Eugene Ionesco kort biografi. Eugene ionesco
, Frankrike
Biografi
La Huchette teater
Eugene Ionesco insisterer på at han med sitt arbeid uttrykker et ekstremt tragisk verdensbilde. Hans skuespill advarer mot farene ved et samfunn der individer risikerer å bli medlemmer av hovfamilien (Rhinoceros, 1965), et samfunn der anonyme mordere streifer rundt (The Disinterested Killer, 1960), når alle hele tiden er omgitt av farene. av den virkelige og transcendente verden ("Air Pedestrian", 1963). «Eskatologi» til dramatikeren er et karakteristisk trekk i verdensbildet til «skremte pinsevenner», representanter for den intellektuelle, kreative delen av samfunnet, som endelig har kommet seg etter verdenskrigens vanskeligheter og omveltninger. Følelsen av forvirring, splittelse, den omkringliggende velnære likegyldigheten og følge dogmene om rasjonell humanistisk hensiktsmessighet, ga opphav til behovet for å få lekmannen ut av denne tilstanden av underdanig likegyldighet, tvunget til å forutsi nye problemer. Et slikt syn, sier Schwob-Felich, er født i overgangsperioder, «når livsfølelsen er rystet». Angstuttrykket som dukket opp i skuespillene til E. Ionesco ble ikke oppfattet som noe mer enn et innfall, et spill med vrangforestillinger og et ekstravagant, opprørende puslespill av originalen som falt i en refleksiv panikk. Verkene til Ionesco ble fjernet fra repertoaret. De to første komediene – «The Bald Singer» (1948, anti-skuespill) og «The Lesson» (1950) – ble imidlertid senere gjenopptatt på scenen, og siden 1957 har de kjørt hver kveld i mange år i en av de minste hallene i Paris - La Huchette. Etter hvert som tiden gikk, fant denne sjangeren forståelse, og ikke bare på tross av dens uvanlighet, men også gjennom scenemetaforens overbevisende integritet.
Han foreslår å vende seg til opprinnelsen til teaterkunsten. Det mest akseptable for ham er forestillingene til det gamle dukketeateret, som skaper usannsynlige, grovt karikerte bilder for å understreke det uhøflige, groteske i selve virkeligheten. Dramatikeren ser den eneste mulige veien for utviklingen av det nyeste teateret som en spesifikk sjanger, forskjellig fra litteraturen, nettopp i den hypertrofierte bruken av den primitive groteskes virkemidler, for å bringe metodene for betinget teatralsk overdrivelse til ekstreme, "grusomme" , "uutholdelige" former, i "paroksysmen" av det komiske og tragiske. Han har som mål å lage et «heftig, uhemmet» teater – «skrikteater», slik noen kritikere karakteriserer ham. Det bør samtidig bemerkes at E. Ionesco umiddelbart viste seg som en forfatter og kjenner av scenen med fremragende talent. Han er utstyrt med et utvilsomt talent for å gjøre alle teatralske situasjoner "synlige", "håndgripelige", med en ekstraordinær fantasikraft, noen ganger dyster, noen ganger i stand til å fremkalle homerisk latter med humor.
Bald Singer, Noctambule, 1950
Tidlige skuespill
E. Ionescos paradokslogikk forvandles til absurditetens logikk. Opprinnelig oppfattet som et underholdende spill, kunne det ligne det harmløse spillet til M. Cervantes «Two Talkers», hvis handlingen kompromissløst, med all dens utvikling, ikke involverte betrakteren i det deformerte rommet til Ultima Thule, et ødelagt system av kategorier. og en strøm av motstridende dommer, et liv fullstendig blottet for en åndelig vektor. For de som den utfoldende fantasmagoriaen er rettet til, gjenstår det bare, bevoktet av ironi, å beholde landemerkene til "vanlig selvbevissthet".
Den franske kritikeren Michel Corvin skriver:
Ionesco slår og ødelegger for å måle det som høres tomt ut, for å gjøre språk til gjenstand for et teater, nesten en karakter, for å få det til å le, for å fungere som en mekanisme, det vil si å puste galskap inn i de mest banale relasjoner, å ødelegge grunnlaget for det borgerlige samfunnet.
Reproduserbare karakterer, utstyrt med alle "realistiske" kvaliteter, blir bevisst karikert av fraværet av noen empirisk pålitelighet. Skuespillere forvandler stadig karakterene sine, endrer uforutsigbart deres måte og dynamikk i opptredenen, og beveger seg øyeblikkelig fra en tilstand til en annen. Semiramis i stykket "Stoler" (1951) fungerer enten som den gamle mannens kone, eller som hans mor. "Jeg er din kone, så moren din er det nå," sier hun til mannen sin, og den gamle mannen ("mann, soldat, marskalk i dette huset") klatrer opp i fanget hennes og klynker: "Jeg er foreldreløs, En foreldreløs ...". "Min baby, min foreldreløse, foreldreløse, foreldreløse," svarer Semiramida og kjærtegner ham. I teaterprogrammet for "Stoler" formulerte forfatteren ideen om stykket som følger: "Verden virker noen ganger for meg blottet for mening, virkelighet - uvirkelig. Det var denne følelsen av uvirkelighet ... jeg ønsket å formidle ved hjelp av karakterene mine som vandrer i kaos, uten noe annet i sjelen deres enn frykt, anger ... og bevisstheten om den absolutte tomheten i livene deres ... " .
Slike «transformasjoner» er karakteristiske for dramaturgien til E. Ionesco. Nå blir Madeleine, heltinnen i The Victim of Duty, oppfattet som en eldre kvinne som går nedover gaten med et barn, så deltar hun i letingen etter Mallo i labyrintene til bevisstheten til ektemannen Schubert, og presenterer ham som en guide og samtidig studerte ham som en ekstern tilskuer, proppet med anmeldelser av parisiske teaterkritikere, pisket Ionesco.
Politimannen som kom til Schuber får ham til å lete etter Malo, siden Schuber gjorde det klart at han var kjent med nettopp denne (eller andre) Malo. Den samme politimannen er knyttet til faren til Schuber, som personifiserer samvittigheten. Helten "reiser seg" i minnene hans, klatrer i en pyramide av stoler på bordet, faller; i pantomime går han ned i dypet av minnet sitt, og for å "lukke" hullene i den, tygger han utallige brødskiver ...
Jean-Paul Sartre karakteriserer arbeidet til Eugene Ionesco som følger:
Ionesco er født utenfor Frankrike og ser på språket vårt som på avstand. Han avslører i ham vanlige steder, rutine. Hvis vi starter fra The Bald Singer, så er det en veldig skarp idé om språkets absurditet, så mye at du ikke vil snakke mer. Karakterene hans snakker ikke, men imiterer sjargongens mekanisme på en grotesk måte, Ionesco "fra innsiden" ødelegger det franske språket, og etterlater bare utrop, interjeksjoner, forbannelser. Teateret hans er en drøm om språk.
I et av brevene fra 1957 forteller dramatikeren om veien til berømmelse: «Syv år har gått siden mitt første skuespill ble fremført i Paris. Det var en beskjeden suksess, en middelmådig skandale. Mitt andre stykke hadde en litt større fiasko, en litt større skandale. Det var først i 1952, i forbindelse med «Stolene», at begivenhetene begynte å ta en bredere vending. Hver kveld var det åtte personer i teatret som var svært misfornøyde med stykket, men støyen det forårsaket ble hørt av et betydelig større antall mennesker i Paris, over hele Frankrike, det nådde helt til den tyske grensen. Og etter utseendet til mitt tredje, fjerde, femte ... åttende skuespill, begynte ryktet om deres feil å spre seg med gigantiske skritt. Indignasjonen krysset Den engelske kanal ... Den krysset til Spania, Italia, spredte seg til Tyskland, flyttet på skip til England ... Jeg tror at hvis fiaskoen sprer seg på denne måten, vil den bli til en triumf "
Ofte er heltene til Eugene Ionesco ofre for generaliserte, illusoriske ideer, fanger av en ydmyk, lovlydig tjeneste til plikter, en byråkratisk maskin, utøvere av konforme funksjoner. Deres bevissthet er lemlestet av utdanning, standard pedagogiske ideer, kommersialisme og ukjendtlig moral. De isolerer seg fra virkeligheten med forbrukerstandardens illusoriske velvære.
Kan litteratur og teater virkelig fange den utrolige kompleksiteten i det virkelige liv... Vi lever gjennom et vilt mareritt: litteratur har aldri vært så mektig, gripende, intens som livet; og enda mer i dag. For å formidle livets grusomhet må litteraturen være tusen ganger grusommere, mer forferdelig.
Mer enn en gang i livet har jeg blitt truffet av en plutselig forandring... Ganske ofte begynner folk å bekjenne seg til en ny tro... Filosofer og journalister...begynner å snakke om et "virkelig historisk øyeblikk". Samtidig er du til stede ved den gradvise mutasjonen av tenkning. Når folk ikke lenger deler din mening, når det ikke lenger er mulig å være enig med dem, ser det ut til at du vender deg til monstre...
Liste over verk
Spiller
- The Bald Singer (La Cantatrice chauve), 1950
- Les hilsener, 1950
- "Leksjon" (La Leçon), 1951
- "Stoler" (Les Chaises), 1952
- Le Maitre, 1953
- Victimes du devoir, 1953
- La Jeune Fille à marier, 1953
- Amedée ou Comment s'en debarrasser, 1954
- Jacques ou la Soumission, 1955
- "Den nye leietakeren" (Le Nouveau Locataire), 1955
- Le Tableau, 1955
- L'Impromptu de l'Alma, 1956
- The Future is in Eggs (L'avenir est dans les Oeufs), 1957
- "The Disinterested Killer" (Tueur sans gages), 1959
- "Studie for fire" (Scène à quatre), 1959
- Apprendre a Marcher, 1960
- "Rhinoceros" (Rhinocéros), 1960
- Delirium Together (Délire à deux), 1962
- Kongen dør (Le roi se meurt), 1962
- Air Pedestrian (Le Piéton de l'air), 1963
- Tørst og sult (La Soif et la Faim), 1965
- "Gap" (La Lacune), 1966
- Jeux de massacre, 1970
- "Macbett" (Macbett), 1972
- "Reise blant de døde" (Le voyage chez les morts), 1980
- L'homme aux valises, 1975
- Voyage chez les morts, 1980
Essay, dagbok
- Nu, 1934
- Hugoliade, 1935
- La Tragedie du langage, 1958
- Experience du theatre, 1958
- Discours sur l'avant-garde, 1959
- Notes et contra-notes, 1962
- Journal en miettes, 1967
- Decouvertes, 1969
- Motgift, 1977
Tekster
- Elegii pentru fiinţe mici, 1931
Romaner, noveller og noveller
- La Vase, 1956
- Les Rhinoceros, 1957
- Le Piéton de l'air, 1961
- "Foto av obersten" (La Photo du oberst), 1962
- Le Solitaire, 1973
Artikler
- Har det absurde teater en fremtid? // Det absurde teater. Lør. artikler og publikasjoner. SPb., 2005. S. 191-195.
Notater
- Det tyske nasjonalbiblioteket, Berlins statsbibliotek, det bayerske statsbiblioteket, etc. Record #118555707 // General Regulatory Control (GND) - 2012-2016.
- BNF ID: Open Data Platform – 2011.
- Internet Broadway Database - 2000.
Da andre verdenskrig stilnet, begynte folk over hele verden å lure på hvordan det kunne vise seg at fascismen oppsto midt i det siviliserte Europa. Mest av alt var menneskeheten bekymret for spørsmålet om hvordan smarte, utdannede og snille mennesker tillot utryddelse av millioner av medborgere av den eneste grunn at de var av en annen opprinnelse.
Et av de første forsøkene på å forklare lignende bevegelser ble gjort av Eugène Ionesco. "Rhinos" (i en annen oversettelse "Rhinoceros") er et skuespill der han beskrev mekanismen for fremveksten av et fremmedfenomen i samfunnet, som gradvis blir normen.
Biografi om Eugene Ionesco
Dramatikeren ble født i Romania i 1909, ettersom faren var derfra, og moren var fransk. Siden barndommen snakket gutten flere språk, inkludert fransk. Med begynnelsen av første verdenskrig ble forholdet mellom guttens foreldre dårligere, og de brøt opp. Moren tok barna og dro til hjemlandet, i Frankrike.
Da Eugene Ionesco vokste opp, prøvde han å bo hos faren i Romania. Her gikk han inn på universitetet i Bucuresti, og planla å undervise i fransk. Men i 1938 vendte han tilbake til sin mors hjemland og ble i Paris for alltid.
Ionesco skrev sine første dikt i og i løpet av årene av sitt liv i Romania begynte han å glemme fransk, slik at han, da han kom tilbake til Frankrike, måtte lære seg sitt andre morsmål på nytt.
Å bli dramatiker
Selv mens han studerte i Bucuresti, så Eugene fremveksten av populariteten til profascistiske bevegelser. Men for dramatikeren selv virket denne entusiasmen til andre vill, og senere ble denne opplevelsen temaet for Rhinos og hans andre verk.
Tilbake til Paris skriver Ionescu en avhandling om Charles Baudelaire, og er også aktivt engasjert i å skrive sine egne verk. Ionesco var mest kjent for skuespillene sine, men han skrev også noveller og essays.
Som dramatiker debuterte Eugene i 1950 med stykket The Bald Singer, som han skrev under påvirkning av en engelsk selvinstruksjonsmanual. Det var dette verket som ble et klassisk eksempel på «det absurde teater» – den litterære retningen som Ionesco holdt seg til i sitt arbeid.
Eugene Ionesco døde i mars 1994. Blant den kreative arven til Ionescos skuespill var Rhinoceros, The Bald Singer, Chairs, The Disinterested Killer, Macbeth, Air Passage og andre de mest populære.
Opprinnelsen til stykket "Rhino" ("Rhinoceros")
Etter suksessen med sitt første skuespill, finpusset dramatikeren aktivt sin evne til å skrive i sjangeren absurditet og paradoks. Han avviste realismen til teateroppsetninger, mente at det var nødvendig å vende tilbake til opprinnelsen, da alle skuespillene var fulle av skjulte symboler og halvhint. På slutten av femtitallet, da Europa sakte kom seg etter krigen, begynte mange å tenke på årsakene til fascismens fremvekst, i frykt for en gjentakelse av en slik tragedie. Som en motstander av ethvert totalitært system siden studietiden i Romania, var Eugene Ionesco mer kjent med dette emnet enn noen annen. "Rhinoceros" ("Rhinoceros") - det var tittelen på hans nye skuespill, utgitt i 1959. Samme år ble den satt opp på Düsseldorf Theatre.
Eugene Ionesco "Rhinos": et sammendrag
Stykket består av tre akter. I den første, like ved kafeen på torget, setter to kamerater, Jean og Beranger seg. Jean irettesetter vennen sin, som tilsynelatende drakk mye i går og ennå ikke har hatt tid til å komme seg. Plutselig løper et neshorn forbi dem. Alle rundt er redde og diskuterer dette utenom det vanlige, og uttrykker sin indignasjon. Bare Berenger er likegyldig til alt, helt til den sjarmerende Daisy kommer inn på kafeen, som mannen er forelsket i. I mellomtiden leser Jean en moral for ham om den rette livsstilen, og til slutt går Béranger med på å vie kvelden til kulturell utvikling.
Plutselig høres et rumling og det viser seg at neshornet nettopp har knust katten til eieren. Alle krangler om hvor mange neshorn det var og hvordan de så ut. Berenger erklærer uventet at ingenting kunne sees i støvet som det løpende neshornet reiste. Jean fornærmer ham, fornærmer ham og drar. En frustrert mann bestiller en drink og bestemmer seg for å forlate det planlagte kulturprogrammet.
Andre akt av Ionescos skuespill «Neshornet» finner sted i Berangers tjeneste på kontoret.
Her diskuterer alle aktivt neshorn og den uforklarlige økningen i antallet. De krangler, krangler, uttrykker forskjellige meninger, helt til de innser at kollegaen Beth aldri dukket opp på jobb.
Snart kommer kona hans og forteller dem med gru om tapet av mannen sin, og etter henne kommer et gigantisk neshorn løpende. Plutselig gjenkjenner Madame ham som mannen hennes, og udyret svarer på kallet hennes. Sittende på ryggen hans drar hun hjem.
Daisy ringer brannmennene for å hjelpe kontorarbeiderne nede, ettersom neshornet Beth har ødelagt trappen. Det viser seg at det allerede er et stort antall neshorn i byen, og antallet vokser.
En av Dudars arbeidere foreslår at Berenger skal ta en drink sammen, men han nekter, da han bestemmer seg for å gå til Jean og slutte fred med ham.
Når han kommer til en venns leilighet, ser Berenger at han er uvel. Gradvis, nesten foran øynene til helten, blir vennen hans til et neshorn. En redd mann ringer naboen sin for å få hjelp, men han har allerede blitt et beist. Berenger ser ut av vinduet at mange neshorn allerede ødelegger benker i gaten. Livredd løper han til huset sitt.
Tredje akt av Eugene Ionescos skuespill The Rhinoceros finner sted i Bérangers leilighet.
Han føler seg syk, og kollegaen Dudar kommer til ham. Under samtalen ser det alltid ut til at Beranger blir til et neshorn. Dette skremmer ham fryktelig. Den besøkende beroliger imidlertid mannen og sier at dette er normalt, fordi neshorn er ganske søte, men litt ufine skapninger. Det viser seg at mange respekterte innbyggere i byen, spesielt Logic, lenge har blitt neshorn og føler seg bra. Béranger er forferdet over at en så edel og fornuftig borger skulle velge en slik vei.
I mellomtiden kommer Daisy løpende til leiligheten. Hun informerer mennene om at sjefen deres også har blitt et neshorn, for å holde tritt med dette nå fasjonable fenomenet. Béranger tenker på at neshorn på en eller annen måte kan isoleres fra mennesker for å stoppe befolkningsveksten, men gjestene overbeviser ham om at neshornsslektninger vil være imot det, så vel som dyrerettighetsaktivister.
Dudar er tydelig sympatisk med Daisy, men han er sjalu på henne for Beranger, så han forlater sine samtalepartnere og blir til et neshorn frivillig.
Daisy og Beranger, som er alene igjen, blir redde, da brølet fra dyr høres fra overalt, også på radio. Snart ombestemmer jenta seg, bestemmer seg for at neshorn er verdig respekt, og etter å ha fått et slag i ansiktet fra den indignerte Beranger, går hun inn i flokken.
Mannen blir stående alene, han grubler på om han trenger å være et neshorn. Som et resultat leter han etter en pistol, og forbereder seg på å forsvare seg til det siste.
Hovedpersonen i stykket er Beranger
All handlingen som foregår i Ionescos skuespill "Neshornet" er sentrert rundt Beranger.
På bakgrunn av andre respektable innbyggere i byen virker han som en utstøtt. Uryddig, usaklig, snakker ofte malplassert, de rundt ham, til og med Jeans beste venn. Ved å gjøre det gjør han absolutt ingen skade på noen, bortsett fra kanskje seg selv.
Etter hvert som handlingen utvikler seg, viser det seg imidlertid at Berangers hovedfeil kun er at han ikke streber etter å overholde allment aksepterte normer eller mote. Så når alle i kafeen er opptatt med å se på neshorn, tenker en mann på kjæresten sin. I tillegg prøver han ikke å lyve for å bli med på laget, og avslører ved et uhell andre i løgner.
I motsetning til de rasjonelle innbyggerne i byen, lever Berenger av følelser. Han er forelsket i Daisy og på grunn av henne legger han ikke merke til problemene rundt. I tillegg setter en mann som tydelig ser ut som en alkoholiker mye mer pris på vennskap enn Jean, som har rett i alle henseender. Tross alt, for å slutte fred med ham, nekter Berenger til og med å gå ut for å drikke.
En annen forskjell er følelsen av mindreverdighet. Når alt fortsatt er rolig i byen, ser helten ugunstig ut på bakgrunn av de rundt ham. Og når alle innbyggerne av ulike årsaker blir til dyr som nekter å bli et neshorn, føler Beranger seg igjen annerledes enn alle andre.
Eugene Ionesco "Rhinos": analyse
Hvis i dag stilen til stykket og ideene som er uttrykt i det ser vanlige ut, så var det noe nytt, som skilte seg ut på det tidspunktet det dukket opp på sekstitallet.
Dette ble tilrettelagt av det faktum at dette skuespillet inkluderte alle funksjonene i teateret til det absurde, som ble preget i denne retningen av Eugene Ionesco ("Rhinos"). Kritikere mottok stykket positivt, spesielt anså de dette verket som antifascistisk. Forfatteren selv reagerte imidlertid negativt på en slik tolkning av arbeidet hans, og hevdet at ideene hans var mye bredere, men alle står fritt til å tolke dem etter eget skjønn.
I sitt arbeid protesterte forfatteren aktivt mot alle totalitære ideer som gjør folk til en underdanig grå masse, og ødelegger individualitet.
I dette stykket spores tydelige trekk ved det absurde teateret som fornektelsen av realismen - alle hendelser virker fantastiske og meningsløse. Tilskuere og lesere forstår hva som skjedde, men hvorfor folk plutselig begynte å bli til neshorn (straff for synder, UFO-triks eller noe annet), er det ingen som vet.
Rasjonell, pragmatisk tenkning, som Ionesco anså som årsaken til alle problemer, blir også kritisert i stykket. Berangers eneste irrasjonelle karakter forblir immun mot en merkelig sykdom som gjør mennesker til neshorn.
Interessant nok beskrev Eugene Ionesco i sitt skuespill alle stadier av teknologien for å legalisere ethvert fenomen som er fremmed for samfunnet, som ble formulert og kalt Overton-vinduet først på nittitallet av det tjuende århundre. Ifølge henne kan enhver idé, selv den villeste, for eksempel kannibalisme, aksepteres av samfunnet som en norm, etter å ha gått gjennom seks stadier: utenkelig, radikal, akseptabel, rimelig, standard og normal.
Sceneskjebne til stykket
Etter sin storslåtte forestilling på Odeon-teatret i Paris i 1960, ble dramaet Rhinos satt opp i mange land i verden. Stykket ble i utgangspunktet oppfattet som antifascistisk, så på premieren var noen av karakterene kledd i tyske militæruniformer. Men med årene har oppfatningen hennes endret seg, og nye regissører har brukt andre teknikker for å formidle sin visjon.
Rhinoceros har blitt satt opp på de fleste av de mest kjente scenene i verden, og de største skuespillerne innen teater og kino har fått æren av å spille i dette stykket. For første gang ble rollen som Beranger spilt av den franske skuespilleren Jean-Louis Barrot. Senere ble denne karakteren spilt av så kjente artister som Viktor Avilov, Laurence Olivier, Benedict Cumberbatch og andre.
Skjebnen til neshornene i USSR
Etter å ha blitt et anerkjent anti-fascistisk verk, etter premieren, dukket Rhinos opp i USSR bare fem år senere. Stykket ble publisert i Foreign Literature. Men det ble snart forbudt, da ideene uttrykt i Rhinos kritiserte kommunismen og sosialismen. Dette hindret imidlertid ikke spredningen av stykket. Teksten hennes ble kopiert, trykket på nytt og sendt fra hånd til hånd. Og forbudet ga enestående popularitet til dette verket.
I 1982 ble stykket satt opp av et av Moskvas amatørteatre. Men nesten umiddelbart etter premieren ble forestillingen stengt, og de fikk ikke sette den opp før Perestroika. Etter at Gorbatsjov kom til makten, begynte imidlertid neshornene sin seirende marsj gjennom de beste stadiene av Sovjetunionen, og deretter Russland.
Sitater fra Rhinos
Et av de integrerte elementene i teateret til den absurde Ionesco betraktet som et ordspill. «Rhino» (sitater nedenfor) inneholdt mange verbale paradokser. For eksempel å tenke logikk om en katt.
Eller en liten dialog om barn:
– Jeg vil ikke ha barn. En slik kjedelig.
Hvordan skal du redde verden da?
"Hvorfor trenger du å redde ham?"
Også dype er tankene til heltene om sannheten: "Noen ganger gjør du ondskap ved et uhell, vil ikke ha det i det hele tatt, eller du oppmuntrer det utilsiktet."
Mer enn femti år etter premieren mister Ionescos stykke «Rhinos» fortsatt ikke sin relevans og settes opp på mange teatre rundt om i verden.
Eugene Ionesco
Skuespillere er ok
deres opptreden på scenen
Butikkeier
beranger
Servitør
Butikkeier
husmor
Logiker
gammel herremann
Kaféeier
Tusenfryd
Dudar
Bothar
Monsieur Papillon
Madame Beth
Brannmann
gammel mann- Monsieur Jean
Monsieur Jeans kone
Neshornhoder
Akt én
Natur
Plass i en provinsby. I dypet - et to-etasjes hus; i første etasje - et utstillingsvindu til en dagligvarebutikk. En glassdør leder inn til butikken, foran er en terskel på to eller tre trinn. "Grocery" vises med store bokstaver over displayet. I andre etasje - to vinduer, tilsynelatende, leiligheten til eierne av butikken. I det fjerne, over butikken, går tårnet i klokketårnet høyt opp i himmelen. Mellom butikken og venstre side av scenen går en smal gate i det fjerne. Til venstre, på skrå, er et kafévindu. Over kafeen er en annen etasje med ett vindu. På terrassen til kafeen skyves flere bord og stoler ut nesten til midten av scenen. I nærheten av bordene på fortauet står et tre grått av støv. Blå himmel, sterkt lys, veldig hvite vegger. Tid rundt middag, søndag ettermiddag, sommer. Jean og Berenger vil sitte ved et bord foran kafeen. Før teppet går opp, skal det høres bjeller; det vil avta noen sekunder etter at gardinen er hevet. I dette øyeblikket går en kvinne lydløst over scenen fra venstre til høyre; i den ene hånden har hun en tom kurv for produkter, med den andre trykker hun en katt, som hun bærer under armen. Når hun går forbi, åpner butikkeieren døren og følger henne med øynene.
Butikkeier. Her også! (Til mannen som er i butikken). Se så stolt du er! Ønsker ikke å kjøpe fra oss lenger.
Butikkmannen forsvinner gjennom døren. Scenen er tom i flere minutter. Jean dukker opp til venstre. Samtidig dukker Beranger opp til høyre. Jean er kledd pent, forsiktig - en brun dress, et rødt slips, en stivnet krage, en brun hatt, gule glitrende sko. Han har et rødlig ansikt. Béranger er ubarbert, uten lue, håret er ikke kjemmet, jakken og buksene er stygt krøllete - det generelle inntrykket er ustelt, han ser sliten ut, søvnig, han gjesper nå og da.
jean(går over scenen til høyre). Ah, du kom, Beranger!
beranger(går over scenen til venstre). Hei Jean.
jean. Selvfølgelig, som alltid, sent! (Ser på armbåndsuret). Vi ble enige om halv tolv. Og klokken er snart tolv.
beranger. Unnskyld meg. Venter du lenge?
jean. Nei, som du kan se, har nettopp kommet.
De går til bordene på terrassen til kafeen.
beranger. Vel, da føler jeg meg ikke så skyldig hvis... du selv...
jean. Jeg er en annen sak. Jeg liker ikke å vente, jeg kan ikke kaste bort tiden min. Jeg vet at du aldri møter opp i tide, og jeg utsatte bevisst med å komme når du er sikker på å være her.
beranger. Du har rett... du har helt rett, men likevel...
jean. Du kan ikke si at du kom i tide.
beranger. Selvfølgelig... det kan jeg ikke si.
Jean og Berenger setter seg ned.
jean. Her ser du.
beranger. Hva vil du drikke?
jean. Er du allerede tørst om morgenen?
beranger. Det er så varmt, alt er tørt...
jean. Smarte folk sier jo mer du drikker, jo mer vil du drikke...
beranger. Nå, hvis forskere hadde tenkt på å bringe kunstige skyer til himmelen, ville det ikke ha vært en slik tørke, og tørsten ville ikke vært så plagsom.
jean(ser på Beranger). Det ville ikke hjelpe deg. Du er ikke tørst etter vann, kjære Beranger...
beranger. Hva mener du med det, kjære Jean?
jean. Du forstår veldig godt. Jeg snakker om den uttørrede halsen din. Her er en bunnløs tønne! ..
beranger. Sammenligningen din synes jeg...
jean(avbryter). Du ser dårlig ut, min venn.
beranger. Dårlig? Du finner?
jean. Jeg er ikke blind. Du kan knapt stå på beina, igjen brukte du hele natten på å drikke; gjesper ustanselig, i ferd med å kollapse og sovne.
beranger. Hodet mitt gjør litt vondt.
jean. Du lukter alkohol!
beranger. Men etter i går føler jeg meg litt kvalm ...
jean. Og slik hver søndag og på hverdager også.
beranger. Vel, nei, ikke så ofte på hverdager, tjenesten ...
jean. Hvor er slipset ditt? Mistet under et slagsmål!
beranger(løper hånden over nakken). Sant, det er rart, hvor kan jeg plassere ham?
jean(trekker et slips opp av lommen). Kom igjen, ta den på.
beranger. Takk, jeg skylder deg mye. (Knyt et slips.)
jean(mens Béranger fikler med slipset). Hva skjer i hodet?
Berenger kjører en hånd gjennom håret.
Her er kammen din! (Ter frem en kam fra en annen lomme.)
beranger(tar en kam). Takk skal du ha. (Gamme håret på en eller annen måte).
jean. Ubarbert! Se hvordan du ser ut. (Ter et lite speil opp av innerlommen og gir det til Béranger, som ser på seg selv og stikker ut tungen.)
beranger. Tungen min er dekket over det hele.
jean(tar speilet fra hendene og legger det tilbake i lommen). Ikke så rart! .. (Beranger rekker ham en kam, Jean gjemmer den også i lomma). Du vil ende opp med skrumplever.
beranger(bekymret). Du tror det?..
jean(ser at Berenger er i ferd med å returnere slipset sitt). Overlat det til deg selv, jeg har mange av dem.
beranger(beundrende). Her er en omsorgsfull person!
jean(fortsetter å se på Beranger). Dressen din er helt rynket, den er skummel å se på, skjorten din er skitten, skoene dine...
Béranger prøver å gjemme beina under bordet.
Skoene er ikke polerte ... Så løssluppenhet! Og baksiden...
beranger. Hva er galt med ryggen min?
jean. Snu. Ja, snu. Du må ha lent deg mot veggen.
Béranger, forvirret, rekker ut hånden til Jean.
Nei, jeg bærer ikke børster. Ikke for å bule lommer.
Béranger klapper fortsatt forvirret på skuldrene og rister av seg krittet. Jean rekylerer tilbake.
ne) (1909–1994), fransk dramatiker, en av grunnleggerne av den estetiske bevegelsen absurdisme (det absurde teater). Medlem av det franske akademiet (1970).
Ionesco av opprinnelse er rumenere. Født 26. november 1909 i den rumenske byen Slatine. Foreldrene tok ham med til Frankrike i en tidlig alder, til han var 11 år gammel bodde han i den franske landsbyen La Chapelle-Anthenaise, den gang i Paris. Senere sa han at barndommens inntrykk av landsbylivet i stor grad gjenspeiles i arbeidet hans - som minner om et tapt paradis. Som 13-åring vendte han tilbake til Romania, til Bucuresti, og bodde der til han var 26 år gammel. I 1938 vendte han tilbake til Paris, hvor han bodde resten av livet.
Dannelsen av hans personlighet fant sted under tegnet av to kulturer - fransk og rumensk. Forholdet til språket var spesielt interessant. Etter å ha byttet til rumensk som tenåring (han skrev sine første dikt på rumensk), begynte han å glemme fransk - nemlig litterært, ikke dagligdags; lærte å skrive på den. Senere, i Paris, måtte fransk læres på nytt på nivå med faglitteratur. Senere bemerket J.-P. Sartre at det var denne opplevelsen som gjorde at Ionesco kunne betrakte det franske språket som på avstand, noe som ga ham muligheten til de mest vågale leksikalske eksperimenter.
Han studerte ved Universitetet i Bucuresti, studerte fransk litteratur og språk. Ionesco husket at det viktigste for Bukarest-perioden hans var følelsen av konflikt med miljøet, erkjennelsen av at han var malplassert. På begynnelsen av 1930-tallet blomstret nazistiske ideer også blant den rumenske intelligentsiaen – ifølge Ionesco var det mote på den tiden å tilhøre høyresiden. Intern protest mot den "fasjonable" ideologien dannet hans prinsipper for verdensbilde. Han betraktet sin motstand mot fascismen ikke som et politisk eller sosialt problem, men som et eksistensielt problem, problemet med forholdet mellom menneskelig individualitet og masseideologi. Fascismen som politisk bevegelse spilte i denne bare en særegen rolle som en "utløser", et utgangspunkt: Ionesco hatet ethvert massivt ideologisk press, kollektivismens diktater, ønsket om å kontrollere en persons følelser og handlinger.
Ionesco bar sitt hat mot totalitære regimer hele livet - spontane ungdommelige sensasjoner ble reflektert og utviklet seg til bevisste prinsipper. I 1959 dannet dette problemet grunnlaget for stykket Neshorn som vurderer prosessen med kollektiv mutasjon, gjenfødelse under påvirkning av den påtvungne ideologien. Dette er hans eneste skuespill som egner seg til en sosiopolitisk tolkning, når invasjonen av neshorn under produksjonen av en eller annen regissør betraktes som en metafor for fascismens begynnelse. Ionesco var alltid noe motløs og irritert over denne omstendigheten.
Resten av skuespillene hans tillot ikke en slik spesifikk tolkning. Hvorvidt regissørene og publikum forsto dem, eller ikke forsto dem – og striden på 1950-tallet rundt den estetiske trenden absurdisme utspant seg for alvor og fortsatte i flere tiår – kan det neppe tviles på at Ionescos skuespill i sin rene form er dedikert til livet til den menneskelige ånd. Disse problemene ble vurdert og analysert av forfatteren med uvanlige, nye midler - gjennom sammenbruddet av den logiske strukturen til betydningen og formen til alle stykkets bestanddeler: plot, plot, språk, komposisjon, karakterer. Ionesco ga selv ekstra varme til kontroversen. Han ga villig intervjuer, kranglet med regissører, snakket mye og selvmotsigende om sitt estetiske og teatralske konsept. Så Ionesco var imot selve begrepet "absurdisme", og hevdet at skuespillene hans er realistiske - like mye som hele den virkelige verden og den omkringliggende virkeligheten er absurd. Her kan man være enig med forfatteren, hvis vi tenker på at vi ikke snakker om hverdagslige, sosiale og politiske realiteter, men om de filosofiske problemene ved å være.
I 1938 forsvarte han sin doktorgradsavhandling i filosofi ved Sorbonne. Om motivene frykt og død i fransk poesi etter Baudelaire.
Den første premieren på Ionesco - en forestilling Skallet sanger- fant sted 11. mai 1950 i Parisian Night Owl Theatre (regissert av N. Bataille). Det er svært betydningsfullt – innenfor rammen av absurdismens estetikk – at den skallede sangeren selv ikke bare ikke dukker opp på scenen, men ikke ble nevnt i den originale versjonen av stykket. I følge en teatralsk legende kom Ionesco opp med navnet på stykket på den første øvelsen, på grunn av en reservasjon fra skuespilleren som øvde på rollen som en brannmann (i stedet for ordene "for lys sanger" sa han "for skallet sanger" ). Ionesco fikset ikke bare denne reservasjonen i teksten, men erstattet også den originale versjonen av tittelen på stykket ( Engelskmann ledig). Så fulgte Lekse(1951), Stoler(1952), Ofre for gjeld(1953) og andre.
Den mest kjente var hans dramatiske tetralogi, forent av en felles helt, dramatikeren Beranger, som reflekterte forfatterens selvbiografiske eksistensielle søk: Uselvisk morder,Neshorn,Luftfotgjenger,Kongen er døende(1959-1962).
På 1960- og 1970-tallet ble den apokalyptiske lyden intensivert i Ionescos skuespill, direkte knyttet til dominansen til totalitær ideologi: delirium sammen (1962),Tørste og sult(1964 - her er forfatterens eksistensielle tristhet for det tapte paradis spesielt tydelig uttrykt), Macbeth(1972), Dette fantastiske bordellet(1973), Mann med kofferter(1975).
I 1970 ble Ionesco valgt til medlem av det franske vitenskapsakademiet.
Andre verk inkluderer novellesamlinger Oberst sitt bilde(1962), essays og memoarer Dagbokssmuler (1967), fortid nåtid, nåtid fortid (1968), Funn (1969), Mellom liv og søvn (1977), Motgift(1977), For kultur mot politikk (1979), vedkommende mann (1979), Hvit og svart(1981); roman Eremitt(1974). Artikler om kunst, memoarer og refleksjoner om teatret er slått sammen til samlinger Merknader og motbevisninger(1962) og Stiplede linjer med søk(1987). Ionescos memoarer, kledd i en dramatisk form, ble en slags oppsummering av resultatene av den kreative veien - Reiser til de døde(1980).
Tatyana Shabalina
Eugene Ionesco (født 26. november 1909, Slatina, Romania – død 28. mars 1994, Paris), fransk dramatiker, en av grunnleggerne av den estetiske bevegelsen absurdisme (det absurde teater). Medlem av det franske akademiet (1970).
Ionesco av opprinnelse er rumenere. Født 26. november 1909 i den rumenske byen Slatina. Foreldrene tok ham med til Frankrike i en tidlig alder, til han var 11 år gammel bodde han i den franske landsbyen La Chapelle-Anthenaise, den gang i Paris. Senere sa han at barndommens inntrykk av landsbylivet i stor grad gjenspeiles i arbeidet hans - som minner om et tapt paradis. Som 13-åring vendte han tilbake til Romania, til Bucuresti, og bodde der til han var 26 år gammel. I 1938 vendte han tilbake til Paris, hvor han bodde resten av livet.
Mennesker som har mistet evnen til å kontemplere, som ikke er overrasket over at de eksisterer, lever, er åndelige krøplinger.
Ionesco Eugene
Dannelsen av hans personlighet fant sted under tegnet av to kulturer - fransk og rumensk. Forholdet til språket var spesielt interessant. Etter å ha byttet til rumensk som tenåring (han skrev sine første dikt på rumensk), begynte han å glemme fransk - nemlig litterært, ikke dagligdags; lærte å skrive på den. Senere i Paris måtte fransk læres på nytt på nivå med faglitteratur. Senere bemerket J.-P. Sartre at det var denne opplevelsen som gjorde at Ionesco kunne betrakte det franske språket som på avstand, noe som ga ham muligheten til de mest vågale leksikalske eksperimenter.
Han studerte ved Universitetet i Bucuresti, studerte fransk litteratur og språk. Ionesco husket at det viktigste for Bukarest-perioden hans var følelsen av konflikt med miljøet, erkjennelsen av at han var malplassert. På begynnelsen av 1930-tallet blomstret nazistiske ideer også blant den rumenske intelligentsiaen – ifølge Ionesco var det mote på den tiden å tilhøre høyresiden. Intern protest mot den "fasjonable" ideologien dannet hans prinsipper for verdensbilde. Han betraktet sin motstand mot fascismen ikke som et politisk eller sosialt problem, men som et eksistensielt problem, problemet med forholdet mellom menneskelig individualitet og masseideologi. Fascismen som politisk bevegelse spilte i dette bare en særegen rolle som en "trigger", et utgangspunkt: Ionesco hatet ethvert massivt ideologisk press, diktatet til kollektivismen, ønsket om å kontrollere følelsene og handlingene til en person.
Ionesco bar sitt hat mot totalitære regimer hele livet - spontane ungdommelige sensasjoner ble reflektert og utviklet seg til bevisste prinsipper. I 1959 dannet dette problemet grunnlaget for skuespillet The Rhinoceros, som undersøker prosessen med kollektiv mutasjon, gjenfødelse under påvirkning av påtvunget ideologi. Dette er hans eneste skuespill som egner seg til en sosiopolitisk tolkning, når invasjonen av neshorn under produksjonen av en eller annen regissør betraktes som en metafor for fascismens begynnelse. Ionesco var alltid noe motløs og irritert over denne omstendigheten.
Resten av skuespillene hans tillot ikke en slik spesifikk tolkning. Om de ble forstått av regissørene og publikum, eller ikke – og kontroversen på 1950-tallet rundt den estetiske trenden absurdisme utspilte seg for alvor og fortsatte i flere tiår – kan det neppe være tvil om at Ionescos skuespill i sin rene form er dedikert til menneskets ånds liv. Disse problemene ble vurdert og analysert av forfatteren med uvanlige, nye midler - gjennom sammenbruddet av den logiske strukturen til betydningen og formen til alle stykkets bestanddeler: plot, plot, språk, komposisjon, karakterer. Ionesco ga selv ekstra varme til kontroversen. Han ga villig intervjuer, kranglet med regissører, snakket mye og selvmotsigende om sitt estetiske og teatralske konsept. Så Ionesco var imot selve begrepet "absurdisme", og hevdet at skuespillene hans er realistiske - like mye som hele den virkelige verden og den omkringliggende virkeligheten er absurd. Her kan man være enig med forfatteren, hvis vi tenker på at vi ikke snakker om hverdagslige, sosiale og politiske realiteter, men om de filosofiske problemene ved å være.
I 1938 forsvarte han sin doktorgradsavhandling i filosofi ved Sorbonne Om motivene til frykt og død i fransk poesi etter Baudelaire.
Den første premieren på Ionesco – stykket Den skallede sangeren – fant sted 11. mai 1950 på Night Owl Theatre i Paris (regissert av N. Bataille). Det er svært betydningsfullt – innenfor rammen av absurdismens estetikk – at den skallede sangeren selv ikke bare ikke dukker opp på scenen, men ikke ble nevnt i den originale versjonen av stykket. I følge den teatralske legenden kom navnet på stykket fra Ionesco ved den første øvelsen, på grunn av en reservasjon fra skuespilleren som øvde på rollen som en brannmann (i stedet for ordene "for lys sanger" sa han "for skallet sanger") . Ionesco fikset ikke bare denne reservasjonen i teksten, men erstattet også den originale versjonen av tittelen på stykket (engelsk uten noe å gjøre). Dette ble fulgt av The Lesson (1951), Chairs (1952), Victims of Duty (1953) og andre.
