hjem › Motor › Malerier av stor verdi og daub. Det viktigste er ikke å spare maling

Malerier av stor verdi og daub. Det viktigste er ikke å spare maling

Effektivitet av PR: "Strålende" muffer

Hvis jeg tar opp en pensel og maler et slags landskap eller portrett på lerretet, kan enhver person som ser på arbeidet mitt trygt si: for en daub! Og det blir riktig, for jeg kan ikke tegne. Men dauben min kunne selges for millioner av dollar hvis jeg hadde et rykte som en stor artist. Teoretisk sett er det vanskelig å se for seg at mine umalte, men ikke mindre forferdelige bilder kan promoteres som store kunstverk og selges for «gale penger». Men i det virkelige liv skjedde dette mer enn en gang - andre halvdel av 1800-tallet og hele 1900-tallet er en kontinuerlig triumf av kunsten.

Fra det øyeblikket moderne maleri ble født, hvis far anses å være italieneren Giotto di Bondone (1267-1337), og i løpet av de neste århundrene, kunstnerens dyktighet i å vise virkeligheten på hvilken som helst overflate som er egnet for tegning (lerret, vegg eller tavle) ). Fotografering fantes ikke da, men mange ønsket å ha et eget portrett eller et bilde av sine slektninger. Utsikten over de omkringliggende skogene og markene ble også verdsatt. Vi liker fortsatt å henge reproduksjoner av forskjellige malerier i leilighetene våre, og til hvem den materielle tilstanden tillater, så originalene selv. I middelalderen likte også rike å dekorere veggene til hus og slott med malerier, og noen av de rike samlet enorme samlinger. Noen gjorde det av kjærlighet til å male, andre - for å forbedre sin status.

I tillegg til de rike trengte kirken også kunstverk. Kirken trengte ikke malerier som skildret det virkelige liv - de trengte bibelske scener som ville se ut som virkelige - som fotografier av virkelige hendelser (selv om de ikke hadde noen anelse om fotografier da). Folk måtte tro på Kristus, Maria, apostlene og andre religiøse skikkelser, og for dette måtte de bibelske karakterene se ut som levende mennesker.

Hva var forespørslene fra kundene - slik var bildene. Gale ideer skissert på lerretet av en udugelig hånd var til ingen nytte for noen. Ingen ville kjøpe et portrett av seg selv som ikke ville se ut som originalen, og enda mer et som i prinsippet ikke lignet bildet av en person. I de dager, for å male et portrett, var det nødvendig med en kunstner som mestret håndverket til en maler. Når du ikke var profesjonell, kunne du ikke selge malerier og tjene til livets opphold. De som samlet malerier trengte allerede ikke bare avstøpninger av virkeligheten - de ønsket å få eksklusive ting som ingen kunne gjenta. Det vil si at kunstneren måtte tilføre noe eget til et realistisk bilde - en viss unik stil, slik at bildet hans skilte seg ut blant hoveddelen av håndverksprodukter av høy kvalitet. Det kan være en unik teknikk som Leonardo da Vinci, en innovativ bruk av lys og skygge som Van Eyck, fantastiske bilder som Bosch ...

15-17 århundrer i Europa er storhetstiden til verdensmaleriet. På dette tidspunktet, i de økonomisk utviklede statene i Europa (Venezia, Firenze, Nederland, Flandern, Tyskland), dukket det opp et tilstrekkelig antall kunder for malerier - takket være dette mottok vi en hel galakse av fremragende kunstnere, hvis verk fortsatt pryder de mest kjente museene i verden. Sammen med slike universelt anerkjente store renessansens malere som Leonardo da Vinci, Raphael og Michelangelo Buonarroti, arbeidet flere dusin mer like fremragende kunstnere på den tiden: den nederlandske Robert Campin, Jan Van Eyck, Hieronymus Bosch, Peter Brueghel Sr., Peter Paul Rubens, Antonis Van Dyck, Jan Vermeer, italienerne Giorgione, Titian, Correggio, Caravaggio, tyskerne Albrecht Dürer, Hans Holbein Jr., spanjolen Diego Velazquez... Alle hadde en original måte å skildre virkeligheten på, men på samtidig ble de forent av det faktum at de alle skrev suverent utelukkende realistiske bilder. Realistisk ikke i henhold til handlingen - de samme bibelske bildene har aldri vært slik. Realistisk - av likheten avbildet med det virkelige liv. Ingen malte noen kuber eller firkanter - visstnok er det slik han ser verden, siden "mesterverk" i lignende stil ikke ville finne kjøperen sin. Kundene til maleriene på den tiden var enkle mennesker - som vår Nikita Khrusjtsjov. Det er en historie som han en gang spurte om et av maleriene på en abstraksjonistisk utstilling: "Hva slags rumpe er dette?". Jeg bemerker at med hensyn til maleriene til Raphael eller Correggio, har ingen noen gang sagt noe slikt, inkludert Khrusjtsjov - alle som har syn forstår hva som er avbildet på dem: Madonnaer i form av vakre kvinner, og ikke noen forferdelige og uforståelige skapninger som i maleriene til Picasso. Hver fremragende kunstner var en innovatør på en eller annen måte, men alle innovative teknikker i maleriet ga mening bare hvis kunstneren kunne skildre livet i alle dets manifestasjoner. Nyheten i bildet ble brukt for realismens skyld, og ikke i seg selv. Vi kan si at malerne prøvde å jobbe som byggherrer - hvert hus må ha fundament, vegger og tak, og alle eksperimenter var kun tillatt innenfor denne rammen.

Som profesjonelle nådde renessansekunstnere toppen av maleriet. Og vi kan trygt si at det er umulig å overgå Raphael eller Van Eyck - de kan bare gjentas. Eller lag noe eget, som har blitt vanskeligere og vanskeligere med årene. Allerede på 1600-tallet var det færre fremragende kunstnere enn på 1500-tallet, og på 1700-tallet kan de telles på fingrene. På bakgrunn av renessansens mestere er det ekstremt vanskelig å skille seg ut - dette er det høyeste ferdighetsnivået, som i prinsippet bare noen få kan oppnå.

Og mot en slik bakgrunn, når det er mange håndverkere, og det er få fremragende mestere, finner en virkelig revolusjon sted i kunstens verden - "store kunstnere" begynte å bli skapt kunstig. Dette var vanskelig å gjøre i middelalderen.- Uten media er PR-teknologier ineffektive, siden informasjon må overføres gjennom rykter som forvrenger den. Spesielt når det gjelder formidling av informasjon over lange avstander. Bare media kan raskt og effektivt skape og introdusere i massebevisstheten bildet av ethvert objekt (produkt, merke) som ideelt og nødvendig i livet. Det er ingen tilfeldighet at da pressen i andre halvdel av 1800-tallet begynte å spille en stadig viktigere rolle i livet til statene i Vest-Europa, som allerede hadde gått inn i den industrielle revolusjons æra, da "store kunstnere av en ny type» begynte å dukke opp. Med andre ord – muffins.

Hvem omdirigerte spesifikt kjøpere av maleri til direkte daub? Det er mange av dem. I bunn og grunn er dette folk som drev med kunstkritikk i media, samt de som arrangerte utstillinger. For eksempel "vasket" kritikeren Roger Fry postimpresjonistene, franskmannen Guillaume Apollinaire promoterte produktene til Matisse og Picasso til forbrukere. Men enda viktigere for malermarkedet var det at flere og flere velstående samlere dukket opp i verden – særlig i andre halvdel av 1900-tallet. I forhold der virkelig fremragende kunstverk befinner seg i statlige museer eller eies av kirker som ikke selger mesterverkene sine for noen penger, hvorfor samle inn samlinger? – Fra det som anses som fasjonabelt. Det som ble moteriktig ble kjøpt opp av kjøpere.

Og hvordan ble moten skapt for den eller den "maleren"? I utgangspunktet startet det hele med en skandale. På slutten av 1800-tallet betydde bare fremvisningen av en forferdelig daub offentlig under dekke av kunstverk en offentlig skandale. Det var en reell utfordring for samfunnet. Folk som så "slikt", var indignerte, alt dette ble utsatt i pressen og bohemske steder, berømmelsen til forfatteren og maleriene hans vokste - og det var slik moten for denne eller den karakteren dukket opp. Først i trange sirkler, og så, hvis du er heldig, lærte allmennheten om fremveksten av en ny "stor maler". "Hvis de snakker om deg, så eksisterer du" - dette er grunnregelen for PR. Hvis du blir berømt, vil i det minste noen kjøpe maleriene dine - uavhengig av deres kunstneriske verdi. Så snart middelmådige mennesker i et bohemsk miljø innså det den dauben - dette er også en het vare, så slike malerier feide bokstavelig talt markedet. Mange flotte muffer i fremtiden startet med realistiske malerier, men gikk over til daubing i tide. Og noen trengte ikke å endre noe - de visste i utgangspunktet ikke hvordan tegne.

I forskjellige perioder var det en mote for en kunstnerisk retning, deretter for en annen - impresjonisme, post-impresjonisme, abstraksjonisme, kubisme, ekspresjonisme .... Og mote er hovedmotoren for handel. Så snart "kunstneren" ble et merke - siden da ble alt som ble produsert under dette merket "solgt som varmt kaker." Det spilte ingen rolle hva akkurat denne eller den "kunstneren" malte - moteindustrien opererer i henhold til andre lover enn håndverksindustrien. Moten for denne eller den muffen oppsto selvfølgelig ikke umiddelbart, og først gikk "laurbærene" i form av enorme penger ikke til kunstnerne selv, men til kjøpere av malerier. De vanvittige pengene som begynte å bli betalt for fasjonable daubs på auksjoner dukket opp først mot slutten av andre halvdel av 1900-tallet. Et stort antall mennesker med enkle penger oppnådd i verdens finansmarkeder, så vel som under plyndringen av statlig eiendom i Russland, visste rett og slett ikke hvor de skulle plassere dem - som et resultat ble avføring smurt på lerret en ekstremt varm vare .

Med hvem begynte triumfen av smuss i kunsten?

Veien for impresjonistene og kubistene ble banet av engelskmannen Joseph Turner, som "skapte" i første halvdel av 1800-tallet. Hans eneste fortjeneste som kunstner var at han ikke var særlig flink til å male landskap. Han hadde også nesten gode malerier, men han ble kjent for ærlige daubs, som lerretet "Sailing to Venezia". Hvis Venezia var det samme som på bildet hans, ville knapt noen ha seilt til det i det hele tatt ... Turner på en gang sjokkerte rett og slett publikum, takket være at han ble berømt. Det er en karikatur av ham - Turner står foran et maleri med en pensel (som ble brukt til å male gjerder på den tiden) og maler noe ...

Franskmannen Edgar Degas plukket opp stafettpinnen neste gang - han visste hvordan han skulle tegne, og noen ganger laget han fantastiske bilder, men av en eller annen grunn ble Edgar trukket til å male de styggeste nakne kvinnene som gjorde seg klar til å vaske, vaske eller bare fullførte vannprosedyrer. .. – For slike tegninger blir de bortvist fra 1 kunstskolekurs på grunn av inkompetanse, men Degas ble populært mye takket være dem.

På slutten av 1800- og begynnelsen av 1900-tallet begynte antallet muffins å øke dramatisk.

På denne tiden skaper de «store impresjonistene» Claude Monet (som ikke må forveksles med den kjente kunstneren Edouard Manet) og Auguste Renoir. Renoir visste hvordan han skulle tegne, men han, i likhet med Degas, ble ofte ført ut i direkte narring. Monet forsøkte først også å bli en ekte kunstner, men innså at han ikke ville lykkes – som et resultat kan han kalles en av de mest slående etterfølgerne av Joseph Turners verk – Monets landskap er nesten like forferdelige som forgjengerens.

Hans viktigste "mesterverk" er "Rouen-katedralen, vestfasade i sollys" - en typisk barnekledd. Monet naglet mange verk i denne "stilen", og alle er fortsatt populære: "Vannliljer" (uten navn kjenner du ikke umiddelbart igjen at dette er liljer på vannet ...) gikk på auksjon for 36,7 millioner dollar (2007. ), Waterloo Bridge (bildet nedenfor) solgt for 35,9 millioner dollar (2007),

"Dammen med vannliljer ..." (sammenlignet med "Waterloo Bridge" kan det til og med kalles et maleri) - for 33 millioner dollar (1998). Avisen Times i 2009 gjennomførte en undersøkelse blant lesere, hvis resultater bestemte de mest populære artistene på 1900-tallet - Claude Monet tok 4. plass!

Ved århundreskiftet gikk også postimpresjonistene i gang: Vincent van Gogh, Henri Toulouse-Lautrec, Edvard Munch, Paul Cezanne, Paul Gauguin, Gustav Klimt. Hvem av dem var vår tids "største" eller med andre ord den mer fasjonable kunstneren? Cezanne har minst ett maleri som kan beskrives som «interessant» – han malte det i en alder av 27. Så gikk alt mye verre - uten opplysning, daub etter daub. Imidlertid er han definitivt ikke den "største". Prisene for noen av maleriene hans beløper seg til titalls millioner dollar (den dyreste av dem - "Still Life with a Jug and Draperie" ble kjøpt for 60,5 millioner dollar (!), Men populariteten til verkene hans blant samlere er tydeligvis dårligere enn populariteten til Gauguins verk, og enda mer Van Gogh Men leserne av The Times satte Cezanne på 2. plass blant kunstnerne på det 20. århundre!

Den psykisk syke Van Gogh malte som en talentløs 5-7 år gammel gutt som aldri ble voksen. En gang ble han behandlet på en psykiatrisk klinikk, men dette hjalp ikke, og i en alder av 40 begikk han selvmord. Biografien hans er mer som en biografi om en "stor kunstner". Dette er bevist av prisene på maleriene hans - 40,3 millioner dollar for et forferdelig portrett av Madame Ginoux, 40,5 millioner dollar for "Solsikker", 47,5 millioner dollar for "Bondekvinne i en stråhatt", 53, 9 millioner dollar for iriser, 57 dollar millioner for Cypress Wheat Field, 71 millioner dollar for et selvportrett og 82,5 millioner dollar for Dr. Gachet. Denne Gachet passet forresten på Van Gogh kort tid før hans selvmord - sannsynligvis bestemte "kunstneren" seg for å ta hevn på legen for hans arbeid med signaturportrettet hans.

Van Goghs elsker Gauguin malte som gutt litt eldre enn Van Goghs gutt. Dette er et klart minus for ham som «stor artist». I tillegg var ikke Gauguin like gal som Van Gogh, selv om det er en fantastisk episode i biografien hans da han kom for å besøke Van Gogh og til slutt kuttet av øret - dette er virkelig en tungtveiende påstand om "storhet"! Etterspørselen etter Gauguins malerier er imidlertid ikke like stor som for Van Gogh – bare noen få av maleriene hans er solgt for over 30 millioner dollar.

Den nesten dvergen Toulouse-Lautrec var gal etter de stygge franske horene, som han legemliggjorde i sine ikke mindre stygge malerier. Hvis du ser på bildet nedenfor under det betingede navnet "horer på inspeksjon", vil du ha en ide om Toulouse-Lautrecs kreative måte.

Han var heller en mester i sketsjen, men han gadd aldri å skrive et fullverdig bilde. Sammenlignet med Gauguin og Van Gogh er Toulouse-Lautrec fullstendig upopulær, og den norske Munch er tydeligvis ikke opp til dem, selv om biografien hans er veldig personlig: Han led stadig av en forferdelig depresjon og ble flere ganger behandlet for psykiske lidelser. Flere av maleriene hans dukker opp på listen over «100 dyreste malerier i historien», men det er alt.

Men østerrikeren Gustav Klimt er egentlig den største postimpresjonisten. Han er like populær som Van Gogh, og hans dyreste maleri ble kjøpt for 135 millioner dollar! Og det som er mest overraskende for den store kunstneren på 1900-tallet - bildet viser en kvinne med et menneskelig ansikt! All den gjenværende plassen er okkupert av en typisk daub, men ansiktet viste seg å være realistisk. Og andre malerier av Klimt, der mennesker er avbildet, ligner på dette bildet - de samme ansiktene blant den "postimpresjonistiske" dauben.

Folket respekterer også Klimt – 3. plass blant de beste artistene på 1900-tallet – bare Picasso og Cezanne ligger foran.

La oss gå videre til det 20. århundre. Som Wendy Beckett skrev i sin History of Painting, "to regjerer i det 20. århundres kunst - Henri Matisse og Pablo Picasso." Det er vanskelig å si hvorfor akkurat disse to, fordi det var hundrevis av slike muffer, men motemåtene er uransakelige. Pablo tok forresten 1. plass, og ifølge en meningsmåling blant lesere av The Times.

Spanjolen Pablo Picasso visste hvordan han skulle tegne, men ville ikke. Han var langt fra nivået til Da Vinci (som ikke tror - se på hans tidlige maleri "Boy with a Pipe" - ikke dårlig, men ikke enestående), men rett og slett gode malerier var irrelevante allerede på 1900-tallet. Daubing ble mer og mer moteriktig, og Pablo bestemte seg for å seile på befaling av bølgene. Og han gjorde det kjempebra!

I 1907 malte han maleriet "Pikene i Avignon" - det ble det første verket i den kubistiske sjangeren. Først var kunstneren flau over å vise denne dubben til fremmede, noe som generelt sett er forståelig: fem helt forferdelige skapninger ser på deg fra bildet og å vise slikt tull til andre er som å si offentlig: Jeg er gal! Jeg er en fullstendig psykopat! Men Pablo våget å avsløre sitt "mesterverk" og gjettet ikke. Ingen gjemte ham på et sykehus og Picasso fortsatte å ødelegge lerretene. Han satte i praksis postulatet om dialektisk materialisme: kvantitet utvikler seg til kvalitet. I dette tilfellet, omdømme. Picasso malte i rundt 70 år og det er ikke overraskende at han ble den mest populære muffen i vår tid.

Hans portrett av Dora Maar (kjøpt for 95,2 millioner dollar på auksjon i 2006, avbildet ovenfor), Woman Seated in a Garden (49,5 millioner dollar i 1999), Dream (48,4 millioner dollar i 1997), "Nade in a black chair" (45,1 millioner dollar) dollar i 1999) - gikk inn i "det gylne fondet" til 1900-tallets daub.

Det var mange strålende malere på 1900-tallet - mye mer enn store kunstnere i renessansen, noe som ikke er overraskende: å bryte - ikke bygge, ødelegge lerreter - ikke male. Våre Vasya Kandinsky og Kazimir Malevich ble også kjent på dette feltet - selv om de er enestående, er de ikke store muffer etter verdensstandarder. Selvfølgelig har russerne sin egen spesielle spiritualitet, men i dauben manifesterte det seg ikke for mye. På midten av 1900-tallet begynte amerikaneren Pollack og nederlenderen de Kooning, «abstrakte ekspresjonister», å sette tonen for det.

Alt i vår verden er relativt, og på bakgrunn av Pollack og hans brødre ser til og med Monet eller Gauguin ut som gode artister. Kunstkritikere har kalt denne høyeste grad av daubing «abstrakt ekspresjonisme», og jeg vil si at dette er fullstendig galskap daubing! Dens mest fremtredende representanter var ikke bare de nevnte Willem de Kooning og Jackson Pollack, men også Mark Rothko, en amerikaner av russisk opprinnelse. Disse tre er bare toppen av det 20. århundret!

En abstrakt ekspresjonist er en person som i prinsippet ikke tegner. Van Gogh malte i det minste på nivået til et 5 år gammelt barn, men Pollak kunne ikke engang nå dette nivået. For å sitere The History of Painting av Wendy Beckett: «Pollack var den første som forlot børsten, paletten og alle konvensjonene i handlingen. Han danset i ekstase på lerretene spredt på gulvet, helt oppslukt av kreativitet, sprutet og helte maling under full kontroll. «Maleri,» sa han, «har sitt eget liv. Jeg prøver å la henne." Det er til og med ingenting å kommentere her - mannen var veldig, veldig syk. Bildet av maleriet hans bekrefter dette.

Mark Rothko er en enda verre artist enn Pollack. Du vil si at dette ikke kan være slik - jeg sa tross alt bare at Pollak ikke kunne tegne. Kan være! Pollacks malerier lignet i det minste på kaotisk tapet, Rothkos er bare lerreter malt med forskjellige farger – for eksempel er toppen svart og bunnen grå. Eller enda mer "enestående arbeid" - nederst er crimson, øverst - en slags mørk gul, og i midten - hvit.

Maleriet heter "White Center" og ble kjøpt på Sotheby's i 2007. for 72,8 millioner dollar. – nesten 73 millioner for et ødelagt lerret! Og dette er forresten 12. plass på listen over de dyreste maleriene i verden! Men det dyreste maleriet i verden i dag (2010) tilhører Jackson Pollack og heter "No. 5" - solgt i 2006 hos Sotheby's for 140 millioner dollar! Den vestlige verden er ikke bare fylt med gale artister - det er et enormt antall gale millionærer. Vanlige folk er forresten heller ikke særlig sunne i Vesten – i en meningsmåling av avisen Times tok Pollack 7. plass blant de mest populære artistene på 1900-tallet.

Hans, som de sier, "evige rival" Willem de Kooning i denne avstemningen ble 9. plass. Jeg vil kalle ham den morsomste av alle muffene. Koonings dyreste maleri, Woman No. 3 (kjøpt i 2006 for 137,5 millioner dollar!) vil få enhver frisk person til å le høyt. Enda morsommere er Woman with a Bicycle.

Jeg tror Willem hadde noen problemer med kvinner, så han hevnet seg subtilt på dem.

På eksemplet med Pollack, Kooning og Rothko ser vi tydelig hva kunstmarkedet har kommet til i dag. Hvis Khrusjtsjov var i live, ville han ha sagt: til full rumpa!

Så takket være den magiske kraften til Pu blic relasjoner klattene til noen mentalt forvirrede individer ble anerkjent som fremragende kunstverk og satt på nivå med lerretene til de store renessansekunstnerne. For første gang ble kraften til PR så tydelig manifestert nettopp i promoteringen av muffer. Fram til 1800-tallet PR handlet effektivt bare i politikk (historie og religion tjente også politiske mål og kan ikke betraktes isolert fra politikk). Når det gjelder kunngjøringen av middelmådige muffer som briljante artister, møter vi et fenomen når PR utmerket seg innen mote. Og det var så effektivt og varig at selv nå, mer enn et århundre etter at de middelmådige psykopatene kom på moten, møter vi mange mennesker som oppriktig tror at Van Gogh er en stor artist. Enda flere millioner vet hvem Van Gogh er. Flere hundre rike lediggangere som ikke vet hva de skal gjøre med pengene sine, kjøper fasjonable daubs på auksjoner. Alle andre hører om ett kjøp for flere millioner dollar av daub, så en annen. Vel, de kan vel ikke betale 30 millioner dollar for ærlig avføring? – slik hevder lekmannen. – De kan, selv som de kan ... Hovedsaken er at det er moteriktig.

Når jeg ser på noen av maleriene som selges på auksjon i dag, vil jeg gråte. Gråt, fordi disse lerretene ser ut som en klatt av et barn, men står som en villa i Miami. Tiden er inne for å presentere de dyreste absurde mesterverkene som har forlatt auksjonen for millioner av dollar.

"Green and White" av Ellsworth Kelly - 1,6 millioner dollar

blogspot

Dette er ikke bare en taggete grønn sirkel på en hvit bakgrunn. Dette er et eksempel på maleri, hvor hovedobjektet er selve fargen. Denne kreasjonen ble kjøpt på Christie's auksjon i New York i 2008.

Faktisk, i resten av kunstnerens malerier finner du ikke komplekse mønstre og realistiske landskap - bare de enkleste figurene på en hvit, svart eller lys bakgrunn.

The Blue Fool, Christopher Wool - 5 millioner dollar

Maleriet forlot auksjonen på Christie's (New York) i 2010. Den moderne amerikanske kunstneren Christopher Wool gikk lenger enn kollegene sine, og begynte i tillegg til å "klemme" og "skrible" å plassere inskripsjoner med store bokstaver på lerreter.

Det er en betydelig mengde ironi i det faktum at et av de dyreste verkene fra denne serien var et lerret med inskripsjonen "FOOL" (Fool).

«Begrepet rom. Venter, Lucio Fontana - 12,8 millioner dollar

kilde: Forbes

Det hvite spaltelerretet ble solgt på Sotheby's London i 2015. Kunstneren Lucio Fontana er kjent for sin "barbariske" holdning til lerretene sine - han klippet og gjennomboret dem nådeløst. Men han gjorde det på en slik måte at han senere kunne vise det «lemlestede» bildet til betrakteren.

For mesteren personifiserte sporene selve uendeligheten. «Når jeg setter meg ned foran en av spaltene mine og begynner å tenke på det, føler jeg plutselig at ånden min er frigjort. Jeg føler meg som en person som har sluppet unna materiens lenker, som tilhører nåtidens og fremtidens uendelige vidder, sa Fontana.

Maleri "Due stjernen til Joan Miró 36,9 millioner dollar

karenruimy

En av de dyreste partiene på Sotheby's-auksjonen, holdt i den britiske hovedstaden i 2012. Dette er det første maleriet på listen vår som ser ut til å ha blitt malt på. Bare hva?

Lerretet ble laget av den spanske surrealistiske kunstneren Joan Miro. På et tidspunkt sultet maleren, og derfor observerte han ofte hallusinasjoner på veggene. Skaperen overførte bildene han så til maleriene. Nå selges maleriene hans for millioner av dollar.

Sleeping Girl av Roy Lichtenstein - 44,8 millioner dollar

nytider

Sleeping Girl gikk under hammeren i 2012 på Sotheby's i New York. For arbeidet til Lichtenstein, som en gang ble kalt "den verste artisten i Amerika" gir de i dag fantastiske penger.

Roy Lichtenstein er kjent for å lage malerier basert på tegneserier: kunstneren tok ganske enkelt og tegnet om andres arbeider, og la til noe eget. For dette måtte han tåle kritikernes angrep, men dette gjorde ham også berømt. Malerier av Liechtenstein dukker stadig opp i listene over de dyreste maleriene.

Uten tittel, Cy Twombly - 69,6 millioner dollar

gazeta

Maleriet ble solgt på New York-auksjonen til auksjonshuset Christie's i 2014. Når et barn tegner dette, er det en skribleri. Men når en hyped artist gjør det, er det et mesterverk verdt å betale vanvittige penger for. Andre verk av Twombly er alle de samme skriblerier og er like uanstendig dyre.

"Black Fire" av Barnett Newman - 84,2 millioner dollar

bloomberg

Dette mesterverket ble solgt på Christie's i New York i 2014. Signatur Barnett Newman - vertikale linjer, som har kallenavnet "lyn".

Andre malerier av mesteren skiller seg fra det som er presentert ovenfor, kanskje bortsett fra i farger, men i bredden på disse lynene. Prisene på kunstnerens malerier stiger fra auksjon til auksjon.

«Orange, Red, Yellow» av Marco Rothko – 86,9 millioner dollar

Eller bare en objektiv bekreftelse på at originalene til disse "mesterverkene" i virkeligheten bare er en publisert daub, som rett og slett er lett å kopiere?

Nedleggelsen av Senter for visuell kultur ved Mohyla-akademiet førte ikke bare til en skarp strid i samfunnet. Men det fikk meg også til å tenke på hva alt som tilbys under dekke av kunstverk egentlig er.

Skandale i kunstneriske kretser i USA! Dusinvis av malerier som ble ansett som nylig funnet mesterverk av abstrakt maleri viste seg å være forfalskninger. Hva er det - en fatal feil av eksperter eller et utrolig talent for svindlere? Eller bare en objektiv bekreftelse på at originalene til disse "mesterverkene" i virkeligheten bare er en publisert daub, som rett og slett er lett å kopiere?

For nesten 17 år siden gikk en lite kjent kunsthandler fra Long Island (New York) Glafira Rosales inn i de luksuriøse lokalene til Knoedler & Companys galleri, med et maleri som ifølge henne ble malt av kunstneren Mark Rothko (en ledende representant) av kunstretningen). .n abstrakt ekspresjonisme - ca.).

Hun viste en liten tavle med to mørke skyer på en blek ferskenbakgrunn til Ann Friedman, den nye presidenten for Knoedler, New Yorks eldste kunstgalleri.

"Umiddelbart, ved første øyekast, interesserte dette arbeidet meg," husket fru Friedman senere. Hun var så lidenskapelig at hun endte opp med å skaffe seg jobben for seg selv.

I løpet av de neste ti årene besøkte fru Rosales herskapshuset Knoedler Gallery med sitt overdådig dekorerte tak, og bar verk av kjente modernistiske kunstnere som Jackson Pollock, Willem de Kooning og Robert Motherwell.

Alle dukket først opp på markedet. Alle, sa hun, tilhørte en samler som fru Rosales nektet å navngi.

Maleriene ble entusiastisk mottatt av både Knoedler Gallery og Ann Friedman: minst tjue verk ble videresolgt, hvorav ett solgt for 17 millioner dollar.

I dag kaller en rekke eksperter disse verkene for forfalskning. En ble offisielt stemplet som «falsk» ved en rettskjennelse, mens andre etterforskes av FBI. Knoedler Gallery, etter 165 år i bransjen, har stengt dørene og saksøker en klient som kjøpte et av Rosales sine malerier (galleriet sier at nedleggelsen var en forretningsavgjørelse knyttet til søksmålet). Fru Friedman, som fortsatt hevder at maleriene er ekte, dukker også opp i denne rettssaken.

Det har vært få hendelser de siste årene som har rystet kunstmarkedet som denne mystiske historien om hvordan en obskur kunsthandler var i stand til å oppdage en svimlende mengde obskure maleriskatter skapt av den abstrakte ekspresjonismens titaner. Hver av de mulige forklaringene bærer byrden av usannsynlighet.

Hvis maleriene er ekte, hvorfor inneholder da malingen på noen av dem pigmenter som ennå ikke var oppfunnet på det tidspunktet de ble laget?

Hvis de er falske, hvem er da disse overnaturlig talentfulle forfalsknerne som var i stand til å villede ekspertene?

Og hvis maleriene er ekte, men stjålet, hvorfor kom ikke eierne deres frem etter at historien ble offentlig?

Dessverre nekter den eneste personen som kunne løse dette mysteriet, Rosales, å snakke, i det minste offentlig. Noen få detaljer ble imidlertid «lekket» fra rettsdokumenter og intervjuer med andre deltakere i denne saken. Og de er nok til å beskrive hva som skjedde.

Dame Rosales, 55, en karismatisk og utdannet kvinne av meksikansk opprinnelse, og hennes mann, Jose Carlos Bergantinos Diaz, opprinnelig fra Spania, drev en gang et lite galleri, King Fine Arts, som ligger på Manhattan i West 19th Street. Paret, som hadde kontoer på toppauksjoner Sotheby's og Christie's, sa i rettsvitneforklaringer at de eide eller solgte malerier av kjente kunstnere, inkludert Andy Warhol, som Bergantinos beskrev som en venn.

Basert på disse dataene virker det merkelig at Rosales tok kontakt med mellommenn som Knoedler Gallery, hvis oppdrag "biter av en bit" i hennes egne oppdrag. Noe av svaret på dette kan ligge i avstanden mellom Rosales og Friedmans status i kunstverdenen.

Høy, veldig tynn og veldig selvsikker, drev fru Friedman et av de mest respekterte galleriene i USA. Hun møtte til frokost med eksklusive samlere, kjøpere som uten å vippe et øyelokk la ut flere millioner for et maleri. Hun og mannen hennes, eiendomsforretningsmannen Robert Friedman, var selv samlere.

De to kvinnene ble introdusert av gallerimedarbeider Jaime Andrade, som krysset veier med fru Rosales på et cocktailparty. I følge Ann Friedman fortalte Rosales henne først at hun representerte interessene til vennen sin, som eier eiendommer i Mexico City og Zürich, og hvis navn hun forpliktet seg til å holde hemmelig. Dette overrasket ingen, forklarte Friedman, private samlere foretrekker ofte å være anonyme. Men over tid dukket det opp flere detaljer om eieren. Rosales fortalte henne at hun hadde arvet maleriet fra faren, som samlet inn maleriene ved hjelp av David Herbert, en New York-forhandler som døde i 1995.

Herbert planla angivelig å lage et nytt galleri basert på disse verkene, som ville bli finansiert av eieren av samlingen. Men de to grunnleggerne flyktet, og til slutt havnet maleriene i kjelleren til samleren, hvor de ble oppbevart til hans død.

Rosales har et portrett av Herbert av Ellsworth Kelly, som nylig var en del av en utstilling på Brooklyn Museum. Det hun ikke har er noen registreringer av eierskap til de mer enn to dusin modernistiske maleriene hun har satt på markedet.

Å selge verk av en kjent kunstner uten bevis for herkomst er en sjelden situasjon. I håndteringen av udokumenterte malerier som i teorien, som en advokat sa, kunne ha blitt malt "i fru Rosales' garasje," sa Ann Friedman, fokuserte hun på det som virkelig var viktig - kvalitet, fungerer som sådan.

Og de var ekstraordinære, sa Friedman. Hun inviterte flere eksperter til å sjekke sine egne inntrykk av malerier av Rothko, Pollock, Barnett Newman, Clifford Stills og andre - lerreter levert av forhandleren Rosales. Claude Cernuchi, som er forfatteren av boken om Pollock, har autentisert det lille maleriet "Uten tittel, 1950" signert "J. Sei. National Gallery of Art, som har en kraftig samling av Rothkos verk på papir, sa at to av Rothkos malerier var ekte.

Før 2000 hadde fru Friedman selv kjøpt tre av Rosales forslag: Rothko fra deres første møte, Untitled 1959 for $200.000, Pollock for $300.000, og Motherwell for $20.000. "Hvis Ann Friedman var i tvil om disse verkene, ville hun og mannen hennes ikke ha investert hundretusenvis av dollar i dem," sa hennes advokat ved denne anledningen.

Skyer begynte å samle seg i 2003, da en toppleder i investeringsbanken Goldman Sachs ønsket å autentisere et (antatt) Pollock-maleri, Untitled 1949, som han kjøpte fra Knoedler Gallery. Han ga Cortin til International Foundation for Artistic Research, en uavhengig non-profit organisasjon. Og etter analysen nektet den anonyme kommisjonen å bekrefte ektheten til maleriet, og stilte spørsmålstegn ved dets stil og opprinnelse.

Kjøper krevde refusjon. Fru Friedman ga ham umiddelbart to millioner dollar og kjøpte selv det hvite, svarte og røde lerretet i samarbeid med galleriet og andre kanadiske teaterimpresario David Mirvish. Mr. Mirvish, selv en tidligere kunsthandler, sa at han ikke brydde seg om anonyme vurderinger (han og Knoedler investerte også i to andre verk av Pollock levert av Rosales).

Men estimater ble også hentet fra andre kilder. Mirvis brakte i 2006 kunstneren Frank Stella til galleriet, som var en samtid til de abstrakte ekspresjonistene. Etter å ha undersøkt flere lerreter som kom fra Rosales, sa Stella: "Hver av dem er for gode til å være ekte, men når du ser dem i en generell kontekst, som en gruppe, forstår du at de er ekte" - det er i hvert fall slik. handler om det. Samtalen ble vitnet i retten av Ann Friedman.

Mest imponerende er at Rosales-maleriene har blitt bekreftet på markedet. Friedman bekreftet at hun solgte 15 eller 16 verk totalt gjennom Knoedler Gallery, til sammen mellom $27 millioner og $37 millioner.

Det dyreste maleriet var "Untitled 1950", angivelig av Pollock, som ble kjøpt gjennom en mellommann i 2007 av en London-hedgefondsdirektør ved navn Pierre Lagrange. Galleriet hadde sammen med Mr. Mirvish kjøpt et maleri med et virvar av svarte, røde og hvite linjer på en lys sølvbakgrunn for 2 millioner dollar noen år tidligere. Lagrange betalte 17 millioner.

Dette er den ekte Pollock. Og så snart ekspertene ikke umiddelbart la merke til hvor mye disse linjene som er smurt på lerretet er overlegne linjene som er smurt på det forfalskede lerretet?

Noen dager etter avtalen med Lagrange, inviterte fru Friedman flere ansatte i den ideelle organisasjonen Daedalus Foundation, som Robert Motherwell opprettet for å beskytte modernitetens kunstneriske arv, til Knoedler Gallery. Hun ville at de skulle se hennes siste Motherwell.

Det var det syvende maleriet som kunsthandleren Rosales hadde solgt til enten Friedman eller en annen New York-forhandler, Julian Weisman, i løpet av åtte år. Maleriet, med store svarte streker og flekker spredt over lerretet, ser ut til å ha tilhørt Motherwells utmerkede serie kjent som de spanske elegiene. Stiftelsens ansatte har allerede sett flere av disse nye "elegiene" og anerkjent dem som ekte.

Men noen uker etter besøket til Knoedler Gallery, under et møte i stiftelsens komité, begynte noen av medlemmene å stille spørsmål ved ektheten til signaturene og stilen til de nyoppdagede «elegiene». Foundation-president Jack Flam sa at han snart fikk vite at andre verk "fra Rosales" tilskrevet Pollock og Richard Diebenkorn ble mottatt med skepsis.

Ikke alle i stiftelsen bestemte at de trengte å slå alarm. Joan Banach, Motherwells personlige assistent og en veteranansatt i stiftelsen, sa at Flam kom med ukvalifiserte påstander om malerienes autentisitet og dermed brøt stiftelsens malevurderingsprosedyrer. Hun saksøkte deretter stiftelsen og påsto at hun ble sparket på grunn av kritikk av Flem (stiftelsen benekter dette).

"Mer sannsynlig enn ikke," er hvordan fru Banach vurderte ektheten til Motherwell-maleriene, som Knoedler Gallery kjøpte gjennom Rosales, i rettsdokumentene.

Men formannen for stiftelsen, Jack Flam, var fast bestemt på å bevise at disse maleriene var forfalsket. Han hyret inn en privatdetektiv for å undersøke aktivitetene til Rosales og mannen hennes, og insisterte på en rekke rettsmedisinske undersøkelser.

På en kjølig januarkveld i 2009 møttes Flem og Friedman for å diskutere resultatene. De satte seg i feil sal hvor det hang to «elegier», hvorav den ene tilhørte fru Friedman. Rettsmedisineren konkluderte med at begge inneholdt pigmenter som ble oppfunnet ti år etter 1953 og 1955 – datoene som er angitt på lerretene.

Ann Friedman var uenig i disse funnene. Kunstnere fikk ofte nye pigmenter å eksperimentere med, allerede før de ble patentert og brakt på markedet. Men Daedalus Foundation stod på sitt: kunsthandleren Rosales ble senere bekreftet i rettsdokumenter å være "nøkkelpersonen som brakte til markedet en serie på syv falske "spanske elegier".

Striden om Motherwells malerier nådde snart FBI, som åpnet en etterforskning. Rosales 'advokat erkjente at hans klient var under etterforskning og la til at hun "aldri bevisst solgte malerier vel vitende om at de var falske."

Ann Friedman mottok en arrestordre fra FBI i september 2009, selv om advokaten hennes sier at FBI ikke anser henne for å være gjenstand for en etterforskning. Hun trakk seg fra galleriet måneden etter. Både Friedman og galleriet hevder at etterforskningen ikke hadde noe med oppsigelsen hennes å gjøre, noe som skyldtes Friedmans manglende vilje til å slå sammen Knoedler Gallery med et annet galleri.

Det var imidlertid mye vanskeligere å komme bort fra problemene med Rosales sine malerier. I fjor ble en av "elegiene" grunnlaget for en rettssak fra et irsk galleri som kjøpte dette maleriet og etter en skandale krevde tilbakebetalt 650 000 dollar til det.

Daedalus Foundation ble involvert i denne rettssaken fordi det, etter rettsmedisinske kontroller, var han som erklærte alle "elegiene" mottatt gjennom Rosales for å være falske. Inkludert de som han tidligere uformelt hadde anerkjent som autentiske – og blant dem var maleriet som ble solgt til irene.

Rettssaken ble avsluttet i oktober. Rosales gikk med på å betale mesteparten av maleriets kostnader og advokatsalærer, og selve maleriet, på forespørsel fra Daedalus Foundation, ble stemplet på baksiden med et "Fake" blekkstempel som ikke kunne fjernes. Daedalus erklærte en gang maleriet for å være ekte, og en annen gang at det var falskt. Til tross for dette hevder den andre siden, gjennom sine advokater, fortsatt at maleriet er ekte.

Noen uker senere ble et annet bilde årsaken til striden. Pierre Lagrange skulle skilles fra sin kone og de ønsket å selge Untitled 1950. Men auksjonene Sotheby's og Christie's nektet å håndtere dette maleriet på grunn av tvil om dets opprinnelse og dets fravær i hele katalogen over Pollocks verk. Lagrange krevde at Knoedler Gallery skulle ta maleriet tilbake, og beordret sin egen rettsmedisinske undersøkelse av lerretet.

29. november kom resultatene av analysen: de to gule pigmentene som ble brukt i maleriet ble ikke oppfunnet før etter Pollocks død i 1956. Konklusjonen ble sendt til Knoedler Gallery. Dagen etter kunngjorde hun nedleggelse.

I desember møttes Rosales og Friedman igjen – men denne gangen fant møtet sted i den føderale distriktsretten på Manhattan, hvor de ble innkalt etter søksmål fra Mr. Lagrange. Han ville ha tilbake 17 millioner.

Dette maleriet av Motherwell er nå permanent stemplet "forfalskning" på baksiden. Samtidig bekreftet det samme kunstfondet som insisterte på utseendet til dette merket, før det, ektheten til maleriet. Foto: Robert Caplin for The New York Times

De to kvinnene sa kort hei, hvoretter Rosales henvendte seg til det femte endringsforslaget til den amerikanske grunnloven, som gir en borger rett til ikke å inkriminere seg selv. Siden den gang har de ikke kommunisert, ifølge deres advokater.

Det er umulig å si nå om en domstol eller en kriminell etterforskning vil være i stand til å gi et overbevisende svar om mysteriet med disse verkene.

Ekthet er vanskelig å bekrefte. Pigmentdatering anses generelt som en pålitelig metode, men dette er ikke nødvendigvis det avgjørende argumentet. For eksempel har administrerende direktør Mark Golden i Golden Artist Colors, hvis far Sam skapte eksperimentelle malinger for kunstnere som Pollock, uttalt sin tro på at faren hans aldri laget de gule i det tvilsomme maleriet. Imidlertid bemerket han at individuelle bestanddeler av disse pigmentene eksisterte på slutten av 1940-tallet.

I straffesaker er grensen enda høyere. Aktoratet må bevise at Rosales' verk er falske – og det er når selv eksperter ikke er enige om dette. Og hvis de er falske, må myndighetene bevise at fru Rosales var involvert i svindel, og ikke ble villedet på samme måte.

I mellomtiden tar ikke maleriet i episenteret av den sivile saken, «Uten tittel 1950», en stor plass på veggen i Mr. Lagranges stue. Brettet på 15" x 28" har blitt foreldreløs i kunstverdenen og er i et slags kunsthelvete. Og han venter på at hun enten skal bli løftet til himmelen som et mesterverk, eller så vil de bli ærekrenket som en falsk.

Patricia Cohen, The New York Times

Oversettelse fra original til ukrainsk:TEKSTER , original"Egnet for saksøking" Av PATRICIA COHEN Publisert: 22. februar 2012

Nå for tiden er det mange rare mennesker som gir titalls millioner dollar for det som for en vanlig person som meg virker å være direkte skriblerier). Jeg foreslår i alle fall å bli kjent med de ti dyreste maleriene i verden for øyeblikket!

Noen vil like dem, noen vil ikke forstå slik kunst, men det faktum at det var folk som var klare til å gi mye penger for dem er et udiskutabelt faktum.

Altså nummer 10 på listen dyreste malerier vi har Gustav Klimts andre portrett av Adele Bloch-Bauer, solgt for 89,1 millioner dollar. Litt historie. I 1912 malte den østerrikske kunstneren Gustav Klimt et portrett av Adele Bloch-Bauer II - kona til Ferdinand Bloch-Bauer, en velstående industrimann på den tiden som sponset ulike typer kunst, inkludert Gustav Klimt selv) Adele Bloch-Bauer var eneste modellen som Klimt malte to ganger - hun dukker også opp i The First Portrait of Adele Bloch-Bauer. Tilsynelatende sponset Ferdinand artisten godt;)

9. plass - et selvportrett av Vincent van Gogh, som det ble betalt 90,1 millioner dollar for på auksjonen. Generelt likte dansken Van Gogh å male selvportretter - og alle sammen, sammen med de berømte "Solsikker", er populære og er hans mest kjente malerier. Totalt malte han mer enn 12 selvportretter fra 1886 til 1889.

På 8. plass - maleriet "Dora Maar med en kattunge" av Pablo Picasso, prisen for dette var 97 millioner dollar. Maleriet, malt i 1941, viser Picassos kroatiske elskerinne, Dora Maar, sittende på en stol, med en kattunge på skulderen (selv om det ser mer ut som om kattungen fortsatt går på stolryggen). Da jeg så dette bildet, skjønte jeg plutselig at Picassos kattunger ble best))

Den 7. plassen er igjen okkupert av et maleri av Van Gogh, bare denne gangen ikke et selvportrett) Kjøperen måtte betale 97,5 millioner dollar for maleriet "Irises", men det ser i det minste mer eller mindre ut som et maleri - jeg ville ikke angre på engang 10 dollar for dette! Dette er et av de første verkene til Van Gogh, skrevet av ham under oppholdet på sykehuset i St. Paul de Mousol i den franske provinsen Sanremo et år før hans død i 1890

På 6. linje - Picasso igjen) Det ser ut til at de bestemte seg for å "måle" med Van Gogh =) I alle fall, for maleriet av Pablo Picasso "Boy with a pipe" fra den personlige samlingen til John Hay Whitney på Sotheby's auksjon holdt i New York 5. mai 2004, ga 104,1 millioner dollar til en startpris på 70 millioner dollar. Imidlertid tror mange kunsthistorikere at en så skyhøy pris var mer sannsynlig å være forbundet med kunstnerens store navn enn med den faktiske historiske verdien av maleriet hans.

5. plass, så å si, ekvator på listen dyreste malerier, er okkupert av Pierre-August Renoir med maleriet «Ball at Montmartre». På salgstidspunktet var dette maleriet, sammen med Van Goghs «Portrait of Dr. Gachet», det dyreste maleriet som noen gang er solgt – og begge tilhørte den japanske industrimannen Saito. En interessant historie er knyttet til ham - faktum er at Saito testamenterte etter hans død (og det skjedde i 1991) for å kremere disse to maleriene med ham, noe som forårsaket en bølge av indignasjon rundt om i verden. Hans følgesvenner bestemte seg imidlertid for å gjøre noe annet, og stilt overfor trusselen om konkurs solgte de Renoir hos Sotheby's for 122,8 millioner dollar - kjøperen ønsket å være anonym, men det antas at maleriet nå er i Sveits.

På 4. plass - Van Gogh igjen, med det tidligere nevnte "Portrett av doktor Gachet". Faktisk er det to versjoner av dette maleriet, begge malt i 1890, i de siste månedene av kunstnerens liv – og i begge sitter legen ved bordet og hviler hodet på høyre hånd, men forskjellen mellom dem kan bli sett selv med det blotte øye. Dette maleriet ble solgt for 129,7 millioner dollar.

Vi nevnte allerede maleriet, som er på "bronse", tredje trinn på listen vår helt i begynnelsen - dette er "Første portrett av Adele Bloch-Bauer" av Gustav Klimt. Som du kan se, viste dette portrettet seg bedre og dyrere) Det ble malt i 1907 og ble ifølge informasjon fra spesialiserte kilder solgt i 2006 til eieren av New York-galleriet Neue Galerie Ronald Lauder for 135 millioner dollar, som gjort maleriet til det dyreste noensinne eller solgt på den tiden

På andre plass er en for meg helt uforståelig klatt kalt «Woman 3» av den abstrakte ekspresjonisten Willem de Kooning, selv om hvis du ser på kunstneren selv og på hans andre malerier, kan du i bunn og grunn si at dette er kronen på hans arbeid))) “Woman 3” er ett av seks malerier av kunstneren, der det sentrale temaet overraskende er en kvinne) Lerretet på 170 x 121 cm ble malt i 1953, og ble i november 2006 solgt av David Geffen til milliardær Stephen Cohen for 137,5 millioner dollar, noe som gjør det til det nest dyreste maleriet i verden som noen gang er solgt.

Så først på listen “De dyreste maleriene i verden” for øyeblikket er "No. 5, 1948", skrevet av Jackson Pollock, en amerikansk kunstner som ga et betydelig bidrag til den abstrakte ekspresjonismebevegelsen. Maleriet ble malt på en 2,5 x 1,2 meter fiberplate ved å påføre en liten mengde brune og gule sprut på toppen, noe som fikk maleriet til å se ut som et enormt reir. Dette Pollock-mesterverket ble solgt for rekordhøye 142,7 millioner dollar.

lifeglobe.net/entry/1228

Populær i kategorien: