라 장르의 아름다운 대표자 인 오페라 가수의 이들과 다른 가장 큰 이름은 "여성의 목소리"섹션에서 찾을 수 있습니다.

오페라와 극장

오페라의 정신은 말 그대로 극장에 들어와 무대를 관통하고, 전설적인 연주자들이 공연한 무대는 상징적이고 의미심장해진다. La Scala, Metropolitan Opera, Bolshoi Theatre, Mariinsky Theatre, Berlin State Opera 등의 가장 위대한 오페라를 기억하지 않는 방법. 예를 들어, 코벤트 가든(왕립 오페라 하우스)은 1808년과 1857년에 발생한 치명적인 화재에서 살아남았지만 현재 복합 건물의 대부분의 요소가 복원되었습니다. "장소" 섹션에서 이러한 장면과 다른 유명한 장면에 대해 읽을 수 있습니다.

고대에는 음악이 세상과 함께 태어난다고 믿었습니다. 더욱이 음악은 정신적 경험을 제거하고 개인의 영성에 유익한 영향을 미칩니다. 특히 오페라는..

ital. 오페라, 조명. - 일, 일, 에세이

일종의 뮤지컬 드라마. 오페라는 단어, 무대 동작 및 음악의 합성을 기반으로 합니다. 음악이 보조적, 응용적 기능을 수행하는 다양한 유형의 드라마 극장과 달리 오페라에서는 주요 매개체이자 행동의 원동력이 됩니다. 오페라에는 총체적이고 지속적으로 발전하는 음악적, 극적인 개념이 필요합니다(참조). 그것이없고 음악 만 동반하고 무대에서 일어나는 언어 적 텍스트와 사건을 설명하면 오페라 형식이 무너지고 특별한 종류의 음악 및 드라마 예술로서의 오페라의 특수성이 사라집니다.

16~17세기 초 이탈리아에서 오페라가 등장하다. 한편으로는 음악에 의미가 부여된 특정 형태의 르네상스 t-ra에 의해 준비되었습니다. 장소 (웅장한 막간, 목가적 인 드라마, 합창단의 비극), 반면에 instr과 함께 솔로 노래를 부르는 같은 시대의 광범위한 발전. 호위. 16세기의 탐색과 실험이 가장 잘 표현된 곳은 O.였습니다. 표현적인 냄비 분야에서. 모노디, 인간 말의 다양한 뉘앙스를 전달할 수 있습니다. B. V. Asafiev는 다음과 같이 썼습니다. 억양의 질을 변화시킨 음악사에서의 이 심오한 혁명, 즉 인간의 목소리와 사투리로 내적 내용, 충만함, 감정적 분위기를 드러내는 것은 오페라 예술만을 가져올 수 있었습니다. 삶에 "(Asafiev B.V., Izbr. 작품, vol. V, M., 1957, p. 63).

오페라 제작에서 가장 중요하고 양도할 수 없는 요소는 인간의 풍부한 경험을 가장 섬세한 색조로 전달하는 노래입니다. 차이를 통해. 빌드 웍. O.의 억양은 개인의 정신을 드러냅니다. 각 캐릭터의 창고, 캐릭터의 특징 및 기질이 전달됩니다. 다른 억양의 충돌에서. 콤플렉스, 그 사이의 관계는 드라마의 힘의 정렬에 해당합니다. 액션, 오의 억양 드라마투르기'가 뮤지컬 드라마로 탄생한다. 전체.

18-19세기 교향곡의 발전. 음악으로 드라마를 해석할 수 있는 가능성을 확장하고 풍부하게 만들었다. 연설의 행동, 그 내용의 공개, 노래 텍스트와 캐릭터의 행동에서 항상 완전히 드러나지는 않습니다. 오케스트라는 오페라에서 다양한 해설과 일반화 역할을 수행합니다. 그 기능은 냄비 지원에만 국한되지 않습니다. 당사자 및 개인의 표현 강조, 가장 중요한 것. 행동의 순간. 그것은 일종의 드라마를 형성하면서 행동의 "저류"를 전달할 수 있습니다. 무대에서 일어나는 일과 가수가 노래하는 내용에 대한 대위법. 이러한 서로 다른 계획의 조합은 가장 강력한 표현 중 하나입니다. O의 트릭. 종종 오케스트라가 끝내고 상황을 완성하여 드라마의 가장 높은 지점으로 가져옵니다. 전압. 중요한 역할은 또한 행동의 배경을 만들고 상황이 발생하는 상황을 설명하는 오케스트라에 속합니다. 오케스트라 설명. 에피소드는 때때로 완전한 교향곡으로 성장합니다. 그림. 순수한 오크. 액션 자체의 일부인 특정 이벤트는 수단으로 구체화될 수도 있습니다(예: 장면 사이의 교향곡 중단). 마지막으로 오크. 개발은 존재 중 하나입니다. 통합적이고 완전한 오페라 형식을 만드는 요소. 위의 모든 것은 많은 주제별 기법을 사용하는 오페라 교향곡의 개념에 포함됩니다. 개발 및 형성, "순수한" instr. 음악. 그러나 이러한 기술은 극장의 조건과 요구 사항에 따라 극장에서 보다 유연하고 자유롭게 사용할 수 있습니다. 행위.

동시에 instr에 대한 O.의 역효과. 음악. 그래서 O.는 고전 형성에 부인할 수 없는 영향을 미쳤습니다. 증상 오케스트라. 오크 행. 특정 작업과 관련하여 발생하는 효과 극장.-드라마. 주문, 그런 다음 instr의 재산이되었습니다. 창의성. 17-18세기 오페라 선율의 발달. 몇 가지 유형의 클래식을 준비했습니다. 악기 주제주의. 프로그래밍 낭만주의의 대표자는 종종 오페라 표현 방법에 의지했습니다. instr을 통해 그림을 그리려는 교향곡. 음악, 구체적인 이미지 및 현실 사진, 인간 말의 제스처 및 억양 재현까지.

O.는 노래, 춤, 행진 등 다양한 장르의 일상 음악을 사용합니다. 이러한 장르는 행동이 펼쳐지는 배경을 설명하고 nat를 만드는 역할을 합니다. 및 지역 색상뿐만 아니라 문자를 특성화합니다. "장르를 통한 일반화"(A. A. Alshwang의 용어)라는 방법은 O.. 노래나 춤은 사실주의의 수단이 된다. 특정과 개인의 일반을 드러내는 이미지의 유형화.

비율 차이. O.를 예술로 구성하는 요소. 전체, 전반적인 미학에 따라 다릅니다. 특정 시대, 특정 방향 및 특정 크리에이티브에서 우세한 경향. 이 작업에서 작곡가가 해결하는 작업. 오케스트라가 부차적이고 종속적인 역할을 할당받는 주로 보컬인 오케스트라가 있습니다. 그러나 오케스트라는 Ch. 드라마 캐리어. 행동하고 냄비를 지배하십시오. 파티. O.는 완제품 또는 상대적으로 완제품을 번갈아 가며 만들어지는 것으로 알려져 있습니다. 형식(아리아, 아리오소, 카바티나, 다양한 유형의 앙상블, 합창단) 및 O. preim. 액션이 분리되지 않고 지속적으로 발전하는 암송 창고. 에피소드 (숫자), 솔로 시작이 우세한 O. 및 앙상블 또는 합창단이 개발 된 O.. 모든 R. 19 세기 "뮤지컬 드라마"의 개념이 제시되었습니다 (뮤지컬 드라마 참조). 뮤즈. 드라마는 '넘버링' 구조의 조건부 O.에 반대했다. 이 정의는 음악이 드라마에 완전히 종속되는 프로덕션을 의미했습니다. 행동하고 모든 곡선을 따릅니다. 그러나 이 정의는 특정 조건을 고려하지 않습니다. 모든 것에서 드라마의 법칙과 일치하지 않는 오페라 드라마 투르 기의 규칙 성. t-ra이며 다른 유형의 극장에서 O.를 구분하지 않습니다. 주역이 아닌 음악과 함께하는 공연.

"오"라는 용어. 조건부이며 그가 지정한 종류의 음악극보다 나중에 일어났습니다. 공장. 처음으로 이 이름은 1639년에 주어진 의미로 사용되었으며 18세기에서 18세기 초에 일반적으로 사용되기 시작했습니다. 19세기 16세기와 17세기 초에 피렌체에 등장한 첫 번째 오페라의 저자는 이를 "음악에 관한 드라마"(Drama per musica, 문자 그대로 "음악을 통한 드라마" 또는 "음악을 위한 드라마")라고 불렀습니다. 그들의 창조는 다른 그리스인의 부흥에 대한 열망으로 인해 발생했습니다. 비극. 이 아이디어는 피렌체 귀족인 G. Bardi(Florentine Camerata 참조)를 중심으로 모인 인본주의 학자, 작가 및 음악가 집단에서 탄생했습니다. O.의 첫 번째 예는 "Daphne"(1597-98, 보존되지 않음)과 J. Peri의 "Eurydice"(1600)로 간주됩니다. O. Rinuccini (G. Caccini는 "Eurydice"의 음악도 썼습니다). Ch. 음악 작가가 제시한 임무는 선언문의 명확성이었습니다. 웍. 파트는 멜로디 암송 창고에서 유지되며 콜로라투라의 제대로 개발되지 않은 특정 요소만 포함합니다. 1607년에 Mantua에 게시물이 있었습니다. O. 음악 역사상 가장 위대한 음악가이자 극작가 중 한 명인 C. Monteverdi의 "오르페우스". 그는 열정의 진실인 O.에 진정한 드라마를 가져와 그녀의 표현을 풍부하게 했다. 시설.

귀족적인 분위기에서 태어났습니다. 살롱, O.는 결국 민주화되고 더 많은 인구가 접근할 수 있게 됩니다. 한가운데가 된 베니스에서. 17 세기 ch. 오페라 장르 발전의 중심지인 1637년에 최초의 공공 극장이 문을 열었습니다. 오페라 극장 ( "San Cassiano"). 언어의 사회적 기반의 변화는 그 내용과 특성 자체에 영향을 미쳤습니다. 자금. 신화와 함께 플롯은 역사적으로 나타납니다. 테마, 날카롭고 강렬한 드라마에 대한 갈망이 있다. 갈등, 비극과 희극의 조합, 숭고함과 우스꽝스럽고 비열한 것. 웍. 파트는 선율적이며 벨 칸토의 특징을 획득하고 독립적으로 발생합니다. Ariose 유형의 솔로 에피소드. Monteverdi의 마지막 오페라는 현대 레퍼토리로 부활한 The Coronation of Poppea(1642)를 포함하여 베니스를 위해 작곡되었습니다. 오페라 극장. F. Cavalli, M. A. Chesti, G. Legrenzi, A. Stradella는 베네치아 오페라 학교의 가장 큰 대표자에 속했습니다(베네치아 학교 참조).

멜로디를 높이는 경향. 완성된 냄비의 시작과 결정화. 베네치아 악파의 작곡가들이 개괄한 형식은 처음부터 발전해 온 나폴리 오페라 악파의 거장들에 의해 더욱 발전되었습니다. 18 세기 이 학교의 첫 번째 주요 대표자는 L. Leo, L. Vinci, N. Porpora 등 저명한 거장 중 A. Scarlatti의 머리 인 F. Provencale이었습니다.이탈리아어 오페라. 나폴리 학교 스타일의 대본은 I. Hase, G. F. Handel, M. S. Berezovsky 및 D. S. Bortnyansky를 포함한 다른 국적의 작곡가들에 의해 작성되었습니다. 나폴리 유파에서는 아리아(특히 다 카포)의 형식이 최종적으로 형성되고, 아리아와 레치타티보 사이에 명확한 경계가 설정되고, 드라마투르기(dramaturgy)가 정의된다. 기능 차이. 전체적으로 O.의 요소. librettists A. Zeno와 P. Metastasio의 활동은 오페라 형식의 안정화에 기여했습니다. 그들은 신화에 대한 조화롭고 완전한 유형의 오페라 세리아("진지한 오페라")를 개발했습니다. 또는 역사적 영웅. 구성. 그러나 시간이 지남에 따라 드라마. 이 O.의 내용은 점점 배경으로 사라지고 엔터테인먼트로 변했습니다. 거장 가수의 변덕에 완전히 순종하는 "의상 콘서트". 이미 Ser. 17 세기 ital. O.는 여러 유럽에 퍼졌습니다. 국가. 그녀와의 지인은 이들 국가 중 일부에서 자국 국민의 출현에 대한 인센티브로 사용되었습니다. 오페라 트라. 영국에서 G. Purcell은 베네치아 오페라 학교의 업적을 활용하여 매우 독창적 인 작품을 만들었습니다. 모국어 "Dido and Aeneas"(1680). J. B. Lully는 프랑스의 창시자입니다. 서정적 비극 - 영웅 비극의 유형. O., 여러 측면에서 고전에 가깝습니다. P. Corneille과 J. Racine의 비극. Purcell의 "Dido and Aeneas"가 영어로 계속되지 않는 단일 현상으로 남아 있다면. 토양, 가사의 장르. 비극은 프랑스에서 널리 발전했습니다. ser의 절정. 18 세기 J. F. Rameau의 작업과 관련이 있습니다. 그러나, 이탈리아인 18세기를 지배한 오페라 시리즈. 유럽에서는 종종 nat 개발에 제동이되었습니다. 에 대한.

30대에. 18 세기 이탈리아에서는 만화에서 발전한 오페라 부파라는 새로운 장르가 생겼습니다. interludes, to-rye 오페라 시리즈의 액션 사이에서 수행하는 것이 일반적이었습니다. 이 장르의 첫 번째 예는 일반적으로 G. V. Pergolesi의 막간 The Servant-Mistress (1733, 그의 오페라 시리즈 The Proud Prisoner의 막 사이에 공연됨)로 간주되며 곧 자신의 의미를 얻었습니다. 풍경화 공장. 장르의 추가 개발은 컴퓨터 작업과 관련이 있습니다. N. Logroshino, B. Galuppi, N. Piccinni, D. Cimarosa. 오페라 부파는 진보된 현실주의자를 반영했다. 그 시대의 트렌드. Stilted 조건부 영웅. 오페라 세리아의 캐릭터는 실생활의 평범한 사람들의 이미지와 반대되었고 액션은 빠르고 생생하게 발전했으며 Nar와 관련된 멜로디입니다. origins는 부드러운 느낌의 선율과 날카로운 특성을 결합했습니다. 창고.

이탈리아어와 함께 18세기 오페라 부파. 다른 낫. 만화 유형. A. 1752년 파리에서의 "The Maid-Mistress" 공연은 프랑스의 지위를 강화하는 데 도움이 되었습니다. Nar에 뿌리를 둔 오페라 코미디언. 간단한 2행시 노래를 부르며 공정한 공연을 합니다. 민주당 ital에서 소송. "buffons"는 프랑스 지도자들의 지원을 받았습니다. Enlightenment D. Diderot, J. J. Rousseau, F. M. Grimm 등. F. A. Philidor, P. A. Monsigny, A. E. M. Grétry의 오페라는 사실주의로 구별됩니다. 콘텐츠, 개발 된 규모, 멜로디. 재산. 영국에서는 J. Pepusch의 "거지의 오페라"가 원형 인 발라드 오페라가 생겼습니다. J. Gaia (1728)는 귀족에 대한 사회적 풍자였습니다. 오페라 시리즈. "거지의 오페라"는 중간에 형성에 영향을 미쳤습니다. 18 세기 독일 사람 나중에 프랑스어와 수렴하는 Singspiel. NAT를 보존하는 오페라 코미디언. 조형적 체계와 음악의 성격. 언어. 북독일의 가장 큰 대표자. Singspiel은 I. A. Hiller, K. G. Nefe, I. Reichardt, 오스트리아 인 I. Umlauf 및 K. Dittersdorf였습니다. Singspiel 장르는 The Abduction from the Seraglio (1782)와 The Magic Flute (1791)에서 W. A. Mozart에 의해 깊이 재고되었습니다. 처음에는. 19 세기 이 장르에서는 낭만적으로 나타납니다. 트렌드. 징슈필의 특징은 "소프트웨어" 제품에 의해 보존됩니다. 독일 사람 음악 낭만주의 "무료 사수"K. M. Weber (1820). 나르를 기반으로 합니다. 관습, 노래 및 춤은 nat를 개발했습니다. 스페인 장르. 음악 t-ra - zarzuela 및 이후(18세기 후반) tonadilla.

18세기의 마지막 3분의 1에 러시아어가 일어났습니다. 만화 O., 조국의 이야기를 퍼다. 삶. 젊은 러시아인. O.는 이탈리아어의 일부 요소를 사용했습니다. 프랑스 오페라 부파 오페라 코미디언, 독일 singspiel, 그러나 이미지와 억양의 특성에 따라. 음악적으로는 매우 독창적이었습니다. 그 캐릭터는 대부분 사람들의 사람들이었고 음악은 수단을 기반으로했습니다. Nar의 멜로디를 (때로는 완전히) 측정합니다. 노래. O.는 재능있는 러시아인의 작업에서 중요한 위치를 차지했습니다. Masters E. I. Fomin ( "Coachmen on the base", 1787 등), V. A. Pashkevich ( "Misfortune from the carriage", 1779; "St. I ed. 1792 등). 18-19세기 초. 냇. 유형 nar.-가정용 만화. O.는 폴란드, 체코 및 기타 국가에서 시작되었습니다.

차이 1층에서 확연히 구분되는 오페라 장르. 18세기, 역사적 과정에서 개발이 수렴되었고 그들 사이의 경계는 종종 조건적이고 상대적이되었습니다. 만화의 내용 호수가 깊어지고 감성 요소가 도입되었습니다. 한심하고 극적이며 때로는 영웅적입니다("Richard the Lionheart" Gretry, 1784). 반면에 "진지한"영웅 O.는 그녀 고유의 화려한 수사에서 벗어나 더 단순함과 자연 스러움을 얻었습니다. 전통의 갱신을 향한 추세. 오페라 시리즈의 유형이 중간에 나타납니다. 18 세기 이탈리아에서 비교 N. Jommelli, T. Traetta 등 원주민 음악과 드라마. 개혁은 예술의 K. V. Gluck에 의해 수행되었습니다. 그 원리는 그것의 아이디어의 영향으로 형성되었습니다. 그리고 프랑스어 계발. 60년대에 비엔나에서 개혁을 시작했습니다. 18 세기 ("Orpheus and Eurydice", 1762; "Alceste", 1767), 그는 10년 후 혁명 이전의 조건에서 그것을 완성했습니다. 파리 (그의 오페라 혁신의 정점- "Tauris의 Iphigenia", 1779). 드라마에 대한 큰 열정의 진실한 표현을 위해 노력합니다. 오페라 공연의 모든 요소를 정당화하기 위해 Gluck은 규정 된 계획을 포기했습니다. 그는 익스프레스를 사용했습니다. 이탈리아어와 같은 자금. 오, 프랑스어. 서정시 비극, 그들을 단일 극작가에게 종속시킵니다. 의도.

18세기 O. 발전의 정점. 모차르트의 작품이었고, 다양한 국가의 업적을 종합했습니다. 이 장르를 전례없는 수준으로 끌어 올렸습니다. 최고의 사실주의 화가 모차르트는 날카롭고 강렬한 드라마를 큰 힘으로 구현했다. 갈등, 생생하고 설득력있는 인간 캐릭터를 만들어 복잡한 관계, 서로 얽히고 반대되는 이해 관계에서 그들을 드러냅니다. 각 플롯에 대해 그는 특별한 형태의 뮤지컬 드라마를 발견했습니다. 화신 및 해당 표현. 시설. "피가로의 결혼식"(1786)에서는 이탈리아어의 형태로 드러납니다. 오페라 부파는 깊고 날카롭게 현대적 사실주의적이다. 내용, "Don Juan"(1787) 코미디는 높은 비극 (dramma giocosa-작곡가 자신의 정의에 따르면 "유쾌한 드라마")과 결합되며 "The Magic Flute"에서는 고상한 도덕이 멋진 형태로 표현됩니다. 친절의 이상, 우정, 감정의 확고함.

훌륭한 프랑스어. 혁명은 O. Vkon의 발전에 새로운 자극을주었습니다. 18 세기 프랑스에서는 영웅들의 용기, 용기, 두려움 덕분에 임박한 위험을 극복 한 "구원의 오페라"라는 장르가 생겼습니다. 이 O.는 폭정과 폭력을 비난하고 자유와 정의를 위해 투사들의 용기를 노래했습니다. 플롯이 현재에 가깝고 역 동성과 행동의 신속성으로 인해 "구원의 오페라"가 오페라 코미디언에게 더 가까워졌습니다. 동시에 생생한 음악 드라마, 오케스트라의 역할 증가로 구별되었습니다. 이 장르의 전형적인 예는 Lodoiska(1791), Eliza(1794), L. Cherubini의 특히 인기 있는 O. Two Days(Water Carrier, 1800)와 J. F. Lesueur의 The Cave(1793)입니다. "구원의 오페라"는 줄거리와 드라마투르기에서 인접해 있습니다. 구조 "Fidelio" L. Beethoven (1805, 1814년 3판). 그러나 베토벤은 그의 오페라의 내용을 고도의 이데올로기적 일반화로 끌어올렸고, 이미지를 심화시켰으며, 오페라 형식을 교향곡화했다. "Fidelio"는 그의 가장 위대한 교향곡과 동등합니다. 세계 오페라 예술에서 특별한 위치를 차지하는 창작물.

19세기 분명한 차별화가 있다. 냇. 오페라 학교. 이 학교의 형성과 성장은 국가 형성의 일반적인 과정과 정치적 권력을 위한 민족의 투쟁과 관련이 있습니다. 그리고 영적 독립. 예술에서 새로운 방향이 형성되고 있습니다. 낭만주의는 국제주의와는 반대로 발전했습니다. 계몽주의의 경향, nat에 대한 관심 증가. 삶의 형태와 "민족의 정신"이 나타난 모든 것. O.는 낭만주의 미학에서 중요한 위치를 차지했으며, 그 초석 중 하나는 예술의 합성이라는 아이디어였습니다. 낭만주의를 위해 O.는 침대에서 플롯이 특징입니다. 동화, 전설 및 전통 또는 역사적 국가의 과거, 다채롭게 묘사된 삶과 자연의 그림, 현실과 환상의 엇갈림. 낭만주의 작곡가들은 강하고 생생한 감정과 날카롭게 대조되는 정신 상태를 구현하기 위해 노력했으며 폭풍우 같은 파토스와 몽환적인 서정을 결합했습니다.

O. 개발의 주요 장소 중 하나는 이탈리아어를 유지했습니다. 그녀는 더 이상 그러한 배제가 없었지만 학교. 가치, 18 세기와 마찬가지로 다른 국가 대표들로부터 날카로운 비판을 불러 일으켰습니다. 학교. 전통적인 이탈리아 장르. O.는 삶의 요구 사항의 영향으로 업데이트 및 수정되었습니다. 웍. 시작은 계속해서 나머지 보컬 요소를 지배했지만 멜로디는 더 유연하고 극적으로 의미가 있으며 암송과 멜로디 사이의 날카로운 선이 되었습니다. 노래로 지워지고 음악의 수단으로 오케스트라에 더 많은 관심을 기울였습니다. 이미지와 상황의 특성.

새로운 기능은 이탈리아에서 성장한 G. Rossini에 의해 명확하게 나타났습니다. 18세기 오페라 문화. 오페라 부파 발전의 정점이었던 그의 <세비야의 이발사>(1816)는 전통과 크게 다르다. 이 장르의 예. 피상적인 풍자적 요소에서 자유롭지 못한 상황의 희극은 로시니에게 현실주의자가 되었다. 생동감과 재미, 위트가 적절히 풍자된 캐릭터 코미디. 종종 민속에 가까운이 오페라의 멜로디는 날카로운 특성을 가지고 있으며 캐릭터의 이미지와 매우 정확하게 일치합니다. "신데렐라"(1817) 만화에서. O.는 서정적 낭만주의를 얻습니다. 색칠하고 "도둑 까치"(1817)에서 일상 드라마에 접근합니다. 그의 성숙한 오페라 세리아에서 애국심과 민속 해방의 파토스로 가득 차 있습니다. 투쟁 ( "Moses", 1818; "Mohammed", 1820), Rossini는 합창단의 역할을 강화하고 큰 침대를 만들었습니다. 드라마와 장엄함이 가득한 장면. Nar.-free. 아이디어는 Rossini가 이탈리아를 넘어선 O. "William Tell"(1829)에서 특히 생생하게 표현되었습니다. 프랑스의 특정 기능을 예상하는 오페라 전통. 큰 로맨틱. 에 대한.

30-40대. 19 세기 V. Bellini와 G. Donizetti의 작업이 펼쳐지고 젊은 G. Verdi의 첫 번째 O.가 등장하여 이탈리아의 생생한 예가되었습니다. 낭만주의. 작곡가들은 O. 애국심에 반영되었습니다. 이탈리아 운동과 관련된 상승. Risorgimento, 기대의 긴장, 자유로운 위대한 느낌에 대한 갈증. Bellini에서 이러한 분위기는 부드럽고 몽환적인 서정의 톤으로 채색됩니다. 그의 최고의 작품 중 하나 - 역사적으로 O.. 개인 드라마가 강조된 플롯 "Norma"(1831). "Sleepwalker"(1831) - 가사 드라마. O. 평범한 사람들의 삶에서; O. "Puritans"(1835)는 가사를 결합합니다. 민속신앙을 소재로 한 드라마. 싸움. 역사적 낭만주의. 열정이 강한 드라마는 Donizetti 작품의 특징입니다 ( "Lucia di Lammermoor", 1835; "Lucretia Borgia", 1833). 그들은 또한 만화책을 썼습니다. O. (그중 최고- "Don Pasquale", 1843), 전통을 연결합니다. 단순하고 겸손한 buffoonery. 서정. 그러나, 코믹 장르는 낭만적인 작곡가를 끌지 못했습니다. 지시, Donizetti는 Rossini 다음으로 유일한 주요 이탈리아 사람이었습니다. 이 장르에 전념한 거장을 의미합니다. 당신의 일에 주의를 기울이십시오.

이탈리아 개발의 가장 높은 지점. O. 19세기. 세계 오페라 예술의 가장 위대한 단계 중 하나는 베르디의 작품입니다. 그의 첫 O. "Nebuchadnezzar"( "Nabucco", 1841), "Lombards in the First Crusade"(1842), "Ernani"(1844)는 애국심의 청중을 사로 잡았습니다. 파토스와 고상한 영웅. 그러나 어떤 낭만적 인 떼가없는 것은 아닙니다. 죽마. 50년대. 그는 창조했다 거대한 드라마. 힘. O. "Rigoletto"(1851)와 "Il trovatore"(1853)에서 낭만적 인 것을 유지했습니다. 기능, 깊은 현실 구현. 콘텐츠. "La Traviata"(1853)에서 Verdi는 일상 생활에서 주제를 가져와 사실주의를 향한 다음 단계를 밟았습니다. Op. 60-70년대 - "Don Carlos"(1867), "Aida"(1870) - 그는 기념비적인 오페라 형식을 사용하고 냄비 시설을 풍부하게 합니다. 그리고 오크. 표현력. 음악과 드라마의 완벽한 융합. 그에 의해 이루어진 행동. O. "Othello"(1886)에서 셰익스피어의 열정의 힘과 모든 심리적 전달의 비정상적으로 유연하고 민감한 전달을 결합합니다. 뉘앙스. 광고 소재가 끝날 때 Verdi는 코미디 장르("Falstaff", 1892)로 전환했지만 오페라 부파의 전통에서 벗어나 제품을 만들었습니다. 지속적으로 진화하는 행동과 매우 특징적인 웍 혀로. 암송을 기반으로 한 파티. 원칙.

독일에서는 예전에 19 세기 큰 형태의 O.는 존재하지 않았습니다. 출발 큰 독일인을 만들려고 시도합니다. O. 역사적으로 18세기 주제. 성공하지 못했습니다. 국가의 독일 사람 낭만주의의 주류에서 형태를 갖추게 된 O.는 징슈필에서 발전하였다. 낭만주의에 영향을 받음 아이디어는 비 유적 영역을 풍부하게하고 표현합니다. 이 장르의 수단은 그 범위를 확대했습니다. 최초의 독일인 중 한 명 로맨틱 O.는 E. T. A. Hoffmann (1813, post. 1816)의 "Ondine"이었지만 국가의 전성기였습니다. Opera t-ra는 K. M. Weber(1820)의 "Free Shooter"의 등장으로 시작되었습니다. 이 O.의 엄청난 인기는 사실주의의 결합에 기반했습니다. 일상과 시를 그린 그림. 성례전이 있는 풍경. 악마 같은 공상. "프리 슈터"는 새로운 비유적 요소와 색채의 원천이 되었습니다. 오페라 창의성 pl을 위한 기술뿐만 아니라. 작곡가뿐만 아니라 낭만주의. 소프트웨어 심포니. Weber (1823)의 "기사" O. "Evryant"는 스타일이 덜 견고하지만 독일 오페라 예술의 발전에 영향을 준 귀중한 발견을 포함했습니다. "Evryants"에서 단일성에 대한 직접적인 스레드가 늘어납니다. 오페라 제작. R. Schumann "Genoveva"(1849), "Tannhauser"(1845) 및 "Lohengrin"(1848) Wagner. "Oberon"(1826)에서 Weber는 멋진 노래 장르로 전환하여 이국적인 음악을 강화했습니다. 동쪽 착색. 낭만주의 대표 그것의 방향. O.는 또한 L. Spohr와 G. Marschner였습니다. A. Lorzing, O. Nikolai, F. Flotov는 피상적 인 엔터테인먼트의 특징을 특징으로하는 다른 방식으로 singspiel의 전통을 개발했습니다.

40대에. 19 세기 최고의 마스터로 선정되었습니다. 오페라 아트 R. Wagner. 그의 첫 번째 성숙하고 독립적입니다. 스타일 O. "The Flying Dutchman"(1841), "Tannhäuser", "Lohengrin"은 여전히 낭만주의와 관련이 있습니다. 세기 초의 전통. 동시에 그들은 이미 음악과 드라마투르기의 방향을 정의하고 있다. Wagner의 개혁은 50-60 년대에 그에 의해 완전히 구현되었습니다. 이론적 및 홍보에서 Wagner가 제시 한 원칙. 드라마의 으뜸가는 중요성에 대한 인식에서 비롯된 작품. O.에서 시작: "드라마는 목표이고 음악은 실현을 위한 수단입니다." 음악의 연속성을 위해 노력합니다. 개발, Wagner는 전통을 버렸습니다. O. "번호가 매겨진" 구조의 형태(아리아, 앙상블 등). 그는 Ch. 도착 오케스트라에서 그 결과 그의 O.에서 교향곡의 역할이 크게 증가했습니다. 시작. 클러치 및 모든 종류의 폴리포닉. 다양한 조합 leitmotifs는 논스톱으로 흐르는 음악을 형성했습니다. 패브릭 - "끝없는 멜로디". 이러한 원칙은 낭만주의의 세계관을 가장 완벽하게 반영한 낭만적 인 오페라 예술의 가장 위대한 작품 인 "Tristan and Isolde"(1859, post. 1865)에 완전히 표현되었습니다. 개발 된 leitmotifs 시스템도 O. "The Nuremberg Mastersingers"(1867)를 구별하지만 현실적입니다. 플롯 정의 수단. 이 O.의 역할은 노래 요소와 생동감 있고 역동적인 내러티브입니다. 장면. 센터. Wagner의 작품에서 한 장소는 거의 25년에 걸쳐 만들어진 웅장한 오페라 4부작인 "Ring of the Nibelung"("Gold of the Rhine", "Valkyrie", "Siegfried" 및 "Death of the Gods")으로 가득 차 있습니다. ", 완전히 게시합니다. 1876). 악의 근원으로서 금의 힘에 대한 비난은 "니벨룽의 반지"에 반자본주의를 부여합니다. 그러나 tetralogy의 일반적인 개념은 모순적이며 일관성이 부족합니다. O.-mystery "Parsi-fal"(1882), 모든 예술. 낭만주의의 위기를 증언하는 가치. Wagner 작품의 세계관. 뮤직드라마. Wagner의 원칙과 작업은 큰 논란을 불러일으켰습니다. 많은 음악가들 사이에서 열렬한 지지자와 변호인을 발견하고 다른 사람들에게 강하게 거부당했습니다. 순수한 음악을 감상하는 많은 비평가. Wagner의 업적은 그가 극장이 아닌 교향곡 연주자로서의 재능의 창고에 있다고 믿었습니다. 작곡가, 잘못된 길로 O.에게 갔다. 그의 평가에 대한 날카로운 불일치에도 불구하고 Wagner의 중요성은 큽니다. 그는 사기꾼 음악의 발전에 영향을 미쳤습니다. 19 - 구걸. 20 세기 Wagner가 제시한 문제는 dec에 속한 작곡가들에게 다른 솔루션을 찾았습니다. 냇. 학교와 예술. 방향, 그러나 단일 생각 음악가는 견해와 창의성에 대한 그의 태도를 결정할 수 없습니다. 독일 연습. 오페라 개혁가.

낭만주의는 비유와 주제의 갱신에 기여했습니다. 오페라의 영역, 프랑스에서 새로운 장르의 출현. 프란츠. 로맨틱 O. 학계와의 싸움에서 진화했습니다. 나폴레옹 제국의 주장과 왕정복고 시대. 겉으로는 화려하지만 냉정한 음악 학문의 전형적인 대표자. T-re는 G. Spontini였습니다. 그의 O. "Vestal"(1805), "Fernand Cortes 또는 멕시코 정복"(1809)은 군대의 메아리로 가득 차 있습니다. 행렬과 하이킹. 과장된 감정 Gluck에서 온 전통은 완전히 다시 태어나고 점진적인 의미를 잃습니다. 더 중요한 것은 만화 장르였습니다. O. 외부 적으로 E. Megul (1807)의 "Joseph"장르에 인접합니다. 성경 이야기에 쓰여진 이 O.는 고전을 연결합니다. 낭만주의의 특정 기능과 함께 엄격함과 단순함. 로맨틱. 착색은 N. Isoire ( "Cinderella", 1810) 및 A. Boildieu ( "Little Red Riding Hood", 1818)의 동화 속 플롯에서 O.에 내재되어 있습니다. 프랑스인의 부상 오페라 낭만주의가 위태롭다. 20대와 30대 코미디 분야에서 O. 그는 가부장적 목가적 인 "White Lady"Boildieu (1825)에 반영되었습니다. 색과 신비. 공상. 1828년 파리에 포스트가 있었다. 그랜드 오페라의 첫 번째 예 중 하나 인 F. Aubert의 "The Mute from Portici". 유명한 Ch. 도착 거장 코미디언처럼. 오페라 장르인 Aubert는 O. 드라마를 만들었습니다. 심각한 갈등 상황이 풍부하고 역동적으로 광범위하게 전개되는 계획. 나르. 장면. 이러한 유형의 O.는 Rossini의 William Tell(1829)에서 더욱 발전되었습니다. 역사적이고 낭만적 인 가장 저명한 대표자. 프랑스 국민 O.는 J. Meyerbeer가 되었습니다. 대규모 무대 공연의 숙달. 대중, 대조의 능숙한 분포 및 뮤즈의 밝은 장식 방식. 잘 알려진 절충주의 스타일에도 불구하고 편지를 통해 그는 강렬한 드라마와 순전히 화려한 연극으로 액션을 포착하는 작품을 만들 수 있었습니다. 과시. Meyerbeer의 첫 번째 파리 오페라 "Robert the Devil"(1830)에는 우울한 악마의 요소가 포함되어 있습니다. 그것의 정신으로 소설. 낭만주의 초기. 19 세기 프랑스의 가장 밝은 예. 로맨틱 O. - 역사적으로 "Huguenots"(1835). 사회 종교 시대의 음모. 16세기 프랑스의 레슬링. Meyerbeer의 후기 오페라(The Prophet, 1849; The African Woman, 1864)는 장르의 쇠퇴 조짐을 보여줍니다. 역사의 해석에서 Meyerbeer에 가깝습니다. 주제 F. Halevi, O. to-rogo의 최고- "Zhidovka"( "Daughter of the Cardinal", 1835). 프랑스어로 된 특별한 장소 음악 t-re ser. 19 세기 G. Berlioz의 오페라 작품을 차지합니다. 르네상스 정신이 깃든 O. "Benvenuto Cellini"(1837)에서 그는 코미디의 전통과 형식에 의존했습니다. 오페라 장르. 오페라 dilogy "Trojans"(1859)에서 Berlioz는 Gluck의 영웅을 계속합니다. 전통, 낭만적으로 그림. 톤.

50~60년대. 19 세기 서정적 오페라가 등장합니다. 큰 로맨틱에 비해. O. 그 규모는 더 완만하고 행동은 여러 관계에 집중되어 있습니다. 영웅주의와 낭만주의의 후광이없는 배우. 독점. 가사 대표. O.는 종종 프로덕션의 이야기로 향했습니다. 세계 문학과 극작술(W. 셰익스피어, J. W. 괴테)이지만 일상적인 용어로 해석했습니다. 작곡가는 창의성이 덜 강합니다. 개성, 이것은 때때로 진부함과 음악의 감미롭고 감상적인 성격과 드라마의 질서 사이의 날카로운 모순으로 이어졌습니다. 이미지(예: A. Thomas의 "Hamlet", 1868). 동시에이 장르의 가장 좋은 예에서는 내부에주의를 기울입니다. 현실주의의 강화를 증언하는 인간의 세계, 미묘한 심리학. 오페라 예술의 요소. Prod., 가사의 장르를 승인했습니다. O. 프랑스어로. 음악 t-re 및 그 특징을 가장 완벽하게 구현한 것은 C. Gounod(1859)의 "Faust"였습니다. 그 중에서도 O. 이 작곡가는 "로미오와 줄리엣"(1865)이 두드러집니다. 여러 가사에서 O. 영웅들의 개인 드라마가 이국적 배경으로 상영된다. 생명과 자연 동쪽. 국가 ( "Lakme"L. Delibes, 1883; "Pearl Diggers", 1863 및 "Jamile", 1871, J. Bizet). 1875년에 비제의 "카르멘"이 나타났습니다. 인간의 열정의 진실이 숨 막히게 표현되는 평범한 사람들의 삶의 드라마. 액션의 힘과 신속함이 비정상적으로 밝고 육즙이 많은 민속 장르의 풍미와 결합됩니다. 이번 제작에 비제는 가사의 한계를 극복했다. O. 오페라 리얼리즘의 절정에 이르렀습니다. 가사의 가장 저명한 거장들에게. O.는 또한 그의 영웅들의 친밀한 경험을 미묘한 통찰력과 우아함으로 표현한 J. Massenet에 속했습니다 (Manon, 1884; Werther, 1886).

젊은 국민들 사이에서 19세기에 성숙과 독립에 도달한 학교 중 가장 중요한 학교는 러시아 학교입니다. 러시아의 대표 뚜렷한 nat로 구별되는 오페라 낭만주의. 캐릭터는 A. N. Verstovsky였습니다. 그의 O. 중에서 가장 중요한 것은 "Askold 's Grave"(1835)였습니다. 클래식의 등장으로 M. I. Glinka Rus의 걸작. 오페라 학교는 전성기를 맞이했습니다. 서유럽의 가장 중요한 업적을 마스터했습니다. Gluck과 Mozart에서 그의 이탈리아어, 독일어에 이르기까지 음악. 그리고 프랑스어 동시대, Glinka는 스스로 갔다. 방법. 그의 오페라 작품의 독창성. 나르와의 인연이 깊다. Rus의 고급 흐름이있는 토양. 사회. 푸쉬킨 시대의 삶과 문화. "Ivan Susanin"(1836)에서 그는 nat를 만들었습니다. 러시아인 역사적 유형. O., 그 영웅은 사람들의 남자입니다. 이미지와 액션의 드라마가 이 오페라에서 오라토리오 스타일의 기념비적인 웅장함과 결합됩니다. 똑같이 독창적 인 서사시. 드라마 투르기 O. "Ruslan and Lyudmila"(1842), 다양한 이미지 갤러리가 있으며 Dr. Rus'와 매력적인 그림 같은 마술-환상적입니다. 장면. 루스. 2층 작곡가들. Glinka의 전통에 의존하는 19 세기는 오페라 창의성의 주제와 비 유적 구조를 확장하고 새로운 과제를 설정하고이를 해결할 적절한 수단을 찾았습니다. A. S. Dargomyzhsky는 가정용 침대를 만들었습니다. 무리와 환상적인 드라마 "인어"(1855). 에피소드는 삶을 현실적으로 구현하는 역할을 합니다. 콘텐츠. O. "The Stone Guest"(A. S. Pushkin, 1866-69, C. A. Cui가 완성한 "작은 비극"의 변경되지 않은 텍스트, N. A. Rimsky-Korsakov, 1872)에서 그는 개혁 주의적 과제를 제시했습니다. 오페라 관습에서 벗어나 음악과 드라마가 완벽하게 융합된 작품을 만듭니다. 행위. 무게 중심을 오케스트라 개발로 옮긴 Wagner와 달리 Dargomyzhsky는 주로 성악 멜로디에서 살아있는 인간 연설의 억양을 진실되게 구현하기 위해 노력했습니다.

세계적 중요성 Rus. 오페라 학교는 A. P. Borodin, M. P. Mussorgsky, N. A. Rimsky-Korsakov, P. I. Tchaikovsky의 승인을 받았습니다. 모든 차이점에 대해 창의적인 그들의 개성은 공통된 전통과 기본으로 통합되었습니다. 이데올로기와 미학. 원칙. 그들 중 전형적인 것은 선진 민주주의였습니다. 오리엔테이션, 이미지의 리얼리즘, 발음 nat. 음악의 본질, 높은 인본주의의 승인에 대한 열망. 이상. 이들 작곡가의 작품에 구현된 생활 콘텐츠의 풍부함과 다재다능함은 다양한 형태의 오페라 제작에 상응했다. 그리고 음악의 수단. 극 법. "Boris Godunov"(1872)와 "Khovanshchina"(1872-80, Rimsky-Korsakov가 완성, 1883)에 반영된 강력한 힘을 가진 Mussorgsky는 가장 날카로운 사회 역사적입니다. 갈등, 억압과 권리 부족에 대한 사람들의 투쟁. 동시에 판자의 밝은 윤곽. 대중은 인간 성격의 영적 세계로의 깊은 침투와 결합됩니다. Borodin은 역사 애국의 저자였습니다. O. "Prince Igor"(1869-87, Rimsky-Korsakov와 A. K. Glazunov, 1890 완성)의 볼록하고 견고한 캐릭터 이미지, 기념비적 인 서사시. 박사님의 그림들 Rus', to-Crym은 동쪽에 반대합니다. Polovtsian 캠프의 장면. Preim에게 연설 한 Rimsky-Korsakov. 의 영역으로 삶과 의식, 분해. 민속의 형태 시적인 창의력, 오페라 동화 "The Snow Maiden"(1881), 오페라 서사시 "Sadko"(1896), 오페라 전설 "보이지 않는 도시 Kitezh와 Maiden Fevronia의 전설"(1904), 풍자적으로 지적 동화 O. "The Golden Cockerel"( 1907) 외 오크의 풍부함과 함께 민요 멜로디가 널리 사용되는 것이 특징입니다. 색상, 풍부한 교향곡 및 설명 에피소드, 미묘한 자연 감각, 때로는 강렬한 드라마로 가득 차 있습니다 ( "보이지 않는 도시 Kitezh 이야기 ..."의 "Kerzhents 전투"). 차이코프스키는 Ch. 도착 사람의 정신 생활, 개인과 환경의 관계와 관련된 문제. 그의 O.의 전경에서-심리적. 갈등. 동시에 그는 행동이 일어나는 구체적인 삶의 상황 인 일상의 묘사에 주목했다. 러시아 샘플. 서정시 O.는 "Eugene Onegin"(1878)입니다. 이미지의 본질과 음악 모두에서 깊이 국가적입니다. 러시아 문화와 관련된 언어. 산들 로맨스 노래. The Queen of Spades (1890) 가사에서. 드라마는 비극으로 치닫는다. 이 O.의 음악은 교향곡의 지속적인 강렬한 흐름으로 스며든다. 개발, 음악을 알리는 것. 드라마투르기 집중과 목적성. 급성 심리적. 갈등은 그가 역사적으로 돌아섰을 때도 차이코프스키의 관심의 중심에 있었다. 플롯 ( "Maid of Orleans", 1879; "Mazepa", 1883). 루스. 작곡가는 또한 많은 만화를 만들었습니다. O. 침대에서 플롯에. 코미디 시작이 서정적이고 동화적인 판타지 요소와 결합 된 삶 (1874-80 Mussorgsky의 "Sorochinskaya Fair", 1916 년 Cui가 완성, 1880 년 Tchaikovsky의 "Cherevichki", 1880 년 "May Night", 1878, 및 "크리스마스 전날 밤 ", 1895, Rimsky-Korsakov).

새로운 작업과 otd를 제시한다는 의미에서. 귀중한 드라마투르기. 발견 된 내용은 A. N. Serov의 오페라-성서적 이야기에 대한 "Judith"(1862), 웅변 계획으로 해석 된 "Rogneda"(1865) 박사의 이야기에 대한 이야기에 관심이 있습니다. Rus'와 현대를 기반으로 한 "The Enemy Force"(1871, B.C. Serova와 H.P. Solovyov가 완성). 국내 드라마. 그러나 절충주의 스타일은 그들의 예술을 감소시킵니다. 값. Ts. A. Cui의 오페라 "William Ratcliff"(1868), "Angelo"(1875) 등의 중요성은 일시적인 것으로 판명되었습니다. 오페라 클래식은 줄거리가 골동품 인 S. I. Taneyev (1894)의 "Oresteia"가 차지합니다. 비극은 위대하고 일반적으로 중요한 도덕을 연출하기 위해 작곡가에게 봉사합니다. 문제. "Aleko"(1892)의 S. V. Rachmaninov는 진실주의 경향에 대한 찬사를 보냈습니다. The Miserly Knight (1904)에서 그는 암송의 전통을 이어갔습니다. O. "Stone Guest"에서 유래 (이 유형의 O.는 19-20 세기 초에 Rimsky-Korsakov의 "Mozart and Salieri", 1897, Cui의 "Feast during the Plague"와 같은 작품으로 발표되었습니다. , 1900), 그러나 심포니의 역할을 강화했습니다. 시작. 오페라 형식을 교향곡화하려는 열망은 그의 O. "Francesca da Rimini"(1904)에서도 드러났습니다.

모든 R. 19 세기 폴란드와 체코 진출. 오페라 학교. 폴란드 국민의 창시자 O.는 S. Moniuszko였습니다. 그의 O. "Pebbles"(1847)와 "Enchanted Castle"(1865) 중 가장 인기있는 밝은 nat. 음악의 색, 이미지의 사실감. Moniuszko는 그의 오페라 작품에서 애국심을 표현했습니다. 선진 폴란드 사회의 분위기, 서민에 대한 사랑과 동정. 그러나 그는 19세기 폴란드 음악의 후계자가 없었다. 체코 오페라 극장의 전성기는 역사적이고 영웅적이며 전설적인 ( "Brandenburgers in the Czech Republic", 1863, "Dalibor", 1867, "Libuše", 1872) 및 코미디를 만든 B. Smetana의 활동과 관련이 있습니다. 가정 ( "The Bartered Bride", 1866) O. 그들은 민족 해방의 파토스를 반영했습니다. 전투가 현실적으로 주어집니다. 사람들의 사진 삶. Smetana의 업적은 A. Dvorak이 개발했습니다. 그의 멋진 오페라 "Devil and Kacha"(1899)와 "Mermaid"(1900)는 자연과 사람의 시학으로 가득 차 있습니다. 소설. 국가의 O., Nar의 플롯을 기반으로 합니다. 삶과 뮤즈의 근접성으로 구별됩니다. 민속 억양에 대한 언어는 유고슬라비아 사람들 사이에서 발생합니다. O.Croatian comp로 명성을 얻었습니다. V. Lisinsky ( "Porin", 1851), I. Zaits ( "Nikola Shubich Zrinsky", 1876). F. Erkel은 대규모 역사적이고 낭만적인 작품을 만든 사람입니다. 매달렸다. O. "뱅크 뱅"(1852, 포스트. 1861).

19-20세기 초. 예술의 일반적인 경향과 관련된 새로운 오페라 경향이 있습니다. 이 시대의 문화. 그 중 하나는 이탈리아에서 가장 널리 퍼진 베리즘이었습니다. 문학에서 이러한 추세의 대표자처럼 Verist 작곡가는 날카로운 드라마를 위한 자료를 찾고 있었습니다. 평범한 일상 현실의 조항, 그들의 작품의 영웅. 그들은 특별한 자질로 구별되지 않지만 깊고 강하게 느낄 수있는 평범한 사람들을 선택했습니다. 진실성 오페라 극작술의 전형적인 예는 P. Mascagni의 Rural Honor(1889)와 R. Leoncavallo의 Pagliacci(1892)입니다. verism의 특징은 G. Puccini의 오페라 작품의 특징이기도합니다. 그러나 그는 잘 알려진 자연주의를 극복했습니다. 그의 작품의 최고의 에피소드에서 진실 미학의 한계. 정말 현실에 도달했습니다. 인간 경험의 표현의 깊이와 힘. 그의 O. "La Boheme"(1895)에서 평범한 사람들의 드라마가 시화되고 캐릭터에는 영적 고귀함과 미묘함이 부여됩니다. "Tosca"(1899) 드라마에서 대조는 날카롭고 서정적입니다. 드라마는 비극적이 된다. 개발 과정에서 푸치니 작품의 조형적 구조와 스타일이 확장되고 새로운 요소가 풍부해졌습니다. 유럽 밖의 삶의 장면으로 전환합니다. Peoples ( "Madama Butterfly", 1903; "Girl from the West", 1910), 그는 그의 음악에서 그들의 민속을 연구하고 사용했습니다. 그의 마지막 O. "Turandot"(1924, F. Alfano 완성)에서 엄청나게 이국적입니다. 줄거리는 심리학의 정신으로 해석됩니다. 비극적 시작과 그로테스크 코미디가 결합된 드라마. 음악에서 Puccini의 언어는 조화와 오크 분야에서 인상주의의 정복을 반영했습니다. 색상. 그러나 냄비. 시작은 지배적 인 역할을 유지합니다. 이탈리아 상속인. 그는 19세기 오페라 전통에 주목했다. 벨칸토의 대가. 그의 작품의 가장 큰 장점 중 하나는 표현력이 풍부하고 감정적으로 가득 찬 넓은 호흡의 멜로디입니다. 이와 함께 그의 O.에서는 암송 선언의 역할이 증가합니다. 그리고 ariose 형태, wok. 억양이 더 유연하고 자유로워집니다.

E. Wolf-Ferrari는 이탈리아의 전통을 결합하기 위해 노력하면서 오페라 작업에서 특별한 길을 따랐습니다. 사실적인 오페라 극작술의 일부 요소가 있는 부파 오페라. 그의 O. - "Cinderella"(1900), "Four Tyrants"(1906), "Madonna 's Necklace"(1911) 등

이탈리아어와 유사한 경향. Verismo는 다른 나라의 오페라 예술에 존재했습니다. 프랑스에서는 특히 O. "Fervaal"V.d "Andy (1895)에서 두드러진 Wagnerian 영향에 대한 반응과 관련이 있습니다. 이러한 경향의 직접적인 출처는 Bizet ( "Carmen")의 창의적인 경험이었습니다. 뿐만 아니라 문학 활동 E. Zola A. 음악에서 삶의 진실의 요구 사항, 현대인의 이익에 대한 근접성을 선언 한 A. Bruno는 Zola의 소설과 이야기를 기반으로 O. 시리즈를 만들었습니다 (부분적으로 그의 libre), 다음을 포함합니다. 평소 구어에 가까운 캐릭터의 연설은 O.를 산문으로 썼지 만 그의 현실적인 원칙은 충분히 일관성이 없었고 삶의 드라마는 종종 모호한 상징과 결합됩니다. 더 통합 된 작업 - O. "Louise"G. Charpentier (1900), 평범한 사람들의 표현적인 이미지와 밝고 그림 같은 파리 생활의 그림 덕분에 명성을 얻었습니다.

독일에서는 Verist 경향이 E. d' Alber (1903)의 O. "Valley"에 반영되었지만이 방향은 널리 사용되지 않았습니다.

O. "Enufa"( "Her stepdaughter", 1903)에서 L. Janacek의 verism과 부분적으로 접촉합니다. 진실하고 표현적인 것을 찾는 동시에. 음악 살아있는 인간 연설의 억양을 기반으로 한 암송, 작곡가는 Mussorgsky에 접근했습니다. 그의 사람들의 삶과 문화와 관련된 Janacek은 제품을 만들었습니다. 대단한 현실적. 힘, 이미지 및 행동 to-rogo의 전체 분위기는 깊이 nat입니다. 성격. 그의 작품은 체코 발전의 새로운 단계를 기록했습니다. O. Smetana와 Dvorak 이후. 그는 인상주의와 다른 예술의 업적을 지나치지 않았습니다. 초기에 전류 20세기에 접어들었지만 그의 민족적 전통에 충실했다. 문화. O. "Pan Brouchka의 여행"(1917)에서 영웅적입니다. Smetana의 작업 일부 페이지를 연상시키는 Hussite 전쟁 시대의 체코 공화국 이미지는 아이러니하게도 채색 된 기괴한 phantasmagoria와 비교됩니다. 미묘한 느낌 체코. 자연과 삶은 O. "속이는 여우의 모험"(1923)으로 가득 차 있습니다. Janacek의 전형적인 특징은 러시아 음모에 대한 호소였습니다. 고전 문학 및 드라마 투르 기 : "Katya Kabanova"(A. N. Ostrovsky, 1921의 "Thunderstorm"을 기반으로 함), "From the House of the Dead"(F. M. Dostoevsky의 소설 "Notes from the House of the Dead", 1928을 기반으로 함). 이 O의 첫 번째 경우 강조는 가사에 있습니다. 드라마, 그런 다음 두 번째 작곡가에서 관계 분해의 복잡한 그림을 전달하려고 했습니다. 매우 표현력이 풍부한 음악 수단에 의지하는 인간 캐릭터. 표현.

인상주의를 위하여, op. to-rogo 요소는 초기에 많은 작곡가들이 오페라에서 사용했습니다. 20세기는 일반적으로 드라마에 대한 끌림이 특징적이지 않다. 장르. 인상주의 미학을 일관되게 구현하는 오페라 작품의 거의 독특한 예는 C. Debussy의 "Pelléas et Mélisande"(1902)입니다. O.의 행동은 모호한 예감, 갈망 및 기대의 분위기에 가려져 있으며 모든 대조가 음소거되고 약화됩니다. 냄비로 옮기려는 노력으로. 파티 인토네이션 창고 음성 문자, Debussy는 Mussorgsky의 원칙을 따랐습니다. 그러나 그의 O.의 이미지와 전체 황혼의 신비. 행동이 일어나는 세계는 상징주의의 흔적을 지니고 있다. 신비. 다채롭고 표현력이 풍부한 뉘앙스의 놀라운 미묘함, 캐릭터의 미세한 분위기 변화에 대한 음악의 민감한 반응은 잘 알려진 전체 색상의 1차원성과 결합됩니다.

Debussy가 만든 인상파 O.의 유형은 자신의 것으로 개발되지 않았습니다. 독창성도 프랑스어도 아닙니다. 20세기 오페라. P. Duke (1907)의 "Ariana and the Bluebeard"는 O. "Pelleas and Mélisande"와 외형적으로 약간 닮았지만 더 합리주의적입니다. 음악의 성격과 다채로운 묘사의 우세. 심리적으로 표현되는 것보다 요소. M. Ravel은 단막 만화에서 다른 길을 선택했습니다. O. "Spanish Hour"(1907), 예리하게 특징적인 음악. Mussorgsky의 "결혼"에서 나오는 선언은 스페인 요소의 다채로운 사용과 결합됩니다. 나르. 음악. 작곡가 고유의 재능이 특징입니다. 이미지 묘사는 O.-발레 The Child and the Magic(1925)에도 영향을 미쳤습니다.

그 안에. 오.콘. 19 - 구걸. 20 세기 Wagner의 영향이 눈에 띄었습니다. 그러나 Wagnerian 뮤지컬 드라마투르기. 원칙과 스타일은 그의 추종자들 대부분이 채택했습니다. 환상적으로 로맨틱한 E. Humperdinck의 오페라 (그중 최고는 Hans and Gretel, 1893), Wagnerian 무성한 조화와 오케스트레이션이 Nar의 단순한 멜로디 멜로디와 결합됩니다. 창고. X. Pfitzner는 동화와 전설적인 음모의 해석에 종교적, 철학적 상징주의 요소를 도입했습니다 ( "Rose from the Garden of Love", 1900). 성직자 가톨릭. 경향은 그의 O. "Palestrina"(1915)에 반영되었습니다.

Wagner의 추종자 중 한 명인 R. Strauss는 오페라 작업을 시작했지만 ( "Guntram", 1893; "Without Fire", 1901) 앞으로 상당한 변화를 겪었습니다. 진화. "Salome"(1905)과 "Electra"(1908)에서는 작곡가가 다소 피상적으로 인식했지만 표현주의 경향이 나타났습니다. 이 O.의 행동은 지속적으로 성장하는 감정으로 발전합니다. 긴장, 열정의 강도는 때때로 병적 상태에 접해 있습니다. 집착. 열광적인 흥분의 분위기는 거대하고 풍부한 색채의 오케스트라에 의해 뒷받침되어 엄청난 소리의 힘에 도달합니다. 1910년에 쓰여진 서정 코미디 O. "The Knight of the Roses"는 그의 작품이 표현주의에서 신고전주의(신고전주의 참조) 경향으로 전환되는 계기가 되었습니다. 모차르트 스타일의 요소가 비엔나 왈츠의 관능적인 아름다움과 매력과 함께 이 O.에서 결합되어 질감이 더 가볍고 투명해집니다. 후속 오페라에서 Strauss는 바로크 뮤즈의 정신으로 양식화했습니다. t-ra("Ariadne auf Naxos", 1912), 비엔나 클래식의 형태로. operettas ( "Arabella", 1932) 또는 18 세기 부파 오페라. ( "The Silent Woman", 1934), 르네상스 굴절의 고대 목회자에게 ( "Daphne", 1937). 잘 알려진 스타일의 절충주의에도 불구하고 Strauss의 오페라는 음악의 가용성과 멜로디의 표현력으로 인해 청취자들 사이에서 인기를 얻었습니다. 단순한 삶의 갈등을 시적으로 구현한 언어.

콘에서. 19 세기 국가를 만들고자 하는 열망 오페라 t-ra와이 분야에서 잊혀지고 잃어버린 전통의 부흥은 영국, 벨기에, 스페인, 덴마크, 노르웨이에서 나타납니다. 인터내셔날 받은 제품 중에. 인식 - "Rural Romeo and Julia"F. Dilius (1901, 영국), "Life is short"M. de Falla (1905, 스페인).

20 세기 기여 수단. 오페라 장르에 대한 이해의 변화. 이미 20세기 첫 10년 동안입니다. O.가 위기에 처해 있으며 더 이상 발전 할 전망이 없다는 의견이 표명되었습니다. VG Karatygin은 1911년에 이렇게 썼습니다. "오페라는 과거의 예술이며 부분적으로는 현재의 예술입니다." 그의 기사 "드라마와 음악"의 서문으로 그는 VF Komissarzhevskaya의 진술을 인용했습니다. "우리는 음악과 함께 오페라에서 드라마로 이동하고 있습니다"(컬렉션 "Alkonost", 1911, p. 142). 일부 현대 자룹. 저자는 "O"라는 용어를 포기할 것을 제안합니다. pl 이후로 "뮤지컬 극장"의 더 넓은 개념으로 대체하십시오. 찌르다. O로 정의되는 20세기는 확립된 장르적 기준을 충족하지 못한다. 상호 작용 및 상호 침투 분해 과정. 20세기 음악 발전의 징후 중 하나인 장르는 프로덕션의 등장으로 이어진다. 모호하지 않은 정의를 찾기 어려운 혼합 유형. O.는 오라토리오, 칸타타에 접근하며 판토마임, estr의 요소를 사용합니다. 리뷰, 심지어 서커스. 최신 극장의 기술과 함께. O.의 기술, 영화 촬영 및 무선 공학 수단이 사용됩니다 (시각 및 청각 인식의 가능성은 영화 프로젝션, 무선 장비의 도움으로 확장됨). 이로 인해 음악과 드라마의 기능을 구분하는 경향이 있다. 블록 다이어그램과 "순수한" instr의 원리를 기반으로 한 오페라 형식의 동작 및 구성. 음악.

서쪽에서.-유럽. O. 20세기 에 영향을 미쳤다 기예. 그 중 표현주의와 신고전주의가 가장 중요했습니다. 이 두 가지 상반된 경향은 때로는 서로 얽혀 있기는 하지만 바그너주의와 사실주의 모두에 똑같이 반대되었습니다. 삶의 갈등과 특정 이미지의 진정한 반영이 필요한 오페라 미학. 표현주의 오페라 극작술의 원리는 A. Schoenberg의 모노 드라마 "Waiting"(1909)에서 표현되었습니다. 외부 요소가 거의 없습니다. 행동, 이것은 생산입니다. 막연하고 불안한 불길한 예감의 지속적인 강요를 기반으로 절망과 공포의 폭발로 절정에 이릅니다. 그로테스크와 결합된 신비한 상징주의가 뮤즈의 특징입니다. Schoenberg의 드라마 "The Happy Hand"(1913). 더 발전된 드라마투르기. 아이디어는 그의 미완성의 핵심입니다. A. "모세와 아론"(1932), 그러나 그 이미지는 억지스럽고 종교적 도덕의 상징 일뿐입니다. 표현. Schoenberg와 달리 그의 학생 A. Berg는 오페라의 실생활 이야기로 전환하여 심각한 사회 문제를 제기했습니다. 드라마의 큰 힘. 그의 표현은 O. "Wozzeck"(1921)으로 구별되며, 권리를 박탈당한 사람들에 대한 깊은 동정심과 가난한 사람들에 의해 삶의 배 밖으로 던져진 "권력을 가진 사람들"의 만족스러운 안일함을 비난합니다. 동시에 Wozzeck에는 본격적인 현실주의자가 없습니다. 캐릭터, O 캐릭터는 설명할 수 없는 본능적 충동과 집착으로 인해 무의식적으로 행동합니다. 다듬지 않은 극적으로 인상적인 순간이 풍부하고 음악의 표현력이 풍부한 Berg의 오페라 "Lulu"(1928-35)는 이데올로기 적 의미가 없으며 자연주의와 고통스러운 에로티카의 요소를 포함합니다.

신고전주의의 오페라 미학은 음악의 "자율성"과 무대에서 연주되는 행위로부터의 독립성에 대한 인식을 기반으로 합니다. F. Busoni는 의도적 인 관습, 행동의 타당성으로 구별되는 일종의 신고전주의 "극극"( "Spieloper")을 만들었습니다. 그는 캐릭터 O.가 "고의적으로 삶과 다르게 행동"하도록 노력했습니다. 그의 O. "Turandot"(1917)과 "Harlequin, or Windows"(1916)에서 그는 이탈리아어 유형을 현대화 된 형태로 재현하려고했습니다. commedia dell'arte. 짧은 비공개 에피소드를 번갈아 가며 만든 두 O.의 음악은 양식화와 그로테스크 요소를 결합합니다. 엄격하고 구조적으로 완성된 형태 instr. 음악은 작곡가가 깊은 철학적 문제를 제기 한 그의 O. "Doctor Faust"(F. Yarnakh 완성, 1925)의 기초입니다.

I. F. Stravinsky는 오페라 예술의 본질에 대한 그의 견해에서 Busoni와 가깝습니다. 두 작곡가 모두 "verism"이라고 부르는 것을 동일한 적대감으로 다루었습니다. 이 단어는 오페라 극장에서 이미지와 상황의 실제와 같은 진실성을 위해 노력하는 것을 의미합니다. Stravinsky는 음악이 단어의 의미를 전달할 수 없다고 주장했습니다. 노래가 그런 일을 맡는다면 그렇게 함으로써 "음악의 한계를 벗어나는 것"입니다. 그의 첫 번째 O. "Nightingale"(1909-14)은 문체적으로 모순되며 인상 주의적으로 채색 된 이국주의 요소와보다 엄격한 건설적인 글쓰기 방식을 결합합니다. 독특한 유형의 러시아어. 오페라 부파는 "무어"(1922), 웍입니다. 파티 투 로이는 19세기 일상 로맨스 억양의 아이러니하고 기괴한 변형을 기반으로 합니다. 보편성에 대한 신고전주의에 내재된 욕구, "보편적", "초개인적" 아이디어 및 아이디어가 국가적이지 않은 형태로 구현된 것입니다. Stravinsky의 O.-oratorio "Oedipus Rex"(Sophocles의 비극에 기반, 1927)에서 가장 명확하게 나타나는 시간적 확실성. 소외의 인상은 이해할 수 없는 현대어로 쓰여진 자유에 의해 촉진된다. 라틴어 청취자 언어. 오라토리오 장르의 요소와 함께 오래된 바로크 오페라의 형식을 사용하여 작곡가는 의도적으로 무대 공연을 위해 노력했습니다. 부동, 조각상. 그의 멜로드라마 <페르세포네>(1934)도 오페라 형식에 낭송과 춤이 결합된 비슷한 성격을 갖고 있다. 무언극. O. "The Adventures of the Rake"(1951)에서 Stravinsky는 풍자적 도덕적 음모를 구현하기 위해 만화 형식으로 전환합니다. 18세기의 오페라이지만 낭만주의의 특정 특징을 소개합니다. 환상과 알레고리.

오페라 장르에 대한 신고전주의적 해석도 P. Hindemith의 특징이었다. O. 20s에게주었습니다. 패셔너블한 데카당트 트렌드에 대한 찬사로 잘 알려진 그는 창의성의 성숙기에 지적인 계획의 대규모 아이디어로 전환했습니다. 기념비적 인 O.에서 독일 농민 전쟁 시대의 음모에 대한 "Artist Mathis"(1935)는 이층 그림을 배경으로합니다. 움직임은 외롭고 인정받지 못하는 예술가의 비극을 보여줍니다. O. "The Harmony of the World"(1957)의 주인공은 천문학자인 Kepler이며 구성의 복잡성과 다중 구성으로 구별됩니다. 추상 합리주의의 혼잡. 상징주의가 이 생산을 만든다. 듣는 사람이 인지하기 어렵고 극적으로 거의 효과가 없습니다.

이탈리아어로. O. 20세기 신고전주의의 징후 중 하나는 17-18세기 오페라 예술의 형식과 전형적인 이미지에 대한 작곡가들의 호소였습니다. 이러한 경향은 특히 J. F. Malipiero의 작업에서 표현되었습니다. 그의 작품 중. 음악을 위해 t-ra - 오페라 미니어처 "Orpheids"( "가면의 죽음", "Seven Songs", "Orpheus 또는 여덟 번째 노래", 1919-22), "Three Goldoni Comedies"( "Coffee House", "Signor Todero the Grump" , "Kyodzhin skirmishes", 1926)뿐만 아니라 대규모 역사적 비극적입니다. O. "Julius Caesar"(1935), "Antony and Cleopatra"(1938).

신고전주의 경향은 프랑스에서 부분적으로 나타났습니다. 20~30년대 오페라극장, 그러나 여기서 그들은 연속적으로 받지 못하고 완성되었다. 표현. A. Honegger는 "영원한" 보편적인 도덕적 가치의 원천으로서 고대와 성경적 주제에 대한 그의 매력에서 이것을 표현했습니다. 이미지를 일반화하고 "과도한"캐릭터를 부여하기 위해 그는 O.를 오라토리오에 더 가깝게 만들었고 때로는 그의 작품에 도입했습니다. 전례 요소. 동시에 음악은 그의 Op. 생생하고 생생한 표현력으로 구별되는 작곡가는 가장 단순한 노래 전환을 부끄러워하지 않았습니다. 단일성 찌르다. Honegger (J. Iber와 공동으로 작성되고 큰 가치가 아닌 O. "Eaglet", 1935 제외)는 O.라고 부를 수 있습니다. 단어의 의미는 "Antigone"(1927)입니다. "다윗왕"(1921, 3판, 1924)이나 "주디스"(1925) 같은 작품은 차라리 드라마로 분류해야 한다. oratorio, 그들은 conc에서 더 확립되었습니다. 오페라 무대보다 레퍼토리. 작곡가 자신이 그의 가장 중요한 작품 중 하나에 이 정의를 부여했습니다. 야외에서 공연되는 대규모 민속 공연으로 그가 생각한 "말뚝의 잔다르크"(1935) D. Milhaud의 구성이 다양하고 다소 절충적인 오페라 작품도 고대 및 성서적 주제를 반영했습니다("Eumenides", 1922) ; "Medea", 1938; "David", 1953) 그의 라틴 아메리카 3부작 "Christopher Columbus"(1928), "Maximilian"(1930) 및 "Bolivar"(1943)에서 Milhaud는 위대한 역사-낭만주의 유형을 부활시킵니다. 이러한 음악적 표현 중 첫 번째는 특히 규모가 크며 음악의 복잡한 다음 기법과 최신 연극 기술 수단의 사용을 통해 다양한 행동 계획의 표시가 동시에 달성됩니다. 그의 O. "The Poor Sailor"(1926)였습니다. 가장 큰 성공은 "The Rape of Europa", "The Rape of Europa", "The Rape of Europa", "The Rape of Europa", 버려진 아리아드네'와 '테세우스의 해방'(1927).

위엄에 대한 호소와 함께. 고대의 이미지, 반 전설적인 성경 세계 또는 20 년대 오페라 작품의 중세. 내용과 즉각적인 주제의 급성 경향이 있습니다. 현대의 현상에 대한 반응 현실. 때로는 이것이 값싼 선정주의의 추구에 국한되어 생산의 창출로 이어졌다. 가볍고 반항적 인 성격. O. "Jump over the shadow"(1924) 및 "Johnny plays"(1927) E. Kreneka는 아이러니하게도 현대의 그림을 채색했습니다. 부르주아 도덕은 편심 오락의 형태로 제시됩니다. 극장. 도시를 결합한 절충주의 음악과 액션 진부한 가사로 재즈의 리듬과 요소. 멜로디. 풍자는 또한 피상적으로 표현됩니다. Schoenberg (1928)의 O. "오늘부터 내일"과 Hindemith (1929)의 "오늘의 뉴스"의 요소, 에피소드를 차지합니다. 이 작곡가들의 작품에 배치하십시오. 보다 확실히 사회 비판적 구현. 뮤지컬 극장의 테마. 찌르다. K. Weil, B. Brecht와 공동으로 쓴 "The Threepenny Opera"(1928) 및 "The Rise and Fall of the City of Mahagonny"(1930)는 풍자적 비평도 비판합니다. 자본주의의 근간을 드러내다. 건물. 이 제품들 광범위한 민주적 공동체를 대상으로 내용과 매우 관련성이 높은 새로운 유형의 노래 작품을 나타냅니다. 청중. 그들의 단순하고 명확하며 이해하기 쉬운 음악의 기본은 dec입니다. 현대 장르. 대중 음악. 삶.

뮤즈의 선명도와 강성으로 구별되는 "The Condemnation of Lucullus"(1949), "Puntila"(1960)의 Brecht 텍스트에 대한 O.에서 P. Dessau의 일반적인 오페라 캐논을 대담하게 위반합니다. 예상치 못한 연극 효과의 풍부함, 편심 요소의 사용을 의미합니다.

당신의 음악. t-r은 민주주의와 접근성의 원칙에 따라 K. Orff가 만들었습니다. 그의 t-ra의 기원은 다양합니다. 작곡가는 다른 그리스어로 바뀌었습니다. 중세기의 비극. 미스터리, 나르에게. 연극 게임과 희극 공연, 결합 드라마. 서사시와 액션 내레이션, 노래와 대화 및 리드미컬한 낭송을 자유롭게 결합합니다. 어떤 장면도 찌르다. Orpah는 일반적인 의미에서 O.가 아닙니다. 그러나 그들 각각에는 정의가 있습니다. 뮤지컬 연극. 의도, 음악은 순전히 적용된 기능에 국한되지 않습니다. 음악과 무대의 관계 작업은 특정 광고 소재에 따라 다릅니다. 작업. 그의 작품 중. 장면이 눈에 띈다. 칸타타 "Carmina Burana"(1936), 엄청나게 우화적입니다. 음악 O.와 드라마의 요소를 결합한 연극. 공연, "Moon"(1938) 및 "Clever Girl"(1942), 음악. 드라마 "Bernauerin"(1945), 일종의 음악. 골동품 복원. 비극 - "Antigone"(1949) 및 "Oedipus Rex"(1959).

동시에 일부 주요 작곡가인 Ser. 오페라 표현의 형식과 수단을 업데이트하는 20세기는 전통에서 벗어나지 않았습니다. 장르의 기초. 그래서 B. Britten은 멜로디 웍의 권리를 유지했습니다. ch와 같은 멜로디. 캐릭터의 마음 상태를 전달하는 수단. 대부분의 그의 공연에서 강렬한 전개는 다양한 에피소드, 앙상블 및 확장된 코러스와 결합됩니다. 장면. 가장 비열한 것 중. 찌르다. Britten - 표현주의적인 일상 드라마 "Peter Grimes"(1945), Chamber O. "The Desecration of Lucretia"(1946), "Albert Herring"(1947) 및 "The Turn of the Screw"(1954), 엄청나게 낭만적입니다. O. "한여름 밤의 꿈"(1960). G. Menotti의 오페라 작품에서 Verist 전통은 표현주의의 특정 기능과 결합하여 현대화 된 굴절을 받았습니다 (Medium, 1946; Consul, 1950 등). F. Poulenc는 고전에 대한 충성심을 강조했습니다. O. "Carmelites의 대화"(1956) 헌납에서 C. Monteverdi, M. P. Mussorgsky 및 C. Debussy의 이름을 부르는 전통. 냄비 도구의 유연한 사용. 표현력은 모노 드라마 "The Human Voice"(1958)의 가장 강한면입니다. 만화는 또한 밝은 멜로디로 구별됩니다. Poulenc의 오페라 "Breasts of Tiresias"(1944)는 초현실적이지만. 무대의 부조리와 편심. 행위. O.의 서포터 프림. 웍. 유형은 X. V. Henze("The Stag King", 1955; "Prince of Homburg", 1960; "Bassarids", 1966 등)입니다.

다양한 형태와 문체와 함께 20세기 트렌드 다양한 국가 특징 학교. 그들 중 일부는 처음으로 국제적으로 도달합니다. 독립성을 인정하고 주장한다. 세계 오페라 예술의 발전에 위치. B. Bartok("Duke Bluebeard's Castle", 1911) 및 Z. Kodaly("Hari Janos", 1926; "Sekey 방적 공장", 1924, 2nd ed. 1932)은 음악 극작술의 새로운 이미지와 수단을 소개했습니다. 헝가리어의 표현력 O., NAT와 연락을 유지합니다. 전통과 억양에 의존합니다. 매달린 빌드. 나르. 음악. Bolg의 첫 번째 성숙한 표본. 냇. O.는 P. Vladigerov (1936)의 "Tsar Kaloyan"이었습니다. 유고 슬라비아 민족의 오페라 예술의 경우 J. Gotovac의 작품이 특히 중요했습니다 (그의 O. "Ero from the Other World", 1935가 가장 인기가 있습니다).

매우 독창적 인 유형의 Amer. 냇. O.는 Afro-Amer를 기반으로 J. Gershwin이 만들었습니다. 음악 흑인의 민속과 전통. "민스트럴 극장". 흑인의 삶에 대한 흥미진진한 이야기. 급행과 관련하여 가난합니다. 블루스, 영가 및 재즈 댄스의 요소를 사용하여 접근 가능한 음악. 리듬은 그에게 O. "Porgy and Bess"(1935)를 전 세계적으로 인기있게 만들었습니다. 국가의 O.는 여러 Lat.-Amer에서 발생합니다. 국가. Argent의 창립자 중 한 명. 오페라 t-ra F. Boero는 민속 요소가 풍부한 작품을 만들었습니다. 가우초와 농민의 삶의 장면에서 ( "Rakela", 1923; "Robbers", 1929).

콘에서. 60년대 서양에서는 현대적인 수단을 사용하여 "록 오페라"라는 특별한 장르가 생겼습니다. 버라이어티 및 가정용 음악. 이 장르의 인기 있는 예는 E. L. Webber의 Christ Superstar(1970)입니다.

20세기의 사건 - 많은 국가에서 파시즘의 공세, 1939-45년의 제2차 세계 대전, 이데올로기의 날카롭게 악화된 투쟁 - 많은 예술가들이 자신의 입장을 더 명확하게 정의할 필요가 있게 만들었습니다. 새로운 주제가 소송에 등장했으며 R. Rossellini의 O. "전쟁"(1956), L. Pipkov의 "Antigone 43"(1963)에서 전쟁이 비난되어 평범한 사람들에게 심각한 고통과 죽음을 가져 왔습니다. . "오"라고 합니다. 찌르다. L. Nono "Intolerance 1960"( "Intolerance 1970"의 새 판에서)은 식민지 전쟁, 노동자의 권리에 대한 공격, 자본주의의 평화와 정의를위한 투사 박해에 대한 공산주의 작곡가의 분노한 항의를 표현합니다. . 국가. L. Dallapikkola(1948)의 "The Prisoner"("Prisoner"), K. A. Hartman(1948)의 "Simplicius Simplicissimus", B. A. Zimmerman(1960)의 "Soldiers"와 같은 작품에서도 근대성과의 직접적이고 명시적인 연관성이 발생합니다. , 그들은 고전적인 플롯을 기반으로하지만. 리터. K. Penderetsky in O. "Loudin의 악마"(1969), 중세 시대를 보여줍니다. 광신주의와 광신주의는 파시스트 모호주의를 간접적으로 비난합니다. 이들 Op. 스타일이 다릅니다. 오리엔테이션 및 현대 또는 현대에 가까운 주제가 항상 명확하게 의식적인 이데올로기 적 입장에서 해석되는 것은 아니지만 진보적 인 외국의 작업에서 관찰되는 삶과의 긴밀한 연결, 프로세스에 대한 적극적인 침입을 향한 일반적인 경향을 반영합니다. . 예술가. 동시에, Opera art-ve 앱에서. 국가는 파괴적인 반 예술을 나타냅니다. 현대 트렌드. "아방가르드", O.를 뮤지컬 드라마로 완전히 분해합니다. 장르. M. Kagel (1971)의 "반 오페라" "주립 극장"입니다.

소련에서 O.의 발전은 올빼미의 형성 인 국가의 삶과 불가분의 관계가있었습니다. 음악 그리고 극장. 문화. K 서. 20대 현대성 또는 나르의 음모에 O.를 만들려는 많은 측면에서 여전히 불완전한 첫 번째 시도를 포함하십시오. 혁명적 과거의 움직임. 출발 흥미로운 발견에는 V. V. Deshevov의 "Ice and Steel", L. K. Knipper의 "Northern Wind"(둘 다 1930) 등의 작품이 포함됩니다. O. 도식주의, 이미지의 생명 없음, 뮤즈의 절충주의로 고통받습니다. 언어. 금식은 중요한 행사였습니다. 1926 년 O. S. S. Prokofiev (op. 1919)의 "Love for three oranges"는 올빼미에 가까운 것으로 판명되었습니다. 기예. 삶을 긍정하는 유머, 역동성, 생생한 연극성을 가진 문화. 박사 Prokofiev의 극작가로서의 재능의 측면은 O. "The Gambler"(2 판, 1927) 및 "Fiery Angel"(1927)에서 나타 났으며 강렬한 드라마, 날카 롭고 잘 조준 된 심리적 숙달로 구별됩니다. 특성, 억양에 대한 민감한 침투. 인간의 말 구조. 하지만 이 제품들은 당시 해외에 살았던 작곡가는 올빼미의 관심을 끌었습니다. 공개. Prokofiev의 오페라 극작술의 혁신적인 중요성은 나중에 Sov. O.는 잘 알려진 원시주의와 첫 번째 실험의 미성숙을 극복하여 더 높은 수준으로 상승했습니다.

O. "The Nose"(1929)와 "Lady Macbeth of the Mtsensk District"( "Katerina Izmailova", 1932, 신판 1962)의 등장과 함께 날카로운 토론이 이어졌습니다. 음악 극장 다수의 크고 심각한 혁신 과제를 주장합니다. 이 두 O.는 가치가 다릅니다. 픽션의 비범한 풍부함, 행동의 신속함, 만화경을 갖춘 "The Nose"라면. 깜박이는 기괴하게 뾰족한 이미지-마스크는 젊은 작곡가의 대담하고 때로는 도전적으로 대담한 실험이었고 "Katerina Izmailova"-제작. 뮤지컬과 극작의 조화와 사려 깊음과 아이디어의 깊이를 연결하는 마스터. 강생. 잔인하고 무자비한 옛 상인의 끔찍한 면을 묘사한 진실. 인간의 본성을 훼손하고 왜곡하는 삶은이 O.를 러시아의 위대한 창조물과 동등하게 만듭니다. 실재론. Shostakovich는 여러면에서 여기에서 Mussorgsky에 더 가까워지고 그의 전통을 발전시켜 새롭고 현대적인 것을 제공합니다. 소리.

올빼미의 구체화에서 첫 번째 성공. 오페라 장르의 주제는 중간에 속합니다. 30대 멜로디치. 억양에 기반한 음악의 신선함. 올빼미를 만드십시오. 대량 노래는 O. "Quiet Don"II Dzerzhinsky (1935)의 관심을 끌었습니다. 이것은 생산 2층에서 우세의 시제품 역할을 했다. 30대 노래가 뮤즈의 주요 요소였던 "노래 오페라". 극 법. 이 노래는 드라마의 매체로 성공적으로 사용되었습니다. T. N. Khrennikova (1939, 새 버전 1952)의 O. "Into the Storm"의 이미지 특성. 그러나 그들은 따를 것입니다. 이 방향의 원칙을 구현하면 오페라 드라마 수단의 다양성과 풍부함을 단순화하고 거부했습니다. 수세기에 걸쳐 축적된 표현력. O. 30대 중. 올빼미에. 상품으로서의 테마 큰 드라마. 힘과 높은 예술. 숙달은 Prokofiev (1940)의 "Semyon Kotko"에서 두드러집니다. 작곡가는 혁명 과정에서 의식의 성장과 재구성을 보여주기 위해 사람들로부터 평범한 사람들의 안도감과 매우 진실한 이미지를 만들었습니다. 싸움.

올빼미. 이 시기의 오페라 작품은 내용과 장르 면에서 다양하다. 현대의 주제는 Ch. 그 발전 방향. 동시에 작곡가들은 다른 민족과 역사적 삶의 음모와 이미지로 전환했습니다. 시대. 최고의 올빼미 중. O. 30대. - D. B. Kabalevsky(1938, 2판 1968)의 "Cola Breugnon"("The Master of Clamcy"), 높은 교향곡으로 구별됩니다. 프랑스 인의 성격에 대한 기술과 미묘한 침투. 나르. 음악. Prokofiev는 Semyon Kotko 이후 만화를 썼습니다. O. "수도원에서의 약혼"( "Duenna", 1940) 18 세기 오페라 부파에 가까운 음모. 그의 초기 O. "The Love for Three Oranges"와 달리 여기에서는 조건부 극장이 작동하지 않습니다. 가면, 진실하고 진실한 감정, 코믹한 광채와 유머가 부여 된 살아있는 사람들이 가벼운 서정과 결합됩니다.

위대한 조국 기간 동안. 1941-45년의 전쟁은 특히 애국심의 중요성을 증가시켰습니다. 주제. 영웅을 실현하십시오. 올빼미의 위업 파시즘에 맞서 싸우는 사람들은 Ch. 모든 유형의 소송 업무. 전쟁 기간의 사건은 올빼미의 오페라 작업에도 반영되었습니다. 작곡가. 그러나 전쟁 기간 동안 직접적인 영향을 받아 발생한 O.는 대부분 예술적으로 결함이 있고 주제를 피상적으로 해석하는 것으로 판명되었습니다. 더 많은 것을 의미합니다. O. 군대. 이미 알려진 "시간 거리"가 형성되었을 때 조금 후에 주제가 만들어졌습니다. 그중에서도 Kabalevsky의 "The Family of Taras"(1947, 1950년 2판)와 Prokofiev의 "The Tale of a Real Man"(1948)이 눈에 띕니다.

애국심에 영향을 받음 전쟁의 고조, O. Prokofiev의 "전쟁과 평화"(1943, 1946년 2판, 1952년 최종판)의 아이디어가 탄생했습니다. 그것은 드라마투르기에서 복잡하고 다중 구성 요소입니다. 생산 개념. 영웅주의를 결합합니다. 나르. 친밀한 가사가있는 서사시. 드라마. O.의 구성은 챔버 캐릭터의 미묘하고 상세한 에피소드와 함께 큰 획으로 쓰여진 기념비적 인 대량 장면의 교대를 기반으로합니다. Prokofiev는 동시에 "전쟁과 평화"에서 자신을 나타냅니다. 깊은 극작가 심리학자이자 강력한 서사시의 예술가로서. 창고. 역사적인 주제는 매우 예술적이었습니다. O. "Decembrists"Yu. A. Shaporin (post. 1953)의 화신 : 잘 알려진 드라마 부족에도 불구하고. 효율성, 작곡가는 영웅을 전달했습니다. 독재 정치에 대항하는 전사들의 위업에 대한 파토스.

콘 기간. 40대 - 초반. 50대 올빼미의 발달에. O.는 복잡하고 논란이 많았습니다. 수단과 함께. 이 해의 업적은 특히 독단적 압력의 영향을 많이 받았습니다. 오페라 창의성의 가장 큰 업적을 과소 평가하여 창의성을 제한하는 설치. 때로는 예술 분야에서 거의 가치가 없는 것을 지원하기 위해 검색합니다. 단순한 작업에 대해. 1951년 오페라 문제에 대한 토론에서 "일회성 오페라", "사소한 생각과 사소한 감정의 오페라"가 날카롭게 비판되었고 "오페라 드라마 전체, 모든 구성 요소의 기술을 습득"해야 할 필요성이 강조되었습니다. 2층. 50대 올빼미의 삶에 새로운 급증이있었습니다. 오페라 t-ra, 이전에 부당하게 비난을 받았던 Prokofiev 및 Shostakovich와 같은 마스터의 오페라가 복원되었으며 새로운 오페라 작품 제작에 대한 작곡가의 작업이 강화되었습니다. 이러한 과정의 발전에 중요한 긍정적 역할은 1958년 5월 28일 CPSU 중앙위원회의 결의안 "오페라 위대한 우정 평가 오류 수정", "Bogdan Khmelnitsky"및 "From the Heart"에 의해 수행되었습니다. ".

60-70년대 오페라의 새로운 방식에 대한 집중적인 탐색이 특징입니다. 과제의 범위가 확장되고, 새로운 주제가 등장하고, 작곡가가 이미 다뤘던 주제 중 일부는 다른 구현을 찾기 위해, 다양한 유형의 예술이 더 과감하게 적용되기 시작했습니다. 표현할 것입니다. 오페라 드라마투르기의 수단과 형식. 가장 중요한 것 중 하나는 10월의 주제입니다. 혁명과 소비에트의 승인을 위한 투쟁. 당국. A. N. Kholminov(1965)의 "낙관적 비극"에서 "노래 오페라"의 특정 측면은 음악의 발전에 의해 풍부해집니다. 형태는 확대되고 중요한 극작술입니다. 합창단은 중요성을 얻습니다. 장면. 합창단은 잘 발달되어 있습니다. S. M. Slonimsky(1967)의 O. "Virineya"의 요소 중 가장 두드러진 측면은 민요 소재의 독창적인 해석입니다. 노래 형식은 V. I. Muradeli의 O. "October"(1964)의 기초가되었으며, 특히 노래를 통해 V. I. Lenin의 이미지를 특성화하려는 시도가 이루어졌습니다. 그러나 이미지의 도식성, 뮤즈 간의 불일치. 기념비적 인 민속 영웅의 계획에 대한 언어. O. 이 작업의 가치를 줄입니다. 일부 t-rami는 침상 정신으로 기념비적 인 공연을 만드는 흥미로운 실험을 수행했습니다. 연극 제작을 기반으로 한 대중 행동. 오라토리오 장르 (G. V. Sviridov의 "한심한 오라토리오", V. I. Rubin의 "July Sunday").

군대 해석에 한편으로는 오라토리오 계획을 일반화하는 경향이 있고 다른 한편으로는 심리학적인 경향이 있습니다. 심화, 이벤트 공개 vsenar. otd의 인식을 통해 굴절된 값. 성격. K. V. Molchanov (1967)의 O. "The Unknown Soldier"에는 특정 살아있는 캐릭터가 없으며 그 캐릭터는 장군의 아이디어를 전달하는 사람 일뿐입니다. 위업. 박사 주제에 대한 접근 방식은 "남자의 운명" Dzerzhinsky(1961)에서 일반적입니다. 줄거리는 하나의 인간 전기입니다. 이것은 생산 그러나 크리에이티브에는 속하지 않습니다. 행운을 빕니다 올빼미 아, 주제가 완전히 공개되지 않고 음악이 피상적 인 멜로 드라마티즘에 시달립니다.

현대의 흥미로운 경험 서정시 오, 봉헌 올빼미의 조건에서 개인적인 관계, 일 및 삶의 문제. 현실은 "사랑뿐 아니라" R. K. Shchedrin (1961)입니다. 작곡가는 미묘하게 dec를 사용합니다. ditty tunes 및 nar의 유형입니다. 악기 집단 농촌의 삶과 성격을 특징 짓는 곡. O. 같은 작곡가의 "Dead Souls"(N. V. Gogol, 1977에 따르면)는 음악의 날카로운 특성, 사람들의 노래와 함께 음성 억양의 정확한 재생산으로 구별됩니다. 창고.

새롭고 독창적인 솔루션 istorich. 주제는 A.P. Petrov (1975)의 O. "Peter I"에 나와 있습니다. 위대한 개혁가의 활동은 광범위한 프레스코 성격의 여러 그림에서 드러납니다. O.의 음악에는 러시아어와의 연결이 나타납니다. 오페라 클래식이지만 동시에 작곡가는 예리한 동시대를 즐깁니다. 활기찬 극장을 달성하는 것을 의미합니다. 효과.

코미디 장르에서. O.는 V. Ya. Shebalin (1957)의 "The Taming of the Shrew"를 돋보이게합니다. Prokofiev의 라인을 이어가는 저자는 코미디와 서정을 결합하고 그대로 오래된 고전의 형식과 일반적인 정신을 부활시킵니다. O. 새롭고 현대적입니다. 모양. 멜로디치. 음악의 밝기는 다른 만화입니다. O. 러시아어로 된 "뿌리없는 사위"Khrennikov (1967; "Frol Skobeev", 1950 년 1 판). 역사 및 가정 음모.

1960년대와 1970년대 오페라의 새로운 경향 중 하나 모든 사건이 한 캐릭터의 개별 의식의 프리즘을 통해 표시되는 소수의 배우 또는 모노 오페라에 대한 실내 오페라 장르에 대한 관심 증가입니다. 이 유형에는 Yu. M. Butsko의 Notes of a Madman(1967) 및 White Nights(1970), Kholminov의 Overcoat and Carriage(1971), G. S. Frid의 Anne Frank의 일기(1969) 등이 포함됩니다.

올빼미. O.는 nat의 풍부함과 다양성으로 구별됩니다. 근본적인 이데올로기와 미학의 공통점을 가진 학교, to-rye. 각각의 원칙에는 고유한 특성이 있습니다. 10월 승리 이후 Revolution은 Ukr 개발의 새로운 단계에 진입했습니다. A. nat의 성장에 대한 중요성. 우크라이나의 오페라 t-ra에 게시물이있었습니다. 뛰어난 제품. 우크라이나 인 N. V. Lysenko (1890)의 오페라 고전 "Taras Bulba", 1924 년에 처음 출판되었습니다 (L. V. Revutsky 및 B. N. Lyatoshinsky 편집). 20-30대. 다수의 새로운 O.ukr. Sov의 작곡가. 그리고 역사적 (인민 혁명 운동의 역사에서) 주제. 최고의 올빼미 중 하나입니다. O. 그 당시 Grad의 사건에 대해. 전쟁은 O. "Shchors"Lyatoshinsky (1938)였습니다. Yu. S. Meitus는 그의 오페라 작업에서 다양한 작업을 설정합니다. 그의 O. "Young Guard"(1947, 1950 년 2 판), "Dawn over the Dvina"( "Northern Dawns", 1955), "Stolen Happiness"(1960), "The Ulyanov Brothers"(1967)가 명성을 얻었습니다. 노래 합창단. 에피소드는 영웅적-역사적 측면의 강점입니다. O. K. F. Dankevich의 "Bogdan Khmelnitsky"(1951, 1953년 2판). O. "Milana"(1957), G. I. Maiboroda의 "Arsenal"(1960)은 노래 멜로디로 가득 차 있습니다. 오페라 장르와 다양한 극작술을 업데이트합니다. 1967년 데뷔한 V. S. 구바렌코는 결단을 위해 고군분투하고 있다.

소련 nat의 많은 민족. 오페라 학교는 10월 이후에야 등장하거나 완전히 발전했습니다. 그들을 정치적으로 만든 혁명. 그리고 영적 해방. 20대에. 승인된 화물. 오페라 학교, 클래식 샘플은 "Abesalom and Eteri"(1918년 완성) 및 "Daisi"(1923) Z. P. Paliashvili였습니다. 1926년에 게시물도 완료되었습니다. O. "Tamar Tsbieri"( "Cunning Tamara", "Darejan Tsbieri"라는 제목의 3 판, 1936) M. A. Balanchivadze. 최초의 큰 아르메니아 O. - "Almast"A. A. Spendiarov (1930, 모스크바, 1933, 예 레반에 건설). 1900년대에 시작한 U. Gadzhibekov. 아제르바이잔 건국을 위한 투쟁 뮤지컬 t-ra (mugham O. "Leyli and Majnun", 1908; 뮤지컬 코미디 "Arshin mal alan", 1913 등)는 1936 년에 큰 영웅 서사시를 썼습니다. O. "Ker-ogly"는 A. M. M. Magomayev (1935)의 "Nergiz"와 함께 국가의 기초가되었습니다. 아제르바이잔의 오페라 레퍼토리. 수단. 아제르바이잔 형성에 역할. O.는 또한 R. M. Glier(1925, 2판, 1934)의 Shakhsenem을 연기했습니다. 젊은 국민 Transcaucasian 공화국의 O.는 nar를 주제로 한 민속 자료에 의존했습니다. 서사시와 영웅 그의 국가 페이지 과거의. 이 국가 라인 서사시 O.는 더 현대적이고 다른 방식으로 계속되었습니다. 문체 A. T. Tigranyan의 "David-bek"(1950년 이후, 1952년 2판), A. G. Harutyunyan(1967)의 "Sayat-Nova"와 같은 작품의 기초 - 아르메니아에서 "위대한 거장의 오른손" Sh. M . Mshvelidze 및 "Mindiya"O. V. Taktakishvili (둘 다 1961)-조지아에서. 가장 인기 있는 아제르바이잔인 중 하나입니다. O.는 개인 드라마가 일반 대중의 사건과 얽혀있는 F. Amirov (1952, 신판 1964)에 의해 "Sevil"이되었습니다. 가치. 소비에트 형성의 주제. 조지아 당국 A. Taktakishvili의 Theft of the Moon(1976).

30대에. 국가의 기반 공화국 수요일의 오페라 t-ra. 볼가 지역과 시베리아의 일부 민족 중 아시아와 카자흐스탄. 생물. 자신의 국가를 만드는 데 도움 O. 이 사람들에게 러시아어를 제공했습니다. 작곡가. 최초의 우즈벡 O. "Farkhad and Shirin"(1936)은 같은 이름을 기반으로 V. A. Uspensky가 만들었습니다. 극장. Nar를 포함하는 연극. 노래와 mughams의 일부. 음악이있는 드라마에서 O.로가는 길은 과거에 발전된 전문가가 없었던 많은 사람들의 특징이었습니다. 음악 문화. 나르. 음악 드라마 "Leyli and Majnun"은 1940 년 Glier가 공동으로 쓴 같은 이름의 O.의 기초가되었습니다. 우즈벡에서. 작곡가-멜로디스트 T. Jalilov. 그는 자신의 활동을 우즈벡과 확고하게 연결했습니다. 음악 NAT를 만든 문화 A. F. Kozlovsky. 재료 좋은 이야기. O. "Ulugbek"(1942, 1958년 2판). S. A. Balasanyan은 첫 번째 taj의 저자입니다. O. "Vose Uprising"(1939, 1959년 2판) 및 "Kova the Blacksmith"(Sh. N. Bobokalonov, 1941). 퍼스트 키르그. O. "Aichurek"(1939)는 V. A. Vlasov와 V. G. Fere가 공동으로 제작했습니다. A. Maldybaev와 함께; 나중에 그들은 "Manas"(1944), "Toktogul"(1958)도 썼습니다. 뮤즈. E. G. Brusilovsky "Kyz-Zhybek"(1934), "Zhalbyr"(1935, 2nd edition 1946), "Er-Targyn"(1936)의 드라마와 오페라는 카자흐어의 토대를 마련했습니다. 뮤지컬 극장. 터키인의 창조. 음악 극장은 A. G. Shaposhnikov의 오페라 "Zohre and Tahir"(1941, V. Mukhatov와 공동으로 신판, 1953)의 제작으로 거슬러 올라갑니다. 그 후 같은 저자는 투르크멘에서 또 다른 O. 시리즈를 썼습니다. 냇. 관절을 포함한 재료. D. Ovezov "Shasen and Garib"(1944, 1955년 2판). 1940년에 최초의 부리야트족이 나타났다. O. - M. P. Frolov의 "Enkhe - Bulat-Bator". 음악의 발전에 볼가 지역과 극동 지역의 T-ra는 L. K. Knipper, G. I. Litinsky, N. I. Peiko, S. N. Ryauzov, N. K. Chemberdzhi 등도 기여했습니다.

그러나 이미 con에서. 30대 이 공화국에서는 원주민 대표의 재능있는 작곡가가 지명됩니다. 오페라 분야에서 N. G. Zhiganov, 첫 번째 tat의 저자. O. "Kachkyn"(1939) 및 "Altynchach"(1941). 그의 최고 중 하나 O. - "Jalil"(1957)은 Tat 외부에서 인정을 받았습니다. SSR. K는 의미합니다. 국가의 업적 음악 문화는 M. T. Tulebaev(1946, Kazakh SSR)의 "Birzhan and Sara", S. B. Babaev의 "Khamza", S. A. Yudakov(모두 1961, Uzbek SSR)의 "Tricks of Maysara", "Pulat and Gulru"(1955) 및 S. Sayfiddinov (Tajik SSR)의 "Rudaki"(1976), D. D. Ayusheev의 "Brothers"(1962, Buryat ASSR), Sh. R. Chalaev의 "Highlanders"( 1971, Dag. ASSR) 및 기타.

오페라의 벨로루시어. 작곡가의 선두 자리는 올빼미가 차지했습니다. 주제. 혁명과 시민. 헌신적인 전쟁. O. E. K. Tikotsky (1939)의 "Mikhas Podgorny", A. V. Bogatyrev (1939)의 "In the forests of Polesie". 벨로루시 전투. 위대한 애국 전쟁 중 당파. 전쟁은 O. "Ales"Tikotsky (1944, "The Girl from Polesie", 1953)의 새 판에 반영되었습니다. 이 제품들에서 벨로루시어가 널리 사용됩니다. 민속학. A. E. Turenkov (1939)의 O. "The Flower of Happiness"도 노래 자료를 기반으로합니다.

소련을 위해 투쟁하는 동안 발트해 공화국의 권력은 사후에 행사되었습니다. 최초의 라트비아인. O. - A. Ya. Kalnin의 "Banyuta"(1919)와 Janis Medin의 오페라 딜로지 "Fire and Sword"(1916년 1부, 1919년 2부). O. "In the fire" Kalnin (1937)과 함께 이러한 작업을 수행합니다. 국가의 기반이 되었다 라트비아의 오페라 레퍼토리. Latv 입력 후. 라트비아의 오페라 작품에서 소련의 공화국. 작곡가는 새로운 테마에 반영되고 스타일과 음악이 업데이트됩니다. 언어 O. 현대 중. 올빼미. 라트비아 사람. 호수는 Towards a New Shore(1955), M. O. Zarinya의 The Green Mill(1958), A. Zhilinskis의 The Golden Horse(1965)로 유명합니다. 리투아니아에서 국가의 기초 오페라 t-ra는 처음에 놓였습니다. 20 세기 M. Petrauskas의 작품 - "Birute"(1906) 및 "Eglė - Queen of snakes"(1918). 첫 번째 올빼미 문학. O. - "부동산 근처의 마을"( "Paginerai") S. Shimkus (1941). 50년대. O. 역사에 나타납니다. ( "Pilenai"V. Yu. Klova, 1956) 및 현대. ( "Marite"A. I. Rachyunas, 1954) 테마. 리타스 개발의 새로운 단계. O.는 V. A. Laurushas의 "Lost Birds", V. S. Paltanavichyus의 "At the Crossroads"(둘 다 1967)로 대표됩니다. 에스토니아에서는 이미 1906년에 게시물이 있었습니다. A. G. Lemba (1906, 2nd edition "Daughter of Lembit", 1908)의 O. "Sabina" 전국적으로. est를 기반으로 한 음악 플롯. 나르. 멜로디. 콘에서. 20대 다른 오페라 작품이 등장했습니다. 같은 작곡가(The Maiden of the Hill, 1928 포함), E. Aava(1928)의 The Vickers, A. Vedro(1932)의 Kaupo 등 국가 발전을 위한 견고하고 광범위한 기반 . O.는 에스토니아가 소련에 편입된 후 만들어졌습니다. 첫 번째 est 중 하나입니다. 올빼미. O.는 G. G. Ernesaks(1946)의 "Pühajärv"입니다. 현대의 주제는 E. A. Kapp의 O. "The Fires of Vengeance"(1945) 및 "The Singer of Freedom"(1950, 2nd edition 1952)에 반영되었습니다. E. M. Tamberg(1965)의 "Iron House", V. R. Tormis의 "The Swan Flight"가 새로운 검색으로 표시되었습니다.

나중에 몰도바에서 오페라 문화가 발전하기 시작했습니다. 금형의 첫 번째 O. 언어와 국가 플롯은 후반에만 나타납니다. 50대 A. G. Styrcha의 Domnika(1950년, 1964년 2판)는 인기를 누리고 있습니다.

20세기 매스미디어의 광범한 발전과 관련하여. 특정을 고려하여 만들어진 특별한 유형의 라디오 및 텔레오페라가 있었습니다. 라디오나 TV 화면에서 들을 때의 지각 조건. 외국에서 V. Egk(1933)의 Columbus, Menotti의 The Old Maid and the Thief(1939), Henze의 The Country Doctor(1951, 신판 1965), "Don 키호테"(Iber, 1947). 이 O. 중 일부도 무대에 올랐습니다 (예 : "Columbus"). 텔레비전 오페라는 Stravinsky("The Flood", 1962), B. Martin("Marriage" 및 "How People Live", 둘 다 1952), Kshenec("Calculated and Played", 1962), Menotti("Amal and the the Night Guests", 1951; "Labyrinth", 1963) 및 기타 주요 작곡가. 소련에서는 라디오와 텔레비전 오페라가 특수 제작 유형입니다. 널리 채택되지 않았습니다. V. A. Vlasov와 V. G. Fere (The Witch, 1961)와 V. G. Agafonnikov (Anna Snegina, 1970)가 텔레비전을 위해 특별히 쓴 오페라는 단일 실험의 성격을 띤다. 올빼미. 라디오와 텔레비전은 몽타주와 문학 음악을 창조하는 길을 따른다. 유명한 오페라 작품의 작곡 또는 각색. 고전 그리고 현대 저자.

문학: Serov A.N., 러시아 오페라의 운명, "Russian Stage", 1864, Nos. 2 및 7, 그의 저서에서 동일: Selected Articles, vol. 그의 저서: Critical Articles, vol. 4, St. Petersburg, 1895; Cheshihin V., 러시아 오페라의 역사, St. Petersburg, 1902, 1905; Engel Yu .. 오페라에서 M., 1911; Igor Glebov(Asafiev B.V.), Symphonic Etudes, P., 1922, L., 1970; 그의, 러시아 오페라와 발레에 관한 편지, "Petrograd State Academic Theatres 주간", 1922, No. 3-7, 9-10, 12-13; 책에서 자신의 오페라: 소비에트 음악적 창의성에 관한 에세이, 1권, M.-L., 1947; Bogdanov-Berezovsky V. M., 소비에트 오페라, L.-M., 1940; Druskin M., 오페라의 뮤지컬 극작술에 대한 질문, L., 1952; Yarustovsky B., 러시아 오페라 고전 드라마투르기, M., 1953; 그의, XX 세기 오페라의 극작에 관한 에세이, 책. 1, M., 1971; 소비에트 오페라. 비평 기사 모음, M., 1953; Tigranov G., 아르메니아 뮤지컬 극장. 에세이 및 자료, 1-3권, E., 1956-75; 그의, 아르메니아의 오페라와 발레, M., 1966; Archimovich L., 우크라이나 클래식 오페라, K., 1957; Gozenpud A., 러시아 뮤지컬 극장. 기원에서 Glinka까지, L., 1959; 자신의 러시아 소비에트 오페라 극장, L., 1963; 그의 19세기 러시아 오페라 극장, 1-3권, L., 1969-73; 그의, 19세기와 20세기 초의 러시아 오페라 극장과 F. I. Chaliapin, L., 1974; 두 혁명 사이의 자신의 러시아 오페라 하우스, 1905-1917, L., 1975; Ferman V. E., 오페라 극장, M., 1961; Bernandt G., 혁명 이전 러시아와 소련(1736-1959)에서 처음 상연되거나 출판된 오페라 사전, M., 1962; Khokhlovkina A., 서유럽 오페라. 18세기 말 ~ 19세기 전반기. 에세이, M., 1962; Smolsky B. S., 벨로루시 뮤지컬 극장, 민스크, 1963; Livanova T.N., 러시아 오페라 비평, 1-2권, no. 1-4 (V. V. Protopopov와 공동으로 1호), M., 1966-73; Konen V., 극장 및 심포니, M., 1968, 1975; 오페라 드라마투르기의 질문, (sat.), ed.-comp. Yu.Tulin, M., 1975; Danko L., XX 세기의 코믹 오페라, L.-M., 1976.

러시아 오페라. 러시아 오페라 학교는 이탈리아, 독일, 프랑스와 함께 세계적으로 중요합니다. 이것은 주로 19세기 후반에 만들어진 여러 오페라와 20세기의 여러 작품에 관한 것입니다. 20세기 말 세계 무대에서 가장 인기 있는 오페라 중 하나. - 보리스 고두노프 M.P. Mussorgsky, 종종 스페이드의 여왕 P.I. Tchaikovsky (드물게 그의 다른 오페라, 주로 유진 오네긴); 큰 명성을 누리다 이고르 왕자 A.P. 보로딘; N. A.의 15개 오페라 중 Rimsky-Korsakov가 정기적으로 출연합니다. 황금 수평아리. 20세기 오페라 중에서. 가장 많은 레퍼토리 파이어 엔젤 SS 프로코피예프와 므첸스크 지구의 레이디 맥베스 D. D. Shostakovich. 물론 이것은 국립 오페라 학교의 부를 소진하지 않습니다. 또한보십시오오페라.

러시아 오페라의 등장(18세기). 오페라는 러시아 땅에 뿌리를 내린 최초의 서유럽 장르 중 하나였습니다. 이미 1730년대에 러시아에서 일했던 외국 음악가들이 작곡한 이탈리아 궁정 오페라가 만들어졌습니다. 센티미터. 러시아 음악); 세기 후반에는 대중 오페라 공연이 등장합니다. 오페라는 요새 극장에서도 상연됩니다. 최초의 러시아 오페라가 고려됩니다. Melnik - 마법사, 사기꾼 및 중매인 A.O. Ablesimov (1779)의 텍스트에 대한 Mikhail Matveyevich Sokolovsky는이 장르의 여러 인기 작품 인 초기 코믹 오페라의 토대를 마련한 노래 성격의 음악적 숫자가 포함 된 일상 코미디입니다. 그중에서도 Vasily Alekseevich Pashkevich(c. 1742–1797)의 오페라가 눈에 띕니다. 적은, 1782; 상트페테르부르크 고스티니 드보르, 1792; 마차의 문제, 1779) 및 Evstigney Ipatovich Fomin (1761–1800) ( 기지에 마부, 1787; 미국인, 1788). 오페라 세리아 장르에서 이 시대의 가장 위대한 작곡가인 드미트리 스테파노비치 보르트냔스키(1751-1825)의 두 작품은 프랑스 대본으로 쓰여졌습니다. 매(1786) 및 라이벌 아들, 또는 모던 스트라토닉스(1787); 드라마틱한 퍼포먼스를 위해 멜로드라마와 음악의 장르에 대한 흥미로운 실험들이 있다.

글린카 이전의 오페라(19세기). 다음 세기에는 러시아에서 오페라 장르의 인기가 더욱 높아집니다. 오페라는 19 세기 러시아 작곡가들의 열망의 정점이었으며 수년 동안이 장르 (예 : M.A. Balakirev, A.K. Lyadov)에서 단 하나의 작품을 남기지 않은 사람들조차도 특정 오페라 프로젝트를 숙고했습니다. 그 이유는 분명합니다. 첫째, 차이코프스키가 지적했듯이 오페라는 "대중의 언어로 말하는" 것을 가능하게 하는 장르였습니다. 둘째, 오페라는 19세기 러시아 사람들의 마음을 사로잡았던 주요 이데올로기적, 역사적, 심리적 및 기타 문제를 예술적으로 조명할 수 있게 했습니다. 마지막으로, 젊은 직업 문화에는 음악과 함께 단어, 무대 움직임, 그림 등을 포함하는 장르에 대한 강한 매력이 있었습니다. 또한 18 세기 뮤지컬 및 연극 장르에 남겨진 유산 인 특정 전통이 이미 발전했습니다.

19세기 초반 10년 동안 법원과 개인 극장이 시들었습니다.

독점은 국가의 손에 집중되었습니다. 두 수도의 음악 및 연극 생활은 매우 활기차게 진행되었습니다. 세기의 1/4 분기는 러시아 발레의 전성기였습니다. 1800년대에 상트페테르부르크에는 러시아, 프랑스, 독일, 이탈리아 등 4개의 극단이 있었는데, 그 중 처음 3개 극단은 드라마와 오페라를 모두 상연했으며 마지막은 유일한 오페라였습니다. 여러 극단도 모스크바에서 일했습니다. 이탈리아 기업가는 가장 안정적인 것으로 판명되었습니다. 1870 년대 초반에도 중요한 분야에서 활동 한 젊은 차이코프스키는 이탈리아 오페라와 비교하여 모스크바 러시아 오페라의 적절한 위치를 놓고 싸워야했습니다. 라엑유명한 이탈리아 가수에 대한 상트 페테르부르크 대중과 비평가의 열정을 조롱하는 에피소드 중 하나에서 Mussorgsky도 1870 년대에 작성되었습니다.

러시아 오페라는 세계 뮤지컬 극장의 재무부에 가장 귀중한 공헌입니다. 19세기 이탈리아, 프랑스, 독일 오페라, 러시아 오페라의 고전적 전성기 시대에 태어났다. 다른 국립 오페라 학교를 따라잡았을 뿐만 아니라 능가하기도 했습니다. 19세기 러시아 오페라 극장 발전의 다자간 성격. 세계 사실주의 예술의 풍요로움에 기여했습니다. 러시아 작곡가의 작품은 오페라 창의성의 새로운 영역을 열었고, 새로운 내용을 도입했으며, 뮤지컬 극작술을 구성하는 새로운 원칙을 도입하여 오페라 예술을 다른 유형의 음악적 창의성, 주로 교향곡에 더 가깝게 가져왔습니다.

러시아 고전 오페라의 역사는 선진 러시아 사상의 발전과 함께 러시아 사회 생활의 발전과 불가분의 관계가 있습니다. 오페라는 이미 18세기에 러시아 계몽주의가 발달한 70년대에 국가적 현상으로 등장한 이러한 연결로 구별되었습니다. 러시아 오페라 학교의 형성은 사람들의 삶을 진실되게 묘사하려는 열망으로 표현 된 계몽 사상의 영향을 받았습니다.

따라서 러시아 오페라는 첫 단계부터 민주적 예술로 구체화됩니다. 러시아 최초의 오페라의 줄거리는 종종 반 농노 아이디어를 제시했으며 이는 18 세기 말 러시아 드라마 극장과 러시아 문학의 특징이기도했습니다. 그러나 이러한 경향은 아직 통합 시스템으로 발전하지 않았으며 귀족에 대한 풍자적 묘사에서 지주에 의한 억압을 보여주는 농민의 삶의 장면에서 경험적으로 표현되었습니다. V. A. Pashkevich (c. 1742-1797)의 "Misfortune from the Carriage", Ya. B. Kniazhnin의 대본 (1779 년 게시); "준비 중인 코치맨" E. I. Fomina(1761-1800). A. O. Ablesimov의 텍스트와 M. M. Sokolovsky (두 번째 버전 - E. I. Fomina)의 음악이있는 오페라 "밀러 - 마법사, 사기꾼 및 중매인"에서 작품의 귀족에 대한 아이디어 농부가 표현되고 고귀한 스웨거가 조롱됩니다. M. A. Matinsky-V. A. Pashkevich "St. Petersburg Gostiny Dvor"의 오페라에서 고리 대금업자와 뇌물 수취인은 풍자적 인 형태로 묘사됩니다.

최초의 러시아 오페라는 행동 과정에서 뮤지컬 에피소드가 포함된 연극이었습니다. 대화 장면은 그들에게 매우 중요했습니다. 첫 번째 오페라의 음악은 러시아 민요와 밀접한 관련이 있습니다. 작곡가는 기존 민요의 멜로디를 광범위하게 사용하여 재 작업하여 오페라의 기초로 삼았습니다. 예를 들어 "Melnik"에서 캐릭터의 모든 특성은 다른 성격의 민요의 도움으로 제공됩니다. 오페라 "St. Petersburg Gostiny Dvor"에서는 민속 결혼식이 매우 정확하게 재현됩니다. "프레임 위의 마부"에서 Fomin은 민속 합창 오페라의 첫 번째 예를 만들어 후기 러시아 오페라의 전형적인 전통 중 하나를 세웠습니다.

러시아 오페라는 국가 정체성을 위한 투쟁 속에서 발전했다. 외국 극단을 후원하는 왕실과 귀족 사회의 정책은 러시아 예술의 민주주의에 반대했습니다. 러시아 오페라의 인물들은 서유럽 오페라를 모델로 오페라 기술을 익히는 동시에 민족적 경향의 자주성을 지켜야 했다. 수년 동안의 이러한 투쟁은 새로운 단계에서 새로운 형태를 취하는 러시아 오페라의 존재 조건이 되었습니다.

XVIII 세기의 오페라 코미디와 함께. 다른 오페라 장르도 등장했습니다. 1790년에 "Oleg's Initial Administration"이라는 제목으로 궁정에서 공연이 열렸는데, 텍스트는 여제 캐서린 2세가 썼고 음악은 작곡가 K. Canobbio, J. Sarti 및 V. A. Pashkevich가 공동으로 작곡했습니다. 공연은 본질적으로 오라토리오만큼 오페라가 아니었고 어느 정도는 19세기에 널리 퍼진 음악-역사적 장르의 첫 번째 사례로 간주될 수 있습니다. 러시아의 뛰어난 작곡가 D. S. Bortnyansky(1751-1825)의 작품에서 오페라 장르는 서정적 오페라인 The Falcon과 The Rival Son으로 대표되며, 그의 음악은 오페라 형식과 기술의 발전 측면에서 볼 수 있습니다. 서유럽 오페라의 현대 예와 동등합니다.

오페라 하우스는 18세기에 사용되었습니다. 큰 인기. 점차 수도의 오페라가 부동산 극장에 침투했습니다. 18세기와 19세기 초의 요새 극장. 오페라 공연 및 개인 역할에 대한 개별적인 고도로 예술적인 예를 제공합니다. 예를 들어 수도 무대에서 공연 한 가수 E. Sandunova 또는 Sheremetev Theatre P. Zhemchugova의 농노 배우와 같은 재능있는 러시아 가수와 배우가 지명됩니다.

18세기 러시아 오페라의 예술적 성취. 19 세기 1/4 분기 러시아 뮤지컬 극장의 급속한 발전에 박차를가했습니다.

러시아 뮤지컬 극장과 시대의 영적 삶을 결정한 아이디어와의 연결은 특히 1812 년 애국 전쟁과 Decembrist 운동 기간 동안 강화되었습니다. 역사 및 현대 플롯에 반영된 애국심의 주제는 많은 드라마 및 음악 공연의 기초가 됩니다. 사회적 불평등에 대한 항의 인본주의의 아이디어는 연극 예술에 영감을주고 비옥하게합니다.

XIX 세기 초. 아직 오페라에 대해 온전한 의미로 말할 수는 없습니다. 혼합 장르는 러시아 뮤지컬 극장에서 중요한 역할을합니다 : 음악이있는 비극, 보드빌, 코믹 오페라, 오페라 발레. Glinka 이전에 러시아 오페라는 대사 없이 음악에만 의존하는 극작술을 가진 작품을 알지 못했습니다.

Ozerov, Katenin, Shakhovsky의 비극을 위해 음악을 만든 O. A. Kozlovsky (1757-1831)는 "음악에 대한 비극"의 뛰어난 작곡가였습니다. 작곡가 A. A. Alyabyev (1787-1851) 및 A. N. Verstovsky (1799-1862)는 유머러스하고 풍자적 인 내용의 여러 보드빌을 위해 음악을 작곡 한 보드빌 장르에서 성공적으로 작업했습니다.

19세기 초 오페라 이전 시대의 전통을 발전시켰다. 특징적인 현상은 민요와 함께하는 일상 공연이었습니다. 이러한 종류의 예는 아마추어 작곡가 A.N. Titov(1769-1827)가 작곡한 "Yam", "Gatherings", "Girlfriend" 등의 공연입니다. 그러나 이것은 그 시대의 풍부한 연극 생활을 소진시키는 것과는 거리가 멀다. 그 시대의 전형적인 낭만적 경향에 대한 성향은 동화 같은 환상적인 공연에 대한 사회의 열정으로 표현되었습니다. 여러 부분으로 구성된 Dnieper Mermaid (Lesta)는 특별한 성공을 거두었습니다. 소설의 장을 구성한이 오페라의 음악은 작곡가 S. I. Davydov, K. A. Kavos가 썼습니다. 오스트리아 작곡가 Cauer의 음악이 부분적으로 사용되었습니다. "The Dnieper Mermaid"는 호화로운 제작 덕분에 Pushkin의 "Mermaid"의 줄거리를 주요 기능으로 예상하는 재미있는 음모로 인해 오랫동안 무대를 떠나지 않았습니다. 선율적이고 단순하며 접근하기 쉬운 음악.

어려서부터 러시아에서 활동하며 러시아 오페라 공연의 발전에 많은 노력을 기울인 이탈리아의 작곡가 카보스(K. A. Kavos, 1775-1840)는 역사-영웅 오페라 창작에 첫 시도를 했다. 1815 년에 그는 상트 페테르부르크에서 오페라 Ivan Susanin을 상연했으며, 17 세기 초 폴란드 침공에 대한 러시아 국민의 투쟁 에피소드 중 하나를 바탕으로 국가 애국심을 만들려고했습니다. 성능. 이 오페라는 나폴레옹에 대한 해방 전쟁에서 살아남은 사회 분위기에 반응했으며 Kavos의 오페라는 전문 음악가의 기술, 러시아 민속에 대한 의존, 생생한 행동으로 인해 현대 작품 중에서 유리하게 구별됩니다. 그럼에도 불구하고 그것은 같은 무대에서 행진하는 프랑스 작곡가들의 수많은 "구조 오페라"수준을 넘어서지 않습니다. Kavos는 Glinka가 20년 후에 동일한 플롯을 사용하여 만든 민속 비극적 서사시를 만들 수 없었습니다.

XIX 세기의 1/3의 가장 큰 작곡가. vaudeville의 음악 작가로 언급 된 A. N. Verstovsky는 인정 받아야합니다. 그의 오페라 "Pan Tvardovsky"(post, 1828), "Askold's Grave"(post, 1835), "Vadim"(post, 1832) 등은 Glinka 이전 러시아 오페라 발전의 새로운 단계를 구성했습니다. 러시아 낭만주의의 특징은 Verstovsky의 작업에 반영되었습니다. 러시아 고대, Kievan Rus의 시적 전통, 동화 및 전설이 그의 오페라의 기초를 형성합니다. 그들에게 중요한 역할은 마법의 요소입니다. 민요 예술을 기반으로 한 뿌리 깊은 Verstovsky의 음악은 가장 넓은 의미에서 민속 기원을 흡수했습니다. 그의 캐릭터는 민속 예술의 전형입니다. 오페라 드라마투르기의 대가인 Verstovsky는 환상적인 콘텐츠로 낭만적으로 다채로운 장면을 만들었습니다. 그의 스타일의 예는 오늘날까지 레퍼토리에 남아있는 오페라 "Askold 's Grave"입니다. Verstovsky의 최고의 기능인 멜로디 선물, 뛰어난 극적인 감각, 캐릭터의 생생하고 특징적인 이미지를 만드는 능력을 보여주었습니다.

Verstovsky의 작품은 역사적 중요성이 매우 크지만 러시아 오페라의 전 고전 시대에 속합니다. 그들은 러시아 오페라 음악 발전에서 이전 및 현대 시대의 모든 최고의 특성을 요약하고 개발합니다.

30대부터. 19 세기 러시아 오페라는 고전기의 실패에 접어든다. 러시아 오페라 고전 M. I. Glinka (1804-1857)의 창시자는 역사적이고 비극적 인 오페라 "Ivan Susanin"(1830)과 멋진 서사시 "Ruslan and Lyudmila"(1842)를 만들었습니다. 이 기둥은 러시아 뮤지컬 극장의 가장 중요한 두 영역인 역사적 오페라와 마술 서사시의 토대를 마련했습니다. Glinka의 창작 원칙은 차세대 러시아 작곡가에 의해 구현되고 개발되었습니다.

Glinka는 Decembrism의 아이디어에 가려진 시대에 예술가로 발전하여 오페라의 이념적, 예술적 내용을 새롭고 중요한 수준으로 끌어 올릴 수있었습니다. 그는 일반화되고 깊은 사람들의 이미지가 전체 작업의 중심이 된 최초의 러시아 작곡가였습니다. 그의 작품에서 애국심이라는 주제는 독립을위한 인민의 투쟁이라는 주제와 불가분의 관계가 있습니다.

이전 러시아 오페라는 글린카 오페라의 등장을 준비했지만 초기 러시아 오페라와의 질적 차이는 매우 크다. Glinka의 오페라에서 예술적 사고의 사실주의는 사적인 측면에서 드러나지 않고 오페라의 아이디어, 주제 및 음모를 음악적이고 극적으로 일반화할 수 있는 전체론적 창작 방법으로 작용합니다. Glinka는 국적의 문제를 새로운 방식으로 이해했습니다. 그에게 그것은 민요의 음악적 발전뿐만 아니라 삶의 음악, 사람들의 감정 및 생각, 특징적인 특징의 공개에 대한 깊고다면적인 반영을 의미했습니다. 그 영적인 모습. 작곡가는 민속 생활을 반영하는 데 자신을 국한시키지 않고 민속 세계관의 전형적인 특징을 음악으로 구현했습니다. Glinka의 오페라는 통합 음악 및 드라마 작품입니다. 거기에는 대화가 없으며 내용은 음악으로 표현됩니다. 코믹 오페라의 분리되고 미개발된 솔로 및 합창 곡 대신에 Glinka는 크고 상세한 오페라 형식을 만들어 진정한 교향곡 기술로 개발합니다.

"Ivan Susanin"에서 Glinka는 러시아의 영웅적인 과거를 노래했습니다. 훌륭한 예술적 진실로 러시아 사람들의 전형적인 이미지가 오페라에 구현됩니다. 뮤지컬 드라마의 발전은 다양한 국가 음악계의 대립에 기반을 두고 있다.

"Ruslan and Lyudmila"는 민속 서사시 러시아 오페라의 시작을 알리는 오페라입니다. 러시아 음악에서 "Ruslan"의 의미는 매우 큽니다. 오페라는 연극 장르뿐만 아니라 교향곡에도 영향을 미쳤습니다. 장엄한 영웅적이고 신비한 마법과 "Ruslan"의 다채로운 동양적 이미지는 오랫동안 러시아 음악에 영양을 공급했습니다.

Glinka는 40-50 년대의 전형적인 예술가 인 A. S. Dargomyzhsky (1813-1869)가 이어졌습니다. 19 세기 Glinka는 Dargomyzhsky에 큰 영향을 미쳤지 만 동시에 그의 작품에는 새로운 사회적 조건, 러시아 예술에 온 새로운 주제에서 태어난 새로운 자질이 나타났습니다. 굴욕적인 사람에 대한 따뜻한 동정, 사회적 불평등의 유해성에 대한 인식, 사회 질서에 대한 비판적 태도는 문학의 비판적 사실주의 아이디어와 관련된 Dargomyzhsky의 작업에 반영됩니다.

Dargomyzhsky의 오페라 작곡가로서의 길은 V. Hugo (1847 년 게시) 이후 오페라 "Esmeralda"의 창작으로 시작되었으며 작곡가의 중앙 오페라 작업은 "인어"(A. S. Pushkin의 드라마 기반)로 간주되어야합니다. 1856년 이 오페라에서 Dargomyzhsky의 재능이 완전히 드러났고 그의 작품의 방향이 결정되었다. 밀러 나타샤의 사랑하는 딸과 왕자 사이의 사회적 불평등 드라마는 주제의 관련성으로 작곡가를 매료 시켰습니다. Dargomyzhsky는 환상적인 요소를 경시하여 플롯의 극적인 측면을 강화했습니다. Rusalka는 러시아 최초의 일상 가사-심리 오페라입니다. 그녀의 음악은 매우 포크적입니다. 노래 기반으로 작곡가는 영웅의 살아있는 이미지를 만들고 주인공 부분에서 선언적인 스타일을 개발하고 앙상블 장면을 개발하여 크게 각색했습니다.

Dargomyzhsky의 마지막 오페라 인 The Stone Guest는 Pushkin (작곡가 사망 후 1872 년 게시) 이후 이미 속해 있습니다. 러시아 Onera의 또 다른 개발 기간. Dargomyzhsky는 음성 억양을 반영하는 사실적인 음악 언어를 만드는 작업을 설정했습니다. 작곡가는 아리아, 앙상블, 합창단과 같은 전통적인 오페라 형식을 여기에서 버렸습니다. 오페라의 보컬 부분이 오케스트라 부분보다 우세하며 The Stone Guest는 나중에 Rimsky-Korsakov의 Mozart와 Salieri, Rachmaninov의 Salieri가 발표 한 소위 실내 암송 오페라 인 러시아 오페라의 후속 기간의 방향 중 하나의 토대를 마련했습니다. 인색한 기사 등. 이 오페라의 특징은 모두 푸쉬킨의 "작은 비극"의 변경되지 않은 전체 텍스트를 기반으로한다는 것입니다.

60년대. 러시아 오페라는 새로운 발전 단계에 접어 들었습니다. Balakirev 서클 ( "The Mighty Handful") 작곡가와 차이코프스키의 작품이 러시아 무대에 등장합니다. 같은 해에 A. N. Serov와 A. G. Rubinshtein의 작업이 펼쳐졌습니다.

음악 평론가로 유명해진 A. N. Serov (1820-1871)의 오페라 작품은 러시아 극장의 매우 중요한 현상에 속할 수 없습니다. 그러나 한때 그의 오페라는 긍정적인 역할을 했다. 오페라 "Judith"(1863 년 포스트)에서 Serov는 성경 이야기를 바탕으로 영웅적이고 애국적인 캐릭터의 작품을 만들었습니다. 오페라 Rogneda (1865 년 작곡 및 상연)에서 그는 Ruslan의 계보를 계속하기를 원하면서 Kievan Rus 시대로 향했습니다. 그러나 오페라는 충분히 깊지 않았습니다. 큰 관심은 A. N. Ostrovsky의 드라마 Do n't Live As You Want (1871 년 게시)를 기반으로 한 Serov의 세 번째 오페라 The Enemy Force입니다. 작곡가는 음악이 기본 소스를 기반으로해야하는 노래 오페라를 만들기로 결정했습니다. 그러나 오페라에는 하나의 극적인 개념이 없으며 그 음악은 사실적인 일반화의 높이까지 올라가지 않습니다.

오페라 작곡가인 A. G. Rubinshtein(1829-1894)은 역사적인 오페라 The Battle of Kulikovo(1850)를 작곡하는 것으로 시작했습니다. 그는 서정적 오페라 "Feramors"와 로마이가 오페라 "Children of the Steppes"를 만들었습니다. 루빈스타인의 최고의 오페라인 <레르몬토프 이후의 악마>(1871)는 레퍼토리로 남아 있다. 작곡가가 Transcaucasia의 민속 음악을 사용한 악마는 지역 풍미를 가져옵니다. 오페라 "Demon"은 주인공에서 40-50 대 남성의 이미지를 본 동시대 사람들 사이에서 성공했습니다.

The Mighty Handful과 Tchaikovsky 작곡가의 오페라 작품은 1960 년대의 새로운 미학과 밀접하게 연결되었습니다. 새로운 사회적 조건은 러시아 예술가들에게 새로운 과제를 제시합니다. 시대의 주요 문제는 모든 복잡성과 불일치로 인해 민속 생활 예술 작품에 반영되는 문제였습니다. 혁명적 민주주의자들(대부분 체르니셰프스키)의 사상의 영향은 보편적으로 중요한 주제와 줄거리에 대한 매력, 작품의 인본주의적 지향, 높은 영적 힘에 대한 찬양으로 음악적 창의성 분야에 반영되었습니다. 사람들. 현재 특히 중요한 것은 역사적 주제입니다.

그해 사람들의 역사에 대한 관심은 작곡가에게만 해당되는 것이 아닙니다. 역사 과학 자체가 널리 발전하고 있습니다. 작가, 시인 및 극작가는 역사적 주제로 전환합니다. 역사화의 발전. 쿠데타, 농민 봉기, 대중 운동의 시대가 가장 큰 관심사입니다. 국민과 왕권의 관계 문제가 중요한 자리를 차지하고 있습니다. M. P. Mussorgsky와 N. A. Rimsky-Korsakov의 역사적인 오페라는이 주제에 전념합니다.

M. P. Mussorgsky(1839-1881), Boris Godunov(1872), Khovanshchina(1882년 Rlmsky-Korsakov가 완성)의 오페라는 러시아 고전 오페라의 역사적이고 비극적인 분야에 속합니다. 작곡가는 패러디가 두 작품의 중심에 있기 때문에 "민속 뮤지컬 드라마"라고 불렀습니다. "Boris Godunov"(Pushkin의 같은 이름의 비극을 기반으로 함)의 주요 아이디어는 갈등입니다 : 차르-사람. 이 아이디어는 개혁 이후 시대에 가장 중요하고 예리한 아이디어 중 하나였습니다. Mussorgsky는 Rus의 과거 사건에서 현재와의 유추를 찾고 싶었습니다. 민중의 이익과 독재권력의 모순은 민중운동이 노골적인 봉기로 변질되는 장면에서 드러난다. 동시에 작곡가는 Tsar Boris가 경험 한 "양심의 비극"에 큰 관심을 기울입니다. Boris Godunov의다면적인 이미지는 세계 오페라의 가장 높은 업적 중 하나입니다.

Mussorgsky의 두 번째 뮤지컬 드라마인 Khovanshchina는 17세기 말 Streltsy 반란에 헌정되었습니다. 대중 운동의 모든 활기찬 힘의 요소는 민요 예술에 대한 창의적 재고를 기반으로 한 오페라 음악으로 훌륭하게 표현됩니다. "Khovanshchina"의 음악은 "Boris Godunov"의 음악과 마찬가지로 높은 비극이 특징입니다. 두 오페라의 멜로디 마일의 기본은 노래와 선언적인 시작의 합성입니다. 그의 개념의 참신함에서 탄생한 무소르그스키의 혁신과 음악 극작술의 문제에 대한 매우 독창적인 해결책으로 인해 우리는 그의 두 오페라를 뮤지컬 극장의 최고 업적으로 평가합니다.

A. P. Borodin (1833-1887)의 오페라 "Prince Igor"는 또한 역사적인 음악 작품 그룹에 인접합니다 (그 줄거리는 "이고르의 캠페인 이야기"였습니다). 조국에 대한 사랑의 아이디어, 적의 얼굴에 단합한다는 아이디어는 훌륭한 드라마 (Putivl의 장면)로 작곡가에 의해 드러납니다. 작곡가는 그의 오페라에서 서사적 장르의 기념비와 서정적 시작을 결합했습니다. Polovtsian 캠프의 시적 구체화에서 Glinka의 계율이 구현됩니다. 차례로 Borodin의 동양 음악 사진은 많은 러시아와 소련 작곡가에게 영감을 주어 동양 이미지를 만들었습니다. Borodin의 놀라운 멜로디 선물은 오페라의 폭 넓은 노래 스타일로 나타났습니다. Borodin은 오페라를 끝낼 시간이 없었습니다. Prince Igor는 Rimsky-Korsakov와 Glazunov에 의해 완성되었으며 1890년에 그들의 버전으로 상연되었습니다.

역사 뮤지컬 드라마의 장르는 N. L. Rimsky-Korsakov(1844-1908)에 의해 개발되었습니다. Ivan the Terrible (오페라 The Woman of Pskov, 1872)에 반항하는 프 스코프의 자유인은 서사시적인 장엄함으로 작곡가에 의해 묘사됩니다. 왕의 이미지는 진정한 드라마의 커튼입니다. 여 주인공 올가와 관련된 오페라의 서정적 요소는 장엄한 비극적 개념에 숭고한 부드러움과 부드러움의 특징을 도입하여 음악을 풍부하게합니다.

P. I. 차이코프스키(P. I. Tchaikovsky, 1840-1893)는 그의 야리코-심리학적 명예로 가장 유명하며 세 편의 역사적인 오페라의 저자였습니다. Oprichnik (1872) 및 Mazepa (1883) 오페라는 러시아 역사의 극적인 사건에 전념합니다. 오페라 The Maid of Orleans (1879)에서 작곡가는 프랑스 역사로 전환하여 프랑스 국민여 주인공 Joan of Arc의 이미지를 만들었습니다.

차이코프스키의 역사적인 오페라의 특징은 그의 서정적 오페라와의 친족 관계입니다. 작곡가는 개인의 운명을 통해 묘사 된 시대의 특징을 드러낸다. 그의 영웅 이미지는 사람의 복잡한 내면 세계 전달의 깊이와 진실성으로 구별됩니다.

XIX 세기 러시아 오페라의 민속 역사 뮤지컬 드라마 외에도. N. A. Rimsky-Korsakov, Rimsky-Korsakov 최고의 동화 오페라 인 "The Snow Maiden"(1881), "Sadko"(1896), "Kashei"로 널리 알려진 민속 동화 오페라가 중요한 장소를 차지하고 있습니다. 불멸"(1902) 및 "황금 수탉 (1907). 타타르-몽골 침공에 대한 민속 전설을 바탕으로 한 오페라 The Tale of the Invisible City Kitezh와 Maiden Fevronia (1904)가 특별한 장소를 차지하고 있습니다.

Rimsky-Korsakov의 오페라는 민화 장르의 다양한 해석에 놀라움을 금치 못합니다. 이것은 Snow Maiden에 대한 멋진 동화, 고대 Novgorod의 강력한 그림 또는 20 세기 초 러시아의 이미지로 표현 된 자연에 대한 고대 민속 아이디어의 시적 해석입니다. 차가운 왕국 Kashcheev의 우화 적 이미지에서 엄청나게 인기있는 판화 ( "The Golden Cockerel")의 썩은 독재 체제에 대한 진정한 풍자. 경우에 따라 등장인물의 음악적 묘사 방식과 림스키-코르사코프의 음악 극작술의 기법이 다르다. 그러나 그의 모든 오페라에서 민속 사상, 민속 신앙, 사람들의 세계관에 침투하는 작곡가의 깊은 창작력을 느낄 수 있습니다. 그의 오페라 음악의 기초는 민요의 언어입니다. 지원, 파스 민속 예술, 다양한 민속 장르의 사용을 통한 캐릭터의 특성화는 Rimsky-Korsakov의 전형적인 특징입니다.

Rimsky-Korsakov 작품의 정점은 오페라 The Legend of the Invisible City Kitezh와 Maiden Fevronia에서 Rus 사람들의 애국심에 대한 장엄한 서사시입니다. 주제.

다른 종류의 러시아 고전 오페라 중에서 주요 장소 중 하나는 Dargomyzhsky의 Rusalka가 시작한 서정 심리학 오페라에 속합니다. 러시아 음악에서 이 장르의 가장 위대한 대표자는 차이코프스키로, 세계 오페라 레퍼토리에 포함된 뛰어난 작품인 Eugene Onegin(1877-1878), The Enchantress(1887), The Queen of Spades(1890), Iolanta(1891)의 저자입니다. ). 차이코프스키의 혁신은 인본주의 사상, 인간의 굴욕에 대한 항의, 인류의 더 나은 미래에 대한 믿음에 전념하는 그의 작업 방향과 관련이 있습니다. 사람들의 내면 세계, 관계, 감정은 차이코프스키의 오페라에서 연극 적 효과와 일관된 교향곡 발전을 결합하여 드러납니다. 차이코프스키의 오페라 작품은 19세기 세계 음악 및 연극 예술의 가장 위대한 현상 중 하나입니다.

러시아 작곡가 코미디 오페라의 오페라 작품에는 더 적은 수의 작품이 있습니다. 그러나 이 소수의 샘플은 국가 정체성으로 구별됩니다. 재미있는 가벼움, 코미디가 없습니다. 그들 대부분은 Dikanka 근처 농장의 저녁에 나오는 Gogol의 이야기를 기반으로했습니다. 각 오페라 코미디는 작가의 개별적인 특성을 반영했습니다. Tchaikovsky의 오페라 "Cherevichki"(1885; 초판- "Blacksmith Vakula", 1874)에서 서정적 요소가 우세합니다. Rimsky-Korsakov (1878)의 "May Night"에서-환상적이고 의식적입니다. Mussorgsky의 Sorochinskaya Fair (70 년대, 미완성)-순전히 코미디. 이 오페라는 캐릭터 코미디 장르에서 사람들의 삶을 사실적으로 반영하는 기술의 예입니다.

러시아 뮤지컬 극장의 소위 병렬 현상은 러시아 오페라 클래식에 인접해 있습니다. 우리는 러시아 오페라 발전에 기여했지만 지속적인 중요성을 지닌 작품을 만들지 않은 작곡가들의 작품을 염두에 두고 있습니다. 여기에서 60-70 년대의 저명한 음악 평론가 인 Balakirev 서클의 일원 인 Ts.A. Cui (1835-1918)의 오페라 이름을 지정할 필요가 있습니다. 기존의 낭만적 인 스타일을 떠나지 않는 Cui의 오페라 "William Ratcliffe"와 "Angelo"는 드라마가없고 때로는 밝은 음악이 없습니다. Cui의 이후 지원은 덜 중요합니다 ( "The Captain 's Daughter", "Mademoiselle Fifi"등). 클래식 오페라와 함께 상트 페테르부르크 오페라의 지휘자이자 음악 감독 인 E. F. Napravnik (1839-1916)의 작업이 함께했습니다. 가장 유명한 것은 그의 오페라 "Dubrovsky"로, 차이코프스키의 서정적 오페라의 전통으로 구성되었습니다.

19세기 말에 연주한 작곡가들. 오페라 무대에서는 오페라“Dream on. Volga”, “Rafael”, “Nal and Damayanti”, M. M. Ishyulitova-Ivanov (1859-1935), I. S. Turgenev를 기반으로 한 오페라 “Asya”는 차이코프스키의 서정적 방식으로 작성되었습니다. Aeschylus에 따르면 S. I. Taneyev (1856-1915)의 러시아 오페라 "Oresteia"의 역사에서 두드러지며 연극 오라토리오로 설명 될 수 있습니다.

동시에 S. V. Rachmaninov (1873-1943)는 오페라 작곡가로 활동하여 음악원이 끝날 무렵 (1892) 차이코프스키의 전통에서 유지되는 단막 원 "Aleko"를 작곡했습니다. 라흐마니노프의 후기 오페라인 Francesca da Rimini(1904)와 The Miserly Knight(1904)는 오페라 칸타타 형식으로 작곡되었습니다. 그 안에서 무대 동작은 최대한 압축되고 음악적 및 교향곡의 시작은 매우 발전됩니다. 재능 있고 밝은이 오페라의 음악은 작가의 창작 스타일의 독창성을 각인합니다.

20세기 초 오페라 예술의 덜 중요한 현상. A. T. Grechaninov (1864-1956) "Dobrynya Nikitich"의 오페라 이름을 지정합시다. 멋진 서사시 클래식 오페라의 특징이 로맨스 가사로 바뀌었고 A. D. Kastalsky (1856-1926) "Clara Milic "는 진정성 있는 감동적인 서정성과 자연주의적 요소가 어우러진 곡이다.

XIX 세기 - 러시아 오페라 고전의 시대. 러시아 작곡가들은 드라마, 서사시, 영웅적 비극, 희극 등 다양한 장르의 오페라에서 걸작을 창작했습니다. 이들은 오페라라는 혁신적인 콘텐츠와 긴밀하게 연결되어 탄생한 혁신적인 뮤지컬 드라마를 탄생시켰다. 대중 민속 장면의 중요하고 정의적인 역할, 등장 인물의 다면적 특성화, 전통 오페라 형식의 새로운 해석 및 전체 작품의 음악적 통합에 대한 새로운 원칙의 창조는 러시아 오페라 고전의 특징입니다.

진보적인 철학적, 미적 사상과 공적 생활의 영향을 받아 발전한 러시아 고전 오페라는 19세기 러시아 민족 문화의 두드러진 측면 중 하나가 되었습니다. 지난 세기 러시아 오페라의 전체 발전 경로는 러시아 인민의 위대한 해방 운동과 평행을 이루었습니다. 작곡가들은 휴머니즘과 민주적 계몽의 고상한 사상에서 영감을 얻었고 그들의 작품은 우리에게 진정으로 사실적인 예술의 훌륭한 예입니다.