Beskrivelse av en vrubel prinsessesvane. Beskrivelse av kunstverket «Svaneprinsessen

Vrubel Mikhail Alexandrovich er en av de berømte russiske kunstnerne på 1800- og 1900-tallet.
På sine lerreter vekker han russiske folkeeventyr, epos og legender til live.
Etter å ha besøkt den private operaen til S. Mamontov en gang, ble Mikhail Vrubel inspirert til å skrive maleriet "Svaneprinsessen".
Den er dedikert til karakteren til operaen N.A.
Rimsky-Korsakov basert på det velkjente eventyret av A.S.
Pushkin "The Tale of Tsar Sultan".

Stoffet er bare fantastisk.
På bildet skildret forfatteren øyeblikket da prinsessen blir til en svane.
En veldig vakker jente, snudde seg mot oss og ser mystisk bakfra.
På hodet hennes er det en dyr krone med smykker.
Et langt slør faller fra det til gulvet, glitrende av juveler langs kanten.
Under sløret kan du se en mørk tykk flette.
I ansiktet kan du lese tristhet og ensomhet.
Øynene er veldig uttrykksfulle og du kan se farvel i dem.
Hun må igjen bli en ensom fugl og svømme trist på bølgene.
Vi kan ikke se klærne hennes, siden hele kroppen hennes allerede er dekket med fjær, bare ansiktet og hendene gjenstår.
Store vinger spredt ut på begge sider av jenta, som om de vil skjule henne for øynene våre så snart som mulig.

I det fjerne av bildet kan man se slottet til Tsar Sultan.
Dette er den eneste brune flekken på bildet.
Alle andre farger er hvite og blå.
Himmelen i bakgrunnen er mørk, mørk og du kan se hvordan havet raser, hvordan bølgene slår mot kysten og skummer av sinne.
Ingen ønsker å skille seg fra en slik skjønnhet.
Og bare det faktum at Svaneprinsessen er veldig lys mot hele den mørke bakgrunnen forteller oss at hun vil komme tilbake til oss i form av en skjønnhet.

Mikhail Vrubel, med sin reproduksjon av Svaneprinsessen, ønsker å vise oss hvor vakre kvinnene våre er og til tross for at de er skjøre og forsvarsløse, uten deres støtte og støtte, ville ikke en eneste konge hatt slik makt.

Lidenskapelig kjærlighet til naturen hjelper kunstneren til å formidle sin skjønnhet. De frodige klyngene av Vrubels "Lillas" (1900, Tretyakov-galleriet), blinker med lilla ild, lever, puster og lukter velduftende i utstrålingen av en stjerneklar natt. En av Vrubels samtidige skrev: "Naturen blindet ham ... fordi han kikket for nøye inn i hennes hemmeligheter."

Sammen med episke temaer har Vrubel jobbet med bildet av Demon gjennom hele 90-tallet. I et av brevene til faren er kunstnerens idé om Demonen uttrykt: " Demonen er ikke så mye en ond ånd som en lidende og sørgmodig, med alt dette en dominerende, majestetisk ånd". Det første forsøket på å løse dette emnet dateres tilbake til 1885, men verket ble ødelagt av Vrubel.

I maleriet "Seated Demon" (1890, State Tretyakov Gallery) er en ung titan avbildet i solnedgangens stråler på toppen av en stein. Den kraftige vakre kroppen ser ikke ut til å passe inn i rammen, hendene er rynkete, ansiktet er rørende vakkert, umenneskelig sorg i øynene. Vrubels «Demon» er en kombinasjon av motsetninger: skjønnhet, storhet, styrke og samtidig stivhet, hjelpeløshet, melankoli; den er omgitt av en fabelaktig vakker, men forsteinet, kald verden. Det er kontraster i fargen på bildet. Kald syrinfarge "kjemper" med varmt oransje-gull. Bergarter, blomster, figuren er malt på en spesiell måte, på Vrubels vis: kunstneren skjærer så å si formen i separate fasetter og det ser ut til at verden er vevd av juvelblokker. Det er en følelse av originalitet.

Vrubel tenker i fantastiske bilder, og er nært knyttet til livet rundt, hans Demon er dypt moderne, den reflekterte ikke bare kunstnerens personlige følelsesmessige opplevelser, men selve epoken med dens kontraster og motsetninger. Som skrevet A. Blok : "Vrubels demon er et symbol på vår tid, verken natt eller dag, verken mørke eller lys".

I 1891, for jubileumsutgaven av verkene hans Lermontov under redaksjon av Konchalovsky fullførte Vrubel illustrasjonene, av de tretti-halvparten tilhørte "Demon". Disse illustrasjonene representerer i hovedsak uavhengige verk, viktige i historien til russisk bokgrafikk, og vitner om Vrubels dype forståelse av Lermontovs poesi. Spesielt bemerkelsesverdig er akvarellen "Demon's Head". Hun er virkelig monumental. På bakgrunn av steinete snødekte topper - et hode med en hatt av svarte krøller. Et blekt ansikt, uttørket, som svidd av indre ild, lepper, brennende øyne med et gjennomtrengende blikk, med et uttrykk av uutholdelig pine. I dette blikket - tørsten etter "kunnskap og frihet", tvilens opprørske ånd.

Noen år senere skrev Vrubel The Flying Demon (1899, Russian Museum). Bildet er gjennomsyret av et forvarsel om død, undergang. Fargen på bildet er dyster.

Og til slutt, det siste maleriet, "The Downcast Demon", tilhører årene 1901-1902, Vrubel jobbet hardt og smertefullt med det. A. Benois minner om at bildet allerede var på World of Art-utstillingen, og Vrubel fortsatte fortsatt å omskrive ansiktet til Demonen, og endret farge.

Den ødelagte, deformerte kroppen til Demonen med brukne vinger er strukket ut i kløften, øynene brenner av sinne. Verden stuper inn i skumringen, den siste strålen blinker på Demonens krone, på toppen av fjellene. Den opprørske ånden blir styrtet, men ikke brutt.

Samtidige så i dette bildet en protesterende begynnelse, en vakker udempet person. Ord kommer til hjernen A. Blok : "Hvilken umiddelbar impotens! Tiden er en lett røyk! Vi vil spre vingene igjen! Vi flyr bort igjen! .." og sa litt senere Chaliapin : "Og han skrev sine Demoner! Sterk, skummel, skummel og uimotståelig ... Min Demon er fra Vrubel."

Da han fullførte den beseirede demonen, ble Mikhail Alexandrovich Vrubel alvorlig syk og ble plassert på sykehus. Med korte pauser varer sykdommen til 1904, deretter oppstår en kort bedring.

I 1904 drar han til Petersburg. Den siste perioden med kreativitet begynner.

I 1904 skrev Vrubel "Seksvingede serafer", i henhold til planen knyttet til Pushkins dikt "Profet". En mektig engel i en glitrende iriserende fjærdrakt fortsetter til en viss grad temaet om Demon, men dette bildet er kjent for sin integritet og harmoni.

I de siste årene av sitt liv skapte Vrubel et av de mest delikate, skjøre bildene - "Portrett av N. I. Zabela mot bakteppet av bjørketrær" (1904, Russisk museum). Interessante selvportretter tilhører samme periode. Siden 1905 har kunstneren vært på sykehuset konstant, men fortsetter å jobbe, og viser seg som en strålende tegner. Han maler scener av sykehuslivet, portretter av leger, landskap. Tegninger laget på en annen måte utmerker seg ved nøyaktig observasjon, stor emosjonalitet. Dr. Usoltsev, som behandlet Vrubel, skriver: " Han var en kreativ kunstner med hele sitt vesen, ned til de dypeste fordypninger i sin psykiske personlighet. Han skapte alltid, kan man si, kontinuerlig, og kreativiteten var for ham like "lett og like nødvendig som å puste. Mens en person er i live, puster han alt, mens Vrubel pustet - han skapte alt".

Noen år før hans død begynte Vrubel å jobbe med et portrett V. Bryusova (1906, Russisk museum). En tid senere skrev Bryusov at han hele livet prøvde å være som dette portrettet. Vrubel hadde ikke tid til å fullføre dette arbeidet, i 1906 ble kunstneren blind. Han opplever på tragisk vis et forferdelig slag, i en vanskelig sykehussituasjon drømmer han om himmelens blå over de mørke markene, om vårens perlemorfarger. Musikken var den eneste trøsten. Vrubel døde 1. april 1910.

Ved å skape tragiske bilder, legemliggjorde kunstneren en lys edel begynnelse i dem. Kampen mellom lys og mørke er innholdet i de fleste av Vrubels verk. A. Blok sa poetisk dette over kunstnerens grav: " Vrubel kom til oss som en budbringer om at gullet fra en klar kveld er ispedd syrinnatten. Han forlot oss sine demoner som tryllekastere mot lilla ondskap, mot natten. Før Vrubel og hans like avslører for menneskeheten en gang i århundret, kan jeg bare skjelve"

Materialer til artikkelen av Fedorova N.A. fra boken: Dmitrienko A.F., Kuznetsova E.V., Petrova O.F., Fedorova N.A. 50 korte biografier om mestere i russisk kunst. Leningrad, 1971

Monografi om Vrubel. Ubemerkede mesterverk

Jente i bakgrunnen persisk teppe, 1886

» Først » Sekund » Tredje » fjerdedel » Femte » sjette » syvende » åttende » niende » Tiende » Odinad » Tolv » trettende » fjorten » Femten » Shestnad » Semnadts » åtte » Nitten » tjue » Dv.first » Dv.second » 2. tredje » Dobbelt kvartal » 2. femte » dv.sixth » Dv.seventh » Dv.okt » Dv.nine » Tretti » Tr.først » Tr.sekund » Tr.tredje » Tr.torsdag » Tr.femte » Tr. sjette » Tr.syvende

En tur til Venezia ble foretatt for å male bestilte ikonostasebilder - Kristus, Guds mor og helgener - Cyril og Athanasius. Prakhov bestemte at det ville være bedre for Vrubel å jobbe med dem ikke i Kiev, men i Venezia, en museumsby, hvor katedralen St. Marker med sine berømte mosaikker, mosaikkene fra 1100-tallet på Torcello og malerier av kjente venetianske fargeleggere.
Vrubel tilbrakte omtrent seks måneder i Venezia. Derfra skrev han til sin søster: «Jeg blader i mitt Venezia (der jeg sitter hele tiden, fordi rekkefølgen er på tunge sinkplater som du ikke kan rulle med) som en nyttig spesialbok, og ikke som poetisk skjønnlitteratur . Det jeg finner i den er bare interessant for paletten min.» Mest av alt var paletten hans ikke lysere fra høyrenessansen - Titian, Veronese - men deres forgjengere, Quattrocento-mestrene (XV-tallet), nærmere knyttet til middelaldertradisjonen - Carpaccio, Cima da Conegliano og spesielt Giovanni Bellini. Innflytelsen fra den venetianske Quattrocento ble reflektert i Vrubels monumentale ikoner med figurer i full lengde. Den første biografen til Vrubel A.P. Ivanov skrev om dem: "Plastmusikken til disse ikonene er bygget i de majestetiske og klare modusene til G. Bellini og Carpaccio, og i dypet av den, som en dominerende i orgelpunktet, den fargerike magien til San Marco-mosaikklydene."
Venezia ga Vrubel mye og ble en viktig milepæl i hans kreative utvikling: Hvis møtet med bysantinsk kunst beriket hans forståelse av form og hevet uttrykket hans, så vekket det venetianske maleriet en koloristisk gave. Likevel ventet han spent på returen. Det som skjedde med ham var det som ofte skjer med mennesker som befinner seg utenfor hjemlandet i lang tid: først da føler de all kraften i dets tiltrekning. Et brev fra kunstneren fra Venezia til kameraten ved akademiet, V.E. Savinsky, er bevart, hvor han med åpenbar tankespenning prøver å presentere nye og viktige konklusjoner for ham, som han kom til i Italia. Han sier at her, det vil si i Italia, kan man studere, og skape – bare på innfødt jord; at å skape er å føle, og å føle er å "glemme at du er en kunstner og glede deg over det faktum at du først og fremst er en person." "... Hvor mye vakkert vi har i Rus'!" – Et slikt utrop bryter ut fra Vrubel for første gang. Tidligere så han ut til å være ganske likegyldig til den "innfødte jorda": det var noe som ble tatt for gitt, ubemerket, planer ble hentet fra verdens kilder: antikken, Hamlet, Faust ... Og først nå, i utlandet, oppstår humøret hans og tanker som senere førte til en poetisk tolkning av russiske eventyr og russisk natur.

Det var en annen grunn til at Vrubel ønsket å returnere til Kiev så snart som mulig. Han var forelsket i Prakhovs kone Emilia Lvovna, som han flere ganger, uten å nevne et navn, på mystisk vis antydet i brev til søsteren: dette var hans hemmelige "åndelige affære".
Selv før han dro til utlandet, malte han E. L. Prakhova flere ganger - ansiktet hennes tjente ham som en prototype for ansiktet til Guds mor. Portrettlikheten er også bevart i selve ikonet, men den er dempet der; tydeligere - i to blyantskisser av hodet til Guds mor. Et fantastisk ansikt ser ut fra disse tegningene: heller stygt enn vakkert, det uendelig rørende ansiktet til vandreren - brynene opp til øyenbrynene, en hoven munn, så å si, brede, runde lyse øyne, som om de betrakter noe ukjent for andre.
Av de fire ikonostasebildene av Guds mor, lyktes kunstneren spesielt. Dette er et av hans utvilsomme mesterverk. Den er skrevet på en gylden bakgrunn, kledd i dype, fløyelsmyke mørkerøde toner, puten på tronen er brodert med perler, og ved foten er det delikate hvite roser. Guds mor holder babyen på knærne, men lener seg ikke mot ham, men sitter oppreist og ser foran seg med et trist profetisk blikk. Noen likheter med typen russisk bondekvinne blinker i trekkene og uttrykket i ansiktet hennes, som de langmodige kvinneansiktene som finnes i Surikovs malerier.
For første gang følte kjærlighet til moderlandet, den første sublime kjærligheten til en kvinne åndeliggjorde dette bildet, brakte det nærmere det menneskelige hjertet.
Vrubel kom tilbake fra Venezia og hastet rundt. Det var som om han ikke kunne finne et sted for seg selv - enten tok han en beslutning om å forlate Kiev (og faktisk dro han til Odessa i flere måneder), så kom han tilbake igjen; han ble trukket til den fulle "livets kopp", han var voldsomt glad i en besøkende danser, drakk mye, levde urolig, febrilsk, og dessuten var han alvorlig i fattigdom, siden det ikke var penger, mens forholdet til Prakhov ble kaldere og fjernere.
Kunstnerens far var bekymret: sønnen hans var allerede tretti år gammel, universitetsutdanning, kunstutdanning, "en avgrunn av talent", og i mellomtiden ikke noe navn, ingen sikker stilling - ingen innsats, ingen domstol. På insisterende invitasjoner til å komme og bo hjemme (familien bodde da i Kharkov) svarer ikke noe. Høsten 1886 kom A.M. Vrubel selv til Kiev for å besøke sønnen sin, og frykten hans ble bekreftet: "Misha er frisk (ifølge ham), men han ser tynn og blek ut. Fra stasjonen gikk jeg rett til ham og ble trist over rommet og innredningen hans. Tenk deg, ikke et eneste bord, ikke en eneste stol. All innredning er to enkle krakker og en seng. Jeg så ikke et varmt teppe, en varm frakk eller en kjole, bortsett fra den han hadde på seg (en fet frakk og slitte bukser). Kanskje i et boliglån ... Det gjør vondt, bittert til tårer ... Jeg skulle se alt dette. Det er så mange strålende forhåpninger!»

Det er ingen direkte bevis for kunstnerens sinnstilstand på den tiden - han likte ikke å være ærlig - men det er ganske åpenbart at han ikke bare gikk gjennom en finanskrise. Han tålte fattigdom uforsiktig, mangelen på berømmelse også: han visste at før eller siden ville hun komme, og hvis hun ikke kom, hva så? Kjærlighet, fastlåst - det var alvorlig. Men ikke bare det. Han ble besøkt av dyp uro, som han delte med sin tid, selv om de umiddelbare årsakene kan ha vært intime og personlige. Vrubel opplevde tidlig det som to tiår senere Blok kalte «en tilstrømning av lilla verdener», lilla mørke som overvant det gylne lyset. Et ateistisk opprør oppsto i ham. I to år arbeidet Vrubel for kirken, i en atmosfære av religiøsitet, som var like lite i samsvar med de rundt ham, som den sekulære damen Emilia Prakhova var så lite i tråd med idealet om Guds mor. Og for første gang begynte det dystre bildet av gudkjemperen - demonen - å friste Vrubel og fange fantasien hans.
Han jobbet akkurat med The Demon da faren hans uventet kom. Faren beskrev det uferdige maleriet i det samme brevet, og sa at Demonen virket for ham «en ond, sensuell, frastøtende gammel kvinne». Ingen spor av Kyiv "Demon" har kommet ned til oss - kunstneren ødela den, alle de nå kjente "Demonene" ble laget mye senere. Men ideen og begynnelsen tilhører Kiev-perioden.
Samtidig jobbet Vrubel med andre ting da, på oppdrag fra Kiev-filantropen I.N. Tereshchenko. De oppdager et sug etter østen - blomstrende, magisk, krydret. For Tereshchenko påtok Vrubel seg å male maleriet «Oriental Tale», men han laget bare en skisse i akvarell, og han rev den opp da E.L. Prakhova nektet å ta den i gave. Så limte han imidlertid det revne arket, som den dag i dag er stoltheten til Kyiv Museum of Russian Art. Denne store akvarellen er fantastisk. Ved første øyekast er det vanskelig å skjønne hva som er avbildet: øyet er blendet av en iriserende mosaikk av dyrebare partikler, opplyst av glimt av blåaktig fosforlys, som om vi virkelig gikk inn i hulen, skattene fra tusen og en natt . Men nå blir øyet vant til det og begynner å skille mellom innsiden av teltet til den persiske prinsen, teppene som dekker det, prinsen selv og hans odalisker. Figurene er fulle av følelser og poesi: Prinsen, etter å ha reist seg på sofaen, med et gjennomtenkt og tungt blikk, ser på den vakre jenta som står foran ham med senkede øyne.

fortsettelse .....

Monografi om Vrubel. Kiev. Møte med antikken

Jente i bakgrunnen persisk teppe, 1886

» Først » Sekund » Tredje » fjerdedel » Femte » sjette » syvende » åttende » niende » Tiende » Odinad » Tolv » trettende » fjorten » Femten » Shestnad » Semnadts » åtte » Nitten » tjue » Dv.first » Dv.second » 2. tredje » Dobbelt kvartal » 2. femte » dv.sixth » Dv.seventh » Dv.okt » Dv.nine » Tretti » Tr.først » Tr.sekund » Tr.tredje » Tr.torsdag » Tr.femte » Tr. sjette » Tr.syvende

Kunstneren L. Kovalsky, på den tiden en elev ved Kiev tegneskole, fortalte senere hvordan han først møtte Vrubel kort tid etter ankomsten til Kiev. Kovalsky slo seg ned for å skrive en skisse på en høy høyde med utsikt over Dnepr og fjerne enger. «Kveldens stillhet, det fullstendige fraværet av noen, bortsett fra svalene, som sirklet og kvitret i luften. I rolig ettertanke skildret jeg, så godt jeg kunne, mitt 30-vers landskap, men stille skritt, og så fikk et fast blikk meg til å snu meg. Opptoget var mer enn ekstraordinært: mot bakgrunnen av de primitive åsene i Kirillovsky, bak meg sto en blond, nesten hvit, blond, ung, med et veldig karakteristisk hode, en liten bart, også nesten hvit. Kort av vekst, meget velproporsjonert, kledd ... det var dette som på den tiden kunne slå meg mest av alt ... alt i svart fløyelsdress, i strømper, korte bukser og støvler. Ingen kledde seg slik i Kiev, og dette gjorde et skikkelig inntrykk på meg. Generelt var det en ung venetianer fra et maleri av Tintoretto eller Titian, men jeg lærte dette mange år senere, da jeg var i Venezia. Nå, mot bakgrunnen av Kirillov-åsene og den kolossale kuppelen av den blå himmelen i Kiev, var utseendet til denne kontrasterende figuren, med blondt hår, kledd i svart fløyel, mer enn en uforståelig anakronisme.
... Den fremmede bøyde seg nærmere, så intenst og i en alvorlig tone, som om en ting av ukjent betydning sa: «Hvor er din første plan? Er det disse høyballene? De er flere mil unna! Du kan ikke skrive sånn, du driver med tull - du må begynne å studere naturen fra et ark, fra detaljer, og ikke, som deg, ta alle mulige ting og stappe dem på et ubetydelig stykke - dette er en slags leksikon, ikke maleri. Ikke vær sint, jeg sa det fordi jeg ser feilen din." Så litt mer og forsvant; Jeg snudde meg ikke engang for å se, jeg ble såret av fornærmende ord, som forekom meg mye i bemerkningen hans, men jeg var likevel interessert i at han snakket så oppriktig og seriøst om arbeidet mitt, som jeg så på som en ting. ikke verdig oppmerksomhet - jeg ble lært opp til dette på skolen, der var det ingen som så seriøst på verken sitt eget eller andres arbeid.

Begeistret fortsatte Kovalsky ikke studiet og dro til St. Cyril-kirken for å se kameratene som jobbet med restaurering av fresker. I korbodene la han merke til en fremmed mann han nettopp hadde møtt; kameratene sa at dette var kunstneren Vrubel, og viste «Den Hellige Ånds nedstigning» han hadde begynt, samt to engler: «Vrubel sa at her kom han nærmest Bysants».
Så Vrubel i Kiev måtte overvåke restaureringen av bysantinske fresker fra XII århundre i St. Cyril-kirken, i tillegg skrive flere nye figurer og komposisjoner på veggene for å erstatte de tapte, og også male bilder for ikonostasen. Den overordnede ledelsen av arbeidet tilhørte Prakhov.
A.V. Prakhov, i nær kontakt med hvem (og med familien) Vrubel tilbrakte fem år i Kiev, var kjent i kunstneriske kretser. En kunsthistoriker, arkeolog, professor ved St. Petersburg University, på 1970-tallet fungerte han også aktivt som kunstkritiker i magasinet Bee. I artikler under pseudonymet "Profan" fremmet Prakhov, med stor litterær glans og temperament, kunsten til Wanderers. En av hans mest interessante artikler, dedikert til den sjette reiseutstillingen i 1878 (faktisk to utstillinger - Yaroshenkos "Stoker" og Repins "Protodeacon") ble ikke vedtatt av sensur. Artikkelen ble bevart i bevis, og senere, selv i dag, ble forfatterskapet på et tidspunkt feilaktig tilskrevet I.N. Kramskoy. Da trakk Prakhov seg fullstendig tilbake fra kritisk aktivitet, sluttet å engasjere seg i samtidskunst (et karakteristisk symptom på 80-tallet!) og vendte tilbake til studiet av antikviteter. Han mistet imidlertid ikke kontakten med kunstnerne, og huset hans i Kiev var nesten like åpent for dem som husene til Polenov og Mamontov i Moskva. Energisk, aktiv, ennå ikke førti år gammel, hisset Prakhov opp det kunstneriske livet i Kiev, og påtok seg studier og restaurering av unike monumenter i Kievan Rus. Han overvåket også interiørdekorasjonen av det nye tempelet - Vladimir, grunnlagt på 1860-tallet. På den tiden hadde russiske kunstnere ganske grove ideer om den bysantinske stilen, så vel som om restaureringsteknikken. Kirillov-freskene var i dårlig forfatning, og en artell av elever fra tegneskolen i Kiev, ledet av kunstneren N.I. Murashko (Vrubel ble senere nære venner med ham), jobbet med deres "renovering". Med sine små dyktige hender ble freskene malt ovenfra langs de bevarte konturene (ifølge "tellingene"); nå ville en slik metode anses som barbarisk. Det er bevart informasjon om at Vrubel protesterte mot ham, og tilbød seg å ganske enkelt rydde freskene og la dem være intakte, men de gikk ikke med på dette: templet var aktivt, og de halvslettede skikkelsene til helgenene kunne forvirre sognebarnene. Det var nødvendig å fullføre dem, og om mulig beholde stilen fra XII-tallet. Hvordan var det å bli reddet? Ikke bare Murashkos studenter, men også Vrubel selv møtte først bysantinsk kunst i Kiev. I flere måneder kastet han seg hodestups inn i studiet av antikviteter, ved å bruke, i tillegg til originalene fra St. Cyril's Church og Cathedral of St. Sophia, bøker, fargetabeller og fotografier fra det rike biblioteket i Prakhov. Han behandlet restaurering av gamle fresker fra overlevende fragmenter med stor forsiktighet; som N. A. Prakhov (sønn av A.V. Prakhov), "oppfant ikke noe fra seg selv, men studerte innstillingen av figurer og brettene av klær basert på materialer bevart andre steder."
Nå, på midten av det 20. snarere enn på 1800-tallet, har Kirillov-freskene blitt restaurert i henhold til alle regler for moderne vitenskap, selv om de fleste av dem har gått uopprettelig tapt, og bare noen få deler av det gamle maleriet er bevart intakt. Men nå har også St. Cyrils kirke gått over i historien som et monument skildret av Vrubels geni. Vrubel malte flere figurer av engler på veggene, Kristi hode, Moses' hode og til slutt to uavhengige komposisjoner - en enorm "Descent of the Holy Spirit" i korene og "Lamentation" i verandaen. I arbeidet med dem kopierte kunstneren ikke lenger gamle prøver. Han hadde en indre rett til ikke å følge bokstaven i den eldgamle stilen – han trengte inn i dens ånd.

Det edle og tilbakeholdne uttrykket til eldgamle mosaikker og fresker tydeliggjorde Vrubels egne søk. Uttrykk var karakteristisk for talentet hans fra begynnelsen, men i sine tidlige arbeider forvillet han seg inn i overdrivelse og romantiske klisjeer. Så, i tegningen "Anna Kareninas avtale med sønnen", laget på begynnelsen av 80-tallet, kveler Anna, med overdreven iver, nesten et barn i armene hennes. På tegningene til "Mozart og Salieri" (1884) ser Salieri ut som en melodramatisk skurk. Og først etter å ha sluttet seg til den monumentale bysantinske og gammelrussiske kunsten, blir Vrubels uttrykk majestetisk - psykologisk press forsvinner, et karakteristisk Vrubel-uttrykk av åndelig spenning dukker opp i det konsentrerte blikket til enorme øyne (store øyne er også et trekk ved bysantinsk maleri), med stillinger. som om nummen, en ond gest, i en atmosfære av dyp stillhet. Dette er allerede i «Den hellige ånds nedstigning», skrevet på bokshvelvet til St. Cyril-kirken. I følge evangelietradisjonen viste den hellige ånd seg for apostlene i form av en due, flammene som kom fra den «hvilte på hver av dem». Etter det fikk apostlene gaven til å snakke på alle språk og forkynne Kristi lære for alle nasjoner. I likhet med andre evangeliefortellinger, hadde handlingen om "Descent" sitt eget ikonografiske opplegg i kirkekunsten, fastsatt av en hundre år gammel tradisjon. Vrubel fulgte opplegget ganske nøye, og brukte tilsynelatende miniatyrer av de gamle evangeliene. Men i tolkningen av figurer og ansikter viste han seg som en moderne kunstner, som psykolog. Hans apostler hadde levende prototyper. Det pleide å tro at kunstneren laget forberedende skisser fra psykisk syke (St. Cyril-kirken lå på territoriet til et psykiatrisk sykehus), men dette er ikke sant: sønnen til A.V. Prakhov N.A., prester, arkeologer, bl.a. dem selveste Adrian Viktorovich Prakhov.
fortsettelse ....

Mikhail Vrubel. Galleri med bilder. Maleri

Grandiositeten og den virkelig titaniske storheten til Vrubel manifesterte seg i kreativitetens fantastiske polyfoni, universalismen til ferdigheter og originaliteten til tenkning. Han var en av de mest fremtredende kunstnerne på slutten av 1800- og begynnelsen av 1900-tallet. I hans liv og arbeid ble den høyeste dyktigheten og den lyse individualismen, dyp kunnskap om natur og fantasi, den dypeste kunnskapen om verdenskunstens tradisjoner og den medfødte gaven til en eksperimenter kombinert. Med sitt arbeid tilbakeviste han tvilen til «venstre» og «høyre»-skeptikerne om behovet for både en skole og et bevisst eksperiment i kunst. Kjærlighet til kunst eide Vrubel fullstendig fra hans akademiske år. På Akademiet jobbet han tolv timer om dagen. De første helt uavhengige verkene til Vrubel tilhører 1884-1885. Dermed er perioden med Vrubels kreative aktivitet relativt kort - litt over tjue år. Vrubel så lenge ut til å ha dukket opp fra ingensteds. Det virket vanskelig å fastslå opprinnelsen til stilen hans, hans individuelle væremåte. På overflaten er denne individuelle stilen lett gjenkjennelig: det er en måte å tolke synlige former på i form av en mosaikk av strøk, en kubisert ornamentikk av en tredimensjonal form. Senere, etter Vrubels død, likte russiske kritikere å si at det var Vrubel som var forløperen til kubismen.

» Først » Sekund » Tredje » Fjerde » Femte » sjette » syvende » åttende

Demon beseiret. 1901	Sittende Demon, 1890. Skisse	Demon beseiret. 1902	Flyvende demon. 1899
Dame i lilla. Portrett av kunstneren N.I. Zabela-Vrubel. 1904	Røde blomster og blader av begonia i en kurv. 1886-1887	Påfugl. Tidlig på 1900-tallet	Østdans. 1887
Demon beseiret. 1902. Skisse i akvarell	Portrett av K.D. Artsybushev. 1897	Seksvinget seraf. 1905	Natt i Italia. 1891
Bogatyr. 1898	Hamlet og Ophelia. 1884	Snøjomfru. 1890-årene	Rosehofte. 1884
Spill av naiader og salamander	Farvel til havets konge med prinsessen Volkhova. 1899	Catania. Sicilia. 1894	Porto Fino. Italia. 1894

Sannsynligvis var "Demonen" ikke årsaken til Vrubels sykdom, men ble en katalysator, en akselerator: sammentreffet av slutten av bildet med begynnelsen av sykdommen er neppe tilfeldig. Den siste vanvittige bølgen av energi, den siste superinnsatsen - og deretter utmattelse, sammenbrudd. Se for deg en kunstner på grensen av sin styrke, som hardnakket forblir øye til øye med "ondskapens ånd", skapt av ham, men allerede skilt fra ham, og lever et liv atskilt fra ham; la oss forestille oss hvordan han hver morgen går inn i en kamp med ham med en pensel, prøver å underlegge ham hans vilje - er dette ikke materialet for en tragisk legende! Den versjonen av «Demon Defeated», der en desperat duell brøt ut og kunstnerens ånd var uttømt, hører – det må innrømmes – ikke til høydene i Vrubels verk. Den er forferdelig effektiv, selvfølgelig, og var enda mer effektiv inntil fargene bleknet, visnet, men S. Yaremich bemerket med rette at her «er den høyeste kunstneriske tilbakeholdenhet nær brudd». Demonen blir kastet ned i en kløft blant steinene. De en gang mektige armene ble til pisker, patetisk knekt, kroppen ble deformert, vingene ble spredt. Rundt den falne syrinen dysterhet og sprutet blå stråler. De oversvømmer den, litt mer - og lukker den helt, og etterlater en blå vidde, en pretemporal vannmasse der fjellene reflekteres. Villt og ynkelig er ansiktet til den falne med en smertelig forvridd munn, selv om en rosa glød fortsatt brenner i kronen hans. Gull, dyster blått, melkeblått, røykfylt lilla og rosa - alle Vrubels favorittfarger - danner et fortryllende skue her. Lerretet som nettopp ble malt så ikke ut som det gjør nå: kronen glitret, fjelltoppene lyste rosa, fjærene av brukne vinger, som påfugler, glitret og flimret. Som alltid brydde seg ikke Vrubel om sikkerheten til malingene - han tilsatte bronsepulver til malingene for å få dem til å skinne, men over tid begynte dette pulveret å virke destruktivt, bildet mørknet ugjenkjennelig. Men helt fra begynnelsen var fargevalget hennes åpent dekorativt - det manglet dybden og metningen av fargen, variasjonen av overganger og nyanser, som er i de beste tingene i Vrubel. "Demon Defeated" trollbinder ikke så mye med sitt maleri, men med den synlige legemliggjørelsen av kunstnerens tragedie: vi føler - "her er en mann brent ned."

» Bilder, del 1 » Bilder, del 2 » Bilder, del 3 » Bilder, del 4 » Bilder, del 5

Seksvingede serafer (Azrael). 1904

Før du møter den eminente operasanger Nadezhda Zabela på Vrubel det var affærer, men ingen av dem førte til ekteskap. Hope ble hans muse, kone og skytsengel, og beskyttet ham til de siste dagene av livet hans. Hun inspirerte ham til å lage mange verk, inkludert det mest mystiske - "Svaneprinsessen", og prøvde å gjøre det umulige - for å redde ham fra galskapen.

De møttes på Savva Mamontovs russiske private opera, på øvelsen av stykket. Da han først hørte Zabela synge, nærmet han seg bak scenen, kysset hendene hennes og gjentok: "For en nydelig stemme!". Det var kjærlighet ved første blikk, han tilbød henne en hånd og et hjerte to dager etter at de møttes. "Andre sangere synger som fugler, men Nadia synger som en person," sa artisten. «Stemmen er jevn, lett, myk og full av farger. Og hvor mye kjærlighet var det i denne sangen! Eventyrets sjel fusjonerte i det med menneskets sjel. Og for et utseende! Et mirakel, et mirakel, et mirakel!» - komponisten M. Gnesin snakket om Zabela. Sommeren 1896 giftet Zabela og Vrubel seg i Genève.

Nadezhda Zabela var N. Rimsky-Korsakovs favorittutøver: spesielt for henne skrev han rollen som Martha i operaen Tsarens brud, hun spilte hovedrollene i operaene Sadko, The Tale of Tsar Saltan, The Demon og Eugene Onegin . Vrubel fulgte henne på alle øvelser og forestillinger, fikk nyansene til å tolke bilder og laget skisser av teatralske kostymer. "Det eneste han levde for var musikk," skrev artisten S. Sudeikin. "Nadezhda Ivanovna forble et symbol, en ideell eksponent for skjønnhet for ham."

Kunstneren malte ofte portretter av sin kone, hun inspirerte ham til å lage det berømte maleriet "Svaneprinsessen", selv om det ikke er noen portrettlikhet i dette tilfellet. N. Rimsky-Korsakov skrev en opera basert på handlingen til "The Tale of Tsar Saltan" av A. Pushkin, der Nadezhda Zabela fremførte hoveddelen. Inspirert av hennes opptreden skrev Vrubel et av hans mest gåtefulle verk. De enorme øynene til Svaneprinsessen er fulle av tristhet, angst og så å si et forvarsel om problemer.

Sceneopptredenen til Zabela i denne rollen var den samme som på bildet: "Hennes svaneprinsesse, også fanget av Vrubel på lerretet, er en visjon skapt av folkefantasi. Spiritualiser disse krystallklare lydene med en lys følelse og vårjentelig ømhet - og du vil kanskje høre og se den Svaneprinsessen, som Zabela var og som senere ikke denne prinsessen var noen av utøverne," skrev etter forestillingen.

I 1901 ble sønnen deres Savva født, men lykken ble overskygget av tilstedeværelsen av en medfødt defekt i ham - en leppespalte. På grunn av dette begynte kunstneren en dyp langvarig depresjon, som ble drivkraften for utviklingen av psykisk sykdom. Symptomene hennes hadde dukket opp før, men barnets sykdom gjorde dem verre. I en alder av 3 døde babyen av lungebetennelse, som til slutt undergravde Vrubels mentale helse.

Siden den gang tilbrakte Vrubel lang tid på psykiatriske klinikker, men kona mistet ikke håpet og prøvde å lindre tilstanden hans på alle mulige måter. Hun visste hvordan sangen hennes påvirker ham, og tok med seg en akkompagnatør til sykehuset og sang for mannen sin. Hun prøvde å ikke forråde angsten sin og støttet artisten til de siste dagene. Derfor ble Nadezhda Zabela kalt Vrubels skytsengel. Kvinnen viste ekstraordinær utholdenhet, selv om hun måtte tåle mye: et barns død, morens sykdom, farens død, ektemannens galskap og død. Hun overlevde Vrubel med bare tre år og døde i en alder av 45.

Inspirert av scenebildet av hans kone, som spilte den vakre Svaneprinsessen i Rimsky-Korsakovs opera The Tale of Tsar Saltan, bestemte Vrubel seg for ikke bare å vie seg til kulissene for denne sceneproduksjonen av Pushkins eventyr med samme navn, men også til portrettet av trollkvinnen i øyeblikket av hennes reinkarnasjon.

Karakteren som er avbildet på lerretet har ikke den minste likhet med en operadiva som ved hjelp av sjeldne vokale evner klarte å formidle det mystiske og utrolig feminine bildet av prinsessen. Snarere er det et mystisk og fabelaktig bilde som dukket opp i hodet til Vrubel, og dyktig legemliggjort takket være den utrolige evnen til å jobbe med farger.

Den magiske prinsessen fra lerretet til en talentfull russisk maler er mystisk og mystisk og kaldt vakker. Hennes tynne kongelige ansikt med store mørke øyne er gjennomskinnelig av uforståelig tristhet. En tynn grasiøs nese, smale lepper, en tynn grasiøs hånd og blek aristokratisk hud understreker jentas skjørhet og femininitet.

En enorm gyllen kokoshnik med enorme glitrende steiner kroner det skjøre hodet til en eventyrprinsesse, og et vektløst hvitt stoff med en bred sølvkant dekker det lange mørke håret hennes, flettet til en stram flette.

Foldene på trollkvinnens kjole har samme farge og struktur som hennes enorme snøhvite svanevinger, og det er umulig å gjette hvor denne overgangen fra fjærene til en vakker fugl til kanten av en kongelig kappe befinner seg.

Svaneprinsessen er avbildet på kysten mot solnedgangshimmelen i bakgrunnen og en fjern by på en bratt stein under den dystre kveldsskumringen som senker seg over havet. De kalde tonene i bildet og dets subtile blåaktige perlemorsfargede nyanser gir opphav til en følelse av illusorisk og unnvikende visjon om transformasjonen av en stolt grasiøs svane til en vakker jente.

Posisjonen til trollkvinnen er naturlig og ubegrenset - hun går i det fjerne mot byen og så bare et kort blikk på betrakteren.

Svanens symbol for mange kunstnere personifiserte kreativ inspirasjon, som løfter sjelen og fantasien, og også fører til kunnskap om den andre verden - mørke demoniske krefter. Ufrivillig er Svaneprinsessen en skapning av dobbel natur, som personifiserer to elementer samtidig.

Den første er kald-mørk, vannaktig og demonisk kraft, og den andre er luftig, himmelsk og inspirerende. Sjarmen til denne karakteren er gitt ikke bare av feminin skjønnhet og subtile demoniske trekk.

Vrubel bestemte seg for å skildre henne i øyeblikket av en fantastisk metamorfose av former, som smelter i det kalde lyset fra en havsolnedgang. Dette bildet handler om hemmeligheten bak manifestasjonen av den høyeste skjønnheten som er født i vår daglige verden.