Vitenskapelige og filosofiske ideer fra renessansen i Shakespeares verdensbilde. Shakespeare og renessansen Shakespeare-ideer i arbeid
Vi kan trygt si at denne mannen endret verden, mentalitet, oppfatning, holdning til kunst som sådan. William Shakespeare, hvis verk er studert i skolens læreplan, var et ekte geni. Hans skuespill og dikt kan kalles et ekte leksikon over menneskelige relasjoner, et slags speil av livet, en reflektor av menneskets mangler og styrker.
stort geni
Shakespeares verk er et imponerende bidrag til verdenslitteraturen. I løpet av livet skapte den store briten sytten komedier, elleve tragedier, et dusin kronikker, fem dikt og hundre og femtifire sonetter. Det er interessant at fagene deres, problemene beskrevet i dem, er relevante i dag. Selv mange forskere av dramatikerens verk kan ikke svare på hvordan en person i det sekstende århundre kunne lage verk som begeistrer alle generasjoner. Det ble til og med antatt at verkene ikke ble skrevet av én person, men av en viss gruppe forfattere, men under ett pseudonym. Men sannheten er ennå ikke fastslått.
kort biografi
Shakespeare, hvis verk er så elsket av mange, etterlot seg mange mysterier og svært få historiske fakta. Det antas at han ble født i nærheten av Birmingham, i byen Stratford-upon-Avon, i 1564. Faren hans drev handel og var en velstående borger. Men spørsmålene om litteratur og kultur ble ikke diskutert med lille William: på den tiden var det ikke noe miljø i byen som ville bidra til utvikling av talent.
Gutten gikk på en friskole, i en alder av atten giftet han seg (tvangsmessig) med en rik jente, hun var åtte år eldre enn ham. Tilsynelatende likte ikke Shakespeare familielivet, så han ble med i en vandrende gruppe kunstnere og dro til London. Men han var ikke heldig som ble skuespiller, så han skrev dikt til ære for innflytelsesrike mennesker, serverte hestene til velstående teaterbesøkende, jobbet som sufflør og skrev ferdig skuespill. Shakespeares første verk dukket opp da han var 25 år gammel. Så skrev han mer og mer. De ble levert og var vellykkede. I 1599, på bekostning av kunstnerne i gruppen, inkludert Shakespeare, ble det berømte Globe Theatre bygget. I den jobbet dramatikeren utrettelig.
Funksjoner ved verkene
Shakespeares verk skilte seg allerede da fra tradisjonelle dramaer og komedier. Kjennetegnet deres var dypt innhold, tilstedeværelsen av intriger som forandrer mennesker. William viste hvor lavt selv en adelig person kan falle under påvirkning av omstendighetene, og omvendt hvordan beryktede skurker utfører store gjerninger. Dramatikeren tvang karakterene hans til å avsløre karakteren sin gradvis, ettersom handlingen utviklet seg, og publikum til å føle med karakterene for å følge scenen. Shakespeares verk er også preget av høy moralsk patos.
Det er ikke overraskende at dramaturgiens geni allerede i løpet av hans levetid fratok inntektene til mange forfattere, siden publikum krevde nettopp hans arbeid. Og han møtte kravene til etterspørselen - han skrev nye skuespill, spilte gamle historier, brukte historiske kronikker. Suksess ga William velstand, og til og med adelens våpenskjold. Han døde, som det er vanlig å tro, etter en munter fest til ære for bursdagen hans i en vennlig krets.
Verker av Shakespeare (liste)
Vi kan ikke liste opp alle verkene til den største engelske dramatikeren i denne artikkelen. Men la oss peke på de mest kjente verkene til Shakespeare. Listen er som følger:
- "Romeo og Julie".
- "Hamlet".
- "Macbeth".
- "En drøm i en sommernatt".
- "Othello".
- "Kong Lear".
- "Kjøpmannen i Venezia".
- "Mye ståhei for ingenting".
- "Storm".
- "To Verona".
Disse stykkene finnes i repertoaret til ethvert teater med respekt for seg selv. Og, selvfølgelig, for å parafrasere det berømte ordtaket, kan vi si at skuespilleren som ikke drømmer om å spille Hamlet er dårlig, skuespilleren som ikke vil spille Juliet er dårlig.
Å være eller ikke være?
Shakespeares verk «Hamlet» er et av de lyseste, mest gjennomtrengende. Bildet av den danske prinsen begeistrer til dypet av sjelen, og hans evige spørsmål får deg til å tenke på livet ditt. For de som ennå ikke har lest tragedien i fullversjonen, vil vi fortelle en oppsummering. Stykket begynner med at det dukker opp et spøkelse i kongene. Han møter Hamlet og forteller ham at kongen ikke døde en naturlig død. Det viser seg at farens sjel krever hevn - morderen Claudius tok ikke bare kona til den avdøde kongen, men også tronen. Prinsen ønsker å bekrefte sannheten til ordene om nattsyn, og later som han er en gal og inviterer vandrende artister til palasset for å iscenesette tragedien. Claudius reaksjon ga ham bort, og Hamlet bestemmer seg for å ta hevn. Palace-intriger, svik mot hans elskede og tidligere venner gjør en hevnerprins uten hjerte. Han dreper flere av dem til forsvar for seg selv, men blir drept av sverdet til den avdøde Ophelias bror. Til slutt dør alle: både Claudius, som usannsynlig tok tronen, og moren, som drakk vinen som var forgiftet av mannen sin, forberedte Hamlet, og prinsen selv, og hans motstander Laertes. Shakespeare, hvis verk rører seg til tårer, beskrev problemet ikke bare i Danmark. Men hele verden, arvemonarkiet spesielt.
Tragedie av to elskere
Shakespeares «Romeo og Julie» er en rørende historie om to unge mennesker som er klare til å ofre seg for å være sammen med sin utvalgte. Dette er en historie om stridende familier som ikke tillot barna sine å være sammen, å være lykkelige. Men barna til de stridende adelen bryr seg ikke om de etablerte reglene, de bestemmer seg for å være sammen. Møtene deres er fylt med ømhet og dype følelser. Men brudgommen ble funnet for jenta, og foreldrene hennes ber henne forberede seg til bryllupet. Julies bror blir drept i en gatekamp mellom representanter for to krigførende familier, og Romeo regnes som morderen. Herskeren ønsker å sende forbryteren ut av byen. Ungdommene får hjelp av en munk og en sykepleier, men de har ikke helt diskutert alle detaljene rundt flukten. Som et resultat drikker Juliet en trylledrikk, hvorfra hun faller inn i Romeo, men anser sin elskede som død og drikker gift i krypten hennes. Etter oppvåkning dreper jenta seg selv med fyrens dolk. Montagues og Capulets forsoner seg og sørger over barna sine.
Andre jobber
Men William Shakespeare skrev verk og andre. Dette er morsomme komedier som er oppløftende, lette og livlige. De forteller om mennesker, selv om de er kjente, men de som ikke er fremmede for kjærlighet, lidenskap, strever etter livet. Ordspill, misforståelser, lykkelige ulykker fører karakterene til en lykkelig slutt. Hvis tristhet er tilstede i stykkene, så er det flyktig, for eksempel for å understreke den muntre uroen på scenen.
Sonettene til det store geniet er også originale, fylt med dype tanker, følelser, opplevelser. I vers vender forfatteren seg til en venn, elsket, sørger i adskillelse og gleder seg over et møte, er skuffet. Et spesielt melodisk språk, symboler og bilder skaper et unnvikende bilde. Interessant nok viser Shakespeare i de fleste sonettene til en mann, kanskje Henry Risley, jarl av Southampton, dramatikerens beskytter. Og først da, i senere verk, dukker en mørk dame, en grusom kokett, opp.
I stedet for et etterord
Hver person er ganske enkelt forpliktet til å lese i det minste i oversettelse, men hele innholdet i de mest kjente verkene til Shakespeare, for å sikre at det største geni hadde evnen til en profet, fordi han var i stand til å identifisere problemene til selv det moderne samfunnet . Han var en forsker av menneskesjeler, la merke til deres mangler og fordeler, og presset på for endringer. Og er det ikke formålet med kunsten og den store mesteren?
William Shakespeare
Arbeidet til den store engelske forfatteren William Shakespeare er av verdensomspennende betydning. Shakespeares geni er kjært for hele menneskeheten. Idé- og bildeverdenen til den humanistiske poeten er virkelig enorm. Shakespeares universelle betydning ligger i realismen og nasjonaliteten til arbeidet hans.
William Shakespeare ble født 23. april 1564 i Stratford-on-Avon i familien til en hanske. Den fremtidige dramatikeren studerte på en grammatikkskole, hvor de underviste i latin og gresk, samt litteratur og historie. Livet i en provinsby ga en mulighet for nær kontakt med folket, som Shakespeare lærte engelsk folklore og rikdommen i folkespråket av. En tid var Shakespeare juniorlærer. I 1582 giftet han seg med Anna Hathaway; han hadde tre barn. I 1587 dro Shakespeare til London og begynte snart å spille på scenen, selv om han ikke hadde stor suksess som skuespiller. Fra 1593 arbeidet han ved Burbage Theatre som skuespiller, regissør og dramatiker, og fra 1599 ble han aksjonær i Globe Theatre. Shakespeares skuespill var veldig populære, selv om få mennesker visste navnet hans på den tiden, fordi publikum først og fremst tok hensyn til skuespillerne.
I London møtte Shakespeare en gruppe unge aristokrater. En av dem, jarlen av Southampton, viet diktene sine Venus og Adonis (Venus og Adonis, 1593) og Lucrece (Lucrece, 1594). I tillegg til disse diktene skrev han en samling sonetter og trettisju skuespill.
I 1612 forlot Shakespeare teatret, sluttet å skrive skuespill og returnerte til Stratford-on-Avon. Shakespeare døde 23. april 1616 og ble gravlagt i fødebyen.
Mangelen på informasjon om livet til Shakespeare ga opphav til det såkalte Shakespeare-spørsmålet. Fra det XVIII århundre. noen forskere begynte å uttrykke ideen om at Shakespeares skuespill ikke ble skrevet av Shakespeare, men av en annen person som ønsket å skjule forfatterskapet hans og publiserte verkene hans under Shakespeares navn. Herbert Lawrence uttalte i 1772 at dramatikeren var filosofen Francis Bacon; Delia Bacon hevdet i 1857 at skuespillene ble skrevet av medlemmer av Walter Raleighs krets, som inkluderte Bacon; Carl Bleibtrey i 1907, Dumblon i 1918, F. Shipulinsky i 1924 forsøkte å bevise at Lord Rutland var forfatteren av skuespillene. Noen forskere har tilskrevet forfatterskap til jarlen av Oxford, jarl av Pembroke, jarl av Derby. I vårt land ble denne teorien støttet av V.M. Friche. I.A. Aksenov mente at mange skuespill ikke ble skrevet av Shakespeare, men bare redigert av ham.
Teorier som benekter forfatterskapet til Shakespeare er uholdbare. De oppsto på grunnlag av mistillit til de tradisjonene som fungerte som kilden til Shakespeares biografi, og på grunnlag av manglende vilje til å se genitalent hos en person av demokratisk opprinnelse som ikke ble uteksaminert fra universitetet. Det som er kjent om Shakespeares liv bekrefter fullt ut hans forfatterskap. Filosofisk sinn, poetisk verdensbilde, bredde i kunnskap, dyp innsikt i moralske og psykologiske problemer - Shakespeare hadde alt dette takket være økt lesing, kommunikasjon med folket, aktiv deltakelse i tidens saker, oppmerksom holdning til livet.
Shakespeares karriere er delt inn i tre perioder. I den første perioden (1591-1601) ble diktene «Venus og Adonis» og «Lucretia», sonetter og nesten alle historiske krøniker skapt, med unntak av «Henry VIII» (1613); tre tragedier: «Titus Andronicus», «Romeo og Julie» og «Julius Cæsar». Sjangeren som var mest karakteristisk for denne perioden var en munter, lys komedie ("The Taming of the Shrew", "A Midsummer Night's Dream", "The Merchant of Venice", "The Merry Wives of Windsor", "Much Ado About Nothing" , "Som du liker det", "Den tolvte natt").
Den andre perioden (1601-1608) var preget av interesse for tragiske konflikter og tragiske helter. Shakespeare skaper tragedier: Hamlet, Othello, King Lear, Macbeth, Antony og Cleopatra, Coriolanus, Timon av Athen. Komediene skrevet i denne perioden bærer allerede en tragisk refleksjon; i komediene «Troilus og Cressida» og «Measure for Measure» forsterkes det satiriske innslaget.
Den tredje perioden (1608-1612) inkluderer tragikomediene "Pericles", "Cymbeline", "The Winter's Tale", "The Tempest", der fantasi og allegorisme opptrer.
Shakespeares sonetter (1592-1598, utgitt i 1699) var toppen av engelsk renessansepoesi og en milepæl i verdensdiktningens historie. Ved slutten av XVI århundre. sonetten ble den ledende sjangeren i engelsk poesi. Shakespeares sonetter, i sin filosofiske dybde, lyriske kraft, dramatiske følelse og musikalitet, inntar en enestående plass i utviklingen av datidens sonettkunst. De 154 sonettene skapt av Shakespeare er forent av bildet av en lyrisk helt som synger om sitt hengivne vennskap med en fantastisk ung mann og hans brennende og smertefulle kjærlighet til en mørkfarget dame (The Dark Lady of the Sonnets). Shakespeares sonetter er en lyrisk bekjennelse; helten forteller om hjertets liv, om hans motstridende følelser; dette er en lidenskapelig monolog, som i sint fordømmer hykleriet og grusomheten som hersket i samfunnet, og motarbeider dem med varige åndelige verdier - vennskap, kjærlighet, kunst. Sonettene avslører den komplekse og mangefasetterte åndelige verdenen til den lyriske helten, som levende reagerer på problemene i sin tid. Poeten opphøyer menneskets åndelige skjønnhet og skildrer samtidig livets tragedie under datidens forhold.
Kunstnerisk perfeksjon i å uttrykke dype filosofiske ideer er uatskillelig fra sonettens konsise, konsise form. Shakespeares sonnett bruker følgende rimskjema: abab cdcd efef gg. I tre kvad er det gitt en dramatisk utvikling av tematikken, ofte ved hjelp av kontraster og antiteser og i form av et metaforisk bilde; den siste distichen er en aforisme som formulerer den filosofiske tanken om emnet.
Bildet av en mørk dame i den 130. sonetten kjennetegnes av dyktigheten til et sannferdig lyrisk portrett. Shakespeare nekter manerer, eufemistiske sammenligninger, og prøver å skildre det virkelige ansiktet til en kvinne:
Øynene hennes ser ikke ut som stjerner, leppene hennes kan ikke kalles koraller, hennes åpne hud er ikke snøhvit, og en tråd vrir seg som en svart ledning. Med en damaskrose, skarlagenrød eller hvit, kan ikke skyggen av disse kinnene sammenlignes. Og kroppen lukter slik kroppen lukter, Ikke som et delikat fiolett kronblad. (Oversatt av S. Marshak)
Blant sonettene der de viktigste sosiale ideene kommer til uttrykk, skiller den 66. sonetten seg ut. Dette er en sint fordømmelse av et samfunn basert på ondskap, ondskap og svik. I lapidære setninger er alle sårene i et urettferdig samfunn navngitt. Den lyriske helten er så bekymret for det forferdelige bildet av triumferende ondskap som har åpnet seg for ham at han begynner å rope på døden. Sonetten avsluttes imidlertid med et glimt av lett stemning. Helten husker sin elskede, som han må leve for:
Alt er stygt som jeg ser rundt omkring, men det er synd å forlate deg, kjære venn!
Hans anklagende monolog, som er et direkte indignasjonsutbrudd, ytrer den lyriske helten i ett åndedrag. Dette formidles ved gjentakelsen av foreningen «og» i ti poetiske linjer. Bruken av ordene "tir" d med alle disse "(blir utslitt av alt ...) i begynnelsen og på slutten av sonetten understreker den direkte sammenhengen mellom opplevelsene til den lyriske helten og datidens sosiale problemer Helten absorberer i sin åndelige verden alt som bekymrer en person i den offentlige verden.Dramaopplevelser til den lyriske helten kommer til uttrykk i å tvinge energiske fraser, som hver er en antitese som gjengir en ekte sosial motsetning.Helten kan ikke lenger se Ingenting i luksuriøse antrekk, Og en falsk setning til perfeksjon, Og jomfrudom, misbrukt grovt, Og upassende ære, skam, Og makt i fangenskap i svakhet tannløs ...
De intense følelsene til den lyriske helten tilsvarer den hyppige og strenge vekslingen av assonanser og allitterasjoner:
Og dårskap - doktorlignende - kontrollerende dyktighet... Og fanget godt oppmøte kaptein syk...
Ved hjelp av språk og stil blir all styrken til følelsene til den begeistrede helten perfekt formidlet. Sonnet 146 er dedikert til storheten til en person som takket være sin åndelige søken og utrettelige kreative brenning er i stand til å oppnå udødelighet.
Hersk over døden i et flyktig liv, og døden vil dø, og du vil forbli for alltid.
De mangfoldige forbindelsene mellom den lyriske heltens åndelige verden og ulike aspekter av datidens sosiale liv understrekes av metaforiske bilder basert på politiske, økonomiske, juridiske og militære konsepter. Kjærlighet avsløres som en ekte følelse, så forholdet mellom elskere sammenlignes med datidens sosiopolitiske forhold. I den 26. sonetten dukker begrepene vasalavhengighet (vasalage) og ambassadørplikter (ambassage) opp; i den 46. sonetten - juridiske termer: "saksøkte avviser kravet" (saksøkte avviser denne påstanden); i den 107. sonetten, et bilde assosiert med økonomien: "kjærlighet er som en leiekontrakt" (leiekontrakten til min sanne kjærlighet); i 2. sonnett - militære termer: "Når førti vintre skal beleire din panne, og grave dype skyttergraver i skjønnheten" s felt .. .).
Shakespeares sonetter er musikalske. Hele den figurative strukturen i diktene hans er nær musikk.
Det poetiske bildet i Shakespeare ligger også nært det billedlige bildet. I sonettens verbale kunst er dikteren avhengig av perspektivloven oppdaget av renessansekunstnere. Den 24. sonetten begynner med ordene: Mitt øye er blitt en gravør og ditt bilde innprentet i mitt bryst sannferdig. Siden har jeg fungert som en levende ramme, og det beste med kunst er perspektiv.
Følelsen av perspektiv var en måte å uttrykke dynamikken i væren, multidimensjonaliteten i det virkelige liv, det unike ved menneskelig individualitet*.
* Se: Samarin P.M. Shakespeare realisme. - M., 1964, Ch. "Den estetiske problematikken til Shakespeares sonetter". Sonettenes lyriske tragedie er utviklet i tragediene til Shakespeare. Sonnet 127 foregriper det tragiske temaet til Othello:
Svart ble ikke ansett som vakkert, da skjønnhet ble verdsatt i verden. Men tilsynelatende har det hvite lyset endret seg, - Det vakre har blitt nedverdiget med skam.
Den 66. sonetten i miniatyr inneholder det filosofiske innholdet og den lyriske tonen som er karakteristisk for tragedien «Hamlet».
Shakespeares sonetter ble oversatt til russisk av I. Mamun, N. Gerbel, P. Kuskov, M. Tchaikovsky, E. Ukhtomsky, N. Kholodkovsky, O. Rumer. Oversettelsene av S.Ya. Marshak, utgitt i 1949, ble anerkjent som de beste, ettersom han klarte å formidle den filosofiske dybden og musikaliteten til Shakespeares sonetter.
Shakespeares humanistiske verdensbilde avsløres med spesiell kraft i den kunstneriske analysen av sosiopolitiske konflikter og tragiske motsetninger i en persons og samfunnets liv, som er gitt i hans historiske kronikker. Essensen av den historiske kronikksjangeren består i den dramatiske skildringen av virkelige personer og hendelser i nasjonal historie. I motsetning til tragedier, hvor Shakespeare i designens interesse gikk bort fra en nøyaktig skildring av historiske fakta, er kronikken preget av en tro gjengivelse av historiske hendelser, som imidlertid forutsetter kunstnerisk formodning og kunstnerisk gjenskaping av materialet*.
* Se: Shvedov Yu.F. William Shakespeare: Studier. - M., 1977; Komarova V.P. Personlighet og staten i Shakespeares historiske dramaer. - L., 1977.
Shakespeares historiske kronikker inkluderer ti skuespill:
"Henry VI. Del én "(Den første delen av kong Henry VI, 1590-1592);
"Henry VI. Del to "(Den andre delen av kong Henry VI, 1590-1592);
"Henry VI. Del tre "(Den tredje delen av kong Henry VI, 1590-1592);
"Richard III" (The Tragedy of King Richard III, 1592-1593);
"Richard II" (The Tragedy of King Richard II, 1595-1597);
"Kong John" (Kong Johannes' liv og død, 1595-1597);
"Henry IV. Del én "(Den første delen av kong Henry IV, 1597-1598);
"Henry IV. Del to "(Den andre delen av kong Henry IV, 1597-1598);
"Henry V" (The Life of King Henry V, 1598-1599);
"Henry VIII" (Den berømte historien om livet til kong Henry VIII, 1612-1613).
I historiske kronikker gir Shakespeare sin forståelse og sin tolkning av historiske hendelser og handlinger til historiske personer. På fortidens materiale løser han problemene som bekymret samtiden. Historien i hans kronikker tjener til å erkjenne samfunnets nåværende tilstand. Kronikker, så vel som tragedier, er preget av etisk patos, en filosofisk formulering av problemet med godt og ondt, en humanistisk interesse for individet og dets skjebne. Chronicles er på mange måter nær ikke bare Shakespeares tragedier, men også Shakespeares komedier; de gir en komisk skildring av den "falstaffanske bakgrunnen".
Fremveksten av sjangeren historisk kronikk skyldes selve motsetningene i den engelske virkeligheten. V. G. Belinsky begrunnet utviklingen av den historiske kronikken i England på denne måten: «Historisk drama er bare mulig hvis de heterogene elementene i statens liv kjemper. Det er ikke for ingenting at dramaet har nådd sin høyeste utvikling bare blant engelskmennene; det er ingen tilfeldighet at Shakespeare dukket opp i England, og ikke i noen annen stat: ingen steder var elementene i statslivet i en slik motsetning, i en slik kamp seg imellom, som i England.
* Belinsky V. G. Poly. koll. cit.: I 13 bind - M, 1954.-T. 5. - S. 496.
Shakespeares appell til sjangeren historisk kronikk skyldtes også den økte offentlige interessen for nasjonal historie i perioden med kamp for å styrke nasjonalstaten. Kilden til plottene til historiske krøniker var det allerede nevnte verket til R. Holinshed "Chronicles of England, Scotland and Ireland".
I trilogien «Henry VI» tegnes et bredt lerret: krigen mellom de skarlagenrøde og hvite rosene skildres, da de engelske baronene brutalt utryddet hverandre i den innbyrdes kamp mellom Lancastere og Yorks. Shakespeare viste riktig de blodige feidene til føydalherrene, og fordømte begge krigførende sider. Dramatikeren tar til orde for en sterk kongemakt som kan sette en stopper for føydale kriger. Derfor fordømmer han kong Henrik VI, en svak mann, ute av stand til å styre landet, ute av stand til å frede de krigførende baronene. Henry VI begår ingen grusomheter, men han er skyldig i å unndra seg plikten som statsoverhode og drømmer om å gi fra seg kronen for å bli gjeter. Henry VI dør nettopp fordi han ikke klarte å bruke makten som ble gitt til ham.
De historiske kronikkene til Shakespeare viser styrken til folket. Baronene er tvunget til å regne med stemningen i massene. Den andre delen av «Henry VI» skildrer opprøret til John Cad i 1450. Shakespeare avslørte mønsteret av folkelige protester som oppsto i forbindelse med bøndenes og urbane håndverkernes situasjon på grunn av føydale sivile stridigheter. Shakespeare så imidlertid hvordan føydalherrene brukte det folkelige opprøret til sine egne egoistiske formål.
Trilogien «Henry VI» beskriver slike forhold i samfunnets liv som fører til fremveksten av en tyrann. Aristokratenes blodige rivalisering var en forutsetning for å komme til makten til Richard av Gloucester, den fremtidige Richard III. I finalen av trilogien blir den mørke personligheten til Richard Gloucester mer og mer innflytelsesrik.
I stykket «Richard III» blir denne karakteren sentral. Selve stykket er i sin oppbygning nær tragedie. Oppmerksomhet på forløpet av historiske hendelser, karakteristisk for "Henry VI", erstattes i "Richard III" med oppmerksomhet til heltens karakter og hans konflikt med andre. Richard III fremstår ikke bare som en karakter som tilraner seg makt, men som en psykologisk overbevisende personlighet. Shakespeare utvikler den anklagende karakteriseringen av ham som en tyrann, gitt til ham i Thomas Mores bok The History of Richard III (1514-1518). Richard III blir fordømt av Shakespeare som en politiker som bruker machiavelliske måter for å oppnå makt, og tyr til kriminelle handlinger i kampen om tronen. Han dekker over sin grusomhet og kriminelle planer med hyklerske argumenter om det gode. Samtidig, alene med seg selv, snakker han direkte om sin list, om sin bevisste intensjon om ikke å regne med sin samvittighet.
Richard III er smart og modig, han har stor viljestyrke, og erobrer de som behandler ham med mistillit og fiendtlighet. Oppførselen hans er et spill som villeder mange. Han klarte å forføre Anna, vel vitende om at han hadde drept mannen hennes. Det er en titanisk begynnelse i den skurkeaktige opptredenen til Richard III. Det er ingen tilfeldighet at V. G. Belinsky skrev: «Et tragisk ansikt må absolutt vekke deltakelse. Richard III selv er et skurkmonster, vekker deltagelse i seg selv med en gigantisk åndskraft. Richard III, som rettferdiggjorde sin grusomhet med ordene: «Knyttneven er vår samvittighet, og loven er vårt sverd» opplever til slutt samvittighetskvaler, og i møte med døden fordømmer han seg selv for å ha brutt sin ed, begått drap og dermed dømmer seg selv til ensomhet.
* Belinsky V. G. Poly. koll. cit.: I 13 bind - M, 1955. - T. 7. - S. 534.
Handlingen i stykket er implementeringen av hovedpersonens utspekulerte skurkeplaner, den demonstrerer intrigerkunsten til Richard III, som selv opptrer som skuespiller og regissør i scener med vold og drap. Han spiller selvsikkert og frimodig, handlingene hans fører til suksess: han søker tronen. Men etter å ha blitt konge, føler tyrannen at han ikke kan styrke sin makt gjennom forbrytelser.
Shakespeare fordømmer tyranni og fremmer ideen om et monarki som kan etablere fred og ro i landet. Tyrannen Richard III er motstander av jarlen av Richmond, grunnleggeren av Tudor-dynastiet. Dette bildet er bare skissert her, men dets ideologiske og komposisjonelle betydning er stor: ideen om behovet for å kjempe mot despotisme, om lovene om seier over tyranni, er forbundet med det. Temaet for monarken, omsorg for landets beste, skissert i bildet av Richmond, vokser i neste kronikk - "King John" - til temaet for en patriotisk monark. Stykket ble til i en tid da England følte seg truet av det katolske Spania. Derfor ble temaet patriotisme og temaet fordømmelse av katolisismen sentralt i kronikken. Temaet patriotisme avsløres i bildene av John the Landless og Bastard Fockenbridge.
Den patriotiske posisjonen til Shakespeare er hovedkriteriet for å vurdere oppførselen til karakterene i stykket "Richard II". I handlingen er dette dramaet nær "Edward II" av Christopher Marlowe. I begge verkene er den fordervede kongens nektelse fra kronen og hans død skildret. Likheten til plottsituasjonen forklares imidlertid ikke så mye av innflytelsen fra Marlos drama på Shakespeares drama, men av nærheten til historiske skikkelsers skjebner. Den kloke Richard II føler at tiden har snudd mot ham. I en tilstand av dyp åndelig krise nekter han kronen.
Duke Henry Bolingbroke, antagonisten til Richard II, er en smart og subtil politiker. Motet og motet til Bolingbroke vakte sympati for ham fra folket. Hertugen bruker dyktig sin popularitet blant vanlige folk til å gjennomføre sine ambisiøse planer. Shakespeare behandler Bolingbrokes patriotisme med stor sympati, men snakker med åpenbar fiendtlighet om hans hykleri, klokskap og ambisjoner. Overtakelsen av makt er representert av en umoralsk handling som fører til en forbrytelse - drapet på Richard P.
Shakespeares beste historiske dramaer er de to delene «Henry IV» og «Henry V». Bolingbroke, som ble kong Henry IV, kommer i konflikt med føydalherrene. Hans viktigste motstandere er baroner fra Percy-familien. Føydalherrene gjør et opprør mot kongen, og handler inkonsekvent, egoistiske interesser hindrer dem i å forene seg. Som et resultat av denne uenigheten under opprøret, dør den modige Henry Percy, med kallenavnet Hotspur ("Hot Spur") tragisk. Og i denne kronikken viser Shakespeare det uunngåelige ved nederlaget til føydalherrene i et sammenstøt med kongemakten. Likevel er Ridderen av Hotspur fremstilt i positive termer. Han vekker sympati for sin lojalitet til idealet om militær ære, mot og fryktløshet. Shakespeare blir tiltrukket av de moralske egenskapene til en modig ridder. Men han aksepterer ikke Hotsper som en person som uttrykker føydalherrenes interesser og assosieres med krefter som forsvinner inn i fortiden. Hotspur fungerer som en motstander av Henry IV, prins Harry og Falstaff, og han er klart underlegen disse heltene, som representerer de nye, utviklende samfunnskreftene. Stykket gjenspeiler tidens objektive regelmessighet: føydalherrenes tragiske død og den gradvise etableringen av en ny kraft - absolutisme.
Kong Henry IV, etter å ha funnet seg selv på tronen takket være dyktige diplomatiske handlinger, mister til slutt sin aktivitet og befinner seg, i likhet med sine forgjengere, i en tilstand av moralsk krise. Henry IV er bekymret for at han ikke klarte å befri landet fra brodermordskriger. Kort før døden til den syke Henry IV, og beveget seg bort fra sin tidligere mistanke og hemmelighold, uttrykker han i en samtale med sønnen sin direkte bekymring for Englands skjebne, og gir prins Harry råd om offentlige anliggender. Henrik IV kunne ikke bringe kampen mot føydalherrene til slutt fordi han selv alltid opptrådte som en føydalherre og kom til makten som en føydalherre etter å ha tilranet seg tronen.
Den viktigste rollen i handlingen til begge deler av "Henry IV" spilles av bildet av prins Harry, den fremtidige kong Henry V. I samsvar med legenden som eksisterte i renessansen, presenterte Shakespeare prins Harry som en oppløst kar, hengi seg til morsomme og morsomme eventyr i selskap med Falstraff. Men til tross for hans utskeielser, er prins Harry en moralsk ren mann. Selv om prins Harry i virkeligheten var en grusom eventyrer, fremstilte Shakespeare ham som en fantastisk ung mann. Idealiseringen av prinsen er forårsaket av Shakespeares tro på den progressive naturen til et absolutt monarki som forener nasjonen.
Karakteren til prins Harry er mangefasettert. Han opptrer besluttsom og modig i kamp, livlig og direkte i møte med folket, smart og fremsynt i statssaker. Prins Harry tilbringer livet med underholdning, sammen med Falstaff, Bardolph og Pistol har han det gøy i Boar's Head Tavern. Men selv i kulissene forblir Harry en edel mann. Han tiltrekker seg med en snill holdning til vanlige mennesker, evnen til å finne et felles språk med dem. Mens han leder livet til en oppløst kar, tenker prinsen samtidig svært alvorlig på hvordan han vil komme til makten og styre landet. Demokratisk kommunikasjon med de lavere samfunnsklassene for prins Harry er en form for bred bekjentskap med dem som skal bli hans undersåtter.
De historiske kronikkene "Henry IV" og "Henry V" skildrer de brokete plebeiske lagene i samfunnet - bønder, tjenere, soldater, kjøpmenn, den såkalte "Falstaff-bakgrunnen". Realismen i det historiske dramaet ble bestemt av den mangefasetterte og mangefasetterte samfunnsskildringen. Å reise spørsmålet om folkets stilling, om monarkens forhold til folket, får stor betydning. «Falstaffs bakgrunn» er et realistisk bilde av livet til de lavere samfunnsklassene, ikke bare av tiden da handlingen i kronikkene finner sted, men også av England samtidig med Shakespeare.
Blant karakterene til "Falstaffian-bakgrunnen" skiller det lyse komiske bildet av Sir John Falstaff seg først ut. Denne fete ridderen skaper latter med sine endeløse krumspring og vittige tale. Det er mange laster i Falstaff. Han er en libertiner, en fylliker, en løgner og en røver. Derfor de satiriske innslagene i dette bildet. Men hovedsaken i Falstaff er elementet av moro, kunstnerisk lek, uendelig oppfinnsomhet. Dette bildet formidler sjarmen til den menneskelige naturen som ikke er begrenset av sosiale konvensjoner. Falstaff er godmodig og ærlig, blid og blid, initiativrik og klok. Den useriøse og rampete Falstaff, som fremstår omgitt av komiske karakterer, legemliggjør renessansens muntre ånd, og motsetter seg både middelalderens religiøse moral og det puritanske hykleriet i borgerlige kretser. Falstaff ler av religiøst trangsynthet. Han er en fattig adelsmann og ridder som lever av motorveiran. Bevisst på pengenes makt, bøyer han seg samtidig ikke for dem. I motsetning til borgerskapet er Falstaff fratatt tørsten etter hamstring eller småhamstring og nøysomhet. Han trenger penger for å nyte livet.
Falstaff motsetter seg Hotspur med hans avvisning av ridderære. Føydalherrenes ridderlige ære ble redusert til obligatorisk deltakelse i innbyrdes kriger. Ridderen Falstaff har en negativ holdning til ridderære nettopp fordi han ser krigens meningsløse grusomhet. Falstaff er et komisk bilde av en kriger fra den tiden. Han er veldig bekymret for livet sitt, som er kjærere for ham enn noe annet i verden, derfor tjener han ikke spesielt hardt, og dekker over sin mangel på tjenesteiver med list og løgner.
Falstaff er sjarmerende med sin grenseløse kjærlighet til livet, uhemmede fantasi, lekne bøller, selvtillit, innsiktsfulle og vittige kritikk av føydale moral. Falstaffs kyniske dommer er en form der den lite attraktive essensen av relasjoner i det føydale samfunnet avsløres og fremheves.
Et av de mest betydningsfulle bildene skapt av Shakespeare, Falstaff representerer den komiske verden av Shakespeare-drama, mens Hamlet markerer tragediens verden. Bildet av Falstaff er en komisk korrespondanse til den tragiske planen for hovedinnholdet i historiske kronikker. De problemene som avsløres i hovedhistorien i et tragisk aspekt, i "Falstaffian-bakgrunnen", er gitt på en komisk måte. Falstaffs tale presenteres i prosa, i motsetning til den poetiske talen til tragiske karakterer. Talen hans er direkte, den avslører veldig naturlig latterkulturen på riksmålet. Ofte er Falstaffs vitser basert på å spille på den homonyme lyden av ord, på parodi. Det komiske bildet av Falstaff er også basert på den understrekede diskrepansen mellom utseendet til en feit, eldre forkjemper og de muntre, vågale handlingene og uttalelsene til en ung mann i ånden.
Prins Harry er venn med den vittige hedonisten Falstaff. Når prinsen blir kong Henry V, fjerner han Falstaff fra seg selv. I disse karakterforholdene er det ekko av det virkelige forholdet mellom Henry V og Sir John Oldcastle, som regnes som prototypen til Falstaff.
Forholdet mellom Falstaff og prins Harry er fullt av dyp mening. Takket være sitt vennskap med Falstaff slutter prins Harry seg til renessansens ånd av kritikk og munterhet, blir kjent med vanlige folks liv og skikker. I forholdet til prins Harry er Falstaff tillitsfull; han betrakter prinsen som sin sanne venn. I denne vennlige hengivenheten, åndelige generøsiteten til renessansens personlighet, manifesteres Falstaffs overlegenhet over den "ideelle monarken". Men Falstaff er underlegen prins Harry i nøktern vurdering av nye omstendigheter. Prins Harrys brudd med Falstaff er uunngåelig. Den "ideelle monarken" Henry V, etter å ha kommet til makten, forlater de tidligere frimennene fra renessansen. Det trengs verken humor eller raushet for å styrke et absolutistisk regime.
I den første perioden med kreativitet, sammen med historiske kronikker, skapte Shakespeare muntre, optimistiske komedier der en person fungerer som skaperen av sin egen lykke, og overvinner noen ganger vanskelige dramatiske situasjoner. Komedier inkluderer følgende skuespill: The Comedy of Errors (1591), The Taming of the Shrew (1594), The Two Gentlemen of Verona (1594-1595), The fruitless best of love "(Love "s Labor" s Lost, 1594 -1595), "A Midsummer Night's Dream" (A Midsummer-Night "s Dream, 1594-1595), "The Merchant of Venice" (The Merchant of Venice, 1595), "The Merry Wives of Windsor" (The Merry Wives) av Windsor, 1597), "Much Ado about Nothing" (Much Ado about Nothing, 1598-1599), "As You Like It" (As You Like It, 1599-1600), "Twelfth Night, or Anything" (Twelfth Night eller What You Will, 1600).
I det muntre farsespillet The Taming of the Shrew dukker de lyse karakterene til Catarina og Petruchio opp, som skiller seg ut blant de kalkulerende byfolkene i Padua. Katarina er kjent for å være en sta jente, mens søsteren Bianca er kjent for sin saktmodighet. Katarinas utholdenhet og uhøflighet er bare en måte å forsvare hennes verdighet på, en måte å motstå smålige beregninger, farens despotisme og frierne som beleirer huset. Katharina er irritert over ansiktsløsheten til Bianchi, friernes lavland. Med sin vanlige frekkhet møter hun også Petruchio. En lang duell begynner mellom dem, som et resultat av at de begge føler at de ikke er underlegne hverandre i energi, styrke, kjærlighet til livet og vidd, at de er hverandre verdige i sinn og vilje.
Ideen om livets og kjærlighetens triumf avsløres også i komedien En midtsommernattsdrøm. Den poetiske verdenen til denne komedien er i en bisarr blanding av det jordiske, det virkelige, med det fabelaktige, det fantastiske. I denne komedien kontrasterer humanisten Shakespeare den konvensjonelle naturen til tradisjonell moral med den naturlige naturligheten til menneskelige følelser og lidenskaper. Temaet kjærlighet dekkes her på en lyrisk og humoristisk måte. Kjærligheten til unge helter er en ren, lys følelse. Den vinner, til tross for alle innfall og særheter ved menneskelige karakterer og menneskelig oppførsel.
Det er dypt dramatiske konflikter og til og med tragiske motiver i Shakespearesk komedie. I denne forbindelse er komedien "The Merchant of Venice" typisk. På bakgrunn av den muntre karnevalsatmosfæren i Venezia er det et akutt sammenstøt mellom verden av glede, tillit og adel og verden av egeninteresse, grådighet og grusomhet. I denne komedien utviklet Shakespeare motivene til novellen til Giovanni Fiorentino, og ga dem dramatisk dybde. Stykket står i skarp kontrast til de som verdsetter uselvisk vennskap høyest - Portia, Antonio, Bassanio, og de som underordner alle menneskelige forhold til proprietære interesser. Antonio låner penger av pantelåneren Shylock for å hjelpe vennen Bassanio, som er forelsket i Portia. Antonio, som ikke returnerte de lånte pengene i tide, møter for retten. Grusomme Shylock krever ifølge regningen fra Antonio et pund av kjøttet hans for manglende betaling av gjelden. Portia, forkledd som advokat, uttaler seg til Antonios forsvar. Det gode seier over det onde. Unge mennesker beseirer ågermannen.
Bildet av Shylock presenteres i komedien ikke bare som legemliggjørelsen av ondskapen. Shylocks karakter er kompleks. Shylocks allsidighet ble notert av Pushkin: "Shylock er gjerrig, kvikk, hevngjerrig, barnekjær, vittig"*. Det er en tragisk begynnelse i dette bildet. Shylock blir vist som en grusom og hevngjerrig ågerbruker, men samtidig som en mann som lider under sin ydmykede posisjon i samfunnet. Med en stor følelse av menneskeverd sier Shylock at mennesker er likeverdige av natur, til tross for forskjellen i nasjonaliteter. Shylock elsker datteren Jessica og er sjokkert over at hun rømte fra hjemmet hans. Noen av trekkene hans Shylock kan forårsake sympati, men generelt blir han fordømt som et rovdyr, som en person som ikke kjenner barmhjertighet, som "en som ikke har musikk i sjelen." Den onde verdenen til Shylock motarbeides i komedien av den lyse og gledelige verdenen av generøsitet og adel. Heinrich Heine skrev i Shakespeares Girls and Women (1838): "Portia er en harmonisk klar legemliggjøring av lys glede, i motsetning til den dystre ulykken som Shylock legemliggjør" **.
* Pushkin-kritiker. - M, 1950. - S. 412.
** Heine G. Sobr. cit.: I 10 bind - M; L., 1958. - T. 7. - S. 391.
I den muntre husholdningskomedien The Merry Wives of Windsor gis et helt galleri med tegneseriebilder: dumheten til Judge Shallow, hans nevø Slender, blir latterliggjort, pastor Hugh Evans fleiper. En hel gruppe komiske karakterer fra den historiske kronikken «Henry IV» gikk over i denne komedien – Falstaff, Bardolph, Shallow, Pistol, Mrs. Quickly.
Bildet av Falstaff gjennomgår betydelige endringer i The Merry Wives of Windsor. Han mistet fritenking, humor, oppfinnsomhet. Nå spiller Falstaff rollen som en uheldig byråkrati, som ble lært en leksjon av konene til Windsor. En gang i et middelklassemiljø blir han en elendig og sløv innbygger, blir klok og sparsommelig.
Komedien «The Merry Wives of Windsor» er gjennomsyret av en morsom karnevalsstemning. Men, i motsetning til andre komedier, foregår handlingen i den i et borgerlig miljø, noe som gir Shakespeare muligheten til å formidle datidens virkelige liv og skikker i større grad, spesielt i scener som skildrer hverdagslivet til Pages og Fords, livet til et vertshus, duellen mellom Caius og Evans, Pages eksamen.
Den lunefulle intrigen og rammen til handlingen i komedien Much Ado About Nothing er hentet fra verkene til Bandello og Ariosto. Shakespeare introduserte i det velkjente plottet, som også ble brukt av Spencer, en original kombinasjon av det tragiske og det komiske.
Komedien As You Like It, basert på Thomas Lodges pastorale roman Rosalind, eller The Golden Legacy of Euphues, er i hovedsak en parodi på den pastorale stilen. Livet i naturens favn, i Ardennesskogen, er en slags utopi, et uttrykk for drømmen om et enkelt og naturlig liv. Den generelle fargen på komedien bestemmes ikke av det pastorale elementet, men av folklore-tradisjonene til ballader om Robin Hood. Ikke bare hyrdene Sylvius og Phoebe bor i Ardennes-skogen, men også eksil: den detroniserte hertugen, Rosalind, forfulgt av sin grusomme onkel, ranet av broren Orlando. Menneskeverdenen til innbyggerne i Ardennesskogen står i motsetning til det grusomme og grådige moderne samfunnet. Satirisk kritikk av det aristokratiske samfunnets laster er gitt i uttalelsene til den vittige narren Touchstone med sin folkehumor og den melankolske Jacques. Jester Touchstone dømmer veldig enkelt og korrekt livet til bondekvinnen Audrey.
Det humoristiske elementet i stykket er kombinert med det lyriske temaet om de ømme følelsene til Orlando og Rosalind. Et særegent resultat av Shakespeares komedie fra den første perioden med kreativitet var komedien Twelfth Night, or Anything. Den er skrevet på handlingen til en av Bandellos noveller, og har fått navnet sitt fordi den ble fremført tolvte kvelden etter jul, da juleferien tok slutt. Twelfth Night var den siste av Shakespeares lystige, muntre karnevalskomedier.
I Twelfth Night trenger Shakespeare inn i dypet av menneskets hjerte, snakker om overraskelser i menneskelig oppførsel, om uforutsette åndelige bevegelser, om følelsenes selektivitet. Grunnlaget for den komiske intrigen er en tilfeldig tilfeldighet som brått endret skjebnen til en person. Komedien bekrefter ideen om at til tross for alle skjebnens luner, må en person kjempe for sin egen lykke.
Scenen for stykket er det eksotiske landet Illyria. Dens hersker hertug Orsino lever i den fortryllende verden av kjærlighet og musikk. Den høyeste verdien for ham er kjærlighet. Orsino er forelsket i Olivia, som ikke gjengjelder følelsene hans. Hun lever som en eneboer, og tilbringer tid i sørgelige tanker om sin døde bror. Viola, som overlevde forliset, befinner seg i hertugens domene. Forkledd som en mann går hun, under navnet Cesario, inn i hertugens tjeneste. Viola Cesario forelsker seg i Orsino, men hun oppfyller uselvisk hertugens forespørsel om å gå til Olivia og fortelle henne om kjærligheten hans.
Utholdenheten til Cesario, som søkte adgang til Olivias hus, hans veltalenhet rettet til henne, fengsler eneboeren. Olivia forelsker seg i Cesario, tilstår lidenskapen hennes for ham og snakker om kjærlighet:
Kjærlighet er alltid vakkert og ønskelig, spesielt når det er uventet. (Oversatt av E. Lipetskaya)
Etter skjebnens vilje viser Violas bror Sebastian, som forsvant under et forlis, å være i Illyria, veldig lik søsteren hans. Olivia, som møtte Sebastian, tar feil av ham for Cesario. Når hemmeligheten avsløres, inntreffer lykkelige bryllup.
I systemet med bilder av komedie tilhører en viktig plass narren Festa. Det særegne ved Feste er at humoren hans er trist. Han snakker om livets og lykkens forgjengelighet, om dødens uunngåelighet. Jester Feste, sammen med et selskap av den glade karen og jokeren Toby Belch, håner Olivias butler, den arrogante puritaneren Malvolio. Malvolio mangler sans for humor. Festes vitser irriterer ham. Dystre Malvolio er fienden til moro og glede. Alt han sier er en kontinuerlig oppbyggelse og kritikk. Som svar på den puritanske strengheten til Malvolio, sier Toby Belch til ham ordene som har blitt bevingede i England: "Tror du at hvis du er en slik helgen, så vil det ikke være flere paier eller drukket øl i verden?"
I den første perioden med kreativitet skapte Shakespeare tre tragedier: "Titus Andronicus" (Titus Andronicus, 1594), "Romeo og Julie" (Romeo og Julie, 1595), "Julius Cæsar" (Julius Cæsar, 1599).
"Titus Andronicus" ble skrevet i sjangeren "blodig tragedie", i tradisjonen til tragediene i Seneca. Plotteepisodene i dette stykket er drap etter hverandre. Tjue sønner av Titus Andronicus dør, hans datter og han selv, mange andre karakterer dør. Kommandanten Titus Andronicus er trofast mot sin patriotiske plikt overfor Roma. Imidlertid redder den høye moralen til en patriot ikke lenger Roma fra forfall. Den lumske og grusomme Saturninus, Tamora og maureren Aron går inn i kampen med Titus Andronicus. Dramatisk skarp kollisjon avsløres imidlertid som en kjede av blodige grusomheter, uten å berøre essensen av den tragiske konflikten.
Den tragiske kunsten til Shakespeare, i all sin perfeksjon, dukket først opp i tragedien Romeo og Julie. Som kilde brukte Shakespeare Arthur Brookes dikt "Romeo og Julie" (1562), som i handlingen går tilbake til italienske forfatteres verk. Med utgangspunkt i Brookes dikt, skapte Shakespeare et verk som er originalt i idé og kunstnerisk dyktighet. Han synger i den oppriktigheten og renheten til ungdommelig følelse, synger om kjærlighet, fri fra middelalderens føydale moral. V. G. Belinsky sier dette om ideen til dette skuespillet: "Patosen til Shakespeares drama Romeo og Julie er ideen om kjærlighet, og derfor strømmer entusiastiske patetiske taler fra elskernes lepper i brennende bølger, glitrende med det skarpe lyset av stjerner ... Dette er kjærlighetens patos, for i de lyriske monologene til Romeo og Julie kan man ikke bare se å beundre hverandre, men også en høytidelig, stolt, ekstatisk anerkjennelse av kjærlighet som en guddommelig følelse.
* Belinsky V. G. Poly. koll. cit.: I 13 bind - T. 7. - S. 313.
I «Romeo og Julie» er det en håndgripelig sammenheng med Shakespeares komedier. Nærhet til komedie gjenspeiles i hovedrollen til temaet kjærlighet, i sykepleierens komiske karakter, i Mercutios vidd, i farsen med tjenerne, i karnevalsstemningen på ballen i Capulet-huset, i lys, optimistisk fargelegging av hele stykket. Men i utviklingen av hovedtemaet - kjærligheten til unge helter - vender Shakespeare seg til det tragiske. Den tragiske begynnelsen viser seg i stykket i form av en konflikt mellom sosiale krefter, og ikke som et drama om en indre, åndelig kamp.
Årsaken til Romeo og Julies tragiske død er familiefeiden til Montague- og Capulet-familiene og den føydale moralen. Striden mellom familier tar livet av andre unge mennesker - Tybalt og Mercutio. Sistnevnte fordømmer før sin død denne striden: «En plage over begge husene deres». Verken hertugen eller byfolket kunne stoppe fiendskapet. Og først etter Romeo og Julies død kommer forsoningen mellom de stridende Montagues og Capulets.
Den høye og lyse følelsen av elskere markerer oppvåkningen av nye krefter i samfunnet ved begynnelsen av en ny æra. Men sammenstøtet mellom gammel og ny moral fører uunngåelig heltene til en tragisk slutt. Tragedien ender med en moralsk bekreftelse av vitaliteten til vakre menneskelige følelser. Tragedien i «Romeo og Julie» er lyrisk, den er gjennomsyret av ungdommens poesi, opphøyelsen av sjelens adel og kjærlighetens altovervinnende kraft. De siste ordene i stykket er viftet med lyrisk tragedie:
Men det er ingen tristere historie i verden enn historien om Romeo og Julie. (Oversatt av T. Shchepkina-Kupernik)
I karakterene til tragedien avsløres den åndelige skjønnheten til en mann fra renessansen. Young Romeo er en fri person. Han har allerede flyttet fra sin patriarkalske familie og er ikke bundet av føydalmoral. Romeo finner glede i å kommunisere med venner: hans beste venn er den edle og modige Mercutio. Kjærlighet til Juliet opplyste livet til Romeo, gjorde ham til en modig og sterk person. I den raske økningen av følelser, i det naturlige utbruddet av ung lidenskap, begynner blomstringen av den menneskelige personligheten. I sin kjærlighet, full av seirende glede og varsler om problemer, opptrer Romeo som en aktiv og energisk natur. Med hvilket mot tåler han sorgen forårsaket av nyheten om Julies død! Hvor mye besluttsomhet og tapperhet i erkjennelsen av at livet uten Juliet er umulig for ham!
For Juliet har kjærlighet blitt en bragd. Hun kjemper heroisk mot farens Domostroy-moral og trosser blodfeidens lover. Julies mot og visdom manifesterte seg i det faktum at hun hevet seg over den eldgamle striden mellom to familier. Etter å ha forelsket seg i Romeo, avviser Juliet de grusomme konvensjonene i sosiale tradisjoner. Respekt og kjærlighet til en person er viktigere for henne enn alle reglene som er innviet av tradisjon. Juliet sier:
Tross alt, bare navnet ditt er min fiende, og du - det er deg, ikke Montagues.
I kjærlighet avsløres den vakre sjelen til heltinnen. Juliet er fengslende med oppriktighet og ømhet, iver og hengivenhet. Forelsket i Romeo hele livet. Etter hennes elskedes død kan det ikke være noe liv for henne, og hun velger modig døden.
Munken Lorenzo inntar en viktig plass i systemet av bilder av tragedien. Bror Lorenzo er langt fra religiøs fanatisme. Dette er en humanistisk vitenskapsmann, han sympatiserer med nye trender og frihetselskende ambisjoner som dukker opp i samfunnet. Så han hjelper, enn han kan, Romeo og Julie, som blir tvunget til å skjule ekteskapet sitt. Kloke Lorenzo forstår dybden av følelsene til unge helter, men ser at kjærligheten deres kan føre til en tragisk slutt.
Pushkin satte stor pris på denne tragedien. Han kalte bildene av Romeo og Julie "sjarmerende kreasjoner av Shakespearesk nåde", og Mercutio - "raffinert, kjærlig, edel", "det mest fantastiske ansiktet av all tragedie." I det hele tatt snakket Pushkin om denne tragedien på følgende måte: "Den reflekterte Italia, moderne for poeten, med sitt klima, lidenskaper, høytider, lykke, sonetter, med sitt luksuriøse språk, fullt av glans og innsikt."
Tragedien "Julius Cæsar" fullfører syklusen av historiske kronikker og forbereder utseendet til de store tragediene til Shakespeare. Dramatikeren brukte materialet fra Plutarchs Comparative Lives og skapte en original historisk tragedie, der han ga en dyp forståelse av problemene med statsmakt, en politikers natur, forholdet mellom en politikers filosofiske syn og hans praktiske handlinger, problemene med moral og politikk, personlighet og mennesker. Vend inn "Julius Caesar" til de historiske konfliktene i det 1. århundre. f.Kr., da det i Roma skjedde en overgang fra republikansk styre til et autokratiregime, hadde Shakespeare også i tankene de sosiopolitiske konfliktene i samtidens England, hvor den isolerte posisjonen til føydalherrer ble erstattet av eneveldig makt.
Shakespeare sympatiserer med republikanerne, og viser deres tapre tjeneste for samfunnet, men samtidig er han klar over at keiserfolket handler i samsvar med tidens krav. Brutus sine forsøk på å gjenopprette republikken er dømt til å mislykkes, da han handler i strid med tidens påbud. Han går med på mordet på Cæsar fordi han ser i ham republikkens hovedmotstander. Men Brutus klarer ikke å overbevise folket om det gode ved republikansk regjering, siden folket, i samsvar med tidsånden, opprettholder et autokratiregime på den tiden. Folket er klare til å anerkjenne Brutus som en hersker, men de ønsker å se en ny, bedre Cæsar i ham. Folkets stemme er tragisk i strid med det Brutus streber etter; folket sier: "la ham bli keiser", "i ham vil vi krone alt det beste av keiseren." Overbevist om at republikken er dødsdømt, begår Brutus selvmord.
Hvis folket i kronikkene var en av de aktive kreftene, en av de mange heltene, så blir i «Julius Caesar» menneskene for første gang i Shakespeares dramaer hovedpersonen. Både republikanere og keisersnitt blir tvunget til å regne med ham. Bildet av folket er spesielt uttrykksfullt i åstedet for den politiske striden mellom republikanerne og keiserfolket i forumet om liket av den nettopp drepte Cæsar. Denne tvisten avgjøres av folket, som tar parti for keiseren Mark Antony. Tragedien «Julius Caesar» vitner om Shakespeares dype penetrasjon inn i sosiohistoriske motsetninger, inn i samfunnets tragiske konflikter.
I den andre perioden med kreativitet i Shakespeares verdensbilde skjer det betydelige endringer. De ble bestemt av dramatikerens holdning til nye fenomener i det sosiopolitiske livet i det engelske samfunnet. Den absolutte makten avslørte mer og mer åpenbart sin korrupsjon, mistet sin progressive betydning. Motsetninger dukket opp mellom parlamentet og dronning Elizabeth. Da James I Stuart (1603) kom til makten, ble det etablert et reaksjonært føydalt regime i landet. Motsetningene mellom parlamentet og kongemakten ble enda mer dypere. Folkemassene var i en nødssituasjon. Krisen i det føydal-absolutistiske systemet og diskrepansen mellom Stuarts-politikken og borgerskapets interesser forårsaket veksten av borgerlig motstand mot absolutisme. Forutsetningene for en borgerlig revolusjon vokser frem i landet.
Under disse forholdene avviker Shakespeare fra troen på en ideell monark. Den kritiske patosen i arbeidet hans forsterkes. Shakespeare er imot både føydal reaksjon og borgerlig egoisme.
Den muntre, solfylte karnevalskarakteren til mange verk fra den første kreativitetsperioden er erstattet av tunge refleksjoner over problemene i samfunnets liv, over verdens uorden. Den nye perioden av Shakespeares arbeid er preget av formuleringen av store sosiale, politiske, filosofiske problemer, en dyp analyse av tidens tragiske konflikter og tragedien til personligheten i overgangstiden. Dette var perioden for opprettelsen av store tragedier, der Shakespeare formidlet den historiske karakteren til de tragiske kollisjonene og katastrofene som oppsto i epoken med kollapsen av den patriarkalske-ridderverden og inntredenen på historiens arena til kyniske rovdyr som representerte nye kapitalistiske forhold.
Den andre perioden av Shakespeares verk åpner med tragedien Hamlet (Hamlet, Prince of Denmark, 1600-1601). Kildene til tragedien var «Danskenes historie» av Saxo Grammaticus, «De tragiske fortellinger» av Belforet, «Den spanske tragedien» av Thomas Kyd, og Thomas Kyds skuespill om Hamlet, som ikke har kommet ned til oss.
I forskjellige tidsepoker ble Shakespeares "Hamlet" oppfattet forskjellig. Goethes synspunkt er kjent, uttrykt av ham i romanen "Årene for Wilhelm Meisters undervisning" (1795-1796). Goethe så på tragedien som rent psykologisk. I Hamlets karakter la han vekt på viljens svakhet, som ikke samsvarte med den store gjerningen som ble betrodd ham.
VG Belinsky i artikkelen «Hamlet, Shakespeares drama. Mochalov som Hamlet (1838) uttrykker et annet syn. Hamlet, ifølge V. G. Belinsky, beseirer svakheten i sin vilje, og derfor er hovedideen til tragedien ikke svakheten i viljen, men "ideen om oppløsning på grunn av tvil", motsetningen mellom drømmer om livet og livet selv, mellom ideal og virkelighet. Belinsky vurderer den indre verdenen til Hamlet under utvikling. Viljesvakhet blir derfor sett på som et av øyeblikkene i den åndelige utviklingen til Hamlet, en mann som er sterk av natur. Ved å bruke bildet av Hamlet for å karakterisere den tragiske situasjonen til tenkende mennesker i Russland på 30-tallet av 1800-tallet, kritiserte Belinsky refleksjon, som ødela integriteten til en aktiv personlighet.
I.S. Turgenev på 60-tallet av XIX århundre. viser til bildet av Hamlet for å gi en sosiopsykologisk og politisk vurdering av "Hamletismen" til "overflødige mennesker". I artikkelen «Hamlet og Don Quijote» (1860) presenterer Turgenev Hamlet som en egoist, en skeptiker som tviler på alt, ikke tror på noe, og derfor ikke er i stand til å handle. I motsetning til Hamlet er Don Quijote i Turgenevs tolkning en entusiast, en tjener for en idé som tror på sannheten og kjemper for den. I.S. Turgenev skriver at tanken og viljen befinner seg i et tragisk gap; Hamlet er en tenkende mann, men med svak vilje, Don Quijote er en viljesterk entusiast, men halvgal; hvis Hamlet er ubrukelig for massene, så inspirerer Don Quijote folket til handling. Samtidig innrømmer Turgenev at Hamlet er nær Don Quijote i hans uforsonlighet overfor det onde, at folk oppfatter tankens frø fra Hamlet og sprer dem rundt i verden.
I sovjetisk litteraturkritikk ble en dyp tolkning av tragedien "Hamlet" gitt i verkene til A.A. Anikst, A.A. Smirnov, R.M. Samarin, I.E. Vertsman, L.E. Pinsky, Yu.F. .* * Se: Anikst A.A. Shakespeares verk. - M., 1963; hans egen. Shakespeare: The Dramatist's Craft. - M., 1974; Smirnov A.A. Shakespeare. - L.; M., 1963; Samarin P.M. Shakespeare realisme. - M., 1964; V e r c m a n I.E. Shakespeares Hamlet. - M., 1964; Pinsky L.E. Shakespeare: Fundamentals of Dramaturgy. - M., 1971; Shvedov Yu.F. Utviklingen av Shakespeares tragedie. -M., 1975.
En student ved Universitetet i Wittenberg, Hamlet ved hoffet til den danske kong Claudius i Helsingør føler seg ensom. Danmark ser ut som et fengsel for ham. Allerede i begynnelsen av tragedien indikeres det en konflikt mellom den humanistiske tenkeren Hamlet og den umoralske verden til Claudius, mellom en frihetselskende personlighet og eneveldig makt. Hamlet oppfatter verden tragisk. Prinsen forstår dypt hva som skjer i Helsingør. Konflikter ved hoffet til Claudius forstår han som en tilstand av fred. Hamlets intellekt, hans kloke aforistiske dommer avslører essensen av relasjoner i datidens samfunn. I Hamlet, som en tragedie for en tenkende person i et urettferdig samfunn, poetiseres heltens intellekt. Hamlets sinn er i motsetning til urimeligheten og obskurantismen til den despotiske Claudius.
Hamlets moralske ideal er humanisme, fra posisjoner som sosial ondskap fordømmes. Spøkelsens ord om forbrytelsen til Claudius tjente som en drivkraft for begynnelsen av Hamlets kamp mot sosial ondskap. Prinsen er fast bestemt på å ta hevn på Claudius for drapet på faren. Claudius ser på Hamlet som sin viktigste antagonist, så han ber hoffmennene sine Polonius, Rosencrantz og Guildenstern spionere på ham. Den sansende Hamlet nøste opp alle triksene til kongen, som prøvde å finne ut om planene hans og ødelegge ham. Den sovjetiske litteraturkritikeren L. E. Pinsky kaller Hamlet livskunnskapens tragedie: «... En helt som er aktiv av natur, utfører ikke den forventede handlingen fordi han kjenner sin verden perfekt. Dette er en tragedie av bevissthet, bevissthet ... "*
*Pinsky L.E. Shakespeare: Fundamentals of Dramaturgy. - S. 129.
Det tragiske synet til Hamlet, hans filosofiske refleksjoner er ikke så mye forårsaket av det som skjedde i Helsingør (drapet på Hamlets far og ekteskapet til hans mor Dronning Gertrude med Claudius), men av bevisstheten om den generelle urettferdigheten som råder i verden. Hamlet ser ondskapens hav og reflekterer i sin berømte monolog "To be or not to be" om hvordan en person skal opptre når den står overfor råte i samfunnet. Monologen «To be or not to be» avslører essensen av Hamlets tragedie – både i forhold til den ytre verden og i hans indre verden. Spørsmålet dukker opp foran Hamlet: hvordan handle ved synet av ondskapens avgrunn – forsone seg eller kjempe?
Å være eller ikke være er spørsmålet; Hva er edlere - i ånden å underkaste seg slyngene og pilene til en rasende skjebne eller å ta til våpen mot havet av problemer, for å drepe dem med konfrontasjon? (Oversatt av M. Lozinsky)
Hamlet kan ikke underkaste seg det onde; han er klar til å kjempe mot grusomheten og urettferdigheten som hersker i verden, men han er klar over at han vil gå til grunne i denne kampen. Hamlet har ideen om selvmord som en måte å avslutte "lengsel og tusen naturlige plager", men selvmord er ikke et alternativ, siden ondskap forblir i verden og på samvittigheten til en person ("Det er vanskeligheten; hva drømmer vil bli drømt i en dødsdrøm..."). Videre snakker Hamlet om sosial ondskap, som forårsaker indignasjon hos en ærlig og human person:
Hvem ville bære århundrets pisk og hån, undertrykkelsen av de sterke, hån av de stolte, smerten av foraktelig kjærlighet, langsomheten til dommere, myndighetenes arroganse og fornærmelser, Påført på saktmodige fortjenester ...
Refleksjoner over menneskehetens langsiktige katastrofer, på ondskapens hav, får Hamlet til å tvile på effektiviteten til de kampmetodene som var mulige på den tiden. Og tvil fører til at viljen til å handle i lang tid ikke blir realisert i selve handlingen.
Hamlet er en viljesterk, energisk, aktiv natur. Med all sin sjels styrke er han rettet mot søken etter sannhet, til kampen for rettferdighet. Hamlets smertefulle tanker og nøling er søken etter en mer korrekt måte i kampen mot ondskapen. Han nøler med å oppfylle sin hevnplikt også fordi han til slutt må overbevise seg selv og overbevise andre om Claudius' skyld. For å gjøre dette, arrangerer han en "musefelle"-scene: han ber vandrende skuespillere spille et skuespill som kan avsløre Claudius. Under forestillingen forråder Claudius seg selv med sin forvirring. Hamlet er overbevist om sin skyld, men fortsetter å utsette hevn. Dette forårsaker i ham en følelse av misnøye med seg selv, mental splid.
Hamlet tyr til blodsutgytelse bare i unntakstilfeller, når han ikke kan annet enn å reagere på åpenbar ondskap og dårlighet. Så han dreper Polonius, sender Rosencrantz og Guildenstern som spionerer på ham til døden, og dreper deretter Claudius selv. Han snakker hardt og grusomt til sin kjærlige Ophelia, som viste seg å være et verktøy i hendene på fiendene hans. Men denne ondskapen hans er ikke tilsiktet, det er fra spenningen i hans bevissthet, fra forvirring i sjelen hans, revet i stykker av motstridende følelser.
Den edle karakteren til Hamlet, poet og filosof, virker svak fra synspunktet til dem som ikke stopper opp for å nå sine mål. Faktisk er Hamlet en sterk mann. Hans tragedie ligger i det faktum at han ikke vet hvordan han skal endre den urettferdige tilstanden i verden, at han er klar over ineffektiviteten til kampmidlene han har, at en ærlig, tenkende person kan bevise sin sak bare på kostnadene ved hans død.
Hamlets melankoli oppstår som et resultat av forståelsen av at «tiden har gått ut av leddene» og er i en tilstand av uorden og problemer. I komposisjonen av tragedien inntar prinsens lyriske og filosofiske monologer en stor plass, der en dyp bevissthet om tidsånden kommer til uttrykk.
Den generelle filosofiske karakteren til Hamlets refleksjoner gjør denne tragedien nær også andre epoker. Hamlet innser at han ikke kan overvinne ondskapen som hersker i verden; vet at etter Claudius død vil ikke ondskapen forsvinne, for det er inneholdt i selve strukturen i datidens sosiale liv. Med henvisning til de rundt ham sier Hamlet: "Ikke en av menneskene gleder meg." Og samtidig, for humanisten Hamlet, er idealet en vakker menneskelig personlighet: «For en mesterlig skapelse - en mann! Hvor edelt sinn! Hvor grenseløs i hans evner, former og bevegelser! Hvor presis og fantastisk i handling! Hvor som en engel er han i dyp innsikt! Hvor lik en gud han er! Universets skjønnhet! Kronen på alle levende! Hamlet ser legemliggjørelsen av dette idealet i sin far og i vennen Horatio.
Utviklingen av handlingen i tragedien bestemmes i stor grad av prinsens falske galskap. Hva er meningen med Hamlets angivelig vanvittige handlinger og uttalelser? For å kunne opptre i den gale verdenen til Claudius, blir Hamlet tvunget til å ta på seg en maske av galskap. I denne rollen trenger han ikke å være hyklersk og lyve, han snakker den bitre sannheten. Galskapens maske tilsvarer prinsens åndelige splid, impulsiviteten i hans handlinger, det vanvittige motet i kampen for sannhet under Claudius tyranni.
Tragisk ulykke spiller en stor rolle i handlingen. På slutten av tragedien blir det gitt en klynge av ulykker - heltene som deltar i duellens utveksling av gripere, et glass med en forgiftet drink faller til feil person, og så videre. Det tragiske utfallet nærmer seg med uunngåelig uunngåelighet. Men det kommer i en uventet form og på et uforutsett tidspunkt. Urimeligheten i den sosiale strukturen forvirrer både rimelige og hensynsløse planer og forårsaker den tragiske uunngåelsen av «tilfeldige straffer, uventede drap».
Hamlet er treg med å oppfylle sin plikt, men han er klar til å handle når som helst, og i sluttscenen for ham "beredskap er alt." Hamlet er en heroisk personlighet. Han er klar til å kjempe mot det onde og bekrefte sannheten selv på bekostning av hans egen død. Det er ingen tilfeldighet at etter alle de tragiske hendelsene til den avdøde Hamlet, på oppdrag fra Fortinbras, blir de begravet med militær utmerkelse. Før hans død uttrykker Hamlet ønsket om at folk skal få vite om hans liv og kamp. Han ber Horatio avsløre for verden årsakene til de tragiske hendelsene, for å fortelle historien om prinsen av Danmark.
Hamlet er en realistisk tragedie som reflekterte kompleksiteten i tiden da renessansehumanismen gikk inn i en krisetid. Tragedien i seg selv uttrykker ideen om behovet for en objektiv skildring av livet. I en samtale med skuespillerne gir Hamlet uttrykk for syn på kunst som er helt i tråd med Shakespeares estetiske posisjoner. For det første avvises de prangende effektene av de som er klare til å «gjenskape Herodes»; det foreslås å tilpasse "handling med tale, tale med handling" og "ikke overskride naturens enkelhet"; essensen av kunst er formulert; "å holde, som det var, et speil foran naturen, for å vise dydene til hennes egne trekk, arroganse - hennes eget utseende, og til hver alder og eiendom - dens likhet og preg."
Den viktigste historiske kollisjonen på slutten av XVI århundre. - konflikten mellom verden av ridderhelt og absolutistisk makts kriminalitet - er henholdsvis nedfelt i bildene av to brødre, Hamlets far og Claudius. Hamlet beundrer sin far-helt og hater den hyklerske, forræderske Claudius og alt som står bak ham, d.v.s. en verden av sjofele intriger og generell korrupsjon.
Tragedien "Othello" (Othello, Venezias maur, 1604) ble skapt basert på novellen "Moren i Venezia" av Geraldi Cinthio. Historien om kjærlighet og den tragiske døden til Othello og Desdemona vises av Shakespeare mot en bred sosial bakgrunn. Representanter for regjeringen i Venezia dukker opp i tragedien - dogen, senatorene Brabantio, Gratiano, Lodovico; det militære miljøet er avbildet - Iago, Cassio, Montano. På denne bakgrunn får skjebnen til Othello og Desdemona en dyp sosiopsykologisk betydning.
Moor Othello er en enestående personlighet. Takket være sin tapperhet oppnådde han en høy posisjon i samfunnet, ble en venetiansk kommandør, general. Livet til denne krigeren var fullt av farer, han måtte se mye og tåle mye. Fra alle prøvelsene dukket Othello opp som en modig og modig mann, som beholdt følelsenes renhet og glød. Det legemliggjør renessansens ideal om en vakker person. Den edle maureren er smart og aktiv, modig og ærlig. For dette ble datteren til den venetianske senatoren Desdemona forelsket i ham:
Jeg ble forelsket i henne med min fryktløshet, hun ble forelsket i meg med sin sympati. (Oversatt av B. Pasternak)
Kjærligheten til Othello og Desdemona var en heroisk utfordring for tradisjonelle konvensjoner. Denne kjærligheten var basert på dyp gjensidig forståelse og tillit.
Karakteren til Desdemona er relatert til karakteren til Othello. Desdemona er også preget av fryktløshet og godtroenhet. Av hensyn til sin elskede flykter hun hjemmefra og forlater Venezia når Othello blir utnevnt til guvernør på Kypros. Othello kaller henne sin "vakre kriger". I det fengslende utseendet til Desdemona er mot kombinert med ømhet. Men hvis Desdemona forblir en harmonisk og hel person til slutten, slapp Othello "kaos" inn i sjelen hans, og dette forårsaket en katastrofe. Desdemona opprettholder tilliten til Othello; men hans selvtillit er rystet under påvirkning av intrigene til det basale og forræderske Iago.
Uten å vite hvordan hun skal forklare årsaken til at Othello har endret seg for henne, forstår Desdemona at denne grunnen ikke er sjalusi. Hun sier:
Othello er smart og ser ikke ut som sjalu vulgære mennesker...
Og når tjeneren Emilia spør Desdemona om Othello er sjalu, svarer hun selvsikkert:
Selvfølgelig ikke. Tropisk sol Alle disse manglene brant i ham.
Desdemona, som ingen, forstår sjelen til Othello. Ja, sjalusi stiger i Othello ikke som et resultat av mistenksomhet, hevngjerrighet eller ambisjon, men som en manifestasjon av en følelse av lurt tillit, krenket verdighet. Av tragisk ironi anser Othello at det ikke Iago, som lurte den godtroende maureren, men den rene og trofaste Desdemona, er synderen bak følelsen av lurt tillit. Othello sier om seg selv:
Han var ikke lett sjalu, men i en storm av følelser falt han i raseri ...
A.S. Pushkin karakteriserte dermed Othello: "Othello er ikke sjalu av natur - tvert imot: han stoler på."
Othello elsker Desdemona høyt, selv når han bestemmer seg for å drepe henne. Han tror at han gjenoppretter rettferdigheten, gjør sin plikt. Ettersom han tror på Iagos bakvaskelse, mener han at han ikke kan tillate Desdemona å lure andre. Han er full av bevissthet om en høy plikt overfor mennesker: drapet på Desdemona betyr for ham eliminering av løgner som en generell fare. Tragedien til Othello er tragedien med lurt tillit, tragedien med å bli blendet av lidenskap. Kjærlighet til henne bestemte Othellos holdning til mennesker, til verden. Da deres forening var harmonisk, oppfattet Othello verden som vakker; da han trodde på uærligheten til Desdemona, dukket alt opp foran ham i en dyster kaotisk form.
Ærlige Othello blir et offer for Iagos onde intriger, uten å innse at han lurer ham. Shakespeare angir ikke direkte årsakene til Iagos hat mot Othello, selv om Iago snakker om hans ønske om å oppnå en karriere, sjalusi på Othello, hans begjærlige følelse for Desdemona. Hovedsaken i karakteren til Iago er det machiavelliske ønsket om å oppnå fordeler fremfor andre mennesker for enhver pris. Iago er selvfølgelig smart og aktiv, men hans evner, hans "tapperhet" er fullstendig underordnet hans egoistiske planer. Iagos "tapperhet" er individualistisk og umoralsk. Hovedinteressen formulerer han slik: «Stopp lommeboken godt». Svindleren Iago er kynisk og hyklersk. Hans hat til Othello forklares med den grunnleggende forskjellen mellom deres natur, deres syn, deres holdning til livet. Othellos adel er negasjonen av Iagos borgerlige egosentrisme. Derfor kan han ikke forsone seg med bekreftelsen av Othellos etiske prinsipper i livet. Iago tyr til basale midler for å skyve den enkle Othello fra sin edle livsbane, for å kaste ham inn i kaoset av individualistiske lidenskaper.
Realisten Shakespeare viste hvilken vei en person kan gå, befridd fra føydale lenker. En person kan bli lys og moralsk vakker, som den heroiske figuren til Othello, eller basal, umoralsk, som kynikeren Iago. Moralsk underlegenhet gjør individets frihet til sin motsetning, d.v.s. inn i slavisk avhengighet av mørke lidenskaper og egoistiske interesser. Iago opptrer mot Othello og Desdemona med baktalelse og bedrag. Han utnytter Othellos godtroenhet, spiller på heltens brennende temperament, på hans uvitenhet om samfunnets skikker. Den edle Othellos raske overgang fra heroikk til å blende av mørk lidenskap indikerer at den frisinnede renessansepersonligheten var sårbar, fordi datidens sosiale relasjoner ikke tillot det humanistiske personlighetsidealet å bli fullstendig realisert i virkeligheten. Shakespeare viste denne tragedien til en tapper personlighet som fant seg trukket inn i det borgerlige samfunnets virkelige grunnleggende relasjoner og ute av stand til å beskytte seg mot mørk lidenskap.
Episoden med "anerkjennelse" avslører heltens menneskelige verdighet, hans moralske storhet. Med åndelig fryd får Othello vite at Desdemona elsket ham og var trofast mot ham, men samtidig er han sjokkert over at det verste skjedde: han drepte den uskyldige og viet ham Desdemona. Othellos selvmord i sluttscenen er straffen for seg selv for hans avgang fra troen på mennesket. Den tragiske avslutningen bekrefter derfor adelens moralske seier over ondskapens mørke krefter.
Konflikten mellom individet og samfunnet i et nytt aspekt vises i tragedien «Kong Lear» (Kong Lear, 1605-1606). Dette er en tragedie for menneskeverdet i et urettferdig samfunn.
Essensen og utviklingen av Lears karakter ble veldig nøyaktig definert av N.A. Dobrolyubov: "Lear har en virkelig sterk natur, og generell servitighet overfor ham utvikler den bare på en ensidig måte - ikke for store gjerninger av kjærlighet og felles beste, men bare for tilfredsstillelse av egne, personlige innfall. Dette er fullt forståelig i en person som er vant til å betrakte seg selv som kilden til all glede og sorg, begynnelsen og slutten på alt liv i hans rike. Her, med det ytre omfanget av handlinger, med letthet for å oppfylle alle ønsker, er det ingenting som uttrykker hans åndelige styrke. Men nå går hans selvtilbedelse utover alle grenser for sunn fornuft: han overfører direkte til sin personlighet all den glansen, all den respekten han nøt for sin verdighet; han bestemmer seg for å kaste fra seg makten, overbevist om at selv etter det vil folk ikke slutte å skjelve på ham. Denne vanvittige overbevisningen får ham til å gi sitt rike til døtrene sine og gjennom det, fra sin barbariske meningsløse posisjon, gå over i den enkle tittelen som en vanlig person og oppleve alle sorgene knyttet til menneskelivet. «Når vi ser på ham, føler vi først hat mot denne oppløselige despoten; men etter dramaets utvikling blir vi mer og mer forsonet med ham som med en mann og ender opp med indignasjon og brennende ondskap, ikke lenger mot ham, men for ham og for hele verden - til den ville, umenneskelige situasjonen som kan føre til slik utskeielse selv av folk som Lear.
*Dobrolyubov N.A. Sobr. cit.: I 9 bind - M; L., 1962. T. 5. - S. 52.
** Ibid. - S. 53.
«Kong Lear» er en sosial tragedie. Den viser avgrensningen av ulike sosiale grupper i samfunnet. Representantene for den gamle ridderære er Lear, Gloucester, Kent, Albany; verden av borgerlig predasjon er representert av Goneril, Regan, Edmond, Cornwall. Mellom disse verdenene er det en skarp kamp. Samfunnet er i en tilstand av dyp krise. Gloucester karakteriserer ødeleggelsen av sosiale stiftelser som følger: «Kjærlighet er avkjølende, vennskap svekkes, brodermord er overalt. Det er opptøyer i byene, i uenighetens landsbyer, i forræderiets palasser, og familiebåndet mellom foreldre og barn smuldrer opp ... Vår beste tid har gått. Bitterhet, svik, katastrofal uro vil følge oss til graven ”(Oversatt av B. Pasternak).
Det er mot denne brede sosiale bakgrunnen at den tragiske historien om Kong Lear utspiller seg. I begynnelsen av stykket er Lear en konge med makt, som styrer folks skjebne. Shakespeare viste i denne tragedien (hvor han trenger dypere inn i datidens sosiale relasjoner enn i sine andre skuespill) at Lears makt ikke ligger i hans kongedømme, men i det faktum at han eier rikdommer og landområder. Så snart Lear delte riket mellom døtrene Goneril og Regan, og etterlot seg kun kongedømmet, mistet han makten. Uten sine eiendeler befant kongen seg i stillingen som en tigger. Eierskap i samfunnet har ødelagt patriarkalske slektskapsrelasjoner. Goneril og Regan sverget sin kjærlighet til faren da han var ved makten, og vendte ham ryggen da han mistet eiendelene sine.
Etter å ha gått gjennom tragiske prøvelser, gjennom en storm i sin egen sjel, blir Lear en mann. Han kjente igjen de fattiges vanskelige kår, sluttet seg til folkets liv og forsto hva som foregikk rundt ham. Kong Lear får visdom. I fremveksten av et nytt syn på verden, et møte på steppen, under en storm, med en hjemløs uheldig stakkars Tom spilte en stor rolle. (Det var Edgar Gloucester, som gjemte seg for forfølgelsen av broren Edmond.) I Lears sjokkerte sinn dukker samfunnet opp i et nytt lys, og han utsetter det for nådeløs kritikk. Lears galskap blir åpenbaring. Lear sympatiserer med de fattige og bebreider de rike:
Hjemløs, naken stakkel, hvor er du nå? Hvordan vil du avvise slagene fra dette voldsomme været - I filler, med et avdekket hode Og en mager mage? Så lite jeg tenkte på dette før! Her er en leksjon for deg, arrogant rik mann! Ta de fattiges plass, Føl hva de føler, og gi dem en del av ditt overskudd som et tegn på himmelens høyeste rettferdighet. (Oversatt av B. Pasternak)
Lear snakker indignert om et samfunn dominert av vilkårlighet. Makt viser seg for ham i form av et symbolsk bilde av en hund som jager en tigger som løper fra ham. Lear kaller dommeren en tyv, en politiker som later som han forstår det andre ikke forstår er en skurk.
Den edle Kent og narren forblir lojale mot Lear til siste slutt. Bildet av narren spiller en veldig viktig rolle i denne tragedien. Hans vittigheter, paradoksale vitser avslører dristig essensen av relasjoner mellom mennesker. Den tragikomiske narren forteller den bitre sannheten; hans vittige bemerkninger uttrykker folkets syn på det som skjer.
Historien knyttet til skjebnen til jarlen av Gloucester, faren til to sønner, setter i gang skjebnen til Lear, gir den en generaliserende mening. Gloucester opplever også utakknemlighetens tragedie. Han blir motarbeidet av sin uekte sønn, Edmond.
Det humanistiske idealet er nedfelt i bildet av Cordelia. Den aksepterer ikke både den gamle ridderverdenen og den nye machiavelliske verdenen. I hennes karakter fremheves en følelse av menneskeverd med spesiell kraft. I motsetning til sine hyklerske søstre, er hun oppriktig og sannferdig, frykter ikke farens despotiske temperament og forteller ham hva hun tenker. Til tross for tilbakeholdenhet i manifestasjonen av følelser, elsker Cordelia virkelig faren sin og aksepterer modig hans unåde. Senere, da Lear, etter å ha gått gjennom alvorlige prøvelser, fikk menneskeverd og en følelse av rettferdighet, var Cordelia ved siden av ham. Disse to vakre menneskene dør i et grusomt samfunn.
På slutten av tragedien seier det gode over det onde. Den adelige Edgar vil bli konge. Som hersker vil han vende seg til visdommen som Lear fant i sin tragiske skjebne.
Tragedien "Macbeth" (Macbeth, 1606), som ble skapt på materialet fra R. Holinsheds "Chronicles of England, Scotland and Ireland" er viet problemet med statens og individets tragiske tilstand under et tyrannisk regime.
Macbeth er en tyrann og en morder. Men det ble han ikke umiddelbart. Bildet avsløres i utvikling, i dynamikk, i all kompleksiteten og inkonsekvensen i dets indre verden. Kampen mellom anger og ambisiøse impulser i sjelen til Macbeth, erkjennelsen på slutten av meningsløsheten i hans blodige gjerninger - alt dette skiller ham fra en vanlig skurk og gjør ham til en tragisk karakter.
I første akt fremstår Macbeth som en helt i en majestetisk scene for seier over Skottlands fiender. Dette er en sterk, modig, modig kriger. Macbeth er snill av natur og ikke blottet for menneskelighet. Han oppnådde berømmelse gjennom sine bedrifter. Tillit til hans styrker og mulighetene i hans natur forårsaker hos ham et ønske om å bli enda mer majestetisk, for å oppnå enda større ære. Den sosiale strukturen på den tiden satte imidlertid grenser for utviklingen av individet, perverterte en persons grenseløse evner. Så Macbeths tapperhet blir til ambisjoner, og ambisjoner presser ham til å begå en forbrytelse - drapet på Duncan for å oppnå suveren makt. Perversjonen av tapperhet etter ambisjon er meget riktig preget av heksene fra den første scenen av tragedien: "Det vakre er sjofele, og det sjofele er vakkert." I handlingene til Macbeth blir grensen mellom godt og ondt stadig mer utydelig.
Bildene av ekle hekser, som forutsier Macbeths fremtidige skjebne, symboliserer umenneskeligheten som var i hans intensjoner og gjerninger. Hekser representerer ingen dødelig kraft som styrer heltens oppførsel. De uttrykker akkurat det som allerede dukket opp i tankene til Macbeth. De kriminelle avgjørelsene som tas av Macbeth bestemmes av hans egen vilje, ikke av fatal makt. Kriminelle handlinger presser i økende grad mot gjenfødelse av individet. Fra en snill og tapper mann blir Macbeth en morder og tyrann. En forbrytelse fører til en annen. Macbeth kan ikke lenger nekte å drepe, og prøver å beholde tronen:
Jeg er allerede så fast i den blodige myra, at det blir lettere for meg å gå frem, enn å gå tilbake gjennom hengemyren. I hjernen er min forferdelige plan ennå ikke født, og hånden streber etter å gjennomføre den. (Oversatt av Yu. Korneev)
Når Macbeths despotisme blir tydelig for alle, befinner han seg helt alene. Alle vek fra tyrannen.
Gjennom forbrytelser ønsker Macbeth å endre skjebnen, gripe inn i tidens løp. Han er allerede redd for å gå glipp av noe og prøver ved uopphørlige blodige gjerninger å komme i forkant av handlingene til påståtte motstandere. Tyrannen tar veien til sin "i morgen" ved hjelp av forbrytelser, og "i morgen" presser ham mer og mer mot en uunngåelig slutt. Tyrannens grusomheter provoserer motstand. Hele samfunnet reiser seg mot despoten. For Macbeth ser det ut til at naturkreftene også har gått ham imot – Birnam-skogen marsjerer mot Dunsinan. Dette er krigerne til Macduff og Malcolm, som gjemmer seg bak grønne grener, beveger seg i et uimotståelig snøskred mot Macbeth og knuser ham. En av karakterene i tragedien, den skotske adelsmannen Ross, snakker om essensen av maktbegjær:
Å kjærlighet til makt, du sluker det du lever!
Etter å ha talt mot menneskeheten, dømmer Macbeth seg selv til fullstendig isolasjon, ensomhet og død. Lady Macbeth er fanatisk hengiven til mannen sin, som hun anser som en stor mann. Hun er like ambisiøs som han. Hun vil at Macbeth skal være konge av Skottland. Lady Macbeth er fast bestemt på å oppnå makt og støtter mannen sin, hjelper ham med å overvinne moralsk tvil når han planlegger å drepe Duncan. Lady Macbeth mener at det er nok å vaske blodet fra hendene hennes - og forbrytelsen vil bli glemt. Men hennes menneskelige natur svikter og hun blir gal. I sin sinnssyke, somnambulistiske tilstand prøver hun å vaske blodet av hendene og klarer det ikke. På dagen for ektemannens død, begår Lady Macbeth selvmord.
Sammenlignet med andre Shakespeare-tragedier er den tragiske atmosfæren i Macbeth veldig tett. Det pumpes opp i forbindelse med utviklingen av temaet å komme til makten gjennom kriminalitet. Handlingen blir mer komprimert, konsentrert og heftig; det oppstår vanligvis om natten og mot bakteppet av en storm; et stort sted er okkupert av det overnaturlige elementet (hekser, visjoner), som utfører rollen som illevarslende forvarsel og varsler. Men til slutt forsvinner mørket, menneskeheten triumferer over det onde.
Shakespeares tragedier er preget av en dyp innsikt i essensen av deres tids tragiske motsetninger. I Shakespeares dramaturgi gjenspeiles de sosiopolitiske konfliktene i renessansen overraskende sannferdig. De dyptgripende endringene i livet knyttet til en gigantisk omveltning i historien, da føydalismen ble erstattet av et nytt borgerlig system – dette er grunnlaget for det tragiske hos Shakespeare. Shakespeares historisme ligger i å forstå hovedtendensene til den virkelige kampen som utspiller seg mellom det gamle og det nye, i å avsløre den tragiske betydningen av datidens sosiale relasjoner. Med hele sitt naivt-poetiske syn på verden klarte Shakespeare å vise menneskenes betydning i samfunnets liv.
Shakespeares poetiske historisme introduserte nytt innhold i det tragiske temaet, restrukturerte det tragiske som et estetisk problem, og ga det nye og unike kvaliteter. Det tragiske i Shakespeare skiller seg fra middelalderens forestillinger om det tragiske, fra Chaucers syn på det tragiske uttrykt i The Canterbury Tales (The Monk's Prologue and The Monk's Tale). Ifølge den middelalderske ideen kunne tragedie skje med mennesker med høy posisjon, som lever i lykke og glemmer forsynets kraft. Slike mennesker er underlagt formuens luner, uavhengig av deres karakter, deres fordeler og ulemper. Deres svært høye posisjon var årsaken til stolthet, så katastrofen var alltid nær. I følge middelalderske ideer brakte formuen ned ulykker på en person helt uventet og uten grunn. Mennesket er hjelpeløst overfor forsynets visdom, og ingen er i stand til å unnslippe skjebnens slag. Det middelalderske konseptet om det tragiske kom ikke fra karakteren til en person og hans kollisjon med skjebnen, men fra en tro på allmakten til overnaturlige krefter, derfor seiret den episke, narrative begynnelsen i middelalderlitteraturens tragiske verk over dramatisk.
Det tragiske i Shakespeare er fri fra ideen om fatalisme, skjebne. Og selv om heltene hans refererer til både Gud og formue, viser Shakespeare at mennesker handler ut fra sine ønsker og vilje, men på måten de møter livsomstendigheter, d.v.s. med vilje og ønsker til andre mennesker som uttrykker personlige, offentlige og statlige interesser. Fra sammenstøtet mellom menneskene selv, som representerer samfunnet og menneskeheten, strømmer både seire og nederlag. Tragisk er iboende i mennesker selv, i deres kamp, og er ikke avhengig av fatalistisk forhåndsbestemmelse. Heltens tragiske skjebne, uunngåeligheten av hans død er en konsekvens av hans karakter og livsomstendigheter. Mye skjer ved en tilfeldighet, men til slutt er alt underlagt nødvendighet - Tid.
Det overnaturlige i Shakespeares tragedier – spøkelser og hekser – er mer en hyllest til folkloremotiver enn en manifestasjon av overtroen til dramatikeren selv, det er en poetisk konvensjon og en særegen teknikk i å skildre karakterer og fremtvinge en tragisk atmosfære. Både Hamlet og Macbeth handler i henhold til sine egne ambisjoner og vilje, og ikke på befaling fra overnaturlige krefter. Shakespeare og hans helter forstår ikke alltid betydningen av tragiske hendelser, men det er alltid klart at de skjer i henhold til årsakslovene, i henhold til tidens harde lover.
Nødvendighet i Shakespeare fremstår ikke bare som tidens historiske bevegelse, men også som sikkerheten og ubestrideligheten til menneskelivets naturlige moralske grunnlag. I det offentlige liv er universell menneskelighet nødvendig. Moral basert på menneskelig rettferdighet er idealet som folk bør strebe etter, og brudd på dette fører til tragiske konsekvenser.
Det tragiske i Shakespeare er dialektisk. Samfunnet kan bryte naturlige moralske forhold og føre helter til døden (Romeo og Julie), og helten kan på grunn av en rekke av hans negative egenskaper begå ondskap og forårsake skade på samfunnet (Macbeth), og samtidig kan helten og samfunnet kan være skyldige i forhold til hverandre ( Kong Lear ). Alt avhenger av den virkelige kompleksiteten til datidens sosiale motsetninger og de psykologiske konfliktene til hvert individ. Kampen mellom godt og ondt foregår ikke bare på den offentlige arena, men også i menneskesjelen.
Konflikten i Shakespeares tragedier er ekstremt spent, skarp og uforsonlig, og den utspiller seg som et sammenstøt mellom to antagonistiske krefter. I forgrunnen - kampen til to sterke helter, legemliggjøring av forskjellige karakterer, forskjellige livsprinsipper og synspunkter, forskjellige lidenskaper. Hamlet og Claudius, Othello og Iago, Lear og Goneril, Cæsar og Brutus – dette er de motsatte karakterene som har gått i kamp. Men den edle helten til Shakespeare kjemper ikke bare mot en individuell antagonist, han går inn i en kamp med hele ondskapens verden. Denne kampen avslører de beste åndelige mulighetene til helten, men den forårsaker også ondskap. Kampen pågår samtidig i sjelen til helten selv. Helten søker smertelig etter sannhet, sannhet, rettferdighet; virkelig tragiske er heltens mentale lidelse ved synet av ondskapens avgrunn som åpnet seg foran ham; men han selv, på jakt etter sannheten, gjør en feil, noen ganger kommer han i kontakt med det onde, gjemmer seg under dekke av det gode, og fremskynder derved den tragiske oppløsningen.
Handlingene til Shakespeares tragiske helter, fremragende mennesker, påvirker hele samfunnet. Karakterene er så betydningsfulle at hver av dem er en hel verden. Og døden til disse heltene sjokkerer alle. Shakespeare skaper store og komplekse karakterer av aktive og sterke mennesker, mennesker med fornuft og store lidenskaper, tapperhet og høy verdighet. Shakespeares tragedier bekrefter verdien av den menneskelige personligheten, det unike og individualiteten til en persons karakter, rikdommen i hans indre verden. Livet til den menneskelige sjelen, opplevelser og lidelse, den indre tragedien til en person er av interesse for Shakespeare fremfor alt. Og dette påvirket også hans innovasjon innen det tragiske. Bildet av karakterenes indre verden avslører deres menneskelighet så dypt at det forårsaker beundring og dyp sympati for dem.
En rekke av Shakespeares helter - Macbeth, Brutus, Anthony ("Antony og Cleopatra") - er skyldige i tragedien deres. Men forestillingen om skyld er uforenlig med mange edle helter. Det faktum at unge Romeo og Julie dør er feilen til et samfunn som er fiendtlig mot oppriktige og integrerte menneskelige følelser. Hamlet, Othello, Kong Lear hadde feil og feil som ikke endret det moralske grunnlaget til deres edle karakterer, men i en verden av ondskap og urett førte til tragiske konsekvenser. Bare i denne forstand kan man snakke om deres «tragiske skyldfølelse». Sammen med disse heltene lider og dør helt rene naturer, som Ophelia, Cordelia, Desdemona.
I katastrofen som forårsakes, går både de virkelige gjerningsmennene til det onde, og de som bærer den "tragiske skylden", og de som er helt uskyldige til grunne. Tragedien i Shakespeare er langt fra den "poetiske rettferdighet", som består i en enkel regel: lasten straffes, dyden seier. Det onde straffer seg selv til slutt, men det gode tåler tragiske lidelser, umåtelig større enn heltens feil fortjener.
Shakespeares tragiske helt er aktiv og i stand til moralske valg. Han føler seg ansvarlig for sine handlinger. Hvis omstendighetene, samfunnet motsier moralidealene og krenker dem, så er karakterenes moralske valg i kampen mot omstendighetene; i uforsonlighet med det onde, selv om det fører til deres egen ødeleggelse. Dette er mest tydelig i Hamlet.
Episoden «anerkjennelse», bevissthet om feil og skyld, innsikt før døden er mettet i Shakespeares tragedier med de mest intense opplevelsene til karakterene og de viktigste moralske ideene. Denne episoden er preget av dypt ideologisk og psykologisk innhold. Episoden "anerkjennelse" er viktig i tragedien som triumfen for de moralske prinsippene om sannhet og godhet, som et resultat av den indre kampen og lidelsen som helten utholdt. Denne episoden belyser hele livet til helten med et nytt lys, bekrefter storheten til den menneskelige ånden og viktigheten av livets moralske grunnlag.
Karakterene til skurkene i Shakespeares skuespill er også forskjellige i deres individualitet. De har en vilje, et sinn som aktivt tjener lumske og ambisiøse planer. Disse skurkene er legemliggjørelsen av et ekte fenomen fra epoken - machiavellianisme. Fri sinn vises i dem i en ekstremt individualistisk form, som en effektiv jakt på egoistiske mål. Shakespeares skurker er på ingen måte konvensjonelle figurer av abstrakt ondskap, de er den konkrete og typiske ondskapen til det borgerlige systemet. Misunnelse, ondskap og hat er hovedpersonene til skurkene. Men Shakespeare prøvde ikke å fremstille dem som djeveler. Skurker er også mennesker, men av ulike grunner har de mistet sin menneskelighet. Noen ganger våkner det opp i dem for å understreke nytteløsheten i deres eksistens, blottet for moralske prinsipper (Edmond, Lady Macbeth).
Shakespeare uttrykte den humanistiske troen på menneskets vennlighet og edelhet, i hans ukuelige ånd og kreative energi. Han bekreftet menneskeverdet og storheten i menneskelige prestasjoner. Ut av alle katastrofer og problemer kommer menneskenaturen ubeseiret frem. Shakespeares sanne humanisme er hans optimisme. Denne optimismen var ikke rettferdig, siden Shakespeare var klar over ondskapens makt og ulykkene den fører med seg. Optimismen i Shakespeares tragedier er i triumfen over fortvilelsen og i den mektige troen på menneskets seier over sosial ondskap.
Allsidigheten i skildringen av livet og skildringen av karakterer avsløres alltid i kombinasjonen og gjennomtrengningen av det tragiske og det komiske. Dette var Shakespeares innovasjon, oppdagelsen av en ny måte å skildre mennesket og samfunnet på.
Shakespeare var også en innovatør i plottet og komposisjonsstrukturen til tragedier. I tragediene hans dukker det opp en annen historie. Sidehistorier gir inntrykk av livets allsidighet og bred dekning av virkeligheten. Teknikken med parallellisme av karakterer og plottlinjer, brukt til sammenligninger og kontraster, suppleres i Shakespeares tragedier med bilder av naturen. Forvirring i sjelene til karakterene, den tragiske kampen for lidenskaper, når den høyeste spenningen, er ofte ledsaget av en storm i naturen ("King Lear", "Macbeth").
Kompleksiteten i strukturen, den frie flyten av hendelser i Shakespeares tragedier foregriper på mange måter poetikken i romanen på 1800- og 1900-tallet. Metning med handling, drama av karakterer, mysterium av hendelser, panoramabilde av historien, frihet i tid og rom, lys kontrast - alle disse trekkene i Shakespeares tragedier finner videre utvikling i romanens sjanger.
I den siste, tredje perioden av Shakespeares arbeid, forble han tro mot humanismens idealer, selv om han ikke lenger hadde noen illusjoner om humanismen til den nye kapitalistiske orden. Etter å ikke ha funnet en legemliggjøring i livet, tok humanismens idealer i Shakespeares kreative fantasi form av en drøm om fremtiden, om en vakker ny verden. Denne drømmen, i fravær av muligheten for å realisere den i virkeligheten, ble legemliggjort i form av fantastiske elementer, pastorale scener og allegorier, karakteristisk for Shakespeares verk fra den siste perioden. Den kunstneriske metoden til The Winter's Tale and The Tempest er dypt logisk, estetisk nødvendig og er et ytterligere skritt i utviklingen av Shakespeares verk.
Pericles, Cymbeline, The Winter's Tale, The Tempest representerer en ny estetisk kvalitet. De kombinerer sjangertrekk av tragikomedie, pastoralt drama og allegori. I dramaene fra den tredje perioden vender Shakespeare seg til å blande fantasi med virkelighet, til folkloremotiver, til eventyr og utopiske situasjoner, til pittoreske scener som utspiller seg mot naturens bakteppe. I Shakespeares sene tragikomedier dominerer det lyrisk-heroiske prinsippet, romantikken om eksepsjonelle hendelser. Disse stykkene er preget av temaet mot samfunn og natur, grusomme hoffskikk og idyllisk bygdeliv. Bruddet med samfunnet er imidlertid her en form for moralsk og etisk kritikk av dette samfunnet, og ikke en oppfordring om å flykte fra det. Det er ingen tilfeldighet at heltene vender tilbake til samfunnet for å fortsette kampen mot det onde.
Tragikomedien Vintereventyret (1610-1611) ble skrevet i folkediktningens ånd. Dette verket fordømmer kongenes despotisme og poetiserer landsbyboernes godhet. Hele stykket er bygget på en skarp kontrast mellom kongehoffets tyranni og menneskeheten til bondehyrdene. Den sicilianske kongen Leontes, som nyter ubegrenset makt, bestemte seg for å brutalt håndtere sin kone Hermione, sjalu på hennes bohemske konge Polyxenus. og Hermione, finner ly i Böhmen hos en gammel hyrde som blir hennes navngitte far . Tap ble forelsket i sønnen til kong Polyxenes, prins Florizel. Ser man bort fra klasseforskjeller, ønsker Florizel å gifte seg med Loss. Når Polixenes nekter å samtykke til dette ekteskapet, forlater Florizel og Loss Böhmen. Idealet om menneskers likestilling bekreftes i ord av tap om hva som er over hytten og Orc den samme solen skinner på himmelen.
Det gode i dette stykket seier over det onde. Leontes innser til slutt sin skyld og gjenvinner lykken med Hermine.
Av stor betydning i det filosofiske innholdet i stykket er bildet av koret - Tid. I prologen til fjerde akt, som kommenterer skjebnen til stykkets helter, uttrykker Time ideen om utvikling, ideen om uopphørlige endringer i samfunnets liv. Tiden setter perspektivet på utviklingen, setter Hermines triste historie på et bestemt sted i historiens generelle flyt. Fra synspunktet til de evige utviklingslovene er tragiske hendelser bare separate øyeblikk som blir overvunnet, blir en ting fra fortiden, blir en legende. På skalaen til historisk tid vinner det gode uunngåelig. I The Winter's Tale uttrykte Shakespeare sin tro på en fantastisk fremtid for menneskeheten.
Shakespeares drømmer om et rettferdig samfunn kommer til uttrykk i det fantastiske plottet til tragikomedien The Tempest (The Tempest, 1611). Gonzalo landet på øya etter forliset, og drømmer om å ordne alt her annerledes enn i kongeriket Napoli. Han vil avskaffe embetsmenn og dommere, ødelegge fattigdom og rikdom, avskaffe arverett og landinnhegninger. Dermed søker Gonzalo å utrydde ondskapen som råder i et urettferdig samfunn. Gonzalo uttrykker imidlertid også naive ønsker: å avskaffe handel, vitenskap og arbeid og bare leve av det naturen selv gir. I Gonzalos monolog er innflytelsen fra ideene til Thomas Mores «Utopia» påtakelig.
Gonzalos utopiske drømmer står i motsetning til et ekte samfunn der grusomheter begås. For 12 år siden tok Antonio makten i Milano og utviste den rettmessige hertugen, broren hans Prospero. Prospero og datteren Miranda befinner seg på en øy bebodd av fantastiske skapninger. Men det er ondskap her også. Den stygge villmannen Caliban, et monster født av en heks, som utnyttet tilliten til Prospero, som gjorde mye godt for ham, bestemte seg for å vanære Miranda. Trollmannen Prospero erobrer Caliban, som legemliggjør kraften til mørke instinkter, og gjør gode gjerninger ved hjelp av den gode luftånden Ariel.
Stykket avslører konflikten mellom godt og ondt. Bildet av den humanistiske vitenskapsmannen Prospero er legemliggjørelsen av et godt sinn og dets gunstige effekt på mennesker. Wise Prospero forvandler mennesker, og gjør dem rimelige og vakre.
Prospero er allmektig på øya, åndene til fjell, bekker, innsjøer, skoger er underlagt ham, men han ønsker å returnere til sitt hjemland, til Italia, og igjen stupe inn i det hektiske samfunnets liv, kjempe mot det onde. Shakespeare uttrykte i The Tempest kjærlighet til menneskeheten, beundring for menneskets skjønnhet, tro på ankomsten av en vakker ny verden. Den humanistiske poeten setter håp i sinnet til fremtidige generasjoner som vil skape et lykkelig liv.
I artikkelen «A Ray of Light in the Dark Kingdom» definerte N.A. Dobrolyubov den globale betydningen av Shakespeare som følger: «Mange av skuespillene hans kan kalles oppdagelser innen det menneskelige hjerte; hans litterære virksomhet flyttet den generelle bevisstheten til mennesker til flere nivåer, som ingen hadde klatret opp til før ham og som bare ble påpekt på avstand av noen filosofer. Og det er derfor Shakespeare er av så universell betydning: han utpeker flere nye stadier av menneskelig utvikling.
*Dobrolyubov N.A. Sobr. cit.: I 9 bind - M; L. -1963. - T. 6. - S. 309-310.
Karakterene skapt av Shakespeare er mangefasetterte, de kombinerer begynnelsen på det tragiske og det komiske, slik det skjer i selve livet.
I renessansens realisme og i Shakespeares verk er det sine egne konvensjonelle former. Betinget, for eksempel handlingsstedet. Handlingen i Shakespeares skuespill kan finne sted i Danmark, Skottland, Sicilia, Böhmen, men dramatikeren hadde alltid England i tankene, og skildret konfliktene, karakterene og skikkene i hjemlandet. Shakespeares dramaer er polyfoniske. De kombinerer ulike poetiske elementer, ulike plotmotiver, og de avsløres i ulike aspekter og variasjoner. Shakespeares realisme manifesterer seg ofte i en fabelaktig romantisk form, i fantastiske, allegoriske bilder, i en hyperbolsk og metaforisk stil, i en patetisk og musikalsk stemning, i en effektiv sceneform. Det viktigste problemet for Shakespeare er problemet med menneskelig karakter. I sentrum av handlingen i de fleste av Shakespeares dramaer er en person som blir avslørt i kampen som foregår i nåtiden. Shakespeare gir ingen bakgrunn til karakterene sine. Personen i Shakespeares verk er knyttet til livet i samtidens samfunnsliv for dramatikeren. A.S. Pushkin snakket om allsidigheten til Shakespeares karakterer: «Ansiktene skapt av Shakespeare er ikke, som Molieres, typer av en slik og en lidenskap, en slik og en last, men levende vesener, fulle av mange lidenskaper, mange laster; omstendighetene utvikler seg før betrakteren deres mangfoldige og mangefasetterte karakterer.
* Pushkin-kritiker. - S. 412.
Shakespeare formidlet den nasjonale smaken av engelsk virkelighet, karakteren til engelsk folkekultur. Ingen før ham kunne skildre selve historiens gang, vise samfunnets ulike lag i et enkelt dynamisk system.
Shakespeare fanget i sine verk tidens vendepunkt, den dramatiske kampen mellom det gamle og det nye. Arbeidene hans reflekterte historiens bevegelse i dens tragiske motsetninger. Shakespeares tragedie er basert på historiens og legendens handlingsmateriale, som gjenspeiler verdens heroiske tilstand. Men på dette legendariske og historiske materialet reiste Shakespeare akutte samtidsproblemer. Folkets rolle i samfunnets liv, forholdet mellom den heroiske personligheten og folket avsløres med forbløffende filosofisk dybde i tragedien Coriolanus (Coriolanus, 1608). Den tapre kommandanten Coriolanus er stor når han representerer interessene til hjemlandet Roma, interessene til folket, og vinner en seier i Corioli. Folket beundrer helten deres, setter pris på hans mot og direktehet. Coriolanus elsker også menneskene, men vet lite om livet deres. Den patriarkalske bevisstheten til Coriolanus er ennå ikke i stand til å forstå de utviklende sosiale motsetningene i samfunnet; derfor tenker han ikke på folkets situasjon, nekter å gi dem brød. Folket vender seg bort fra helten sin. I Coriolanus, utstøtt fra samfunnet, befant han seg alene, ublu stolthet, våkner hat mot plebs; dette fører ham til forræderi mot fedrelandet. Han motsetter seg Roma, mot sitt folk, og dømmer dermed seg selv til døden.
Nasjonaliteten til Shakespeare er at han levde etter sin tids interesser, var trofast mot humanismens idealer, legemliggjorde det etiske prinsippet i verkene sine, tegnet bilder fra folkekunstens skattkammer, avbildet helter mot en bred folkebakgrunn. I verkene til Shakespeare - opprinnelsen til utviklingen av drama, tekster og romanen i moderne tid.
Folkekarakteren til Shakespeares drama er også bestemt av språket. Shakespeare brukte rikdommen i talespråket til innbyggerne i London, ga ordene nye nyanser, ny mening *. Den livlige folketalen til heltene i Shakespeares skuespill er full av ordspill. Bildene av språket i Shakespeares skuespill oppnås ved hyppig bruk av presise, billedlige sammenligninger og metaforer. Ofte blir karakterenes tale, hovedsakelig i skuespillene fra den første perioden, patetisk, noe som oppnås ved bruk av eufemismer. Deretter motarbeidet Shakespeare den euphuistiske stilen.
* Se: Morozov M. Artikler om Shakespeare. - M, 1964.
I Shakespeares skuespill veksler verstale (blankt vers) med prosa. Tragiske helter snakker hovedsakelig i vers, og tegneseriefigurer, narrer - i prosa. Men noen ganger finnes prosa også i tragiske helters tale. Diktene utmerker seg ved en rekke rytmiske former (jambisk femfots, seks fots og fire fots jambisk, orddeling).
Talen til karakterene er individualisert. Hamlets monologer er filosofiske og lyriske av natur; Othellos lyriske tale er preget av eksotiske bilder; Osrics tale ("Hamlet") er pretensiøs. Shakespeares språk er idiomatisk og aforistisk. Mange Shakespeare-uttrykk har blitt slagord.
Sovjetisk litteraturkritikk anser Shakespeares verk som realistisk. Det sovjetiske teatret spilte en stor rolle i å avsløre den realistiske essensen av Shakespeares verk. Sovjetiske oversettere gjorde mye for å utvikle Shakespeares kreative arv.
I verkene til en rekke sovjetiske Shakespeare-forskere blir problemene med Shakespeares verdensbilde, periodiseringen av hans verk, teaterhistorien til skuespillene hans, problemene med realisme og nasjonalitet tatt opp. Sosial oppmerksomhet i sovjetisk Shakespeareologi ble gitt til problemet med "Shakespeare og russisk litteratur".
Shakespeares komedier er blant de mest bemerkelsesverdige eksemplene på europeisk komedie fra renessansen. Shakespeare henvendte seg først og fremst til gammel romersk komedie og til den italienske "lærde komedien" på 1500-tallet, som ble betydelig påvirket av den. Heltene til komedier, som overvinner vanskeligheter på livets vei, bygger sin lykke med sin iboende optimisme, som bekrefter troen på en person og hans evner. Helter er energiske, muntre, ressurssterke og vittige. Unge mennesker er elskere som kjemper for sin kjærlighet, omgitt av mange karakterer - mennesker med ulik bakgrunn. Temaet kjærlighet og ekte vennskap.; feriestemning, latterkomedier. Syntese av folkets tradisjoner og renessanse-italienske komedier. Ungdomsånd.
Komediens struktur: elskerne kan ikke koble seg sammen. De er aktive, de skaper sin egen skjebne. Det ender i ekteskap, etter å ha overvunnet eksterne hindringer (forbud, foreldre) og interne (karakteren til karakterene). Naturen elementær / menneske. Tegne!! Den viktige helten - narren - er smart, bærer bare en tosks maske. Idioter er enfoldige.
Utviklingen av Shakespeare-komedier: den første "Comedy of Errors" - en komedie av situasjoner. Motivet til dualitet, gjennom tvillingene. "The Taming of the Shrew" er temaet for en splittet personlighet, en bevegelse mot tragedien i en uløselig konflikt. 12th Night er en mørk komedie. En verden av poetiske følelser og moro eksisterer side om side i komedier med dramatiske konflikter og til og med tragiske motiver. Selv om lys moro triumferer over dystert hykleri, råder uinteresserte følelser over klassefordommer. Grunnlaget for komediesituasjoner er tilfeldige tilfeldigheter av omstendigheter som drastisk endrer menneskers skjebne. Til tross for skjebnens luner, må en person selv kjempe for sin lykke.
Komedien "The Taming of the Shrew" ble skrevet av Shakespeare i 15 (93?), men for første gang ble den publisert først etter hans død - i 1623. Det er fortsatt uløste tvister om kildene til denne komedien.
I 1594 ble et anonymt skuespill publisert - "En morsom oppfunnet historie, kalt - temming av en spissmus." Alt i det anonyme stykket – karakterene med deres personligheter, til og med den viktigste «moralen» i stykket – tilsvarer Shakespeares komedie. Det er bare små forskjeller. Anonym finner ikke sted i Padua, men i Athen; alle navnene på karakterene er forskjellige: hovedpersonen heter Ferrando, heltinnen er alltid forkortet som Ket; hun har ikke én, men to søstre - Emilia og Filena, som hver blir bejlet av en ung mann, mens Shakespeare har en søster som har flere beundrere; Anonym har ikke et hemmelig ekteskap, og hele utfallet er uklart.
Vekslingen av episoder og handlingsutviklingen i begge stykkene er den samme, og noen steder kopierer den ene direkte den andre. Selve teksten er imidlertid annerledes, og det er bare seks linjer i hele stykket som stemmer nøyaktig.
Shakespeare var preget av en slik måte å bearbeide andres skuespill på når han ved å låne handlingen og bildene skaper en helt ny tekst, der han bruker bare to eller tre fraser eller uttrykk fra det gamle skuespillet, men samtidig alle sine innhold uvanlig utdyper, dekorerer og fyller med en helt ny betydning. . I The Taming of the Shrew viste Shakespeare en subtil forståelse av menneskets natur. Det er kontrovers blant kommentatorer om dette stykket om moralen. Noen prøvde å se i stykket et forsvar for middelalderprinsippet om ubetinget underordning av en kvinne til en mann, andre betraktet det ganske enkelt som en spøk, blottet for ideologisk innhold.
Av alle karakterene i stykket er bare tre lyse, velutviklede karakterer: disse er Katarina og Petruchio, og Bianca. Helten i komedien Petruchio er en typisk mann i moderne tid, modig, fri for fordommer, full av styrke. Han lengter etter kamp, suksess, rikdom og møter en verdig motstander i Katarinas person. Catarina, pasifisert av sin smarte forlovede Petruchio, forvandlet seg til en ideell kone på gode manerer. Dobbeltheten til den stive Bianca står i kontrast til oppriktigheten til den sta Katarina. På slutten av stykket, når en slags koneprøve finner sted, viser det seg at Bianca, som pleide å være saktmodig av natur, har forvandlet seg til en kranglete lunefull, mens Katarina selv har blitt legemliggjørelsen av saktmodighet og vennlighet. Stykket avsluttes med hennes berømte monolog, der hun bekrefter kvinners naturlige svakhet og kaller dem til å underkaste seg ektemennene sine.
Alle andre helter i stykket er betingede figurer, stereotype grotesker. Dette tilsvarer handlingens farseaktige natur: alle slags triks, slagsmål, ren latter, uten lyrikk, ømme, ideelle følelser, som er i den nesten samtidige, farseaktige «Comedy of Errors».
Shakespeare delte den oppfatningen som var generelt akseptert i hans tid om at mannen skulle være familiens overhode. Men samtidig, ved å vise rikdommen i Katarinas natur, understreker han den humanistiske ideen om intern ekvivalens mellom kvinner og menn.
Den moderne leser forstår ikke helt den kompositoriske sammenhengen mellom begynnelsen og hovedtemaet i stykket.
Shakespeare ønsket imidlertid å vise hva som særpreget aristokratene i samtidens samfunn. Han viser dette med et ganske slående eksempel på en kobbersmed.
Kobbersmed Christopher Sly faller i en beruset søvn ved terskelen til tavernaen. Herren kommer tilbake fra jakten med jegere og tjenere, og finner den sovende mannen og bestemmer seg for å spille ham et puss. Tjenerne hans tar Sly med til en luksuriøs seng, vasker ham i duftende vann og skifter til en dyr kjole. Når Sly våkner, blir han fortalt at han er en edel herre som har blitt overveldet av galskap og har sovet i femten år og drømmer om at han er en kobbersmed. Til å begynne med insisterer Sly på at han er en kjøpmann av fødsel, en kammen av utdannelse, en bugbear av skjebnens omskiftelser, og av sin nåværende handel en kobbersmed, men etter hvert lar han seg overbevise om at han virkelig er en viktig person og gift. til en sjarmerende dame (faktisk er dette Herrens side i forkledning) . Herren inviterer hjertelig en omreisende skuespillertrupp til slottet sitt, innleder medlemmene i en spøkeplan, og ber dem deretter spille en morsom komedie, tilsynelatende for å hjelpe en imaginær aristokrat med å bli kvitt en sykdom.
Så det skal bemerkes at en slik introduksjon og visning av det nødvendige aspektet av livet til aristokrater er et veldig viktig element i dette arbeidet.
Dermed avslører Shakespeare ikke bare hovedideen, men viser også hvordan samfunnet har det gøy.
Hovedsaken i stykket kan imidlertid kalles en betingelse som hele komedien står på. Dette er baptisttilstanden.
Han kunngjør til Biancas friere at han ikke vil gifte seg med Bianca før han finner en ektemann til sin eldste datter. Han ber om hjelp til å finne lærere i musikk og poesi til Bianchi, slik at stakkaren ikke kjeder seg i tvungen tilbaketrukkethet. Hortensio og Gremio bestemmer seg for å legge bort rivaliseringen midlertidig for å finne en ektemann til Katarina. Dette er ikke en lett oppgave, fordi djevelen selv ikke takler det, hovedpersonen er så ondsinnet og sta for alt det.
Men, som nevnt ovenfor, er slutten uforutsigbar. Katarina tar plassen til Bianchi, og overrasker alle med sin saktmodighet og vennlighet.
Så det bør bemerkes at Shakespeares arbeid er mangfoldig, hvert av dramaene hans, komediene, tragediene hans er unike, siden de dekker, i tillegg til nåtidens problemer, det psykologiske aspektet av personligheten. Dramatikerens verdensbilde ble påvirket av hendelser og politiske endringer. Shakespeares arbeid i alle perioder er preget av et humanistisk verdensbilde: en dyp interesse for en person, i hans følelser, ambisjoner og lidenskaper, sorg over lidelsene og uopprettelige feil til mennesker, en drøm om lykke for en person og hele menneskeheten som helhet .
Hovedideen til renessansen var ideen om en verdig person. Tiden har utsatt denne ideen for en tragisk test, beviset på det var Shakespeares verk. Da Shakespeare skapte verkene sine, var Shakespeare ofte prisgitt den litterære arven til sine forgjengere, men appellen til ham fungerte bare som en form for verkene som han ga et helt nytt, dypt innhold. Riktignok er følelser det viktigste estetiske prinsippet til Shakespeare. Ingen falsk løgn, ingen falsk patos, og derfor er alt som kom ut av pennen hans så imponerende.
Essensen av tragedien hos Shakespeare ligger alltid i sammenstøtet mellom to prinsipper - humanistiske følelser, det vil si ren og edel menneskelighet, og vulgaritet eller ondskap, basert på egoisme og egoisme.
Ifølge Shakespeare er hver persons skjebne et resultat av samspillet mellom karakteren hans og omstendighetene rundt. Shakespeare med jernlogikk viser hvordan de beste menneskene, de mest edle, intelligente og begavede, går til grunne under angrep fra mørke krefter (Hamlet, Lear), hvor lett det onde noen ganger tar besittelse av en persons sjel og hvilke forferdelige konsekvenser dette fører til (Macbeth) ).
Her kommer til uttrykk den spesielle livsfølelsen, tragisk og samtidig heroisk, som på slutten av renessansen oppstår blant humanister som følge av deres idealers sammenbrudd under reaksjonære krefters angrep. Dette er på den ene siden en følelse av sammenbruddet av middelalderens tro og institusjoner, av alle føydalismens "hellige bånd", som ga opphav til en følelse av en gigantisk katastrofe, sammenbruddet av en stor verden som levde for mange århundrer, på den annen side, er dette bevisstheten om at den nye verden, som erstatter den gamle, bringer med seg enda verre former for menneskelig slaveri, ånden til uhemmet rovdyr, riket til "chistogan", dette er de grunnleggende trekk ved fremvoksende kapitalisme. Derav følelsen av en global katastrofe, sammenbruddet av alle fundamenter, følelsen av at folk vandrer langs kanten av en avgrunn som de kan og faller ned i hvert minutt. Lojalitet til naturen, etter den menneskelige naturens naturlige tilbøyeligheter, er ikke lenger tilstrekkelige kriterier for oppførsel og garantier for lykke. Mennesket, frigjort fra alle illusjoner, kommer til erkjennelsen av at det bare er et "fattig, nakent, tobeint dyr" (Lears ord).
Basert på dette snakker mange kritikere om "pessimismen" i den andre perioden av Shakespeares verk. Denne terminen krever imidlertid reservasjon. Depressiv pessimisme, som fører til motløshet og nektet å kjempe, er fremmed for Shakespeare. For det første, uansett hvor forferdelige lidelsene og katastrofene som er skildret av Shakespeare, er de aldri målløse, men avslører betydningen og den dype regelmessigheten av det som skjer med en person. Døden til Macbeth, Brutus eller Coriolanus viser den fatale kraften til lidenskaper eller vrangforestillinger som griper en person når han ikke finner den rette veien. På den annen side, selv de mest alvorlige tragediene til Shakespeare puster ikke håpløshet: de åpner for utsikter for en bedre fremtid og bekrefter sannhetens indre seier over menneskelig dårlighet. Romeo og Julies død er samtidig deres triumf, siden over deres kiste finner forsoning sted mellom de stridende familiene, som gir sitt ord for å reise et monument over deres kjærlighet. «Hamlet» ender med Claudius død og nederlaget for det ondskapsfulle danske hoffet; med tiltredelsen av Fortinbras, må en ny æra begynne, som gir håp om et bedre liv. På samme måte ender Macbeth med tyrannens død og kroningen av en legitim og god hersker. I Lear dør den gamle kongen opplyst og gjennomsyret av kjærlighet til sannhet og mennesker. På bekostning av lidelsen han utholdt, blir Lear fra et "fattig, nakent, tobeint dyr" til en mann, i sin enkle menneskelighet større enn den tidligere Lear, investert med en kongelig verdighet. Shakespeares tragedier utstråler munterhet, en modig oppfordring til kamp, selv om denne kampen ikke alltid lovet suksess. Den heroiske karakteren til denne pessimismen er veldig langt fra fatalistisk fortvilelse.
Shakespeares arbeid utmerker seg ved sin skala - den ekstraordinære bredden av interesser og tankerom. Hans skuespill reflekterte et stort utvalg av typer, posisjoner, epoker, folk, sosialt miljø. Denne rikdommen av fantasi, så vel som hurtigheten i handlingen, rikdommen i bildene, styrken til de avbildede lidenskapene og karakterenes viljemessige spenning, er typiske for renessansen. Shakespeare skildrer blomstringen av den menneskelige personligheten og livets rikdom med all overflod av dets former og farger, men han brakte alt dette til en enhet der regelmessighet råder.
Kildene til Shakespeares dramaturgi er mangfoldige, og han mestret imidlertid alt lånt på en særegen måte. Han tok mye fra antikken. Hans tidlige Comedy of Errors er en imitasjon av Plautus' Manechmas. I «Titus Andronicus» og «Richard III» er påvirkningen fra Seneca veldig merkbar. De "romerske" tragediene til Shakespeare går tilbake ikke bare i plottet, men også delvis ideologisk til Plutarch, som i renessansen var en lærer av kjærlighet til frihet og samfunnsfølelser. I verkene til Shakespeare møter man stadig sensuelt muntre og uttrykksfulle bilder av gammel mytologi.
En annen kilde for Shakespeare var kunsten fra den italienske renessansen. Handlingene til "Othello", "The Merchant of Venice" og flere andre komedier ble lånt av ham fra italienske romanforfattere. I The Taming of the Shrew og noen andre komedier kan man oppdage innflytelsen fra den italienske commedia dell'arte. Vi møter ofte italienske kostymer, egennavn og alle mulige motiver i Shakespeares skuespill, som stammer fra helt andre kilder. Hvis Shakespeare fra antikken lærte konkrethet og klarhet i bilder, kunstnerisk logikk, distinkt tale, så bidro den italienske renessansens innflytelse til å styrke estetiske og billedlige trekk i hans arbeid, hans oppfatning av livet som en virvelvind av farger og former. Enda mer betydelig styrket begge disse kildene det humanistiske grunnlaget for Shakespeares arbeid.
Men i bunn og grunn, sammen med disse attraksjonene, fortsetter Shakespeare tradisjonene med folkeengelsk drama. Dette inkluderer for eksempel blandingen av det tragiske og det komiske som han systematisk brukte, som ble forbudt av representantene for den lærde klassisistiske trenden i renessansens dramaturgi.
Hos Shakespeare observerer vi en broket blanding av personer og hendelser, et uvanlig raskt handlingshastighet, dets raske overføring fra et sted til et annet. Denne livligheten, glansen, den enkle stilen, overfloden av bevegelse og slående effekter er veldig karakteristisk for folkedrama. Dens høyeste manifestasjon ligger i det faktum at han for sine humanistiske ideer finner en virkelig folkelig uttrykksform - konkret, ekstremt klar og sannferdig i sin oppriktige enkelhet. Dette gjelder ikke bare talene til narren i Kong Lear, som representerer kvintessensen av folkevisdom, men også uttalelsene til karakterer av raffinert utdanning, som Hamlet.
Shakespeares realisme er uløselig knyttet til menneskene. Shakespearesk realisme er basert på et levende, direkte forhold til alle livets fenomener. Samtidig skildrer Shakespeare ikke bare sannferdig virkeligheten, men vet også å trenge dypt inn i den, legge merke til og avsløre det som er mest essensielt i den. Shakespeares egne syn på kunstens realistiske essens kommer til uttrykk i Hamlets samtale med skuespillerne (akt III, scene 2), der Hamlet fordømmer all affektasjon, hyperbolisme, effekt for effektens skyld, krever overholdelse av mål og proporsjon, naturlighet, samsvar med virkeligheten.
Shakespeares realisme manifesteres i det faktum at han skildrer fenomener i deres bevegelse og gjensidige kondisjonering, og legger merke til alle nyanser og overganger av følelser. Dette gir ham muligheten til å trekke hele mennesker i all deres kompleksitet og samtidig i deres utvikling. I denne forbindelse er Shakespeares karakterbygging også dypt realistisk. Ved å fremheve typiske trekk i karakterene hans, ha en generell og grunnleggende betydning, individualiserer han dem samtidig, og gir dem forskjellige tilleggstrekk som gjør dem virkelig levende. Shakespeares karakterer endrer seg og vokser i kamp.
Realismen til Shakespeare finnes også i nøyaktigheten av analysen av de følelsesmessige opplevelsene til karakterene hans og motivasjonen til deres handlinger og motiver.
En skarp holdningsendring oppleves av alle heltene i store tragedier. Deres personlige motiver og spesifikke forhold for utviklingen av en åndelig krise er forskjellige for dem, deres åndelige reaksjoner og oppførsel er ikke de samme, graden av moralsk sjokk i dem alle er ekstreme, og deres smertefulle opplevelser er ikke begrenset til personlig skjebne og indikerer en krisetilstand med epoke overbevisning. Tvilen til tragiske helter er mangesidig, men rettet mot et bestemt sentrum, med fokus på samfunnets tilstand og menneskets problem.
