Hva er et portrett. Stiler og sjangre av portretter

Mikhail Mikhailovich Prishvin ble husket av verden for sine prosaverk. Hans verk er gjennomsyret av kjærlighet til moderlandet. Forfatteren skrev noveller, essays og historier, som ble illustrert av kunstneren O.G. Vereisky. Arbeidene hans er en del av skolens læreplan, noe som indikerer et høyt ferdighetsnivå.

Biografisk portrett av Prishvin

Prosaforfatteren ble født i februar 1873. Han kom fra en velstående handelsfamilie. Gutten vokste opp som et aktivt og bråkete barn, noe han ble utvist fra skolen i fjerde klasse på grunn av frekk oppførsel. Som en opprører av natur, innrømmet forfatteren Prishvin senere at karakteren hans ble formet av to hovedhandlinger i livet:

• Utelukkelse fra videregående skole.
• Rømme fra videregående.

Prishvins biografi er ikke hvit som snø. Mens han studerte ved Riga Polytechnic School, ble han seriøst interessert i marxisme, som han ble arrestert og forvist til et to år langt eksil for. Dette trikset gikk ikke upåaktet hen, og den unge mannen fikk et forbud mot videreutdanning i Russland. Moren hans var imidlertid en klok kvinne og gjorde alt for å sikre at sønnen fortsatte studiene. I 1900 dro Mikhail Prishvin for å studere i Leipzig og fikk en agronomisk utdanning der.

Lange reiser i Nord-Russland og Skandinavia satte et avtrykk på fantasien til den fremtidige forfatteren, som var grunnen til å skrive den første historien - "Sashok". Dette ble fulgt av andre skriveskisser Prishvin, men snart måtte han endre håndverket sitt. I 1914 døde forfatterens mor, og han bestemte seg for å begynne å bygge et hus på tomten som ble overlatt til ham. Dette var ikke skjebnebestemt til å skje, da det begynte og Prishvin gikk til fronten som deltidsordfører.

På slutten av krigen begynte Prishvin å undervise og skrev samtidig verkene sine. Forfatteren døde i 1954 i Moskva.

Forfatterens kreative arv

Portrettet av Prishvin er umerkelig når det gjelder biografiske sensasjoner og skiller seg ikke ut på bakgrunn av portretter av andre forfattere. Etter å ha levd et enkelt liv, klarte Prishvin å skrive nok verk som ble en del av den russiske skattkammeret av litterære mesterverk.

De aller første verkene til forfatteren dateres tilbake til 1906-1907, da boken "I landet med fryktløse fugler" og "Bak den magiske bollen" ble utgitt. Som et resultat av Prishvins reiser i Fjernøsten på 30-tallet. Historien "Ginseng" og romanen "Sovereign's Road" ble skrevet. Novellesamlinger fortjener betydelig oppmerksomhet: Naturkalender og Skogdråper. Over tid dukket det berømte eventyret "Pantry of the Sun" opp, som ble anerkjent som den beste boken for barn.

O.G. Vereisky - illustratør

Få mennesker tenker på hvor mye lesere ville elsket bøker hvis de ikke hadde ekspertutvalgte illustrasjoner. Dette gjelder spesielt for unge lesere, for hvem bilder er en viktig egenskap ved en god bok. Blant geniene som tilbrakte livet i bakgården til bøker som jobbet for forfatternes ære, var O.G. Vereisky. Han er ikke så kjent som Vasnetsov eller Vrubel, men likevel er hans fordeler vanskelig å overvurdere. Han var en folkekunstner i USSR og medlem av Kunstakademiet.

Den kreative veien til Vereisky begynte i Leningrad under tilsyn av Osmerkin. Imidlertid fikk kunstneren stor popularitet mens han jobbet i hovedstaden. I sin kreative karriere ble mesteren husket for illustrasjoner til klassikerne. Blant de mest kjente forfatterne hvis bøker Vereisky jobbet med, er Hemingway, Paustovsky, Sholokhov, Fadeev og Bunin. Skisser til Prishvins verk fortjener spesiell oppmerksomhet. I 1984 ble kunstneren tildelt prisen for beste illustrative verk for verket «Anna Karenina».

Portrett av M. M. Prishvin

Orest Georgievich Vereisky malte, i tillegg til illustrasjoner for noveller og historier, også et portrett av M. M. Prishvin, som er lagret i museet med samme navn i Russland. Arbeidet ble fullført i 1948, men det gjør det ikke mindre betydningsfullt. Portrettet av Prishvin ble malt fra livet, som det fremgår av oppføringer i forfatterens personlige dagbok. Størrelsen på lerretet er liten - 39,5x48. Hodet til forfatteren og signaturen til kunstneren er avbildet på papiret.

Hvor er portrettet av M. M. Prishvin, malt av illustratøren Vereisky

I det kreative miljøet observerer de ofte en symbiose av kunstnere som hjelper hverandre med å bli mer populære og setter spor i historien. Portrettet av Prishvin M. M., malt av hånden til illustratøren Vereisky, var ikke et forsøk på PR for hverandre. Det er snarere en hyllest til Mikhail Mikhailovich.

Orest Georgievich fant sted i sitt håndverk takket være overfloden av staffeliverk, forfatterens litografi og mange akvarellskisser. Portrettet av Prishvin var ikke for ham hele livets verk, som det fremgår av skrivemåten - en blyanttegning. Forfatteren førte dagbok gjennom hele livet, og beskrev i detalj alle hendelsene. Portrettet malt av Vereisky har ikke så mye kunstnerisk verdi som biografisk.

Våren 1946 hvilte Prishvin i Porechye-sanatoriet nær Moskva, hvor han passet på et hus i nærheten. Forfatterens kone gjorde alt for å få huset til å se ut som en gammel herregård, hvor alt skulle peke på de allsidige interessene til mannen hennes. Det kom vakkert ut. Etter forfatterens død kom folk hit, og huset fikk offisielt status som museum.

Utsmykningen av huset illustrerer Prishvins vanlige daglige rutine. Det står en samovar på bordet, og rommene er dekorert med blomster og bøker. Av spesiell interesse er forfatterens rom, hvor du kan se et av de mest kjente portrettene av Mikhail Mikhailovich, malt av Orest Vereisky.

Et maleri som viser Prishvins hode henger rett over hodet på sengen hans på soverommet. En tykk mørkebrun ramme rammer inn et gult ark som en prosaforfatter er tegnet på med blyant. Til venstre på jobben kan du se datoen for portrettet. Hele rommet uttrykker individualiteten til eieren og indikerer hans beskjedenhet og nøyaktighet. Til venstre for portrettet henger korslagte våpen - personifiseringen av Prishvins kjærlighet til jakt. Tregulvet er dekorert med tepper med et karakteristisk mønstret mønster. Men til tross for disse små tingene, er det sentrale elementet i rommet nettopp portrettet malt av Vereisky. Selvfølgelig røper en slik ordning forfatterens respekt for kunstnerens arbeid. Dette var deres siste fellesprosjekt, noen år senere døde Prishvin.

Hva er et portrett (portrett - eldre fransk - portraire - betyr å portrettere) - Et portrett er en type kunst dedikert til å skildre en spesifikk person eller gruppe mennesker - en ytre individuelt lik visning av en person på lerret eller papir, med målet om å presentere det for andre, vise karakter, indre verden, livsverdier avbildet.

Å tegne en persons ansikt i et portrett er den vanskeligste retningen i billedkunsten. Kunstneren må oppdage hovedaksentene til personligheten, understreke de karakteristiske trekkene, følelsesmessigheten til en person og avsløre den åndelige disposisjonen til personen som blir portrettert. Avhengig av størrelsen på maleriet, kan portrettet være av forskjellige typer: byste, halvlengde, generasjons- og full-lengde. Portrettstilling: fra ansiktet, trekvart sving til hvilken som helst side og i profil. Et kreativt portrett er et kreativt maleri, en spesiell sjanger av maleri knyttet til skapelsen av noe nytt i bildet av en menneskelig person.

Grunnleggende om portrettet. Det viktigste og viktigste i portrettet er ansiktet til en person, som portrettmalere jobber mesteparten av tiden på, og prøver å formidle likheten og karakteren, fargenyansene til hodet så nøyaktig som mulig. Deretter gester og ansiktsuttrykk knyttet til en bestemt karakter, finner kunstneren trekk av større vitalitet, naturlighet i bildet av ansiktet, mens resten av detaljene i portrettet, enten det er klærne, bakgrunnen, fangsten av detaljene til et visst følge på lerretet anses som mer betinget, siden likheten ikke er avhengig av dette .

Likheten i portrettet opptar den viktigste og dominerende rollen, hvis likheten er veldig halt, veier den opp for alle de andre positive fordelene ved det klassiske portrettet, som et resultat kan det være vakkert i utdyping og farge, men ansiktsløst bilde.

På denne siden er følgende stiler portrett, olje på lerret og tørr pensel. Portretter kommer i forskjellige stiler og teknikker, den mest bemerkelsesverdige stilen, det vil si utførelsesteknikken, er selvfølgelig å male et portrett i olje på lerret. Å male et portrett i olje er en veldig lang og møysommelig prosess som krever mye tålmodighet og nøyaktighet. Denne stilen kommer fra dypet av århundrer og har fått stor berømmelse over hele verden.

Ofte tegner kunstnere skisser eller raske portretter i kull, sepia, sanguine, og mye sjeldnere nå, spesielt i blyant- eller pastell- og akvarellportretter, selv om dette utvilsomt er førsteklasses portrettstiler, mer arbeidskrevende, men fortjener spesiell oppmerksomhet. Men den tørre penselstilen til portretter får også fart i popularitet. Du kan se en video der kunstneren Igor Kazarin tegner et portrett av en jente i denne fantastiske portrettmalerstilen.

Portrettsjangre er delt inn: kammer, intimt formelt portrett, og også selvportretter, der kunstnere som regel skildrer seg selv. Portrettsjangeren i billedkunsten er en naturlig uavhengig sjanger av maleri som ikke trenger spesifikk begrunnelse.

Portrettundersjangre: Portrettsjangerens grenser gjenspeiler ulike retninger knyttet til elementer fra andre sjangere. For eksempel et historisk portrett: et bilde av en person i klær fra tidligere århundrer, er skapt av fantasi og i henhold til tilgjengelige materialer, minner fra den tiden. Maling av portrett - karakteren presenteres omgitt av natur, arkitektur med plottet av tingenes verden og husholdningsartikler. Et kostymeportrett av en karakter er avbildet i historiske teatralske kostymer som er vakre for persepsjon og ulike utstyr knyttet til handlingen.

Dedikert til overføring av bildet av en person, samt en gruppe på to eller tre personer på lerret eller papir. Stilen valgt av kunstneren er av spesiell betydning. Å tegne en persons ansikt i et portrett er et av de vanskeligste områdene i maleri. Børstens mester må formidle de karakteristiske trekkene til utseende, følelsesmessig tilstand og den indre verden til den poserende personen. Størrelsen på et portrett bestemmer utseendet. Bildet kan være byste, generasjons-, halv- eller full-lengde. Stillingen involverer tre vinkler: ansikt (helt ansikt), snu "tre kvarter" i en eller annen retning og i profil. Et portrett as inneholder ubegrensede muligheter for realisering av kunstneriske ideer. Først lages en skisse, deretter selve tegningen.

Historien om portrettsjangeren

Det eldste forsøket på å avbilde et menneskelig ansikt går tilbake 27 000 år. "Maleriet" ble oppdaget i en hule nær den franske byen Angouleme. Portrettet er en kontur skissert i kritt, som vagt ligner trekkene til et menneskelig ansikt. Den eldgamle kunstneren skisserte hovedlinjene i øynene, nesen, munnen. Senere (også i huler) på Balkan og Italia begynte klarere og mer bestemte bilder å dukke opp, blant hvilke ansikter tegnet i profil dominerte. Det er menneskets natur å skape, talentfulle mennesker kan ikke leve uten å etterlate seg noen spor. Det kan være et mønster lagt ut av småstein midt på et jorde, en utskåret ornament på barken på et tre, noens ansikt tegnet med kull på en stein. Muligheter for kreativitet er rikelig.

stukkaturbilder

En gang i tiden hadde portrettsjangeren en tendens til å bli nedfelt i skulptur, siden det i antikken ikke fantes noen kunstnere som grundig mestret penselen og var i stand til å formidle lys- og skyggespillet. Bildet av et ansikt i leire var bedre, og derfor var det i disse fjerne tider stukkaturportretter som dominerte. Malerkunsten dukket opp mye senere, da menneskeheten innså behovet for kulturell kommunikasjon.

Begravelser

Utseendet til bilder nær tegningen tilhører også en senere periode, og de første portrettene ble funnet i de gamle østlige territoriene. I den egyptiske staten skjedde guddommeliggjøringen av de døde. Under begravelsen ble det laget et slags portrett, som betinget ble ansett som en dobbel av den avdøde. Prinsippet om mumifisering dukket opp, og deretter portretter. Portrettsjangerens historie inneholder mange eksempler på ikoniske bilder i både tegning og skulptur. Tegningene av de dødes ansikter ble mer og mer lik originalen. Og så ble det å kopiere ansiktet til den avdøde til en annen verden erstattet med en maske. De egyptiske døde begynte å bli begravet i sarkofager, på lokket som den avdøde ble avbildet i full vekst med et vakkert stilisert ansikt. Slike begravelser ble arrangert utelukkende for adelen. Egyptiske faraoer, for eksempel, ble plassert ikke bare i en sarkofag, men også i en grav, som var en enorm struktur.

En rekke løsninger

Kunstneren har et valg når han maler et portrett: skildre ansiktet og klærne til en person i samsvar med originalen, eller vær kreativ, skap et utsøkt kreativt bilde. Hovedbetingelsen for dette er fortsatt likheten, som spiller en dominerende rolle. Uavhengig - portrettkunst, åpen for eksperimenter av det bredeste spekteret. Kunstneren har muligheten til å forbedre ferdighetene sine ved å bruke de siste tekniske prestasjonene.

Faktisk er utførelsesteknikken avgjørende for å oppnå det optimale resultatet. Den vanligste måten for portrettmaling av profesjonelle kunstnere er Denne stilen er forankret i dypet av århundrer. Den ble brukt av gamle kunstnere. Arbeidet deres har overlevd til i dag. Portrettet som en kunstsjanger har eksistert i uminnelige tider, og i dag er det et populært kunstnerisk uttrykk.

"Tørr børste"

Nylig har en teknikk blitt populær når bildet ikke lages med strøk, men ved å gni en liten mengde maling. Samtidig er børsten nesten tørr, og selve metoden lar deg få vakre halvtoner. Siden den mest subtile sjangeren av maleri er et portrett, og bildet av et ansikt i maling krever nøyaktig delikate nyanser, er "tørr børste"-teknikken den best egnet for dette formålet.

Typer

Portrettets sjanger er delt inn i flere typer: seremoniell, kammer, intim og plot. Det finnes også en spesiell type som kalles selvportrett, når kunstneren skildrer seg selv. Som regel er dette en rent individuell tegning. Generelt er portrettsjangeren helt uavhengig, underlagt visse regler. Disse reglene blir aldri brutt, selv om omfanget kan utvides under visse omstendigheter.

I tillegg til de som allerede er oppført, er det en annen portrettsjanger, som inkluderer spesielle kunstneriske trekk, en spesialisert variasjon som krever en systematisk tilnærming. Dette er et kostymeportrett, når en moderne person er avbildet på lerretet i fortidens klær. Utvalget av emner er ikke begrenset: fra skinnene som bæres av en primitiv mann til renessansens brudekjole. I denne portrettvarianten er det elementer av teatralitet. I den russiske føderasjonen, spesielt i Moskva, ble det kostymeportrettet mye brukt, men dette skjedde ikke for motens skyld, men snarere som en hyllest til kunsten.

Sjanger av portrett i kunst

Pittoreske lerreter, skrevet til forskjellige tider, forenes av én obligatorisk betingelse - bildene må være autentiske. En viktig rolle spilles av portrettkomponenten, med andre ord bildet av ansiktene til karakterene. Suksessen til bildet avhenger av hvor nøye ansiktstrekkene er skrevet ut. Uttrykket av øynene, smilene eller omvendt, rynket øyenbryn, alle nyansene skal reflekteres på lerretet. Oppgaven er ikke lett, men pålitelighetsfaktoren vitner om kunstnerens dyktighet. Derfor er portrettsjangeren i kunsten så entydig og krever full dedikasjon fra mesteren. Erfarne kunstnere er best på malerier som involverer mennesker, nærbilder av ansiktene deres og fremhevet bevegelse.

Litterære portretter

Forfattere, så vel som kunstnere, skildrer ganske ofte en persons ansikt. Det er mye mer litterære teknikker for dette, det rike russiske språket tillater bruk av en rekke kunstneriske former, vendinger og fraser. Målet som forfatteren streber etter er identisk i mening med kunstnerens intensjon, forfatteren beskriver ansiktsuttrykk som et resultat av en persons humør, en refleksjon av hans tanker, følelser og opplevelser. portrettet er ganske komplisert. Det er nødvendig å beskrive, unngå overfladiske formuleringer. Dette krever ferdighetene til en ekte skaper. Blant russiske forfattere som er i stand til å uttrykke med noen få ord essensen av den menneskelige formen, inntar den store Maxim Gorky førsteplassen. Hans amerikanske tilhenger mestret også kunsten å tegne verbal portrett på mesterlig vis. Sjangeren til et litterært portrett er mangfoldig, beskrivelsen følger en viss stil, den kan være munter eller trist, kort eller lang, alt avhenger av hvert enkelt verk.

Foto

Med ankomsten av daguerreotypi utvidet kunstens muligheter, og portretter var intet unntak. Et fotografisk portrett kostet mye mindre enn et oljemaleri, og gjenkjennelsen var hundre prosent. Og selv om kunstnere kaustisk bemerket at fotografering var for de fattige, "vendte allmennheten seg mot et mer nøyaktig bilde på en sølvbelagt plate. Portrettfotograferingssjangeren ble raskt mote, det var ingen ende på de som ønsket å fange seg selv og sine kjære.

Den nye metoden, daguerreotypien, hadde imidlertid sine ulemper. Fotografering, i motsetning til et pittoresk portrett, tillot ikke å endre noe. Bildet frøs en gang for alle, det var umulig å fikse noe. Og gitt at personen ble fotografert sittende eller stående (i anspent positur), så kom han ikke ut i bildet på den beste måten. Derfor var det mange skuffelser, påstander og misnøye. Likevel slo portrettbilder rot, folk lærte å posere kunstnerisk, og alt falt på plass.

Portrett (fransk portrett - å skildre) - en beskrivelse av karakterens utseende, individuelle kroppslige, naturlige trekk, samt alt som er formet av det sosiokulturelle miljøet i en persons utseende: klær, frisyrer, oppførsel - gester, ansiktsuttrykk , stillinger, øyeuttrykk, ansikter, smil osv. Portrett, sammen med dialog, interiør, tale, er det viktigste middelet for karakterisering. Typisk og individuelt er de viktigste komponentene i et kunstnerisk portrett. Beskrivelsen av utseendet til helten bidrar til avsløringen av karakteren hans. Portretter brukes i eposet; i tekster og drama er verbal fremstilling begrenset. Hver litterær epoke var preget av sine egne egenskaper ved overføringen av karakterenes utseende.

Så i folklore, antikkens litteratur, middelalderen, var portretter ekstremt generaliserte, noe som direkte indikerer heltens sosiale status. Utseendet til helten ble ofte betegnet med en slags stabil epitet ("Akilles swift", "Apollo sølvarmet", "Agamemnon den mektige", "hårete øyne Hera", "rosa-finger Eos" i Homer). Fra renessansen blir et statisk utstillingsportrett vanlig (en detaljert beskrivelse av utseendet gis én gang, i begynnelsen av fortellingen noteres de vanligste, uendrede ytre trekkene). Så i romanen til F. Rabelais "Gargantua og Pantagruel" er et portrett av Panurge gitt. Panurge var en mann på rundt trettifem, middels høy, ikke høy, ikke lav, med en kroket, barberhåndtak nese, som likte å forlate andre med nesen, ekstremt høflig, men litt oppløst, og fra fødselen underlagt en spesiell sykdom, som de gangene sa dette om: "Mangel på penger er en uutholdelig sykdom." Med alt dette visste han sekstitre måter å skaffe penger på, hvorav den ærligste og vanligste var sniking, og han var en rampete, jukser, svirper, svindler og svindler, som det er få av i Paris. Og faktisk den mest fantastiske av dødelige. Det er verdt å merke seg at portrettet i renessansens verk er et visst kompleks av kvaliteter, fysiologiske og mentale, forfatteren lister ofte opp visse funksjoner, uten å prøve å finne en intern forbindelse mellom dem. Så de indre egenskapene til helten, hvis de er nevnt av forfatteren, finner ikke deres refleksjon i karakterens ytre fysiologiske egenskaper. Slik er portrettet av Niccolosa i G. Boccaccios Decameron: "Hun var vakker, velkledd og hadde gode manerer og en gave for ord for sin stilling."

Så, frem til romantikkens epoke, dominerte idealiserende portretter litteraturen. En lignende type portrett finner vi i N.V. Gogol i historien "Taras Bulba": "Han så opp og så en skjønnhet stå ved vinduet, som han aldri hadde sett i sitt liv: svartøyd og hvit, som snø, opplyst av solens morgenrødme. Hun lo hjertelig, og latter ga en glitrende kraft til hennes blendende skjønnhet.

På 1800-tallet dukket det opp portretter i litteraturen, og avslørte kompleksiteten og allsidigheten til det åndelige bildet av helten. Karakteristisk er portrettet av Pechorin i romanen til M.Yu. Lermontov: «Han var middels høy; hans slanke, tynne ramme og brede skuldre viste seg å være en sterk kroppsbygning, i stand til å tåle alle vanskelighetene ved nomadeliv og klimaendringer, verken beseiret av storbylivets fordervelse eller åndelige stormer. Gangen hans var uforsiktig og lat, men jeg la merke til at han ikke svingte med armene - et sikkert tegn på noe hemmelighetsfull karakter.<…>Ved første øyekast på ansiktet hans ville jeg ikke ha gitt ham mer enn tjuetre år, selv om jeg etter det var klar til å gi ham tretti. Det var noe barnslig i smilet hans.<…>For å fullføre portrettet vil jeg si at han hadde en litt oppskrudd nese, tenner med blendende hvithet og brune øyne; Jeg må si noen flere ord om øynene.

For det første lo de ikke når han lo. Har du noen gang lagt merke til en slik merkelighet hos noen mennesker? .. Dette er et tegn - enten på en ond sinnstilstand eller på konstant dyp tristhet. De halvt hengende øyevippene deres lyste med en slags fosforescerende glans, for å si det sånn. Det var ikke en refleksjon av sjelens varme eller en leken fantasi: det var en glans, som glansen av glatt stål, blendende, men kald; blikket hans - kort, men gjennomtrengende og tungt, etterlot et ubehagelig inntrykk av et indiskret spørsmål og kunne ha virket frekt om det ikke hadde vært så likegyldig rolig. Dette portrettet er et inntrykksportrett der de psykologiske egenskapene til helten dominerer.

I verkene til forfattere fra 1800-tallet (andre halvdel) begynner dynamiske portretter å råde (beskrivelsen av utseendet til helten er gitt i bevegelse, i handling, hans gester, intonasjon, ansiktsuttrykk noteres på et eller annet tidspunkt ). Slik er for eksempel portrettene i verkene til L.N. Tolstoj.

Det finnes ulike typer portretter: en portrettbeskrivelse (en objektiv beskrivelse av karakterens utseende, uten forfatterens vurderinger og psykologiske kommentarer - et portrett av Masha Mironova i historien "Kapteinens datter" av A.S. Pushkin) og et inntrykksportrett ( fikser vurderingen av karakterens utseende av forfatteren eller formidler tanker og andres inntrykk - et portrett av Pechorin i romanen "A Hero of Our Time"); detaljert (utvidet, detaljert - et portrett av Oblomov i romanen med samme navn av I.A. Goncharov) og kort (fragmentarisk, sammensatt av 1-2 detaljer - et portrett av Lisa Muromskaya i historien "The Young Lady-Peasant Woman" av A.S. Pushkin); et statisk portrett (et engangsbilde av heltens ufravikelige utseendetrekk - Manilovs portrett i diktet "Dead Souls") og et dynamisk portrett (beskrivelsen av heltens utseende er gitt i dynamikk, utseendet overføres gjennom en kompleks beskrivelse av heltens stillinger, gester, ansiktsuttrykk, bevegelser, tale - Raskolnikovs portrett i romanen "Forbrytelse og straff" av F. M. Dostojevskij); et portrett i ett stykke (fullstendig gitt på tidspunktet for det første bekjentskapet med helten - et portrett av Shvabrin i historien "Kapteinens datter" av A.S. Pushkin) og et fraværende portrett (detaljer om utseende presenteres gjennom hele arbeid - et portrett av Natasha Rostova i den episke romanen "Krig og fred" ); leitmotiv-portrett (fremhever to eller tre uttrykksfulle trekk ved karakterens utseende og forfatterens vekt på dem med hver opptreden av denne karakteren - et portrett av Liza Bolkonskaya i romanen "Krig og fred" av L.N. Tolstoy); et psykologisk portrett (en refleksjon av heltens mentale verden i beskrivelsen av hans utseende - et portrett av Pechorin i romanen "A Hero of Our Time" av M.Yu. Lermontov).

I dagens innlegg vil jeg dvele ved en kort historie om utviklingen av portretter. Det er ikke mulig å dekke alt materialet om dette emnet fullt ut i det begrensede volumet av innlegget, så jeg satte ikke en slik oppgave.

En kort digresjon inn i portretthistorien

Portrett(fra fransk portrett) - dette er en sjanger av kunst, samt verk av denne sjangeren som viser utseendet til en bestemt person. Portrettet formidler individuelle egenskaper, unike egenskaper som er iboende i bare én modell (en modell er en person som poserer for en mester mens han jobber med et kunstverk).

"Pariser". Freske fra Knossos-palasset, 1500-tallet f.Kr

Men ytre likhet er ikke den eneste og kanskje ikke den viktigste egenskapen som ligger i et portrett . En ekte portrettmaler er ikke begrenset til å gjengi de ytre trekkene til modellen hans, han streber formidle egenskapene til karakteren hennes, avsløre hennes indre, åndelige verden . Det er også veldig viktig å vise den sosiale statusen til personen som blir portrettert, for å skape et typisk bilde av en representant for en viss epoke.
Som sjanger dukket portrettet opp for flere årtusener siden i antikkens kunst. Blant freskene til det berømte Knossos-palasset, funnet av arkeologer under utgravninger på øya Kreta, er det en rekke pittoreske kvinnelige bilder som dateres tilbake til 1500-tallet f.Kr. Selv om forskerne kalte disse bildene "hoffdamer", vet vi ikke hvem de kretiske mestrene prøvde å vise - gudinner, prestinner eller edle damer kledd i elegante kjoler.
Den mest kjente var portrettet av en ung kvinne, kalt av forskere "parisisk". Vi ser foran oss et profilbilde (i henhold til datidens kunsttradisjoner) av en ung kvinne, veldig kokett og ikke neglisjerende sminke, som det fremgår av hennes mørkkantede øyne og lyst malte lepper.
Kunstnerne som skapte freskoportretter av sin samtid, fordypet seg ikke i modellenes egenskaper, og den ytre likheten i disse bildene er veldig relativ.

"Portrett av en ung romer", tidlig på 300-tallet e.Kr

I antikkens Hellas og antikkens Roma fantes ikke staffelimaleri, så portrettkunsten kom hovedsakelig til uttrykk i skulptur. Gamle mestere skapte plastiske bilder av poeter, filosofer, militære ledere og politikere. Disse verkene er preget av idealisering, og samtidig finnes også bilder som er svært nøyaktige i sine psykologiske egenskaper.
Av stor interesse er de pittoreske portrettene som ble laget i Egypt på 1-400-tallet e.Kr. I henhold til oppdagelsesstedet (gravene til Khavara nord for Kairo og nekropolisen til Fayum-oasen, som ble kalt Arsinoe under Ptolemeene), kalles de Fayum. Disse bildene utførte rituelle og magiske funksjoner. De dukket opp i den hellenistiske epoken, da det gamle Egypt ble tatt til fange av romerne. Disse portrettbildene, laget på treplater eller på lerret, ble plassert sammen med mumien i graven til den avdøde.
I Fayum-portrettene ser vi egyptere, syrere, nubiere, jøder, grekere og romere som bodde i Egypt på 1-400-tallet e.Kr. Fra det gamle Roma til Egypt kom skikken til å holde portretter av eierne malt på treplater, samt skulpturelle masker av avdøde slektninger, i huset.

Portrett av en Fayum-mamma

Fayum-portretter ble laget ved bruk av tempera eller enkaustisk teknikk, som er spesielt karakteristisk for tidligere bilder. Encaustic er maling med maling, hvor hovedleddet var voks. Kunstnerne brukte smeltet voksmaling (spor av drypp av slike malinger ble bevart på mange brett med portrettbilder). En slik teknikk krevde spesielle teknikker. På områdene av kinnene, haken og nesen ble malingen påført i tette lag, og resten av ansiktet og håret ble malt med en mer flytende maling. Mestere brukte tynne planker av platan (morbærfikentre) og libanesisk sedertre til portretter.

G. Bellini. Donorportrett. Fragment

Blant de mest kjente enkaustiske portrettene er "Portrait of a Man" (andre halvdel av 1. århundre e.Kr.) og "Portrait of an Elderly Man" (slutten av 1. århundre e.Kr.), som er livstidsbilder. I disse verkene er den dyktige lys-og-skygge-modelleringen og bruken av fargerefleks slående. Sannsynligvis gikk mesterne som malte portrettene, ukjent for oss, gjennom den hellenistiske malerskolen. To andre malerier ble utført på samme måte - "Portrett av en nubian" og et vakkert kvinnelig bilde, det såkalte. "Lady Alina" (2. århundre e.Kr.). Det siste portrettet er laget på lerret med pensel og flytende tempera.
I middelalderen, da kunsten ble underordnet kirken, ble det hovedsakelig skapt religiøse bilder i maleriet. Men selv på denne tiden malte noen kunstnere psykologisk nøyaktige portretter. Bilder av givere (givere, kunder), som oftest ble vist i profil, vendt mot Gud, Madonnaen eller en helgen, ble mye brukt. Bildene av giverne hadde en utvilsom ekstern likhet med originalene, men gikk ikke utover de ikonografiske kanonene, og spilte en sekundær rolle i komposisjonen. Profilbildene som kom fra ikonet beholdt sine dominerende posisjoner selv da portrettet begynte å få uavhengig betydning.
Portrettsjangerens storhetstid begynte i renessansen, da verdens viktigste verdi var en aktiv og målrettet person, i stand til å forandre denne verden og gå mot oddsen. På 1400-tallet begynte kunstnere å lage uavhengige portretter, som viste modeller mot bakteppet av panoramiske majestetiske landskap. Slik er «Portrait of a Boy» av B. Pinturicchio.

B. Pinturicchio. "Portrett av en gutt", kunstgalleri, Dresden

Likevel skaper ikke tilstedeværelsen av fragmenter av naturen i portrettene integritet, enhet av en person og verden rundt ham, personen som blir portrettert ser ut til å skjule det naturlige landskapet. Bare i portretter fra 1500-tallet oppstår harmoni, et slags mikrokosmos.

Mange kjente mestere fra renessansen vendte seg til portretter, inkludert Botticelli, Raphael, Leonardo da Vinci. Det største verdenskunstverket var det berømte mesterverket til Leonardo - portrettet "Mona Lisa" ("La Gioconda", ca. 1503), der mange portrettmalere fra påfølgende generasjoner så et forbilde.
En stor rolle i utviklingen av den europeiske portrettsjangeren ble spilt av Titian, som skapte et helt galleri med bilder av sine samtidige: poeter, vitenskapsmenn, presteskap, herskere. I disse verkene fungerte den store italienske mesteren som en subtil psykolog og en utmerket kjenner av menneskesjelen.

Titian: Keiserinne Isabella av Portugal.

Under renessansen vendte mange kunstnere som skapte alter og mytologiske komposisjoner seg til portrettsjangeren. De psykologiske portrettene av den nederlandske maleren Jan van Eyck ("Timothy", 1432; "Mannen i den røde turbanen", 1433) utmerker seg ved en dyp penetrasjon i modellens indre verden. Den anerkjente mester i portrettsjangeren var den tyske kunstneren Albrecht Dürer, hvis selvportretter fortsatt gleder publikum og fungerer som et eksempel for kunstnere.

Albrecht Dürer, Selvportrett

Under renessansen dukket det opp ulike former for portretter i europeisk maleri. Bysteportrettet var veldig populært på den tiden, selv om det også dukket opp halvlengde, generasjonsbilder og helportretter. Adelige ektepar bestilte sammenkoblede portretter, der modellene ble avbildet på forskjellige lerreter, men begge komposisjonene ble forent av et felles konsept, farge og landskapsbakgrunn. Et levende eksempel på sammenkoblede portretter er bildene av hertugen og hertuginnen av Urbino (Federigo da Montefeltro og Battista Sforza, 1465), skapt av den italienske maleren Piero della Francesca.
Gruppeportretter ble også mye brukt, da kunstneren viste flere modeller på ett lerret. Et eksempel på et slikt verk er "Portrett av pave Paul III med Alessandro og Ottavio Farnese" (1545-1546) av Titian.

I henhold til bildets natur begynte portretter å bli delt inn i seremonielle og intime. De første ble skapt med sikte på å opphøye og glorifisere menneskene representert på dem. Seremonielle portretter ble bestilt fra kjente kunstnere av de regjerende personene og medlemmer av deres familier, hoffmenn, geistlige, som okkuperte de øvre trinnene på den hierarkiske stigen.
Malerne skapte seremonielle portretter og portretterte menn i rike uniformer brodert med gull. Damene som poserte for artisten hadde de mest luksuriøse kjolene og pyntet seg med juveler. Bakgrunnen spilte en spesiell rolle i slike portretter. Mesterne malte modellene sine mot bakgrunnen av landskapet, arkitektoniske elementer (buer, søyler) og frodige draperier.
Den største mesteren av det seremonielle portrettet var Fleming P.P. Rubens, som jobbet ved de kongelige domstolene i mange stater. Hans edle og velstående samtidige drømte at maleren ville fange dem på lerretene sine. Rubens' skreddersydde portretter, slående i sin fargerikdom og virtuositet i tegningen, er noe idealiserte og kalde. Bildene av slektninger og venner som kunstneren skapte for seg selv er fulle av varme og oppriktige følelser, de har ikke ønsket om å smigre modellen, som i formelle portretter for velstående kunder.

Rubens' elev og tilhenger var den talentfulle flamske maleren A. van Dyck, som skapte et galleri med portrettbilder av sine samtidige: vitenskapsmenn, advokater, leger, kunstnere, kjøpmenn, militære ledere, geistlige, hoffmenn. Disse realistiske bildene formidler subtilt modellenes individuelle særpreg.
Portrettene laget av van Dyck i den sene perioden, da kunstneren arbeidet ved hoffet til den engelske kong Charles, er mindre kunstnerisk perfekte, fordi Mesteren, som mottok mange bestillinger, kunne ikke takle dem og betrodde bildet av noen detaljer til assistentene sine. Men selv på dette tidspunktet malte van Dyck en rekke ganske vellykkede malerier (Louvre-portrett av Charles I, ca. 1635; Three Children of Charles I, 1635).

A. van Dyck. "The Three Children of Charles I", 1635, Royal Collection, Windsor Castle

På 1600-tallet ble en viktig plass i europeisk maleri okkupert av et intimt (kammer)portrett, hvis formål er å vise sinnstilstanden til en person, hans følelser og følelser. Den anerkjente mesteren av denne typen portretter var den nederlandske kunstneren Rembrandt, som malte mange inderlige bilder. «Portrett av en gammel kvinne» (1654), «Portrett av Titus sønn leser» (1657), «Hendrikje Stoffels ved vinduet» (portrett av kunstnerens andre kone, ca. 1659) er gjennomsyret av oppriktig følelse. Disse verkene presenterer for betrakteren vanlige mennesker som verken har edle forfedre eller rikdom. Men for Rembrandt, som åpnet en ny side i portrettsjangerens historie, var det viktig å formidle godheten til modellen hans, hennes virkelig menneskelige egenskaper.

Ukjent artist. Parsuna "Sovereign of All Rus' Ivan IV the Terrible", sent på 1600-tallet.

Rembrandts mestring manifesterte seg også i hans gruppeportretter i storformat (Night Watch, 1642; Sindics, 1662), som formidler forskjellige temperamenter og levende menneskelige personligheter.
En av de mest bemerkelsesverdige europeiske portrettmalerne på 1600-tallet var den spanske kunstneren D. Velasquez, som malte ikke bare svært mange seremonielle portretter som representerte de spanske kongene, deres koner og barn, men også en rekke intime bilder av vanlige mennesker. De tragiske bildene av hoffdverger henvender seg til betrakterens beste følelser - kloke og beherskede eller forbitrede, men alltid med bevart følelse av menneskeverd ("Portrett av narren Sebastiano Mora", ca. 1648).

Portrettsjangeren ble videreutviklet på 1700-tallet. Portrettet ga, i motsetning til landskapet, kunstnerne en god inntekt. Mange malere involvert i opprettelsen av seremonielle portretter, som prøvde å smigre en rik og edel kunde, prøvde å fremheve de mest attraktive trekkene i utseendet hans og skjule manglene.
Men de mest modige og talentfulle håndverkerne var ikke redde for herskernes vrede og viste folk som de virkelig var, uten å skjule deres fysiske og moralske mangler. Slik sett er det berømte "Portrettet av familien til kong Charles IV" (1801) av den berømte spanske maleren og grafikeren F. Goya interessant. National School of Portraiture oppsto i England. Dens største representanter er kunstnerne J. Reynolds og T. Gainsborough, som arbeidet på 1700-tallet. Tradisjonene deres ble arvet av yngre engelske mestere: J. Romney, J. Hopner, J. Opie.
En viktig plass ble okkupert av portrettet i kunsten i Frankrike. En av de mest talentfulle kunstnerne i andre halvdel av 1700-tallet - første kvartal av 1800-tallet var J.L. David, som skapte, sammen med malerier av den eldgamle og historiske sjangeren, mange vakre portretter. Blant mesterens mesterverk er et uvanlig uttrykksfullt bilde av Madame Recamier (1800) og et romantisk forhøyet portrett av Napoleon Bonaparte ved St. Bernard-passet (1800).

En uovertruffen mester i portrettsjangeren var J.O.D. Ingres, som forherliget navnet hans med seremonielle portretter, preget av klangfulle farger og grasiøse linjer.
Fine eksempler på et romantisk portrett ble presentert for verden av slike franske kunstnere som T. Gericault, E. Delacroix.
Franske realister (J.F. Millet, C. Corot, G. Courbet), impresjonister (E. Degas, O. Renoir) og postimpresjonister (P. Cezanne, V. van Gogh) uttrykte sin holdning til livet og kunsten i portretter.
Representanter for modernistiske bevegelser som dukket opp på 1900-tallet vendte seg også mot portrettsjangeren. Mange portretter ble overlatt til oss av den berømte franske kunstneren Pablo Picasso. Fra disse verkene kan man spore hvordan mesterens arbeid utviklet seg fra det såkalte. blå periode til kubisme.

I sin "Blue Period" (1901-1904) skaper han portretter og sjangertyper, der han utvikler temaet ensomhet, sorg, en persons undergang, trenge inn i heltens åndelige verden og hans fiendtlige miljø. Slik er portrettet av kunstnerens venn - poeten X. Sabartes (1901, Moskva, Pushkin-museet).

Et betydelig bidrag til utviklingen av russisk portrett ble gitt av den talentfulle kunstneren fra første halvdel av 1700-tallet, I.N. Nikitin, som med en psykologs dyktighet viste i sitt "Portrait of an Outdoor Hetman" (1720-årene) et komplekst, mangefasettert bilde av en mann fra Petrine-tiden.

Maleriet fra andre halvdel av 1700-tallet er knyttet til navnene på så kjente portrettmalere som F.S. Rokotov, som skapte mange spiritualiserte bilder av sine samtidige (portrett av V.I. Maikov, ca. 1765), D.G. Levitsky, forfatteren av vakre seremonielle og kammerportretter som formidler integriteten til modellens natur (portretter av elever ved Smolny Institute, ca. 1773-1776), V.L. Borovikovsky, hvis utrolig lyriske portretter av kvinner fortsatt gleder seerne.

Borovikovsky, Vladimir Lukich: Portrett av Elena Alexandrovna Naryshkina.

1860-1870-årene var tiden for dannelsen av realisme i russisk maleri, noe som ble tydeligst manifestert i vandrernes arbeid. I løpet av denne perioden, i portrettsjangeren, nøt portretttypen stor suksess blant den demokratisk-tenkende offentligheten, der modellen ikke bare fikk en psykologisk vurdering, men også ble vurdert ut fra hennes plass i samfunnet. I slike verk viet forfatterne like stor oppmerksomhet til både individuelle og typiske trekk ved de portretterte motivene.
Et eksempel på en slik portrett-type ble malt i 1867 av kunstneren N.N. Ge portrett av A.I. Herzen. Når man ser på fotografiene til den demokratiske forfatteren, kan man forstå hvor nøyaktig mesteren fanget den ytre likheten. Men maleren stoppet ikke der, han fanget på lerretet det åndelige livet til en person som strever etter å oppnå lykke for sitt folk i kampen. På bildet av Herzen viste Ge den kollektive typen til de beste menneskene i sin tid.

N.N. Ge portrett av A.I. Herzen

Tradisjonene til Ges portretter ble plukket opp av slike mestere som V.G. Perov (portrett av F.M. Dostojevskij, 1872), I.N. Kramskoy (portrett av L.N. Tolstoy, 1873). Disse kunstnerne skapte et helt galleri med bilder av sine fremragende samtidige.
Bemerkelsesverdige typeportretter ble malt av I.E. Repin, som klarte å formidle den unike individualiteten til hver person veldig nøyaktig. Ved hjelp av korrekt bemerket gester, stillinger, ansiktsuttrykk gir mesteren en sosial og åndelig beskrivelse av det portretterte. En betydelig og viljesterk person dukker opp i portrettet av N.I. Pirogov. Naturens dype kunstneriske talent og lidenskap sees av betrakteren på lerretet hans som skildrer skuespillerinnen P.A. Strepetov (1882).

Portrett av skuespillerinnen Pelageya Antipovna Strepetova som Elizabeth. 1881

Glazunov_ Portrett av Ilya Reznik, 1999

Et stort bidrag til utviklingen av russisk portrett ble gitt av A.M. Shilov ("Portrett av akademiker I.L. Knunyants", 1974; "Portrett av Olya", 1974).

ER. Shilov. "Portrett av Olya", 1974

Materialer som brukes i fremstillingen av materialet