Gammel fisker. Tivadar Kostka Chontvari, maleri "Old Fisherman": foto, mysteriet til maleriet Tivadar Kostka Chontvari gammel fisker 1902

I nesten alle betydningsfulle kunstverk er det et mysterium, en dobbel bunn eller en hemmelig historie som du ønsker å avdekke.

Musikk på baken

Hieronymus Bosch, The Garden of Earthly Delights, 1500-1510.

Fragment av en triptyk

Tvister om betydningen og skjulte betydninger av det mest kjente verket til den nederlandske kunstneren har ikke avtatt siden det dukket opp. På høyre fløy av triptyken kalt «Musical Hell» er syndere avbildet som blir torturert i underverdenen ved hjelp av musikkinstrumenter. En av dem har merkelapper på baken. Oklahoma Christian University-student Amelia Hamrick, som studerte maleriet, transponerte notasjonen fra 1500-tallet til en moderne vri og spilte inn "en 500 år gammel ass-sang fra helvete."

Naken Mona Lisa

Den berømte "Gioconda" finnes i to versjoner: nakenversjonen heter "Monna Vanna", den ble malt av den lite kjente kunstneren Salai, som var student og sitter av den store Leonardo da Vinci. Mange kunstkritikere er sikre på at det var han som var modell for Leonardos malerier «Døperen Johannes» og «Bacchus». Det er også versjoner som kledd i en kvinnes kjole, Salai fungerte som bildet av Mona Lisa selv.

Gammel fisker

I 1902 malte den ungarske kunstneren Tivadar Kostka Chontvari maleriet "Gamle fisker". Det ser ut til at det ikke er noe uvanlig i bildet, men Tivadar la en undertekst i det, som aldri ble avslørt i løpet av kunstnerens liv.

De færreste tenkte på å sette et speil i midten av bildet. I hver person kan det være både Gud (den gamle mannens høyre skulder er duplisert) og Djevelen (den venstre skulderen til den gamle mannen er duplisert).

Var det en hval?

Hendrik van Antonissen "Scene på bredden".

Det virket som et vanlig landskap. Båter, folk på kysten og ørkenhavet. Og bare en røntgenundersøkelse viste at folk samlet seg i kysten av en grunn – i originalen undersøkte de kadaveret av en hval som var skylt i land.

Imidlertid bestemte kunstneren at ingen ville se på en død hval og malte maleriet på nytt.

To "Frokoster på gresset"

Edouard Manet, Frokost på gresset, 1863.

Claude Monet, Frokost på gresset, 1865.

Kunstnerne Edouard Manet og Claude Monet er noen ganger forvirret – tross alt var de begge franskmenn, levde samtidig og jobbet i stil med impresjonisme. Til og med navnet på et av Manets mest kjente malerier, «Frokost på gresset», lånte og skrev Monet sin «Frokost på gresset».

Tvillinger ved siste nattverd

Leonardo da Vinci, Nattverden, 1495-1498.

Da Leonardo da Vinci skrev Nattverden, la han særlig vekt på to skikkelser: Kristus og Judas. Han lette etter sittere til dem i veldig lang tid. Til slutt klarte han å finne en modell for bildet av Kristus blant de unge sangerne. Leonardo klarte ikke å finne en oppsitter for Judas på tre år. Men en dag kom han over en fylliker som lå i renna på gata. Han var en ung mann som hadde blitt eldet av sterk drikking. Leonardo inviterte ham til en taverna, hvor han umiddelbart begynte å skrive Judas fra ham. Da fylliken kom til fornuft, fortalte han artisten at han allerede hadde posert for ham en gang. Det var for noen år siden da han sang i kirkekoret, Leonardo skrev Kristus fra ham.

"Nattvakt" eller "Dagvakt"?

Rembrandt, Nattevakt, 1642.

Et av Rembrandts mest kjente malerier, «The Performance of the Rifle Company of Captain Frans Banning Cock and Lieutenant Willem van Ruytenbürg», hang i forskjellige haller i omtrent to hundre år og ble oppdaget av kunsthistorikere først på 1800-tallet. Siden figurene så ut til å skille seg ut mot en mørk bakgrunn, ble den kalt Nattevakten, og under dette navnet kom den inn i verdenskunstens skattkammer.

Og først under restaureringen, utført i 1947, viste det seg at i hallen hadde bildet klart å bli dekket med et sotlag, som forvrengte fargen. Etter å ha ryddet det originale maleriet, ble det til slutt avslørt at scenen presentert av Rembrandt faktisk finner sted i løpet av dagen. Plasseringen av skyggen fra venstre hånd til kaptein Kok viser at handlingens varighet ikke er mer enn 14 timer.

kantret båt

Henri Matisse, "Båten", 1937.

I New York Museum of Modern Art i 1961 ble Henri Matisses maleri «The Boat» stilt ut. Først etter 47 dager la noen merke til at maleriet hang opp ned. Lerretet viser 10 lilla linjer og to blå seil på hvit bakgrunn. Kunstneren malte to seil av en grunn, det andre seilet er en refleksjon av det første på overflaten av vannet.
For ikke å ta feil av hvordan bildet skal henge, må du ta hensyn til detaljene. Det større seilet skal være på toppen av maleriet, og toppen av seilet på maleriet skal rettes til øvre høyre hjørne.

Bedrag i et selvportrett

Vincent van Gogh, Selvportrett med et rør, 1889.

Det er legender om at Van Gogh angivelig kuttet av sitt eget øre. Nå er den mest pålitelige versjonen at øret til van Gogh ble skadet i et lite slagsmål med deltagelse av en annen artist, Paul Gauguin.

Selvportrettet er interessant fordi det gjenspeiler virkeligheten i en forvrengt form: kunstneren er avbildet med et bandasjert høyre øre, fordi han brukte et speil når han jobbet. Faktisk ble venstre øre skadet.

fremmede bjørner

Ivan Shishkin, "Morgen i furuskogen", 1889.

Det berømte maleriet tilhører ikke bare børsten til Shishkin. Mange kunstnere som var venner med hverandre, tyr ofte til «hjelpen av en venn», og Ivan Ivanovich, som hadde malt landskap hele livet, var redd for at bjørnene ikke skulle bli slik han trengte. Derfor henvendte Shishkin seg til en kjent dyremaler Konstantin Savitsky.

Savitsky malte kanskje de beste bjørnene i russisk maleris historie, og Tretyakov beordret at navnet hans skulle vaskes av lerretet, siden alt på bildet "begynner fra ideen og slutter med henrettelsen, alt snakker om måten å male på, om den kreative metoden som er særegen for Shishkin.»

Uskyldig historie "gotisk"

Grant Wood, "American Gothic", 1930.

Grant Woods arbeid regnes som et av de merkeligste og mest deprimerende i amerikansk maleris historie. Bildet med en dyster far og datter er overfylt av detaljer som indikerer alvorligheten, puritanismen og retrograditeten til de avbildede menneskene.
Faktisk hadde kunstneren ikke til hensikt å skildre noen redsler: under en tur til Iowa la han merke til et lite hus i gotisk stil og bestemte seg for å skildre de menneskene som etter hans mening ville være ideelt egnet som innbyggere. Grants søster og tannlegen hans er udødeliggjort i form av karakterer som folket i Iowa ble så fornærmet av.

Salvador Dalis hevn

Maleriet «Figur ved vinduet» ble malt i 1925, da Dali var 21 år gammel. Da hadde Gala ennå ikke kommet inn i kunstnerens liv, og søsteren Ana Maria var hans muse. Forholdet mellom bror og søster ble dårligere da han skrev på et av maleriene «noen ganger spytter jeg på et portrett av min egen mor, og det gir meg glede». Ana Maria kunne ikke tilgi så sjokkerende.

I sin bok fra 1949 Salvador Dali Through the Eyes of a Sister skriver hun om sin bror uten ros. Boken gjorde El Salvador rasende. I ytterligere ti år etter det husket han henne sint ved enhver anledning. Og så, i 1954, dukker bildet "En ung jomfru som hengir seg til Sodomy-synd ved hjelp av hornene til sin egen kyskhet". Kvinnens positur, krøllene hennes, landskapet utenfor vinduet og fargevalget på maleriet gjenspeiler tydelig figuren ved vinduet. Det er en versjon om at dette er hvordan Dali hevnet sin søster for boken hennes.

Danae med to ansikter

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Danae, 1636-1647.

Mange hemmeligheter til et av Rembrandts mest kjente malerier ble avslørt først på 60-tallet av det tjuende århundre, da lerretet ble opplyst med røntgenstråler. For eksempel viste skytingen at i den tidlige versjonen så ansiktet til prinsessen, som inngikk et kjærlighetsforhold til Zeus, som ansiktet til Saskia, kona til maleren, som døde i 1642. I den endelige versjonen av maleriet begynte det å ligne ansiktet til Gertier Dirks, Rembrandts elskerinne, som kunstneren bodde hos etter konens død.

Van Goghs gule soverom

Vincent van Gogh, "Soverom i Arles", 1888 - 1889.

I mai 1888 skaffet Van Gogh seg et lite verksted i Arles, i Sør-Frankrike, hvor han flyktet fra de parisiske kunstnerne og kritikerne som ikke forsto ham. I et av de fire rommene setter Vincent opp et soverom. I oktober er alt klart, og han bestemmer seg for å male Van Goghs soverom i Arles. For kunstneren var fargen, komforten i rommet veldig viktig: alt måtte antyde tanker om avslapning. Samtidig opprettholdes bildet i urovekkende gultoner.

Forskere av Van Goghs kreativitet forklarer dette med det faktum at kunstneren tok revebjelle, et middel mot epilepsi, som forårsaker alvorlige endringer i pasientens oppfatning av farge: hele den omkringliggende virkeligheten er malt i grønn-gule toner.

Tannløs perfeksjon

Leonardo da Vinci, "Portrett av fru Lisa del Giocondo", 1503 - 1519.

Den allment aksepterte oppfatningen er at Mona Lisa er perfeksjon og smilet hennes er vakkert i sin mystiske. Den amerikanske kunstkritikeren (og deltidstannlegen) Joseph Borkowski mener imidlertid at heltinnen å dømme etter ansiktsuttrykket hennes har mistet mange av tennene. Mens hun undersøkte forstørrede fotografier av mesterverket, fant Borkowski også arr rundt munnen hennes. "Hun smiler så mye nettopp på grunn av det som skjedde med henne," mener eksperten. "Ansiktsuttrykket hennes er typisk for folk som har mistet fortennene."

Major på ansiktskontroll

Pavel Fedotov, Major's Matchmaking, 1848.

Publikum, som først så maleriet "Major's Matchmaking", lo hjertelig: kunstneren Fedotov fylte det med ironiske detaljer som var forståelige for den tidens seere. For eksempel er majoren tydeligvis ikke kjent med reglene for edel etikette: han dukket opp uten de riktige bukettene til bruden og moren hennes. Og bruden selv ble utskrevet av handelsforeldrene sine i en ballkjole, selv om det var dagtid (alle lampene i rommet ble slukket). Jenta prøvde tydeligvis en lavt snittkjole for første gang, er flau og prøver å stikke av til rommet sitt.

Hvorfor frihet er naken

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Liberty at the Barricades, 1830.

Ifølge kunsthistorikeren Etienne Julie malte Delacroix ansiktet til en kvinne fra den berømte parisiske revolusjonæren - vaskedamen Anna-Charlotte, som gikk til barrikadene etter brorens død i hendene på kongelige soldater og drepte ni vakter. Kunstneren avbildet henne med bar overkropp. I henhold til planen hans er dette et symbol på fryktløshet og uselviskhet, så vel som demokratiets triumf: nakne bryster viser at Svoboda, som en vanlige, ikke bruker korsett.

ikke-firkantet kvadrat

Kazimir Malevich, Black Suprematist Square, 1915.

Faktisk er den "svarte firkanten" ikke i det hele tatt svart og slett ikke firkantet: ingen av sidene på firkanten er parallelle med noen av dens andre sider, og ingen av sidene av den firkantede rammen som rammer inn bildet. Og den mørke fargen er resultatet av å blande forskjellige farger, blant hvilke det ikke var svart. Det antas at dette ikke var forfatterens uaktsomhet, men en prinsipiell posisjon, ønsket om å skape en dynamisk, mobil form.

Spesialister fra Tretyakov-galleriet har oppdaget forfatterens inskripsjon på et kjent maleri av Malevich. Inskripsjonen lyder: "Slaget om negrene i en mørk hule." Denne setningen refererer til navnet på det lekne maleriet av den franske journalisten, forfatteren og kunstneren Alphonse Allais "Battle of the Negroes in a Dark Cave in the Dead of Night", som var et helt svart rektangel.

Melodrama av den østerrikske Mona Lisa

Gustav Klimt, "Portrett av Adele Bloch-Bauer", 1907.

Et av Klimts mest betydningsfulle malerier viser kona til den østerrikske sukkermagnaten Ferdinand Bloch-Bauer. Hele Wien diskuterte den stormfulle romantikken mellom Adele og den berømte artisten. Den sårede ektemannen ønsket å hevne seg på sine elskere, men valgte en veldig uvanlig måte: han bestemte seg for å bestille et portrett av Adele fra Klimt og tvinge ham til å lage hundrevis av skisser til kunstneren begynner å vende seg bort fra henne.

Bloch-Bauer ønsket at arbeidet skulle vare i flere år, og modellen kunne se hvordan Klimts følelser forsvinner. Han ga et sjenerøst tilbud til kunstneren, som han ikke kunne nekte, og alt viste seg i henhold til scenariet til den forledede mannen: arbeidet ble fullført på 4 år, elskerne hadde lenge avkjølt seg mot hverandre. Adele Bloch-Bauer fant aldri ut at mannen hennes var klar over forholdet hennes til Klimt.

Maleriet som brakte Gauguin tilbake til livet

Paul Gauguin, "Hvor kommer vi fra? Hvem er vi? Hvor skal vi?", 1897-1898.

Gauguins mest kjente lerret har ett trekk: det "leses" ikke fra venstre til høyre, men fra høyre til venstre, som kabbalistiske tekster som kunstneren var interessert i. Det er i denne rekkefølgen at allegorien om det åndelige og fysiske livet til en person utfolder seg: fra sjelens fødsel (et sovende barn i nedre høyre hjørne) til uunngåelig dødstime (en fugl med en øgle i klørne i nedre venstre hjørne).

Maleriet ble malt av Gauguin på Tahiti, hvor kunstneren flyktet fra sivilisasjonen flere ganger. Men denne gangen fungerte ikke livet på øya: total fattigdom førte ham til depresjon. Etter å ha fullført lerretet, som skulle bli hans åndelige testamente, tok Gauguin en boks med arsenikk og dro til fjells for å dø. Men han beregnet ikke dosen, og selvmordet mislyktes. Neste morgen vaklet han til hytta og sovnet, og da han våknet kjente han en glemt livstørst. Og i 1898 gikk forholdene hans oppoverbakke, og en lysere periode begynte i arbeidet hans.

112 ordtak i ett bilde

Pieter Brueghel den eldste, "Netherlands Proverbs", 1559

Pieter Brueghel den eldste skildret et land bebodd av bokstavelige bilder av de nederlandske ordtakene på den tiden. Det er omtrent 112 gjenkjennelige idiomer i det malte bildet. Noen av dem brukes fortsatt i dag, som «svøm mot strømmen», «bank hodet i veggen», «bevæpnet til tennene» og «store fisker spiser små».

Andre ordtak gjenspeiler menneskelig dumhet.

Kunstens subjektivitet

Paul Gauguin, bretonsk landsby under snøen, 1894

Gauguins maleri "Breton Village in the Snow" ble solgt etter forfatterens død for bare syv franc og dessuten under navnet "Niagara Falls". Auksjonarius hengte ved et uhell maleriet opp ned etter å ha sett en foss i det.

skjult bilde

Pablo Picasso, Det blå rommet, 1901

I 2008 viste infrarød at et annet bilde var skjult under «Blue Room» – et portrett av en mann kledd i dress med en sommerfugl og hvilende hodet på hånden. «Så snart Picasso hadde en ny idé, tok han opp børsten og legemliggjorde den. Men han hadde ikke muligheten til å kjøpe et nytt lerret hver gang musen besøkte ham, forklarer kunsthistoriker Patricia Favero den mulige årsaken til dette.

Utilgjengelige marokkanske kvinner

Zinaida Serebryakova, naken, 1928

En dag mottok Zinaida Serebryakova et fristende tilbud - å dra på en kreativ reise for å skildre de nakne figurene til orientalske jomfruer. Men det viste seg at det rett og slett var umulig å finne modeller på de stedene. En tolk for Zinaida kom til unnsetning - han brakte søstrene og bruden til henne. Ingen før og etter det klarte å fange de lukkede orientalske kvinnene nakne.

Spontan innsikt

Valentin Serov, "Portrett av Nicholas II i en jakke", 1900

I lang tid kunne ikke Serov male et portrett av kongen. Da artisten ga helt opp, ba han Nikolai om unnskyldning. Nikolai ble litt lei seg, satte seg ved bordet og strakte ut hendene foran seg ... Og så gikk det opp for kunstneren - her er han! En enkel militærmann i offisersjakke med klare og triste øyne. Dette portrettet regnes som den beste skildringen av den siste keiseren.

Igjen toer

© Fedor Reshetnikov

Det berømte maleriet "Again deuce" er bare andre del av den kunstneriske trilogien.

Den første delen er "Ankommet til ferien." Tydeligvis en velstående familie, vinterferier, en gledelig utmerket student.

Den andre delen er "Again the deuce." En fattig familie fra utkanten av arbeiderklassen, høyden av skoleåret, en kjedelig stunner som igjen grep en toer. Øverst i venstre hjørne kan du se bildet "Ankommet til ferien."

Tredje del er «Re-eksamen». Landlig hus, sommer, alle går, en ondsinnet ignorant som strøk på den årlige eksamen, blir tvunget til å sitte innenfor fire vegger og stappe. I øvre venstre hjørne kan du se bildet "Again deuce".

Hvordan mesterverk blir født

Joseph Turner, Rain, Steam and Speed, 1844

I 1842 reiste fru Simon med tog i England. Plutselig begynte et kraftig regnskyll. Den eldre mannen som satt overfor henne reiste seg, åpnet vinduet, stakk hodet ut og stirret slik i omtrent ti minutter. Ute av stand til å holde igjen nysgjerrigheten, åpnet kvinnen også vinduet og så framover. Et år senere oppdaget hun maleriet "Rain, Steam and Speed" på en utstilling ved Royal Academy of Arts og var i stand til å gjenkjenne selve episoden på toget i det.

Anatomi leksjon fra Michelangelo

Michelangelo, Skapelsen av Adam, 1511

Et par amerikanske nevroanatomi-eksperter mener at Michelangelo faktisk etterlot noen anatomiske illustrasjoner i et av hans mest kjente verk. De tror at en enorm hjerne er avbildet på høyre side av bildet. Overraskende nok kan til og med komplekse komponenter som lillehjernen, optiske nerver og hypofysen bli funnet. Og det fengende grønne båndet passer perfekt til plasseringen av vertebralarterien.

Nattverden av Van Gogh

Vincent van Gogh, Café Terrace at Night, 1888

Forsker Jared Baxter mener at Van Goghs Café Terrace at Night inneholder en dedikasjon til Leonardo da Vincis The Last Supper. I midten av bildet står en kelner med langt hår og i hvit tunika, som minner om Kristi klær, og rundt ham nøyaktig 12 kafébesøkende. Baxter trekker også oppmerksomheten til korset, som ligger rett bak ryggen på servitøren i hvitt.

Dalis bilde av minne

Salvador Dali, The Persistence of Memory, 1931

Det er ingen hemmelighet at tankene som besøkte Dali under opprettelsen av mesterverkene hans alltid var i form av veldig realistiske bilder, som kunstneren deretter overførte til lerretet. Så, ifølge forfatteren selv, ble maleriet "The Persistence of Memory" malt som et resultat av assosiasjoner som oppsto ved synet av bearbeidet ost.

Hva er det Munch roper om

Edvard Munch, "Skriket", 1893.

Munch snakket om ideen om et av de mest mystiske maleriene i verdensmaleriet: "Jeg gikk langs stien med to venner - solen gikk ned - plutselig ble himmelen blodrød, jeg stoppet, følte meg utmattet og lente meg på gjerdet - jeg så på blod og flammer over den blåsvarte fjorden og byen - vennene mine fortsatte, og jeg ble stående og skalv av begeistring og kjente det endeløse skriket som gjennomtrengte naturen. Men hva slags solnedgang kan skremme artisten så?

Det er en versjon om at ideen om "Skrik" ble født av Munch i 1883, da det var flere sterkeste utbrudd av Krakatoa-vulkanen - så kraftige at de endret temperaturen på jordens atmosfære med én grad. En rikelig mengde støv og aske spredte seg over hele kloden, og nådde til og med så langt som til Norge. Flere kvelder på rad så solnedgangene ut som om apokalypsen var i ferd med å komme – en av dem ble en inspirasjonskilde for kunstneren.

Forfatter blant folket

Alexander Ivanov, "Kristi tilsynekomst for folket", 1837-1857.

Dusinvis av sittere poserte for Alexander Ivanov for hovedbildet hans. En av dem er kjent ikke mindre enn kunstneren selv. I bakgrunnen, blant reisende og romerske ryttere som ennå ikke har hørt døperen Johannes preken, kan man legge merke til en karakter i brun tunika. Hans Ivanov skrev med Nikolai Gogol. Forfatteren kommuniserte tett med kunstneren i Italia, spesielt om religiøse spørsmål, og ga ham råd i prosessen med å male. Gogol mente at Ivanov "for lenge siden hadde dødd for hele verden, bortsett fra arbeidet hans."

Michelangelos gikt

Raphael Santi, Skolen i Athen, 1511.

Raphael skapte den berømte fresken "The School of Athens", og udødeliggjorde vennene sine og bekjente i bildene av gamle greske filosofer. En av dem var Michelangelo Buonarroti «i rollen» som Heraclitus. I flere århundrer holdt fresken hemmelighetene til Michelangelos personlige liv, og moderne forskere har antydet at kunstnerens merkelig kantede kne indikerer at han har en leddsykdom.

Dette er ganske sannsynlig, gitt særegenhetene ved livsstilen og arbeidsforholdene til renessansekunstnere og Michelangelos kroniske arbeidsnarkomani.

Speil av Arnolfinis

Jan van Eyck, "Portrett av Arnolfinis", 1434

I speilet bak Arnolfinis kan du se refleksjonen til ytterligere to personer i rommet. Mest sannsynlig er dette vitner til stede ved kontraktsinngåelsen. En av dem er van Eyck, som det fremgår av den latinske inskripsjonen plassert, i strid med tradisjonen, over speilet i midten av komposisjonen: "Jan van Eyck var her." Slik ble kontraktene vanligvis forseglet.

Hvordan en feil ble til et talent

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Selvportrett i en alder av 63, 1669.

Forskeren Margaret Livingston studerte alle Rembrandts selvportretter og fant ut at kunstneren led av skjeling: i bildene ser øynene hans i forskjellige retninger, noe som ikke er observert i portrettene av andre mennesker av mesteren. Sykdommen førte til at kunstneren bedre kunne oppfatte virkeligheten i to dimensjoner enn mennesker med normalt syn. Dette fenomenet kalles "stereoblindhet" - manglende evne til å se verden i 3D. Men siden maleren må jobbe med et todimensjonalt bilde, var det nettopp denne mangelen ved Rembrandt som kunne være en av forklaringene på hans fenomenale talent.

Syndfri Venus

Sandro Botticelli, Venus' fødsel, 1482-1486.

Før ankomsten av The Birth of Venus, symboliserte bildet av en naken kvinnelig kropp i maleri bare ideen om opprinnelig synd. Sandro Botticelli var den første europeiske maleren som ikke fant noe syndig i ham. Dessuten er kunsthistorikere sikre på at den hedenske kjærlighetsgudinnen symboliserer det kristne bildet på fresken: hennes utseende er en allegori om gjenfødelsen av sjelen som har gjennomgått dåpsritualet.

Lutspiller eller lutspiller?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, Lutespilleren, 1596.

Lenge var maleriet utstilt i Eremitasjen under tittelen "Lutespiller". Først på begynnelsen av 1900-tallet var kunsthistorikere enige om at lerretet fortsatt skildrer en ung mann (sannsynligvis ble Caravaggio posert av hans venn artist Mario Minniti): på notene foran musikeren, et opptak av bassdelen av madrigalen av Jacob Arcadelt "Du vet at jeg elsker deg" er synlig . En kvinne kunne knapt tatt et slikt valg - det er bare vanskelig for halsen. I tillegg ble luten, som fiolinen helt i kanten av bildet, ansett som et mannlig instrument i Caravaggios tid.

Til de libanesiske sedertrene

Så det skjedde med en beskjeden ungarsk farmasøyt med et vanskelig å huske navn for oss Tivadar Kostka Chontvari. Han satt på apoteket sitt i en liten landsby i Karpatene kalt Iglo, sorterte ut uleselige resepter, delte ut dråper og piller og lyttet til klagene fra gamle kvinner om at pulveret visstnok ikke hjalp. Han satt lenge, mer enn et dusin år. Og plutselig, en varm sommernatt i 1881, hadde han en drøm...

Kostka fortalte ingen om drømmen sin, men bokstavelig talt neste dag leide han ut et apotek, samlet alle kontantene, kjøpte pensler og maling og dro rett til Libanon for å male libanesiske sedertre.

Den nypregede kunstneren dukket ikke lenger opp i apoteket sitt. Han reiste til Hellas, Italia, reiste rundt i Nord-Afrika, og i løpet av denne tiden skapte han mer enn hundre malerier.

Han skrev følgende om seg selv: «Jeg, Tivadar Kostka, ga opp min ungdom for å fornye verden. Da jeg tok initiering fra den usynlige ånden, hadde jeg en trygg stilling, jeg levde i overflod og trøst. Men jeg forlot hjemlandet mitt fordi jeg ønsket å se henne på slutten av mitt rike og strålende liv. For å få til dette reiste jeg mye i Europa, Asia og Afrika. Jeg ønsket å finne sannheten forutsagt for meg og gjøre den om til maleri.

"Gammel fisker"

Verdien av verkene hans har blitt stilt spørsmål ved av mange kritikere. I Europa ble de stilt ut (riktignok uten særlig suksess), men i hjemlandet Ungarn ble Chontvari en gang for alle kalt gal. Først mot slutten av livet kom han til Budapest og brakte lerretene sine dit. Jeg prøvde å testamentere dem til det lokale museet, men ingen trengte dem. I 1919 ble Tivadar Kostka Chontvari virkelig gal og døde fattig, ensom, latterliggjort og ubrukelig.

Etter å ha begravet de uheldige begynte de pårørende å dele det gode. Og det gode med alt var - bare bilder. Og så, etter å ha rådført seg med «ekspertene», bestemte de seg for å skrote lerretene, som et vanlig lerret, og dele pengene mellom seg, slik at alt var rettferdig.

På dette tidspunktet, helt tilfeldig, gikk en ung arkitekt Gedeon Gerlotsi forbi. Det var han som reddet kunstnerens kreasjoner, og betalte for dem litt mer enn søppelhandleren tilbød.

Nå er maleriene til Tivadar Chontvari oppbevart i museet i byen Pecs (Ungarn).

Og nylig kom en av museumsansatte, i ferd med å undersøke Kostkas maleri "Den gamle fiskeren", malt i 1902, på ideen om å feste et speil til det. Og så så han at bildet på lerretet ikke var ett, men minst to! Prøv å dele opp lerretet selv med et speil, og du vil se enten en gud som sitter i en båt på bakgrunn av et fredelig, kan man si, paradislandskap, eller djevelen selv, bak hvem svarte bølger raser. Eller kanskje i andre malerier av Chontvari er det en skjult mening? Tross alt viser det seg at en tidligere farmasøyt fra landsbyen Iglo ikke var så enkel.

I nyere tid har kunstkritikeres oppmerksomhet vært maleriet av Tivadar Kostka Chontvari "Den gamle fiskeren", skrevet av ham i 1902. Ved å speile venstre og høyre del av maleriet vekselvis, skapes to helt forskjellige bilder - Gud i en båt på bakgrunn av en rolig innsjø, eller Djevelen på en vulkan og stormvann bak.

Etter oppdagelsen av dette faktum ble anerkjennelsen av kreativiteten til forfatteren av bildet tilnærmet annerledes. Men hva ville Tivadar Chontvari si med arbeidet sitt? Mange mistenkte sammenhengen mellom kunstnerens arbeid og mystikk og begynte med stor iver å studere arven etter den ungarske maleren.

Inntil nylig var det bare noen få som er interessert i maleri, spesielt ekspresjonisme og primitivisme, som kjente navnet til den ungarske kunstneren Tivadar Kostka Chontvary. Om maleren som døde i fattigdom for nesten 100 år siden, som dessuten ble ansett som gal (noen forskere i biografien hans mener at Tivadar var syk av schizofreni), begynte ganske nylig mange å snakke.

Faktum er at en av de ansatte ved bymuseet i Pec, som undersøkte maleriet av Tivadar Chontvari "Den gamle fiskeren", oppdaget at hvis du deler lerretet i to med et speil, får du to forskjellige bilder!

Denne detaljen interesserte ikke bare mange kunsthistorikere, men også vanlige mennesker. De begynte å snakke om verkets hemmelige mystikk, holdningen til den kreative arven til den ungarske autodidakten ble revidert. I Russland vokste interessen for dette faktum etter utgivelsen av programmet "Hva? Hvor? Når?" datert 1. oktober 2011, hvor betrakteren, med et spørsmål om maleriet «Den gamle fisker», klarte å slå kjennerne.

Den mest plausible versjonen av ideen innebygd i bildet er meningen om den dualistiske naturen til menneskets natur, som Tivadar ønsket å formidle. En person tilbringer hele livet i en konstant kamp mellom to prinsipper: mann og kvinne, godt og ondt, intuitivt og logisk. Dette er ingrediensene i livet. Som guden og djevelen i Chontwari-maleriet, utfyller de hverandre, uten den ene er det ingen annen.

"Den gamle fiskeren", som legemliggjørelsen av et levd liv og menneskelig visdom, ved hjelp av en enkel teknikk, viser hvordan ondt og godt, godt og ondt, gud og djevel harmonerer i hver enkelt av oss. Og å balansere dem er hver persons oppgave.

I vår nettbutikk kan du kjøpe en reproduksjon av et mystisk maleri og lage dette mesterverket selv.

Litt om kunstneren.
5. juli 1853 Kishseben (nå Sabinov, Slovakia) – 13. oktober 1919 Budapest
Ungarsk selvlært kunstner.
Chontwaris beslutning om å bli maler kom, ifølge kunsthistorikere, under påvirkning av schizofreni. Han jobbet i fjorten år som apotek for å bli økonomisk uavhengig, og begynte å studere maleri i en alder av førti.
I 1880 opplevde han en innsikt som varslet den store malerens skjebne. Han var fast bestemt på å bli en verdensberømt maler med berømmelse som overgikk til og med Raphael.
Kunstnerens oppdrag var å legitimere den ungarske nasjonens historiske eksistens gjennom sin kunst. Hans spesielle verdensbilde og betydningen av hans kall, som konsentrerte all hans innsats til et enkelt mål, understreker storheten i hans arbeid.
Han hevdet kunstnerisk suverenitet, ignorerte alle kunstens regler, med sine malerier utfordret han forsøk på å kategorisere ham som en naiv maler.
Kostka studerte først i München ved den private kunstskolen til Szymon Holloshi, deretter i Karlsruhe med Kallmorgen.
I 1895 reiste han til Dalmatia og Italia for å male landskap.
Han reiste også i Hellas, Nord-Afrika og Midtøsten.
I 1900 endret han etternavnet Kostka til pseudonymet Chontvari.
Selv om han døde i en alder av seksti, var hans kreative periode veldig kort.
Chontwari begynte å male på midten av 1890-tallet. Han eier over hundre malerier og tjue tegninger. De viktigste, stilmessig nær ekspresjonismen, ble skapt i 1903-1909.
Hans individuelle stil - best illustrert av "Trees in an Egg's Electric Light" og "Storm" - ble fullt utviklet i 1903.
Maleriet Ruinene av det greske teateret i Taormina, malt mellom 1904 og 1905, var et resultat av hans reiser i Hellas.
I 1907 viste Chontwary først arbeidet sitt i Paris, og dro deretter til Libanon.
I Libanon ble hans symbolske malerier med en mystisk atmosfære malt: «Den ensomme sedertre», «Pilgrimsreise» og «Maria i Nasaret».
Hans neste utstillinger ble holdt i 1908 og 1910, men de ga ham ikke den anerkjennelsen han så oppriktig håpet på.
Maleriene hans fikk heller ikke anerkjennelse i Ungarn, hvor forfatteren deres førte en asketisk livsstil, var preget av merkelig oppførsel og var tilbøyelig til profetisk tone i kommunikasjon, hadde et rykte som en galning.
Det siste store maleriet, A Trip Along the Shore, ble malt i Napoli i 1909.
Etter det førte ensomhet og mangel på forståelse kunstneren til at han ikke var i stand til å lage malerier, men bare skisserte sine surrealistiske visjoner.
Hovedverkene til kunstneren er samlet i Museum of Pest.

Et av maleriene til denne kunstneren som tiltrekker seg oppmerksomheten til kunsthistorikere er "The Old Fisherman". Bildet ble malt i 1902.