hjem › Kropp › Spanske renessansekunstnere. Renessanse i Spania

Spanske renessansekunstnere. Renessanse i Spania

Et nytt stadium i utviklingen av den spanske renessansen, den såkalte høyrenessansen, dateres tilbake til andre halvdel av 1500- - begynnelsen av 1600-tallet. I samsvar med de strenge prinsippene for motreformasjonen (fra 1545), forfulgte Filip II (1527-1598) progressive tenkere, samtidig som han oppmuntret til kulturell utvikling, etablerte et bibliotek i Escorial og støttet mange universiteter. Kreative og tenkende mennesker, fratatt muligheten til å uttrykke seg i filosofi og journalistikk, vendte seg til kunst, som et resultat av at den overlevde i andre halvdel av 16-17 århundrer. en enestående oppblomstring, og denne epoken ble kalt "gullalderen". De sekulære ideene om humanisme hos noen poeter og forfattere var sammenvevd med religiøse motiver.

I andre halvdel av 1500-tallet til 30-tallet av 1600-tallet. poesi råder - lyrisk og episk. I tillegg var pastoralromaner populære, og realistiske romaner og dramaer ble født. I spansk lyrisk poesi var det to motstridende poetiske skoler - Sevilla og Salamanca. Fernando de Herrera (1534-1597) og andre poeter fra Sevilla-skolen foretrakk kjærlighetstekster, jordnære og sensuelle, der sivile motiver ofte lød og lød.

I spissen for Salamanca-skolen sto augustinermunken og professoren i teologi Luis de Leon (1527-1591), grunnleggeren av "mystikernes" poesi. I motsetning til den katolske kirke, tok mystikere til orde for en individuell måte å kjenne Gud på, sammenslåing med ham. De mest fremtredende representantene for denne trenden er Teresa de Cepeda y Aumada (1515-1582), kjent som Saint Teresa de Jesus, og Juan de la Cruz (1542-1591), som tilhørte karmelittordenen. Dominikaneren Luis de Granada (1504-1588), som skrev på latin, portugisisk og spansk, sluttet seg også til «mystikerne».

Beundring for gammel poesi, som ble ansett som en høy standard, vekket et ønske om å lage verk i ånden til de episke diktene til Homer og Vergil. Det mest vellykkede forsøket ble gjort av Alonso de Ercilla i Zúñiga (1533-1594), som skrev Araucan.

Andre halvdel av 1500-tallet preget av pastoralromanens oppblomstring. Stamfaren til sjangeren i Spania var portugiseren Jorge de Montemayor (ca. 1520-1561), som skrev The Seven Books of Diana (1559), etterfulgt av mange oppfølgere, for eksempel Diana in Love (1564) av Gaspar Gil Polo (1585), samt Galatea (1585) av Cervantes og Arcadius (1598) av Lope de Vega.

Samtidig dukket det opp "mauriske" romaner dedikert til maurernes liv: den anonyme historien til Abenserrach og den vakre Kharifa og borgerkrigene i Granada (del I - 1595, del II - 1604) av Ginés Perez de Ita. Takket være arbeidet til Miguel de Cervantes Saavedra (1547-1616), som viste seg i ulike litterære sjangre, fikk spansk litteratur verdensomspennende berømmelse. Hans udødelige verk - romanen Den utspekulerte Hidalgo Don Quijote fra La Mancha, tenkt som en parodi på datidens ridderromaner, har blitt et av de mest slående monumentene i verdenslitteraturen.

I denne epoken er dannelsen av det spanske nasjonale dramaet fullført. Dens karakteristiske trekk ble mest fullstendig nedfelt i arbeidet til Lope F. de Vega Carpio (1562-1635). Verdensbildet til Lope de Vega, en innovatør innen dramaturgi, kombinerte humanistiske og patriarkalske ideer. Han skisserte sitt syn på drama i avhandlingen Den nye kunsten å komponere komedier i vår tid (1609). Lope de Vega - skaperen av æresdramaet, ser ut til å forutse klassisismen på 1600-tallet i verkene hans. ideen om en persons mangel på frihet, siden ære for ham viser seg å være viktigere enn lidenskaper. Komediene hans kan betinget deles inn i tre grupper - "hoffkomedier", "kappe- og sverdkomedier" og "komedier med dårlig moral". Han påvirket slike dramatikere som Guillen de Castro y Belvis (1569-1631), Antonio Mira de Amescua (1574-1644), Luis Vélez de Guevara (1579-1644).

På begynnelsen av 1600-tallet. Spania opprettholdt sin posisjon som verdensledende, men den økonomiske situasjonen forverret seg kraftig, til tross for den enorme tilstrømningen av gull fra kolonitidens Amerika. I sluttfasen av renessansen, ofte identifisert som en spesiell periode i barokken, vant tendensen til å tolke det som skjedde i landet som en konsekvens av den onde tilbøyeligheten i mennesket, en idé i samsvar med den kristne læren om synd. Veien ut ble sett i en appell til sinnet, som hjalp en person å finne veien til Gud, noe som også ble reflektert i litteraturen, som legger spesiell vekt på kontrasten mellom menneskets natur og hans sinn, mellom skjønnhet og stygghet, mens det vakre ble oppfattet som noe flyktig og praktisk talt utilgjengelig.

To stilarter dominerte poesi - "gongorisme", oppkalt etter datidens største poet, Luis de Gongora y Argote (1561-1627), og "konseptisme", fra ordet concepto, som betyr "tanke". "Gongorisme" ble også kalt "kulteranisme", fra ordet culto ("kultivert"), siden denne stilen ble designet for et utvalgt, utdannet publikum. Gongora var en sekulær poet og folkemotivet i hans arbeid, appellen til sjangrene folkediktning (romanser og letrilla) er kombinert med utsøkte kunstneriske teknikker. «Conceptism», grunnleggeren av A. de Ledesma, som ga ut diktsamlingen Spiritual Thoughts (1600), motsatte seg «gongorisme». Samtidig, i "konseptisme", som i "gongorisme", ble det viet mye oppmerksomhet til form, skapelse av komplekse konsepter, ordlek, vidd.

En av representantene for "konseptisme", Quevedo prøvde seg i forskjellige sjangre, men denne stilen nådde sin største utvikling i hans satiriske essays, Dreams, (1606-1622). En fremragende filosof, moralist og forfatter var Baltasar Gracian y Morales (1601-1658), et medlem av jesuittordenen, og talte under pseudonymer. I Wit, or the Art of the Sophisticated Mind (1648), formulerer han konseptismens prinsipper.

Så: de enkelte fasene av renessansen i Spania falt ikke sammen med de tilsvarende stadiene av renessansen i andre land.

– 1400-tallet i spansk kunst representerer perioden for fødselen av et nytt kunstnerisk verdensbilde.
– I de første tiårene av 1500-tallet oppsto stilfenomener knyttet til høyrenessansen, men likevel viste de tidlige renessansetradisjonene seg å være dominerende.
– Tiden for de høyeste prestasjoner av spansk kultur er andre halvdel av 1500-tallet. Det er nok å nevne navnet på den store Cervantes for å forestille seg hvilke dype og mangefasetterte virkelighetsproblemer som ble nedfelt i litteraturen fra den tiden. Betydelige kunstneriske prestasjoner kjennetegner arkitektur og maleri.

Byggingen av et så majestetisk ensemble som Escorial dateres tilbake til andre kvartal av 1500-tallet; på den tiden jobbet den greske kunstneren Domenico Theotokopuli, kjent som El Greco, i Spania. Men i motsetning til de italienske (spesielt venetianske) mesterne fra den sene renessanseperioden, i hvis arbeid forbindelsen og kontinuiteten med sirkelen av kunstneriske ideer fra de tidligere stadiene av renessansen ble tydelig uttrykt, trekkene i den tragiske krisen i slutten av perioden. Renessansen ble mer akutt nedfelt i spansk maleri.

Generelle kjennetegn ved den spanske renessansen.

Litteraturen fra renessansen i Spania utmerker seg ved sin store originalitet, som er forklart i særegenhetene ved den historiske utviklingen av Spania. Allerede i andre halvdel av XV århundre. her ser vi fremveksten av borgerskapet, veksten av industri og utenrikshandel, fødselen av kapitalistiske relasjoner og løsningen av føydale institusjoner og det føydale verdensbildet. Sistnevnte ble spesielt undergravd av de humanistiske ideene som penetrerte fra datidens mest avanserte land - Italia. Imidlertid forløp denne prosessen i Spania på en veldig særegen måte, sammenlignet med andre land, på grunn av to omstendigheter som var spesifikke for historien til Spania i den epoken.

Den første av dem er knyttet til forholdene der reconquistaen foregikk. Det faktum at individuelle regioner i Spania ble erobret separat, til forskjellige tider og under forskjellige forhold, førte til at det i hver av dem ble utviklet spesielle lover, skikker og lokale skikker. Bondestanden og byene basert på de erobrede landene på forskjellige steder fikk forskjellige rettigheter og friheter. De heterogene lokale rettighetene og frihetene som de forskjellige regionene og byene holdt fast var årsaken til konstante konflikter mellom dem og kongemakten. Det hendte til og med ofte at byene forente seg mot det med føydalherrene. Ved slutten av tidlig middelalder i Spania ble det derfor ikke opprettet en så nær allianse mellom kongemakten og byene mot store føydalherrer.

Et annet trekk ved den historiske utviklingen av Spania i det XVI århundre. er som følgende. Resultatet av den ekstraordinære tilstrømningen av gull fra Amerika var en kraftig prisstigning på alle produkter – en «prisrevolusjon» som rammet alle europeiske land, men som manifesterte seg med særlig kraft i Spania. Siden det ble mer lønnsomt å kjøpe utenlandske produkter, ble den spanske industrien i andre halvdel av 1500-tallet. sterkt redusert. Landbruket falt også i forfall – delvis av samme grunn, delvis som følge av bøndenes massive ruin og utarming av et stort antall små adelige bønder som ikke tålte konkurransen med store godseiere som nøt ulike privilegier.

Alle funksjonene i Spanias historie bestemmer den generelle karakteren til litteraturen på 1500- og 1600-tallet. Litteraturen fra den spanske renessansen er tydelig delt inn i to perioder: 1). Tidlig renessanse (1475 - 1550) og 2). Moden renessanse (1550 - de første tiårene av 1600-tallet).

I begynnelsen av denne perioden i Spania, som i de fleste andre land, observeres fremveksten av den nye, kritiske og realistiske tilnærmingen til virkeligheten, som er karakteristisk for renessansens verdensbilde. Spania har en rekke fremragende vitenskapsmenn og tenkere som veltet gamle fordommer og banet vei for moderne vitenskapelig kunnskap.

Det er trykkerier, intensivt oversatte romerske og greske forfattere. Universitetet grunnlagt i 1508 i Alcala de Henares blir sentrum for den humanistiske bevegelsen. Likevel fikk ikke humanistiske ideer sin fulle filosofiske utvikling i Spania. Da de møtte den mest fiendtlige holdningen til seg selv ved hoffet og blant aristokratiet, og fant ingen støtte fra borgerskapet, ble de dempet av den katolske reaksjonen.

Humanistiske ideer i spansk renessanselitteratur kommer nesten utelukkende til uttrykk i poetiske bilder, og ikke i teoretiske skrifter. Av samme grunn var innflytelsen fra antikke og italienske design i det store og hele mye mindre betydelig i Spania enn for eksempel i Frankrike eller England. På samme måte er formkulten mindre karakteristisk for renessansens spanske litteratur. Hun er preget av maskulinitet, alvorlighet, nøkternhet, stor konkretisering av bilder og uttrykk, som går tilbake til middelalderens spanske tradisjon. I alle disse henseender har den spanske litteraturen fra renessansen en særegen, spesielt nasjonal karakter.

Tidens religiøse påvirkning gjenspeiles tydelig i denne litteraturen. Katolisismens ideologi og praksis satte et sterkt avtrykk både på folks liv og på livet til de privilegerte klassene.

Ingen steder i litteraturen fra XVI - XVII århundre. religiøse temaer inntar ikke en så fremtredende plass som i Spania. Vi finner her ekstremt forskjellig "mystisk" litteratur - religiøse dikt og tekster ( Louis de Leon, San Juan de la Cruz), beskrivelser av "mirakuløse omvendelser", ekstaser og visjoner ( Teresa de Jesus), teologiske avhandlinger og prekener ( Luisde Granada). De største dramatikerne Lope de Vega, Calderon) sammen med sekulære skuespill skriver de religiøse skuespill, dramatiserte legender og helgeners liv, eller "hellige handlinger", som hadde som tema å glorifisere sakramentet "nattverd". Men selv i sekulære skuespill dukker det ofte opp religiøse og filosofiske temaer ( "Sevilla rampete" Tirso de Molina, Den standhaftige prins Calderon).

Med all den smertefulle karakteren som utviklingen av Spania bar, viste folket maksimal nasjonal energi. Han viste stor nysgjerrighet i sinnet, besluttsomhet og mot ved å overvinne hindringer. De brede utsiktene som åpnet seg for datidens folk, omfanget av politiske og militære virksomheter, overfloden av nye inntrykk og muligheter for ulike energiske aktiviteter - alt dette ble reflektert i den spanske litteraturen på 1500- og 1600-tallet, som er preget av stor dynamikk, lidenskap og rik fantasi.

Takket være disse egenskapene inntar den spanske litteraturen fra "gullalderen" (som perioden fra omtrent andre tredjedel av 1500-tallet til midten av 1600-tallet) en av de første plassene blant renessansens nasjonale litteraturer . Spansk litteratur, som viser seg glimrende i alle sjangre, har gitt spesielt høye krav i romanen og dramaet, dvs. i de litterære formene der trekkene som var typiske for det daværende Spania, mest fullstendig kunne uttrykkes - iveren av følelser, energi og bevegelse.

Oppretting av et nasjonalt spansk drama.

I Spania og Portugal, så vel som i andre land, var det et middelaldersk teater – dels religiøst (mysterier og mirakler), dels helt sekulært, komisk (farser). Det middelalderske religiøse teateret i Spania, på grunn av den enorme rollen som den katolske kirke spilte i livet i landet, var ekstremt stabilt - det forsvant ikke bare under renessansen, slik det skjedde i Italia og Frankrike, men fortsatte å utvikle seg intensivt gjennom det 16. og til og med 1600-tallet. .; dessuten ble skuespill av denne typen skrevet av tidens største dramatikere. I løpet av disse århundrene forble sjangrene til folkekomisk teater, også dyrket av store mestere, like populære.

Imidlertid, sammen med disse gamle dramatiske sjangrene, ved midten av 1500-tallet. i Spania utvikles et nytt, renessansesystem for dramaturgi, som også påvirker tolkningen av de ovenfor nevnte gamle sjangrene av renessanseforfattere. Dette nye dramaturgiske systemet oppsto fra sammenstøtet mellom to prinsipper i teatret til middelalderens folke- eller halvfolketradisjon og de vitenskapelig-humanistiske trendene som kom fra Italia eller direkte fra antikken, men for det meste også gjennom italiensk formidling. Til å begynne med utvikler de to typene dramaturgi, som uttrykker disse to tendensene, seg parallelt, adskilt fra hverandre eller går i kamp med hverandre, men veldig snart begynner et samspill mellom dem, og til slutt smelter de sammen til et enkelt dramatisk system . I dette systemet av det nasjonale dramaet i renessansen, hvis høydepunkt bør anerkjennes som Lope de Vegas verk, er folkeprinsippet fortsatt det viktigste, selv om italienske og eldgamle påvirkninger, opprinnelig mestret, spilte en betydelig rolle i dens formasjon. Sistnevnte ble forenklet av utseendet på XVI århundre. Spanske oversettelser av Plautus og Terence.

I motsetning til England, hvor reformasjonen vant, utviklet kulturen i Spania seg på bakgrunn av styrkingen av den katolske ideologien, uttrykt i den enestående spredningen av inkvisisjonen.

I den første tredjedelen av XVI århundre. i spansk maleri kolliderte to påvirkninger: den nederlandske og den nye italieneren, som var representert ved manierisme. Det har allerede vært diskutert i forbindelse med den italienske renessansen. Imidlertid er det fornuftig å gå tilbake til det i forbindelse med den enorme innflytelsen av manierisme på spansk maleri, spesielt på El Greco. Selv om til XIX århundre. kunsthistorikere hadde en negativ holdning til manierisme, og anså den for å være imitativ gjennom og gjennom, på 1900-tallet reviderte de sine posisjoner og beviste den stilistiske uavhengigheten til manieristene.

Det viste seg at manerisme faktisk er en original trend innen maleri, basert på egne og ikke lånte prinsipper. Representanter for manierisme beveget seg bort fra renessansens harmoniske oppfatning av verden. Utad etter høyrenessansens mestere, hevdet maneristene livets tragedie. En skarp oppfatning av livet ble kombinert med ønsket om å uttrykke den "indre ideen" til det kunstneriske bildet. Manieristene kan ha vært banebrytende i jakten på ren kunst, et karakteristisk trekk ved praktisk talt alle påfølgende generasjoner av europeiske kunstnere.

Surrealisme, ekspresjonisme og abstraksjonisme fra 1900-tallet er en kreativ fortsettelse av manierismen med dens tilbaketrekning til subjektivisme, dramatisering av kunstneriske bilder. Konseptet "maniera" fokuserer på søket etter idealet om formell perfeksjon og virtuositet, det uttrykker den konstante trenden til den menneskelige ånd.

I dag ser kunsthistorikere opprinnelsen til mannerismen allerede i antikken, nygotisk, italiensk, tysk og nederlandsk kunst. Begrepet "Manerisme" kom på moten og ble brukt for å referere til hele maleriet på 1500-tallet fra Rafaels død (1520) til begynnelsen av klassisismen og barokken, som i seg selv oppsto som en reaksjon på ham. Mange forskere foretrekker

Razshd Shirin "rzhesshnsh kumra

Pava er europeer! Renessanse

smelte for å definere denne kunsten som en periode mellom renessansen og barokken.

Etter 1530 erobret manerismen nesten hele Europa. Spanjolene, og fremfor alt den store El Greco (1541-1614), beundret maneristenes elegante kreasjoner. Som barn studerte han ikonmaleri hos de candiske munkene på Kreta, og fra 1560 fortsatte han å male i Venezia ved Tintoretto-skolen. Fra 1577 bodde kunstneren i Toledo, Spania. Selv om den dristige lysstyrken i fargene hans og den frie tolkningen av bibelske scener forårsaket kritikk, spesielt fra kong Filip II, mottok han likevel mange oppdrag fra kirken og privatpersoner. I Spania har den unike individuelle stilen til El Greco endelig utviklet seg. Han idealiserte menneskene han portretterte og, forlenget kroppene og ansiktene deres, underordnet de naturlige proporsjonene til bildets uttrykksfullhet. Den bysantinske tradisjonen med planmaleri ble kombinert med kontrasten av lyse og mørke toner som var iboende i den venetianske skolen. Den spanske innflytelsen ble reflektert i den mystiske måten å skrive på. Han skapte religiøse, mytologiske, sjangermalerier, portretter, landskap ("The Burial of Count Orgaz", 1586-1588; "View of Toledo", 1610-1614).

Hvis 1500-tallet går i Spania under den italienske renessansens tegn, begynner nederlandsk maleri på 1600-tallet å dominere. 1600-tallet regnes i Spania, som i Nederland, "gullalderen". Begrepet "gullalder" refererer først og fremst til den spanske litteraturens storhetstid i Cervantes, Gongora og Lope de Vega. Men det kan også brukes på en galakse av store artister som Zurbaran, Velazquez og Murillo.

I første halvdel av 1600-tallet påvirket fortsatt innflytelsen fra italienske kunstnere, først og fremst venetianske mestere. I denne perioden var kunstskolene i Valencia og Toledo i ledelsen. I andre halvdel av århundret fortrengte imidlertid arbeidet til flamingene, spesielt Rubens og Van Dyck, italiensk maleri. De komplekse mørke komposisjonene i første halvdel av århundret ga plass til dynamiske verk med mer ensartet belysning. Madrid og Sevilla ble store kunstneriske sentre.

Francisco de Zurbaran (1598-1664) var en av de mesterne hvis kunst brakte spansk maleri fra 1600-tallet til et av de første stedene i Europa. En uvanlig kraftig realitetssans avgjorde det karakteristiske trekk ved det kunstneriske språket til Zurbaran - en forpliktelse til naturen med en ekstremt lakonisk, til og med alvorlig monumentalitet. Hans oppmerksomhet var fokusert på to områder - portrettet og legendene knyttet til helgenenes liv. Zurbaran skildret strenge munker, fanget av kontemplasjon eller ekstatisk bønn, og malte også villig barn ved å bruke dem som modeller for malerier om temaene i Kristi og Marias barndom.

Diego Velasquez (1599-1660) kalles "portrettmaleren av det spanske hoffet". Livet til Velasquez, den ubestridte lederen av den spanske skolen, hoffmaleren til Philip IV, er et levende eksempel på skjebnen til mange kunstnere: en etterkommer av en adelig familie, et geni, en mann som takket være sin direktehet, raffinement og galanteri, tjente vennskapet til kongen og respekten til mange misunnelige mennesker, førte han et verdig og klokt liv, nesten ubelastet av hendelser, som selv hoffintriger ikke kunne rokke ved.

Ved kongens nåde, i 1659, etter en lang sjekk av blodets "renhet" og fravær av handelsaktivitet, mottar han kjolen til ridderen av St. Jacob er en enestående ære for en kunstner. Velasquez skapte ikke bare portretter av medlemmer av kongefamilien, men også malerier om religiøse og mytologiske emner ("Bakh"), historiske lerreter ("Surrender of Breda"), vendte seg stadig til sjangerscener ("Frokost", "Spinnere") . Verkene til avdøde Velasquez, hvis poetiske verden er gitt en noe mystisk karakter, foregriper impresjonistenes kunst. En av dem, Manet, kalte Velasquez «malernes maler».

På det litterære feltet er ridderlige og pikareske romaner i ferd med å bli utbredt. Den største representanten for denne sjangeren var den store Miguel de Cervantes (1547-1616), forfatter av den verdensberømte romanen Don Quixote. I sin bok parodierer Cervantes ridderromansene som har flommet over

Shva I. Europeist! Renessanse

Kapittel?. Mnpoeai

Spansk bokmarked. Idealene om ridderlighet ved begynnelsen av 1600-tallet var for lengst blitt foreldet. Likevel ble Cervantes' bok en historie om de to prinsippene for menneskets natur – romantisk idealisme og nøktern praktisk. Cervantes kom selv fra en fattig ridderfamilie, tjenestegjorde lenge i den spanske hæren, og tjente deretter til livets opphold i kommissærtjenesten. Cervantes' roman følger eventyrene til den idealistiske ridderen Don Quijote, som hardnakket opprettholder ridderlige verdier i en grundig pragmatisk verden. Han lukker øynene for virkeligheten rundt seg, kjemper med vindmøller. Og ofte kan han ikke komme seg ut av fangenskapet til sine illusjoner, og han forklarer motsetningen mellom virkelighet og idealet med onde krefters innspill. Selv om boken ble tenkt av forfatteren som en underholdende lesning, har den blitt en modell av seriøs morallitteratur for verdenslitteraturen.

Grunnleggeren av det spanske nasjonale dramaet var Lope de Vega (1562-1635). I likhet med sine yngre samtidige Tirso de Molina (ca. 1583-1648) og Calderon de La Barca (1600-1681), bidro dramatikeren med sitt virkelig enorme arbeid (over 2000 verk, 500 er kjent), til den raske blomstringen av spansk komedie, som da ble ansett som en hvilken som helst treakters skuespill skrevet på vers. Peru Lope de Vega eier ^ historiske og sosiopolitiske dramaer, komedier om kjærlighet (de mest kjente er "Dance Teacher" og "Dog in the Manger").

Gjennomføringen av reconquistaen og foreningen av Castilla og Aragon ga en kraftig drivkraft til utviklingen av spansk kultur. I XVI-XVII århundrer, opplevde det en periode med velstand, kjent som "gullalderen".

På slutten av XV og første halvdel av XVI århundre. i Spania tok avansert tanke store fremskritt, og manifesterte seg ikke bare innen kunstnerisk kreativitet, men også i journalistikk og vitenskapelige arbeider gjennomsyret av fri tanke. Den reaksjonære politikken til Filip II ga spansk kultur et hardt slag. Men reaksjonen kunne ikke kvele de kreative kreftene til folket, som manifesterte seg på slutten av 1500- og første halvdel av 1600-tallet. hovedsakelig innen litteratur og kunst.

Den spanske kulturen i renessansen hadde dype folkerøtter. Det faktum at den castilianske bonden aldri var livegne (Se F. Engels, Brev til Paul Ernst, K. Marx og F. Engels, On Art, M.-L. 1937, s. 30.), Og de spanske byene erobret tidlig sin uavhengighet, skapte i landet et ganske bredt lag av mennesker som hadde en bevissthet om sin egen verdighet. (Se F. Engels, Letter to Paul Ernst, K. Marx og F. Engels, On Art, M.-L. 1937, s. 30.)

Selv om den gunstige perioden i utviklingen av byer og deler av bondestanden i Spania var veldig kort, fortsatte arven fra heroiske tider å leve i hodet til det spanske folket. Dette var en viktig kilde til de høye prestasjonene til klassisk spansk kultur.

Imidlertid var renessansen i Spania mer kontroversiell enn i andre europeiske land. I Spania var det ikke et så skarpt brudd med middelalderens føydal-katolske ideologi som det forekom for eksempel i italienske byer i en tid med fremveksten av deres økonomiske liv og kultur. Det er grunnen til at selv så avanserte mennesker i Spania som Cervantes og Lope de Vega ikke bryter helt med den katolske tradisjonen.

Spanske humanister fra første halvdel av 1500-tallet.

Representanter for avansert tankegang i Spania, som handlet i første halvdel av 1500-tallet, fikk navnet "Erasmists" (etter den berømte humanisten Erasmus av Rotterdam). Blant dem, først og fremst, Alfonso de Valdes (død i 1532), forfatteren av skarpe og kaustiske dialoger i ånden til den greske satirikeren Lucian, der han angriper pavedømmet og den katolske kirken og anklager dem for egoisme og løssluppenhet, må nevnes. Den fremragende spanske filosofen Juan Luis Vives (1492-1540) ble også assosiert med Erasmus. Vivss er hjemmehørende i Valencia, studerte i Paris og bodde i England og Flandern. Han deltok i den pan-europeiske bevegelsen av humanisme. Allerede i et av hans tidlige verk, The Triumph of Christ , kritiserer Vives den aristoteliske skolastikken, og motsetter seg den filosofien til Platon i ånden til de italienske filosofene fra renessansen.

Viktigere er det faktum at Vives, ved å avvise middelalderens skolastikk, bringer erfaring i forgrunnen: observasjon og eksperimenter lar en trenge inn i naturens dyp, åpner veien til kunnskap om verden. Dermed er Vives en av forgjengerne til Francis Bacon. Mennesket er sentralt i konseptet hans. Vives spilte en viktig rolle i utviklingen av psykologi som vitenskap. I sitt verk "On the Soul and Life" tar han i detalj for seg problemet med persepsjon. I heftet Vismannen gir Vivss en humanistisk kritikk av de gamle skolastiske undervisningsmetodene og utvikler et progressivt pedagogisk system som inkluderer studiet av klassiske språk, historie og naturvitenskap. Luis Vives var også tilhenger av kvinners utdanning.

En annen spansk tenker som motarbeidet skolastikken og Aristoteles dissekert av skolastikkene var Francisco Sanchss (1550-1632). Imidlertid, i motsetning til Luis Vives, fører ånden til fri undersøkelse Sanchez til skepsis. Hans hovedverk heter «At der ingen kunnskap er» (1581). Ved å utforske motsetningene i prosessen med menneskelig erkjennelse, kommer Sanchez til en rent negativ tese: alt vi vet er upålitelig, relativt, betinget. En slik pessimistisk tese, fremsatt i epoken med kollapsen av middelalderordener og dogmatiske ideer, var ikke uvanlig, spesielt i Spania med sine skarpe sosiale motsetninger og harde levekår.

folkediktning

1400-tallet var for Spania folkekunstens storhetstid. Det var til denne tiden at mange romanser dukket opp. Spansk romantikk er en nasjonal poetisk form, som er en kort lyrisk eller lyrisk-episk dikt. Romansene sang heltenes bedrifter, dramatiske episoder av kampen med maurerne. Lyriske romanser skildret i et poetisk lys elskernes kjærlighet og lidelse. Romansene reflekterte patriotisme, kjærlighet til frihet og et poetisk syn på verden, karakteristisk for den kastilianske bonden.

Folkeromantikken befruktet utviklingen av spansk klassisk litteratur, ble jordbunnen der den store spanske poesien på 1500- og 1600-tallet steg.

humanistisk poesi

I Spania, som i andre land, utviklet renessanselitteraturen seg på grunnlag av en syntese av nasjonal folkekunst og avanserte former for humanistisk litteratur. En av de første dikterne i den spanske renessansen - Jorge Manrique (1440-1478) var skaperen av det strålende diktet "Koppeler ved min fars død." I de høytidelige strofene i arbeidet hans snakker han om dødens allmakt og glorifiserer udødelige helters bedrifter.

Allerede i XV århundre. i spansk poesi dukket det opp en aristokratisk trend, som forsøkte å lage "lærte tekster" basert på litteraturen fra den italienske renessansen. Den største dikteren fra den tidlige spanske renessansen, Garcilaso de la Vega (1503-1536), tilhørte denne trenden. I sin poesi fulgte Garcilaso tradisjonene til Petrarch, Ariosto og spesielt den berømte pastorale poeten i Italia, Sannazaro. Det mest verdifulle i Garcilasos diktning er hans ekloger, som i idealisert form skildret livet til forelskede hyrder i naturens favn.

Religiøse tekster ble mye utviklet i den spanske poesien fra renessansen. Luis de Leon (1527-1591) var overhodet for galaksen til såkalte mystiske poeter. En augustinermunk og doktor i teologi ved Universitetet i Salamanca, en ortodoks katolikk, ble han likevel anklaget for kjetteri og kastet i inkvisisjonens fengsel, hvor han ble holdt i over fire år. Han klarte å bevise sin uskyld, men dikterens skjebne i seg selv taler om tilstedeværelsen i verkene hans av noe mer enn en enkel repetisjon av religiøse ideer. De praktfulle tekstene til Luis de Leon inneholder et dypt sosialt betydningsfullt innhold. Han føler sterkt disharmonien i livet, der «misunnelse» og «løgn» hersker, der urettferdige dommere dømmer. Han søker frelse i et ensomt kontemplativt liv i naturens favn (ode "salig liv").

Luis de Leon var ikke den eneste poeten som ble målrettet av inkvisisjonen. I fangehullene hennes ble mange talentfulle sønner av det spanske folket utsatt for smertefull tortur. En av disse dikterne, David Abenator Malo, som klarte å komme seg løs og flykte til Holland, skrev om løslatelsen: "Han kom ut av fengselet, ut av graven knust."

I andre halvdel av XVI århundre. i Spania er det et forsøk på å skape et heroisk epos. Alonso de Ersilya (1533-1594), som sluttet seg til den spanske hæren og kjempet i Amerika, skrev et langt dikt "Araucan", der han ønsket å synge spanjolenes bedrifter. Ercilia valgte Virgils klassiske dikt "Aeneid" som modell. Det enorme, kaotiske arbeidet til Ersilya er mislykket som helhet. Den er full av falske prøver og betingede episoder. I Araucan er det bare de stedene som er vakre, hvor motet og besluttsomheten til de frihetselskende Araucans, en indianerstamme som forsvarte sin uavhengighet fra de spanske conquistadorene, skildres.

Hvis formen til et episk dikt på den antikke måten ikke var egnet til å gjenspeile hendelsene i vår tid, la livet selv frem en annen episk sjanger, mer egnet for deres skildring. Denne sjangeren var romanen.

spansk romantikk

Fra begynnelsen av XVI århundre. i Spania var ridderromanser utbredt. Den uhemmede fantasien til disse senere kreasjonene av føydallitteratur tilsvarte noen aspekter av psykologien til folket i renessansen, som la ut på risikable reiser og vandret gjennom fjerne land.

I andre halvdel av XVI århundre. det pastorale motivet, introdusert i spansk litteratur av Garcilaso de la Vega, ble også utviklet i form av en roman. Her er det nødvendig å nevne «Diana» av Jorge de Montemayor (skrevet rundt 1559) og «Galatea» av Cervantes (1585). I disse romanene brytes temaet «gullalderen» på sin egen måte, drømmen om et lykkelig liv i naturens favn. Den mest interessante og originale typen spansk roman var imidlertid den såkalte picaresque-romanen (novela picaresca).

Disse romanene reflekterte penetrasjonen av monetære forhold i det spanske livet, oppløsningen av patriarkalske bånd, ødeleggelsen og utarmingen av massene.

Begynnelsen på denne trenden i spansk litteratur ble lagt av Tragicomedy of Calisto og Melibea, bedre kjent som Celestina (ca. 1492). Denne novellen (i hvert fall i hoveddelen) ble skrevet av Fernando de Rojas.

60 år etter Celestinas opptreden, i 1554, samtidig i tre byer, ble det første fullførte eksemplet på en pikaresk roman utgitt i form av et lite hefte, som hadde stor innflytelse på utviklingen av europeisk litteratur, den berømte Lazarillo fra Tormes. Dette er historien om en gutt, en tjener for mange herrer. For å forsvare sin rett til å eksistere, blir Lazaro tvunget til å ty til utspekulerte triks og blir gradvis til en fullstendig useriøs. Innstillingen til forfatteren av romanen til helten sin er ambivalent. Han ser i lureri en manifestasjon av fingerferdighet, intelligens og oppfinnsomhet, utilgjengelig for mennesker i middelalderen. Men i Lazaro ble de negative egenskapene til den nye mennesketypen også tydelig manifestert. Styrken til boken ligger i dens åpenhjertige skildring av sosiale relasjoner i Spania, der under skjoldet og den edle kappen skjulte seg de dårligste lidenskapene, vekket til live av profittfeberen.

Etterfølgeren til den ukjente forfatteren av Lazarillos Tormes var den fremragende forfatteren Mateo Alemán (1547-1614), forfatter av den mest populære pikareske romanen, The Adventures and Life of the Rogue Guzmán de Alfarache, Watchtower of Human Life. Mateo Alemáns bok skiller seg fra forgjengerens roman i bredden av den sosiale bakgrunnen og i en mørkere vurdering av de nye sosiale relasjonene. Livet er absurd og kynisk, sier Aleman, lidenskapelig for blinde mennesker. Bare ved å erobre disse urene ambisjonene i seg selv kan man leve rasjonelt og dydig. Aleman er en tilhenger av den stoiske filosofien som er arvet av renessansetenkere fra antikke romerske forfattere.

Miguel de Cervantes

Den pikareske romanen representerer den linjen i utviklingen av spansk litteratur, som med særlig kraft forberedte triumfen til Cervantes' realisme.

Arbeidet til den største spanske forfatteren Miguel de Cervantes Saavedra (1547-1616) - grunnleggeren av den nye spanske litteraturen - oppsto på grunnlag av syntesen av alle prestasjonene fra dens tidligere utvikling. Han løftet spansk og samtidig verdenslitteraturen til nye høyder.

Ungdommen til Cervantes ble begeistret av hans tids eventyrlystne natur. Han bodde i Italia, deltok i sjøslaget ved Lepanto, ble tatt til fange av algeriske pirater. I fem år gjorde Cervantes det ene heroiske forsøket etter det andre på å komme seg løs. Løpt fra fangenskap kom han fattig hjem. Da Cervantes så umuligheten av å leve av litterært arbeid, ble Cervantes tvunget til å bli embetsmann. Det var i denne perioden av livet han sto ansikt til ansikt med det prosaiske ekte Spania, med hele verden som er så briljant skildret i hans Don Quijote.

Cervantes etterlot seg en rik og variert litterær arv. Fra og med pastoralromanen Galatea begynte han snart å skrive skuespill. En av dem - tragedien "Numancia" skildrer det udødelige heltemotet til innbyggerne i den spanske byen Numancia, som kjemper mot de romerske legionene og foretrekker døden fremfor å overgi seg etter vinnernes nåde. Basert på erfaringene fra italienske noveller, skapte Cervantes en original type spansk novelle som kombinerer en bred skildring av livet med prekener ("Instruktive romaner").

Men alt han skapte blekner foran hans strålende verk The Cunning Hidalgo Don Quixote of La Mancha (1605-1615). Cervantes satte seg en beskjeden oppgave - å ødelegge innflytelsen fra fantastiske og langt fra livet ridderlige romanser. Men hans utmerkede kunnskap om menneskers liv, skarpe observasjon og geniale evne til å generalisere førte til at han skapte noe umåtelig mer betydningsfullt.

Don Quijote og Sancho Panza. Gravering fra tittelsiden til en av de første utgavene av Don Quixote av Cervantes.

Don Quijote drømmer om å gjenopplive ridderlige tider i en tid da de for lengst har gått. Han alene forstår ikke at ridderligheten har overlevd sin tid og er i likhet med den siste ridder en komisk figur. I den føydale epoken ble alt bygget på grunnlag av knyttneveloven. Og nå ønsker Don Quijote, basert på sin hånds styrke, å endre den eksisterende orden, for å beskytte enker og foreldreløse barn, å straffe lovbrytere. Faktisk skaper han uro, forårsaker ondskap og lidelse for mennesker. «Don Quijote må ha betalt dyrt for feilen sin da han forestilte seg at riddervilt var like forenlig med alle økonomiske samfunnsformer», sier Marx.

Men samtidig er motivene for Don Quijotes handlinger humane og edle. Han er en trofast forsvarer av frihet og rettferdighet, beskytter av elskere, en fan av vitenskap og poesi. Denne ridderen er en ekte humanist. Hans progressive idealer oppsto i renessansens store antiføydale bevegelse. De ble født i kampen mot klasseulikhet, mot foreldede føydale livsformer. Men selv det samfunnet som kom for å erstatte det, kunne ikke realisere disse idealene. Den elendige, rike bonden, trange gjestgivere og kjøpmenn håner Don Quijote, hans intensjon om å beskytte de fattige og svake, hans raushet og menneskelighet.

Dualiteten i bildet av Don Quijote ligger i det faktum at hans progressive humanistiske idealer fremstår i en reaksjonær, foreldet ridderlig form.

Ved siden av Don Quijote opptrer en bonde-eier Sancho Panza i romanen. Begrensningene i de landlige eksistensforholdene satte sitt preg på ham: Sancho Panza er naiv og til og med noen ganger dum, han er den eneste personen som trodde på det ridderlige tullet til Don Quijote. Men Sancho er ikke uten gode egenskaper. Han avslører ikke bare sin oppfinnsomhet, men viser seg også å være bærer av folkevisdom, som han legger frem i utallige ordtak og ordtak. Under påvirkning av den humanistiske ridderen Don Quijote utvikler Sancho seg moralsk. Hans bemerkelsesverdige egenskaper avsløres i den berømte episoden av guvernørskapet, når Sancho avslører sin verdslige visdom, uinteresserte og moralske renhet. Det er ingen slik apoteose av bonden i noen av verkene fra den vesteuropeiske renessansen.

De to hovedpersonene i romanen, med sine fantastiske og naive forestillinger, vises mot bakgrunnen av det virkelige hverdagslige Spania, et land med overveldende adel, gjestgivere og kjøpmenn, velstående bønder og multere. I kunsten å skildre denne hverdagen har Cervantes ingen like.

Don Quijote er den største folkeboken i Spania, et fantastisk monument over det spanske litterære språket. Cervantes fullførte transformasjonen av den castilianske dialekten, en av dialektene i det føydale Spania, til det litterære språket til den fremvoksende spanske nasjonen. Arbeidet til Cervantes er det høyeste punktet i utviklingen av renessansekulturen på spansk jord.

Luis de Gongora

i litteraturen på 1600-tallet. dystre, håpløse stemninger blir mer og mer intensivert, noe som gjenspeiler et internt sammenbrudd i den offentlige bevisstheten i epoken med den progressive nedgangen i Spania. Reaksjonen på humanismens idealer kom tydeligst til uttrykk i arbeidet til dikteren Luis de Gongora y Argote (1561-1627), som utviklet en spesiell stil kalt "gongorisme". Fra Gongors synspunkt kan bare det eksepsjonelle, bisarre komplekse, langt fra livet være vakkert. Gonyura leter etter skjønnhet i fantasiens verden, og gjør til og med virkeligheten til en fantastisk dekorativ ekstravaganza. Han avviser enkelhet, stilen hans er mørk, vanskelig å forstå, full av komplekse, intrikate bilder og overdrivelse. I poesien til Gongora fant den litterære smaken av aristokratiet sitt uttrykk. Gongorisme, som en sykdom, spredte seg gjennom europeisk litteratur.

Francisco de Quevedo

Den største spanske satirikeren var Francisco de Quevedo y Villegas (1580-1645). Quevedo kom fra en aristokratisk familie og deltok som diplomat i spanske politiske intriger i Italia. Bekjentskap med det politiske regimet i de spanske besittelsene førte ham til dyp skuffelse. Ved å utnytte sin nærhet til hoffet sendte Quevedo et notat på vers til Filip IV, der han ba kongen redusere skatter og forbedre folkets situasjon. Forfatteren av notatet ble tatt til fange og fengslet av inkvisisjonen, hvor han var i lenker i 4 år og hvorfra han kom ut en fysisk ødelagt mann. Kort tid etter løslatelsen døde han.

Quevedos berømte pikareske roman, The Life Story of a Rogue Called Pablos, an example of Vagabonds and a Mirror of Fraudsters, ble tilsynelatende skrevet i den tidlige perioden av livet hans. Denne boken er unektelig den mest dyptgripende av pikareske romaner. Quevedo forteller historien om sønnen til en tyvfrisør og en prostituert - den uheldige Pablos, og viser et helt system med barnemishandling. Oppvokst under slike forhold ble Pablos en skurk. Han vandrer gjennom Spania, og uhyrlig fattigdom og skitt blir åpenbart for ham. Pablos ser hvordan mennesker bedrar hverandre for å eksistere, ser at all energien deres er rettet mot det onde. Quevedos roman er fylt med bitterhet.

I den andre perioden av sin aktivitet vender Quevedo seg til å lage satiriske brosjyrer. En spesiell plass blant dem inntar hans «Visjoner» – flere satiriske og journalistiske essays som skildrer bilder av etterlivet i en grotesk og parodisk ånd. Så i essayet "Politimannen besatt av djevelen" presenteres helvete, hvor konger og hoffkamarilla, kjøpmenn og de rike steker. Det er ingen plass i helvete for de fattige, for de har ingen smigere og falske venner og ingen mulighet til å synde. På 1600-tallet prosessen med degenerering av sjangeren til den pikareske romanen begynte.

Spansk teater

Spania, som England og Frankrike, opplevde i XVI - XVII århundrer. stor blomstring av drama og teater. Det sosiale innholdet i det spanske dramaet fra Lope de Vega til kalderaen er det absolutte monarkiets kamp med det gamle Spanias friheter, oppnådd av den spanske adelen, byer og kastilianske bønder under reconquistaen, full av intens dramatikk.

I motsetning til den franske tragedien, som var basert på eldgamle modeller, oppsto et nasjonalt drama i Spania, ganske originalt og populært. Dramatiske verk ble laget for offentlige teatre. Patriotisk tilbøyelige tilskuere ønsket å se deres forfedres heltedåder og de aktuelle begivenhetene i vår tid på scenen.

Lope de Vega

Grunnleggeren av det spanske nasjonaldramaet var den store dramatikeren Lope Felix de Vega Carpio (1562-1635). En soldat fra hæren til "Invincible Armada", en strålende sekulær mann, en berømt forfatter, Lopo de Vega forble en religiøs mann gjennom hele livet, og i sin alderdom ble han prest og til og med medlem av de "hellige" inkvisisjon. I denne dualiteten viste Lope de Vega de karakteristiske trekkene til den spanske renessansen. Han uttrykte i sitt arbeid de humanistiske ambisjonene i denne bemerkelsesverdige epoken, og samtidig kunne ikke Lope de Vega, en avansert mann i sin tid, bryte med tradisjonene i det føydale katolske Spania. Hennes sosiale program var å søke å forene humanismens ideer med patriarkalske skikker.

Lope de Vega var en kunstner med sjelden kreativ fruktbarhet, han skrev 1800 komedier og 400 enakters allegoriske kultskuespill (omtrent 500 verk har kommet ned til oss). Han skrev også heroiske og komiske dikt, sonetter, romanser, noveller osv. I likhet med Shakespeare fant ikke Lope de Vega opp handlingene til skuespillene hans. Han brukte forskjellige kilder - spanske folkeromanser og kronikker, italienske govels og bøker fra gamle historikere. En stor gruppe skuespill av Lope de Vega er historiske dramaer fra ulike folkeslags liv. Han har også et skuespill fra russisk historie - "Storhertugen av Moskva", dedikert til hendelsene på begynnelsen av 1600-tallet.

Lope de Vega skildrer i sine hovedverk styrkingen av kongemakten, de spanske kongenes kamp mot de opprørske føydalherrene og de mauriske hordene. Han skildrer den progressive betydningen av foreningen av Spania, mens han deler folkets naive tro på kongen som en representant for ikke-klasserettferdighet, i stand til å motstå føydalherrenes vilkårlighet.

Blant de historiske skuespillene av Lope de Vega er folkeheltedramaer (“Peribanes and Commander Ocanyi”, “The Best Alcalde is the King”, “Fu-ente Ovejuna”) av spesiell betydning, som skildrer forholdet mellom tre sosiale krefter - bønder, føydalherrer og kongemakt. Lope de Vega viser konflikten mellom bonden og føydalherren, og står helt på bondens side.

Det beste av disse stykkene er "Fuente Ovejuna" - et av de største dramaene ikke bare på spansk, men også i verdensteater. Her beseirer Lone de Vega til en viss grad sine monarkiske illusjoner. Stykket utspiller seg i andre halvdel av 1400-tallet. Kommandanten for Calatrava-ordenen herjer i landsbyen Fuente Ovehuna (sauekilden), og krenker bondepikenes ære. En av dem - Laurencia - oppdrar lidenskapelig bøndene til opprør, og de dreper lovbryteren. Til tross for at bøndene var lydige undersåtter av kongen, og kommandanten deltok i kampen mot tronen, beordret kongen at bøndene skulle tortureres, og krevde at de skulle forråde morderen. Bare standhaftigheten til bøndene, som svarte på alle spørsmål med ordene: «Fkhonte Ovehuna gjorde det», gjorde at kongen motvillig lot dem gå. Etter Cervantes, forfatteren av Numancia-tragedien, skapte Lope de Vega et drama om nasjonal heroisme, dens moralske styrke og utholdenhet.

I en rekke av verkene hans skildrer Lope kongemaktens despoti. Blant dem skiller det utmerkede dramaet Star of Seville seg ut. Tyrannkongen står overfor innbyggerne i byen Sevilla, som forsvarer deres ære og eldgamle friheter. Kongen må trekke seg tilbake foran disse menneskene, anerkjenne deres moralske storhet. Men den sosiale og psykologiske styrken til «Star of Sevilla» kommer nær tragediene til Shakespeare.

Dualiteten til Lope de Vega var tydeligst i dramaer dedikert til familielivet til den spanske adelen, de såkalte "æresdramaene" ("Dangers of Absence", "Victory of Honor", etc.). For Lopo de Vega må ekteskapet være basert på gjensidig kjærlighet. Men etter at ekteskapet fant sted, er grunnlaget urokkelig. Etter å ha mistenkt sin kone for forræderi, har mannen rett til å drepe henne.

De såkalte komediene om kappen og sverdet skildrer kampen til unge spanske adelsmenn - mennesker av en ny type - for følelsesfrihet, for deres lykke, mot den despotiske makten til deres fedre og formyndere. Lope de Vega bygger en komedie på en svimlende intrige, på tilfeldigheter og ulykker. I disse komediene, som glorifiserer menneskets kjærlighet og frie vilje, var Lope de Vegas forbindelse med den humanistiske litterære bevegelsen i renessansen mest åpenbar. Men i Lope de Vega har ikke renessansens unge mann den indre friheten som gleder oss i Shakespeares komedier. Heltinnene til Lope de Vega er trofaste mot det edle æresidealet. I deres utseende er det grusomme, lite attraktive trekk knyttet til det faktum at de deler fordommene til klassen sin.

Dramatikere ved Lope skole

Lope de Vega opptrer ikke alene, men blir akkompagnert av en hel galakse av dramatikere. En av de direkte studentene og etterfølgerne til Lope var munken Gabriel Telles (1571-1648), kjent som Tirso de Molina. Plassen som Tirso inntar i verdenslitteraturen bestemmes først og fremst av hans komedie The Sevilla Mischievous Man, or the Stone Guest, der han skapte bildet av den berømte kvinneforføreren, Don Juan. Stykkets helt, Tirso, har ennå ikke den sjarmen som fengsler oss i bildet av Don Juan i forfattere fra senere tidsepoker. Don Juan er en fordervet adelsmann, oppmerksom på den føydale retten til den første natten, en forfører som streber etter nytelse og ikke forakter noen midler for å oppnå sine egne. Dette er en representant for hoffkamarillaen, som fornærmer kvinner i alle klasser.

Pedro Calderoy

Spansk drama steg nok en gang til store høyder i arbeidet til Pedro Calderón de la Barca (1600-1681). Figuren til Calderon er dypt kontroversiell. Caldera kom fra en adelig aristokratisk familie og var en ridder av Sant'Iago-ordenen. prest og æresprest til kong Filip IV. Han skrev ikke bare for folket, men også for hoffteatret.

De sekulære skuespillene til Calderon er direkte ved siden av dramaturgien til Lope. Han skrev "kappe- og sverdkomedier", men Caldera oppnådde spesiell realistisk kraft i sine "æresdramaer". I dramaet Doctor of His Honor malte Calderon således et uttrykksfullt portrett av en spansk adelsmann fra 1600-tallet. Fanatisk religiøsitet og like fanatisk hengivenhet til ens ære eksisterer side om side i denne dgoryanin med hensynsløs nøkternhet, jesuittutspekulering og kald kalkulasjon.

Drama Calderon "Salamei alcalde" er en omarbeiding av stykket med samme navn av Lope de Vega. Landsbydommeren Pedro Crespo, som har en utviklet følelse av verdighet og er stolt av sin bondeopprinnelse, fordømte og henrettet en edel offiser som vanæret datteren hans. Kampen til en enkel landsbydommer mot en voldtektsforbryter adelsmann er skildret med stor kunstnerisk kraft.

En stor plass i arven til Calderon er okkupert av religiøse dramaer - dramatiserte "helliges liv" osv. Hovedideen til disse skuespillene er rent katolsk. Men Calderon henter vanligvis frem en narr som nøkternt ler av religiøse mirakler.

Det fantastiske dramaet «Den mirakuløse tryllekunstneren» ligger tett opp til religiøse skuespill. Marx kalte dette verket "katolsk Faust". Stykkets helt er en søkende og vågal person. I hans sjel er det en kamp mellom en sensuell tiltrekning til en kvinne og en kristen idé. Calderons skuespill avsluttes med triumfen for den kristen-asketiske begynnelsen, men den store kunstneren fremstiller de jordiske, sanselige elementene som noe mektig og vakkert. Det er to narrer i dette stykket. De latterliggjør mirakler med sin grove mistillit til religiøs fiksjon.

Med spesiell kraft ble det filosofiske konseptet til Calderon reflektert i dramaet hans Life is a Dream. Begivenhetene som finner sted i stykket er ikke bare ekte, men også symbolske. Kongen av Polen Basilio, en astrolog og tryllekunstner, får vite at hans nyfødte sønn vil være en skurk og en morder. Han fengsler sønnen Sehismundo i et tårn som ligger i et ørkenområde, og holder ham lenket og kledd i et dyreskinn. Dermed er Sehismundo en fange fra fødselen. Dette bildet av en ung mann lenket i lenker er et symbolsk bilde av menneskeheten, som er slavisk avhengig av sosiale forhold. Kongen ønsker å sjekke oraklets ord, og beordrer den sovende Sehismundo til å bli overført til palasset. Sehismundo våkner opp og lærer at han er herskeren, og viser umiddelbart trekkene til en despot og en skurk: han truer hoffmennene med døden, rekker hånden mot sin egen far. Mennesket er en fange, en slave bundet i lenker, eller en despot og tyrann – slik er tanken til Calderon.

Konklusjonene som Calderón kommer til er av fantastisk og reaksjonær karakter. Retur tilbake til tårnet, våkner Sehismundo og bestemmer seg for at alt som skjedde med ham i palasset var en drøm. Han tror nå at livet er en drøm. Søvn - rikdom og fattigdom, makt og underkastelse, rett og urettferdighet. Hvis dette er slik, må personen gi opp sine ambisjoner, undertrykke dem og komme til enighet med livets flyt. De filosofiske dramaene til Calderón er en ny type dramatisk verk, ukjent for Lope de Vega.

Calderoy kombinerer dyp realisme med reaksjonære trekk i arbeidet sitt. Han ser en vei ut av virkelighetens tragiske motsetninger ved å følge ideene om føydal katolsk reaksjon, i dyrkelsen av edel ære.

Til tross for alle motsetningene som ligger i den spanske litteraturen på 1500- og 1600-tallet, er de kunstneriske verdiene skapt av den, spesielt den spanske romanen og dramaet, et enestående bidrag til verdenskulturen.

Arkitektur

Den plastiske kunsten nådde også store høyder i denne epoken. Etter en lang periode med gotisk dominans og storhetstid for maurisk arkitektur i Spania på 1500-tallet, våkner interessen for arkitekturen fra den italienske renessansen. Men etter hans mønstre forvandlet spanjolene opprinnelig formene til italiensk arkitektur.

Aktiviteten til den strålende arkitekten Juan de Herrera (1530-1597), skaperen av en spesiell stil av "herreresque", går tilbake til andre halvdel av 1500-tallet. Denne stilen har form av gammel arkitektur. Og likevel, den største skapelsen av Herrera - det berømte palasset til Philip II Escorial har liten likhet med de tradisjonelle formene for klassisk arkitektur.

Selve ideen om Escorial, som samtidig er et kongelig palass, et kloster og en grav, er veldig karakteristisk for epoken med motreformasjonen. I utseende ligner Escorial en middelalderfestning. Det er en firkantet bygning med tårn i hjørnene. En firkant delt inn i en rekke firkanter - slik er planen til Escorial, som minner om et gitter (gitter er et symbol på St. Lawrence, som denne bygningen er dedikert til). Den dystre, men majestetiske delen av Escorial symboliserer så å si den harde ånden i det spanske monarkiet.

Renessansemotiver i arkitektur allerede i andre halvdel av 1600-tallet. utarte til noe pretensiøst og søtt, og formenes risikable frimodighet skjuler bare den indre tomheten og mangelen på innhold.

Maleri

Maleri var det andre området etter litteratur der Spania skapte verdier av verdenshistorisk betydning. Riktignok kjenner ikke spansk kunst harmoniske verk i ånden til italiensk maleri fra 1400- og 1500-tallet. Allerede i andre halvdel av XVI århundre. Spansk kultur brakte frem en kunstner med slående originalitet. Dette er Domeviko Theotokopuli, en innfødt på Kreta, kjent som El Greco (1542-1614). El Greco bodde lenge i Italia, hvor han lærte mye av de kjente mesterne på den venetianske skolen, Titian og Tintoretto. Kunsten hans er en av utløperne av italiensk manerisme, opprinnelig utviklet på spansk jord. Grecos malerier var ikke vellykket ved retten; han bodde i Toledo, hvor han fant mange beundrere av talentet hans.

I Grecos kunst ble hans tids smertefulle motsetninger gjenspeilet med stor dramatisk kraft. Denne kunsten er kledd i en religiøs form. Men den uoffisielle tolkningen av kirkelige emner fjerner El Grecos maleri fra kirkekunstens statseide maler. Hans Kristus og de hellige vises foran oss i en tilstand av religiøs ekstase. Deres asketisk-avmagrede, langstrakte figurer bøyer seg som flammer og ser ut til å strekke seg mot himmelen. Denne lidenskapen og dype psykologismen i Grecos kunst bringer ham nærmere tidens kjetterske bevegelser.

Escorial. Arkitekt Juan de Herrera. 1563

Spansk maleri opplevde sin virkelige oppblomstring på 1600-tallet. Blant de spanske kunstnerne fra det XVII århundre. bør nevnes først og fremst José Ribeiro (1591-1652). Ved å følge tradisjonene til den italienske Caravaggio, utvikler han dem på en helt original måte og er en av de lyseste nasjonale artistene i Spania. Hovedplassen i arven hans er okkupert av malerier som skildrer henrettelsene av kristne asketer og helgener. Kunstneren skulpturerer dyktig menneskekropper som stikker ut fra mørket. Karakteristisk gir Ribeira martyrene sine trekk ved folk fra folket. Francisco Zurbaran (1598-1664) var mester i store komposisjoner om religiøse temaer, og kombinerte bønnfull ekstase og ganske kald realisme til en helhet.

Diego Velazquez

Den største spanske kunstneren Diego de Silva Velasquez (1599-1960) forble hoffmaleren til Filip IV til slutten av livet. I motsetning til andre spanske kunstnere var Velasquez langt fra religiøst maleri, han malte sjangermalerier og portretter. Hans tidlige verk er scener fra folkelivet. De mytologiske scenene til Velazquez' Bacchus (1628) og Vulcan's Forge (1630) er på en viss måte forbundet med denne sjangeren. I maleriet "Bacchus" (ellers - "Drunkens") ser guden for vin og druer ut som en bondekar og er omgitt av frekke bønder, hvorav en han kroner med blomster. I The Forge of Vulcan dukker Apollo opp blant halvnakne smeder som har sluttet i arbeidet og ser forbauset på ham. Velasquez oppnådde utrolig naturlighet i å skildre folketyper og scener.

Bevis på kunstnerens fulle modenhet var hans berømte maleri "Fangsten av Breda" (1634-1635) - en festlig militærscene med en dypt gjennomtenkt komposisjon og en subtil psykologisk tolkning av ansikter. Velázquez er en av de største portrettmalerne i verden. Hans arbeid er preget av sannferdig psykologisk analyse, ofte nådeløs. Blant hans beste verk er portrettet av den berømte favoritten til den spanske kongen - hertugen av Olivares (1638-1641), pave Innocent X (1650), etc. I portrettene til Velazquez presenteres medlemmer av kongehuset i positurer full av betydning, høytidelighet og storhet. Men prangende storhet kan ikke skjule det faktum at disse menneskene er merket med degenerasjonsstempel.

En spesiell gruppe portretter av Velazquez er bilder av narrer og freaks. Interessen for slike karakterer er typisk for spanske kunstnere fra denne epoken. Men Velasquez vet hvordan han skal vise at stygghet tilhører menneskeheten så vel som skjønnhet. Sorg og dyp menneskelighet skinner ofte i øynene til dvergene og narrene hans.

En spesiell plass i arbeidet til Velasquez er okkupert av maleriet "Spinners" (1657), som viser den kongelige fabrikken for produksjon av billedvev. I forgrunnen er kvinnelige arbeidere; de spinner ull, spinner, bærer kurver. Posene deres utmerker seg ved fri letthet, bevegelsene er sterke og vakre. Denne gruppen står i kontrast til elegante damer som undersøker fabrikken, veldig lik de som er vevd på billedvev. Sollys, som trenger inn i arbeidsrommet, setter sitt muntre preg på alt, bringer poesi til dette bildet av hverdagen.

Velasquezs maleri formidler bevegelsen av form, lys og gjennomsiktighet av luften med frie fargerike strøk.

Den mest fremtredende av Velázquezs studenter var Bartolome Esteban Murillo (1617-1682). Hans tidlige arbeider skildrer scener med gategutter som fritt og naturlig slo seg ned i en skitten gate i byen, og følte seg som ekte herrer i fillene. Det religiøse maleriet av Murillo er preget av sentimentalitet og vitner om den begynnende nedgangen til den store spanske skolen.

Renessanse (renessanse). Italia. XV-XVI århundrer. tidlig kapitalisme. Landet styres av velstående bankfolk. De er interessert i kunst og vitenskap.

De rike og mektige samler de talentfulle og kloke rundt seg. Poeter, filosofer, malere og skulptører har daglige samtaler med sine lånetakere. På et tidspunkt så det ut til at folket ble styrt av vismenn, slik Platon ønsket.

Husk de gamle romerne og grekerne. De bygde også et samfunn av frie borgere, der hovedverdien er en person (ikke medregnet slaver, selvfølgelig).

Renessansen er ikke bare å kopiere kunsten til gamle sivilisasjoner. Dette er en blanding. Mytologi og kristendom. Naturrealisme og bilders oppriktighet. Skjønnhet fysisk og åndelig.

Det var bare et glimt. Perioden for høyrenessansen er omtrent 30 år! Fra 1490-tallet til 1527 Fra begynnelsen av blomstringen av Leonardos kreativitet. Før plyndringen av Roma.

Mirage av en ideell verden bleknet raskt. Italia var for skjørt. Hun ble snart slaveret av en annen diktator.

Disse 30 årene bestemte imidlertid hovedtrekkene i europeisk maleri for 500 år fremover! Opp til .

Bilderealisme. Antroposentrisme (når verdens sentrum er mennesket). Lineært perspektiv. Oljemaling. Portrett. Natur…

Utrolig nok, i løpet av disse 30 årene jobbet flere strålende mestere på en gang. Andre ganger blir de født en om 1000 år.

Leonardo, Michelangelo, Raphael og Titian er renessansens titaner. Men det er umulig å ikke nevne deres to forgjengere: Giotto og Masaccio. Uten den ville det ikke vært noen renessanse.

1. Giotto (1267-1337)

Paolo Uccello. Giotto da Bondogni. Fragment av maleriet "Fem mestere fra den florentinske renessansen". Begynnelsen av 1500-tallet. .

XIV århundre. Proto-renessanse. Hovedpersonen er Giotto. Dette er en mester som på egenhånd revolusjonerte kunsten. 200 år før høyrenessansen. Hvis ikke for ham, ville epoken som menneskeheten er så stolt av neppe ha kommet.

Før Giotto var det ikoner og fresker. De ble skapt i henhold til de bysantinske kanonene. Ansikter i stedet for ansikter. flate figurer. Proporsjonal misforhold. I stedet for et landskap - en gylden bakgrunn. Som for eksempel på dette ikonet.

Guido da Siena. Tilbedelse av magiene. 1275-1280 Altenburg, Lindenau-museet, Tyskland.

Og plutselig dukker Giottos fresker opp. De har store figurer. Ansikter til edle mennesker. Gammel og ung. Lei seg. Sørgelig. Overrasket. Annerledes.

Fresker av Giotto i Scrovegni-kirken i Padua (1302-1305). Til venstre: Kristi klagesang. Midten: Kiss of Judas (detalj). Høyre: Bebudelse av St. Anne (Marias mor), fragment.

Hovedskapningen til Giotto er en syklus av freskene hans i Scrovegni-kapellet i Padua. Da denne kirken åpnet for menighetsmedlemmer, strømmet folkemengder inn i den. De har aldri sett dette.

Tross alt gjorde Giotto noe uten sidestykke. Han oversatte de bibelske historiene til et enkelt, forståelig språk. Og de er blitt mye mer tilgjengelige for vanlige folk.

Giotto. Tilbedelse av magiene. 1303-1305 Fresco i Scrovegni-kapellet i Padua, Italia.

Dette er det som vil være karakteristisk for mange mestere i renessansen. Lakonisme av bilder. Levende følelser av karakterene. Realisme.

Les mer om freskene til mesteren i artikkelen.

Giotto ble beundret. Men hans innovasjon ble ikke videreutviklet. Moten for internasjonal gotikk kom til Italia.

Først etter 100 år vil en verdig etterfølger til Giotto dukke opp.

2. Masaccio (1401-1428)

Masaccio. Selvportrett (fragment av fresken "Sankt Peter på prekestolen"). 1425-1427 Brancacci-kapellet i Santa Maria del Carmine, Firenze, Italia.

Begynnelsen av 1400-tallet. Den såkalte tidligrenessansen. En annen innovatør kommer inn på scenen.

Masaccio var den første kunstneren som brukte lineært perspektiv. Den ble designet av vennen hans, arkitekten Brunelleschi. Nå har den avbildede verden blitt lik den virkelige. Leketøysarkitektur hører fortiden til.

Masaccio. Sankt Peter helbreder med sin skygge. 1425-1427 Brancacci-kapellet i Santa Maria del Carmine, Firenze, Italia.

Han adopterte realismen til Giotto. Imidlertid, i motsetning til forgjengeren, kunne han allerede godt anatomi.

I stedet for blokkerte karakterer er Giotto vakkert bygde mennesker. Akkurat som de gamle grekerne.

Masaccio. Dåp av neofytter. 1426-1427 Brancacci kapell, kirken Santa Maria del Carmine i Firenze, Italia.

Masaccio. Eksil fra paradis. 1426-1427 Fresco i Brancacci-kapellet, Santa Maria del Carmine, Firenze, Italia.

Masaccio levde et kort liv. Han døde, som sin far, uventet. 27 år gammel.

Imidlertid hadde han mange tilhengere. Mestere fra de følgende generasjonene dro til Brancacci-kapellet for å lære av freskene hans.

Så innovasjonen til Masaccio ble plukket opp av alle de store artistene fra høyrenessansen.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci. Selvportrett. 1512 Det kongelige bibliotek i Torino, Italia.

Leonardo da Vinci er en av renessansens titaner. Han påvirket i stor grad utviklingen av maleriet.

Det var da Vinci som hevet statusen til artisten selv. Takket være ham er representanter for dette yrket ikke lenger bare håndverkere. Dette er åndens skapere og aristokrater.

Leonardo fikk et gjennombrudd først og fremst innen portretter.

Han mente at ingenting skulle distrahere fra hovedbildet. Øyet skal ikke vandre fra en detalj til en annen. Slik så hans berømte portretter ut. Konsis. Harmonisk.

Leonardo da Vinci. Dame med hermelin. 1489-1490 Chertoryski-museet, Krakow.

Den viktigste nyvinningen til Leonardo er at han fant en måte å lage bilder ... levende.

Før ham så karakterene i portrettene ut som mannekenger. Linjene var klare. Alle detaljer er nøye tegnet. En malt tegning kunne umulig være i live.

Leonardo oppfant sfumato-metoden. Han gjorde linjene uskarpe. Gjorde overgangen fra lys til skygge veldig myk. Karakterene hans ser ut til å være dekket av en knapt merkbar dis. Karakterene ble levende.

. 1503-1519 Louvre, Paris.

Sfumato vil gå inn i det aktive vokabularet til alle fremtidens store artister.

Ofte er det en oppfatning at Leonardo, selvfølgelig, et geni, men ikke visste hvordan han skulle bringe noe til slutten. Og han ble ofte ikke ferdig med å male. Og mange av prosjektene hans forble på papiret (forresten, i 24 bind). Generelt ble han kastet inn i medisin, deretter inn i musikk. Selv kunsten å servere på en gang var glad i.

Men tenk selv. 19 malerier - og han er den største kunstneren gjennom alle tider og folkeslag. Og noen er ikke engang i nærheten av storhet, mens de skriver 6000 lerreter i løpet av livet. Åpenbart, hvem har en høyere effektivitet.

Les om det mest kjente maleriet av mesteren i artikkelen.

4. Michelangelo (1475–1564)

Daniele da Volterra. Michelangelo (detalj). 1544 Metropolitan Museum of Art, New York.

Michelangelo betraktet seg selv som en skulptør. Men han var en universell mester. Som hans andre renessansekolleger. Derfor er hans billedarv ikke mindre grandiose.

Han er først og fremst gjenkjennelig av fysisk utviklede karakterer. Han skildret en perfekt mann i hvem fysisk skjønnhet betyr åndelig skjønnhet.

Derfor er alle karakterene hans så muskuløse, hardføre. Til og med kvinner og gamle mennesker.

Michelangelo. Fragmenter av fresken av den siste dommen i Det sixtinske kapell, Vatikanet.

Ofte malte Michelangelo karakteren naken. Og så la jeg klær på toppen. For å gjøre kroppen så preget som mulig.

Han malte taket i Det sixtinske kapell alene. Selv om dette er noen hundre tall! Han lot ikke engang noen gni malingen. Ja, han var usosial. Han hadde en tøff og kranglevorne personlighet. Men mest av alt var han misfornøyd med ... seg selv.

Michelangelo. Fragment av fresken "Adams skapelse". 1511 Det sixtinske kapell, Vatikanet.

Michelangelo levde et langt liv. Overlevde renessansens tilbakegang. For ham var det en personlig tragedie. Hans senere verk er fulle av tristhet og sorg.

Generelt er den kreative veien til Michelangelo unik. Hans tidlige verk er ros til den menneskelige helten. Fri og modig. I de beste tradisjonene i antikkens Hellas. Som hans David.

I de siste årene av livet - dette er tragiske bilder. En bevisst grovhugget stein. Som om foran oss er monumenter over ofrene for fascismen på 1900-tallet. Se på hans "Pieta".

Skulpturer av Michelangelo ved Kunstakademiet i Firenze. Til venstre: David. 1504 Høyre: Pieta av Palestrina. 1555

Hvordan er dette mulig? Én kunstner gikk gjennom alle kunstens stadier fra renessansen til 1900-tallet i løpet av en levetid. Hva vil de neste generasjonene gjøre? Gå din egen vei. Vel vitende om at listen er satt veldig høyt.

5. Raphael (1483–1520)

. 1506 Uffizi Gallery, Firenze, Italia.

Raphael har aldri blitt glemt. Hans geni ble alltid anerkjent: både under livet og etter døden.

Karakterene hans er utstyrt med sensuell, lyrisk skjønnhet. Det er han som med rette regnes som de vakreste kvinnelige bildene som noen gang er laget. Ytre skjønnhet gjenspeiler den åndelige skjønnheten til heltinnene. Deres saktmodighet. Deres offer.

Raphael. . 1513 Old Masters Gallery, Dresden, Tyskland.

De berømte ordene "Skjønnhet vil redde verden" sa Fjodor Dostojevskij nøyaktig om. Det var favorittbildet hans.

Sensuelle bilder er imidlertid ikke Raphaels eneste sterke side. Han tenkte veldig nøye over komposisjonen til maleriene sine. Han var en uovertruffen arkitekt innen maleri. Dessuten fant han alltid den enkleste og mest harmoniske løsningen i organiseringen av rommet. Det ser ut til at det ikke kan være annerledes.

Raphael. Athen skole. 1509-1511 Freskomaleri på rommene til det apostoliske palasset, Vatikanet.

Rafael levde bare 37 år. Han døde plutselig. Fra forkjølelse og medisinske feil. Men arven hans kan ikke overvurderes. Mange artister idoliserte denne mesteren. Og de multipliserte hans sensuelle bilder i tusenvis av lerretene deres..

Titian var en uovertruffen kolorist. Han eksperimenterte også mye med komposisjon. Generelt var han en vågal innovatør.

For en slik glans av talent elsket alle ham. Kalt «malernes konge og kongenes maler».

Når vi snakker om Titian, vil jeg sette et utropstegn etter hver setning. Tross alt var det han som brakte dynamikk til maleriet. Patos. Entusiasme. Lys farge. Glans av farger.

Titian. Maria himmelfart. 1515-1518 Santa Maria Gloriosi dei Frari-kirken, Venezia.

Mot slutten av livet utviklet han en uvanlig skriveteknikk. Strøkene er raske og tykke. Malingen ble påført enten med pensel eller med fingrene. Fra dette - bildene er enda mer levende, pustende. Og handlingene er enda mer dynamiske og dramatiske.

Titian. Tarquinius og Lucretia. 1571 Fitzwilliam Museum, Cambridge, England.

Minner ikke dette deg om noe? Selvfølgelig er det en teknikk. Og teknikken til kunstnere fra XIX århundre: Barbizon og. Titian vil, i likhet med Michelangelo, gå gjennom 500 år med maleri i løpet av en levetid. Det er derfor han er et geni.

Les om mesterens berømte mesterverk i artikkelen.

Renessansekunstnere er eiere av stor kunnskap. For å etterlate seg en slik arv, var det nødvendig å studere mye. Innen historie, astrologi, fysikk og så videre.

Derfor får hvert av bildene deres oss til å tenke. Hvorfor vises det? Hva er den krypterte meldingen her?

De tar nesten aldri feil. Fordi de tenkte grundig ut sitt fremtidige arbeid. De brukte all bagasjen til kunnskapen deres.

De var mer enn kunstnere. De var filosofer. De forklarte verden for oss gjennom å male.

Derfor vil de alltid være dypt interessante for oss.