Prokofiew jest kompozytorem utworów dla dzieci. Siergiejewicz Prokofiew

Rosyjski radziecki kompozytor pianista, dyrygent, autor tekstów muzycznych

krótki życiorys

Siergiej Siergiejewicz Prokofiew(23 kwietnia 1891, Sontsovka - 5 marca 1953, Moskwa) - rosyjski radziecki kompozytor, pianista, dyrygent, pisarz muzyczny. Artysta Ludowy RFSRR (1947). Laureat Nagrody Lenina (1957) i sześciu Nagród Stalina (1943, 1946 - trzykrotnie, 1947, 1952).

Prokofiew pisał we wszystkich współczesnych gatunkach. Jest właścicielem 11 oper, 7 baletów, 7 symfonii, 7 koncertów na instrument solowy i orkiestrę, 9 sonat fortepianowych, oratoriów i kantat, kameralnych utworów wokalnych i instrumentalnych, muzyki filmowej i teatralnej.

Prokofiew stworzył swój własny, innowacyjny styl. Innowacyjne funkcje odnotowuje się kompozycje zarówno z okresu wczesnego, obcego, jak i sowieckiego. Wiele jego kompozycji (łącznie ponad 130 opusów) weszło do skarbnicy światowej kultury muzycznej, jak I, V i VII Symfonia, I, II i III Koncerty fortepianowe, opery Miłość do trzech pomarańczy (1919) i Ognisty Anioł (1927), baśń symfoniczna „Piotruś i Wilk” (1936), balet „Romeo i Julia” (1935), kantata „Aleksander Newski” (1939), muzyka do filmu „Porucznik Kiże” (1934 ), „Ulotne”, „Złudzenie”, VII Sonata i inne utwory fortepianowe. Prokofiew jest jednym z najbardziej znaczących i repertuarowych kompozytorów XX wieku.

Zgodnie z ustaloną tradycją rosyjscy muzykolodzy i pisarze muzyczni definiowali S. S. Prokofiewa jako „kompozytora rosyjskiego” lub „kompozytora radzieckiego”. W literaturze referencyjnej ZSRR, na przykład w 2. wydaniu TSB (1955), w 3. wydaniu TSB (1975) i innych, Prokofiew został określony jako „kompozytor radziecki”, ponadto w Encyklopedia muzyczna (1978) - jako czołowa postać kultury radzieckiej. W poradzieckiej biografii Prokofiewa, pisarza I. G. Wiszniewieckiego (2009), bohater książki jest określany jako „rosyjski kompozytor”. W BDT dla postaci kulturowych, które posiadały obywatelstwo Imperium Rosyjskiego, Rosja Sowiecka (ZSRR), które miały lub mają obywatelstwo Federacji Rosyjskiej, wprowadzono pojedynczy atrybut - „rosyjski”. Po raz pierwszy zgodnie z tą zasadą Prokofiew został określony w definicji artykułu biograficznego BDT (2015) jako „kompozytor rosyjski”.

W encyklopediach zachodnioeuropejskich i amerykańskich Prokofiew jest zwykle określany jako kompozytor „rosyjski” lub „rosyjski” (angielski rosyjski, niemiecki russisch, hiszpański. rosyjski itp.). Mniej powszechne są definicje, w których kompozytor jest określany jako „radziecki” (angielski radziecki, niemiecki sowjetisch, francuski soviétique itp.). W biografii Liny Prokofievy V.N. Chemberdzhi (2008) fraza słynny rosyjski kompozytor(angielski), publikowany „przez cały tydzień we wszystkich gazetach Ameryki” i cytowany w liście Prokofiewa z dnia 1 stycznia 1933 r., jest tłumaczony w przypisie jako „słynny rosyjski kompozytor”.

W artykule muzykologa S.A. Petuchowej Prokofiew jest określany jako „kompozytor rosyjski”, natomiast przymiotnik „rosyjski” oznacza obywatelstwo lub przynależność terytorialną: „rosyjscy wiolonczeliści” odnoszą się do wiolonczelistów z Rosji. W artykule Yu N. Chołopowa na stronie internetowej Filharmonii Petersburskiej S. S. Prokofiew jest wymieniony jako „wielki rosyjski kompozytor”, w artykule „Dzieło Prokofiewa w radzieckiej muzykologii teoretycznej” (1972) jako „radziecki kompozytor ” i jako „wielki rosyjski muzyk”. W monografii „Nowoczesne cechy harmonii Prokofiewa” (1967) ten sam autor scharakteryzował dzieło Prokofiewa jako „dumę muzyka radziecka”, choć jednocześnie obiektywnie opisał nowatorską harmonię Prokofiewa w całości jego pisarstwo (w tym poza „sowieckim” okresem twórczości).

Rektor Konserwatorium Moskiewskiego A. S. Sokołow w pozdrowieniach dla uczestników Międzynarodowej Konferencji Naukowej i Festiwal Muzyczny poświęcony 120. rocznicy urodzin S. S. Prokofiewa, powiedział: „Nazwisko wielkiego rosyjskiego kompozytora jest znane na całym świecie. Działalność Prokofiewa miała miejsce w Rosji, Europie i Ameryce.

W zbiorze artykułów „Prokofiew Readings” (2016), dotyczących Prokofiewa i innych kompozytorów rosyjskich, kombinacje „kompozytor rosyjski” i „kompozytorzy rosyjscy” występują 10 razy, a „kompozytorzy rosyjscy” – tylko 1 raz. W ostatnich latach stabilne połączenie „kompozytora rosyjskiego” w stosunku do SS Prokofiewa podaje artykuł O. L. Dewatowej „Siergiej Prokofiew w sowieckiej Rosji: konformista czy wolny artysta?” (2013), w „Literaturnaja Gaziecie” (2016) oraz w Regulaminie Otwartego Konkursu Kompozytorskiego Czasu Prokofiewa (2017). O. L. Devyatova zacytował słowa S. M. Słonimskiego o kontynuacji przez S. S. Prokofiewa „twórczej linii rosyjskich klasyków XIX wieku” i napisał, że kompozytor czuł się „prawdziwie Rosjaninem i muzykiem, wychowanym przez kulturę rosyjską, jej narodową tradycje." W ten sposób Prokofiew jest nosicielem i innowatorem rosyjskiej tradycji narodowej w światowej muzyce klasycznej.

Współcześni mówili o Prokofiewie jako o kompozytorze rosyjskim, co wynika z wpisu w „Dzienniku” recenzji Strawińskiego, wyrażonej we Włoszech w 1915 roku: kompozytora i że oprócz mnie w Rosji nie ma kompozytorów rosyjskich. Sam Prokofiew nazywał siebie „kompozytorem rosyjskim”, co potwierdza jego samoidentyfikacja w zapisie dziennika z 1915 r. o powstaniu baletu „Błazen”: „Cień narodowy znalazł w nich dość wyraźne odbicie. Kiedy komponowałem, zawsze myślałem, że jestem rosyjskim kompozytorem, a moi błazny byli Rosjanami, a to otworzyło przede mną zupełnie nowe, nieotwarte pole do komponowania.

Dzieciństwo

Siergiej Prokofiew urodził się we wsi Soncowka w obwodzie bachmuckim w obwodzie jekaterynosławskim (obecnie wieś w rejonie pokrowskim obwodu donieckiego na Ukrainie). W przeciwieństwie do daty urodzenia wskazywanej przez wiele źródeł jako 11 kwietnia, w odpisie aktu urodzenia zapisany jest dzień 15 kwietnia 1891 roku. Siergiej Światosławowicz Prokofiew, wnuk kompozytora, który pod swoimi publikacjami umieszcza nazwisko Siergiej Prokofiew junior, podkreślał, że „Prokofiew nie urodził się 27 kwietnia”. Kompozytor wielokrotnie zaznaczał w „Dzienniczku”, że urodził się 23 kwietnia: „Wczoraj były moje urodziny (27 lat)”. "<…>Wczoraj skończyłem dwadzieścia dziewięć lat<…>". „Przypomniałem sobie, że dzisiaj skończyłem trzydzieści trzy lata („Co to był za hałas w sąsiednim pokoju? U mnie skończył trzydzieści trzy lata”). Pomimo faktu, że sam Prokofiew nazwał miejsce swojego urodzenia po małorosyjsku - „Soncewka”, biograf kompozytora I. G. Wiszniewiecki cytował dokumenty z początku XX wieku, używając nazwy wsi „Sońcewka”.

Ojciec Siergiej Aleksiejewicz Prokofiew (1846-1910) pochodził z rodziny kupieckiej, studiował w Moskwie w Pietrowskiej Akademii Rolniczej (1867-1871). Matka, Maria Grigoriewna (z domu Żytkowa, 1855-1924), urodziła się w Petersburgu i ukończyła gimnazjum ze złotym medalem. Jej ojciec był poddanym Szeremietiewów, w połowie XIX wieku przeniósł się do Petersburga, ożenił się z miejską kobietą Szwedzkie pochodzenie. Ojciec zarządzał majątkiem swojego byłego kolegi z klasy w akademii D. D. Sontsov.

Miłość do muzyki zaszczepiła w matce, która często grała i wykonywała głównie utwory Beethovena i Chopina. Siergiej najpierw słuchał, a potem zaczął siadać obok instrumentu i uderzać w klawisze. Maria Grigorievna była dobrą pianistką i została pierwszą muzyczną mentorką przyszłego kompozytora. Zdolności muzyczne Siergieja objawiły się we wczesnym dzieciństwie, kiedy w wieku pięciu i pół roku skomponował pierwszy malutki utwór na fortepian „Indian galop”. Utwór ten zanotowała Maria Grigoriewna, a Sierioża nauczył się samodzielnie nagrywać kolejne utwory (ronda, walce i tzw. „pieśni” cudownego dziecka). Później ojciec zaczął udzielać synowi lekcji matematyki, a matka uczyła go francuskiego i niemieckiego.

W styczniu 1900 roku w Moskwie Siergiej Prokofiew po raz pierwszy wysłuchał oper Faust i Książę Igor oraz był na balecie Śpiąca królewna, pod wrażeniem którego wymyślił własne podobne dzieło. W czerwcu 1900 roku powstała opera Olbrzym. Rok 1901 upłynął na komponowaniu drugiej opery Na bezludnych wyspach, ale ukończono tylko pierwszy akt. Możliwości Marii Grigoriewnej dotyczące dalszej edukacji muzycznej jej syna zostały wyczerpane.

W styczniu 1902 roku w Moskwie Siergiej Prokofiew został przedstawiony S. I. Tanejewowi, któremu zagrał fragmenty opery Olbrzym i uwerturę do Desert Shores. Kompozytor, będąc pod wrażeniem umiejętności młodego muzyka, poprosił R. M. Gliere'a, aby studiował u niego teorię kompozycji. Latem 1902 i 1903 Gliere przyjechał do Soncewki, aby udzielać lekcji Prokofiewowi.

Kompozytor szczegółowo opisał swoje lata dzieciństwa przed wstąpieniem do konserwatorium w swojej „Autobiografii” w części pierwszej „Dzieciństwo”.

Konserwatorium

Wraz z przeprowadzką do Petersburga rozpoczął się nowy, według słów Siergieja Prokofiewa, petersburski okres życia. Po wstąpieniu do Konserwatorium Petersburskiego przedstawił komisji dwa teczki ze swoimi kompozycjami, zawierające cztery opery, dwie sonaty, symfonię i utwory fortepianowe. Dzieła te nie są ujęte w wykazie dzieł kompozytora opus.Od 1904 studiował w Konserwatorium Petersburskim w klasie instrumentacji N. A. Rimskiego-Korsakowa, u A. K. Lyadova w klasie kompozycji, u J. Vitola - w dyscypliny muzyczne i teoretyczne, u A. N. Esipovej - fortepian, u N. N. Cherepnin - dyrygenturę. Konserwatorium ukończył jako kompozytor w 1909 r., jako pianista - w 1914 r., kiedy to wygrał konkurs wśród pięciu najlepszych studentów matury, wykonując swój I Koncert fortepianowy op. 10, otrzymał złoty medal i nagrodę honorową im. A. G. Rubinsteina – fortepian z fabryki Schroedera. W młodym absolwentze Konserwatorium Petersburskiego „od początku lat 1910 wielu widziało wielkiego rosyjskiego kompozytora”. Do 1917 włącznie kontynuował naukę w konserwatorium w klasie organów.

W latach nauki w konserwatorium zaczął przyjazne stosunki z kompozytorami Nikołajem Miaskowskim i Borysem Asafiewem, poznał Siergieja Rachmaninowa. W kwietniu 1910 roku Siergiej Prokofiew poznał Igora Strawińskiego. Podczas wieloletniej rywalizacji między dwoma kompozytorami „każdy z nich nieuchronnie mierzył to, co zrobiono z twórczością i sukcesem drugiego”.

Kształtowaniu umiejętności wykonawczych sprzyjało zbliżenie z petersburskim kręgiem „Wieczory muzyki współczesnej”, na którego koncercie 18 grudnia 1908 r. Odbył się pierwszy publiczny występ jako kompozytor i pianista. Oryginalność, niewątpliwy talent, twórcza wyobraźnia, ekstrawagancja, nieokiełznana gra fantazji i pomysłowość Siergieja Prokofiewa zostały zauważone w recenzji debiutu. Recenzent przypisał młodemu autorowi „skrajny kierunek modernistów”, który „dalej idzie w swej śmiałości i oryginalności nowoczesny francuski". Według muzykologa I. I. Martynova recenzja przesadziła zuchwalstwo Prokofiewa, który w tamtym czasie nie przewyższał „nowoczesnego Francuza”. Po pierwszych sukcesach występował jako solista, wykonując głównie utwory własne. W 1911 roku po raz pierwszy w Rosji wystawił dramaty A. Schönberga op. 11, aw 1913 przemawiał wieczorem w obecności C. Debussy'ego podczas jego przyjazdu do Petersburga.

Aby wzmocnić reputację kompozytora, Prokofiew poczuł potrzebę wykonywania i publikowania swoich utworów, zaczął nawiązywać kontakty ze znanymi dyrygentami, wysłał kilka utworów do Rosyjskiego Wydawnictwa Muzycznego i do słynnego wydawcy muzycznego P. I. Yurgensona, ale wydawcy odmówili. W 1911 roku młody kompozytor uzyskał list polecający od A. W. Ossowskiego, nalegał na osobiste spotkanie z Jurgensonem, zagrał mu jego kompozycje fortepianowe i uzyskał zgodę na ich publikację. Pierwszym opublikowanym dziełem Prokofiewa była Sonata fortepianowa op. 1, wydany w 1911 roku przez wydawnictwo muzyczne „P. Yurgensona". Pod koniec lutego 1913 roku Prokofiew spotkał S. A. Kusewickiego, który już żałował, że Yurgenson publikuje dzieła obiecującego kompozytora. Od 1917 roku utwory Prokofiewa zaczęły pojawiać się w wydawnictwie muzycznym „A. Gutheil”, który w tym czasie należał do Kusewickiego. Prokofiew utrzymywał kontakty handlowe z Kusewickim przez prawie ćwierć wieku. Prawie wszystkie dzieła Prokofiewa okres zagraniczny ukazały się pod markami jego firm „A. Gutheil” lub „Rosyjskie Wydawnictwo Muzyczne”, niektóre utwory orkiestrowe Prokofiewa zostały po raz pierwszy wykonane pod jego kierunkiem.

Występy w Petersburgu, Moskwie i sali koncertowej Dworca Pawłowskiego umocniły sławę i sławę młodego kompozytora i pianisty. W 1913 r. prawykonanie II Koncertu fortepianowego wywołało skandal, publiczność i krytyka podzieliły się na wielbicieli i krytyków. W jednej z recenzji Prokofiew został nazwany „kubistą fortepianowym i futurystą”.

Podczas drugiego wyjazdu zagranicznego w Londynie w czerwcu 1914 r. S. S. Prokofiew spotkał S. P. Diagilewa. Od tego czasu rozpoczęła się wieloletnia współpraca kompozytora z przedsiębiorcą, która trwała aż do śmierci Diagilewa w 1929 roku. Prokofiew stworzył cztery balety dla przedsiębiorczych baletów rosyjskich: Ala and Lolly, The Jester, Steel Lope i The Marnotrawny syn, z których pierwszy nie został wystawiony.

Wojna i dwie rewolucje

Po wybuchu I wojny światowej Prokofiew pracował nad stworzeniem opery Hazardzista oraz baletu Ala i Lolly. Młody kompozytor nie podlegał poborowi do wojska, jako jedyny syn w rodzinie.

Aby zapoznać się z baletem, Diagilew wezwał Prokofiewa do Włoch, ale z różnych powodów odmówił wystawienia Ali i Lollii i złożył nowe zamówienie dla kompozytora - balet Błazen (pełny tytuł to Opowieść o błaźnie, który przechytrzył siódemkę błazny). 22 lutego (7 marca) 1915 roku w Rzymie odbył się pierwszy zagraniczny występ Prokofiewa, zorganizowany przez Diagilewa, podczas którego wykonano II Koncert fortepianowy z orkiestrą pod dyrekcją Bernardina Molinariego oraz kilka utworów na fortepian.

Materiał partytury pierwszego baletu „Ala i Lolly” został przerobiony na kompozycję na orkiestrę „Suita scytyjska”. Aby pracować nad nowym porządkiem, Diagilew przyczynił się do zbliżenia między Prokofiewem a Strawińskim. Krytycy zwracali uwagę na wpływ muzyki Strawińskiego na powstanie Suity scytyjskiej i baletu Błazen. „Suita scytyjska” była uważana przez Prokofiewa i jego najbliższych przyjaciół Miaskowskiego i Asafiewa „za największe i najbardziej znaczące z dotychczas napisanych przez niego dzieł orkiestrowych”, „ale publiczność nadal postrzegała ją jako przejaw muzycznego ekstremizmu”. Premiera „Suity scytyjskiej” 16 (29 stycznia) 1916 r. wywołała jeszcze głośniejszy skandal i protesty niż II Koncert fortepianowy, który był jak wybuch bomby. Mimo swoich zalet suita wciąż nie należy do popularnych dzieł kompozytora. Wielkie trudności towarzyszyły realizacji opery Hazardzista, której pierwsze wydanie ukończono w 1916 roku, a światowa premiera miała miejsce w wydaniu drugim w 1929 roku.

Nie mniejsze walory artystyczne mają również kompozycje małych form tego okresu: cykl utworów fortepianowych „Sarkazmy”, baśń na głos i fortepian „Brzydkie kaczątko”, cykl romansów do słów Anny Achmatowej op. 27, „Ulotne”. Mimo aureoli awangardowej sławy, przed wyjazdem z Rosji, Prokofiew stworzył znaczące dzieła, kontynuujące zarówno europejską, jak i rosyjską tradycję klasyczną - I Koncert skrzypcowy i Symfonię klasyczną dedykowaną B.V. Asafiewowi, jako przykład transparentnie brzmiącej partytury symfonicznej i „antyromantyczny symfonizm konceptualny w nowych warunkach i na ziemi rosyjskiej. Zauważając jednak znajomość przez młodego Szostakowicza muzyki Strawińskiego i wczesnego Prokofiewa przy tworzeniu Es-dur Scherzo op. 7 (1923-1924) Krzysztof Meyer wspomniał o swoich pierwszych nieporozumieniach ze Steinbergiem: „Nauczyciel chciał widzieć w nim kontynuatora tradycji rosyjskiej, a nie tylko kolejnego – po Strawińskim i Prokofiewie – jej niszczyciela, kompozytora o podejrzliwych modernistycznych zapędach ”.

Okres zagraniczny

Pod koniec 1917 roku Prokofiew myślał o wyjeździe z Rosji, pisząc w swoim Dzienniku:

Jedź do Ameryki! Z pewnością! Tu kwaśno, tam życie to klucz, tu masakra i gra, tam życie kulturalne, tu nędzne koncerty w Kisłowodzku, tam Nowy Jork, Chicago. Nie ma wahania. Idę na wiosnę. Gdyby tylko Ameryka nie czuła wrogości wobec oddzielnych Rosjan! I pod tą flagą spotkałem Nowy Rok. Czy zawiedzie moje życzenia?

S. S. Prokofiew. Dziennik. 1907-1918.

7 maja 1918 roku Prokofiew opuścił Moskwę Siberian Express i przybył do Tokio 1 czerwca. W Japonii wystąpił jako pianista z dwoma koncertami w Tokio i jednym w Jokohamie, co według przedsiębiorcy A. D. Stroka poszło niechlubnie i przyniosło niewielkie pieniądze. Kompozytor przez dwa miesiące zabiegał o wizę amerykańską, a 2 sierpnia odpłynął do Stanów Zjednoczonych. 6 września Prokofiew przybył do Nowego Jorku, gdzie jesienią 1918 roku ukończył swoje pierwsze dzieło z okresu zagranicznego, Opowieści starej babci.

Umownie, ponieważ prace nad niektórymi utworami zostały pomyślane lub rozpoczęte wcześniej, ramy chronologiczne okresu pobytu Prokofiewa za granicą wyznacza się od 1918 do 1935 roku, aż do jego ostatecznego wyjazdu do Moskwy w 1936 roku. Do najważniejszych dzieł tego okresu należą opery Miłość do trzech pomarańczy (1919), Ognisty anioł (1919-1927), balety Stalowa pętla (1925), Syn marnotrawny (1928) i Nad Dnieprem ”( 1930), druga (1925), trzecia (1928) i czwarta (1930) symfonia; trzeci (1917-1921), czwarty (1931) i piąty (1932) koncert fortepianowy. Listę ważniejszych dzieł kompozytora obcego okresu uzupełnia II koncert skrzypcowy (1935).

W drugiej połowie lat 20. iw pierwszej połowie lat 30. Prokofiew intensywnie koncertował jako pianista w Ameryce i Europie (występował m.in. własne kompozycje), sporadycznie także jako dyrygent (tylko kompozycje własne); w 1927, 1929 i 1932 - w ZSRR. W 1932 nagrał w Londynie swój III Koncert (z Londyńską Orkiestrą Symfoniczną), aw 1935 w Paryżu - szereg własnych utworów fortepianowych i opracowań. To wyczerpuje spuściznę pianisty Prokofiewa.

Wiosną 1925 roku Prokofiew zbliżył się i wkrótce zaprzyjaźnił z Dukelskim, którego poznał wcześniej w Ameryce. Do tego czasu zapisano w „Dzienniku” kompozytora słynne powiedzenie Diagilewa o Prokofiewie jako drugim synu: „Ja, podobnie jak Noe, mam trzech synów: Strawińskiego, Prokofiewa i Dukelskiego. Ty, Serge, przepraszam, że musiałeś być drugim synem!

Podczas długiego pobytu Prokofiewa za granicą wygasło zaświadczenie o podróży wystawione przez A. W. Łunaczarskiego w 1918 r., a kompozytor stracił obywatelstwo radzieckie. Na tej podstawie, mimo że Prokofiew wykazywał apatię i nie przyłączył się do ruchu Białych, kompozytor zaliczany jest do rosyjskiej emigracji pierwszej fali. W 1927 r. Prokofiewowie otrzymali paszporty sowieckie, które były niezbędne podczas ich pierwszej podróży po ZSRR. Simon Morrison wspomniał, że para Prokofiewów miała paszporty Nansena. W 1929 roku w Paryżu Prokofiew poprosił o nowe sowieckie paszporty dla siebie i swojej żony w miejsce bez anulowania przeterminowanych paszportów Nansena i zapisał w „Dzienniku” słowa I. L. Arensa, który ostrzegał kompozytora przed możliwe problemy z dokumentami: „<…>nie my, oczywiście, będziesz miał kłopoty, ale możesz mieć trudności z zagraniczną policją, gdy dowiedzą się, że masz dwa paszporty. Igor Wiszniewiecki zwrócił uwagę, że Siergiej i Lina Prokofiewowie przechowywali dokumenty Nansena do 1938 roku, co stało się popytem na tournee kompozytora zimą 1935/36 po Hiszpanii, Portugalii, Maroku, Algierii i Tunezji.

W ZSRR

W 1936 roku Prokofiew wraz z rodziną ostatecznie przeniósł się do ZSRR i zamieszkał w Moskwie.W przyszłości kompozytor wyjeżdżał za granicę tylko dwukrotnie: w sezonach 1936/37 i 1938/39.W 1936 z inicjatywy Natalii Sats, napisał bajkę symfoniczną dla Centralnego Teatru Dziecięcego Piotruś i Wilk ”(premiera odbyła się 2 maja 1936 r.), której głównym celem była dydaktyka - pokaz narzędzi Orkiestra symfoniczna.

Podczas Wielkiego Wojna Ojczyźniana Prokofiew intensywnie pracował nad baletem Kopciuszek, V Symfonią, sonatami fortepianowymi nr 7, 8, 9, sonatą na flet i fortepian. Zdaniem Krzysztofa Meyera V Symfonia Prokofiewa „weszła na listę najwybitniejszych dzieł związanych tematycznie z tragedią II wojny światowej”. Najważniejszym dziełem okresu wojny była opera „Wojna i pokój” reż powieść o tym samym tytule Lew Tołstoj. Prokofiew napisał muzykę do filmów "Aleksander Newski" (1938) i "Iwan Groźny" (w dwóch seriach, 1944-1945), świadcząc o jego wyjątkowo wysokich umiejętnościach kompozytorskich.

W lutym 1948 r. Komitet Centralny Wszechzwiązkowej Komunistycznej Partii Bolszewików wydał rezolucję „O operze Wielka przyjaźń W. Muradeli”, w której czołowi kompozytorzy radzieccy (Prokofiew, Szostakowicz, Miaskowski, Popow, Szebalin, Chaczaturian) ostro krytykowano za „formalizm”. Szereg dzieł Prokofiewa zostało zakazanych do wykonania tajnym zarządzeniem Komitetu Sztuki. 16 marca 1949 r. na osobisty rozkaz Stalina ten tajny rozkaz został odwołany, a oficjalna prasa zaczęła oceniać działania Komitetu z 1948 r. Jako „pewne ekscesy”.

W następstwie dekretu od 19 do 25 kwietnia 1948 roku odbył się I Zjazd Związku Kompozytorów ZSRR, na którym głównymi prześladowcami Prokofiewa byli jego były bliski przyjaciel B.V. Asafiew, młody kompozytor i sekretarz ZSRR IC TN z formalizmem” był muzykolog B. M. Yarustovsky. W obszernym referacie Chrennikowa na kongresie skrytykowano wiele dzieł Prokofiewa, w tym jego VI Symfonię (1946) i operę Opowieść o prawdziwym człowieku . O ile VI Symfonia ostatecznie zyskała uznanie jako arcydzieło Prokofiewa, to Opowieść o prawdziwym człowieku, opera niestandardowa i eksperymentalna, pozostaje niedoceniona.

Od 1949 roku Prokofiew prawie nie opuszczał swojej daczy, ale nawet w najsurowszym reżimie medycznym napisał sonatę na wiolonczelę i fortepian, balet Opowieść o kamiennym kwiecie, koncert symfoniczny na wiolonczelę i orkiestrę, oratorium Na straży świata , i wiele więcej. Ostatni esej, którą kompozytor przypadkowo usłyszał w sali koncertowej, była VII Symfonia (1952). Pod koniec filmu „Siergiej Prokofiew. Apartament życia. Opus 2 (1991), Evgeny Svetlanov zauważył, że Prokofiew stał się prawdziwym klasykiem za życia, podobnie jak Haydn i Mozart. Kompozytor pracował w dniu swojej śmierci, o czym świadczy data i godzina na rękopisie z zakończeniem duetu Katerina i Danila z baletu „Kamienny kwiat”.

Prokofiew zmarł w Moskwie w mieszkaniu komunalnym przy Kamergersky Lane z powodu kryzysu nadciśnieniowego 5 marca 1953 r. Ponieważ zmarł w dniu śmierci Stalina, jego śmierć przeszła niemal niezauważona, a krewni i współpracownicy kompozytora mieli duże trudności z organizacją pogrzebu. S. S. Prokofiew został pochowany w Moskwie na Cmentarzu Nowodziewiczy (kwatera nr 3). Ku pamięci kompozytora na domu przy Kamergersky Lane wzniesiono tablicę pamiątkową (rzeźbiarz M. L. Petrova).

11 grudnia 2016 roku w Moskwie na Kamergerskim Lane podczas otwarcia pomnika kompozytora, zbiegającego się w czasie z 125. rocznicą jego urodzin, Walerij Giergiew powiedział, że obecnie Prokofiew jest postrzegany jako Czajkowski, jest Mozartem XX wieku: „W XX wieku nie było takich melodystów jak Prokofiew. Kompozytorzy dorównujący talentowi Siergieja Siergiejewicza nieprędko pojawią się na ziemi”.

kreacja

Dziedzictwo muzyczne

Prokofiew przeszedł do historii jako innowator języka muzycznego. Oryginalność jego stylu jest najbardziej zauważalna w okolicy Harmonia. Pomimo faktu, że Prokofiew pozostał zwolennikiem rozszerzonej tonacji dur-moll i nie podzielał radykalizmu szkoły nowowiedeńskiej, styl harmonii „Prokofiewa” jest bezbłędnie rozpoznawalny ze słuchu. Specyfika harmonii Prokofiewa ukształtowała się już w toku wczesnych eksperymentów: np. w Sarkazmie (1914, op. 17 nr 5) zastosował on dysonansowy akord jako funkcję toniczną i metrum zmienne (według samego autora: obraz „złego śmiechu”), w zakończeniu utworu fortepianowego „Złudzenie” (op. 4 nr 4) – klaster chromatyczny (cis/d/dis/e), łączący dźwięki (wysokość) odtwarzana jest „obsesyjna” fraza. Prokofiew przez całe życie stosował specjalną formę dominanty, zwaną później „Prokofiewa”, w formie głównej i odmianach. Nową tonację Prokofiewa charakteryzują także liniowe akordy (np. w pierwszym „Ulotnym”), których nie tłumaczy się akustycznym związkiem sprzężonych harmonii, lecz jest konsekwencją polifonii różnych mroków kompozytora.

Rozpoznawalny i konkretny rytm Prokofiewa, co jest szczególnie widoczne w jego kompozycjach fortepianowych, takich jak Toccata op. 11, „Obsesja”, Siódma Sonata (z finałem opartym na rytmicznym ostinato 7/8) itp. Nie mniej rozpoznawalny jest „antyromantyczny” rys rytmu – słynna „motoryczność” Prokofiewa charakterystyczna dla kompozycje fortepianowe zanim Okres sowiecki(Scherzo z II Koncertu fortepianowego, Allegro z III Koncertu fortepianowego, Toccata itp.). Wykonanie takich „motorycznych” kompozycji wymaga od pianisty nienagannej dyscypliny rytmicznej, dużej koncentracji uwagi i mistrzostwa technicznego.

Oryginalność stylu Prokofiewa przejawia się także w orkiestracja. Niektóre z jego kompozycji charakteryzują się supermocnymi brzmieniami opartymi na dysonansowych instrumentach dętych blaszanych i skomplikowanych układach polifonicznych grupy smyczkowej. Szczególnie daje się to odczuć w II (1924) i III (1928) symfonii, a także w operach Hazardzista, Ognisty anioł i Miłość do trzech pomarańczy.

Innowacja Prokofiewa nie zawsze znajdowała zrozumienie wśród opinii publicznej. Od samego początku kariera muzyczna i przez cały czas Prokofiewa krytycy nie oszczędzali negatywna informacja zwrotna. W pierwszych dziesięcioleciach XX wieku udało się to L. L. Sabaneevowi. Podczas premiery Suity scytyjskiej (Petersburg, 1916) oszałamiająca żywiołowa siła muzyki pogrążyła słuchacza w „przerażeniu i podziwie” (V. G. Karatygin), część publiczności opuściła salę, w tym ówczesny dyrektor konserwatorium, kompozytor AK Głazunow.

Szczególnie pechowy melodie które krytycy Prokofiewa uznali za „nieznośnie banalne”, podczas gdy było odwrotnie. Nie sposób więc w utworach Prokofiewa znaleźć typowych dla romantyków sekwencji, które w „antyromantycznej” estetyce kompozytora uosabiały banał. Podręcznikowe przykłady melodii lirycznej Prokofiewa - temat drugi z finału III Koncertu fortepianowego (Cis-dur / cis-moll, ok. 110 i później), bal sylwestrowy Walc z opery „Wojna i pokój” (h-moll ; wchodzące w skład suity orkiestrowej „Walce”, op. 110), część boczna z części I VII Symfonii (F-dur, począwszy od w. 5 po w. 4), zespół krótkich tematów związanych z liryką charakteryzacja Julii (w balecie Romeo i Julia) itp. Charakterystyczne jest, że Prokofiew rzadko stosował autentyczne pierwowzory ludowe w melodii, aw przypadku, gdy konieczne było przedstawienie melodii w Rosyjski styl, sam zasadniczo skomponował „rosyjskie melodie”. Na przykład, aby stworzyć kolor miejskiego romansu w muzyce do filmu „Porucznik Kizhe”, Prokofiew wziął tekst najpopularniejszej rosyjskiej piosenki „Gołębica jęczy”, ale jednocześnie nie pożyczył studni -znana melodia, ale wymyślił własną - nie mniej jasną i niezapomnianą. Wszystkie tematy w kantacie „Aleksander Newski” są również oryginalne, nieoparte na żadnych „ludowych” zapożyczeniach. Jednak pisząc Uwerturę na tematy żydowskie op. 34 kompozytor nie wahał się skorzystać z melodii wschodnioeuropejskich Żydów dostarczonych przez klarnecistę S. Beilisona. Prokofiew zapożyczył tematy do II Kwartetu smyczkowego (tzw. Kwartetu kabardyńskiego) z muzyki ludów Kaukazu Północnego.

Prokofiew był wrażliwy na własną muzykę iw miarę możliwości wykorzystywał swoje odkrycia niejeden raz. W przypadku ponownego wykorzystania stopień zmian w materiale źródłowym wahał się od prostej zmiany obsady wykonawczej (na przykład aranżacja fortepianowa Marca z opery „Miłość do trzech pomarańczy”) i ponownej orkiestracji (The Departure of Gości z „Romea i Julii” – nieco zmodyfikowanego Gawota z napisanej 20 lat wcześniej „Klasyki”), po głęboką rewizję partii i „dopełnienie” nowej muzyki (jak w przypadku I Koncertu wiolonczelowego, który, po głębokiej rewizji, został ucieleśniony w Symfonii-Koncercie na wiolonczelę i orkiestrę). Powodem ponownego wykorzystania było często niepowodzenie lub „zimne przyjęcie” premierowego wykonania, co kompozytor postrzegał jako własną wadę zasadniczo wysokiej jakości materiału. Więc, materiał muzyczny opera „Ognisty anioł” została włączona do III Symfonii, balet „Syn marnotrawny” - do IV Symfonii. Często Prokofiew komponował krótkie suity orkiestrowe i/lub fortepianowe z muzyki baletów i oper, których muzyka (jak suity z Romea i Julii, Błazna, Trzech pomarańczy, Nasiona Kotka, Kopciuszka itp.) po taka redukcja naprawdę stała się repertuarem.

dziedzictwo literackie

Prokofiew posiadał wybitne zdolności literackie, które przejawiały się w Autobiografii, Dzienniku, opowiadaniach, librettach operowych, na podstawie których charakteryzuje kompozytora jako pisarza muzycznego. dziedzictwo literackie Prokofiew świadczy o optymizmie, dowcipie i błyskotliwym poczuciu humoru charakterystycznym dla twórczej natury kompozytora.

„Autobiografia”, obejmująca okres życia od urodzenia do 1909 roku, jest mimo skromnego tytułu dziełem literackim całkowicie ukończonym. Prokofiew starannie pracował nad tekstem przez 15 lat. Pierwsza część książki „Dzieciństwo” została ukończona w 1939 roku, część druga „Konserwatorium” powstawała w latach 1945-1950 z przerwą w latach 1947-1948. W „Krótkiej autobiografii”, ukończonej w 1941 r., życiorys obejmuje okres do 1936 r.

„Dzienniczek”, który Prokofiew prowadził od początku września 1907 do czerwca 1933, dostarcza bogatego materiału do studiowania życia i twórczości kompozytora. W 2002 roku Światosław Prokofiew napisał: „Dziennik Prokofiewa to dzieło wyjątkowe, które pełna rację dostać swój numer opus w jego katalogu”.

Na uwagę zasługuje wyjątkowy projekt „Drewniana księga” – album z okładką z dwóch plansz, zamówiony przez Prokofiewa w 1916 roku. Od 1916 do 1921 roku znane postaci kultury, „najlepsi przedstawiciele niemal wszystkich nurtów w sztuce początku XX wieku”, zapisali w albumie swoje odpowiedzi na jedno pytanie: „Co sądzisz o słońcu?”. W „Drewnianej księdze” spośród 48 osobistości, w szczególności Balmont, Majakowski, Chaliapin, Strawiński, Anna Dostojewski, Pietrow-Wodkin, Burliuk, Remizow, Priszwin, Alechin, Jose Raul Capablanca, Larionow, Gonczarowa, Artur Rubinstein, Reinhold Glier, Michaił Fokin.

Osobowość

Od czasu studiów w konserwatorium Prokofiew starał się być w centrum uwagi i często demonstrował swoją skandaliczność. Współcześni zauważyli, że nawet wygląd Prokofiewa, który pozwolił sobie na jasne, chwytliwe kolory i kombinacje w ubraniach. Zachowane fotografie świadczą o elegancji kompozytora i umiejętności gustownego ubierania się.

W 1954 r. Szostakowicz napisał: „Dyscyplina pracy S. S. Prokofiewa była naprawdę niesamowita i, co dla wielu było niezrozumiałe, pracował jednocześnie nad kilkoma dziełami”. Oprócz studiów muzycznych kompozytor interesował się szachami i literaturą. Dysponując darem bogatej wyobraźni, Prokofiew od młodości przerzucał aktywność intelektualną z komponowania muzyki na rozwiązywanie problemów szachowych lub twórczość literacka. W czasie wojny rosyjsko-japońskiej, uwaga młody muzyk przykuł marynarkę wojenną, a Wielka Sala Konserwatorium Petersburskiego została przedstawiona jako dok morski, „do którego zostanie teraz wprowadzony krążownik w celu naprawy”. Mniej więcej w tym samym czasie Prokofiew napisał zakończenie wiersza „Hrabia”. Gdyby Prokofiew nie został kompozytorem, miałby dość powodów, by zostać pisarzem, az szachami nie rozstawał się od wczesnego dzieciństwa aż do ostatnich lat życia.

Szachy

Kult precyzji, który Prokofiew wyznawał od dzieciństwa do końca życia, znalazł wyraz w jego pasji do szachów. „Autobiografia” kompozytora zawiera pierwszy z zachowanych autorskich rękopisów dziecięcych kompozycje muzyczne, wykonany w 1898 r., na odwrocie którego pozycja niedokończona gra w szachy. W tym samym miejscu Prokofiew z dumą opisuje remis z Emanuelem Laskerem w 1909 roku w Petersburgu i podaje nagranie partii Lasker - Prokofiew w 1933 roku w Paryżu, którą przegrał.

Prokofiew był dość silnym szachistą, a jego mecz z Dawidem Ojstrachem w Moskwie w 1937 roku, wygrany przez skrzypka z minimalną przewagą 4:3, wzbudził duże zainteresowanie opinii publicznej. Edwarda Wintera ( Edwarda Wintera) wymienia niektóre spotkania Prokofiewa przy szachownicy ze znanymi szachistami:

• w maju 1914 roku podczas symultanicznych sesji gry w Petersburgu z José Raulem Capablanką kompozytor wygrał jedną partię, a dwie przegrał
• w lutym 1922 w symultanicznym meczu w Nowym Jorku z Capablanką
• w 1918 i 1931 z Mishą Elmanem
• zima 1921/22 w Chicago z Eduardem Laskerem
• w 1933 w Paryżu z Savely Tartakowerem
• 9 listopada 1937 na meczu szachowym w Moskwie z Dawidem Ojstrachem.

Znane są aforyzmy kompozytora: „Szachy to dla mnie świat szczególny, świat zmagań planów i namiętności” oraz „Szachy to muzyka myśli”. Innowacyjność była charakterystyczna dla twórczej natury Prokofiewa od najmłodszych lat, kiedy to w styczniu 1905 roku młody człowiek „rzucił się z pomysłem przeniesienia szachów z kwadratowej szachownicy na sześciokątną, która miałaby sześciokątne pola”. Pomimo tego, że „wynalazek nie był przemyślany do końca”, ponieważ ruchy wieży i gońca były nieoczekiwanie podobne, a „ruch pionka jest zupełnie niejasny”, później pomysł został urzeczywistniony w stworzeniu „ dziewięć szachów” z planszą na polach 24x24 i zasadami gry z wykorzystaniem dziewięciu zestawów figurek.

Relacje z innymi kompozytorami

D. B. Kabalewski napisał, że tak różnych i niepodobnych do wybitnych muzyków naszych czasów N. Ya. Myaskovsky i S. S. Prokofiew łączyła głęboka i długa przyjaźń.

Style muzyczne SV Rachmaninowa i SS Prokofiewa również znacznie się różniły. W filmie dokumentalnym „Geniusze. Siergieja Prokofiewa” w 2003 roku Światosław Prokofiew tak mówił o relacjach między dwoma kompozytorami: „Mieli całkowicie poprawny związek, ale nie kochali wzajemnie muzyki drugiego. I co zabawne, obaj traktowali się z lekką protekcjonalnością. Prokofiew nagrał Preludium nr 5 op. 23 g-moll Rachmaninow. Igor Strawiński i Siergiej Prokofiew zawsze działali jako rywale, co potwierdzają słowa Światosława Prokofiewa. W tym samym filmie muzykolog Viktor Varunts zauważył, że Prokofiew był urażony uznaniem twórczości Strawińskiego w całej Europie, czego Prokofiewowi nie udało się osiągnąć.

Stosunek Prokofiewa do Szostakowicza był generalnie sceptyczny, zwłaszcza w okresie przedwojennym, o czym świadczą niektóre zjadliwe komentarze Prokofiewa na temat jego muzyki. Jeden z takich przypadków przytoczył D. B. Kabalevsky: „Po prawykonaniu Kwintetu fortepianowego Szostakowicza Prokofiew w obecności autora ostro skrytykował to dzieło, które wyraźnie mu się nie podobało, a jednocześnie zaatakował wszystkich, którzy chwalił go”. Szostakowicz uważnie śledził pracę swojego starszego kolegi, rok po śmierci którego wysoko cenił jego wkład w skarbiec rosyjskiej sztuki muzycznej: „ genialny kompozytor, On opracował twórcze dziedzictwo pozostawili nam wielcy luminarze rosyjskiej klasyki muzycznej – Glinka, Musorgski, Czajkowski, Borodin, Rimski-Korsakow i Rachmaninow”. Koncert symfoniczny na wiolonczelę op. 125. Mówiąc o "magicznym łańcuchu" kompozytorów w swoim twórcze przeznaczenie wiolonczelista zauważył, że Szostakowicz pracował nad I Koncertem wiolonczelowym Es-dur op. 107 (1959), „zainspirowany, jak się okazało, muzyką Prokofiewa w moim wykonaniu”. Krzysztof Meyer zauważył, że ten koncert instrumentalny oznaczał wyjście Szostakowicza z kryzysu i niewątpliwie był nowym słowem w jego twórczości: „Według jego skromnego wyznania pisał pod wpływem Symfonii-Koncertu Prokofiewa, zamierzając spróbować swoich sił w tym nowym gatunku dla niego."

Nauka chrześcijańska

Na początku czerwca 1924 r. Siergiej i Lina Prokofiewowie dowiedzieli się o cudownych uzdrowieniach dokonywanych przez wyznawców Chrześcijańskiej Nauki. Żona kompozytora postanowiła zwrócić się do uzdrowicielki, aby poprawić swój stan po porodzie. Prokofiew korzystał także z pomocy wyznawców Chrześcijańskiej Nauki, gdyż sam cierpiał na serce i bóle głowy. Następnie, jak zapisał Prokofiew w swoim Dzienniku, metody Chrześcijańskiej Nauki pomogły jemu i jego żonie pozbyć się lęku przed mówieniem. Dalsza lektura książki Mary Baker Eddy „Nauka i zdrowie” ( nauka i zdrowie) przyczyniły się do ukształtowania się własnego stosunku Prokofiewa do Boga, człowieka, do koncepcji dobra i zła.

Według NP Savkiny pasja Prokofiewa do chrześcijańskiej nauki była znacząca, aw szczególności wyjaśnia jego ostateczną decyzję o powrocie do ZSRR. Savkina tak pisał o roli nauk M. Bakera Eddy'ego w życiu Prokofiewa: „Można podzielać poglądy religijne kompozytora lub uważać je za naiwne, zgadzać się z postanowieniami Chrześcijańskiej Nauki lub, jak Mark Twain i Stefan Zweig, ironicznie nad nimi. Jednak nieustanna praca duchowa kompozytora, jego niestrudzone dążenie do samodoskonalenia zasługuje na najgłębszy szacunek. Dokonał wyboru i wziął za niego odpowiedzialność”.

Według IG Wiszniewieckiego Prokofiew wybrał duchową praktykę Chrześcijańskiej Nauki w potrzebie wyjaśnienia struktury świata za pomocą wyższego projektu harmonicznego, aby określić jasną i czystą ścieżkę.

Pomimo faktu, że przed publikacją „Dziennika” w 2002 roku biografowie, być może z wyłączeniem N. P. Savkina, nie dysponowali danymi na temat wykorzystania przez kompozytora technik ruchu M. Baker Eddy, niektórzy muzycy, w szczególności I. G. Sokołow, o Wpływ nauki chrześcijańskiej na osobowość Prokofiewa był znany już w czasach sowieckich. Pełniejszej oceny osobowości Prokofiewa badacze będą mogli dokonać po 2053 roku, kiedy zgodnie z wolą kompozytora zostanie otwarty dostęp do wszystkich jego archiwów.

przyjęcie

Stopnie i miejsce w kulturze

Prokofiew zaliczany jest do najczęściej wystawianych autorów XX w. D. D. Szostakowicz wysoko ocenił twórczość S. S. Prokofiewa: „Jestem szczęśliwy i dumny, że miałem szczęście być świadkiem błyskotliwego rozkwitu geniuszu Prokofiewa… nigdy nie zmęczy się słuchaniem jego muzyki, aby studiować jego cenne doświadczenie.

Alfred Schnittke mówił o Prokofiewie jako o jednym z tzw najwięksi kompozytorzy po rosyjsku historia muzyczna, przytoczył „parę” Prokofiewa i Szostakowicza jako przykład rywalizacji dwóch zasad w historii muzyki. Według Schnittkego obaj kompozytorzy należeli do Rosjan kultura muzyczna: „To nie ulega wątpliwości, a dla mnie Szostakowicz jest nie mniej rosyjskim kompozytorem niż Prokofiew, który na zewnątrz nosi znacznie więcej znamion muzyki rosyjskiej”. Znana jest kompozycja Schnittkego „Dedykacja dla Igora Strawińskiego, Siergieja Prokofiewa, Dmitrija Szostakowicza” na fortepian na 6 rąk z 1979 roku.

Podobną ocenę wystawił Giennadij Rożdiestwienski, dla którego muzyka Szostakowicza, Prokofiewa i Strawińskiego jest zjawiskiem rosyjskim: „I właśnie dlatego, że jest rosyjska, jest międzynarodowa”.

Rok 2016 został ogłoszony w Rosji Rokiem Prokofiewa.

Wykorzystanie muzyki i plagiat

Na Zachodzie muzyka Prokofiewa bywa wykorzystywana jako tło do opisu rosyjskiego stylu życia, a szerzej do symbolicznego ucieleśnienia „rosyjskiej duszy”. W tym sensie amerykański reżyser filmowy (Miłość i śmierć, 1975) i angielski muzyk rockowy Sting wykorzystali muzykę Prokofiewa do filmu Porucznik Kizhe w swojej piosence Rosjanie (1985). Podobnie „Taniec Rycerzy” z „Romea i Julii” został wykorzystany w piosence Robbiego Williamsa Imprezuj jak Rosjanin Reżyser filmu „Conan Barbarzyńca” poprosił kompozytora, tworząc motyw przewodni głównego bohatera, o napisanie muzyki zbliżonej stylistycznie do „Ali i Lollii”, suity scytyjskiej op. 20.

W filmie Prokofiew jest nasz z 2016 roku amerykański muzykolog Simon Morrison wyraził przekonanie, że kilka fragmentów suity Prokofiewa Porucznik Kizhe, powtórzonych w filmie Avatar, świadczy nie o zbiegu okoliczności, ale o stuprocentowym plagiacie jedynego geniusza XX wieku odnośnie melodii w muzyce.

Jest mało prawdopodobne, aby sąsiedztwo wymienionych osób zostało pozytywnie odebrane i pochlebione przez kompozytora, który od dzieciństwa postanowił komponować wyłącznie muzykę poważną. Zauważając obecność dwóch różne zawody- „kompozytor” (angielski kompozytor) i „hollywoodzki kompozytor” (angielski hollywoodzki kompozytor) - Schnittke mówił o twórczości Prokofiewa w kinie następującymi słowami: „Na współczesnym Zachodzie ani jeden przyzwoity, szanujący się kompozytor nie pracuje w kinie . Kino nie może nie dyktować kompozytorowi swoich warunków. Przypadek S. Eisensteina i S. Prokofiewa jest jedyny, być może są jeszcze pojedyncze wyjątki. Ale już D. Szostakowicz był posłuszny nakazom reżysera. Nic nie możesz zrobić – to nie dyktat złego reżysera, ale specyfika gatunku.

W produkcjach wykorzystano muzykę S. S. Prokofiewa Teatr Muzyczny, w szczególności:

• „Rosyjski żołnierz” - balet w jednym akcie M. M. Fokina do muzyki suity „Porucznik Kizhe”, której premiera odbyła się 23 stycznia 1942 r. W Bostonie
• „Scythian Suite (Ala and Lolly)” - jednoaktowy balet G. D. Aleksidze, którego premiera odbyła się 6 lipca 1969 r. W Teatrze im. SM Kirowa
• „Iwan Groźny” - dwuaktowy balet choreografa Y. N. Grigorowicza do muzyki kompozytora do filmu S. M. Eisensteina pod tym samym tytułem, zrewidowany przez M. I. Chulaki, pokazany po raz pierwszy 20 lutego 1975 r. w Teatrze Bolszoj w Moskwie, zestaw projekt SB Virsaladze
• „II Koncert skrzypcowy” – jednoaktowy balet choreografa Antona Pimonowa do muzyki dzieła kompozytora o tym samym tytule; premiera odbyła się 4 lipca 2016 w Teatrze Maryjskim w Sankt Petersburgu, scenografia: Anastasia Travkina i Sergey Zhdanova, kostiumy: Arina Bogdanova

Rodzina

W 1919 roku Prokofiew poznał hiszpańską (katalońską) śpiewaczkę kameralną Linę Kodinę, w 1923 roku poślubił ją w niemieckim mieście Ettal, natomiast żona przyjęła nazwisko męża. W 1936 roku Prokofiew wraz z żoną i synami Światosławem i Olegiem ostatecznie przeniósł się do ZSRR i osiadł w Moskwie.

SS Prokofiew i MA Mendelson. Nikolina Góra, 1946

W 1938 roku Prokofiew poznał studentkę Instytutu Literackiego, Mirę Aleksandrowną Mendelson, która zgłosiła się na ochotnika do pomocy w tłumaczeniu Sheridana i przygotowaniu libretta do opery Zaręczyny w klasztorze. Komunikacja przerosła ramy twórczego środowiska kompozytora i librecisty, a od marca 1941 roku Prokofiew zaczął mieszkać z Mendelssohnem oddzielnie od rodziny. Kilka lat później władze radzieckie uznały za nieważne małżeństwa zawarte poza granicami ZSRR z cudzoziemcami, którzy nie zostali poświadczeni przez konsulaty. 15 stycznia 1948 r. Prokofiew formalnie poślubił Mirę Mendelssohn bez składania rozwodu z Liną Prokofiewą (według S. Morrison, 13 stycznia). Następnie, w wyniku procesu, oba małżeństwa zostały uznane za ważne, a według oświadczeń syna kompozytora Światosława i V.N. Chemberdzhi termin „Incydent Prokofiewa”. W 1948 r. Lina Prokofiewa została skazana z art. 58 na 20 lat łagrów o zaostrzonym rygorze; zrehabilitowany dopiero po śmierci Prokofiewa - w 1956 r. W latach uwięzienia matki dzieci Prokofiewa nie zostały przyjęte przez nowożeńców do rodziny iw większości pozostawione samym sobie.

• Żona - Prokofiewa, Lina Iwanowna (Lina Lubera, 1897-1989)
  • Syn - Prokofiew, Światosław Siergiejewicz (1924-2010)
    • Wnuk - Prokofiew, Siergiej Światosławowicz (ur. 1954)
  • Syn - Prokofiew, Oleg Siergiejewicz (1928-1998)
    • Wnuk - Prokofiew, Siergiej Olegowicz (1954-2014)
    • Wnuk - Prokofiew, Gabriel (ur. 1975)
• Żona - Mendelssohn, Mira Alexandrovna (Mendelssohn-Prokofieva, 1915-1968)

Kompozycje

opery

• „Olbrzym” (napisany przez 9-letniego kompozytora, opera ta wystawiana jest w wielu teatrach do dziś).
• „Na bezludnych wyspach” (1901-1903, uwertura i akt 1 napisany w trzech scenach)
• „Maddalena” (1911; wydanie drugie 1913)
• Hazardzista (według FM Dostojewskiego, premiera w 2. wydaniu, po francusku, 1929, Bruksela)
• „Miłość do trzech pomarańczy” (według K. Gozziego, 1921, Chicago; 1926, Leningrad)
• „Ognisty Anioł” (według V. Ya. Bryusova, fragmenty w wykonaniu koncertowym 1928, Paryż; światowa premiera (po włosku) 1955, Wenecja)
• „Siemion Kotko” (według V.P. Kataeva, 1940, Moskwa)
• „Zaręczyny w klasztorze”, inne nazwy. Duenna (według R. Sheridana, 1946, Leningrad)
• „Wojna i pokój” (według L. N. Tołstoja), 1943; wersja ostateczna 1952; 1946, Leningrad; 1955, tamże; 2012, Moskwa)
• „Opowieść o prawdziwym człowieku” (według B.P. Polevoya, spektakl zamknięty na próbie 1948, Leningrad; spektakl pod redakcją M. Ermlera i G. Rozhdestvensky'ego 1960, Moskwa; wykonanie koncertowe (z cięciami) pod dyrekcją V. Gergieva 2002, Rotterdam ; światowa premiera pełna wersja opery pod dyrekcją A. Lubczenki 2015, Władywostok)

balety

• „Opowieść o błaźnie, który przechytrzył siedmiu błaznów” (1921, Paryż)
• Trapeze (1925, Gotha), do muzyki Kwintetu na obój, klarnet, skrzypce, altówkę i kontrabas g-moll op. 39, z dodatkiem 2 dodatkowych części
• „Stalowy lope” (1927, Paryż)
• „Syn marnotrawny” (1929, jw.)
• „Nad Dnieprem” (1932, Opera Paryska),
• "Romeo i Julia" (według W. Szekspira; 1938, Brno, do muzyki I i II suity; premiera pełnej wersji - 1940, Leningrad)
• „Kopciuszek” (1945, Moskwa)
• „Opowieść o kamiennym kwiecie” (według PP Bażowa; 1954, Moskwa)

Na chór i solistów z orkiestrą

• „Siedem z nich”, kantata. Oryginalny podtytuł Prokofiewa: „Zaklęcie chaldejskie na solistę, chór i orkiestrę” (słowa KD Balmonta w przeróbce Prokofiewa, 1917-1918)
• Kantata na 20. rocznicę Października. O tekstach K. Marksa, VI Lenina i IV Stalina (1936-1937)
• „Aleksander Newski”, kantata (słowa Prokofiewa i VA Ługowskiego, 1939)
• „Toast”, kantata na 60. rocznicę Stalina (słowa „ludowe”, 1939)
• „Kwitnij, potężna krainie!”, kantata na chór i orkiestrę
• „Ballada o chłopcu, który pozostał nieznany”, kantata na chór, solistów i orkiestrę do słów P. Antokolskiego
• „Zimowe ognisko”, suita na orkiestrę i chór dziecięcy(słowa S. Ya. Marshaka, 1949)
• „Pieśni naszych czasów”, kantata na solistów i orkiestrę
• „Na straży świata”, oratorium (słowa S. Ya. Marshak, 1950)

na orkiestrę

• Symfonia nr 1
• Symfonia nr 2
• Symfonia nr 3
• Symfonia nr 4
• Symfonia nr 5
• Symfonia nr 6
• Symfonia nr 7
• Ala i Lolly (Suita scytyjska, 1915)
• „Piotruś i Wilk” (podtytuł autorski: Bajka symfoniczna dla dzieci; 1936)
• Walce Puszkina (1949)
• Trzy suity do muzyki z baletu „Romeo i Julia” (1936, 1936, 1946)

Muzyka filmowa

• „Porucznik Kiże” (1934)
• Dama pik (1936; film spłonął w pożarze Mosfilm)
• „Aleksander Newski” (1938)
• „Partyzanci na stepach Ukrainy” (1941)
• "Kotowski" (1942)
• „Tonya” (ze zbioru „Nasze dziewczyny”, 1942)
• „Lermontow” (1943; razem z V. Puszkowem)
• „Iwan Groźny” (1945)

Na instrument z orkiestrą

• na fortepian i orkiestrę

Koncert fortepianowy nr 1 Des-dur op. 10 (1912) II Koncert fortepianowy g-moll op. 16 (1913; wyd. II, 1923) III Koncert fortepianowy C-dur op. 26 (1921) IV Koncert fortepianowy B-dur op. 53 (1931; na lewą rękę) V Koncert fortepianowy G-dur op. 55 (1932)

• na skrzypce i orkiestrę

Koncert skrzypcowy nr 1 D-dur op. 19 (1917) II Koncert skrzypcowy g-moll op. 63 (1935)

• na wiolonczelę i orkiestrę

Koncert na wiolonczelę i orkiestrę op. 58 (1938; wyd. II pod tytułem Symfonia-Koncert na wiolonczelę i orkiestrę, op.125, 1952)

Na zespół instrumentalny

• Uwertura na tematy żydowskie w c-moll, op. 34 (1919)
• Kwintet na obój, klarnet, skrzypce, altówkę i kontrabas g-moll op. 39 (1924)
• Dwie sonaty na skrzypce i fortepian (druga to aranżacja Sonaty na flet i fortepian)
• Sonata na skrzypce solo
• Sonata na dwoje skrzypiec (1932)
• Sonata na wiolonczelę i fortepian
• Sonata na flet
• Dwa Kwartet smyczkowy

na fortepian

• Sonata nr 1 f-moll - op. 1 (1907-1909)
• 4 etiudy na fortepian - op. 2 (1909)
• 4 utwory na fortepian - op. 3 (1907-1908)
• 4 utwory na fortepian - op. 4 (1908)
• Toccata d-moll - op. 11 (1912)
• 10 utworów na fortepian - op. 12 (1906-1913)
• Sonata nr 2 d-moll - op. 14 (1912)
• „Sarkazmy” – op. 17 (1912-1914; premiera 1916)
• „Ulotne” – op. 22 (1915-1917)
• Sonata nr 3 a-moll - op. 28 (1907-1917)
• Sonata nr 4 c-moll - op. 29 (1908-1917)
• „Opowieści starej babci” – op. 31 (1918)
• 4 utwory na fortepian - op. 32 (1918)
• Sonata nr 5 C-dur - op. 38 (1923)
• Dywersyfikacja – op. 43b (1938)
• 6 transkrypcji na fortepian - op. 52 (1930-1931)
• 2 sonatiny na fortepian - op. 54 (1931-1932)
• 3 utwory na fortepian - op. 59 (1933-1934)
• „Muzyka dla dzieci” – op. 65 (1935)
• "Romeo i Julia". 10 utworów na fortepian - op. 75 (1937)
• Sonata nr 6 A-dur - op. 82 (1939-1940)
• Sonata nr 7 B-dur - op. 83 (1939-1942)
• Sonata nr 8 B-dur - op. 84 (1939-1944)
• 3 utwory na fortepian - op. 96 (1941-1942)
• „Kopciuszek” – 10 utworów na fortepian – op. 97 (1943)
• „Kopciuszek” – 6 utworów na fortepian – op. 102 (1944)
• Sonata nr 9 C-dur - op. 103 (1947)

Także: romanse, piosenki; muzyka do spektakli teatralnych i filmów.

Niedokończone kompozycje

• Koncert nr 6 na dwa fortepiany i orkiestrę
• Concertino na wiolonczelę i orkiestrę (1952, finał dopełnił M. Rostropowicz, instrumentacja D. Kabalewskiego)
• Opera „Odległe morza” wg V. A. Dykhovichnego (zachował się pierwszy obraz, napisany latem 1948 r.; wykonanie koncertowe: 2009, Moskwa)
• Sonata na wiolonczelę solo op. 133

Pisma literackie

• Krótka autobiografia. W: SS Prokofiew. Materiały, dokumenty, wspomnienia. Comp., wyd., przyp. i wstęp. artykuły SI Shlifshteina. wyd. 2 M., 1961
• Autobiografia. wyd. 2 M.: Kompozytor radziecki, 1982
  • Autobiografia. M.: Classics XXI, 2007 (2. wydanie rozszerzone, z dodatkiem audio)
• Dziennik 1907-1933: w 3 tomach Paryż: sprkfv, 2002
• Historie. Moskwa: kompozytor, 2003

Dyskografia

Pełny cykl wszystkich baletów Prokofiewa nagrał GN Rozhdestvensky. Największy cykl oper Prokofiewa (6 oper z 8) został nagrany pod kierunkiem V. A. Gergieva. Wśród innych dyrygentów, którzy dokonali znaczących nagrań oper Prokofiewa, są D. Barenboim, G. Bertini, I. Kertes, E. Kolobov, AN Lazarev, A. Sh. Melik-Pashaev, K. Nagano, A. Rodzinsky, GN Rozhdestvensky , ML Rostropowicz, T. Sokhiev, B. Haitink, R. Hickox, MF Ermler, VM Yurovsky, N. Yarvi.

Pełny cykl symfonii Prokofiewa nagrali V. Weller, V. A. Gergiev, D. Kitaenko, Z. Koshler, T. Kuchar, J. Martinon, S. Ozawa, GN Rozhdestvensky, ML Rostropowicz, N. Yarvi .

Wśród innych dyrygentów, którzy dokonali znaczących nagrań symfonii Prokofiewa, są NP Anosov, E. Ansermet, C. Ancherl (nr 1), VD Ashkenazy, L. Bernstein, A. Dorati (nr 5), KK Ivanov, G. von Karajan, R. Kempe (nr 7), KP Kondrashin (nr 1, 3, 5), S. Koussevitzky (nr 1, 5), E. Leinsdorf (nr 2, 3, 5), 6) , D. Mitropoulos, E. A. Mravinsky (nr 5, 6), D. F. Ojstrach (nr 5), Y. Ormandi, SA Samosud, E. F. Svetlanov, K. Tenstedt.

Znaczących nagrań dzieł fortepianowych Prokofiewa dokonali pianiści Svyatoslav Richter (sonaty, koncerty), Vladimir Ashkenazy (wszystkie koncerty z orkiestrą pod dyr. dyrygent - Dmitry Kitayenko ), Victoria Postnikova (wszystkie koncerty, dyrygent - Giennadij Rozhdestvensky), Nikolai Petrov (sonaty), Alexander Toradze (wszystkie koncerty z Valery Gergiev).

W 2016 roku, dla uczczenia 125. rocznicy urodzin S. S. Prokofiewa, firma Melodiya wydała jubileuszowy zestaw nagrań siedmiu baletów kompozytora pod dyrekcją G. N. Rozhdestvensky'ego oraz rzadkie nagranie z 1938 roku wykonania Drugiej Suity z baletu Romeo i Julia, op. 64 ter pod kontrolą SS Prokofiewa.

Tytuły, nagrody i wyróżnienia

• Sześć nagród Stalina:
  • 1943 - II stopień za VII sonatę
  • 1946 - I stopień za V Symfonię i VIII Sonatę
  • 1946 - I stopień za muzykę do I serii filmu "Iwan Groźny"
  • 1946 - I stopień za balet "Kopciuszek"
  • 1947 - I stopień za sonatę na skrzypce i fortepian
  • 1951 - II stopień za suitę wokalno-symfoniczną „Zimowe ognisko” i oratorium „Na straży świata” do wierszy S. Ya Marshaka
• 1933 - Honorowy profesor Państwowego Konserwatorium Moskiewskiego im. P. I. Czajkowskiego
• 1943 - Order Czerwonego Sztandaru Pracy
• 1944 - Złoty Medal Królewskiego Towarzystwa Filharmonicznego
• 1947 - Artysta Ludowy RFSRR Źródło 3 czerwca 2017 r.
• 1947 - członek Królewskiej Szwedzkiej Akademii Muzycznej
• 1957 - Nagroda Lenina przyznana pośmiertnie za VII Symfonię

Utrwalenie pamięci kompozytora

Jubileuszowa moneta ZSRR poświęcona SS Prokofiewowi, 1991, 1 rubel

Znaczek pocztowy ZSRR poświęcony SS Prokofiewowi, 1991, 15 kopiejek (TSFA 6314, Scott 5993)

• Muzeum S. S. Prokofiewa jest pierwszym muzeum kompozytora, które zostało otwarte w 1966 roku przy Szkole Muzycznej nr 1 im. S. S. Prokofiewa w Moskwie (ul. Tokmakowa 8). Ekspozycja opowiada o życiu i twórczości kompozytora, prezentuje rzeczy, które otaczały kompozytora, książki i notatki, fortepiany, meble i fotografie rodziny Prokofiewa.
• Siewierodonieck regionalny Szkoła Muzyczna imienia S. S. Prokofiewa - otwarty 1 czerwca 1966 r. w Siewierodoniecku obwodu ługańskiego.
• Moscow Regional College of Music imienia S. S. Prokofiewa w Puszkinie.
• Muzeum S. S. Prokofiewa - zostało otwarte 24 czerwca 2008 r. w Moskwie przy Kamergersky Lane, 6/5 w mieszkaniu nr 6. Na tablicy pamiątkowej wyryto: „W tym domu w latach 1947-1953 wybitny radziecki kompozytor Siergiej Siergiejewicz Prokofiew żył i pracował”. W muzeum znajdują się muzyczne i literackie autografy kompozytora, rzadkie fotografie, dokumenty i rzeczy osobiste Prokofiewa.
• 11 grudnia 2016 roku na Kamergerskim Zaułku odsłonięto pomnik Prokofiewa, co zbiegło się w czasie ze 125. rocznicą urodzin kompozytora.
• Siergieja Siergiejewicza Prokofiewa w Petersburgu, który odbywa się corocznie w trzech specjalnościach: kompozycji, dyrygentury symfonicznej i fortepianu.
• Pomnik Prokofiewa w pobliżu Szkoły Muzycznej Prokofiewa w Moskwie (1991, rzeźbiarz - V. Kh. Dumanyan, architekt - A. V. Stiepanow).
• Pomnik i hala koncertowa imienia Prokofiewa w Czelabińsku.
• Sala koncertowa im. S. S. Prokofiewa z Filharmonii Donieckiej.
• Doniecka Państwowa Akademia Muzyczna im. SS Prokofiewa.
• Orkiestra Symfoniczna im. S. S. Prokofiewa z Filharmonii Donieckiej.
• Dziecięca Szkoła Artystyczna nr 1 im. S. Prokofiewa we Władywostoku
• Dziecięce Szkoła Muzyczna Nr 10 imienia SS Prokofiewa w Azowie.
• Ulica Prokofiewa w Sumach na Ukrainie.
• Muzeum Prokofiewa w ojczyźnie kompozytora we wsi Soncowka (od lat 20. do 2016 - Krasnoje) w obwodzie pokrowskim obwodu donieckiego na Ukrainie zostało otwarte z okazji 100-lecia Prokofiewa w 1991 roku.
• W 1991 roku wyemitowano pamiątkową monetę ZSRR, poświęconą stuleciu urodzin S. S. Prokofiewa.
• W 2012 roku w Doniecku na Ukrainie otwarto Międzynarodowy Port Lotniczy im. Siergieja Prokofiewa.
• Airbus A319 (VP-BWA) należący do Aeroflotu nosi nazwę „S. Prokofiew.
• 6 sierpnia 2012 r. Krater na Merkurym został nazwany imieniem Prokofiewa.

Filmy dokumentalne o Prokofiewie

• „Kompozytor Prokofiew” – dokumentalny film edukacyjny dla klasy 7. Reżyseria: Popova, scenariusz: Rappoport, czas trwania 26:36. Moskwa, „Szkolfilm”, ZSRR, 1975. Film oparty na filmie „Kompozytor Siergiej Prokofiew” wyprodukowanym przez studio Tsentrnauchfilm w 1960 roku. Rzadki przypadek demonstracji filmy dokumentalne trwający około dwóch i pół minuty, nakręcony latem 1946 roku w daczy kompozytora na Nikolinie Górze: Prokofiew przy fortepianie, potem opowiada o kreatywne plany. Tylko w innych filmach dokumentalnych krótkie fragmenty tego fragmentu.
• Siergiej Prokofiew. Suite of Life” to film dokumentalny składający się z dwóch części. Reżyser Wiktor Okuntsov, scenariusz: V. Okuntsov, E. Fradkina; produkcja „Lentelefilm”, TPO „Soyuztelefilm”, ZSRR, 1991:
  • Pełna wersja filmu Siergiej Prokofiew. Apartament życia. Opus 1 na YouTube - Nina Dorliak, Anatoly Vedernikov, Natalya Sats są zaangażowani w pierwszą część filmu. Czas trwania: 1:08:10.
  • Pełna wersja filmu Siergiej Prokofiew. Apartament życia. Opus 2 na YouTube - w drugiej części filmu o czasie trwania 01:06:20 wystąpili: Evgeny Svetlanov, Valery Gergiev, Boris Pokrovsky, Daniil Zhitomirsky, Anatoly Vedernikov, Nina Dorliak, Svyatoslav Richter, Natalya Sats.
• Geniusze. Siergiej Prokofiew. Fundacja Andrieja Konczałowskiego na zlecenie Państwowej Telewizji i Radia Kultura. Państwowy kanał internetowy „Rosja”. Źródło 30 listopada 2016 r. - pierwszy film dokumentalny z serii „Geniusze”, Rosja, 2003 r. Autorem pomysłu jest Andriej Konczałowski, reżyser Galina Ogurnaja, konsultant Noel Mann. W filmie występują Tichon Chrennikow, Mścisław Rostropowicz, syn kompozytora Światosława Prokofiewa, muzykolodzy Wiktor Warunts, Władimir Zak, Marina Rachmanowa, reżyser Borys Pokrowski.

› Siergiej Siergiejewicz Prokofiew

zdjęcie 1918
SS Prokofiew

Siergiej Siergiejewicz Prokofiew urodził się 23 kwietnia 1891 r. we wsi Soncowka w obwodzie jekaterynosławskim (obecnie wieś Soncowka w obwodzie donieckim na Ukrainie). Ojciec - Siergiej Aleksiejewicz Prokofiew (1846-1910) - z rodziny kupieckiej, w chwili narodzin syna był zarządcą majątku Dmitrija Soncowa. Matka - Maria Grigoriewna Prokofiewa (Żytkowa, 1855-1924).
Od wczesnego dzieciństwa matka przyszłego kompozytora zaszczepiła w nim miłość do muzyki. Została pierwszą nauczyciel muzyki Siergiej Siergiejewicz. Swoją pierwszą muzykę - utwór na fortepian - skomponował w wieku pięciu lat, do którego nuty nagrała Maria Grigoriewna. Prokofiew sam nagrał wszystkie swoje kolejne kompozycje. Matka nauczyła go także francuskiego i niemieckiego, a ojciec matematyki. Wizyta w operze w 1900 roku wywarła na nim duże wrażenie. Następnie Siergiej Siergiejewicz postanawia napisać własną operę, a sześć miesięcy później kończy operę Olbrzym. W 1902 roku wykonał fragmenty swoich utworów dla Siergieja Tanejewa, a dzięki jego prośbie Reinhold Gliere kontynuował studia nad Prokofiewem.
W 1904 wstąpił do Konserwatorium Petersburskiego. Jednym z jego nauczycieli w tym czasie był Nikołaj Rimski-Korsakow. Po raz pierwszy występuje publicznie jako kompozytor i wykonawca w petersburskim kręgu „Wieczory muzyki współczesnej” 31 grudnia (18 według starego stylu) grudnia 1908 r. W 1909 ukończył konserwatorium jako kompozytor, ale kontynuował naukę w konserwatorium w klasie fortepianu (dyplom w 1914) i organów (studiował do 1917). Po występach w Petersburgu i Moskwie jego sława rośnie. W 1911 pierwszy wydanie drukowane dzieła Prokofiewa. W 1914 roku za wykonanie I Koncertu fortepianowego otrzymał złoty medal i nagrodę honorową im. A.G. Rubinsteina. Prokofiew był jedynym synem w rodzinie, dzięki czemu nie podlegał poborowi w czasie I wojny światowej (1914-1918), co pozwoliło mu kontynuować studia muzyczne. W 1915 wystąpił po raz pierwszy za granicą, we Włoszech.
Pod koniec 1917 r. postanawia opuścić Rosję, aw maju 1918 r. wyjeżdża do Japonii. W Tokio dał dwa koncerty, które nie zakończyły się sukcesem. W sierpniu 1918 r., otrzymawszy wizę amerykańską, opuścił Japonię. W 1919 roku poślubia hiszpańską piosenkarkę Karolinę Codinę, która po przeprowadzce do ZSRR zmieniła nazwisko na Lina Iwanowna. Od drugiej połowy lat dwudziestych dużo koncertował w Ameryce i Europie jako pianista i dyrygent, głównie z własnymi utworami. W 1924 i 1928 roku Siergiejowi i Karolinie urodziło się dwóch synów - Światosław (1924-2010) i Oleg (1928-1998). W drugiej połowie lat trzydziestych postanawia przenieść się z rodziną do ZSRR.
W 1936 roku Prokofiew wraz z żoną i dziećmi przeniósł się do Moskwy. Od 1936 do 1939 dwukrotnie wyjeżdżał z koncertami za granicę. W czasie II wojny światowej kontynuował pracę nad swoimi dziełami. Najważniejszym dziełem kompozytora z tego okresu jest opera „Wojna i pokój”. W 1941 roku Prokofiew opuścił rodzinę i dołączył do Miry Aleksandrownej Mendelssohn, z którą podpisał kontrakt w 1948 roku. W 1948 roku wydano uchwałę, w której ostro skrytykowano kilku kompozytorów i Prokofiewa. W rezultacie zostaje wydany tajny rozkaz, który zabrania wykonywania niektórych dzieł Prokofiewa. Wszystkie jego prace są również często krytykowane. Sytuacja zmienia się w 1949 roku po odwołaniu przez Stalina tajnego rozkazu. Od 1949 roku większość czasu spędza na daczy, kontynuując pracę.
Siergiej Siergiejewicz Prokofiew zmarł 5 marca 1953 roku w Moskwie na zawał serca. Został pochowany w Moskwie na Cmentarzu Nowodziewiczy.

Publikacje sekcji muzycznej

7 dzieł Prokofiewa

Siergiej Prokofiew to kompozytor, pianista i dyrygent, autor oper, baletów, symfonii i wielu innych dzieł, znanych i lubianych na całym świecie iw naszych czasach. Przeczytaj opowieści o siedmiu ważnych utworach Prokofiewa i posłuchaj ilustracji muzycznych z Melodiya.

Opera „Olbrzym” (1900)

Zdolności muzyczne przyszłego klasyka muzyki rosyjskiej Siergieja Prokofiewa ujawniły się we wczesnym dzieciństwie, kiedy w wieku pięciu i pół roku skomponował swój pierwszy utwór na fortepian – Indian Gallop. Matka młodego kompozytora Marii Grigoriewnej zapisała to w notatkach, a Prokofiew samodzielnie nagrał wszystkie swoje kolejne kompozycje.

Wiosną 1900 roku, zainspirowany baletem Śpiąca królewna Piotra Czajkowskiego, a także operami Faust Karola Gounoda i Książę Igor Aleksandra Borodina, 9-letni Prokofiew skomponował swoją pierwszą operę Olbrzym.

Mimo że, jak wspominał sam Prokofiew, jego „umiejętność pisania” „nie nadążała za jego myślami”, w tej naiwnej dziecięcej kompozycji z gatunku commedia dell'arte poważne podejście przyszłego profesjonalisty do swojej pracy było już widoczne. Opera miała jak należy uwerturę, każda z postaci w utworze miała swoją arię wyjściową - rodzaj muzycznego portretu. W jednej ze scen Prokofiew zastosował nawet polifonię muzyczną i sceniczną – gdy główni bohaterowie dyskutują o planie walki z Olbrzymem, sam Gigant przechodzi obok i śpiewa: "Oni chcą mnie zabić".

Słysząc fragmenty Giganta, słynny kompozytor i profesor konserwatorium Siergiej Tanejew zalecił młodemu człowiekowi poważne zajęcie się muzyką. A sam Prokofiew z dumą umieścił operę na pierwszej liście swoich kompozycji, którą opracował w wieku 11 lat.

Opera „Gigant”
Dyrygent – ​​Michaił Leontiew
Autorem restauracji wersji orkiestrowej jest Siergiej Sapożnikow
Premiera w Teatrze Michajłowskim 23 maja 2010 r

Pierwszy koncert fortepianowy (1911–1912)

Podobnie jak wielu młodych autorów, we wczesnym okresie swojej twórczości Siergiej Prokofiew nie znalazł miłości i wsparcia krytyków. W 1916 roku gazety pisały: „Prokofiew siada przy fortepianie i zaczyna albo wycierać klawisze, albo próbować, który z nich brzmi wyżej lub niżej”. A o prawykonaniu Suity scytyjskiej Prokofiewa, które poprowadził sam autor, krytycy mówili, co następuje: „To po prostu niewiarygodne, żeby taki kawałek pozbawiony jakiegokolwiek sensu mógł być wykonany na poważnym koncercie… To są jakieś bezczelne, bezczelne dźwięki, które nie wyrażają nic innego jak niekończące się przechwałki”.

Jednak nikt nie wątpił w talent wykonawczy Prokofiewa: do tego czasu zdążył już ugruntować swoją pozycję pianisty-wirtuoza. Prokofiew wykonywał jednak głównie własne kompozycje, wśród których słuchacze szczególnie zapamiętali I Koncert na fortepian i orkiestrę, który dzięki energicznemu „perkusyjnemu” charakterowi i jasnemu, zapadającemu w pamięć motywowi pierwszej części, otrzymał nieoficjalny przydomek „ Na czaszce!”.

Koncert fortepianowy nr 1 Des-dur op. 10 (1911–1912)
Władimir Krainev, fortepian
Akademicka Orkiestra Symfoniczna MGF
Dyrygent - Dmitrij Kitajenko
Nagranie z 1976 roku
Inżynier dźwięku - Seweryn Pazuchin

I Symfonia (1916–1917)

Igora Grabara. Portret Siergieja Prokofiewa. 1941. Państwowa Galeria Trietiakowska, Moskwa

Zinaida Serebryakowa. Portret Siergieja Prokofiewa. 1926. Centralne Muzeum Państwowe sztuka teatralna ich. Bakruszyna, Moskwa

Wbrew konserwatywnym krytykom, chcąc, jak sam napisał, „drażnić gęsi”, w tym samym 1916 roku 25-letni Prokofiew napisał dzieło, które było zupełnie odwrotne w stylu - Pierwszą Symfonię. Ona Prokofiew nadała autorowi podtytuł „Klasyczny”.

Skromny skład orkiestry w stylu Haydna i klasyczne formy muzyczne sugerowały, że gdyby „Papa Haydn” dożył tamtych czasów, równie dobrze mógłby napisać taką symfonię, doprawiając ją odważnymi zwrotami melodycznymi i świeżymi harmoniami. Stworzona sto lat temu „na złość wszystkim” I Symfonia Prokofiewa wciąż brzmi świeżo i znajduje się w repertuarze najlepszych orkiestr świata, a Gawot, jej część trzecia, stał się jednym z najpopularniejszych utworów klasycznych XX wieku.

Następnie sam Prokofiew umieścił ten gawot jako numer wstawki w swoim balecie Romeo i Julia . Kompozytor żywił też skrytą nadzieję (sam się do tego później przyznał), że ostatecznie wyjdzie zwycięsko z konfrontacji z krytyką, zwłaszcza jeśli z czasem I Symfonia rzeczywiście stanie się klasykiem. Co w rzeczywistości się stało.

Symfonia nr 1 „Klasyczna” D-dur op. 25

Dyrygent - Jewgienij Swietłanow
Nagranie z 1977 roku

I Allegro

III. Gawot. Non troppo allegro

Bajka „Piotruś i Wilk” (1936)

Do końca swoich dni Prokofiew zachował bezpośredniość swojego światopoglądu. Będąc trochę dzieckiem w sercu, miał dobre wyczucie dziecinności wewnętrzny świat i wielokrotnie pisał muzykę dla dzieci: od baśni „Brzydkie kaczątko” (1914) przez tekst baśni Hansa Christiana Andersena po suitę „Zimowy ogień” (1949), skomponowaną już w ostatnich latach życia życie.

Pierwszą kompozycją Prokofiewa po powrocie z długiej emigracji do Rosji w 1936 roku była baśń symfoniczna dla dzieci „Piotruś i wilk”, zamówiona przez Natalię Sats dla Centralnego Teatru Dziecięcego. Młodzi słuchacze zakochali się w bajce i zapamiętali ją dzięki jasnym muzycznym portretom postaci, które wciąż są znane wielu uczniom nie tylko w Rosji, ale także za granicą. Dla dzieci „Piotruś i Wilk” pełni funkcję edukacyjną: bajka jest swoistym przewodnikiem po instrumentach orkiestry symfonicznej. Tym utworem Prokofiew antycypował napisany prawie dziesięć lat później i podobny w zamyśle przewodnik po orkiestrze symfonicznej dla młodzieży (Wariacje i fuga na temat Purcella). Kompozytor angielski Benjamina Brittena.

„Piotruś i wilk”, baśń symfoniczna dla dzieci op. 67
Państwowa Akademicka Orkiestra Symfoniczna ZSRR
Dyrygent - Jewgienij Swietłanow
Nagranie z 1970 roku

Balet Romeo i Julia (1935–1936)

Na uznanym arcydziele XX wieku wiele numerów, z których podbijają światowe listy przebojów muzyka klasyczna, - balet Siergieja Prokofiewa "Romeo i Julia" - miał trudny los. Dwa tygodnie przed planowaną premierą walne zgromadzenie zespołu kreatywnego Teatru Kirowa postanowiło odwołać przedstawienie, aby uniknąć, jak wszyscy sądzili, całkowitej porażki. Niewykluczone, że takie nastroje artystów były częściowo inspirowane artykułem „Zamęt zamiast muzyki”, opublikowanym w „Prawdzie” w styczniu 1936 roku, ostro krytykującym muzykę teatralną Dymitra Szostakowicza. Zarówno środowisko teatralne, jak i sam Prokofiew odebrali artykuł jako atak na sztukę współczesną w ogóle i postanowili, jak mówią, nie prosić się o kłopoty. W tym czasie okrutny żart rozprzestrzenił się nawet w środowisku teatralnym: „Nie ma na świecie smutniejszej historii niż muzyka Prokofiewa w balecie!”

W rezultacie premiera Romea i Julii odbyła się dopiero dwa lata później Teatr Narodowy Miasto Brno w Czechosłowacji. A krajowa publiczność zobaczyła przedstawienie dopiero w 1940 roku, kiedy balet został wystawiony w Teatrze Kirowa. I mimo kolejnej walki rządu z tzw. „formalizmem” balet „Romeo i Julia” Siergieja Prokofiewa otrzymał nawet Nagrodę Stalina.

Romeo i Julia, balet w czterech aktach (9 scen), op. 64
Orkiestra Symfoniczna Państwowego Akademickiego Teatru Bolszoj ZSRR
Dyrygent - Giennadij Rożdiestwienski
Nagrany w 1959 roku
Inżynier dźwięku - Aleksander Grossman

Akt I. Scena pierwsza. 3. Budzi się ulica

Akt I. Scena druga. 13. Taniec rycerzy

Akt I. Scena druga. 15. Merkucja

Kantata na 20. rocznicę października (1936–1937)

W 1936 roku Siergiej Prokofiew, emigrant pierwszej fali porewolucyjnej, dojrzały, odnoszący sukcesy i rozchwytywany kompozytor i pianista, powrócił do sowiecka Rosja. Był pod wielkim wrażeniem zmian w kraju, który stał się zupełnie inny. Gra według nowych zasad wymagała pewnych korekt w kreatywności. A Prokofiew stworzył szereg utworów, na pierwszy rzut oka szczerze „dworskich”: kantatę na 20. rocznicę października (1937), napisaną na tekstach klasyków marksizmu-leninizmu, kantatę „Toast”, 60. rocznica Stalina (1939) oraz kantata „Kwitnij, potężna ziemia”, poświęcona już 30. rocznicy Rewolucji Październikowej (1947). To prawda, biorąc pod uwagę specyficzne poczucie humoru Prokofiewa, które od czasu do czasu przejawiało się w jego języku muzycznym, aż do teraz krytycy muzyczni nie może dać jednoznacznej odpowiedzi na pytanie, czy kompozytor napisał te utwory szczerze i poważnie, czy też z pewną dozą ironii. Na przykład w jednej z części kantaty „W 20. rocznicę października”, zatytułowanej „Kryzys dojrzał”, soprany śpiewają (a raczej piszczą) w najwyższym rejestrze „Kryzys dojrzał!” , malejąco w półtonach. Ten dźwięk napiętego tematu wydaje się komiczny – a takie niejednoznaczne rozwiązania można znaleźć w „prosowieckich” utworach Prokofiewa na każdym kroku.

Kantata na 20-lecie Października dla dwojga chóry mieszane, orkiestry symfoniczne i wojskowe, orkiestra akordeonów i instrumentów szumowych op. 74 (wersja skrócona)

Państwo kaplica chóralna
Dyrektor artystyczny - Aleksander Jurłow
Orkiestra Symfoniczna Filharmonii Moskiewskiej
Dyrygent - Kirill Kondrashin
Nagranie z 1967 roku
Inżynier dźwięku - David Gaklin

Teksty Karola Marksa i Włodzimierza Lenina:

Wstęp. Duch nawiedza Europę, duch komunizmu

Filozofowie

Rewolucja

Muzyka do filmu „Aleksander Newski” (1938)

Kompozytorzy pierwszej połowy XX wieku musieli wiele zrobić po raz pierwszy, a stworzone przez nich próbki nowej sztuki są dziś uważane za podręczniki. W pełni dotyczy to również muzyki filmowej. Zaledwie siedem lat po pojawieniu się pierwszego radzieckiego filmu dźwiękowego (Putevka v žizn', 1931) do grona operatorów dołączył Siergiej Prokofiew. Wśród jego dzieł z gatunku muzyki filmowej wyróżnia się wielkoformatowa partytura symfoniczna napisana do filmu Siergieja Eisensteina „Aleksander Newski” (1938), później przerobiona na kantatę pod tym samym tytułem (1939). Wiele obrazów ułożonych przez Prokofiewa w tej muzyce (żałosna scena „martwego pola”, bezduszny i mechaniczny w dźwięku atak krzyżowców, radosny kontratak rosyjskiej kawalerii) wciąż jest przewodnikiem stylistycznym dla filmu kompozytorów na całym świecie do dziś.

Aleksander Newski, kantata na mezzosopran, chór i orkiestrę (do słów Władimira Ługowskiego i Siergieja Prokofiewa), op. 78

Larisa Avdeeva, mezzosopran (Pole Umarłych)
Państwowy Chór Akademicki Rosji im. A. A. Jurłowa
Kierownik chóru – Aleksander Jurłow
Państwowa Akademicka Orkiestra Symfoniczna ZSRR
Dyrygent - Jewgienij Swietłanow
Nagranie z 1966 roku
Inżynier dźwięku - Aleksander Grossman

Piosenka o Aleksandrze Newskim

Bitwa na lodzie

pole umarłych

Kardynalną zaletą (lub jak kto woli wadą) mojego życia zawsze było poszukiwanie oryginalnego, własnego języka muzycznego. Nienawidzę naśladownictwa, nienawidzę stereotypów...

Za granicą możesz być tak długo, jak chcesz, ale z pewnością od czasu do czasu musisz wrócić do ojczyzny, aby poczuć prawdziwego rosyjskiego ducha.
S. Prokofiew

Lata dzieciństwa przyszłego kompozytora minęły w muzycznej rodzinie. Jego mama była dobrą pianistką, a chłopiec zasypiając często słyszał dźwięki sonat L. Beethovena dochodzące z daleka, kilka pokoi dalej. Kiedy Seryozha miał 5 lat, skomponował swój pierwszy utwór na fortepian. W 1902 r. S. Tanejew zapoznał się z doświadczeniami kompozytorskimi swoich dzieci i za jego radą rozpoczął lekcje kompozycji u R. Gliere. W latach 1904-14 Prokofiew studiował w Konserwatorium Petersburskim u N. Rimskiego-Korsakowa (instrumentacja), J. Vitolsa ( forma muzyczna), A. Lyadov (kompozycja), A. Esipova (fortepian).

Na egzaminie końcowym Prokofiew znakomicie wykonał swój I Koncert, za który otrzymał Nagrodę. A. Rubinsteina. Młody kompozytor chętnie chłonie nowe trendy w muzyce i szybko odnajduje własną drogę jako nowatorski muzyk. Przemawiając jako pianista, Prokofiew często włączał do swoich programów własne utwory, co wywoływało silną reakcję publiczności.

W 1918 roku Prokofiew wyjechał do USA, rozpoczynając serię podróży do innych krajów - Francji, Niemiec, Anglii, Włoch, Hiszpanii. Chcąc zdobyć światową publiczność, dużo koncertuje, pisze najważniejsze dzieła - opery Miłość do trzech pomarańczy (1919), Ognisty anioł (1927); balety „Stalowa pętla” (1925, inspirowane wydarzeniami rewolucyjnymi w Rosji), „Syn marnotrawny” (1928), „Nad Dnieprem” (1930); muzyka instrumentalna.

Na początku 1927 i pod koniec 1929 roku Prokofiew występował z wielkimi sukcesami w Związku Radzieckim. W 1927 roku jego koncerty odbywają się w Moskwie, Leningradzie, Charkowie, Kijowie i Odessie. „Przyjęcie, jakie zgotowała mi Moskwa, było niezwykłe. (...) Przyjęcie w Leningradzie okazało się jeszcze gorętsze niż w Moskwie” – pisał kompozytor w swojej Autobiografii. Pod koniec 1932 roku Prokofiew postanawia wrócić do ojczyzny.

Od połowy lat 30. Twórczość Prokofiewa sięga szczytów. Tworzy jedno ze swoich arcydzieł - balet Romeo i Julia W. Szekspira (1936); opera liryczno-komiczna Zaręczyny w klasztorze (The Duenna, wg R. Sheridana - 1940); kantaty Aleksander Newski (1939) i Toast (1939); baśń symfoniczna do własnego tekstu "Piotruś i Wilk" z instrumentami-postaciami (1936); Szósta sonata fortepianowa (1940); cykl utworów fortepianowych „Muzyka dziecięca” (1935). W latach 30-40. Muzykę Prokofiewa wykonują najlepsi muzycy radzieccy: N. Gołowanow, E. Gilels, B. Sofronitsky, S. Richter, D. Ojstrach. Najwyższym osiągnięciem radzieckiej choreografii był obraz Julii, stworzony przez G. Ułanową. Latem 1941 roku na daczy pod Moskwą Prokofiew malował na zamówienie Leningradzkiego Teatru Opery i Baletu. Balet S. M. Kirowa „Kopciuszek”. Wiadomość o wybuchu wojny z faszystowskimi Niemcami i późniejszych tragicznych wydarzeniach wywołała w kompozytorze nowy rozkwit twórczy. Stworzył imponującą heroiczno-patriotyczną epicką operę „Wojna i pokój” na podstawie powieści L. Tołstoja (1943), z reżyserem S. Eisensteinem pracującym nad historycznym filmem „Iwan Groźny” (1942). Niepokojące obrazy, refleksje o wydarzeniach wojennych, a zarazem niezłomna wola i energia są charakterystyczne dla muzyki Siódmej Sonaty fortepianowej (1942). Majestatyczna pewność siebie została uchwycona w V Symfonii (1944), w której kompozytor chciał w swoich słowach „śpiewać o człowieku wolnym i szczęśliwym, o jego potężnej sile, jego szlachetności, jego duchowej czystości”.

W okresie powojennym, mimo ciężkiej choroby, Prokofiew stworzył wiele znaczących dzieł: VI (1947) i VII (1952) symfonie, IX Sonatę fortepianową (1947), nowe wydanie opery Wojna i pokój (1952) , Sonata wiolonczelowa (1949) i Koncert symfoniczny na wiolonczelę i orkiestrę (1952). Późne lata 40-te, początek 50-tych. zostały przyćmione przez hałaśliwe kampanie przeciwko „antynarodowemu formalistycznemu” kierunkowi w sztuce radzieckiej, prześladowania wielu jej najlepszych przedstawicieli. Prokofiew okazał się jednym z głównych formalistów w muzyce. Publiczne zniesławienie jego muzyki w 1948 roku dodatkowo pogorszyło stan zdrowia kompozytora.

Ostatnie lata życia Prokofiew spędził na daczy we wsi Nikolina Góra wśród kochanej przez siebie rosyjskiej przyrody, nadal nieprzerwanie komponował, łamiąc zakazy lekarzy. Trudne okoliczności życiowe wpłynęły także na twórczość. Obok autentycznych arcydzieł wśród dzieł ostatnich lat znajdują się dzieła „prostej koncepcji” - uwertura „Spotkanie Wołgi z Donem” (1951), oratorium „Na straży świata” (1950), suita „Zimowe ognisko” (1950), niektóre strony baletu „Opowieść o kamiennym kwiecie” (1950), VII Symfonia. Prokofiew zmarł tego samego dnia co Stalin i żegnał wielkiego rosyjskiego kompozytora w r ostatni sposób zostały przyćmione przez powszechne poruszenie związane z pogrzebem wielkiego wodza ludów.

Styl Prokofiewa, którego twórczość obejmuje 4 i pół dekady burzliwego XX wieku, przeszedł ogromną ewolucję. Prokofiew utorował drogę nowej muzyce naszego stulecia wraz z innymi innowatorami początku stulecia - C. Debussym. B. Bartok, A. Skriabin, I. Strawiński, kompozytorzy szkoły nowowenskiej. Wszedł do sztuki jako śmiały burzyciel podupadłych kanonów sztuki późnego romantyzmu z jej wyjątkowym wyrafinowaniem. W swoisty sposób rozwijając tradycje M. Musorgskiego, A. Borodina, Prokofiew wniósł do muzyki nieokiełznaną energię, rzeź, dynamizm, świeżość pierwotnych sił, postrzeganych jako „barbarzyństwo” („Urojenie” i Toccata na fortepian, „Sarkazmy”; symfoniczna „Suita scytyjska” baletu „Ala and Lolly”; I i II koncerty fortepianowe). Muzyka Prokofiewa odzwierciedla innowacje innych rosyjskich muzyków, poetów, malarzy, pracowników teatru. „Siergiej Siergiejewicz gra na najdelikatniejszych nerwach Władimira Władimirowicza” - powiedział W. Majakowski o jednym z występów Prokofiewa. Zgryźliwa i soczysta rosyjsko-wiejska figuratywność przez pryzmat wyrafinowanej estetyki charakteryzuje balet „Opowieść o błaźnie, który przechytrzył siedmiu błaznów” (na podstawie baśni ze zbioru A. Afanasiewa). Stosunkowo rzadki w tym czasie liryzm; u Prokofiewa jest pozbawiony zmysłowości i wrażliwości – jest nieśmiały, łagodny, delikatny („Ulotne”, „Opowieści starej babci” na fortepian).

Jasność, różnorodność, wzmożona ekspresja są typowe dla stylu obcego piętnastu lat. To tryskająca radością, entuzjazmem opera „Miłość do trzech pomarańczy” oparta na baśni K. Gozziego („kieliszek szampana” według A. Łunaczarskiego); wspaniały III Koncert z żywiołową presją motoryczną, zapoczątkowaną cudowną melodią piszczałkową początku I części, przenikliwym liryzmem jednej z wariacji II części (1917-21); napięcie silnych emocji w „Ognistym aniele” (na podstawie powieści W. Bryusowa); heroiczna moc i rozmach II Symfonii (1924); „Kubistyczna” urbanistyka „Steel lope”; liryczna introspekcja „Myśli” (1934) i „Rzeczy same w sobie” (1928) na fortepian. Okres stylu 30-40s. naznaczone mądrym powściągliwością właściwą dojrzałości, połączone z głębią i narodowym gruntem koncepcji artystycznych. Kompozytor dąży do uniwersalnych idei i tematów, uogólniając obrazy historii, jasne, realistycznie konkretne postacie muzyczne. Ta linia twórczości została szczególnie pogłębiona w latach 40. w związku z ciężkimi próbami, które spadły na los ludzie radzieccy w latach wojny. Ujawnienie wartości ludzkiego ducha, głębokie uogólnienia artystyczne stają się głównym dążeniem Prokofiewa: „Jestem przekonany, że kompozytor, podobnie jak poeta, rzeźbiarz, malarz, powołany jest do służby człowiekowi i ludowi. Powinien śpiewać o ludzkim życiu i prowadzić człowieka do lepszej przyszłości. Taki jest, z mojego punktu widzenia, niewzruszony kodeks sztuki.

Prokofiew pozostawił ogromne dziedzictwo twórcze - 8 oper; 7 baletów; 7 symfonii; 9 sonat fortepianowych; 5 koncertów fortepianowych (w tym IV na jedną lewą rękę); 2 koncerty skrzypcowe, 2 koncerty wiolonczelowe (II - Symfonia-koncert); 6 kantat; oratorium; 2 suity wokalno-symfoniczne; wiele utworów fortepianowych; utwory na orkiestrę (m.in. Uwertura rosyjska, Pieśń symfoniczna, Oda do końca wojny, 2 Walce Puszkina); utwory kameralne (Uwertura na tematy żydowskie na klarnet, fortepian i kwartet smyczkowy; Kwintet na obój, klarnet, skrzypce, altówkę i kontrabas; 2 kwartety smyczkowe; 2 sonaty na skrzypce i fortepian; Sonata na wiolonczelę i fortepian; szereg kompozycji wokalnych za słowa A. Achmatowa, K. Balmont, A. Puszkin, N. Agnivtsev i inni).

Kreatywność Prokofiewa zyskała światowe uznanie. Trwała wartość jego muzyki leży w jego hojności i życzliwości, w jego przywiązaniu do wzniosłych idei humanistycznych, w bogactwie artystycznego wyrazu jego dzieł.

Y. Chołopow

Dzieła sztuki

W 1918 roku Siergiej Siergiejewicz Prokofiew kupił sobie album, w którym wszyscy jego przyjaciele musieli zostawić notatki na ten sam temat: „Co myślisz o słońcu?” Kompozytor wybrał ją nieprzypadkowo, bo słońce jest źródłem życia, a on sam we wszystkich swoich utworach zawsze był śpiewakiem życia.

O tym, jakim był Prokofiew kompozytorem, wiemy z jego dzieł, ale o tym, jakim był człowiekiem, co kochał, do czego dążył, najlepiej dowiemy się z jego Autobiografii.

„Skłonność do nagrywania była we mnie charakterystyczna od dzieciństwa, a rodzice do niej zachęcali” – relacjonuje Siergiej Prokofiew na pierwszych stronach „Autobiografii”. „Już w wieku sześciu lat pisałem muzykę. W wieku siedmiu lat, nauczywszy się grać w szachy, założył zeszyt i zaczął zapisywać partie; pierwszy z nich to mat „pasterski”, który otrzymałem w trzech ruchach. W wieku dziewięciu lat spisano historie bojowych żołnierzyków z uwzględnieniem strat i schematów ruchów. W wieku dwunastu lat zauważyłem, że mój profesor muzyki pisze pamiętnik. Wydawało się to absolutnie cudowne i zacząłem dyrygować własnym, pod straszną tajemnicą przed wszystkimi.

Prokofiew urodził się i spędził dzieciństwo w majątku Soncowka (obecnie obwód doniecki), gdzie jego ojciec, uczony agronom, był zarządcą. Już jako dojrzały mężczyzna Prokofiew z przyjemnością wspominał wolność stepu Soncowa, zabawy w ogrodzie z przyjaciółmi - wiejskimi dziećmi, początek lekcji muzyki pod kierunkiem matki Marii Grigoriewnej.

Wciąż nie znając nut, według plotek chłopiec próbował zagrać coś własnego na pianinie. A nut uczył się głównie po to, żeby nagrać to „swoje”. A w wieku dziewięciu lat, po wycieczce do Moskwy i pod wrażeniem pierwszej opery, jaką usłyszał (był to Faust Gounoda), Seryozha postanowił skomponować własną operę, której fabułę też sam wymyślił. Była to opera „Olbrzym” w trzech aktach z przygodami, walkami i nie tylko.

Rodzice Prokofiewa byli ludźmi wykształconymi i sami podjęli chłopięcą edukację podstawową ze wszystkich przedmiotów szkolnych. Ale oczywiście nie mogli uczyć zasad komponowania muzyki. Dlatego Maria Grigorievna, zabierając syna na jedną ze swoich zwykłych zimowych podróży do Moskwy, przyprowadziła go do znanego kompozytora i nauczyciela Siergieja Iwanowicza Tanejewa, który poradził zaprosić młodego kompozytora Reinholda Moritsewicza Gliere do Sontsovki na zajęcia z Sereżą na lato .

Gliere spędził dwa lata z rzędu w Soncowce, kręcąc się z Sieriożą, a także grając z nim w szachy i krokieta - już nie w roli nauczyciela, ale starszego kolegi. A kiedy jesienią 1904 roku trzynastoletni Siergiej Prokofiew przyjechał do Petersburga na egzamin do konserwatorium, przywiózł ze sobą niezwykle solidny bagaż kompozycji. W grubej teczce znajdowały się dwie opery, sonata, symfonia i wiele małych utworów fortepianowych - "Pieśni" - napisanych pod kierunkiem Gliere. Niektóre „Piosenki” były tak oryginalne i ostre w brzmieniu, że jeden z przyjaciół Sereży poradził nazywać je nie „Piosenkami”, ale „Psami”, ponieważ „gryzą”.

Lata nauki w konserwatorium

W konserwatorium Serezha był najmłodszy wśród kolegów z klasy. I oczywiście trudno mu było się z nimi zaprzyjaźnić, zwłaszcza że z psot czasami liczył liczbę błędów w zadaniach muzycznych każdego z uczniów, wydedukował średnią liczbę za pewien okres - i wyniki dla wielu były rozczarowujące ...

Ale wtedy w konserwatorium pojawił się inny student, w mundurze porucznika batalionu saperów, zawsze bardzo powściągliwy, surowy, bystry. To Nikołaj Jakowlewicz Miaskowski, znany w przyszłości kompozytor, w czasach sowieckich został kierownikiem moskiewskiej szkoły kompozytorskiej. Pomimo różnicy wieku (Miaskowski miał dwadzieścia pięć lat, a Prokofiew piętnaście), zaczęła się między nimi przyjaźń na całe życie. Zawsze pokazywali sobie swoje kompozycje, dyskutowali o nich - osobiście i listownie.

Na zajęciach z teorii kompozycji i kompozycji swobodnej Prokofiew na ogół wypadł z łask - jego szczególny talent był zbyt lekceważący dla konserwatywnej tradycji. Prokofiew nie odważył się nawet pokazać nauczycielom najśmielszych kompozycji, wiedząc, że wywoła to zdumienie lub irytację. Postawa nauczycieli została wyrażona w bardzo przeciętnych ocenach w dyplomie kompozytorskim Prokofiewa. Ale młody muzyk miał w zapasie jeszcze jedną specjalność – fortepian – w której ponownie ukończył konserwatorium wiosną 1914 roku.

„Jeżeli byłem obojętny na słabą jakość dyplomu kompozytora – wspominał później Prokofiew – tym razem ogarnęła mnie ambicja i postanowiłem najpierw skończyć fortepian”.

Prokofiew zaryzykował: zamiast klasycznego koncertu fortepianowego zdecydował się zagrać swój właśnie wydany I Koncert, przekazując zawczasu egzaminatorom notatki. Radosna muzyka koncertu, pełna młodzieńczego entuzjazmu, urzekła publiczność, występ Prokofiewa był triumfem, który otrzymał dyplom z wyróżnieniem i Nagrodę im. Antona Rubinsteina.

Wyniki działalności twórczej

Twórcza energia młodego kompozytora Prokofiewa była prawdziwie wulkaniczna. Pracował szybko, odważnie, niestrudzenie, starając się objąć szeroką gamę gatunków i form. Po pierwszym koncercie fortepianowym następował drugi, potem pierwszy koncert skrzypcowy, opera, balet, romanse.

Jedna z prac S.S. Prokofiew jest szczególnie charakterystyczny dla wczesnego okresu. To „Suita scytyjska”, stworzona na podstawie muzyki nieudanego baletu. Kult pogańskich bogów, szaleńczy „Taniec zła”, cichy i tajemniczy obraz śpiącego scytyjskiego stepu i wreszcie olśniewający finał – „Sunrise” – wszystko to oddane w oszałamiająco jasnych orkiestrowych barwach, spontanicznych wzrostach dźwięczności , energetyczne rytmy. Inspirujący optymizm suity, przenikającej jej światło, jest tym bardziej niezwykły, że powstała ona w trudnych latach I wojny światowej.

Siergiej Prokofiew bardzo szybko wszedł do pierwszego szeregu kompozytorów znanych nie tylko w kraju, ale i za granicą, choć jego muzyka zawsze budziła kontrowersje, a niektóre utwory, zwłaszcza sceniczne, czekały latami na wykonanie. Ale to właśnie ta scena szczególnie przyciągnęła kompozytora. Przyciągnęła mnie możliwość, podążając ścieżką Musorgskiego, wyrażenia najsubtelniejszych, tajemnych odcieni uczuć w muzycznych intonacjach, stworzenia żywych ludzkich postaci.

Co prawda robił to także w muzyce kameralnej, na przykład w baśni wokalnej „Brzydkie kaczątko” (według Andersena). Każdy z mieszkańców kurnika obdarzony jest własnym, niepowtarzalnym charakterem: spokojna mama-kaczka, małe entuzjastyczne kaczuszki i on sam główny bohater, zanim zamieni się w piękny łabędź nieszczęśliwy i pogardzany przez wszystkich. Słysząc tę ​​opowieść Prokofiewa, A. M. Gorky wykrzyknął: „Ale napisał ją o sobie, o sobie!”

Kompozycje młodego Prokofiewa są zaskakująco różnorodne, a czasem ostro skontrastowane. W 1918 roku po raz pierwszy wykonano jego „Symfonię klasyczną” – eleganckie dzieło, pełne zabawy i subtelnego humoru. Jej tytuł, jakby podkreślający celową stylizację - naśladownictwo maniery Haydna i Mozarta - odbieramy teraz bez cytatów: to prawdziwy klasyk muzyki okresu sowieckiego. W twórczości kompozytora symfonia rozpoczęła jasną i wyraźną linię, która prowadzi aż do jego późniejszych dzieł - baletu Kopciuszek, VII Symfonii.

I niemal jednocześnie z Symfonią klasyczną powstało wspaniałe dzieło wokalno-symfoniczne Siedmiu z nich, ponownie, jak Suita scytyjska, ożywiające obrazy najgłębszej starożytności, ale jednocześnie związane z pewnymi złożonymi i niejasnymi skojarzeniami z wydarzeniami rewolucyjnymi które wstrząsnęły światem 1917 Rosja i cały świat. „Dziwny zwrot” twórczej myśli zaskoczył następnie samego Prokofiewa.

Za granicą

Jeszcze dziwniejszy zwrot nastąpił w samej biografii kompozytora. Wiosną 1918 r., otrzymawszy paszport zagraniczny, wyjechał do Ameryki, nie słuchając rad przyjaciół, którzy ostrzegali go: „Kiedy wrócisz, nie zrozumieją cię”. Istotnie, długi pobyt za granicą (do 1933 roku) odbił się negatywnie na kontakcie kompozytora z publicznością, zwłaszcza że jej skład zmieniał się i rozszerzał na przestrzeni lat.

Lata spędzone za granicą nie oznaczały jednak całkowitego rozstania z ojczyzną. Trzy wyjazdy koncertowe do Związku Radzieckiego były okazją do komunikowania się ze starymi przyjaciółmi i nową publicznością. W 1926 roku w Leningradzie wystawiono operę Miłość do trzech pomarańczy, która powstała w domu, ale została napisana za granicą. Rok wcześniej Prokofiew napisał balet „Stalowy chmiel” – cykl obrazów z życia młodej republiki radzieckiej. Różnorodne szkice codzienności oraz muzyczne i choreograficzne portrety Komisarza, Oratora, Robotnika, Marynarza obok obrazów industrialnych („Fabryka”, „Młoty”).

Utwór ten odżył dopiero na scenie koncertowej w formie suity symfonicznej. W 1933 roku Prokofiew ostatecznie wrócił do ojczyzny, opuszczając ją tylko na krótko. Lata po powrocie okazały się chyba najbardziej owocne w jego życiu iw ogóle bardzo produktywne. Prace powstają jedna po drugiej, a każda z nich wyznacza nowy, wysoki etap w danym gatunku. Opera „Siemion Kotko”, balet „Romeo i Julia”, muzyka do filmu „Aleksander Newski”, na podstawie którego kompozytor stworzył oratorium - wszystko to weszło do złotego funduszu muzyki okresu sowieckiego.

Przekazanie fabuły tragedii Szekspira za pomocą tańca i muzyki tanecznej - takie zadanie wydawało się wielu niemożliwe, a nawet nienaturalne. Prokofiew podszedł do niej tak, jakby nie było konwencji baletowych.

W szczególności odmówił zbudowania baletu jako serii ukończonych numerów, w przerwach między którymi tancerze kłaniają się i dziękują publiczności za oklaski. Akcja muzyczna i choreograficzna Prokofiewa rozwija się w sposób ciągły, zgodnie z prawami dramatu. Ten balet, wystawiony po raz pierwszy w Leningradzie, okazał się wyjątkowym wydarzeniem artystycznym, zwłaszcza że Galina Ułanowa została niedoścignioną Julią.

I zupełnie bezprecedensowe zadanie kompozytor rozwiązał w „Kantacie na 20-lecie Października”. Muzyka oparta jest na tekście dokumentalnym: wykorzystano w niej artykuły, przemówienia i listy K. Marksa i V. I. Lenina. Dzieło było tak niespotykane, że na wykonanie kantaty trzeba było czekać aż 20 lat...

Różne historie, różne gatunki...

Dzieła okresu dojrzałego

Ale patrząc ogólnie na prace dojrzały okres a porównując je z wczesnymi, można wyraźnie zauważyć ogólny trend: niepohamowane wrzenie twórczej myśli zostaje zastąpione przez mądrą równowagę, zainteresowanie tym, co niewiarygodne, bajeczne, legendarne, zostaje zastąpione zainteresowaniem prawdziwym ludzkie losy(„Siemion Kotko” – opera o młody żołnierz), do heroicznej przeszłości ojczyzny („Aleksander Newski”, opera „Wojna i pokój”), do wieczny temat miłość i śmierć („Romeo i Julia”).

Jednocześnie nie zniknął charakterystyczny dla Prokofiewa humor. W bajce (na czytelnika i orkiestrę symfoniczną), skierowanej do najmłodszych słuchaczy, wiele ciekawych informacji podanych jest w żartobliwy sposób. Każda postać charakteryzuje się jakimś narzędziem. Okazał się swego rodzaju przewodnikiem po orkiestrze i jednocześnie wesołą, zabawną muzyką. - jeden z utworów, w którym kompozytor osiągnął "nową prostotę", jak sam to nazwał, czyli taki sposób przedstawiania myśli, który z łatwością dociera do słuchacza, nie pomniejszając ani nie zubażając samej myśli.

Szczytem twórczości Prokofiewa jest jego opera Wojna i pokój. Fabuła wielkiego dzieła L. Tołstoja, odtwarzającego bohaterskie karty rosyjskiej historii, była postrzegana w latach Wojny Ojczyźnianej (czyli kiedy powstała opera) niezwykle dotkliwa i nowoczesna.

Dzieło to łączy w sobie najlepsze, najbardziej typowe cechy jego twórczości. Tutaj Prokofiew jest zarówno mistrzem charakterystycznego portretu intonacyjnego, jak i muralistą, swobodnie komponującym masowe scenki ludowe, wreszcie autorem tekstów, który stworzył niezwykle poetycki i kobiecy wizerunek Nataszy.

Kiedyś Prokofiew porównał kreatywność do strzelania do ruchomych celów: „Jedynie celując w przyszłość, w jutro, nie zostaniesz w tyle, na poziomie wczorajszych wymagań”.

I przez całe życie szedł „celem naprzód” i prawdopodobnie właśnie z tego powodu wszystkie jego dzieła - zarówno napisane w latach jego twórczego rozkwitu, jak i w latach ostatniej poważnej choroby - pozostały z nami i nadal przynieść radość słuchaczom.

Główne kompozycje:

Opery:

„Gracz” (1916)
„Miłość do trzech pomarańczy” (1919).
"Ognisty anioł" (1927),
"Siemion Kotko" (1939)
„Zaręczyny w klasztorze” (1940)
„Wojna i pokój” (1943)
„Opowieść o prawdziwym mężczyźnie” (1948)

balet:

„Opowieść o błaźnie, który przechytrzył siedmiu błaznów” (1915)
„Stalowa pętla” (1925)
„Syn marnotrawny” (1928)
Romeo i Julia (1936)
„Kopciuszek” (1944)
„Opowieść o kamiennym kwiecie” (1950)

(Nie ma jeszcze ocen)