Familiehemmelighetene til Xenia Bashmet. Julia Kazantseva (piano)

Alle barn er forskjellige, og hver av dem trenger en tilnærming, sier Ksenia Yuryevna Bashmet, utdannet ved Moscow State Conservatory. P. I. Tchaikovsky, vinner av internasjonale festivaler og konkurranser. Barna hennes vet når moren deres er "på kanten", og det er bedre å ikke forstyrre henne. Ksenia fortalte mer om "subtile psykologiske øyeblikk", "trusler og utpressing" i et intervju.

Hvorfor bestemte du deg for å gi sønnen din navnet Grant?

Da jeg begynte å tenke på det, for patronymet og etternavnet Vladlenovich Ovanesyants, for balansen, var det nødvendig med et passende kort og klart navn! Dessuten er ikke navnet Grant veldig populært i Armenia, så ryktet hans er "ikke bortskjemt". Den eneste bekjente som heter Grant er en trompetist fra New Russia-orkesteret, vår venn, en veldig ekte og hel person.

Hvis jeg hadde visst at etternavnet til sønnen min senere skulle endres til Bashmet, så hadde jeg valgt et mindre pretensiøst navn.

Og nå er det det, ingen steder å gå, Grant Bashmet må bli en stjerne!

Hvordan kommer barna overens med hverandre? Hjelper sønnen til i oppdragelsen av datteren?

De rett og slett forguder hverandre. Grantik leker med henne veldig oppriktig. Ikke bare «tjener sin plikt», men kommer på noe som ville vært interessant for søsteren hans. De har allerede sine egne mellommenneskelige vitser, han skyter stadig Maya på video, viser alle, han er stolt!

For meg er alt fantastisk.

Jeg husket meg selv som barn, som var 6 år eldre enn broren min, og jeg ble rørt av ham, selvfølgelig, jeg elsket ham, men min mors sjeldne forespørsler om å følge ham var en byrde for meg - jeg tjente nettopp denne plikten! Derfor prøver jeg å ikke anstrenge sønnen min for mye, men han gjør en utmerket jobb med enkle oppdrag for å distrahere eller passe på søsteren sin.

Liker barn å høre på musikk?

Ja, selvfølgelig! Men ikke klassisk! Sønnen min bruker hodetelefoner hele tiden. Ganske ofte lar han meg høre på det han liker nå. Vi deler våre inntrykk. Det hender at jeg gjør ham oppmerksom på noe av vårt, faglige, noen elementer som han så vil gå gjennom solfeggio og teori, men jeg er ikke sikker på at dette er avsatt i hodet hans. Av og til ber jeg deg ta av deg hodetelefonene i bilen og, som en tjeneste for meg og for pedagogiske formål, lytte sammen, for eksempel en del av en eller annen symfoni som jeg virkelig liker! Jeg prøver å velge korte og raske deler. Han er motvillig enig, men så langt har han aldri latt seg rive med - hodetelefonene er rett der bak.

Jeg er sikker på at det ikke går forgjeves. En dag vil Grant bli "hekta" av klassisk musikk!

Og Mayechka er generelt utrolig musikalsk! Fra en veldig tidlig alder toner hun godt (du kan kjenne igjen melodien i opptredenen hennes), noe som er sjeldent for denne alderen. Han elsker å danse, føler veldig subtilt og reagerer på endringer i tempo. Avhengig av musikkens natur endrer han bevegelsene sine, elsker å spille piano.

Hva vil Grant bli?

Det ser ut til at han nå drømmer om å bli fotballspiller, selv om han faktisk studerer ved Central Music School ved Moskva-konservatoriet. P. I. Tsjaikovskij i fiolinklassen ...

Hvilke prinsipper, etter din mening, er de viktigste for å oppdra barn?

Mitt prinsipp er enkelt. Jeg er en av dem som ikke har kjærlighet til barn generelt, de er alle "lest" fra barndommen: du kan forstå hvordan karakteren deres vil bli dannet i fremtiden. Men de trenger å bli tilgitt, de slipper unna med alt. Jeg behandler barna mine som individer: Jeg snakker, jeg prøver å lytte ... De har aldri hørt setninger fra meg, som "du trenger ikke å vite dette, det er fortsatt lite" eller "ikke bland deg, nå er det ikke opp til deg.» Jeg forklarer alltid hva jeg gjør og hvorfor jeg ikke kan vie tid til dem akkurat nå, jeg prøver kreativt å unngå spørsmål som ikke er alderstilpassede, selv for min egen sammenbrudd på operasjonen, jeg tilpasset alltid konseptet etter faktum!

Foreldremesterverket mitt er setningen til den tre år gamle Grantik: "Mamma, jeg beklager at du kjeftet på meg."

Mine barn er forgudet bare av de som i prinsippet ikke liker barn!

Grant og Maya har gjentatte ganger overrasket meg med hvor subtile psykologiske øyeblikk de forstår i sin alder, hvor riktig de gjetter hva de skal si eller gjøre hvis jeg er på kanten (jeg er sent ute, ser etter noe viktig, setter opp en ruter osv. . ) Jeg løper rundt i huset og forbanner meg selv, skjebnen, HOA, bratsjnoter, hagehodet mitt, generelt sett, jeg snakker tull, slipper overflødig damp ut i atmosfæren. Det er en følelse av at de er foreldrene, de elsker sin psykopatiske datter og aksepterer henne så a priori.

Jeg vet ikke om dette er bra eller dårlig, men barna mine har den eneste og udiskutable autoriteten - mamma.

Dette passer meg ganske bra, men resten av de voksne "raser".

Yulia Alexandrovna Monastyrshina er en av de mest ettertraktede pianolærerne i Moskva. Arbeidet hennes utmerker seg ved virtuositet, utmerket klassisk lyd og rike dynamiske nyanser, repertoarmangfold. Hun ble født 28. september 1972 i Moskva.

Prestasjoner og faglige ferdigheter dekker et bredt spekter av områder innen musikkundervisning: en kjent pianist, vinner av internasjonale konkurranser. J. S. Bach i Leipzig og "Concertino Prague", Ph.D. i kunsthistorie, æret lærer, foreleser. Gir mesterklasser over hele verden, jobber i Australia, Japan, Østerrike, Tyskland, USA. Formatene for mesterklasser er forskjellige: et forelesningskurs, åpne leksjoner, kombinerte alternativer, etc.

De første musikalske ferdighetene ble lagt ned siden barndommen, hun var elev av T.P. Nikolaeva.

Etter uteksaminering fra Moskva-konservatoriet. P.I. Tchaikovsky, Yu. A. Monastyrshina deltok i internasjonale konkurranser, mottok tittelen prisvinner og vinner av mange av dem, opptrådte med konserter.

Etter et mislykket fall, som resulterte i en håndskade, stoppet Yulia Alexandrovna konsertaktiviteten sin, og konsentrerte seg om vitenskapelige og undervisningsaktiviteter.

Etter å ha mottatt tittelen kandidat for kunsthistorie, stoppet hun ikke der, og supplerte utdannelsen med Det økonomiske fakultet.

Ti år etter skaden ble evnen til å fremføre musikalske verk med sin iboende virtuositet gjenopprettet, og Yulia Alexandrovna kom tilbake til utøvende aktiviteter. Spesielt spilte hun inn plater, hvorav en er fullstendig viet til fremføringen av verk av I.S. Bach.

I dag hovedarbeidsstedet: Førsteamanuensis ved Institutt for verdensmusikalsk kultur ved Moscow State University of Design and Technology (tidligere State Classical Academy oppkalt etter Maimonides).

Yulia Alexandrovna Monastyrshina er forfatteren av mange teknikker som avslører funksjonene i fremføringen av musikalske verk, samt viet til teknikken for å spille piano.

For sine studenter og lyttere leser han et personlig forfatterkurs i utdannings- og metodologiske sentre i Moskva og Moskva-regionen.

På nettstedet kan du finne en fullstendig biografi, se bilder, samt bestille faglitteratur - bøker og læremidler.

Julia Monastyrskaya (Monastyrshina-Yadykina) er en blind pianist. Hun er vinner av mange internasjonale konkurranser, spesielt konkurransene oppkalt etter J.S. Bach i Leipzig og Praha-våren, vinneren av konkurransen oppkalt etter. L. blindeskrift og konkurransen "Filantrop". Julia er ikke bare utøver, men også musikkforsker, Ph.D. Derfor er alle innspillingene hennes ikke bare et resultat av lys ytelseskreativitet, men representerer også legemliggjørelsen av et visst filosofisk og vitenskapelig konsept av musikken som fremføres.
Pianisten ble født i Moskva 28. september 1972, hun ble uteksaminert fra Musikkhøgskolen. Ippolitova-Ivanova i klassen til S.N. Reshetov, studerte deretter ved Moskva-konservatoriet. P.I. Tchaikovsky, klasse av T.P. Nikolaeva. Intervjuet nedenfor vil på mange måter belyse de kunstneriske oppgavene som Yulia satte seg da hun laget sine første studioopptak.

— Fortell oss om hvordan du kom inn i Moskva-konservatoriet.
— Det var en morsom og samtidig lærerik historie som lærte meg å tro på meg selv. Det ble alltid trodd at det var nesten umulig å komme inn i vinterhagen uten å ha forbindelser, ingen fra skolen vår kom inn der, men jeg bestemte meg for å prøve, jeg fulgte "arbeider-bonde"-veien, jeg studerte ikke med noen av de konservatorielærere, gikk jeg ikke til konsultasjoner med professorer. Jeg husker godt at den dagen jeg skulle spille i den lille salen i konservatoriet (nemlig opptaksprøven for søkere der) var det en forferdelig hete, jeg måtte spille nesten helt på slutten, fordi mitt pikenavn er med bokstaven "jeg". Det betydde at sjansen for at noen fra opptakskomiteen ville høre på meg etter mange timer med «revisjon» av dusinvis av søkere uten klimaanlegg ved en temperatur på trettifem grader var null eller nær det. Min tur kom, læreren min fortalte meg: «Jeg så på de som satt i gangen: noen tok en lur, noen leste en avis eller gjettet kryssord. Din eneste oppgave nå er å få dem til å legge til side utskriftene sine, som de nå vifter med. Jeg gikk på scenen, satte meg ved pianoet, så inn i salen og sa til meg selv: "Du vil høre på meg, du vil høre på meg, for jeg har noe å fortelle deg." Jeg spilte J.S. Bachs preludium og fuga i Es-moll fra første bind av CTC. Dette er ekstremt tragisk og vanvittig vanskelig musikk å fremføre. Da jeg var ferdig, skjønte jeg at ansiktet mitt var dekket av svette, hendene mine var også våte, men jeg visste nøyaktig hva jeg hadde gjort! Det var en tragisk prestasjon og en katarsis på slutten - det var dødsstille i salen, og ingenting brøt den hellige pausen på slutten av musikken. Så begynte jeg å spille Mozart, etter noen takter ble jeg stoppet. "Vel, hvordan?" Jeg ble spurt av de nysgjerrige bak scenen, som mitt tilfeldige svar fulgte: "Jeg kom inn." Det var vanskeligheter med skriftlig eksamen, spesielt med solfeggio og harmoni. Siden jeg er blind, kan jeg ikke skrive musikk. De møtte meg halvveis, jeg spilte diktatet på piano, og det kom ikke engang til å bestå harmonieksamenen, for uventet for meg selv besto jeg den allerede på konsultasjonen til eksamen: vi spilte en endeløs harmonisk sekvens og inviterte noen å svare på hvilke akkorder den består av. Av en eller annen grunn meldte ingen seg frivillig til å svare, og jeg var fryktelig sjenert, men likevel, da jeg overvant sjenertheten min, reiste jeg meg, gikk til pianoet og spilte en "kjede med økt vanskelighetsgrad". Jeg fikk beskjed om at jeg ikke kunne delta på eksamen. Så etter å ha bestått alt og bestått alle hindringene, ble jeg likevel student ved konservatoriet, mens jeg ikke en gang visste hvem jeg skulle studere med, og lurte på hvem jeg ville komme i klasse med. Jeg dro til sjøen til begynnelsen av skoleåret, og da jeg kom tilbake, sa bestemoren min: "Noen Tatyana Petrovna Nikolaeva ringte deg flere ganger og ba deg ringe tilbake. Hva vil hun deg?" Den verdensberømte pianisten, leder for pianofakultetet ved konservatoriet ba meg ringe tilbake, og på telefonen hørte jeg: "Baby, vil du gå med på å studere med meg?".
— Hva ga leksjonene med Tatyana Petrovna Nikolaeva deg?
- En masse ting. For det første har timene våre aldri eller nesten aldri vært én-til-én. Alt dette fant sted i sjangeren "minikonsert": alle elevene satt, i tillegg til de inviterte - minst tjue personer i klassen. Tatyana Petrovna snakket lite og var overhodet ikke tilbøyelig til å snakke om musikk, men selve det faktum å opptre offentlig ga meg mye. I tillegg forenklet Nikolaeva prosessen med å memorere nye verk for meg. Faktum er at jeg ble forferdelig plaget, og prøvde å demontere notatene med et forstørrelsesglass, det ble mer og mer vanskelig å gjøre dette, da synet mitt falt. En gang viste jeg Tatyana Petrovna partituret i e-moll av J.S. Bach, spilt inn på den første platen, og det viste seg at når jeg analyserte teksten, gjorde jeg mange unøyaktigheter knyttet til det faktum at jeg rett og slett ikke så den lille musikalske teksten. Og så sa Nikolaeva uventet: «Hvorfor lærer du ikke musikk fra plater? Vel, i det minste fra min? Først virket det for meg som om dette var et urealistisk foretak, men så ble jeg involvert og nå lærer jeg musikk ganske raskt, og bruker lydopptak den dag i dag. "Stempler" andres tolkning min egen ytelse?" - du spør. Svar: "Nei, det gjør det ikke." Enhver kunstner er engasjert i å kopiere maleriene til store mestere i museer. Jeg tror det er nyttig for enhver musiker å engasjere seg i denne typen "kopiering", når pianisten gjengir med den største nøyaktighet de minste detaljene i fremføringen til en av de store "mestrene i pianoforte" - V. Horowitz, G. Gould, S. Rachmaninov, etc. Men på slutten må du si ditt eget ord, sørg for å ta med noe eget. Jeg liker å spille kjent musikk. Det er alltid interessant å følge en vei tilbakelagt av millioner før deg, og likevel finne noe på den som andre ikke har lagt merke til. Jeg er interessert i å oppdage «nye betydninger» i klassiske hits når de plutselig dukker opp i dekke av «kjente fremmede». For meg er dette perspektivet viktig så å si et «fresh look» på kjente ting.
— Hva skjedde etter vinterhagen?
– Det var flere internasjonale konkurranser, seire og prisvinnere, aktiv konsertaktivitet, og så ble det slutt over natten – jeg gikk langs overgangen, så ikke de siste stegene, falt og skadet høyre hånd. Dette var slutten på min pianistiske karriere, selv om jeg ble behandlet lenge, uten å resignere og uten å gi opp. Men fortsatt, som de sier, "stor sport" måtte forlates. For meg var dette en virkelig tragedie, og mye mer enn min uhelbredelige øyesykdom og stadig synkende syn. Jeg visste ikke, jeg forestilte meg ikke i det hele tatt hvordan jeg skulle leve videre, hva jeg skulle gjøre. Til slutt bestemte hun seg for å oppdage andre talenter i seg selv, disputerte, ble en kunsthistoriekandidat, fikk en økonomisk utdannelse og en god jobb. Men hele denne tiden var det som om jeg ikke levde, men eksisterte. Jeg kunne beskrive meg selv med ordene til helten i en berømt film, som ble spurt: "Hva har du gjort i alle disse årene?". Svaret var: «Jeg la meg tidlig». Og nå har det gått mer enn ti år, Herren hørte mine bønner, hendene mine fikk tilbake evnen til å spille.
— Du — blind musiker. Hvordan opplever du sykdommen din?
– Jeg tror ikke at dette er en plage, snarere et tegn på å være valgt. Herren "kysset" meg nøyaktig, tok fra meg synet, men ga meg mye mer - evnen til å føle og forstå verden, musikk gjennom åndelig syn. Andre mennesker, som ser på meg, burde være glade om bare fordi de er friske, for i min dype overbevisning er helse og talent to ting i livet som ikke kan kjøpes. I tillegg er jeg en virkelig lykkelig person, siden det ikke er noen dårlige mennesker rundt meg - alle de "slemme gutta" unngår instinktivt folk som meg. Og en ting til: Jeg lærte for lenge siden å gjøre denne mangelen til en stor fordel - det er mange kvinner i verden som er vakrere enn meg, men ingen av dem har min "glede" - blindhet.
— Hva er din holdning til å spille inn i studio?
— Disse platene er et «andre liv» for meg, en retur etter mer enn ti års pause. Jeg er selvfølgelig allerede glemt. På den ene siden forstår jeg godt at det er helt galskap å prøve å starte en karriere som konsertpianist igjen i min alder. Men på den annen side er yrket som pianist unikt: dansere forlater scenen ved 35-årsalderen, sangere slutter rundt 50. I en alder av 40 har en pianist allerede åndelig bagasje, han har noe å si, og viktigst av alt, noe å si. Et levende eksempel på dette er Moskva-konsertene til den åtti år gamle Horowitz. Når det gjelder lydopptak som sådan, er det for meg et mer hensiktsmessig og behagelig miljø for fremføring. Under forholdene i studioet oppnår du større raffinement, større perfeksjon i implementeringen av ideene dine. I en konsert er det mange faktorer som forstyrrer: scenespenning, spotlights osv. Under forholdene i studioet er det alltid lett for meg å se for meg at publikum sitter i salen, generelt sett er jeg en pianist i studioet i større grad enn konsertscenen.
— Hva er din kreative credo?
– Ikke «spille musikk», men «framføre den». Mange utøvere følger «øyeblikket» som kommer ovenfra i dette spesielle øyeblikket av opptreden. For meg er fremføringen av et verk et resultat av lange refleksjoner over den fremførte og til og med musikkologisk forskning. Jeg liker å gå tilbake til det tidligere spilte og oppdage nye fasetter i det. Tross alt er den første kontakten med verket bare "toppen av isfjellet", og alt annet er skjult "under vann". En ekte tolk kan fullstendig endre betydningen av musikken som spilles. Dette minner litt om den berømte setningen, hvis betydning endres fullstendig avhengig av hvor du skal sette kommaet: "Utfør, du kan ikke benåde" eller "Du kan ikke henrette, du har nåde."
— Hva er pianoet for deg?
- Interesse Spør. Min favorittpianist Glen Gould sa en gang: "Jeg ble pianist ved en tilfeldighet, så jeg spiller musikk på piano." Jeg kan ikke si det samme om meg selv – jeg ble født som pianist og jeg kan ikke forestille meg å spille et annet instrument. Min visjon av pianoet er fullstendig sammenfallende med måten T. Mann så og forsto det på: «Pianot», sa han, «er ikke et instrument blant andre, siden det er blottet for instrumentelle detaljer. Riktignok gjør pianoet det mulig for solisten å vise frem virtuositeten i sin fremførelse, men dette er et spesielt tilfelle, mer presist, et direkte misbruk av pianoet. Faktisk er pianoet den direkte og suverene representanten for musikken som sådan, musikken i dens rene spiritualitet ...". Enkelt sagt er pianoet for meg en slags "matrise" for å spille ikke så mye pianomusikk, det vil si musikk skrevet spesielt for piano, men musikk som sådan. Jeg liker å spille på pianomusikk skrevet for andre instrumenter, det vil si musikk som ligger utenfor pianosonoritetsfeltet. Av størst interesse for meg er "ikke-pianomusikk" som kan spilles på piano. Slik er for eksempel klavermusikken til J.S. Bach.
— Den første platen består utelukkende av Bachs komposisjoner. Hva betyr J.S. Bach for deg?
— Bach er favorittkomponisten min, dessuten er dette den komponisten som fungerer best for meg. Det fantastiske faktum er at Bach ikke har noen "svak" musikk i det hele tatt! Alt han skrev er enten rett og slett strålende eller uforståelig... Hver tone av Bach bærer en refleksjon av noe stort og enormt. Når du står på kysten, vet du nøyaktig hva som er foran deg: bukten, det åpne havet eller havet. Denne kunnskapen oppstår i henhold til noen unnvikende tegn; kanskje det er vindens styrke eller høyden på bølgene. Når det gjelder Bach, er du alltid på havet. Bachs musikk er musikk i siste instans, og det primære i den er «musikalsk forkynnelse». Alt Bach skrev var en tjeneste for Gud, en tolkning av en hellig tekst gjennom lyder. Jeg oppdaget dette ganske nylig - i nesten alle komposisjonene hans skjer det et mirakel: la oss i det minste ta opptakten i C-dur fra det første bindet av Det Veltempererte Clavier. I følge Yavorsky er dette kunngjøringen, erkeengelen flyr til Maria for å fortelle henne nyheten om at Messias vil bli født til henne. Det er utrolig hvordan miraklet med den ubesmittede unnfangelsen utføres rett foran øynene våre mens musikken spilles!
— Hva er det viktigste for deg i denne musikken?
- Kjøre. Bach er ideell for å formidle energien til utøveren til lytteren. Framføringen av Bachs musikk er alltid en «introduksjon» av publikum i en slags transetilstand, en slags hypnose. Østlig visdom snakker om en persons predestinasjon for en bestemt virksomhet i livet. Jeg spurte: "Og hvis en person har mistet den fysiske evnen til å gjøre denne virksomheten?", Og jeg hørte svaret: "Da vil han gjøre denne forretningen for seg selv, i sin sjel." I alle disse årene har jeg spilt piano for meg selv, lært nye stykker og jobbet gjennom dem med mitt indre øre.
— Blant andre Bach-stykker spiller du en fransk suite. Hvorfor er hun det?
— Jeg kan mange tolkninger av Bachs klaversuiter, og nesten alle utøvere glemmer at dette først og fremst er en dans, og en dans fra Solkongens galante tidsalder. Det er overraskende at Bach, som aldri reiste utenfor Tyskland, var i stand til å formidle den franske høviske kulturens ånd så fortryllende nøyaktig. I hovedsak er musikk en fortsettelse av sosial skravling, men meningsfull skravling når livet er et høflig spill. All denne musikken er ekstremt estetisert, raffinert og litt pretensiøs, det er ingen sanne følelser her, men det er et "spill med følelser", alt er "ikke seriøst". Hele det musikalske stoffet består av "buer", "curtseys" og "små trinn". Courante, som ser ut til å være en folkedans, er egentlig en stilisering, dette er aristokrater kledd som gjetere og gjeterinner, som skildrer en pastoral. Sarabande er det filosofiske sentrum av suiten. Bachs sarabander er vanskelige å spille. Det ser ut til å være improvisasjon, men improvisasjon, "lenket" til en jernrytme. Den ekstreme følelsen i improvisasjonen er kombinert med roen til en spesiell type sarabande-rytme, og dette er virkelig vanvittig vanskelig å kombinere.
— Det er mange stridigheter om hvordan Bachs musikk skal spilles. Hva synes du om det?
– For meg er en Bach-melodi «ikke et flatt bilde», men et «bas-relieff», når et melodisk mønster, i tillegg til de to vanlige dimensjonene – tonehøyde og lengde i tid, får en tredje dimensjon – volum. Melodien er ikke spilt, men "skulpturert" som basrelieffer på antikke greske vaser. Kamphelter er avbildet der, og et ornament slynger seg mellom dem. Jeg har alltid vært interessert i spørsmålet: hva er hovedsaken her, og hva er bakgrunnen for - et ornament for figurer eller figurer for et ornament? Noe lignende skjer med Bach. Når jeg spiller musikken til Bach, prøver jeg å ikke øke hastigheten og senke farten, alt i samme tempo, med "svart-hvitt"-dynamikk, men det er overraskelser i hver sving!
— Hva er dine kreative planer for Bach?
— Jeg drømmer om å spille inn 2-stemmes oppfinnelser og 3-stemmes symfonier, alle franske, engelske suiter og partitas. Den viktigste oppgaven er å gi ut en antologi med klavermusikk av J.S. Bach. Jeg har noe å si på dette området.
— Mozart — din favorittkomponist?
— Ja, det er sant, men jeg begynte å forstå musikken hans relativt nylig. Mozart er en av de vanskeligste komponistene å forstå. Til tross for den tilsynelatende enkelheten og harmonien, søker han ikke "i det hele tatt" å kommunisere med utøveren, og enda mer med lytteren. For å være i samsvar med kunsten til Mozart, må du "vokse opp", "modnes" til den. Mozarts hendelser finner sted i en slik "hastighet" at en vanlig person ikke er underlagt: plutselig, midt i all denne utstrålingen, en ustoppelig feiring av livet, oppstår noe så forferdelig, "en dødelig visjon, plutselig mørke eller noe slik" ( A.S. Pushkin, "Mozart og Salieri") - det blir ubehagelig, men dette "noe" varer et øyeblikk, og så - igjen en ferie! Men mens du spiller, må du ha tid til å se inn i "speilet" et sekund og – viktigst av alt – gå tilbake. Slike emosjonelle «vendinger» er kanskje det vanskeligste i scenekunsten. Det er nok derfor det er så få som spiller Mozarts musikk veldig bra. Forresten, alt det ovennevnte gjelder for en annen komponist presentert på den andre platen - Franz Schubert.
— Opus 110 av L. Beethoven, hvorfor bestemte du deg for å fremføre den?
"Utføre" er litt feil ord, denne musikken kan ikke fremføres, i det minste i denne verden, du kan bare nærme deg den og være i "en refleksjon av dens utstråling". Jeg spilte opus 110 i mange, mange år siden min tidlige ungdom, og først nå innså jeg at jeg var internt klar til å kommunisere med dette flotte verket. Legg merke til at andre Beethoven-sonater opp til den trettiførste ganske enkelt kalles sonater, men denne kalles alltid "opus 110", som om et så dagligdags ord som "sonate" ikke er verdig å kalle denne musikken. For meg er opus 110 en dypt personlig historie. Jeg lyver ikke hvis jeg sier at akkurat denne komposisjonen av Beethoven har vært min «ledestjerne», min «skytsengel» i alle disse årene. Beethoven og jeg har et sted lignende skjebner: han ble døv, jeg ble blind, han ble forlatt av alle, og på et tidspunkt mistet jeg meg selv i livet. Når det var spesielt vanskelig for meg, satte jeg meg ned ved instrumentet og begynte å spille opus 110, og musikken ga meg det jeg trengte så mye – styrke i sinnet, styrke til å leve og overleve. Det er veldig vanskelig å si hva musikken til Beethovens sene pianosonater handler om, siden det ikke er musikk i allment akseptert forstand, det er "snarere en objektivitet som lener mot konvensjon enn den mest despotiske subjektivismen" ( T. Mann, "Doktor Faustus"). Jeg vil imidlertid ta meg friheten å si at jeg vet hva denne musikken handler om: den handler om hvordan du, etter å ha mistet hver eneste ytre motivasjon, kan finne meningen i deg selv å fortsette å leve videre. Finalen i opus 110 har en veldig kompleks struktur: tragiske adagios veksler med livsbekreftende fuger – jeg sa nettopp dette og forsto tydelig at ord ikke engang i den minste grad kan gjenspeile alle de kosmiske åpenbaringene i denne sonaten. Enkelt sagt, i et adagio må du dø, og i en fuga må du "gjenoppstå", "reise deg fra asken". Men er glede mulig etter slik tristhet? Er det mulig å møtes etter en slik separasjon? Beethoven svarer: «Ja, hvis du vil være lykkelig, så er det!». Ingen ytre omstendigheter, blindhet, døvhet osv. kan forhindre dette!
– Hvorfor bestemte du deg for å spille inn en så kjent og, kan man si, «pålagt alles ører»-komposisjon, som Tsjaikovskijs «Årtidene»?
— Fordi det er det beste av det Tsjaikovskij skrev for piano, og generelt sett er The Four Seasons, etter min mening, et av de mest betydningsfulle mesterverkene innen pianomusikk generelt. Du spør: «Men hva med den første klaverkonserten?» Ja, selvfølgelig, det vil absolutt fengsle den geniale introduksjonen i stil med polonesen, men alt som følger er flere størrelsesordener dårligere enn begynnelsen. Syklusen "Årtidene" er så perfekt at det er umulig å legge til eller trekke fra en enkelt tone her. Fjern minst én murstein fra denne "bygningen", og den vil smuldre. I tillegg er dette et verk av kosmisk skala. En landskapsskisse over årstidene er vel bare en hundredel av betydningene og åpenbaringene som er her. Titlene på skuespillene er bare "toppen av isfjellet", alt annet er skjult "under vann". Jeg tenkte lenge på denne musikken, jeg "pleiet" den i lang tid, og jo mer jeg spilte den, jo flere betydninger av denne fantastiske musikken ble avslørt for meg. Syklusen er tydelig tredelt: «Christmas» (desember) – en slags reprise av januar «At the Fireside»; "Troika" (november) - en reprise av "Maslenitsa" (februar); The Lark er en forløper til Autumn Song (oktober) - hvoretter det er veldig vanskelig å fortsette spillet. Dette er en av de mest tragiske og håpløse kreasjonene i musikken, det er tunge regndråper som trett faller ned på gravsteiner, og en begravelsesklokke på slutten. Når du tenker på dette stykket, forstår du at Tsjaikovskij uansett ville ha tatt sitt eget liv, selv om ytre omstendigheter ikke hadde tvunget ham til det. Lerken er musikk om en fugl med brukket vinge, om en fugl som aldri vil fly igjen. «fastelavn» – Jeg hadde aldri trodd at en så livlig sjangerscene kunne tegnes med lyder: nesten i virkeligheten ser jeg hvordan noen går oppover, en snøball blir kastet mot ham, og han ruller pladask; en skolejente flørter med en skolegutt, plutselig en full kilet inn mellom dem, og så videre. «Høst» er ikke bare et bilde av bondelivet, tittelen på stykket skal forstås i middelaldersk forstand, der «høst» under pestepidemier betydde «dødshøst». «At the Fireside» er kanskje mitt favorittspill, her «livets ildsteder» side om side, varme, komfort, nærhet til en kjær og kulde, ensomhet, livløshet av det som er «utenfor vinduet». "Barcarolle" (juni) - aldri før har jeg vært nødt til å møte en barcarolle ikke for tre, men for fire kvarter. Det siste stykket av "Svyatki" er en vals av fluffy, glitrende hvit snø; en spent Natasha Rostova danser sin første vals på sitt første ball i livet, og på slutten - en plutselig vekket sensualitet, en gnist som rant mellom disse to - og igjen skimrende hvit snø. Jeg håper virkelig at opptredenen min i det minste vil "avsløre" for lytteren hva jeg vet og føler i denne musikken - melankolien som drev den russiske intelligentsiaen til selvmord.

Dedikasjon av Valentin Zagoryansky (Gleb Sedelnikov)

På slutten av 2011 ga musikkforlaget Artservis ut tre plater av pianisten Yulia Monastyrskaya med musikk av Bach, Mozart, Beethoven, Schubert og Tsjaikovskijs Årstidene. Jeg kan ikke annet enn å si om det, jeg vil ikke være redd for dette ordet, begivenheten. Når du hører på disse opptakene får du umiddelbart følelsen av at det er den eneste måten disse komposisjonene bør fremføres på. Du kan imidlertid lese om komposisjonene og utøverens credo i platens merknader og på siden hennes på forlagets nettside. Nå vil jeg huske hvordan en 17 år gammel jente en gang kom til meg og begynte å spille Chopins Fantasia i f-moll. Jeg skal prøve å beskrive hva som plutselig skjedde. I stedet for denne jenta og det gamle ødelagte pianoet mitt, dukket det opp en enorm, uforståelig levende skapning i rommet - musikk, et ekte mirakel ble skapt to meter fra meg! Spilt av Yulia Yadykina!..

På foredragskonserter i Rachmaninoff-huset vil vi snakke om hvordan russisk klassisk musikk begynner; hvem er komponistene av "Mighty Handful" og hva de ikke delte med Tchaikovsky; hvorfor Glinka er vår første store komponist; som Tsjaikovskij betraktet som sin etterfølger og hva som skjedde med russisk musikk på 1900-tallet.

Konsert en. Glemte navn på 1700-tallet: I.Khandoshkin, L.Gurilev, D.Bortnyansky, V.Karaulov

Det anses tradisjonelt at russisk klassisk musikk begynner i andre halvdel av 1700-tallet. Vi ble med i europeisk musikk ganske sent, etter å ha hoppet over hele barokktiden. 1700-tallet for oss er tiden for å mestre den europeiske stilen. Men vi mestret det overraskende raskt, og allerede i XIX-århundre begynte russiske komponister å påvirke europeisk musikk. Vi skal snakke om hvordan det hele begynte. Og selvfølgelig vil vi lytte til verkene til "musikalske pionerer": anonym, I. Khandoshkin, D. Bortnyansky, L. Khandoshkin, L. Gurilev og andre.

Program for forelesninger og konserter:

Anonym: fra "Book of Bass General Avdotya Ivanova"
- I. Khandoshkin: Variasjoner over temaet for den russiske folkesangen "Vil jeg gå ut til elven"
- D. Kashin: Russisk sang "I drove a herd into the field"
- D. Bortnyansky: Allegro moderato fra Sonaten i B-dur; Larghetto fra Sonate i F-dur; Rondo fra Sonate i C-dur
- L. Gurilev: Seks preludier
- O. Kozlovsky: Polonaise-pastoral; To countrydanser; Polonaise med temaet for den ukrainske folkesangen "Please, Madam"
D. Saltykov: Siciliana
V. Karaulov: Variasjoner
I mai venter vi på fortsettelsen av prosjektet (hele syklusen består av 7 konserter)

"Si et ord om stakkars Khandoshkin."
Hvor raskt alt er i musikkens verden. 1795 Variasjoner for klaver av Ivan Efstafievich Khandoshkin publiseres (for et navn! Du bare uttaler det høres rett og slett sjarmerende ut), og mindre enn 100 år senere i 1874 skriver Mussorgsky "Bilder på en utstilling", og etter ytterligere 60 år skriver Shostakovich 24 Preludes . Da vi studerte, og det var et kurs i musikkhistorie, virket det som om alt gikk så tregt
Lite er kjent om Khandoshkin. Fra en familie av livegne musikere tjenestegjorde han med grev Naryshkin, spilte fiolin utmerket (det ser ut til at selv han ble sendt til utlandet for å studere), deretter i orkesteret til Peter III. Ikke engang et portrett av Khandoshkin gjensto. Han skrev mer enn 100 verk, ikke mye har kommet ned til oss, inkludert disse variasjonene. De kan lyttes til.

Fint bilde, ikke sant? Vil du ikke prøve denne livsstilen?
Smarte mennesker sier at musikk formidler tidsånden som ingen annen kunst. Her er et vers fra 1700-tallet:
"Uten kjærlighet og uten lidenskap,
Alle dager er ubehagelige:
Det er nødvendig å sukke slik at lidenskap
Lyubovny var bemerkelsesverdige.
(Trediakovsky)
Du kan fnise, men ånden her er ikke så følt
Og musikken på 1700-tallet er en helt annen sak. Dette er wienerklassikerne. Det er urettferdig å sammenligne russiske komponister med disse himmellegemene, men de hadde alle en felles holdning:
«Det er så få glade og tilfredse mennesker i denne verden», skrev den sytti år gamle Haydn, «overalt er de hjemsøkt av sorg og bekymringer; kanskje musikk vil tjene som en kilde som en person full av bekymringer og tynget av virksomhet vil trekke fred og hvile fra.
Jeg spiller Bortnyansky og tegner, jeg spiller Khandoshkin med Gurilev og tegner

Julia, fortell oss hvordan du kombinerte å få en generell utdanning, det vil si å studere vanlige fag, med en musikalsk utdanning.

- Musikkhøgskolen kombinerer veldig organisk generell utdanning og spesialisert musikkpensum. Det er veldig praktisk at du får all nødvendig kunnskap på ett sted. Og du trenger ikke å reise til ulike utdanningsinstitusjoner i ulike deler av byen.

Musiker - dette er et av få yrker du trenger å lære fra tidlig barndom. Var du i tvil da du valgte veien? Har du tenkt på å slutte med alt?

Det er vanskelig å tvinge noen til å bli forelsket i musikk. Du kan selvfølgelig veilede barnet i barndommen, vise ham noe, introdusere ham til kunstens magiske verden. Men du kan ikke bestemme for ham. Tross alt er yrket som musiker en veldig vanskelig vei. Du kan ikke hacke her, så barnet må være ansvarlig og i stand til full dedikasjon. Du må gjøre mye og hver dag - selvfølgelig passer dette ikke for alle.

Jeg var også i tvil, spesielt i perioder med mislykkede opptredener på konkurranser. Uansett hvor godt forberedt du er, kan alt skje. I tider som disse er det spesielt viktig å ha støtte fra sine nærmeste. For over tid skjønner du fortsatt at dette er livet, og det er opp- og nedturer i det. Og hvis du falt, er det ikke skummelt. Du trenger bare å reise deg og gå videre, hele tiden sette deg nye mål og nå dem.

Jeg vet at du nå underviser ved Secondary Specialized College of Music, ved Institutt for spesialpiano. Fortell oss litt om elevene dine. Er den valgte veien vanskelig for dem?

De er alle talentfulle og veldig forskjellige. Hver trenger en egen tilnærming. Jeg prøver å se en personlighet hos hver elev, selv den minste. De føler det og blir derfor mer ansvarlige og strever fremover. Det er veldig viktig. De fleste av studentene mine som ble uteksaminert fra høyskolen fortsetter sine studier ved musikkuniversiteter i republikken og Russland.

Jeg har hatt anledning til å støtte og veilede elevene mine i vanskelige perioder av livet for dem, når de tvilte på yrkesvalget og ikke ønsket å fortsette.

Et barn trenger alltid råd fra en voksen, en klok person, støtte og et vennlig ord er nødvendig. Det viktigste er å gjøre det klart at dette kan skje med hvem som helst, og det er ikke vanskelig for ham alene. Det er vanskelig i ethvert yrke, og hvert yrke krever arbeid.

– Er det mulig å komme inn på en musikkskole eller universitet uten talent, men med mye utholdenhet og flid?

Talent består i prinsippet av utholdenhet og flid. Dette er et kumulativt konsept. Enhver person i alle aldre kan læres å spille et hvilket som helst musikkinstrument. Spørsmålet er hvor godt han vil gjøre det til slutt. Evner er medfødt, men det er også ervervet. Du kan utvikle hvilken som helst evne i deg selv hvis du jobber hardt.