hjem › Kropp › Varianter av navnet på utstillingen batikk og porselen. Utstilling av batikk av Tatyana Kapustina

Varianter av navnet på utstillingen batikk og porselen. Utstilling av batikk av Tatyana Kapustina

I slutten av januar åpnet en utstilling av batikk av en lokal kunstner i Cherepovets Kapustina Tatiana kalt "The Circle".

Du kan se batikkmaleriene hennes i Panteleev Memorial Workshop. I regionsenteret er et slikt arrangement det første for forfatteren. Selv om Kapustina har malt på stoff i mer enn 20 år.

Tatyana Igorevna ble født i 1949, i 1973 ble hun uteksaminert fra Moscow Textile Institute.

Utstillingen presenterer verk laget i teknikken med kald og varm batikk. Dette er dekorative paneler, malerier og andre interiørartikler. Et særtrekk ved verkene er overvekt av abstrakte, assosiative og plantemotiver. Tatyana elsker spesielt vridde, virvlende linjer i komposisjoner, og det er nok derfor hun kalte dette samling "Sirkel".

Irina Balashova, som åpnet utstillingen, la merke til at kunstnerens kalde batikk nesten alltid er laget i lyse kontrastfarger, men hennes varme teknikk elsker monokrome kombinasjoner.

Mange flatterende anmeldelser ble etterlatt om maleriene, ikke bare av amatører, men også av kolleger. Her er ordene fra styrelederen for den lokale kunstnerforeningen:

"Det er verk - kastet et blikk og fortsatte, og disse - de synger! Tegningen er subtil, oppmerksom. Hvis vi vurderer denne utstillingen i åndelige termer, så er den veldig lys, legger ikke press på betrakteren, men tvert imot inspirerer.»

Arbeidet hennes er ganske moderne, fordi det harmonisk sammenfletter den eldgamle erfaringen til tekstilmestere og den siste utviklingen og teknologiene, så vel som hennes eget, åndelige syn på verden.

Verkene er lyse, positive, uvanlige. Mest av alt elsker Tatyana Igorevna å lage paneler, fordi interiørting bidrar til å uttrykke hennes kreative individualitet mer levende. Det er alltid interessant hva som inspirerer forfatteren til dette eller det bildet? Her er hva Kapustina selv sier om dette.

Av en eller annen grunn har jeg aldri oppfattet batikk som en kunst, eller rettere sagt, jeg tenkte rett og slett ikke på det. Batikk er vakre sjal, interessant håndarbeid, alle slags dråper, drypp, overløp og silke.
Og så, helt tilfeldig, da vi besøkte vannmuseet, befant vi oss i et lite rom med lerreter. Under kuttet skal jeg fortelle og vise hva det var)

Det viste seg at dette var en utstilling av studenter ved Kunst- og håndverkshøgskolen oppkalt etter Carl Faberge. Her igjen en oppdagelse: for meg syntes det alltid at institusjoner med så store navn er noe gammelt, som en gang var en skole for lærlinger, så en slags skole for arbeidende ungdom, så en yrkesskole, og nå en høyskole. Men nei! Denne skolen ble grunnlagt i 2005!

Til min overraskelse ble ikke alle verkene signert, noe som er synd og, etter min mening, på en eller annen måte feil. Imidlertid vil du nå se at det er mulig å skille hånden til én forfatter i flere verk.

I følge kommentaren til utstillingen kommer ordet "batikk" fra indonesisk batikk, der ba er en klut, og tik er en dråpe.

Og så vil jeg sitere fra beskrivelsen av utstillingen: "Hele utstillingen består av 19 verk med "silkekunst" på vanntemaet, men de er alle veldig forskjellige. Unge kunstnere utmerker seg med sin egen stil, teknikk, visjon, hvert bilde er en del av forfatterens sjel og holdning.

Her to-lags batikk - den mest komplekse maleteknikken ved bruk av smeltet voks, ruller, etc. Og alt dette kommer til uttrykk i landskapssjangeren, som gir forfatteren en utrolig ytringsfrihet. Å formidle på et spesielt språk skjønnheten i vannverdenen - dette er oppgaven som "batikist"-kunstnerne satte seg, og som de utvilsomt taklet.

På lerretene - elver, støpejernsgjerder av voller, stille gater i byer med steinhus, smug, templer - frossen musikk som artister formidler sin oppfatning av vann gjennom.

Malerienes landskap er rolige og åndelige, milde og raffinerte, disponert for refleksjon. Utstillingen ser ut til å invitere seerne til å ta en tur langs vannoverflaten til havet, store elver og små bekker, og til og med se inn i den mystiske undervannsverdenen."

Selvfølgelig, jeg beklager veldig, jeg har aldri vært kunstkritiker, men etter min mening var de for smarte med beskrivelsen;) Du kan tydelig føle et forsøk på å forene hele utstillingen med ett tema, tiltrekke til og med tydelig ut av -veien plotter til det. Hvorfor ikke bare kalle det Batikk-symfonien, for eksempel? Eller ville det da være umulig å stille ut på Vannmuseet?

Uansett hva det var, gjorde selve verket inntrykk! Det er meg igjen, jeg beklager, jeg klikket på telefonen, pluss at skjermene ofte forvrenges. Generelt, ta mitt ord for det: farger, overganger er rett og slett magiske!

Med stor glede så jeg på bildene på nært hold - jeg var nysgjerrig på "hvordan det ble gjort") Med beundring - langveis fra. Alle strøk smelter sammen til et veldig realistisk (når plottet krever det) bilde slik at det til og med virker omfangsrikt.

En rekke stiler overbeviser om at teknologien er ufortjent fratatt oppmerksomhet. I alle fall av meg) Møter du ofte batikk - som kunst, og ikke som brukskunst?

Her tar jeg permisjon for dette) Takk for at du deler litt flere inntrykk med meg))

p.s. Utrolig nok har ikke selve vannmuseet sin egen nettside, men bare en elendig del på nettstedet til Mosvodokanal. Så det er ingen grunn til å si at jeg ikke fant informasjon om datoene for denne utstillingen, og derfor kan jeg dessverre ikke anbefale den for et besøk. Men, hvis noen virkelig vil, tror jeg du kan ringe museet.

Publikasjoner under Tradisjoner

Gåter med mønstre av russiske malerier

Har Gzhel-retter alltid vært blå og hvite, hvilket tradisjonelt maleri ble født etter oktoberrevolusjonen, og hvorfor gløder de malte kistene? Vi forstår hemmelighetene til folkekunsthåndverk.

Gylne boller. Khokhloma-maleri

Mesteren begynte arbeidet med å slå i bøttene - han lagde treklosser (spenner) av lind, osp eller bjørk. De laget treskjeer og øser, kopper og saltbøsser av dem. Fatene som ennå ikke var dekorert med maleri ble kalt lin. Linen ble grunnet og tørket flere ganger, og deretter malt i gule, røde og svarte toner. Blomsterpynt, blomster, bær, blondekvister var populære motiver. Skogsfugler på Khokhloma-retter minnet bøndene om Ildfuglen fra russiske eventyr, de sa: «Ildfuglen fløy forbi huset og rørte ved bollen med vingen, og skålen ble gyllen».

Etter å ha tegnet mønsteret ble produktene dekket med tørkeolje to eller tre ganger, tinn eller aluminiumspulver ble gnidd inn i overflaten og tørket i ovn. Etter å ha herdet med varme, fikk de en honningfarge og lyste virkelig som gull.

På begynnelsen av 1700-tallet begynte retter å bli brakt til Makariev-messen, hvor selgere og kjøpere fra hele Russland samlet seg. Khokhloma-produkter var kjent over hele landet. Siden 1800-tallet, da gjester fra hele Europa og Asia begynte å komme til Nizhny Novgorod-messen, dukket det opp malte retter i mange deler av verden. Russiske kjøpmenn solgte produkter i India og Tyrkia.

Snøhvit bakgrunn og blå mønstre. gzhel

Snøhvit bakgrunn og blå mønstre. Gzhel. Foto: rusnardom.ru

Snøhvit bakgrunn og blå mønstre. Gzhel. Foto: gzhel-spb.ru

Snøhvit bakgrunn og blå mønstre. Gzhel. Foto: Sergey Lavrentiev / Photobank Lori

Gzhel-leire har vært kjent siden Ivan Kalitas tid - fra 1300-tallet. Lokale håndverkere brukte den til å lage "kar for apotekets behov", servise og barneleker. På begynnelsen av 1800-tallet dukket det opp fabrikker i Gzhel volost, hvor det ble laget porselen. Den første bedriften her ble grunnlagt i 1810 av kjøpmannen Pavel Kulichkov. Til å begynne med ble maling på porselensfat farget, men på midten av 1800-tallet kom moten for hvite og blå nederlandske fliser og kinesisk porselen i samme nyanser til Russland. Snart ble blå mønstre på en snødekt bakgrunn et kjennetegn på Gzhel-maleriet.

For å sjekke kvaliteten på porselen, før maling, ble produktet dyppet i fuchsin - rød anilinmaling. Porselen ble malt i en jevn rosa farge, og eventuelle sprekker var merkbare på det. Mestre malt med koboltmaling - før brenning ser det svart ut. Ved hjelp av spesielle teknikker, som bare jobbet med pensel og maling, skapte kunstnerne mer enn 20 nyanser av blått.

Gzhel-plotter er frodige roser (de ble kalt "agashki" her), vinterlandskap, scener fra folkeeventyr. Barn drar på aking, Emelya fanger en gjedde i dammen, landsbyboerne feirer Maslenitsa ... Etter å ha tegnet bildet ble fatene dekket med glasur og brent. Rosa produkter med svart mønster fikk sitt tradisjonelle utseende.

Lysende brosjer og smykkeskrin. Fedoskino lakk miniatyr

"Da vi organiserte artellen, hadde vi bare én samling av Pushkins verk for syv personer ... Dette forklarer i stor grad det faktum at vi skrev de fleste miniatyrene våre på Pushkins historier."
Alexander Kotukhin, miniatyrist

I 1932 møtte Palekh-kunstnere Maxim Gorky, som kalte Palekh-lakkminiatyren "et av miraklene skapt av oktoberrevolusjonen". På hans forespørsel malte Ivan Golikov miniatyrer for deluxe-utgaven av The Tale of Igor's Campaign.

Fra 23. mai til 29. juni 2014 i Central Exhibition Hall i byen Kolomna er det en utstilling "Invitation to Travel". La oss beundre batikken som ble presentert på utstillingen.

Lyubov Toshcheva er medlem av Union of Artists of Russia, vinner av Malyutin-prisen, en vanlig deltaker i republikanske, regionale og soneutstillinger. Noen av verkene hennes er i Moskva, mange andre er i gallerier og private samlinger i Russland, Tyskland, Tsjekkia, Ungarn, Frankrike og Italia. Stolene hennes bæres av kjente kvinner, inkludert Hillary Clinton.

Toshcheva Lyubov "Night Fairy" Kald batikk, silke

Toshcheva Lyubov "Russian beauty" Kald batikk, silke

Toshcheva Lyubov "Lovers" Kald batikk, silke

Toshcheva Lyubov "Secret door" Kald batikk, silke

Toshcheva Lyubov "Prosperity" Kald batikk, silke

Toshcheva Lyubov "Peace" Kald batikk, silke

Toshcheva Lyubov "På toppen" Kald batikk, silke

Toshcheva Lyubov "Infinity" Kald batikk, silke

Toshcheva Lyubov "Queen of winter" Kald batikk, silke

Toshcheva Lyubov "Queen of Spring" Kald batikk, silke

Toshcheva Lyubov "Queen of summer" Kald batikk, silke

Toshcheva Lyubov "Queen of Autumn" Kald batikk, silke

Toshcheva Lyubov "Music of sadness" Kald batikk, silke

Toshcheva Lyubov "Song of Joy" Kald batikk, silke

Toshcheva Lyubov Kald batikk, silke

Marina Edmundovna Orlova

Den ærede kunstneren i den russiske føderasjonen Marina Edmundovna Orlova ble uteksaminert fra Ivanovo School of Artistic and Industrial Design, avdeling for kunstnerisk design av stoffer. Jobbet som tekstilkunstner. Siden 1979 har han deltatt på kunstutstillinger. Medlem av Union of Artists of Russia (1991), medlem av Union of Designers of Russia (2002). En av de betydelige mesterne som arbeider i batikkteknikken er kjent både i Russland og i utlandet, en deltaker i en rekke unions-, republikanske, regionale og internasjonale utstillinger. I 2012 ble hun tildelt Grand Prix for triptyken «Confrontation. Shadows of the Past" på en utstilling dedikert til krigen i 1812, holdt på Museum of Decorative and Applied Arts i Moskva.

Æret kunstner av Russland Marina Orlova "Secrets of the Ocean" (triptych) Gor. batikk, nat. silke

Æret kunstner av Russland Marina Orlova "Gamle blader" (diptych) Gor. batikk, nat. silke

Den ærede russiske kunstneren Orlova Marina Gor. batikk, nat. silke

Irina Nikolaevna Kazimirova er en av de mest talentfulle batikistene. ble født i Ivanovo. I 1974 ble hun uteksaminert fra Ivanovo Chemical-Technological College med en grad i tekstildesign. Arbeidet hennes er godt kjent blant kunstnere og spesialister innen dekorativ kunst. Arbeidene hennes ble stilt ut ikke bare i Russland, men også i Tyskland, India, Italia, Luxembourg. Hun er medlem av Union of Artists of Russia og den internasjonale sammenslutningen for fine arts AIAP - UNESCO.

Kazamirova Irina "Hilsen til vinnerne" Nat. silke, fjell batikk

Kazimirova Irina "Forbs 1" Nat. silke, fjell batikk

Kazimirova Irina "Ved vannet 1" Nat. silke, fjell batikk

Kazimirova Irina "Ved vannet 2" Nat. silke, fjell batikk

Kazimirova Irina "Alpine hill 1" Nat. silke, fjell batikk

Kazimirova Irina "Alpine Hill 2" Nat. silke, fjell batikk

Kazimirova Irina "Waterfall" Nat. silke, fjell batikk

Kazimirova Irina "Mirror" Nat. silke, fjell batikk

Kazimirova Irina “Keepers. Fugl" Nat. silke, fjell batikk

Kazimirova Irina “Keepers. Leo" Nat. silke, fjell batikk

Kazimirova Irina "Red Irises" Nat. silke, fjell batikk

Kazimirova Irina "Vitamin" Nat. silke, fjell batikk

Kazimirova Irina "På vinduet" Nat. silke, fjell batikk

Kazimirova Irina "Kveld" Nat. silke, fjell batikk

Miloserdova Anna
Anna gikk inn i kunsten to ganger: den første gangen - etter å ha blitt født og dannet i en familie av kunstnere, den andre - allerede en moden person med solid erfaring innen tysk filologi, der Anna fikk sin utdannelse ved fakultetet for filologi i Moskva State University, hvor hun ble presset av drømmen om å oversette poesi.
Kunstnerisk utdanning (i tillegg til den uvurderlige atmosfæren i hjemmet hennes) mottok Anna ved Moscow State Textile Academy. Det særegne ved Annas kreative vei ligger i sammenvevingen av poetiske, forskningsmessige og kunstneriske ambisjoner. Kjærlighet til hedenske kulturers visdom, forskning i skjæringspunktet mellom språk, psykologi og etnologi, tallrike oversettelser av poesi, skjønnlitteratur, populær og spesialisert litteratur fra en rekke språk, opprettelsen av fakultetet for lingvistikk og regionale studier ved International Slavic Universitetet i Moskva og ledelsen av Det enhetlige fakultet for humaniora, undervisning i språk og gammel kultur - slik er spekteret av interesser og aktiviteter til denne personen. Annas arbeid er like attraktivt både for spesialister, kollegaer i butikken og for det bredeste publikummet. Hun ble gjentatte ganger tildelt æresbevis og diplomer innen kunstnerisk kreativitet. I 2008 ble Anna Miloserdova tildelt diplomet fra det russiske kunstakademiet for en serie batikk- og malepaneler. For øyeblikket er kunstneren medlem av AHDI i Moskva-kunstnerforbundet, Den russiske føderasjonens kunstnerforbund, IHF og Society for Culture and Art.

Miloserdova Anna "Juni regn" fra serien "År på vingene til sommerfugler" silke, blandet. bomull/batikk

Miloserdova Anna "Dragon" fra serien "Eastern calendar" silke, batikk, mix. teknikk

Fortsettelse.

"Sjel sølt med maling"

Faktisk er det mye mer praktisk å tegne på de vanlige harde "bærerne". Selv primitive kunstnere visste dette, og deres kreasjoner har blitt bevart for alltid. Noen kunstnere møter imidlertid vanskeligheter - de velger å male på stoff. Samtidig velger alle teknikken "etter å smake", i henhold til temperament. Noen er inspirert av lukten av oppvarmet voks og mysteriet med tak, noen er inspirert av bekvemmeligheten av gratis maling og moderne fargestoffer.

Tatyana Shikhireva sier: "Jeg ble revet med av varm batikk, og jeg prøver å ikke avvike ... Alle som har jobbet med denne teknikken vet at først må du gjøre det letteste, deretter mørkere og mørkere. Og hele tiden må du huske på hva jeg hadde lyst, hva som var mørkt. Det er så interessant og spennende at det er vanskelig å si nei til slikt arbeid.
Andre foretrekker å male stoffer spesielt for klær: "Jeg liker bomull eller silke for å leve - rynker, flagrer i vinden, noen ganger være synlig gjennom lyset, og viktigst av alt, at det noen ganger berører noens kinn og er nødvendig av noen" ( Veronika Pavlenko).
Noen billedvevmestre jobber også i batikk, andre stopper ved én ting. «Når det er varmt hele tiden, må du tenke på hvordan det er da, hele tiden foran øynene dine er det ikke arbeid, men en voksskorpe. Brannfare når du gjør det (det skjedde en gang!). I kulden - en slags lettsindighet. Og overalt – teknologi – 90 prosent! Med et billedvev er alt akkurat det motsatte. Ja, det er mye forberedelse. Men prosessen er et eventyr. Det er enkelt, som 2x2, det vil si all den kreative spenningen på plottet, komposisjonen, plastløsningen ... Pennene er rene. Bildet er synlig umiddelbart, vel, kanskje ikke alt er på siden, men dette er ingenting sammenlignet med varm batikk, sier Olga Popova.
Elena Dorozhkina foretrekker å male på silke: «Jo mer jeg driver med batikk, jo lenger bort går jeg fra dens klassiske teknikker (kald, varm). De begrenser mine kreative ønsker, tillater meg ikke å lage komplekse komposisjonsideer. Kald batikk er en kontur - en kant, den lar deg ikke lage subtile, pittoreske nyanser. Hot - helt med voks, hvor alt er veldig dekorativt, men monosyllabisk og flatt, involverer disse teknikkene som regel å dekorere stoff for klær, faktisk, som batikk ble oppfunnet for. Det er ikke nok for meg. I prosessen med mange års arbeid i batikk, oppdaget jeg min egen teknikk som lar meg realisere plottene mine på silke. Teknikken min er gratis maling. Som regel ifølge en foreløpig skisse. Silke lar malingen spre seg vakkert, skånsomt, og foreslår ofte nye effekter selv, du trenger bare å fange dem, vise dem og fremheve dem. Prosessen er kompleks, subtil, men interessant. Vi kan si at vi samhandler med denne teknologien." .
Dorozhkina Elena(byen Korolev). Sommer. 2005. Silke. Gratis maling. 49x50 cm. MED ait

La oss igjen gå til opprinnelsen, denne gangen - opprinnelsen til forfatterens batikk i USSR. Grunnleggeren av den latviske billedvevskolen, kunstneren Rudolf Heimrat (1926–1992), begynte sin karriere på 1950-tallet med batikk og keramikk. På begynnelsen av 1960-tallet begynte Juozas Balchikonis (1924–2010), grunnleggeren av den litauiske skolen for kunstneriske tekstiler, sine eksperimenter i den varme batikkteknikken. Dette var lingardiner og veggpaneler basert på litauiske folkesanger og legender. Erfaringen hans er fortsatt interessant, spesielt fordi han ser ut til å være den eneste kunstneren (i USSR og dagens Russland) som brukte vegetabilske fargestoffer i batikk. For eksempel oppnådde kunstneren grønnlige og brune toner fra trebark, mose og rust. Sønnen Kestutis skapte også originale, poetiske verk.
Balchikonis Kestutis(Litauen). Ferie på Neman. 1978. Bomull. Varm batikk. 230x304 cm. Nasjonalmuseet i Litauen.
Raffinerte figurer sitter på årer, tre "nåde" danser til høyre, i midten av komposisjonen er det et tre og svaner.

Monumentale batikk, nær freskomaleri, gjorde sterkt inntrykk på utstillinger. Det ble klart at batikk er ganske verdig å ta en plass i det offentlige interiøret.
Utstillingen til Juozas Balchikonis i Moskva på begynnelsen av 1970-tallet gjorde så stort inntrykk på Irina Trofimova at hun viet hele sitt kunstneriske liv til denne kunstformen. Kunstneren studerte batikkteknikken i Delhi. Hun besøkte mange asiatiske republikker og land i Sørøst-Asia. I et halvt århundres arbeid (siden 1962) i forfatterens batikk har hun aldri sviktet den varme batikken, sin egen stil og den monumentale størrelsen på lerretene (vanligvis er de 265x100 cm store). Irina Trofimova mener at den tradisjonelle eldgamle teknikken ikke begrenser forfatterens muligheter, men hjelper til med kreativiteten. Honored Artist of Russia jobbet hun i foreningen "Spring" i mer enn 30 år. Hun har skapt over 1000 prisvinnende tema- og suvenirdesign for hodeskjerf. Mer enn 100 monumentale paneler, hvorav mange oppbevares i museene i landet og i utlandet. Og hvert år er det nye serier viet til ulike emner. På lerretene er det vanligvis store figurer i kostymer som nøyaktig samsvarer med epoken, gjenstander som symboliserer det valgte temaet. Karakterene ber, leser, danser, snakker, ser på oss derfra, fra deres frosne evighet.
Trofimova Irina(Moskva). Egypt. Kina. Middelalderen. Triptykon. 2010. Bomull. Varm batikk. 265x100 cm.

I november 2011 ble Irina Trofimova inspirator og arrangør av den unike Textile Fresco-utstillingen på Belyaevo Gallery i Moskva. Bare store verk (fra 2 meter) av kunstnere fra forskjellige russiske byer ble presentert her. Cm.
Når vi har et storformatverk foran oss, forventer du dypt innhold fra det. Denne uvanlige utstillingen var ment å minne om denne ikke utilitaristiske, men høye, åndelige hypostasen av batikk.
Opprinnelsen til den nåværende monumentale batikken går tilbake til antikken. De komplekse emnekomposisjonene av freskene til huletempelene i India gikk senere over til stoffer laget ved hjelp av forskjellige maleteknikker. Dette var hellige tegninger på gardinene til vegger, nisjer og dører til templer, rituelle vogner. Stoffer som har blitt bevart siden middelalderen har mytiske og episke handlinger, noen ganger scener fra hofflivet. Tempelgardiner er kjent, og når størrelsen 3x6 (8) meter. Tegning på dem ble påført med en pinne med tykk maling. Voksbatikk ble utviklet i det sørlige India.
Men tilbake til landet vårt. Etter Irina Trofimova begynte andre å engasjere seg i batikk. Så fra Europa, på en rundvei, gjennom de baltiske kunstnerne, kom reserveteknikken for å lage et mønster på stoff igjen til Russland.
For en kunstner som jobber i tekstilindustrien (design av stoffer, hodeskjerf, gardiner), har forfatterens batikk blitt et utsalgssted siden 70-tallet, slik at han kan engasjere seg i fri kreativitet.
I perioden med perestroika var batikk en god hjelp for de kunstnerne som ikke var gjort krav på. Mange billedvevsmestre gikk over til å male. Siden slutten av 1990-tallet velger flere og flere studenter batikk til oppgavearbeidet, mindre og mindre - arbeidskrevende billedvev. De siste årene har dekorativ kunst våknet til liv etter «Tidens tid», storstilte biennaler, triennaler (riktignok med forbehold etter arrangørenes smak) gir mulighet til å se kunstnere fra alle regioner samtidig. Det har aldri vært slike utstillinger på batikk, men Internett ødelegger gradvis grenser og avstander, noe som gjør det mulig å se mye, selv om inntrykkene av et "levende" verk og et virtuelt verk kan være veldig forskjellige.
Bulychev Yuri. Tid. Mekanikk. Album.

Det er kunstnere som har jobbet med suksess hele livet med den valgte teknikken og i én stil. Det er mangefasetterte forfattere, det er umulig å gjøre inntrykk av arbeidet deres fra ett verk, så jeg gir, der det er mulig, adressene til nettstedene deres. Vi har kjent noen av dem i mange år, andre har så vidt begynt å jobbe interessant med ulike tekstile maleteknikker. For ikke å bygge fasjonable nå "rating", så presenterer jeg artistene i tilfeldig rekkefølge.

I verkene til Elena Kosulnikova forstyrrer ikke det langstrakte formatet av smalt stoff (250 (300) x 90 cm) å se bredden av russiske åpne rom "bak kulissene". Innfødt og alltid litt trist landskap, lite endret gjennom århundrene og perestroika. I det siste arbeidet fra denne serien - "Russian North" dukket det opp mer farge, som om solen kom ut, smeltet snøen, brøt den dystre monokromen og gledet oss med den nærmer seg våren.
Kosulnikova Elena(Moskva). russisk nord. 2011. Het batikk.

De siste verkene til forfatteren gjenspeiler inntrykkene

Verkene til den ærede kunstneren i Russland Tatyana Shikhireva er et "enkunstner-teater" glitrende med alle regnbuens farger. Arbeidene hennes i teknikken med varm batikk på silke er umiddelbart gjenkjennelige. Dette er historier om de alvorlige lidenskapene til Beautiful Lady, Columbine, Pierrot, Harlequin. Hver komposisjon blir en utsøkt historie fra historien til forskjellige land og tidsepoker. «Jeg vil vise dramaet, tragedien som utvikler seg i dette bildet. Jeg går alltid fra noen intriger. Jeg liker veldig godt å tegne detaljer, for eksempel en hals med frill, et bryllup med blomster. Interessant referanse til en annen epoke. Jeg graver mye i bøker om historie, mote fra forskjellige tidsepoker, finner et bilde for meg selv og lager mitt eget bilde, sier kunstneren. Ofte spilles flere scener ut samtidig på flere lerreter av forskjellige former, som ikke utgjør en serie, men en enkelt komposisjon. Handlingen fortsetter til tider på rammen, hvor du også kan møte forfatteren, som bryr seg om karakterene sine. Og hvem gjemmer seg bak kolonnen? Er det ikke ham selv...?
Shikhireva Tatiana(Moskva). Kunngjøring. Venstre side av komposisjonen. 2000. Het batikk Album.

I en serie batikk av Ivan Kharchenko virker den betagende forskjellen i skalaen til en mann, hans knapt synlige hode og det kolossale, men grasiøse, kadaveret av en okse som ikke fikk plass på lerretet, uutholdelig. Som om vi ser på det i et skarpt komprimert perspektiv på grunn av et veldig nært lavpunkt. Og likevel vinner en liten mann kledd i russisk folkedrakt denne tyrefektingen. Overvinner «dyret i seg selv».
Kharchenko Ivan(Sergiev Posad). Temming av spissmusen. OK. 2010. Bomull. varm batikk

Og et så vågalt plot som Tatyana Chagorovas ("Mange jenter - jeg er alene"), ser det ut til, har ennå ikke vært i batikk. Formen er også uvanlig - det er en enkelt komposisjon bestående av fem store lerreter.
Chagorova Tatiana(Penza). "Mange jenter - jeg er alene." Polyptyk. 2010. Bomull. Varm batikk. 180x80 cm. hver del

Snø er et fruktbart emne for kunstnere som jobber med stoff, fordi batikk vanligvis begynner med et hvitt lerret. Det gjenstår bare å påføre fargeflekker på de resterende stedene ... Olga Gamayunovas triptyker ligner perlemorinnlegg, forlokkende med en mystisk glans og mildt tonespill: «Verden av mine verk er en idealisert middelalder: slott og små landsbyer blant de endeløse vidder av jorder og skoger, fjell og elver. Årstidene skifter der, og livet går videre som vanlig. Selvfølgelig er det innflytelsen fra Walter Scott og Tolkien, men alt dette er allerede en del av min indre verden, som jeg prøver å fortelle i verkene mine. De tre delene henger ikke formelt sammen, men er en enkelt komposisjon.
Gamayunova Olga(Moskva). Vinter. Den sentrale delen av triptyken. 2006. Silke. Kald batikk

Marina Lukashevich (1968–2000) motbeviste fordommene for mange år siden om at ikke alle fag er egnet for batikk - hun kom en gang opp med en tittel på utstillingene sine: "Er det liv på silke?". Og på silken hennes var det faktisk et ekte liv, og et fabelaktig ett. I hennes arbeider i teknikken til kald batikk er absolutt løshet, lys, fri tegning, grenseløs fantasi, humor, lys dekorativitet og original håndskrift synlig.
Bildene, som i et løp, har det travelt med å gå i oppfyllelse, for å flykte fra ikke-eksistens: «Min sjel, som søler maling, kan så fritt, så nøyaktig, preges på silkestoff.» Hun oppfant teknikken til to-lags batikk, der to nesten gjennomsiktige komposisjoner på tynn silke er plassert parallelt: "Bare la to flate gjennomsiktige bilder ligge på en båre en stund - de vil umiddelbart smelte sammen til ... en tredje, allerede "volumetrisk" bilde." Resultatet er en illusjon av levende, bevegelige bilder, spesielt hvis betrakteren selv beveger seg.
Lukashevitsj Marina(Moskva). Engel. Silke.

Lukashevitsj Marina. Mann og katt. Silke. dobbel batikk

(Bilde fra personlig side)

Talent er ofte mangefasettert: som skuespillerinne i kabaretteatret "The Bat", skrev hun eventyr og essays om filosofiske emner, og var engasjert i animasjon. Verkene til Marina Lukashevich, som døde tidlig, kan sees på nettstedet hennes.

Uvanlig dekorative verk av Anna Miloserdova kan vurderes i lang tid, og finner gradvis flere og mer betydningsfulle detaljer. Tilsynelatende skrev William Blake om slike artister (oversatt av S. Ya. Marshak):
"I ett øyeblikk for å se evigheten,
Den enorme verden er i et sandkorn,
I en eneste håndfull - uendelig
Og himmelen er i en kopp med en blomst.
Fra et kaleidoskop av de minste detaljer og symboler dannes det fortryllende, grafisk nøyaktige, konsise bilder, bak hvilke store kulturlag føles. Ekte fugler, tigre, slanger, sauer blir til fabelaktig vakre skapninger. Verkene tiltrekker seg uventede vinkler, hyperbolisme, et nært og vennlig syn på verden. Fugler er spesielt gode: en arrogant kalkun, noens søvnige, varme komfort av dun og fjær, gleden av en spurv som plasker i en vårpytt. Mønstre på muntre flerfargede elefanter viser seg å være dimensjonsløse dameskjørt ...
En vittig teknikk for å koble sammen individuelle paneler til ett enkelt verk ved å slå sammen noen detaljer, for eksempel elefantstønner.
Miloserdova Anna(Moskva). Tingenes gang. Triptykon. 2007. Silke. Kald batikk, maleri. 70x210 cm.Moskva, Darwin Museum Album

Det er interessant å observere hvordan tradisjonelle symboler kommer til live i arbeidet til samtidskunstnere, ikke som et formelt sitat, et sett med kjente tegn, men organisk. Når et symbol får en ny form, er det som om det gjenfødes, bryter med forfatterens, dagens forståelse av livet. I arbeidet til O. Lozhkina. "Song of the Ancestors" - primitive tegninger av elg og jegere, flyttet fra steinene til et tynt stoff slik at de kunne sees i fjerne land. Tegninger og symboler formerer seg og formerer seg, og gjør de steinete kystene på stoffet til en blanding av eldgamle tegn fra forskjellige tidsepoker. Brevene kommer til jordens overflate og myldrer seg, som om de sier: «Her er vi! Vi er i live, vi er med deg, ikke glem oss, for vi er stemmene til dine forfedre, den aller første boken skrevet av menneskeheten! Den nedre øya reiser seg, kommer til liv og vokser opp til himmelen, en av de mytiske himmelske elgene - verdens elskerinne, og den andre er allerede skilt fra den ...
Lozhkina O.(Izhevsk). Sang av forfedre. Kald batikk. 145x60 cm.

Alvorlige (ikke spesiallagde), noen ganger filosofiske temaer i batikk er en sjeldenhet, og løste er også interessant dekorative - dobbelt så. Svetlana Shikhova la til en tradisjonell usbekisk quilteteknikk til maleriet. Sømmen passerer langs linjene i reserven, og skiller deretter fargeflekkene.
Shikhova Svetlana(Usbekistan, Fergana). Melonselger. 2010. Silke. 70x60 cm.

Så snart kunstneren tar utgangspunkt i til og med en enkel teknikk, for eksempel et helt gratis maleri, som i verkene til Alexander Talaev, og lerretet blir til monumental kunst.
Talaev Alexander. julenatt. 2009. Silke. gratis maling

Tomtene til Maria Kaminskaya er uendelig varierte. Dette er åker- og hageblomster, marint liv og insekter, ekte og fiktive karakterer omgitt av realistiske hverdagsdetaljer, landskap, elegante dekorative komposisjoner, noen ganger mystiske, noen ganger poetiske, noen ganger lyse, noen ganger dystre. I denne kunstnerens verden har til og med fisk sitt eget ansikt og karakter. Interiøret er alltid med et vindu bak som byen enten er ekte eller oppfunnet. Flerfargede eller subtile monokrome paneler, lakoniske eller med detaljer som kan ses i det uendelige. Uansett hva som er avbildet i verket, er det alltid dekorativt, malerisk og realistisk på samme tid. Album.
Kaminskaya Maria(Moskva). Ulya. Fra Silk Road-serien. 2011. Silke. Maleri. 70×70 cm.

Kaminskaya Maria.øyenstikkere. Fra Silk Road-serien. 2009. Silke. Kald batikk. 33×80 cm.

Å finne ditt eget tema i kunsten, din egen stil, slik at du blir gjenkjent uten å se på signaturen, er en seriøs oppgave for kunstneren. Den lyse forfatterens håndskrift skaper kunstens viktigste mirakel.
Hvor mye tålmodighet, tid og oppfinnsomhet en kunstner noen ganger trenger for å realisere planene sine! Noen ganger gir eksperimenter opphav til ganske uvanlige teknikker, som i verkene til Sergei Pushkarev (1954-2006). Han brukte silketrykk fra skisser på vokspapir med akvareller. Kunstneren utviklet sin egen teknikk for å male med fargestoffer på stoff lagt i folder. I flat form ble bildet lagt til med en airbrush. Album.
Sergei Pushkarev(Sergiev Posad). Vintersol. 1985. Silke. Forfatterens teknikk. 90x160 cm

Sergey Pushkarev. Gammel musikk. En del av en triptyk. 1980. Silke. Forfatterens teknikk. 90x110 cm.Moskva, Museum of Modern Art

En uvanlig teknikk bidro til å formidle i verket det som er så vanskelig å uttrykke: inntrykk, følelser, filosofiske søk etter meningen med livet:
"... Vi flyr uendelig i oss og over oss,
Det er trist på jordens himmelhvelving.
(Fra kunstnerens dikt).

Når man kombinerer ulike typer kunst, dukker det ofte opp noe interessant.
Victoria Kravchenko(1941–2009) supplert batikk med etsning. Mer arbeid.

Bokgrafiker Elena Uzdenikova, arbeider med batikk samtidig, organisk kombinert maleri på silke med bokillustrasjoner for persiske eventyr. Når de publiseres (i motsetning til gamle ruller), vil illustrasjonene bli laget på vanlig trykkmåte, men miniatyrene vil beholde den uvanlige effekten av å tegne på stoffet. Album.
Uzdenikova Elena. Illustrasjon til det persiske eventyret "Den gyldne karpe". 2002. Silke. Kald batikk, maleri. 15x25 cm.

Om sjelen, akryl og museumstekstiler

Alle levende følelser og tanker som begeistrer kunstneren, uansett hvor rart det kan virke for noen når man snakker om dekorativ kunst, kan formidles i et maleri på stoff. Og hvis forfatteren virkelig har dem, er det lett å finne en tilsvarende ikke-standard, naturlig komposisjonsløsning. Da vil det ikke være behov for formelle metoder for å dele planet med firkanter, striper og andre geometriske former, disse "stillasene" som ikke bærer noen semantisk belastning.
En gang var jeg til stede i Stroganovka på en diskusjon av en skisse av en student sitt avgangsprosjekt med en lærer. Tapetet hennes var dedikert til bildet av George the Victorious i en helt kanonisk versjon. Skissen ble kompetent delt inn i tre deler og til og med i forskjellige deler inni ... Jeg tenkte: "Hva er Hecuba for henne?". Det så ikke ut til at den unge jenta var så lidenskapelig opptatt av dette plottet at hun kunne bruke mange måneder av sitt kreative liv på det ...
«Søl din sjel med maling», og du vil gjerne eller ubevisst dele din smerte og glede med betrakteren. Da vil det komme en respons i sjelen hans.
For betrakteren, hvis han ikke forstår teknikkene for å male, spiller det ingen rolle i hvilken teknikk arbeidet er laget. Han oppfatter bildet som en helhet.
Blomster som ser ut til å flagre med kronblader, eller en bølge som er i ferd med å falle på en entusiastisk betrakter, forbløffer med illusorisk autentisitet og teknisk dyktighet. Faglig dyktighet er unektelig nødvendig. Men er teknikk hovedsaken i et kunstverk, og er fotografisk nøyaktighet kunstnerens mål? Husk Anatoly Zverev, som genialt og konsist kunne tegne et portrett på en serviett med hva som helst.
Å jobbe med varm voks er fascinerende, det er beslektet med gammel magi. Hvis en kunstner jobber i den "rene" teknikken varm batikk, er dette av spesiell interesse, men dette betyr ikke at kald batikk og andre forfatters, blandede teknikker er "verre". De er bare forskjellige måter å dekorere stoff på. Teknikkene for å lage et mønster direkte med et fargestoff på et stoff er mest sannsynlig enda eldre enn reservasjonsmetodene. Å male på silke med mineralmaling er tradisjonelt for Kina. Japanske kunstnere har lenge brukt til å lage, for eksempel, en kimono samtidig reserve, sjablong, utsøkt maleri, broderi, forgylling.
Kimono. Fragment. Japan

I vår tid, når ikke bare separate typer kunst er blandet, men til og med kunst, teknologi og vitenskap, er det ikke overraskende at en nysgjerrig kunstner kombinerer forskjellige teknikker i ett verk, selv om renheten til en viss type maleri har sin egen sjarm . Nye metoder for å jobbe med stoff blir stadig oppfunnet, og industrien reagerer raskt på nye forespørsler (eller organiserer dem selv).
Akrylmaling er en moderne analog av eldgamle mineralmaling og tidligere metoder for å håndtere fargespredning, som å tilsette salt til maling, fortykning fra stivelse, dragant, gelatin, etc. Oljemaling ble aktivt brukt i russiske gamle trykk, for å lage teaterkostymer . Et bilde malt med oljemaling på lerret er også maling på stoff. Men å male på stoff i andre teknikker, som for eksempel kan forveksles med oljemaling, kan neppe betraktes som et positivt fenomen, så vel som enhver imitasjon av en teknikk ved hjelp av en annen. Tett dekkmaling ga kunstnere muligheten til å tegne fritt på stoffet, som på papir. Kunstneren velger de tekniske midlene som vil bidra til å uttrykke ideene hans så mye som mulig. Ulike typer fargestoffer brukes til forskjellige formål: tette fargestoffer er praktiske for å lage malerier på stoff, men er ikke egnet for klær.
"En profesjonell, ser det ut for meg, er en person som er kjent med alle kjente og eier alle tilgjengelige teknologier. Jeg er for eksperimentet, da det gir opphav til nye effekter, nye teknikker og teknologier, ofte av forfatterens, og med dem - nye stemninger og sensasjoner i betrakteren, opp til et nytt syn på verden ...
Jeg bruker aktivt akryl, jeg synes at gode oppfinnelser ikke bør neglisjeres. Dette er allsidighet, en bred, aktiv palett, holdbarhet, lang levetid, nye effekter. Riktignok reagerer maling annerledes på lys, dette må tas i betraktning ... Hvorfor akryl på stoff, og ikke på papir? Fordi stoff ikke er papir. Akryl utjevner ikke papir og tekstiler, og det bestemmer ikke valg av teknikk. Ulike egenskaper, ulike effekter, derav ulike løsninger, ulike resultater, ulike oppfatninger. Hvis tekstilarbeidet antyder hvorfor ikke på papir, så kjenner ikke forfatteren og forstår materialet fullt ut og vet ikke hvordan han skal bruke dets funksjoner, sier Anna Miloserdova.
Etter å ha flyttet fra kategorien et utilitaristisk produkt til et staffeli, mister batikk til tider sin dekorative effekt og får egenskaper som er karakteristiske for malerier: perspektiv, volum, chiaroscuro. Den "rene" teknikken med varm eller kald batikk tvinger kunstneren (eller hjelper ham) til å forbli innenfor rammen av dekorativ kunst, ved å bruke spesifikasjonene til klassiske metoder.
Når han velger å dekke akrylmaling, går kunstneren for det faktum at under dem vil en tydelig sammenveving av bomullstråder skjules en livlig glans av silketråder. "Kroppsmalingen dekker overflaten av silken for tykt og hindrer maleriet i å ha en glans og skikkelig gjennomsiktighet," bemerket silkemalerhåndboken, så tidlig som i 1624. Mønsteret forblir på overflaten uten å trenge inn i strukturen til stoffet, uten å bli til en eneste helhet med det, slik tilfellet er med tradisjonell farging av batikk i kar eller maling med flytende fargestoff.
Det hender at teknikker stables oppå hverandre, dette oppleves som vold mot mønster og stoff. Den enkleste løsningen er vanligvis den beste.
Bruken av ruller, stempler eller mekaniserte teknikker som minner om dem i staffelibatikk virker meningsløs. Det er derfor det er forfatterens, unikt. Stemplet er egnet for replikert produksjon av stoff eller utilitaristiske produkter.
Og om det triste: oftere og oftere forlater skjønnhetsbegrepet kunstverkene, skjønnhetsbegrepet.
Lyse farger garanterer ennå ikke et "lyst" arbeid. Det er personligheten til kunstneren som gjør det slik. Tilsynelatende hjelper hun også med å finne sin egen unike håndskrift.
Batikk, som selges aktivt på våre åpningsdager, i kunstsalonger og via Internett, lages nå til tider ganske profesjonelt. Men de er replikert, de har sjelden sin egen forfatters stil, fordi de er designet for den gjennomsnittlige smaken til kjøpere ("slik som på bildet, i detalj, forståelig og pen"), og har derfor ikke seriøs kunstnerisk verdi.
Selvfølgelig konfronterer problemet med implementering alltid kunstneren. Museer legger sjelden merke til batikk. Sårbarheten til tynt stoff, lys- og vannfrykt, skjørheten til batikk, som i dette er dårligere enn billedvev, og enda mer for billedlerret, reduserer verdien i kjøpernes øyne (og reduserer prisene).
I talentfulle hender er batikk uendelig mangfoldig. Dette er klare tegningslinjer tegnet med et glassrør, en nål eller sang, og levende, unike strøk med en voksbørste. Dette er flekker med lokale flekker innenfor reservelinjen eller jevne overløp av gratis maling, kombinert med en tydelig grafikk av nye materialer.
I dag ville mer aktive eksperimenter med bruk av batikk i syntese med andre kunstformer, i interiørdesign, vært interessant.
Verkene til samtidskunstnere viser at alt er underlagt batikk. Alle temaer og skalaer: stort format, høyformat og til og med seriell, og overvinner dermed de første begrensningene for stoffets bredde.
Alle sjangre er tilgjengelige for batikk: landskap og portrett, abstrakte dekorative komposisjoner og sjangerscener, stilleben og animalistics.
Godich Marina. Vinterkveld. 2010. Silke. Kald batikk. 56x56 cm. Album.

Batik kan imponere publikum før forestillingens start med en storstilt gardin eller grandiose størrelser på en utstilling, i et museum eller i et offentlig interiør. Det kan glede med et lite bilde hengende hjemme over sofaen eller på et strengt direktørkontor. Batikk kan bli til duker, servietter, tradisjonelle nasjonale og europeiske klær.
Han har bare ett svakt punkt – forsvarsløshet mot tiden. Og likevel varer et kortvarig stoff ofte ut enn skaperne. Hvis det fantes et arkiv med kunstverk, der de kunne finne et fristed for verkene til alle forfattere, ville vi vært mye rikere. Så langt er det til en viss grad bare museer som har overvunnet dette problemet. Det er på tide å lage et museum i Russland, om ikke av batikk, så av tekstiler generelt. Og man kunne starte med en seriøs, storstilt utstilling dedikert til både historie og moderne batikk.

Jeg takker E. Dorozhkina, M. Kaminskaya, T. Mazhitova, E. Uzdenikova, I. Kharchenko og familien til Sergei Pushkarev for bildene.
P.S. Jeg minner om at du kan skrive kommentarer selv om du ikke er medlem av LiveJournal.

Populær i kategorien: