Om kunstnere og deres arbeid. Sitater. Malerier og kunstnere (emne på engelsk) Vis forum hvordan kunstneren skildrer

Det viser seg at andre bilder er skjult under maleriene til noen kjente kunstnere. Noen ganger, hvis du ser nøye etter, er de synlige for det blotte øye. Men oftere blir de funnet av kunsthistorikere mens de studerer maleriene til kjente mestere eller restauratører som jobber med restaurering av malerier. I vår anmeldelse er det seks mest interessante tilfeller der malerier var fulle av skjulte bilder.

Når de svarer på spørsmålet om skjulte malerier, bemerker forskere at årsakene til deres utseende på kjente lerreter er forskjellige. Noen ganger likte kunstneren rett og slett ikke den originale versjonen, noen ganger måtte bildet tegnes om på grunn av opinionen, og det hendte også at kunstnerne befant seg i økonomisk nød, ikke hadde råd til å kjøpe et nytt lerret og brukte gamle til deres nye verk.

1. Byste av monarken i maleriet av Jean Auguste Ingres

På venstre side av maleriet av den franske nyklassisistiske kunstneren Ingres "Portrett av Jacques Marquet, Baron de Montbreton de Norvin" (1811-12), som forestiller politimesteren i Roma etter erobringen av byen av Napoleon, selv med med det blotte øye kan du se bysten av et barns hode. Det antas at dette er en byste av hodet til sønnen til Napoleon, som faren hans utropte til kongen av Roma. I 1814, da Napoleon endelig ble beseiret og abdisert, malte Ingres over maleriet av politiske grunner og malte et nytt på toppen av det.

2. Kvinne i Picassos "Gamle gitarist"

Pablo Picasso hadde en vanskelig periode i 1901-1904, da han ikke engang hadde penger til å kjøpe nye materialer til jobben. Han grunnet ofte gamle lerreter og brukte dem til å lage nye malerier. Et av de mest kjente eksemplene på pentimento i verkene til Picasso er maleriet "Den gamle gitaristen", der en malt kvinnefigur ble oppdaget.

Kunstkritikere har tidligere lagt merke til en uklar kontur bak gitaristens buede nakke, men først ved å belyse bildet med røntgenbilder avslørte de et gammelt bilde av en kvinne som mater et lite barn, og ved siden av dem står en okse og en sau.

3. Den skjeggete mannen i Picassos blå rom

Picassos maleri Det blå rommet, malt i 1901, inneholder også en hemmelighet som nylig ble avslørt ved infrarød optisk tomografi. Hvis du setter bildet vertikalt, blir en viss skjeggete mann med mange ringer på fingrene funnet under et lag med maling.

4. Skulderreim i John Singer Sargents «Portrait of Madame X»

"Portrait of Madame X", som er utstilt i Metropolitan Museum of Art, regnes som et stilikon på grunn av de enkle svarte klærne til damen som er avbildet på den, hennes staselige figur og hovmodige ansiktsuttrykk. Imidlertid ble dette portrettet på et tidspunkt ansett som en skandaløs fornærmelse mot anstendighet og hadde en svært negativ innvirkning på kunstnerens karriere i Europa.

Kvinnen i portrettet er den berømte parisiske sosialisten Virginie Gautreau. Den blekhet i huden hennes, som ble ansett som symbolet på skjønnhet på den tiden, førte til at en samtidskritiker beskrev Gautreaus hudtone som "kadaverøs". Denne effekten ble oppnådd ved bruk av arsen. Gautreau farget også håret med henna for større kontrast. For å understreke den uvanlige skjønnheten til Gautreau, avbildet Sargent henne i en svart kjole, hvor en av stroppene kokett falt over skulderen hennes.

Da portrettet først ble stilt ut på Paris-salongen, eksploderte publikum av indignasjon, da den halvt droppede skulderremmen ble funnet å være svært uanstendig. Som et resultat skrev Sargent om denne detaljen av kjolen, og løftet den over skulderen.

5. Kvinne ved vinduet

I National Gallery i London, i ferd med å restaurere et lerret fra 1500-tallet av en ukjent kunstner, ble det oppdaget en uvanlig «sminke». Det viste seg at blondinen på bildet faktisk er en brunette, og hårfargen hennes ble skrevet om av kunstneren over originalen. I dag er maleriet restaurert til sin opprinnelige tilstand og ligger i Nasjonalgalleriet.

6. Hval i Hendrick van Antonissens "Beach Scene"

Da dette nederlandske maleriet fra det syttende århundre ble donert til Fitzwilliam-museet, skildret det ganske enkelt en strandscene. Imidlertid har kunsthistorikere lurt på hvorfor maleriet skildrer en folkemengde som er samlet nær vannet uten noen åpenbar grunn. Etter restaurering, under et lag med maling, ble det oppdaget et bilde av en hval skylt i land. Hvalen antas å ha blitt malt over av estetiske årsaker på 1700- eller 1800-tallet.

Kunstkjennere vil være interessert i å lære om.

I dag presenterer vi for din oppmerksomhet tjue malerier som er verdt oppmerksomhet og anerkjennelse. Disse maleriene ble malt av kjente kunstnere, og de bør være kjent ikke bare av personen som er engasjert i kunst, men også av vanlige dødelige mennesker, siden kunst maler livet vårt, estetikk utdyper vårt syn på verden. Gi kunsten sin rette plass i livet ditt...

1. "Nattverden". Leonardo Da Vinci, 1495 - 1498

Monumentalt maleri av Leonardo da Vinci som viser scenen til Kristi siste måltid med disiplene hans. Opprettet i årene 1495-1498 i det dominikanske klosteret Santa Maria delle Grazie i Milano.

Maleriet ble bestilt av Leonardo fra hans beskytter, hertug Lodovico Sforza og kona Beatrice d'Este. Våpenskjoldet til Sforza er malt på lunettene over maleriet, dannet av et tak med tre buer. Maleriet ble påbegynt i 1495 og fullført i 1498; arbeidet var periodisk. Datoen for påbegynt arbeid er ikke nøyaktig, fordi "klosterets arkiver ble ødelagt, og en ubetydelig del av dokumentene som vi har datert 1497, da maleriet var nesten ferdig."

Maleriet ble en milepæl i renessansens historie: den korrekt gjengitte perspektivdybden endret retningen for utviklingen av vestlig maleri.

Det antas at mange hemmeligheter og hint er skjult i dette bildet - for eksempel er det en antagelse om at bildene av Jesus og Judas er avskrevet fra én person. Da Da Vinci malte bildet, i sin visjon, personifiserte Jesus godhet, mens Judas var ren ondskap. Og da mesteren fant "sin Judas" (en fylliker fra gaten), viste det seg at, ifølge historikere, hadde denne fyllikeren fungert som en prototype for å male bildet av Jesus noen år før. Dermed kan vi si at dette bildet fanget en person i forskjellige perioder av livet hans.

2. "Solsikker". Vincent van Gogh, 1887

Navn på to sykluser med malerier av den nederlandske kunstneren Vincent van Gogh. Den første serien ble laget i Paris i 1887. Den er dedikert til liggende blomster. Den andre serien ble fullført et år senere, i Arles. Hun skildrer en bukett med solsikker i en vase. To parisiske malerier ble anskaffet av van Goghs venn Paul Gauguin.

Kunstneren malte solsikker elleve ganger. De fire første maleriene ble laget i Paris i august-september 1887. Store snittblomster ligger som noen rare skapninger som dør foran øynene våre.

3. "Den niende bølgen". Ivan Konstantinovich Aivazovsky?, 1850.

Et av de mest kjente maleriene av den russiske marinemaleren Ivan Aivazovsky oppbevares i det russiske museet.

Maleren skildrer havet etter den sterkeste nattstormen og mennesker som ble forliste. Solstrålene lyser opp de enorme bølgene. Den største av dem - den niende akselen - er klar til å falle på folk som prøver å rømme på vraket av masten.

Til tross for at skipet er ødelagt og bare masten gjenstår, er menneskene på masten i live og fortsetter å kjempe mot elementene. De varme tonene i bildet gjør havet ikke så hardt og gir seeren håp om at folk blir reddet.

Maleriet "The Ninth Wave" ble opprettet i 1850 og ble umiddelbart den mest kjente av alle marinaene hans og ble kjøpt opp av Nicholas I.

4. "Naken Maja". Francisco Goya, 1797-1800

Maleri av den spanske kunstneren Francisco Goya, malt rundt 1797-1800. Sammen med maleriet "Maja kledd" (La maja vestida). Maleriene viser maja - en spansk bykvinne fra 1700- og 1800-tallet, en av kunstnerens favorittobjekter i bildet. Maja Nude er et av de tidlige verkene i vestlig kunst som skildrer en fullstendig naken kvinne uten mytologiske eller negative konnotasjoner.

5. "Flight of lovers." Marc Chagall, 1914-1918

Arbeidet med maleriet "Above the City" begynte i 1914, og mesteren la siste finpussen først i 1918. I løpet av denne tiden ble Bella fra en elsket, ikke bare til en elsket ektefelle, men også moren til deres datter Ida, og ble for alltid malerens hovedmuse. Foreningen av en rik datter av en arvelig gullsmed og en enkel jødisk ungdom, hvis far levde ved å losse sild, kan bare kalles en misallianse, men kjærligheten var sterkere og overvant alle konvensjoner. Det var denne kjærligheten som inspirerte dem, og løftet dem til himmelen.

Karina skildrer Chagalls to kjærligheter på en gang - Bella og kjære Vitebsk. Gatene er presentert i form av hus, adskilt av et høyt mørkt gjerde. Betrakteren vil ikke umiddelbart legge merke til en geit som beiter til venstre for midten av bildet, og en enkel mann med buksene nede i forgrunnen - en humor fra maleren som bryter ut av den generelle konteksten og den romantiske stemningen i verket, men dette er hele Chagall ...

6. "Ansiktet til krigen." Salvador Dali, 1940

Maleri av den spanske kunstneren Salvador Dali, malt i 1940.

Maleriet ble til på vei til USA. Imponert over tragedien som brøt ut i verden, politikernes blodtørstighet, starter skipsføreren arbeidet på skipet. Ligger i Boijmans-van Beuningen-museet i Rotterdam.

Etter å ha mistet alt håp om et normalt liv i Europa, forlater artisten sitt elskede Paris til Amerika. Krig dekker den gamle verden og søker å ta over resten av verden. Mesteren vet ennå ikke at å bo i den nye verden i åtte år vil gjøre ham virkelig berømt, og verkene hans - mesterverk av verdenskunst.

7. "Skrik". Edvard Munch, 1893

Skriket (norsk Skrik) er en serie malerier laget mellom 1893 og 1910 av den norske ekspresjonistiske maleren Edvard Munch. De skildrer en menneskeskikkelse som skriker i fortvilelse mot en blodrød himmel og en svært generalisert landskapsbakgrunn. I 1895 laget Munch et litografi om samme emne.

Den røde, brennhete himmelen dekket den kalde fjorden, som igjen gir opphav til en fantastisk skygge, som ligner på et slags sjømonster. Spenning forvrenger rommet, linjer bryter, farger stemmer ikke, perspektivet blir ødelagt.

Mange kritikere mener at plottet til bildet er frukten av en syk fantasi om en psykisk syk person. Noen ser i verket en forutanelse om en økologisk katastrofe, noen løser spørsmålet om hva slags mumie som inspirerte forfatteren til å gjøre dette arbeidet.

8. "Jente med perleørering." Jan Vermeer, 1665

Maleriet "Girl with a Pearl Earring" (nederlandsk. "Het meisje met de parel") ble skrevet rundt 1665. For tiden lagret i Mauritshuis-museet, Haag, Nederland, og er kjennetegnet til museet. Maleriet, med kallenavnet den nederlandske Mona Lisa, eller Mona Lisa of the North, er skrevet i Tronie-sjangeren.

Takket være 2003-filmen Girl with a Pearl Earring av Peter Webber, har et stort antall mennesker som er langt fra å male, lært om den fantastiske nederlandske kunstneren Jan Vermeer, så vel som hans mest kjente maleri, Girl with a Pearl Earring.

9. "Babels tårn". Pieter Brueghel, 1563

Berømt maleri av Pieter Brueghel. Kunstneren laget minst to malerier om dette emnet.

Maleriet er i Kunsthistorisches Museum, Wien.

Det er en historie i Bibelen om hvordan innbyggerne i Babylon prøvde å bygge et høyt tårn for å nå himmelen, men Gud fikk dem til å snakke forskjellige språk, sluttet å forstå hverandre, og tårnet forble uferdig.

10. "Algeriske kvinner." Pablo Picasso, 1955

"Women of Algeria" - en serie på 15 malerier laget av Picasso i 1954-1955 basert på maleriene til Eugene Delacroix; maleriene utmerker seg ved bokstavene tildelt av kunstneren fra A til O. "Versjon O" ble skrevet 14. februar 1955; i noen tid tilhørte den den berømte amerikanske kunstsamleren på 1900-tallet, Victor Ganz.

Pablo Picassos «Women of Algiers (versjon O)» ble solgt for 180 millioner dollar.

11. "Ny planet". Konstantin Yuon, 1921

Russisk sovjetisk maler, mester i landskap, teaterkunstner, kunstteoretiker. Akademiker ved Academy of Arts of the USSR. Folkets kunstner i USSR. Vinner av Stalinprisen av første grad. Medlem av CPSU siden 1951.

Dette fantastiske, laget i 1921 og ikke i det hele tatt karakteristisk for den realistiske kunstneren Yuon, maleriet "New Planet" er et av de lyseste verkene som legemliggjorde bildet av endringene som oktoberrevolusjonen ble i det andre tiåret av det 20. århundre. Et nytt system, en ny måte og en ny måte å tenke på det nyfødte sovjetiske samfunnet. Hva venter menneskeheten nå? Lys fremtid? Dette var ennå ikke tenkt på da, men det faktum at Sovjet-Russland og hele verden går inn i en æra av endring er åpenbart, det samme er den raske fødselen av en ny planet.

12. "Sistinske Madonna". Raphael Santi, 1754

Maleri av Raphael, som har vært i Old Masters Gallery i Dresden siden 1754. Tilhører de generelt anerkjente toppene i høyrenessansen.

Enormt i størrelse (265 × 196 cm, som størrelsen på maleriet er angitt i katalogen til Dresden Gallery) ble lerretet laget av Raphael for alteret til kirken til klosteret St. Sixtus i Piacenza, på oppdrag fra paven Julius II. Det er en hypotese om at maleriet ble malt i 1512-1513 til ære for seieren over franskmennene, som invaderte Lombardia under de italienske krigene, og den påfølgende innlemmelsen av Piacenza i pavestatene.

13. "Angrende Maria Magdalena". Titian (Tiziano Vecellio), malt rundt 1565

Et maleri malt rundt 1565 av den italienske kunstneren Titian Vecellio. Tilhører State Hermitage Museum i St. Petersburg. Noen ganger er opprettelsesdatoen gitt som "1560s".

Modellen til maleriet var Giulia Festina, som slo kunstneren med et sjokk av gyldent hår. Det ferdige lerretet imponerte stort hertugen av Gonzaga, og han bestemte seg for å bestille en kopi av det. Senere malte Titian, som endret bakgrunnen og poseringen til kvinnen, et par flere lignende verk.

14. Mona Lisa. Leonardo Da Vinci, 1503-1505

Portrett av fru Lisa del Giocondo, (ital. Riratto di Monna Lisa del Giocondo) - et maleri av Leonardo da Vinci, som ligger i Louvre (Paris, Frankrike), et av de mest kjente maleriene i verden, som antas å være et portrett av Lisa Gherardini, kona til en silkehandler fra Firenze, Francesco del Giocondo, malt rundt 1503-1505.

Ifølge en av de fremlagte versjonene er «Mona Lisa» et selvportrett av kunstneren.

15. "Morgen i en furuskog", Shishkin Ivan Ivanovich, 1889.

Maleri av russiske kunstnere Ivan Shishkin og Konstantin Savitsky. Savitsky malte bjørnene, men samleren Pavel Tretyakov slettet signaturen hans, så ett maleri er ofte oppført som forfatter.

Ideen til maleriet ble foreslått til Shishkin av Savitsky, som senere fungerte som medforfatter og avbildet figurene til unger. Disse bjørnene, med noen forskjeller i holdning og antall (først var det to av dem), vises i forberedende tegninger og skisser. Dyrene viste seg så bra for Savitsky at han til og med signerte maleriet sammen med Shishkin.

16. "Vi ventet ikke." Ilya Repin, 1884-1888

Maleri av den russiske kunstneren Ilya Repin (1844-1930), malt i 1884-1888. Det er en del av samlingen til State Tretyakov Gallery.

Maleriet som vises på den 12. vandreutstillingen er en del av en narrativ syklus dedikert til skjebnen til den russiske populistiske revolusjonæren.

17. Ball på Moulin de la Galette, Pierre-Auguste Renoir, 1876.

Maleri malt av den franske kunstneren Pierre-Auguste Renoir i 1876.

Stedet hvor maleriet er plassert er Musée d'Orsay. Moulin de la Galette er en rimelig taverna i Montmartre hvor studenter og arbeidende ungdom i Paris samlet seg.

18. Stjerneklar natt. Vincent van Gogh, 1889

De stjernernacht- et maleri av den nederlandske kunstneren Vincent van Gogh, skrevet i juni 1889, med utsikt over himmelen før daggry over en fiktiv by fra østvinduet til kunstnerens bolig i Saint-Remy-de-Provence. Siden 1941 har den blitt oppbevart på Museum of Modern Art i New York. Det regnes som et av Van Goghs beste verk og et av de mest betydningsfulle verkene innen vestlig maleri.

19. "Adams skapelse". Michelangelo, 1511.

Fresco av Michelangelo, malt rundt 1511. Fresken er den fjerde av ni sentrale komposisjoner i taket i Det sixtinske kapell.

The Creation of Adam er en av de mest fremragende veggmalerikomposisjonene i Det sixtinske kapell. I uendelig rom flyr Gud Fader, omgitt av vingeløse engler, med en flagrende hvit tunika. Høyre hånd strekkes ut mot Adams hånd og berører den nesten. Liggende på en grønn stein begynner Adams kropp gradvis å bevege seg, våkner til live. Hele komposisjonen er konsentrert om gesten av to hender. Guds hånd gir impulsen, og Adams hånd mottar den, og gir livsenergi til hele kroppen. Ved at hendene deres ikke berører, understreket Michelangelo umuligheten av å koble det guddommelige og det menneskelige. I Guds bilde råder, ifølge kunstneren, ikke et mirakuløst prinsipp, men en gigantisk kreativ energi. I bildet av Adam synger Michelangelo om styrken og skjønnheten til menneskekroppen. Faktisk er det ikke selve skapelsen av mennesket som dukker opp foran oss, men det øyeblikket det mottar en sjel, en lidenskapelig søken etter det guddommelige, en tørst etter kunnskap.

20. "Kyss på stjernehimmelen." Gustav Klimt, 1905-1907

Maleri av den østerrikske kunstneren Gustav Klimt, malt i 1907-1908. Lerretet tilhører perioden med Klimts verk, kalt "gylden", forfatterens siste verk i hans "gylne periode".

På en stein, på kanten av en blomstereng, i en gylden aura, står elskere helt nedsenket i hverandre, inngjerdet fra hele verden. På grunn av usikkerheten om stedet for hva som skjer, ser det ut til at paret som er avbildet på bildet beveger seg inn i en kosmisk tilstand som ikke er underlagt tid og rom, utover alle historiske og sosiale stereotypier og katastrofer. Fullstendig ensomhet og mannens ansikt vendt tilbake understreker bare inntrykket av isolasjon og løsrivelse i forhold til observatøren.

Kilde - Wikipedia, muzei-mira.com, say-hi.me

20 malerier som alle bør kjenne til (maleriets historie) oppdatert: 23. november 2016 av: nettsted

Gutter, vi legger sjelen vår i siden. Takk for det
for å oppdage denne skjønnheten. Takk for inspirasjon og gåsehud.
Bli med oss ​​kl Facebook Og I kontakt med

Høy kunst er en kompleks og uforståelig ting for mange. Renessansemaleri med sitt ideelle bilde tiltrekker seg mange beundrere, men det er ikke lett for alle å tro at verkene til Picasso og Kandinsky virkelig kan koste fantastiske penger. Overfloden av nakne mennesker i bildet er et annet mysterium, samt paradokset at gode malerier ikke trenger å være vakre.

nettsted Jeg lærte svarene på flere nysgjerrige spørsmål om maleri ved å se på verkene til kunstkritikere og kulturforskere.

1. Er det virkelig så dyrt å male?

Nå og da hører vi om de vanvittige summene som er lagt ut for dette eller det bildet. Men faktisk er slike penger partiet for svært få verk. De fleste artister har aldri sett enorme mengder penger. Kunsthistoriker Jonathan Binstock mener at det bare er rundt 40 forfattere i verden hvis malerier verdsettes med en sum med mange nuller.

Merker styrer kunst

Her er kanskje det mest slående eksemplet. Du har sikkert hørt om graffitikunstneren Banksy. Den akutte sosiale orienteringen til verkene og biografien, dekket med en glorie av mystikk, gjorde jobben sin. I dag er Banksy en kunstner hvis arbeid er verdsatt til flersifrede summer. Maleriet hans "Girl with a Balloon" ble solgt for £ 1,042 millioner Og hele verden begynte å snakke om at forestillingen skulle ødelegge den umiddelbart etter salget.

Banksy er en merkevare og merker selger godt. Dermed, Kostnaden for et maleri bestemmes i stor grad av berømmelsen til forfatteren.

Vellykket salg av ett maleri er nøkkelen til andres suksess

En kunstner kan være uheldig i lang tid, han vil vegetere i fattigdom og uklarhet, ute av stand til å selge arbeidet sitt med lønnsomhet. Men så snart han klarer å selge et av maleriene sine for mye penger, kan du være sikker på at prisen på de andre verkene hans skyter i været.

Sjeldenhet, knapphet, unikhet

Den nederlandske kunstneren Jan Vermeer kalles uvurderlig i dag. Ikke så mange malerier tilhører penselen hans - bare 36. Kunstneren skrev ganske sakte. Tapt i 1990, er nederlenderens maleri "Konsert" nå anslått til rundt 200 millioner dollar. Sjeldenhet og knapphet lerreter påvirker det faktum at prisene deres rett og slett er skyhøye.

Den legendariske Van Gogh er et supermerke. Det er få malerier av kunstneren, og det er åpenbart han vil ikke gjøre noe lenger. Hans arbeid er unikt.

For 10 år siden ble Malevichs Suprematist Composition solgt for 60 millioner dollar. Kanskje, hvis ikke for krisen, ville den ha solgt for 100 millioner dollar. Malerier av Malevich i private samlinger uten unntak, og når neste gang noe av denne klassen dukker opp på markedet er ukjent. Kanskje om 10 år, kanskje om 100.

Generelt er det åpenbart: kjøpere er klare til å betale fantastiske penger for ekstremt sjeldne varer.

Innovasjon er dyrt

Et av verkene til Richard Prince i retning av "kunstnerisk lån".

Maleri får funksjonen som et landemerke

I dag er nivået på kulturturisme økende, og maleriet utfører funksjonen attraksjoner. Turister stiller opp i timevis på kjente museer. Og for å erklære seg selv og kreve berømmelse i verdensklasse, må galleriet absolutt eie originalene til kjente og populære malere.

Kunstig opprettede sentre for kulturturisme vokser også, for eksempel i Midtøsten og i Kina. Nylig kongefamilien Qatar inngått en privat transaksjon for $ 250 millioner– alt for at landet skal ha et bilde Cezanne "Kortspillerne".

Når det er alt, begynner kunsten å trekke

I 2017 solgte milliardæren Dmitry Rybolovlev dette maleriet til Leonardo da Vinci for 450 millioner dollar. Nå er dette den dyreste avtalen i maleriets verden.

Når du har 4 hus og et G5-fly, hva annet er det å gjøre? Det gjenstår bare å investere i maling, for det er det en av de sterkeste valutaene».

Maleri av Georges Seurat "Canal at Gravelines, Great Fort Philippe".

Fragment av Michelangelos freske "Creation of Adam".

Selv de gamle grekerne trodde at den nakne kroppen er utrolig vakker.

I kunst, oftest nakenhet - det er et symbol. Et symbol på nytt liv, oppriktighet, hjelpeløsheten til et levende vesen, samt liv og død.

Dessuten er det ingenting som forårsaker så sterke følelser betrakteren, som nakenhet. Det kan være interesse, forlegenhet, skam eller beundring.

4. Hvorfor er alt så flatt og generelt urealistisk?

Maleri av den tsjekkiske kunstneren Bohumil Kubishta "The Hypnotist".

Kanskje en av de vanligste anklagene mot moderne mestere høres slik ut: kunstnere har glemt hvordan de synes å formidle virkeligheten. Derav misforståelsen om at objekter ser flate ut.

Men la oss se for eksempel på lerretene kubister. De bryter perspektivet, men skildrer objekter samtidig fra ulike vinkler og selv til forskjellige tider. Derfor kan det ikke sies at bildet på lerretet er todimensjonalt.

Det er ikke lenger nødvendig å tegne "ser ut" - et fotografi kan gjøre dette. Derfor er det nødvendig å se etter et svar på spørsmålet om hvorfor kunstneren i dette eller det bildet skildret virkeligheten som flat, det er nødvendig i selve forfatterens idé. Ved å fjerne noen detaljer i bildet, fokuserer kunstneren på andre. Ved å forenkle bildet gjør han det mer uttrykksfullt.Kunstnerne av naivt maleri hadde ikke akademisk utdannelse. Pirosmani og Rousseau var bare selvlærte, men maleriene deres tiltrakk seg de som allerede hadde sett alt og som var lei av tradisjonelt maleri. Slike bilder var som et pust av livgivende enkelhet.

Men profesjonelt avantgardekunstnere fra 1800- og 1900-tallet hadde en kunstutdanning bak seg og en sterk base. De kunne skrive hvilken som helst måte men på et tidspunkt bestemte seg for å gjøre det på denne måten etterligner primitivistene. Som de sier, dette var meningen, fordi dette er en helt ny (og derfor interessant for de som er lei av den gamle) måten å påvirke seeren på.

Kunstnere ville ha gjort en kjempejobb med et maleri i den akademiske klassisismens ånd, og derfor var det kjedelig for dem. Unge Picasso malte rørende og ganske realistiske portretter. Men en moden kunstner har valgt for seg selv en vei som sjokkerer, styrker øyet, noe som bidrar til å demonstrere en kul koloristisk teft og formsans.

Mening: å si at bilder absolutt må være vakre er det samme som å si at ekte kino kun er en romantisk komedie eller et melodrama med en lykkelig slutt. Og psykologiske dramaer, actionfilmer, thrillere - dette er ikke en film i det hele tatt. Enig, det er logikk i dette.

Kunst (inkludert maleri) må snakke sin tids språk. Og for å nyte et hvilket som helst bilde, selv et realistisk, må du vite hva som er avbildet på det. På utstillinger leser vi vanligvis bildetekstene til lerretene og bruker til og med lydguiden.

Hvilket maleri er nær deg?

Malerier og malere

Kunst har alltid vært en måte å forstå verden på og uttrykke følelser og følelser. Det finnes mange forskjellige former for kunst og maleri er bare en av dem.
Horace sa at et "bilde er et dikt uten ord", og det er faktisk slik. Gjennom århundrene har mange teknikker utviklet seg for å tillate kunstnere å forvandle følelsene sine til bilder på lerret.
Russiske malere representerer russisk kunst som på mange måter er unik og alltid har imponert mennesker over hele verden. Det stammer fra de verdenskjente ikonmalerne, den mest kjente av dem er Andrey Rublyov.
Mange russiske malere priser skjønnheten i den russiske naturen i sine verk. Ivan Shishkin er spesielt kjent med sine lerreter som representerer russisk skog (f.eks. "Morning in the Pine Forest") mens Isaac Levitan hentet inspirasjon fra den russiske høsten.
Peredvizhniki inkluderte kunstnere fra 1800-tallet. En av dem var Ilya Repin som er en kunstner som feirer for sine store lerreter som "Ivan the Terrible and his Son Ivan" eller "Barge Haulers on the Volga". Victor Vasnetsov valgte den folkelige russiske stilen for sine "Bogatyrs", og Mikhail Vrubel er kjent for originalitet i tankene. Hans "Demon" er frukten av hans fantastiske fantasi.
Ivan Aivazovsky fikk en verdensomspennende berømmelse av sine romantiske malerier som representerer havet. «Den niende bølgen» er et mesterverk som avslører skjønnheten til det mektige havet på en stormfull dag.
Russisk kunst er utstilt i Statens russiske museum i Saint-Petersburg. Og i avdelingen for engelsk kunst i Hermitage kan du nyte noen av de britiske malernes mesterverk.
En av de mest kjente av dem er John Constable - en engelsk romantisk maler som hovedsakelig er kjent for sine landskapsmalerier av Dedham Vale, et område nær huset hans i Suffolk som nå er kjent som "Constable Country".
William Turner var en landskapskunstner hvis stil kan sies å ha lagt grunnlaget for impresjonismen.
William Hogarth er kjent ikke bare for portrettene sine, men også for serien av malerier med satiriske detaljer som karakteriserer det engelske høysamfunnet på 1740-tallet.
Thomas Gainsborough er en av de mest kjente portrett- og landskapsmalerne i Storbritannia fra 1700-tallet. I National Gallery, London, kan du se det fargerike maleriet «Mr. og Mrs. Andrews" som er en kombinasjon av familieportrett og landskap, og mørkt portrett av "Mr and Mrs William Hal-lett" som eksemplifiserer Gainsboroughs modne stil.
William Blake er en engelsk poet og maler. Stort sett ukjent i løpet av hans levetid i dag, blir verkene hans ansett som viktige i historien til både poesi og billedkunst. Maleriene hans kan virke veldig uvanlige og fantastiske. For eksempel skildret han Isaac Newton som et guddommelig geometer.

Malerier og kunstnere

Kunst har alltid vært en måte å forstå verden på og uttrykke følelser og følelser. Det finnes mange former for kunst, og maleri er bare en av dem.
Horace sa at "et bilde er et vers, bare uten ord", og det er faktisk slik. Gjennom århundrene har det blitt utviklet forskjellige teknikker som lar kunstnere gjøre sine følelser om til bilder på lerret.
Russiske kunstnere representerer russisk kunst, som er unik på mange måter og alltid har forbløffet mennesker over hele verden. Det stammer fra verdensberømte ikonmalere, den mest kjente er Andrey Rublev.
Mange russiske kunstnere synger om skjønnheten i russisk natur i verkene sine. Ivan Shishkin er spesielt kjent for sine russiske skogsmalerier, som Morning in a Pine Forest, mens Isaac Levitan hentet inspirasjon fra russisk høst.
The Wanderers inkluderte kunstnere fra 1800-tallet. En av dem var Ilya Repin - en kunstner kjent for sine store lerreter, som "Ivan the Terrible and his son Ivan" eller "Barge Haulers on the Volga". Viktor Vasnetsov valgte den russisk-folkestilen for sine Bogatyrs. Mikhail Vrubel er kjent for sin originalitet. Hans "Demon" er et oppdikt av fantastisk fantasi.
Ivan Aivazovsky fikk verdensberømmelse for sin romantiske skildring av havet. The Ninth Wave er et mesterverk som avslører skjønnheten til sjøkraft i en storm.
Russisk kunst er representert i Statens russiske museum i St. Petersburg. Og i Institutt for engelsk kunst i Hermitage kan du nyte noen av mesterverkene til britiske kunstnere.
En av de mest kjente av disse er John Constable, en engelsk romantisk maler som hovedsakelig er kjent for sine landskaper i Dedham Vale, området nær hjemmet hans i Suffolk, som i dag er kjent som Constable's Land.
William Turner var en landskapsmaler, vi kan si at stilen hans la grunnlaget for impresjonisme.
William Hogarth er kjent ikke bare for sine portretter, men også for en serie malerier med satiriske detaljer som preger det engelske høysamfunnet på 1740-tallet.
Thomas Gainsborough er en av de mest kjente portrett- og landskapsmalerne i Storbritannia på 1700-tallet. I National Gallery i London kan du se den fargerike Mr and Mrs Andrews, som er en kombinasjon av familieportrett og landskap, og den mørke Mr and Mrs William Hallett, som eksemplifiserer Gainsboroughs mer modne stil.
William Blake er en engelsk poet og maler. Ukjent i løpet av hans levetid, regnes hans verk i dag som viktig i historien til både poesi og billedkunst. Maleriene hans kan virke uvanlige og fantastiske. For eksempel skildret han Isaac Newton som et guddommelig geometer.

Ordforråd:

lerret - lerret, lerret
feiring - berømt
skildre - skildre
hente inspirasjon - motta inspirasjon
guddommelig - guddommelig
fremkalle - forårsake, vekke (følelser)
eksemplifisere - tjene som eksempel
folk - folk
fantasiens frukt - fantasiens frukt
Horace - Horace
landskap - landskap
landskapskunstner - landskapsmaler
legge grunnlaget (for) - legge grunnlaget, starte
mesterverk
moden - moden
mektig - mektig, mektig
bemerket - bemerkelsesverdig, berømt
opphav - opphav
ros - ros
dominere - å dominere
kjent - kjent
avsløre - åpne, avsløre
ukjent - ukjent
visuell kunst - kunst
verdenskjent - verdenskjent

Svar på spørsmålene
l.Hva sa Horace om malerier? Hvordan forstår du ordene hans?
2. Hvem er Andrey Rublyov? Hva er han kjent for?
3. Hvilke russiske kunstnere berømmet naturens skjønnhet?
4. Hvilke artister kalles The Peredvizhniki?
5. Hvilke malerier av Ilya Repin kjenner du til?
6. Hva er Ivan Aivazovsky kjent for?
7. På hvilke museer kan du se malerier av russiske kunstnere?
8. På hvilke museer kan du se malerier av britiske kunstnere?
9. Hva er "Constable Country"? Hvorfor heter det slik?
10. Hvem sin stil har lagt grunnlaget for impresjonismen?
11. Hvilken maler var også kjent for satirisk fremstilling av høysamfunnet?
12. Hva er Thomas Gainsborough kjent for?
13. Hva vet du om William Blake?
14. Hva er favorittartistene dine og hvorfor?

Store kunstnere signerte ikke bare maleriene sine på en feiende måte, men malte også skjulte selvportretter på sine kreasjoner. Noen var så sofistikerte at de avbildet seg selv i en karaffel med vin, andre bare malte seg selv i mengden, og en av dem malte til og med seg selv i en kvinnelig form.

Bacchus av Michelangelo Merisi da Caravaggio

Maleriet "Bacchus", skrevet i 1595 av Michelangelo Merisi da Caravaggio, skildrer den eldgamle guden for vinproduksjon, inspirasjon og religiøs ekstase. En ung fyr med blader og druer i håret rekker sløvt frem et grunt glass vin til betrakteren, som om han inviterer ham til å bli med. Caravaggio, som skapte dette bildet, ønsket å komme vekk fra det idealiserte bildet av den gamle guden - for å senke Bacchus til bakken, avbildet kunstneren skitt under neglene, og plasserte også en tallerken med råtnende frukt ved siden av ham.

Men det evige temaet om det jordiske og det guddommelige er ikke det eneste som gjør dette bildet så bemerkelsesverdig. Etter å ha renset lerretet, ved hjelp av reflektografi, ble et selvportrett av Caravaggio funnet i refleksjonen på glasset til karaffelen, i nedre venstre hjørne. Kunstneren avbildet seg selv som arbeider ved et staffeli. Etter at lagene med støv ble fjernet, ble det også mulig å se refleksjonen av ansiktet til Bacchus på overflaten av vinen i bollen.

Adoration of the Magi av Sandro Botticelli

Maleriet "The Adoration of the Magi" av Sandro Botticelli ble skrevet omtrent i 1475 etter ordre fra den florentinske bankmannen Gaspare di Zanobe del Lama, et medlem av lauget for kunst og håndverk i byen Firenze. Opprettelsen av Botticelli var ment for begravelseskapellet i basilikaen Santa Maria Novella.

For mange kunsthistorikere er dette maleriet kjent for det faktum at det kan bli funnet bildet av en rekke historiske karakterer. For eksempel avbildet kunstneren sin klient til høyre i en blå kappe, peker på seg selv og så direkte på betrakteren. Den eldste av magiene, som knelte foran babyen, er Cosimo de' Medici, grunnlegger av dynastiet av herskerne i Firenze og bestefar til Lorenzo den storslåtte. Helt i sentrum, med ryggen til betrakteren, står en mann i røde klær, Pietro Medici, sønn av Cosimo og far til Lorenzo. Lorenzo den storslåtte selv er avbildet, ifølge kunsthistorikere, i profil, i en svart og rød kappe. Til venstre, i forgrunnen, med armene i kors på sverdets skaft, står Giuliano Medici, Lorenzos bror og kjæreste, jenta som poserte for Botticelli under skapelsen av maleriet "The Birth of Venus". Og til slutt, den unge mannen helt til høyre, som ser deg rett inn i øynene, er et selvportrett av Botticelli selv.

Maleriet kan sees i Firenze, i Uffizi-galleriet.

The Garden of Earthly Delights av Hieronymus Bosch

The Garden of Earthly Delights er en triptyk malt av den groteske mesteren Hieronymus Bosch (ekte navn Jeroen Antonison van Aken). Noen anser kunstneren som en surrealist fra 1400-tallet, andre er sikre på at Bosch var dettilhenger av katar-kjetteriet, og andre - at maleriene til maleren gjenspeiler middelalderens "esoteriske disipliner": astrologi, svart magi og alkymi. Hvert lerret er mettet med et stort antall symboler som er vanskelige for våre samtidige å telle.

Den venstre fløyen av triptyken viser Gud som representerer Eva for Adam i et fredfylt paradis. Midt i triptyken er scener fra Hagen med gleder, der mennesker og fantasidyr hengir seg til verdslige nytelser. Vel, på høyre side av bildet er komplekse torturmaskiner, monstre og seg selv, en kunstner med en kropp som ser ut som et skall, som smiler ondsinnet til alt dette helvete.

Maleriet oppbevares i Prado-museet i Madrid.

Den siste dommen av Michelangelo

Den siste dommen av Michelangelo er avbildet på alterveggen til Det sixtinske kapell i Vatikanet. Kunstneren arbeidet med fresken, hvis hovedtema var Kristi andre komme og apokalypsen, i fire år, fra 1537 til 1541. Kunstkritikere mener at dette arbeidet avsluttet renessansen og åpnet en ny periode med skuffelse i filosofien til antroposentrisk humanisme.

Ved Kristi føtter plasserte Michelangelo Bartholomew, som kan kjennes igjen på kniven i hånden. Han holder et flasset skinn som kunstneren ifølge kunsthistorikere malte selvportrettet hans på. Noen er sikre på at Bartholomew er veldig lik Pietro Aretino, fienden til Michelangelo, som fornærmet ham. Så kunstneren så sin forløsning. Andre mener at Michelangelo avbildet seg selv på en flasset hud som et tegn på at han ikke ønsket å fullføre fresken og utførte denne pavens ordre under spesiell tvang.

Fresken kan sees i Det sixtinske kapell, i Vatikanmuseet.

"Mona Lisa" av Leonardo da Vinci

Laget av Leonardo da Vinci, "Mona Lisa" er sannsynligvis det mest omtalte maleriet i hele verden. Den henger nå under ugjennomtrengelig glass i Louvre, og prydet en gang Napoleons bad. I denne skapelsen av da Vinci er det en hemmelighet som kunsthistorikere ikke kan løse på noen måte: noen antyder at Giocondas glis er smilet til en gravid kvinne som fanget bevegelsen til fosteret, andre at det er smilet til hennes elskede Leonardo Giacomo Salai, psykiatere ser schizofreni i Mona Lisas ansiktsuttrykk, og tannleger er sikre på at dette er smilet til en tannløs kvinne.

En annen hypotese er at den avbildede jenta med et smil— Leonardo da Vinci selv. En datamaskinsammenligning av de anatomiske trekkene i ansiktet til kunstneren og modellen viste at geometrisk samsvarer de perfekt.Du kan se selv ved å sammenligne Mona Lisa og da Vincis selvportrett, som kunstneren laget med rød blyant.

Maleriet er i Louvre, Paris.

"Skolen i Athen" Raphael Santi

Rafael Santi, skapte fresken "The School of Athens", som bare ikke avbildet på den: den nevnte Leonardo da Vinci i bildet av Platon, og Michelangelo i bildet av Heraclitus, og Sokrates, og Alexander den store. Santi glemte ikke å tegne seg ved siden av maleren Sodoma, som begynte arbeidet med fresken før ham. Det er mer enn 50 personer på bildet.

Hovedideen til fresken "School of Athens" er muligheten for harmonisk harmoni mellom ulike områder av filosofi og vitenskap. Dette konseptet er forresten en av humanistenes viktigste ideer. Raphael Santi, under hvelvene til Vatikanpalasset, skildret et i hovedsak ideelt samfunn av tenkere fra den klassiske epoken. I midten av komposisjonen er Aristoteles og Platon, som personifiserer gammel visdom og representerer to filosofiskoler.

Fresken er i Vatikanpalasset.

"Portrett av Arnolfinis" av Jan van Eyck

"Portrett av Arnolfinis" av Jan van Eyck er et annet renessansemaleri som er vanskelig å tolke - uenighet om hvem som er avbildet på det fortsetter til i dag. Den vanligste versjonen er at kunstneren malte kjøpmannen Giovanni di Nicolao Arnolfini og hans kone på lerretet, antagelig i huset deres i Brugge.

Men mest av alt i dette verket er vi ikke interessert i karakterene i forgrunnen, men hvem som er avbildet i speilet på veggen, som er plassert på den sentrale aksen av komposisjonen, rett over hendene til karakterene. Ser du godt etter, vil du se figurer bakfra i røde og blå dresser. Etter silhuettene av klærne å dømme er de en mann og en kvinne. Dessverre er funksjonene i ansiktene deres umulige å se. De fleste kunstkritikere er sikre på at inskripsjonen over speilet, som lyder «Jan van Eyck var her», direkte indikerer at en av dem som står på terskelen til rommet er kunstneren selv.

Maleriet er inneLondon National Gallery.