Artis Ukiyo-e Terhebat. Hokusai - dunia Jepun Kontemporari artis Jepun suami isteri

Seni Jepun secara amnya dan lukisan Jepun khususnya kelihatan rumit dan kabur bagi kebanyakan orang Barat, sama seperti budaya Timur secara umumnya. Lebih-lebih lagi, jarang ada sesiapa yang membezakan antara gaya lukisan Jepun. Tetapi adalah baik untuk orang yang berbudaya, terutamanya jika dia seorang ahli kecantikan, untuk memahami topik ini.

Budaya dan lukisan Jepun pada zaman dahulu

Wakil-wakil budaya Jomon awal (sekitar 7000 SM) terlibat dalam pembuatan patung tanah liat, terutamanya patung wanita. Dalam tempoh kemudian, pendatang baru mula membuat senjata tembaga, loceng gangsa dengan gambar yang dilukis secara skematik padanya, dan seramik primitif. Lukisan dinding makam purba dan imej garis pada loceng dianggap sebagai contoh terawal lukisan Jepun.

Pengaruh agama Buddha dan budaya Cina

Perkembangan seni halus di Jepun mendapat dorongan yang serius dengan kedatangan agama Buddha dari Korea dan China ke wilayah Jepun. Orang yang berkuasa menunjukkan minat khusus terhadap agama Buddha. Lukisan abad ke-7-9 hampir sepenuhnya meniru tradisi visual Cina; subjek utama pada masa itu adalah Buddha, segala sesuatu yang berkaitan dengannya, dan pemandangan dari kehidupan dewa-dewa Buddha. Pada abad ke-10, lukisan Jepun sangat dipengaruhi oleh sekolah Buddhisme Tanah Tulen.

Pada abad ke-6-7, pembinaan kuil dan biara bermula di seluruh Jepun, yang memerlukan hiasan tematik khas. Lukisan dinding kuil merupakan salah satu peringkat awal dalam pembangunan seni halus Jepun. Contoh nyata lukisan kuil ialah mural di kuil Asuka-dera, Shitenoji dan Horyuji. Beberapa karya yang paling cemerlang pada masa itu adalah di Dewan Emas Kuil Horyuji. Sebagai tambahan kepada lukisan dinding, patung Buddha dan dewa-dewa lain dipasang di kuil.

Pada pertengahan zaman Hainan, sekolah lukisan Cina telah digantikan di Jepun dengan gayanya sendiri yang dipanggil Yamato-e. Lukisan dalam gaya Yamato-e menghiasi skrin lipat dan pintu gelangsar; sebagai peraturan, subjek utama Yamato-e ialah Kyoto dan pemandangan dari kehidupan bandar. Lembaran landskap dan ilustrasi pada skrol (emaki) sebagai format utama lukisan muncul hampir serentak dengan Yamato-e. Karya paling terkenal dalam gaya emaki boleh dilihat dalam epik Jepun The Tale of Genji, yang bermula sejak 1130, walaupun ia mungkin ditulis lebih awal.

Semasa peralihan kuasa dari bangsawan kepada samurai, bangsawan, yang takut kehilangan kekayaan mereka, sering melaburkan dana mereka dalam karya seni, melindungi artis terkenal pada masa itu dalam setiap cara yang mungkin. Contoh karya klasik yang dipilih oleh bangsawan, sebagai peraturan, direka dalam gaya konservatisme. Samurai lebih suka realisme; semasa zaman Kamakura (1185-1333) kedua-dua aliran ini berlaku dalam seni halus Jepun.

Pada abad ke-13, budaya Jepun berasa cukup kuat dipengaruhi oleh Buddhisme Zen. Lukisan dakwat diamalkan secara meluas di biara Kamakura dan Kyoto; lukisan dakwat paling kerap digunakan untuk menghias skrol, hiasan dinding, atau skrol tiub. Lukisan dakwat adalah dalam gaya monokrom yang ringkas, pada asasnya gaya lukisan yang datang ke Jepun dari empayar China of the Song (960-1279) dan Yuan (1279-1368). Menjelang akhir tahun 1400, lukisan dakwat monokrom yang dipanggil shibokuga menjadi sangat popular.

Lukisan zaman Edo

Pada tahun 1600, Keshogunan Tokugawa berkuasa, dan ketenteraman dan kestabilan relatif memerintah di negara ini, dan ini ditunjukkan dalam semua bidang kehidupan - dari ekonomi hingga politik. Golongan pedagang mula menjadi kaya dan menunjukkan minat dalam seni.

Lukisan dari tempoh 1624-1644 menggambarkan wakil pelbagai kelas dan estet masyarakat Jepun berkumpul di salah satu daerah Kyoto berhampiran Sungai Kamogawa. Kawasan yang sama wujud di kedua-dua Osaka dan Edo. Gaya ukiyo-e yang berasingan muncul dalam lukisan; subjeknya tertumpu pada titik panas dan teater kabuki. Karya dalam gaya ukiyo-e menjadi popular di seluruh negara; menjelang awal abad ke-18, gaya ukiyo-e paling kerap diwakili dalam bentuk potongan kayu. Gambar cetakan pertama dalam gaya ini didedikasikan untuk subjek atau teks sensual dan erotik. Pada penghujung abad ke-18, pusat aktiviti melukis ukiyo-e beralih dari wilayah Kyoto-Osaka ke Edo, di mana potret pelakon kabuki dan imej jelita Jepun menjadi tumpuan utama dalam galeri subjek.

Akhir abad ke-18 dianggap sebagai era keemasan gaya ukiyo-e. Pada masa ini, artis Jepun yang hebat Torii Kienaga sedang bekerja, menggambarkan terutamanya kecantikan Jepun yang anggun dan bogel. Selepas 1790, aliran dan artis baru mula muncul di persada seni, antara yang paling terkenal ialah Kitagawa Utamaro, Katsuhika Hokusai, Ando Hiroshige dan Utagawa Kunieshi.

Bagi wakil sekolah seni Barat, gaya ukiyo-e Jepun telah menjadi bukan sekadar salah satu gaya lukisan eksotik, tetapi sumber inspirasi sebenar dan meminjam butiran tertentu. Artis seperti Edgar Degas dan Vincent van Gogh menggunakan gubahan gaya, perspektif dan warna Ukiyo-e dalam karya mereka. Dalam seni Barat, tema alam semula jadi tidak begitu popular, tetapi di Jepun alam semula jadi dan haiwan dicat agak kerap, yang seterusnya agak meluaskan tema tuan Barat. Artis Perancis dan pakar kaca Emile Galle menggunakan lakaran ikan oleh Hokusai dalam hiasan pasunya.

Semasa era Maharaja Meiji (1868-1912) dan dasar pro-Baratnya, gaya ukiyo-e, sentiasa berkait rapat dengan budaya kebangsaan rakyat, dengan ketara memperlahankan perkembangannya dan boleh dikatakan jatuh ke dalam kerosakan. Semakin banyak motif Barat muncul dalam karya artis Jepun; gaya seni Eropah sebahagian besarnya mempengaruhi karya artis Jepun seperti Maruyama Okio, Matsumara Goshun dan Ito Yakushu, yang, walaupun semua Eropahisasi mereka, dengan mahir menggabungkan tradisi Jepun, Lukisan Cina dan Barat dalam karya mereka.

Lukisan Jepun kontemporari

Semasa zaman Meiji, budaya Jepun mengalami transformasi yang agak radikal: teknologi Barat diperkenalkan di mana-mana, dan proses ini tidak memintas seni halus. Kerajaan menghantar ramai artis untuk belajar di Eropah dan Amerika Syarikat, manakala dalam budaya terdapat perjuangan yang agak ketara antara inovasi Barat dan gaya tradisional Jepun. Ini berterusan selama beberapa dekad, dan akhirnya pengaruh Barat dalam seni Jepun menjadi dominan semasa zaman Taisho (1912-1926).

Hokusai, seorang artis Jepun abad ke-18, mencipta jumlah karya seni yang memeningkan. Hokusai bekerja sehingga usia tua, selalu menegaskan bahawa "segala yang dia lakukan sebelum umur 70 tahun adalah tidak berbaloi dan tidak patut diberi perhatian."

Mungkin artis Jepun yang paling terkenal di dunia, dia sentiasa menonjol daripada rakan seangkatannya kerana minatnya dalam kehidupan seharian. Daripada menggambarkan geisha glamor dan samurai heroik, Hokusai melukis pekerja, nelayan, dan adegan genre bandar, yang belum lagi menjadi subjek minat seni Jepun. Dia juga mengambil pendekatan Eropah untuk komposisi.

Berikut ialah senarai pendek istilah penting untuk membantu anda menavigasi sedikit kerja Hokusai.

1 Ukiyo-e ialah cetakan dan lukisan yang popular di Jepun dari tahun 1600-an hingga 1800-an. Pergerakan dalam seni halus Jepun yang telah berkembang sejak zaman Edo. Istilah ini berasal dari perkataan "ukyo", yang bermaksud "dunia yang boleh berubah". Uikiye adalah petunjuk kepada kegembiraan hedonistik kelas pedagang yang sedang berkembang. Ke arah ini, Hokusai adalah artis yang paling terkenal.

Hokusai menggunakan sekurang-kurangnya tiga puluh nama samaran sepanjang hidupnya. Walaupun fakta bahawa penggunaan nama samaran adalah amalan biasa di kalangan artis Jepun pada masa itu, beliau jauh melebihi pengarang utama lain dalam bilangan nama samaran. Nama samaran Hokusai sering digunakan untuk membuat periodisasi peringkat kerjanya.

2 Zaman Edo ialah masa antara 1603 dan 1868 dalam sejarah Jepun, apabila pertumbuhan ekonomi dan minat baru dalam seni dan budaya telah diperhatikan.

3 Shunrō ialah nama alias pertama Hokusai.

4 Shunga secara literal bermaksud "gambar musim bunga" dan "musim bunga" ialah slanga Jepun untuk seks. Oleh itu, ini adalah ukiran yang bersifat erotik. Mereka dicipta oleh artis yang paling dihormati, termasuk Hokusai.

5 Surimono. “surimono” terbaharu, sebagaimana dipanggil cetakan tersuai ini, merupakan satu kejayaan besar. Tidak seperti cetakan ukiyo-e, yang bertujuan untuk khalayak ramai, surimono jarang dijual kepada orang ramai.

6 Gunung Fuji ialah gunung simetri yang paling tinggi di Jepun. Selama bertahun-tahun, ia telah memberi inspirasi kepada ramai artis dan penyair, termasuk Hokusai, yang menerbitkan siri ukiyo-e Thirty-Six Views of Mount Fuji. Siri ini termasuk cetakan Hokusai yang paling terkenal.

7 Japonisme ialah pengaruh kekal Hokusai terhadap generasi artis Barat seterusnya. Japonisme ialah gaya yang diilhamkan oleh warna-warna cerah cetakan ukiyo-e, kekurangan perspektif dan eksperimen gubahan.

Lukisan Jepun adalah pergerakan yang benar-benar unik dalam seni dunia. Ia telah wujud sejak zaman purba, tetapi sebagai tradisi ia tidak kehilangan populariti dan keupayaan untuk mengejutkan.

Perhatian kepada tradisi

Timur bukan sahaja mengenai landskap, gunung dan matahari terbit. Mereka ini juga yang mencipta ceritanya. Mereka inilah yang telah menyokong tradisi lukisan Jepun selama berabad-abad, mengembangkan dan meningkatkan seni mereka. Mereka yang memberi sumbangan besar kepada sejarah ialah artis Jepun. Terima kasih kepada mereka, yang moden telah mengekalkan semua kanon lukisan tradisional Jepun.

Cara pelaksanaan lukisan

Tidak seperti Eropah, artis Jepun lebih suka melukis lebih dekat dengan grafik daripada melukis. Dalam lukisan sedemikian anda tidak akan menemui sapuan minyak yang kasar dan cuai yang menjadi ciri khas kaum Impresionis. Apakah sifat grafik seni seperti pokok Jepun, batu, haiwan dan burung - segala-galanya dalam lukisan ini dilukis sejelas mungkin, dengan garis dakwat yang kukuh dan yakin. Semua objek dalam gubahan mesti mempunyai garis besar. Pengisian di dalam garis besar biasanya dilakukan dengan cat air. Warna dicuci, warna lain ditambah, dan di suatu tempat warna kertas ditinggalkan. Hiasan adalah tepat yang membezakan lukisan Jepun daripada seni seluruh dunia.

Berbeza dalam lukisan

Kontras adalah satu lagi teknik ciri yang digunakan oleh artis Jepun. Ini mungkin perbezaan dalam ton, warna atau kontras warna hangat dan sejuk.

Artis menggunakan teknik ini apabila dia ingin menyerlahkan beberapa elemen subjek. Ini boleh menjadi urat pada tumbuhan, kelopak yang berasingan, atau batang pokok di atas langit. Kemudian cahaya, bahagian objek yang diterangi dan bayang-bayang di bawahnya digambarkan (atau sebaliknya).

Peralihan dan penyelesaian warna

Apabila melukis lukisan Jepun, peralihan sering digunakan. Mereka boleh berbeza: contohnya, dari satu warna ke warna yang lain. Pada kelopak teratai air dan peonies anda dapat melihat peralihan dari naungan terang ke warna yang kaya dan terang.

Peralihan juga digunakan dalam imej permukaan air dan langit. Peralihan lancar dari matahari terbenam ke gelap, senja yang semakin dalam kelihatan sangat cantik. Semasa melukis awan, peralihan daripada warna dan refleks yang berbeza juga digunakan.

Motif asas lukisan Jepun

Dalam seni, segala-galanya saling berkaitan dengan kehidupan sebenar, dengan perasaan dan emosi mereka yang terlibat di dalamnya. Seperti dalam kesusasteraan, muzik dan bentuk kreativiti lain, terdapat beberapa tema abadi dalam lukisan. Ini adalah subjek sejarah, imej manusia dan alam semula jadi.

Landskap Jepun terdapat dalam pelbagai jenis. Selalunya dalam lukisan terdapat imej kolam - perabot kegemaran orang Jepun. Kolam hiasan, beberapa teratai air dan buluh berdekatan - ini adalah gambaran tipikal abad ke-17-18.

Haiwan dalam lukisan Jepun

Haiwan juga merupakan unsur yang kerap berulang dalam lukisan Asia. Secara tradisinya ia adalah harimau yang berkeliaran atau kucing peliharaan. Secara umumnya, orang Asia sangat menyukai dan oleh itu wakil mereka terdapat dalam semua bentuk seni oriental.

Dunia fauna adalah satu lagi tema lukisan Jepun. Burung - bangau, burung kakak tua hiasan, burung merak mewah, burung walet, burung pipit yang tidak mencolok dan juga ayam jantan - semuanya terdapat dalam lukisan tuan oriental.

Pisces ialah tema yang sama relevan untuk artis Jepun. Ikan koi adalah ikan emas versi Jepun. Makhluk ini tinggal di Asia di semua kolam, walaupun di taman dan taman kecil. Ikan koi adalah sejenis tradisi yang dimiliki khas Jepun. Ikan ini melambangkan perjuangan, keazaman, dan mencapai matlamat anda. Ia bukan untuk apa-apa bahawa mereka digambarkan terapung dengan aliran, sentiasa dengan puncak gelombang hiasan.

Lukisan Jepun: penggambaran orang

Orang dalam lukisan Jepun adalah tema istimewa. Seniman menggambarkan geisha, maharaja, pahlawan dan orang tua.

Geisha digambarkan dikelilingi oleh bunga, sentiasa memakai jubah yang rumit dengan banyak lipatan dan unsur.

Orang bijak digambarkan sedang duduk atau menerangkan sesuatu kepada pelajar mereka. Imej saintis lama adalah simbol sejarah, budaya dan falsafah Asia.

Pahlawan itu digambarkan sebagai hebat, kadangkala menakutkan. Yang panjang dilukis secara terperinci dan kelihatan seperti wayar.

Biasanya semua butiran perisai dijelaskan menggunakan dakwat. Selalunya pahlawan telanjang dihiasi dengan tatu yang menggambarkan naga timur. Ia adalah simbol kekuatan dan kekuatan tentera Jepun.

Raja-raja digambarkan untuk keluarga empayar. Pakaian dan hiasan yang cantik pada rambut lelaki adalah karya seni sedemikian.

Landskap

Landskap Jepun tradisional - gunung. Pelukis Asia telah berjaya menggambarkan pelbagai landskap: mereka boleh menggambarkan puncak yang sama dalam warna yang berbeza, dengan suasana yang berbeza. Satu-satunya perkara yang tidak berubah ialah kehadiran bunga yang wajib. Biasanya, bersama-sama dengan gunung, artis menggambarkan beberapa jenis tumbuhan di latar depan dan melukisnya secara terperinci. Pergunungan dan bunga sakura kelihatan cantik. Dan jika mereka melukis kelopak yang jatuh, gambar itu membangkitkan kekaguman untuk keindahannya yang menyedihkan. Kontras dalam suasana gambar adalah satu lagi kualiti budaya Jepun yang indah.

Hieroglif

Selalunya gubahan gambar dalam lukisan Jepun digabungkan dengan tulisan. Hieroglif disusun supaya kelihatan cantik secara gubahan. Mereka biasanya dilukis di sebelah kiri atau kanan lukisan. Hieroglyphs boleh mewakili apa yang digambarkan dalam lukisan, tajuknya, atau nama artis.

Jepun adalah salah satu negara terkaya dalam sejarah dan budaya. Di seluruh dunia, orang Jepun secara amnya dianggap sebagai orang pedantik yang mencari estetika dalam semua manifestasi kehidupan. Oleh itu, lukisan Jepun sentiasa sangat harmoni dalam warna dan nada: jika terdapat percikan warna terang, ia hanya di pusat semantik. Menggunakan lukisan oleh artis Asia sebagai contoh, anda boleh mempelajari teori warna, perwakilan bentuk yang betul menggunakan grafik, dan gubahan. Teknik pelaksanaan lukisan Jepun sangat tinggi sehingga boleh menjadi contoh untuk bekerja dengan cat air dan melakukan "mencuci" karya grafik.

Halo, pembaca yang dikasihi - pencari ilmu dan kebenaran!

Artis Jepun mempunyai gaya yang unik, diasah oleh seluruh generasi tuan. Hari ini kita akan bercakap tentang wakil lukisan Jepun yang paling menonjol dan lukisan mereka, dari zaman purba hingga zaman moden.

Baiklah, mari kita terjun ke dalam seni Tanah Matahari Terbit.

Kelahiran Seni

Seni lukisan purba di Jepun terutamanya dikaitkan dengan keanehan penulisan dan oleh itu dibina di atas asas kaligrafi. Sampel pertama termasuk serpihan loceng gangsa, pinggan mangkuk dan barangan rumah yang ditemui semasa penggalian. Kebanyakan daripada mereka dicat dengan cat semula jadi, dan penyelidikan memberikan alasan untuk mempercayai bahawa produk itu dibuat lebih awal daripada 300 SM.

Satu pusingan baru pembangunan seni bermula dengan ketibaan di Jepun. Imej dewa pantheon Buddha, adegan dari kehidupan Guru dan pengikutnya digunakan untuk emakimono - skrol kertas khas.

Keutamaan tema keagamaan dalam lukisan dapat dikesan pada zaman pertengahan Jepun, iaitu dari abad ke-10 hingga ke-15. Nama-nama artis zaman itu, sayangnya, masih belum terselamat hingga ke hari ini.

Dalam tempoh abad ke-15-18, masa baru bermula, dicirikan oleh kemunculan artis dengan gaya individu yang maju. Mereka menggariskan vektor untuk pembangunan seni halus selanjutnya.

Wakil-wakil cerah masa lalu

Tegang Xubun (awal abad ke-15)

Untuk menjadi sarjana yang cemerlang, Xiubun mempelajari teknik penulisan artis Song China dan karya mereka. Selepas itu, beliau menjadi salah seorang pengasas lukisan di Jepun dan pencipta sumi-e.

Sumi-e adalah gaya seni yang berdasarkan lukisan dalam dakwat, yang bermaksud satu warna.

Syubun melakukan banyak perkara untuk memastikan gaya baharu itu bertapak dalam kalangan artistik. Dia mengajar seni kepada bakat lain, termasuk pelukis terkenal masa depan, contohnya Sesshu.

Lukisan Xiubun yang paling popular dipanggil "Membaca di Hutan Buluh."

"Membaca di Hutan Buluh" oleh Tense Xubun

Hasegawa Tohaku (1539–1610)

Dia menjadi pencipta sekolah yang dinamakan sempena namanya - Hasegawa. Pada mulanya dia cuba mengikuti kanun sekolah Kano, tetapi secara beransur-ansur "tulisan tangan" individunya mula dikesan dalam karyanya. Tohaku dipandu oleh grafik Sesshu.

Asas karya itu adalah landskap yang ringkas, singkat, tetapi realistik dengan tajuk ringkas:

• "Pain";
• "Maple";
• "Pokok pain dan tumbuhan berbunga."

"Pines" oleh Hasegawa Tohaku

Saudara Ogata Korin (1658-1716) dan Ogata Kenzan (1663-1743)

Saudara-saudara adalah tukang yang sangat baik pada abad ke-18. Yang sulung, Ogata Korin, mengabdikan dirinya sepenuhnya untuk melukis dan mengasaskan genre rimpa. Dia mengelak imej stereotaip, lebih suka genre impresionistik.

Ogata Korin melukis alam secara umum dan bunga dalam bentuk abstraksi terang khususnya. Berusnya tergolong dalam lukisan:

• "Plum blossom merah dan putih";
• "Gelombang Matsushima";
• "Chrysanthemums".

"Gelombang Matsushima" oleh Ogata Korin

Adik lelaki, Ogata Kenzan, mempunyai banyak nama samaran. Walaupun dia terlibat dalam lukisan, dia lebih terkenal sebagai seorang ahli keramik yang hebat.

Ogata Kenzan menguasai banyak teknik untuk mencipta seramik. Dia dibezakan oleh pendekatan yang tidak standard, sebagai contoh, dia mencipta plat dalam bentuk segi empat sama.

Lukisannya sendiri tidak dibezakan oleh kemegahan - ini juga keanehannya. Dia suka mengaplikasikan kaligrafi seperti skrol atau petikan puisi pada barangnya. Kadang-kadang mereka bekerja bersama-sama dengan abang mereka.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Dia mencipta dalam gaya ukiyo-e - sejenis potongan kayu, dengan kata lain, lukisan ukiran. Sepanjang kerjayanya, dia menukar kira-kira 30 nama. Karyanya yang paling terkenal ialah "The Great Wave off Kanagawa," yang mana dia menjadi terkenal di luar tanah airnya.

"The Great Wave Off Kanagawa" oleh Hokusai Katsushika

Hokusai mula bekerja keras terutamanya selepas usia 60 tahun, yang membawa hasil yang baik. Van Gogh, Monet, dan Renoir sudah biasa dengan karyanya, dan pada tahap tertentu ia mempengaruhi kerja tuan Eropah.

Ando Hiroshige (1791-1858)

Salah seorang artis terhebat abad ke-19. Dia dilahirkan, tinggal, dan bekerja di Edo, meneruskan kerja Hokusai, dan diilhamkan oleh karyanya. Cara dia menggambarkan alam semula jadi hampir sama mengagumkan dengan bilangan karya itu sendiri.

Edo ialah nama bekas Tokyo.

Berikut adalah beberapa tokoh tentang karyanya, yang diwakili oleh satu siri lukisan:

• 5.5 ribu - bilangan semua ukiran;
• “100 Pandangan Edo;
• "36 pemandangan Fuji";
• "69 stesen Kisokaido";
• "53 Stesen Tokaido."

Lukisan oleh Ando Hiroshige

Menariknya, Van Gogh yang terkenal melukis beberapa salinan ukirannya.

Kemodenan

Takashi Murakami

Seorang artis, pengukir, pereka pakaian, dia memperoleh nama pada akhir abad ke-20. Dalam karyanya, dia mengikuti trend fesyen dengan unsur klasik, dan mendapat inspirasi daripada kartun anime dan manga.

Lukisan oleh Takashi Murakami

Karya Takashi Murakami dianggap sebagai subkultur, tetapi pada masa yang sama ia sangat popular. Sebagai contoh, pada tahun 2008, salah satu karyanya telah dibeli di lelongan dengan harga lebih daripada 15 juta dolar. Pada satu masa, pencipta moden bekerja bersama-sama dengan rumah fesyen Marc Jacobs dan Louis Vuitton.

Ashima diam

Rakan sekerja artis terdahulu, dia mencipta lukisan surreal moden. Mereka menggambarkan pemandangan bandar, jalan-jalan megalopolis dan makhluk seolah-olah dari alam semesta lain - hantu, roh jahat, gadis asing. Di latar belakang lukisan, anda sering dapat melihat sifat asli, kadang-kadang menakutkan.

Lukisannya mencapai saiz yang besar dan jarang terhad kepada media kertas. Mereka dipindahkan ke bahan kulit dan plastik.

Pada tahun 2006, sebagai sebahagian daripada pameran di ibu negara Britain, seorang wanita mencipta kira-kira 20 struktur melengkung yang mencerminkan keindahan alam semula jadi kampung dan bandar, siang dan malam. Salah seorang daripada mereka menghiasi stesen metro.

Hai Arakawa

Lelaki muda itu tidak boleh dipanggil hanya seorang artis dalam erti kata klasik - dia mencipta pemasangan yang begitu popular dalam seni abad ke-21. Tema pamerannya benar-benar Jepun dan menyentuh hubungan mesra, serta kerja oleh seluruh pasukan.

Hei Arakawa sering mengambil bahagian dalam pelbagai biennale, contohnya, di Venice, pameran di Muzium Seni Moden di tanah airnya, dan berhak menerima pelbagai jenis anugerah.

Ikenaga Yasunari

Pelukis kontemporari Ikenaga Yasunari berjaya menggabungkan dua perkara yang kelihatan tidak serasi: kehidupan gadis moden dalam bentuk potret dan teknik tradisional Jepun dari zaman purba. Dalam karyanya, pelukis menggunakan berus khas, cat berpigmen semula jadi, dakwat, dan arang. Daripada linen biasa - kain linen.

Lukisan Ikenaga Yasunari

Teknik membezakan era yang digambarkan dan penampilan heroin ini mewujudkan tanggapan bahawa mereka telah kembali kepada kita dari masa lalu.

Satu siri lukisan tentang kerumitan hidup buaya, baru-baru ini popular dalam komuniti Internet, turut dicipta oleh kartunis Jepun, Keigo.

Kesimpulan

Jadi, lukisan Jepun bermula sekitar abad ke-3 SM, dan telah banyak berubah sejak itu. Imej pertama digunakan pada seramik, kemudian motif Buddha mula mendominasi dalam seni, tetapi nama pengarangnya tidak bertahan hingga ke hari ini.

Dalam era moden, tuan berus memperoleh lebih banyak keperibadian dan mencipta arah dan sekolah yang berbeza. Seni halus hari ini tidak terhad kepada lukisan tradisional - pemasangan, karikatur, arca artistik, dan struktur khas digunakan.

Terima kasih banyak atas perhatian anda, pembaca yang dihormati! Kami harap anda mendapati artikel kami berguna, dan cerita tentang kehidupan dan kerja wakil seni yang paling bijak membolehkan anda mengenali mereka dengan lebih baik.

Sudah tentu, sukar untuk bercakap tentang semua artis dari zaman dahulu hingga sekarang dalam satu artikel. Oleh itu, biarkan ini menjadi langkah pertama ke arah memahami lukisan Jepun.

Dan sertai kami - langgan blog - kami akan mempelajari agama Buddha dan budaya Timur bersama-sama!

Seni dan reka bentuk

3356

01.02.18 09:02

Pemandangan seni hari ini di Jepun sangat pelbagai dan provokatif: melihat karya tuan dari Tanah Matahari Terbit, anda akan berfikir bahawa anda telah tiba di planet lain! Rumah kepada inovator yang telah mengubah landskap industri pada skala global. Berikut ialah senarai 10 artis Jepun kontemporari dan ciptaan mereka, daripada makhluk luar biasa Takashi Murakami (yang menyambut hari lahirnya hari ini) kepada alam semesta Kusama yang berwarna-warni.

Daripada dunia futuristik kepada buruj bertitik: artis Jepun kontemporari

Takashi Murakami: tradisionalis dan klasik

Mari kita mulakan dengan wira majlis itu! Takashi Murakami ialah salah seorang artis kontemporari Jepun yang paling ikonik, bekerja pada lukisan, arca berskala besar dan pakaian fesyen. Gaya Murakami dipengaruhi oleh manga dan anime. Beliau ialah pengasas pergerakan Superflat, yang menyokong tradisi seni Jepun dan budaya pasca perang negara itu. Murakami mempromosikan ramai rakan seangkatannya, dan kita juga akan bertemu beberapa daripada mereka hari ini. Karya Takashi Murakami "Subbudaya" dipersembahkan dalam pasaran seni fesyen dan seni. My Lonesome Cowboy (1998) yang provokatif telah dijual di New York di Sotheby pada tahun 2008 dengan rekod $15.2 juta. Murakami telah bekerjasama dengan jenama terkenal dunia Marc Jacobs, Louis Vuitton dan Issey Miyake.

Diam-diam Ashima dan alam semestanya yang nyata

Seorang ahli syarikat pengeluaran seni Kaikai Kiki dan pergerakan Superflat (kedua-duanya diasaskan oleh Takashi Murakami), Chicho Ashima terkenal dengan pemandangan bandar yang hebat dan makhluk pop yang pelik. Artis mencipta mimpi nyata yang didiami oleh syaitan, hantu, kecantikan muda, yang digambarkan dengan latar belakang alam semula jadi yang aneh. Karya beliau biasanya berskala besar dan dicetak di atas kertas, kulit dan plastik. Pada tahun 2006, artis Jepun kontemporari ini mengambil bahagian dalam Art on the Underground di London. Dia mencipta 17 gerbang berturut-turut untuk platform - landskap ajaib secara beransur-ansur berubah dari siang ke malam, dari bandar ke luar bandar. Keajaiban ini berkembang di stesen tiub Gloucester Road.

Chiharu Shima dan benang yang tidak berkesudahan

Seorang lagi artis, Chiharu Shiota, bekerja pada pemasangan visual berskala besar untuk tanda tempat tertentu. Dia dilahirkan di Osaka, tetapi kini tinggal di Jerman - di Berlin. Tema utama karyanya adalah kelalaian dan ingatan, impian dan realiti, masa lalu dan sekarang, dan juga konfrontasi kebimbangan. Karya Chiharu Shiota yang paling terkenal ialah rangkaian benang hitam yang tidak dapat ditembusi yang menyelubungi pelbagai objek harian dan peribadi, seperti kerusi lama, gaun pengantin, piano terbakar. Pada musim panas 2014, Shiota mengikat bersama kasut dan but (yang terdapat lebih daripada 300) dengan helai benang merah dan menggantungnya pada cangkuk. Pameran pertama Chiharu di ibu negara Jerman berlangsung semasa Minggu Seni Berlin pada 2016 dan menimbulkan sensasi.

Hey Arakawa: di mana-mana, tiada di mana-mana

Hei Arakawa diilhamkan oleh keadaan perubahan, tempoh ketidakstabilan, unsur risiko, dan pemasangannya sering melambangkan tema persahabatan dan kerja berpasukan. Kredo artis Jepun kontemporari ditakrifkan oleh persembahan, tidak pasti "di mana-mana, tetapi tidak di mana-mana." Ciptaannya muncul di tempat yang tidak dijangka. Pada tahun 2013, karya Arakawa telah dipamerkan di Venice Biennale dan dalam pameran seni kontemporari Jepun di Muzium Seni Mori (Tokyo). Pemasangan Hawaiian Presence (2014) adalah kerjasama dengan artis New York Carissa Rodriguez dan telah dimasukkan dalam Whitney Biennial. Juga pada tahun 2014, Arakawa dan abangnya Tomu, beraksi sebagai duo yang dipanggil United Brothers, menawarkan pelawat ke Frieze London "karya" mereka "The This Soup Taste Ambivalent" dengan "radioaktif" sayuran akar Fukushima daikon.

Koki Tanaka: Hubungan dan Pengulangan

Pada 2015, Koki Tanaka telah diiktiraf sebagai "Artis Terbaik". Tanaka meneroka pengalaman berkongsi kreativiti dan imaginasi, menggalakkan pertukaran antara peserta projek, dan menyokong peraturan kerjasama baharu. Pemasangannya di pavilion Jepun di Venice Biennale 2013 terdiri daripada video objek yang mengubah ruang menjadi platform untuk pertukaran artistik. Pemasangan Koki Tanaka (tidak boleh dikelirukan dengan pelakon senama penuhnya) menggambarkan hubungan antara objek dan tindakan, contohnya, video itu mengandungi rakaman gerak isyarat mudah yang dilakukan dengan objek biasa (pisau memotong sayur-sayuran, bir dituangkan ke dalam gelas. , membuka payung). Tiada apa-apa yang penting berlaku, tetapi pengulangan obsesif dan perhatian kepada butiran terkecil membuatkan penonton menghargai perkara biasa.

Mariko Mori dan bentuk yang diperkemas

Seorang lagi artis Jepun kontemporari, Mariko Mori, "mencipta" objek multimedia, menggabungkan video, gambar dan objek. Dia dicirikan oleh visi futuristik minimalis dan bentuk surealis yang anggun. Tema yang berulang dalam karya Mori ialah penjajaran legenda Barat dengan budaya Barat. Pada tahun 2010, Mariko mengasaskan Yayasan Fau, sebuah pertubuhan bukan untung budaya pendidikan, yang mana dia mencipta satu siri pemasangan seni yang menghormati enam benua yang didiami. Terbaru, pemasangan tetap Yayasan "Ring: One with Nature" telah didirikan di atas air terjun yang indah di Resende berhampiran Rio de Janeiro.

Ryoji Ikeda: sintesis bunyi dan video

Ryoji Ikeda ialah artis dan komposer media baharu yang kerjanya terutama berkaitan bunyi dalam pelbagai keadaan "mentah", daripada gelombang sinus kepada bunyi menggunakan frekuensi di pinggir pendengaran manusia. Pemasangannya yang mendalam termasuk bunyi yang dijana komputer yang diubah secara visual menjadi unjuran video atau corak digital. Seni audiovisual Ikeda menggunakan skala, cahaya, bayang-bayang, kelantangan, bunyi elektronik dan irama. Kemudahan ujian terkenal artis itu terdiri daripada lima projektor yang menerangi kawasan sepanjang 28 meter dan lebar 8 meter. Persediaan menukar data (teks, bunyi, foto dan filem) kepada kod bar dan corak binari satu dan sifar.

Tatsuo Miyajima dan kaunter LED

Pengukir dan artis pemasangan Jepun kontemporari Tatsuo Miyajima menggunakan litar elektrik, video, komputer dan gajet lain dalam seninya. Konsep teras Miyajima diilhamkan oleh idea kemanusiaan dan ajaran Buddha. Pembilang LED dalam pemasangannya berkelip secara berterusan dalam pengulangan dari 1 hingga 9, melambangkan perjalanan dari kehidupan ke kematian, tetapi mengelak kesudahan yang diwakili oleh 0 (sifar tidak pernah muncul dalam karya Tatsuo). Nombor di mana-mana dalam grid, menara dan gambar rajah menyatakan minat Miyajima terhadap idea-idea kesinambungan, keabadian, sambungan, dan aliran masa dan ruang. Baru-baru ini, "Arrow of Time" Miyajima telah ditunjukkan pada pameran julung kalinya "Unfinished Thoughts Visible in New York."

Nara Yoshimoto dan kanak-kanak jahat

Nara Yoshimoto mencipta lukisan, arca dan lukisan kanak-kanak dan anjing—subjek yang mencerminkan perasaan kebosanan dan kekecewaan zaman kanak-kanak serta kemerdekaan sengit yang datang secara semula jadi kepada kanak-kanak kecil. Estetika karya Yoshimoto mengingatkan ilustrasi buku tradisional, campuran ketegangan resah dan kecintaan artis terhadap punk rock. Pada tahun 2011, Muzium Masyarakat Asia di New York menjadi tuan rumah pameran solo pertama Yoshimoto, bertajuk "Yoshitomo Nara: Nobody's Fool," yang merangkumi kerjaya artis Jepun kontemporari selama 20 tahun. Pameran itu berkait rapat dengan subkultur belia global dan pengasingannya serta bantahan.

Yayoi Kusama dan ruang angkasa berkembang menjadi bentuk yang aneh

Biografi kreatif Yayoi Kusama yang menakjubkan berlangsung selama tujuh dekad. Pada masa ini, wanita Jepun yang menakjubkan itu berjaya mempelajari bidang lukisan, grafik, kolaj, arca, pawagam, ukiran, seni alam sekitar, pemasangan, serta kesusasteraan, fesyen dan reka bentuk pakaian. Kusama mengembangkan gaya seni titik yang sangat tersendiri yang telah menjadi tanda dagangannya. Penglihatan ilusi yang digambarkan dalam karya Kusama yang berusia 88 tahun—di mana dunia nampaknya diliputi dalam bentuk yang luas dan aneh—adalah hasil daripada halusinasi yang dialaminya sejak kecil. Bilik dengan titik berwarna-warni dan cermin "infiniti" yang mencerminkan gugusannya boleh dikenali dan tidak boleh dikelirukan dengan perkara lain.