dzieła Debussy'ego. Claude Debussy: krótka biografia kompozytora, historia życia, twórczość i najlepsze dzieła

AU SPO „Chanty-Mansyjska Szkoła Techniczno-Pedagogiczna”

Wydział Sztuki i Kultury

Konferencja naukowo-praktyczna

„Badanie i wdrażanie współczesnych kompozytorów do programu wykonawczego studentów muzyki”

Rozdział „Kompozytorzy zagraniczni – dla dzieci”

Temat„Cechy stylistyczne twórczości Claude'a Debussy'ego”

Przygotowane przez:

Pachganova TV,

Koncertmistrz najwyższej kategorii;

Kostylewa K., studentka 3 roku

rok 2013

1. Impresjonizm w sztuce francuskiej przełomu XIX i XX wieku.

1. Cechy twórczości Claude'a Debussy'ego.
2. Zalecenia metodyczne konwersacji dla uczniów szkół ponadgimnazjalnych.

Cel prezentowanej pracy:poszerzanie horyzontów artystycznych i muzycznych uczniów szkół ponadgimnazjalnych, wprowadzanie ich w świat sztuki, muzyki, estetyki, oswajanie z pięknem i harmonią.

Pomoce wizualne:1. Portret C. Debussy'ego;

2. Obrazy C. Moneta „Impresja. Wschód słońca",

O. Renoir „Dziewczyna z wachlarzem” (1881);

3. Utwór fortepianowy „Dziewczyna z płowymi włosami”

1. Impresjonizm w sztuce francuskiej przełomu XIX i XX wieku

Impresjonizm - jeden z najwybitniejszych i najciekawszych nurtów w sztuce francuskiej ostatniej ćwierci XIX wieku narodził się w bardzo trudnym środowisku, charakteryzującym się różnorodnością i kontrastami.

Termin impresssionisme pochodzi od francuskiego słowa impresion „impression”. Tak K. Monet nazwał swój obraz - „Impresja. Wschód słońca"

Początkowo impresjonizm przejawiał się w malarstwie. Artyści przylegający do tego kierunku to C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Sisley, E. Degas. Chcąc jak najdokładniej wyrazić swoje bezpośrednie wrażenia z rzeczy, impresjoniści uwolnili się od tradycyjnych zasad, stworzyli nową metodę malowania. Jej istotą było oddanie zewnętrznego wrażenia światła, cienia refleksów na powierzchni przedmiotów oddzielnymi pociągnięciami czystych kolorów, które wizualnie rozpuściły formę w otaczającym środowisku światło-powietrze. Metoda impresjonistyczna stała się maksymalnym wyrazem samej zasady malarstwa. Dla impresjonisty nie jest ważne, co przedstawia, ale jak to przedstawia. Przedmiot stał się jedynie pretekstem do rozwiązywania czysto obrazowych „zadań wizualnych”, dlatego impresjonizm miał pierwotnie inną, później zapomnianą nazwę – „chromatyzm” od greckiego chroma – „kolor”.

Impresjoniści zaktualizowali kolorystykę, porzucili ciemne, ziemiste kolory i zastosowali na płótnie czyste, widmowe kolory, prawie bez uprzedniego mieszania ich na palecie. Z warsztatów udają się na plener (plener – „wolne powietrze”).

Twórcza metoda impresjonistów charakteryzuje się zwięzłością, etiudą. W końcu tylko krótkie badanie pozwoliło dokładnie zarejestrować poszczególne stany natury. Impresjoniści wierzyli, że rzeczywistość to zmieniające się wrażenie światła. Ponieważ te wrażenia cały czas się zmieniają, artyści ciężko pracowali, aby uchwycić te znikające chwile. Osiągnęli zupełnie niespotykane efekty transmisji blasku, migotania, gry światłocienia, lekkich, harmonijnych, barwnych harmonii. W latach 80. i 90. XIX wieku artyści impresjoniści stali się wyjątkowymi mistrzami w przekazywaniu światła, mgły, gry wody, nieba, chmur itp. Głównym tematem ich prac jest Francja, jej przyroda, sposób życia, ludzie.

Krajobraz stał się prawdziwym objawieniem na płótnach artystów impresjonistów. To właśnie w krajobrazie ujawniły się ich innowacyjne aspiracje

różnorodność i bogactwo niuansów i odcieni (C. Monet „Białe lilie wodne” 1889, C. Pissarro „Jesienny poranek w Eragny” 1897, A. Sisley „Śnieżny krajobraz z myśliwym” 1873, O. Renoir „Na brzegu jeziora” ok. 1880). Tak więc zainteresowanie naturą, wrażeniem, fabułą, kolorem rodzi szczególny język obrazkowy wśród artystów impresjonistów.

impresjonizm muzycznypowstały na przełomie lat 80-tych i 90-tych. Także, podobnie jak w malarstwie, przejawiała się przede wszystkim w chęci oddania ulotnych wrażeń, półtonów, półcieni. Dążenia te prowadzą do tego, że na pierwszy plan wysuwa się błyskotliwość dźwięku, przywiązywanie wielkiej wagi do koloru, poszukiwanie niezwykłych brzmień orkiestrowych i harmonii. Fenomenem, który bezpośrednio przygotował muzyczny impresjonizm, jest współczesna poezja francuska i impresjonizm obrazkowy. Impresjoniści budują swoją muzykę na grze muzycznego światłocienia, na nieuchwytnym „doznaniu dźwiękowym”. Odrzucając klasyczną kompletność form, impresjonistyczni kompozytorzy jednocześnie chętnie zwracają się ku gatunkom muzyki programowej, do obrazów tańca ludowego i pieśni, szukając w nich sposobów aktualizacji języka muzycznego.

W przeciwieństwie do impresjonizmu obrazowego, który był reprezentowany przez nazwiska wielu głównych mistrzów, impresjonizm muzyczny w różnym stopniu obejmuje tak wielkich kompozytorów francuskich, jak P. Dukas, F. Schmitt, L. Aubert, C. Kequelin (we wczesnym okresie kreatywności), J.-Rogera-Ducasa, M. Ravela, ale najwybitniejszym przedstawicielem jest Claude Debussy.

Podobnie jak impresjoniści, przedstawiciele impresjonizmu muzycznego przejawiają się w ciążeniu ku poetycko uduchowionemu pejzażowi (np. takie dzieła symfoniczne jak „Popołudnie fauna”, „Nokturny”, „Morze” C. Debussy'ego, utwór fortepianowy „Gra Woda” M. Ravela). Bliskość natury, doznania wynikające z postrzegania piękna nieba, morza, lasu są w stanie zdaniem Debussy'ego pobudzić wyobraźnię kompozytora, powołać do życia nowe techniki dźwiękowe.

Kolejnym obszarem muzycznego impresjonizmu jest fantazja. Kompozytorzy sięgają do obrazów starożytnej mitologii, do średniowiecznych legend („Six Antique Epigraphs” na fortepian na 4 ręce, „Pan's Flute” na flet solo C. Debussy'ego itp.); zwrócili się do świata snów, do iskrzących pejzaży dźwiękowych, otwierając nowe możliwości poetyckiego zapisu dźwiękowego i nowych środków muzycznej ekspresji.

Ważną rolę w powstawaniu muzyki impresjonistycznej odegrało zachowanie i rozwój tradycji klasycznych odziedziczonych po poprzednich epokach. Debussy bardzo interesował się chorałem gregoriańskim, jego trybami, intonacjami, z entuzjazmem słuchał dzieł mistrzów polifonii. W twórczości dawnych mistrzów podziwiał bogactwo środków muzycznych, w których jego zdaniem można znaleźć coś ważnego dla rozwoju sztuki nowoczesnej. Tak więc studiując muzykę Palestyny, Orlanda Lasso, Debussy znajduje wiele możliwości modalnych, które wzbogacają sferę dur-moll, rytmicznej elastyczności, dalekiej od tradycyjnej prostolinijności. Wszystko to pomogło mu w stworzeniu własnego języka muzycznego.

Subtelność „uchwycenia” nastroju, szczegółowość impresjonistycznego pisma w muzyce nie byłaby możliwa bez opanowania genialnej techniki dźwiękowej i miniaturyzacji „Preludiów”, „Nokturnów”, „Etiud” F. Chopina, którym Debussy uwielbiany od dziecka. Znaleziska kolorystyczne autorstwa E. Griega, NA Rimskiego-Korsakowa, wolność słowa i M.P. Oryginalną kontynuację znalazł Musorgski w twórczości Debussy'ego, jego zamiłowanie do Wagnera przyczyniło się do poszukiwania nowych środków i form harmonicznych.

Estetyka impresjonizmu wpłynęła na wszystkie główne gatunki muzyczne: zamiast rozwiniętych symfonii wielogłosowych zaczęto kultywować szkice symfoniczne - szkice, pieśń romantyczną zastąpiono miniaturą wokalną, w której dominowała recytacja z barwnym akompaniamentem obrazkowym, pojawia się swobodna miniatura w muzyce fortepianowej, którą cechuje znacznie większa swoboda rozwoju niż w miniaturze romantycznej, a także ciągła zmienność języka harmonicznego, wzoru rytmicznego, faktury, tempa. Wszystko to nadaje formie spektakli charakter improwizacji, a także przyczynia się do przekazywania ciągle zmieniających się wrażeń.

Tym samym termin impresjonizm stał się później powszechnie przyjętą definicją, obejmującą szeroki wachlarz zjawisk muzycznych przełomu XIX i XX wieku, zarówno we Francji, jak iw innych krajach europejskich.

Malowniczy i muzyczny impresjonizm wyrósł na gruncie tradycji narodowych. W twórczości artystów impresjonistów i kompozytorów spotyka się pokrewne motywy, barwne sceny rodzajowe, szkice portretowe, ale pejzaż zajmuje miejsce wyjątkowe. Istnieją wspólne cechy artystycznej metody impresjonizmu obrazowego i muzycznego - chęć oddania pierwszego, bezpośredniego wrażenia zjawiska. Nie sposób nie zauważyć grawitacji impresjonistówdo miniaturowych form; Wszystkowynikało to z ich głównej metody artystycznej, doceniali ulotność, ulotność żywych wrażeń. Dlatego malarze nie zwracają się do dużej kompozycji lub fresku, ale do portretu, szkicu; muzyków – nie do symfonii, oratorium, ale do romansu, miniatury orkiestrowej lub fortepianowej. Przede wszystkim impresjonizm obrazowy wpłynął na muzykę w dziedzinie muzycznej ekspresji. Podobnie jak w malarstwie poszukiwania muzyków, głównie Debussy'ego, miały na celu poszerzenie gamy środków wyrazu niezbędnych do ucieleśnienia nowych obrazów, a przede wszystkim maksymalne wzbogacenie barwnej i kolorystycznej strony muzyki. Poszukiwania te dotyczyły trybu, harmonii, melodii, metrorytmii, faktury i instrumentacji, wzrosła rola języka harmonicznego i stylu orkiestrowego, które ze względu na swoje możliwości są bardziej skłonne do przekazywania zasad obrazowo-figuratywnych i kolorystycznych.

Orkiestra Debussy'ego jest bardzo oryginalna i oryginalna. Wyróżnia się elegancją rysunku i bogactwem detali, ale każdy z nich jest słyszalny. Debussy porównuje różne barwy instrumentów i różne metody wydobywania dźwięku. Jego orkiestra zachwyca różnorodnością barw, opalizującym brzmieniem i blaskiem barwy. Kompozytor napisał więc swoje szkice symfoniczne „Morze” w nadmorskim miasteczku na wybrzeżu Atlantyku, wychwytując „z natury” narastający szum fal i potężny szum wiatru. Z malarstwem łączy go chęć tworzenia radosnej, pieszczotliwej sztuki, która sprawia ludziom przyjemność. Debussy bardzo lubił naturę, mówił o niej jako o najwyższym źródle inspiracji, bliskość z nią uważał za kryterium twórczości. Opowiadał się za stworzeniem na wolnym powietrzu szczególnego rodzaju muzyki, która przyczyni się do zespolenia człowieka z naturą. Pokazuje to także relacje z artystami impresjonistami, którzy odmówili pracy w atelier i udali się w plener – pod gołym niebem, w powietrze, gdzie odkryli nowe motywy malarskie, a co najważniejsze – inną wizję form i zabarwienie. Związani z poetami i artystami muzycy szukali swojej drogi w nowym kierunku. Zapożyczali terminologię od artystów, proponując nowe idee percepcji estetycznej; weszły w życie definicje: farba dźwiękowa, barwa instrumentalna, plamy harmoniczne, paleta barw.

Impresjonizm odegrał ogromną rolę w rozwoju kultury. W malarstwie przyniósł nowe odkrycia w zakresie techniki i kompozycji – prace w plenerze, subtelną obserwację, malowniczość, światłość, zaniedbanie detalu na rzecz koloru. Ze względu na swoistą manierę malarską powierzchnia obrazów impresjonistów wydaje się drżeć i niestabilna, dzięki czemu udało im się oddać blask światła słonecznego, zmarszczki na wodzie, wrażenie powietrza, lekkość i nieważkość przedmiotów.

Zainteresowanie twórczością impresjonistów w naszych czasach nie zanika. A dziś malarstwo artystów impresjonistów, muzyka Debussy'ego uderza nowością widzenia świata, tkwiącą w nich świeżością uczuć, siłą, odwagą i niezwykłymi środkami wyrazu: harmonią, fakturą, formą, melodyką. .

2. Cechy twórczości K. Debussy'ego

Claude Achille Debussy urodził się 22 sierpnia 1862 roku w Saint-Germain-en-Laye na przedmieściach Paryża. Jego ojciec chciał, aby jego syn służył w piechocie morskiej, jego matka zajmowała się sprzątaniem w domu i oboje nie mieli nic przeciwko, gdy jego ciotka zajęła się wychowaniem Claude'a. W wieku siedmiu lat chłopiec zaczął grać na pianinie, a w wieku dziesięciu lat wstąpił do konserwatorium, gdzie studiował (z różnych powodów)

dwunastoletni.

W wieku szesnastu lat Debussy zaczął komponować, głównie w gatunku pieśni i romansów, a do połowy lat 90.dojrzałość twórczakompozytor, projekt jego oryginalnego stylu -impresjonizm muzyczny.

Claude Debussy był jednym z najciekawszych i najbardziej poszukujących artystów swoich czasów, zawsze szukał nowych sposobów na doskonalenie swoich umiejętności, studiował twórczość współczesnych innowacyjnych muzyków: Liszta, Griega, kompozytorów szkoły rosyjskiej: Borodina, Musorgskiego, Rimskiego -Korsakow. Starając się zaktualizować muzykę francuską, Debussy oparł się również na doświadczeniach jej klasyków, a mianowicie twórczości Rameau i Couperina. Kompozytor żałował, że muzyka rosyjska od dawna podąża ścieżkami, które odbierają ją od klarowności wyrazu, dokładności, opanowania formy, które są jego zdaniem charakterystycznymi cechami francuskiej kultury muzycznej.

Debussy miał niezwykłą miłość do natury. Dla niego był to rodzaj muzyki. „Nie wsłuchujemy się w tysiące odgłosów otaczającej nas natury, za mało rozumiemy tę muzykę, tak różnorodną, ​​która objawia się nam z taką obfitością” – powiedział kompozytor.

Debussy wszedł do historii kultury artystycznej jako największy przedstawiciel muzycznego impresjonizmu. Często twórczość Debussy'ego utożsamiana jest ze sztuką malarzy impresjonistów, których zasady estetyczne rozciągają się na twórczość kompozytora.

Od wczesnego dzieciństwa Debussy był w świecie muzyki fortepianowej. Mante de Fleurville, uczeń Chopina, przygotował go do przyjęcia do konserwatorium. Niewątpliwie duże znaczenie miały wskazówki i rady, które otrzymywała od Chopina, a następnie przekazywała swojemu uczniowi. W Konserwatorium Debussy studiował grę na fortepianie u profesora Marmontela (był on znanym francuskim pianistą i pedagogiem). Oprócz Debussy'ego, Bizeta, Guirauda, ​​Andy i inni studiowali z nim.

Już w tamtych latach młody Debussy zwracał na siebie uwagę subtelną ekspresją wykonania i znakomitą jakością dźwięku.

We wczesnym okresie twórczości obok twórczości wokalnej (romansów) i symfonicznej Debussy'ego pojawiły się kompozycje na fortepian. Z największą wyrazistością pierwotne cechy indywidualności kompozytora ujawniły się w dwóch „Arabeskach” – E-dur i G-dur (1888). Cechuje je już artystyczny wizerunek, który sugeruje wdzięk i „zwiewność” kompozycji. Typowe dla późniejszego stylu Debussy'ego są przejrzyste kolory, piękno i plastyczność linii melodycznych. w 1890 roku Debussy tworzy swój pierwszy cykl fortepianowy – „Suite Bergamo”, składający się z czterech części: Preludium, Menuet, „Moonlight” i Passepier. Wyraźnie widać tu już dwie tendencje, które staną się charakterystyczne dla kolejnych cykli kompozytora: odwoływanie się do tradycji gatunkowych klawesynistów oraz ciążenie w kierunku szkiców pejzażowych. Posługując się gatunkami muzyki dawnej, Debussy swobodnie je interpretuje. Odważnie stosuje harmonijny język i fakturę nowego czasu.

od 1901 r kompozycje na fortepian następują jedna po drugiej bez przerwy. Debussy daje im najlepsze momenty inspiracji. „Suita na fortepian” to już dość dojrzały cykl Debussy'ego. Składa się z trzech utworów – Preludium, Sarabandy i Toccaty. W tym cyklu Debussy bardziej niż gdziekolwiek indziej w swojej muzyce fortepianowej wykazywał cechy klasycyzmu. Odzwierciedlają się one nie tylko w doborze gatunków, ale także w surowości muzyki, wyrazistości formy każdego utworu i harmonijnej symetrii całego cyklu.

W serii utworów powstałych po „Suicie fortepianowej” nasila się tendencja programowo-malarska i impresjonistyczna.

Rok 1903 oznacza pojawienie się cyklu fortepianowego „Druki”. Już sam tytuł „Wydruki” jest ciekawy. W "Nokturnach" na orkiestrę tytuł utworu został zinterpretowany w aspekcie malowniczym. Teraz sztuki biorą swoją nazwę od terminologii malarstwa i grafiki. W swoich utworach Debussy ucieleśnia nastrój emocjonalny w połączeniu z malowniczymi wrażeniami, stara się nadać impuls percepcji słuchacza, skierować jego wyobraźnię za pomocą nazwy. Stąd pociąg do malowniczych tytułów. A następnie kompozytor używa takich nazw jak „Szkice”, „Obrazy”.

W ciągu trzech lat (1910-1913) wykonano i wydano dwa tomy Preludiów - każdy z 12 sztukami, w których w pełni objawił się impresjonizm Debussy'ego. W preludiach pojawiają się:

Krajobrazy - Żagle, Co widział zachodni wiatr, Wiatr na równinie, Wrzos, Ślady na śniegu, Wzgórza Anacapri, Dźwięki i aromaty wieczornego powietrza, Mgły, Martwe liście”, „Taras odwiedzany przez księżyc”;

portrety – „Dziewczyna o włosach koloru lnu”, „Na znak szacunku dla S. Pichvik esk. P.Ch.P.K. ”,„ Generał Lyavin jest ekscentrykiem ”;

legendy - „Ondyna”, „Taniec dziobania”, „Wróżki – urocze tancerki”, „Zatopiona katedra”;

dzieła sztuki- „Tancerze delficcy”, „Canopa”, „Trzecie na przemian”, „Brama Alhambry”;

sceny - "Przerwana Serenada", "Minstrelli", "Fajerwerki".

Już samo czytanie tytułów tych kolorowych utworów jest niemal muzyką, ale ciekawe jest to, że kompozytor umieścił tytuły utworów nie na początku, ale na końcu każdego preludium, oferując słuchaczowi wyrobienie sobie wyobrażenia o muzyce siebie, a dopiero potem porównać z autorskimi skojarzeniami.

Cykl 24 preludiów jest swoistym następstwem ewolucji stylu kompozytora: wielobarwność, wydobyta przez kompozytora z czarno-białej klawiatury, chłonęła także doświadczenia orkiestrowe. (Debussy wolał komponować siedząc przy fortepianie, co prowadziło do odwrotnego efektu - muzyki fortepianowej na orkiestrę).

„Preludia” to encyklopedia sztuki Debussy'ego, ponieważ osiąga on tutaj najwyższe mistrzostwo w charakterystyce figuratywnej i dźwiękowej, w błyskawicznym „uchwyceniu” wrażenia w całej jego zmienności. W preludiach takie cechy impresjonizmu przejawiają się jako utrwalanie ulotnych wrażeń z jakichkolwiek charakterystycznych zjawisk rzeczywistości, przekazywanie zewnętrznego wrażenia światła, cienia, koloru, a także etiudy i malowniczości, utrwalanie różnych stanów natury itp.

Muzyka fortepianowa Debussy'ego jest bardzo piękna, interesująca i przez to bardzo popularna zarówno wśród słuchaczy, jak i wykonawców.

W głównych pracach Claude'a Debussy'ego:

Opera „Pelleas i Melizanda”

3 balety („Gry”, „Kamma”, „Toy Box”, dwa ostatnie w postaci clavierów)

5 kantat (m.in. „Wiosna”, „Syn marnotrawny”, „Dziewica-elekt”)

Kompozycje orkiestrowe(suita symfoniczna „Wiosna”, „Mała suita”, Preludium do „Popołudnia Fauna”, 3 tryptyki – „Nokturny”, „Morze”, „Obrazy”)

Fantazja na fortepian i orkiestrę

Rapsodia na klarnet i orkiestrę

Cykle fortepianowe(„Suite Bergamas”, „For Piano”, „Prints”, „Images”, „Children's Corner”, 24 Preludia, 12 Etiud, „Six Antique Epigraphs” na fortepian na 4 ręce”, „In White and Black” na dwa fortepiany "),fragmenty programu(„Wyspa radości”, „Maski”), inne utwory na fortepian

87 piosenek i romansówdo słów francuskich poetów

„Pieśni Karola d'Orleans” na chór a cappella

Kompozycje kameralno-instrumentalne

Muzyka do tajemnicy G. d'Annunzio „Męczeństwo św. Sebastiana”

innowacja polegał na tym, że w jego muzyce było „ emancypacja dźwięku ”, uwalniając go z okowów klasycznego układu funkcjonalnego (a przez to – z wielowiekowej tradycji dramatu teatralnego), który wydobył na pierwszy plan „urok”,poczucie własnej wartości farby dźwiękowej. Piękno, które zbawia świat, zyskało w jego muzyce przekonanego wielbiciela i utalentowanego Mistrza: orkiestra Debussy'ego jest wspaniała, odcienie harmoniczne świeże, linie melodyczne nieskrępowane, a forma przenosi słuchacza w swoje malownicze labirynty. On, podobnie jak artyści impresjoniści lub ich koledzy poeci, stał się śpiewakiem idealnego piękna, starając się ucieleśnić „czystą duchowość” poza ramami wulgarnego materiału lub prymitywnej psychologii. W duchu czasu mierzył wartość człowieka przede wszystkim estetyka kategoriami, a nie etycznymi prawami dobra i zła. Ta idea „sztuki dla sztuki” wywodziła się także z tradycyjnego francuskiego „estetyzmu” – kultu wyrafinowanego piękna, pociągu do elegancji, subtelności, wyrafinowania. Służbę pięknu łączył z całkowitym brakiem zainteresowania sprawami społecznymi, toteż emocjonalny ton jego prac skłania się w kierunku spontaniczności, liryzmu, kaprysu emocji, rozmarzenia, zachwytu i uroku chwili. „Sztuka jest najpiękniejszą z iluzji” – powiedział Claude Debussy. Jego "aksamitna muzyczna rewolucja„- śmiały przełom w przyszłość, a on sam, według Lorki, jest „lirycznym argonautą, który odkrył Nowy Świat w muzyce”.

Temat „Impresjonizm i twórczość Debussy'ego” jest interesujący, niezwykły i dość złożony, dlatego proponuje się go na pozalekcyjnych zajęciach muzycznych oraz na lekcjach Moskiewskiego Teatru Artystycznego w liceum. Proponowany rozdział zawiera zalecenia metodyczne oraz spójny plan lekcji, którym powinien kierować się nauczyciel:

1. Co to jest impresjonizm.
2. Impresjonizm i twórczość fortepianowa C. Debussy'ego.

Cel: zapoznanie dzieci z twórczością C. Debussy'ego i takim fenomenem kultury francuskiej ostatniego stulecia jak impresjonizm, jego głównymi przedstawicielami.

Formularz postępowaniazajęcia - rozmowa.

Główne cele :

1. poszerzać horyzonty uczniów, pielęgnować gust muzyczny i plastyczny, aktywizować spostrzegawczość, rozwijać wyobraźnię i myślenie figuratywne. Ułatwia to tworzenie sytuacji poszukiwawczych, formułowanie problematycznych zadań, zadań kreatywnych;

2. kształtowanie pewnej wiedzy artystycznej, rozwój wyobraźni twórczej uczniów, nauczanie analizy dzieł plastycznych i muzycznych, rozwój zainteresowań muzycznych.

Pomoce wizualne:portret kompozytora C. Debussy'ego; portrety artystów C. Moneta, O. Renoira, C. Pissarro, A. Sisleya, E. Degasa; reprodukcje obrazów: C. Monet „Impresja. Wschód słońca" 1872, "Białe lilie wodne" 1899, "Katedra w Rouen wieczorem" 1894, "Katedra w Rouen w południe" 1894, a także fotografia katedry w Rouen, O. Renoir "Dziewczyna z wachlarzem" 1881

Materiał muzyczny:C. Debussy - preludium „Dziewczyna o włosach koloru lnu”.

Nauczyciel rozpoczyna rozmowę od definicji impresjonizmu, opowiada o pierwszej wystawie „artystów niezależnych”, bezpośrednio o jej uczestnikach. Artyści ci wymyślili nową metodę malowania. Warto zwrócić uwagę na fakt, że byli oni swoistymi rewolucjonistami w malarstwie, a wszystkich tych różnych artystów łączyła walka z akademizmem i konserwatyzmem w sztuce. Nauczyciel oferuje zapoznanie się z obrazami artystów impresjonistów.

Pytania do studentów:

1. Co jest niezwykłego w malarstwie impresjonistycznym?

2. Jakie gatunki malarskie przyciągały artystów impresjonistów?

3. Co nas pociąga w ich sztuce?

4. Jak malarz realista namalowałby katedrę w Rouen?

Nauczyciel może zasugerować uczniom, co następujezadania kreatywne:

porównaj fotografię katedry w Rouen z obrazem C. Moneta „Katedra w Rouen w południe” lub „Katedra w Rouen wieczorem”. Aby określić, do jakich gatunków artystycznych zwrócili się artyści impresjoniści.

Po zapoznaniu się z ogólną ideą impresjonizmu obrazkowego, studenci mogą przejść do historii impresjonizmu w muzyce i jego najwybitniejszego przedstawiciela – C. Debussy'ego, skupiając się na biografii kompozytora i wymieniając gatunki, w których pracował, zwracając uwagę do cech pracy fortepianowej. Uczniowie szkoły powinni również zwrócić uwagę na fakt, że choć C. Debussy poszukiwał nowych sposobów realizacji swoich pomysłów, był bardzo wrażliwy na dziedzictwo muzyków rosyjskich XXVIII wieku (Ramo, Couperin), wysoko cenione tradycje. Należy również zauważyć, że C. Debussy był jednym z największych śpiewaków natury w świecie sztuki muzycznej. Uchwycił jej najróżniejsze obrazy, o różnych porach roku, porach dnia, w różnym oświetleniu, w różnej pogodzie. Widzimy to w takich utworach jak „Ogrody w deszczu” z „Grafik” na fortepian, a także w preludiach: „Mgły”, „Grzejnik”, „Zapachy i dźwięki wirujące w wieczornym powietrzu” itp. (łącznie 24 preludia), gdzie w pełni się zamanifestował impresjonizm kompozytora.

C. Debussy'ego zainteresowała miniatura fortepianu. Istotną różnicą między miniaturą impresjonistyczną a romantyczną jest większa swoboda zabudowy. Ponadto nauczyciel mówi o cechach melodii, języku harmonicznym, wzorze rytmicznym, fakturze itp. - wszystko to nadaje utworowi improwizację i ciągłą zmianę wrażeń muzycznych. Nauczyciel prosi o słuchaniepreludium C. Debussy'ego „Dziewczyna o włosach koloru lnu”,następnie zadaje serię pytań:

1. Czy podobała ci się muzyka?

2. Jakimi barwami muzycznymi napisana jest ta muzyka?

3. Jaka jest natura tej muzyki?

4. Co przyciąga tę muzykę?

5. Jak przedstawiłbyś wizerunek tej dziewczyny?

Na zakończenie lekcji, w celu utrwalenia zdobytej wiedzy uczniów, zaleca się zadanie następujących pytań: pytania:

1. Jakie są cechy i cechy impresjonizmu?

2. Jacy są główni przedstawiciele impresjonizmu artystycznego?

3. Jakie cechy muzyki fortepianowej C. Debussy'ego potrafisz wymienić? (pragnienie ciągłej zmienności stylów życia, duże zainteresowanie skeczami muzycznymi różnych ruchów itp.)

4. Jakie wrażenie wywarła na tobie muzyka, której słuchałeś?

Praca domowa:Narysuj ilustracje do wysłuchanego przez ciebie preludium „Dziewczyna o lnianych włosach”.

OSTATNIE SŁOWO

Poruszywszy więc problematykę impresjonizmu jako ważnego, znaczącego i interesującego nurtu w sztuce, nauczyciel wprowadza uczniów w świat malarstwa i muzyki. Znajomość najlepszych przykładów tego nurtu podniesie ich poziom wykształcenia, poszerzy horyzonty.

WYKAZ WYKORZYSTANEJ LITERATURY

1. Aleksiejew A.D. Francuska muzyka fortepianowa przełomu XIX i XX wieku

stulecia.- M .: Wydawnictwo Akademii Nauk ZSRR, 1961.

2. Alekseeva L.N., Grigoriev V.Yu. Muzyka zagraniczna XX wieku.- M.:

Wiedza, 1986.

3. Własow V.G. Style w sztuce w 3 tomach TI - S. Pb .; Kolonia, 1995.

4. Debussy i muzyka XX wieku: sob. artykuły. - L.: Muzyka, 1983.

5. Literatura muzyczna obcych krajów. Vsh.5 / wyd.: B. Levik. - 5 wyd.

M.: Muzyka, 1984.

Claude'a Achille'a Debussy'ego (1862-1918). Przedstawiciel impresjonizmu muzycznego. Znane prace - Preludia, wśród których -„Kroki na śniegu”, „Dziewczyna z płowymi włosami”, „Zatopiona katedra”, opera „Peleas i Melizanda” fantazja symfoniczna „Południowy odpoczynek fauna”.

Claude Debussy urodził się 22 sierpnia 1862 roku w małym miasteczku Saint-Germain-en-Pins. Był pierwszym dzieckiem w rodzinie właściciela skromnego chińskiego sklepu Manuela-Achille'a Debussy'ego i jego żony Victorii. Okazało się, że dziecko ma dziwnie rozwidlone czoło, co może być oznaką wodogłowia. Wbrew obawom rodziców Achille-Claude Debussy (chłopiec otrzymał takie imię na chrzcie) dorastał jako normalne dziecko, choć niezwykły kształt czoła pozostał do końca życia najbardziej niezwykłą cechą jego wyglądu .

Po pewnym czasie sprawy finansowe ojca były całkowicie zaburzone, a rodzina przeniosła się do Paryża. Z powodu problemów zdrowotnych chłopiec nie chodził do szkoły, matka zapewniła mu wykształcenie podstawowe, dzięki niej Debussy miał zamiłowanie do wszystkiego, co dopracowane i dopracowane na całe życie.

Claude, jego bracia i siostra spędzali dużo czasu w domu Ashille-Antoine'a Arosy, człowieka równie kulturalnego, co bogatego. Szczególnie lubił malować i kolekcjonował obrazy. Arosa wspierała także młodych artystów, którzy później stali się znani jako „impresjoniści”. Debussy mógł poznać niektórych z nich osobiście. Jasne kolory południowej natury, w której znajdowała się rezydencja bogatego filantropa, obrazy impresjonistów i pierwsze wrażenia muzyczne sprawiły, że młody Claude nie mógł wybrać, co robić: malować obrazy czy grać na pianinie. Ojciec był pewien, że jego syn zostanie marynarzem wojskowym.

Wątpliwości rozwiała Madame Mote de Fleurville, pierwsza nauczycielka Debussy'ego, u której zaczął się uczyć po powrocie do Paryża. Pani ta przez pewien czas uczyła się u Chopina, znała Wagnera, a jej salon chętnie odwiedzało wiele znakomitości muzycznych tamtych czasów. Lata nauki u słynnego pianisty – od 1870 do 1873 roku – przyćmiły wydarzenia, które były dla Francji ogromną próbą. Wojna francusko-pruska 1871 roku zakończyła się klęską Francuzów. Poniżenie narodu wywołało jawny protest, mieszczanie wznieśli barykady i ogłosili komunę krótkotrwałą. Przez dwa miesiące na ulicach miasta toczyły się walki, zginęły tysiące ludzi, kolejnych rozstrzelano.

W domu pani de Fleurville rozwinęła się trudna sytuacja. Jej córka była żoną Paula Verlaine'a, który właśnie wprowadził do domu siedemnastoletniego Arthura Rimbauda. Między dwoma poetami istniał całkowicie otwarty związek, ponadto nawyki i opinie Rimbauda po prostu szokowały otoczenie. Chuligan, rozpustnik, wolnomyśliciel i anarchista - wszystko to współistniało w nim z dziwacznymi obrazami symbolistycznej poezji. Madame de Fleurville nadal przygotowywała Claude'a do egzaminów, pomimo rozwodu córki i uwięzienia, co groziło jej zięciowi, który zranił Rimbauda strzałem z rewolweru.

Wchodząc do konserwatorium, Debussy wpada do klasy Antoine'a Marmontela, który studiował z zaawansowanymi dziećmi. Ciepłe stosunki łączyły Debussy'ego z nauczycielem solfeżu Albertem Lavignacem. A nauczyciel kompozycji, Ernest Guiro, tak bardzo docenił świeże pomysły swojego ucznia, że ​​wkrótce stali się wielkimi przyjaciółmi. Pod jego kierunkiem Debussy zaczął zdawać sobie sprawę ze swojego wyjątkowego talentu kompozytorskiego.

Lata nauki w konserwatorium - od 1873 do 1879 były dla Debussy'ego pełne żywych wrażeń artystycznych. Od najmłodszych lat, który kochał i rozumiał sztukę, Debussy nie mógł nie odwiedzić pierwszych wystaw impresjonistów, które odbyły się w 1874 i 1875 roku w prywatnym salonie. Debussy głęboko szanował muzykę G. Berlioza, C. Saint-Saensa, podziwiał bogatą kolorystykę muzyczną oper Masseneta, interesował się twórczością belgijskiego kompozytora Cesara Francka. Frywolne występy w Opera Comic nie umknęły jego uwadze. A podczas występu baletu Lalo Namuna tak krzyczał i bił brawo, że wyprowadzono go z teatru.

Latem 1880 roku Debussy miał okazję poszerzyć swoje horyzonty. Dzięki rekomendacji Marmontela Debussy poznał Nadieżdę Filaretowną von Meck. Imię tej niezwykłej kobiety kojarzone jest głównie z imieniem P.I. Czajkowskiego, którego patronką pozostawała przez ponad szesnaście lat. Po śmierci męża, inżyniera górnictwa, odziedziczyła pokaźny majątek, który przeznaczyła na swoją wielką miłość – muzykę, podróże po Europie z jedenaściorgiem dzieci oraz na domowe trio muzyków. Zgodnie z umową Debussy miał spędzić lato w jej domu jako pianista. Mieszkał u rodziny von Meck przez prawie trzy miesiące, w tym czasie odwiedził Szwajcarię i najpiękniejsze miasta Włoch: Rzym i Florencję. A przez najbliższe dwa lata Debussy będzie spędzał letnie wakacje w towarzystwie rodziny von Meck – w ich majątku w okolicach Podolska i podróżując po Europie.

Debussy'ego przyciąga wysoki cel - nagroda rzymska, która pozwala zwycięzcy żyć i doskonalić swoją sztukę przez trzy lata kosztem rządu francuskiego w Rzymie w Villa Medici. Dopiero za drugim podejściem Debussy osiąga swój cel – jego kantata „Syn marnotrawny” została wysoko oceniona przez Charlesa Gounoda – autora słynnego „Fausta”. Debussy mieszkał w Rzymie od 1884 do 1887 roku. Cieszył się skarbami sztuki przechowywanymi w galeriach i muzeach, ulicznymi przedstawieniami commedia dell'arte z ponadczasowymi wizerunkami Arlekina, Kolumbiny i Pulcinelli. W małym kościółku słuchał mszy Palestriny i di Lasso, miał okazję osobiście zapoznać się z muzycznymi legendami XIX wieku: F. Lisztem i D. Verdim. Wydawało się, że zbudowana w 1557 roku perła renesansowej architektury, Villa Medici, antyczne zabytki „wiecznego” miasta i towarzystwo utalentowanej francuskiej młodzieży powinny stworzyć szczególną twórczą atmosferę. Debussy musiał się jednak rozczarować swoimi oczekiwaniami. Nie odpowiadały mu warunki życia, drażniły go poglądy i rozmowy otoczenia. W tym nastroju pracuje nad poematem symfonicznym „Wiosna”, inspirowanym obrazem Botticellego. To dwuczęściowe dzieło na chór bez słów było jedynym utworem ukończonym za jego życia w Villa Medici.

Po powrocie do Paryża Debussy był zmuszony zarabiać na życie. Udziela korepetycji, zajmuje się aranżowaniem, nie przestając pisać muzyki: kameralnych sztuk salonowych i pieśni opartych na wierszach modnych wówczas poetów-symbolistów, z którymi zaprzyjaźnia się na spotkaniach w domu Stefana Mallarmégo. Mallarme wprowadza Debussy'ego w ideę syntezy sztuk, która staje się dla niego objawieniem.

W tym okresie Debussy pisze Pięć pieśni Baudelaire'a i kończy rozpoczęte we Włoszech oratorium "Dziewica - wybranka" na podstawie wiersza Rossetiego. Wraz z nią jedzie do Londynu, licząc na zainteresowanie Brytyjczyków swoim nowym dziełem. Podbiło go największe miasto świata, ale Brytyjczycy nie byli wtedy wcale zainteresowani muzyką francuską. W latach 1888 i 1889 Debussy brał udział w przedstawieniach oper R. Wagnera w Bayreuth. Na wpół religijna atmosfera panująca w mieście nieco ostudza entuzjazm młodego Debussy'ego dziełem wielkiego Niemca.

Debussy kontynuuje swoje muzyczne eksperymenty, zaczynając używać 12-tonowej skali chromatycznej zamiast durowej i mollowej. W tym czasie napisał: Dwie arabeski, Małą suitę, Cykl pieśni „Zapomniane Ariettes” do wierszy Verlaine'a, ukończył Fantazję na fortepian i orkiestrę, a także słynną „Suitę Bergamas”.

Bardzo znaczący wpływ na twórczość Debussy'ego miała Wystawa Światowa, która odbyła się w Paryżu w latach 1889-1890. Wstrząsnęło stolicą jak wyładowanie elektryczne: stalowa konstrukcja Wieży Eiffla wzniosła się ponad miasto, w licznych namiotach i pawilonach zademonstrowano bogactwo kulturowe i materialne różnych krajów. Zabrzmiały oryginalne melodie węgierskie i cygańskie, muzyka ludowa Europy, Afryki i krajów arabskich. Było to także święto muzyki rosyjskiej, tradycyjnie uważanej za egzotyczną: „Noc na Łysej Górze” M. Musorgskiego, fragmenty „Księcia Igora” A. Borodina, „Kaprys hiszpański” N. Rimskiego-Korsakowa. Koncerty, na których dyrygował N. A. Rimski-Korsakow, brzmiały jak rewelacja dla paryżan. Następnie Debussy poświęcił prawie cztery lata na studiowanie partytury „Borysa Godunowa” M. Musorgskiego, w której największe wrażenie zrobiły na nim rytmy, przypominające mowę recytatora.

W 1892 roku Debussy zapoznał się z niedawno wydaną sztuką M. Maeterlincka „Pelléas et Mélisande”. Od razu zdał sobie sprawę, że to właśnie ten tekst pozwoli mu urzeczywistnić swoje pomysły. Debussy natychmiast naszkicował kilka tematów planowanej opery. Rozpoczął też pracę nad Kwartetem smyczkowym, sięgając do wiersza S. Mallarmego „Popołudnie fauna”. Pierwszym prawdziwym sukcesem kompozytora było wykonanie 22 grudnia 1894 roku Preludium do Popołudnia Fauna. W krótkim czasie Faun zyskał międzynarodową sławę. W końcu, w wieku trzydziestu trzech lat, Debussy odnalazł swój własny głos, a jego nazwisko stało się znane.

Prace nad Pelléas et Mélisande postępowały coraz wolniej. Debussy był skrupulatny we wszystkim, co pisał. Pierwsza wersja opery została ukończona wiosną 1895 roku, w gronie podobnie myślących osób i przyjaciół, sam Debussy zagrał całą partyturę, śpiewając jednocześnie wszystkie arie. Mimo że wszyscy obecni okazywali podziw dla nowego dzieła kompozytora, on cofnął się do początku i przerobił prawie każdą linijkę. Wymagało to ogromnego poświęcenia i kolejnych dwóch lat pracy.

W tym czasie poznał hiszpańskiego kompozytora Albéniza i Maurice'a Ravela. Długie rozmowy trzech kompozytorów poświęcone były głównie technice gry na fortepianie, którą Albeniz władał wspaniale, oraz muzyce hiszpańskiej. Zarówno Debussy, jak i Ravel nie mogli się oprzeć jej urokowi. Nazwiska Debussy'ego i Ravela są często wymieniane razem, ale poza tym okresem nigdy nie było między nimi bliskiego związku i wkrótce ich przyjaźń się zerwała. Umiejętności pianisty Albéniza skłoniły Debussy'ego do podjęcia w 1896 r. kompozycji trzyczęściowej Suity na fortepian.

W 1899 roku Debussy ukończył Nokturny na orkiestrę symfoniczną z chórem żeńskim, które później zadedykował swojej żonie. Debussy ożenił się z krawcową z Burgundii, Rosalią Texier. Była ekonomiczna i praktyczna, sprawy rodzinne Debussy'ego na jakiś czas się uporządkowały. W małym mieszkanku, które wynajmowali młodzi ludzie, mógł urządzić sobie gabinet, który pomalował na ulubione przez siebie odcienie zieleni, ozdobił chińskim jedwabiem i ozdobnymi kotami. Tam kontynuował pracę nad Pelléas et Mélisande.

W 1901 roku udało mu się ukończyć Suitę fortepianową. Opera „Pelléas et Mélisanda” była na ukończeniu, w przyszłym roku planowano ją wystawić w Opéra-Comique. W czasie, gdy trwały prace nad tymi utworami, wszystkie trzy części „Nokturnów” – „Chmury”, „Uroczystości” i „Syreny” zostały wykonane po raz pierwszy, entuzjastycznie przyjęte zarówno przez publiczność, jak i krytykę. Debussy, przekonany, że jego muzyka spotka się z ciepłym przyjęciem, w końcu dał się namówić do oddania do teatru partytury Peleasa i Melizandy. 13 stycznia 1902 roku rozpoczęły się próby.

Po dziesięciu latach spędzonych na tworzeniu opery jej produkcja wydawała się Debussy'emu sprawą przegraną. Konflikt z Maeterlinckiem, urażony odmową Debussy'ego podjęcia się głównej roli jego żony, Georgette Leblanc, trudności finansowe, które osiągnęły punkt sporu. Na premierze kłopoty zaczęły się już w drugim akcie: śmiech, koci koncert. Przyjaciele i zwolennicy Debussy'ego, wśród których byli Pierre Lalo i Paul Dukas, utworzyli zjednoczony front, a głośne spory trwały do ​​końca przedstawienia. Stopniowo operę zaczęto przyjmować coraz spokojniej. Od przedstawienia do przedstawienia - tego lata było ich czternaście - opera nabierała rozpędu. Rząd francuski odznaczył go Krzyżem Honorowym.

Debussy spędza teraz lato w domu rodziców Lily w Rabies. Tutaj rozpoczął pracę nad własnym librettem do drugiej wymyślonej opery na podstawie opowiadania Edgara Poe „Diabeł w dzwonnicy”. Kompozytor nadal dużo czasu poświęcał komponowaniu muzyki fortepianowej: Zeszyty szkiców, Rycin i Rycin. Okresowo Debussy jest zaangażowany w krytyczne działania, był w stanie dokładnie i zwięźle wyrazić swoje myśli. Wyjazd do Londynu na inscenizację Der Ring des Nibelungen po drugiej stronie kanału La Manche, dziecięce plany związane z karierą marynarza, a przede wszystkim bardzo stylizowany obraz morza autorstwa japońskiego artysty Hokusai, którego Debussy głęboko podziwiał, wszystko to stał się źródłem inspiracji do stworzenia dźwiękowego portretu żywiołu morza – Szkicu symfonicznego „Morze”.

Kłopoty finansowe nie opuściły Debussy'ego, zmuszony był udzielać korepetycji, dzięki czemu w 1904 roku doszło do spotkania, które po raz kolejny radykalnie zmieniło jego życie. Raoul Bardak, który pobierał lekcje u Debussy'ego, przedstawił go swojej matce, Emmie Bardak, żonie odnoszącego sukcesy bankiera. Debussy podziwiał jej głos już wcześniej, kiedy słyszał ją w salonach swoich bogatych przyjaciół. Z przyjaźni ich związek przerodził się w coś więcej - w tym czasie Debussy już ostatecznie zdecydował się zerwać z Lily. Wakacje spędza z Madame Bardac na wyspie Jersey, gdzie pisze utwory fortepianowe „Maski” i „Wyspa radości”, oba inspirowane malarstwem Antoine'a Watteau, XVIII-wiecznego artysty. Zdesperowana Lily próbowała się zastrzelić. Debussy nie odwiedził jej w szpitalu, zostawiając niezapłacone rachunki za leki. Wybuchł skandal, wielu przyjaciół i muzyków odwróciło się od niego plecami.

Pomimo stanu „skrajnej dewastacji” spowodowanej skandalem wokół jego rozwodu, Debussy znalazł siły do ​​pracy nad Tańcami („Sacred” i „Worldly”) na harfę i orkiestrę, zamówionymi przez firmę Pleyel, w celu zademonstrowania możliwości nowa – chromatyczna – harfa, „Trzy pieśni francuskie” na podstawie wierszy Karola d’Orleans oraz druga seria „Gallant Festivities” – obie serie wyszły z dedykacją: „Mojej małej Emmie, z wdzięcznością ”.

Emma spodziewała się dziecka, co było dla Debussy'ego najszczęśliwszym momentem w tym pełnym kłopotów i trudności finansowych okresie jego życia. Dziewczynie nadano imię Claude-Emma, ​​ale w rodzinie pieszczotliwie nazywano ją Shusha. Wkrótce potem Emma oficjalnie rozwiodła się z mężem, a jej były mąż musiał płacić jej znaczną kwotę alimentów, a Debussy w końcu się z nią ożenił. Przez krótki czas mogli sobie pozwolić na życie w dostatku. Debussy sprawił sobie nawet kota, zwierzę, do którego często zauważano podobieństwo.

Coraz więcej Debussy'ego dąży do samotności. Nie widywano go już w modnych kawiarniach i restauracjach, które tak często odwiedzał w czasach beztroskiej młodości, teraz zafascynowała go idea mistycznego zanurzenia w muzyce. W 1905 roku napisał pierwszą z dwóch serii utworów fortepianowych pod ogólnym tytułem Obrazy. Tutaj Debussy eksperymentuje z harmonią i harmonią, unikając tonacji durowych i molowych. Pierwsze przedstawienie cyklu odniosło ogromny sukces. Debussy zakończył swoją drugą serię w 1907 roku, kontynuując swoje eksperymenty w dziedzinie techniki fortepianowej, badając „malarskie” możliwości impresjonizmu. Używa trzech taktów nutowych zamiast tradycyjnych dwóch, mając na celu dalsze rozszerzenie zakresu brzmienia. Debussy czerpie siłę z kręgu rodzinnego – pokój dziecięcy i pierwsze kroki Shushu zainspirowały go do napisania suity fortepianowej „Kącik dziecięcy” w 1906 roku, jako wyraz czułej miłości do żony i córki.

Zainteresowanie muzyką Debussy'ego gwałtownie rośnie w Anglii, będzie tu wielokrotnie przyjeżdżał z koncertami, dyrygując własnymi kompozycjami. Światową sławę kompozytorowi przyniosły inscenizacje „Pelleasa i Melizandy” w Niemczech i we Włoszech, a zwłaszcza w Ameryce, gdzie sukces był tak spektakularny, że dyrektor teatru przyjechał do Paryża, by wykupić prawa do wystawienia jeszcze kilku oper, które planował Debussy pisać, według plotek, wkrótce. Debussy szczerze przyznał, że prace te istnieją jeszcze tylko w zarysie, prace postępują zbyt wolno i najprawdopodobniej niczego nie skończy w wyznaczonym terminie, ale dał się namówić na przyjęcie zaliczki. Debussy miał rację, wszystkie te opery pozostały projektami, o których jednak nie zapomniał do końca życia.

Latem 1909 r. z powodu silnego bólu został zmuszony do wizyty u lekarza. Diagnoza brzmiała: rak żołądka. Ale trudności finansowe nie opuściły Debussy'ego i był zmuszony, pokonując ból, kontynuować pracę. W tym samym roku Debussy otrzymał odpowiedzialne stanowisko w Konserwatorium Paryskim - uczestniczy w pracach jury egzaminów konkursowych. I to go tak zafascynowało, że rok później specjalnie dla sprawdzenia uczestników napisał Rapsodię na klarnet i fortepian. Ponadto pracuje nad cyklem „Obrazy” na orkiestrę, w skład którego wchodzą, inspirowane motywami hiszpańskimi, „Iberia” oraz „Spring Dances”, oparte na motywie francuskiej pieśni ludowej.

Rok 1909 upłynął pod znakiem pierwszej wizyty Baletu Rosyjskiego w Paryżu w Teatrze Chatelet. „Tańce połowieckie” z opery Borodina „Książę Igor” w wykonaniu zespołu Diagilewa dosłownie wysadzili paryską scenę w powietrze. W następnym roku Balet Rosyjski zaprezentuje Szeherezadę na podstawie suity Rimskiego-Korsakowa oraz Ognistego ptaka młodego rosyjskiego kompozytora I. Strawińskiego. Stało się to impulsem do całej rewolucji w sztuce zdobniczej i początkiem „rosyjskiej gorączki”. Całe salony w ciągu jednego wieczoru zmieniły swoje wnętrza na wzór barbarzyńskiego przepychu scenografii L. Baksta. Kobiety ubrane w zwiewne stroje, skrojone według wzoru jego kostiumów. Występy Baletu Rosyjskiego niesamowicie zszokowały Debussy'ego, a między Strawińskim i Debussy'm powstał wzajemny szacunek, który później przerodził się w przyjaźń.

Na jeden z majowych dni 1911 roku zaplanowano prawykonanie drugiego dzieła scenicznego Debussy'ego Misterium męczeństwa św. Sebastiana, napisanego we współpracy z włoskim poetą Gabriele d'Annuzio. Ta Tajemnica, do której muzykę napisał uznany poganin, a rolę chrześcijańskiej świętej zagrała żydowska tancerka - Ida Rubinstein, nie mogła nie wywołać religijnej niezgody. Debussy musiał się usprawiedliwiać. Rozczarowany Debussy kontynuuje jednak prace sceniczne – w 1912 roku zgadza się na wystawienie „Popołudnia fauna” Wacława Nieżyńskiego, przyjmuje nowe zamówienia, m.in. w 1915 r., ale ponownie bez powodzenia).

Rodzina była dla Debussy'ego jego małym światem, w którym mógł całkowicie zanurzyć się w spokoju. Córka Shusha przyniosła największą radość, mógł godzinami słuchać jej słodkiego gaworzenia i dzielić się całą jej słodką zabawą. A teraz jego myśli zostały uchwycone przez nowy scenariusz do baletu, napisany przez Andre Helle na podstawie jego własnej książki dla dzieci, Toy Box. Muzyka została ukończona dość szybko, ale Debussy poprosił Andre Capleta o orkiestrację (balet nie był wystawiany za jego życia). W 1913 roku Debussy zakończył pracę nad drugą księgą Preludiów (pierwszą ukończono jeszcze w 1910 roku). Dwa cykle dramatów - po 12 w każdym - powstały na wzór ulubionego przez kompozytora Chopina i pochłonęły liczne wrażenia z ostatnich lat. Zimą Debussy wyrusza w swoje ostatnie międzynarodowe tournée – serdeczne powitanie w Moskwie i Petersburgu złagodziło dotkliwe rosyjskie mrozy, aw lutym 1914 otrzymał honorowy tytuł członka Akademii św. Cecylii w Rzymie. Wszystkie te miejsca przypominały kompozytorowi daleką młodość, którą odwiedzał wraz z rodziną von Meck. Ostatnim krajem, który Debussy odwiedził podczas tej podróży, była Holandia, gdzie z nie mniejszym powodzeniem odbywały się jego koncerty. Teraz stał się sławny iw końcu zauważyła to paryska Akademia Sztuk Pięknych, zapraszając go do grona swoich członków. Ale wybory zostały przełożone, a stan zdrowia Debussy'ego gwałtownie się pogarszał.

Latem 1914 roku wybuchła pierwsza straszna katastrofa XX wieku. Zamach na austriackiego następcę tronu 28 czerwca 1914 roku w serbskim Sarajewie był impulsem do wybuchu I wojny światowej. Pięćdziesięciodwuletni Debussy, dotknięty nieuleczalną chorobą, był bardzo zdenerwowany swoją bezużytecznością. Na jego oczach jego przyjaciele, muzycy, dobrowolnie wstąpili do służby wojskowej. Podejmuje się redagowania nowego francuskiego wydania polonezów i walców uwielbianego przez siebie Chopina. Główną ideą było zastąpienie niemieckich wydań dzieł klasycznych. Nienawiść do Niemców rosła wraz ze smutnymi wieściami z frontów, szczere uczucia kompozytora zaowocowały „Bohaterską Kołysanką”,

Zainspirowany Chopinem Debussy napisał serię dwunastu etiud fortepianowych. Po studiach powstała Suita "Biało-czarna", której tytuł w pełni odpowiada mrokowi i bezbarwności, które zdaniem Debussy'ego ogarnęły nie tylko Europę, ale całe życie kulturalne. Ożywiając francuskie tradycje muzyki klasycznej, Debussy postanawia napisać sześć sonat na różne zespoły instrumentów. Sonata na wiolonczelę i fortepian, Sonata na flet, altówkę i harfę oraz Sonata na skrzypce i fortepian zostały ukończone dość szybko, ale choroba zaczęła sprawiać mu nieznośne cierpienia i zdecydowano się na interwencję chirurgiczną. Ale jeszcze przed pójściem na operację kończy własnymi słowami piosenkę dla chóru dziecięcego „Boże Narodzenie dzieci, które nie mają już schronienia”. Ostra zima 1915/16 przyniosła wieści o dewastacji całych wsi w Belgii i północnej Francji. Zszokowało to kompozytora do tego stopnia, że ​​wylał swoje uczucia w smutnej piosence. Operacja udała się tylko częściowo, Debussy, będąc praktycznie niepełnosprawnym, cały czas spędzał w domu pod opieką żony iw tym czasie nie pisał nic poza listami. Zginął w jeden z najciemniejszych dni 25 marca 1918 r., kiedy wojska niemieckie zbliżyły się do Paryża, a pociski wroga wybuchły tuż pod domem Debussy'ego. Tylko kilku kolegów, którzy przybyli z frontu, mogło uczestniczyć w jego pogrzebie. Gazet było za mało, więc o śmierci Debussy'ego pisały tylko gazety francuskie, większość kondolencji napływała z zagranicy: Anglii, Hiszpanii, Włoch, nawet w gazetach niemieckich czczono pamięć wielkiego muzyka. Wdowa po Debussym żyła jeszcze 16 lat, święcie zachowując pamięć o nim. A jego ukochana córka, Szusza, nie przeżyła długo swojego ojca: zmarła podczas epidemii dyfterytu w 1919 roku.

Lista najważniejszych prac:

Orkiestrowy

"Wiosna"; Preludium do „Popołudnia Fauna”; Nokturny: „Chmury”, „Uroczystości”, „Syreny”; "Morze"; „Obrazy”: „Gigi”, „Iberia”, „Wiosenne tańce”; Mały apartament; Rapsodia na saksofon i orkiestrę (w orkiestrze Roger-Ducasse); Pierwsza Rapsodia na klarnet i orkiestrę; Szkocki marsz.

scena Opera „Pelleas i Melizanda”; Balety: „Gry”, „Pudełko z zabawkami”; Tajemnica męczeństwa świętego Sebastiana.

Wokal Kantaty: „Syn marnotrawny”, „Gladiator”, „Dziewica wybranka”; Pięć wierszy Baudelaire'a, „Gallant festivities” dwie serie), „Trzy pieśni Francji”, Trzy ballady do słów Francois Villona, ​​Trzy wiersze Stéphane Mallarmé, „Boże Narodzenie dzieci, które nie mają już schronienia”.

Izba

Z kwartet smyczkowy g-moll; Sonata na wiolonczelę i fortepian; Sonata na flet, altówkę i harfę; Sonata na skrzypce i fortepian;

Kompozycje na fortepian

„Zapomniane obrazy”; „Suite Bergamy”; „Druki”; „Obrazy” (dwie serie); „Maski”; „Wyspa radości”; „Kącik dla dzieci”; Preludia (dwa zeszyty); Etiudy (dwie książki); Sześć antycznych epigrafów na fortepian na cztery ręce; Suita „biało-czarna” na dwa fortepiany itp.

Debussy z pierwszą żoną.

Claude Debussy (fr. Achille-Claude Debussy, 1862-1918) to słynny francuski kompozytor, jeden z najwybitniejszych przedstawicieli impresjonizmu. Jego prace wyróżniają się niezwykłą muzyczną elegancją, poezją, wyrafinowaniem obrazów muzycznych.

Debussy jest często nazywany ojcem muzyki XX wieku ze względu na jego umiejętność przekazywania brzmienia każdego akordu i tonacji w nowy sposób. Talent muzyczny Debussy'ego był na tyle szeroki, że pozwolił mu udowodnić, że jest znakomitym wykonawcą, dyrygentem i krytykiem muzycznym.

Wczesna biografia

Claude Debussy urodził się 22 sierpnia 1862 roku w małym miasteczku Saint-Germain-en-Laye w biednej rodzinie mieszczańskiej. Jego ojciec był w młodości w wojsku i służył w korpusie piechoty morskiej, a później zaangażował się w biznes fajansowy. Ale doświadczywszy porażki na tym polu, sprzedał swój sklep i przeniósł krewnych do Paryża. W rodzinie nie było dziedzicznych tradycji muzycznych, jednak Claude od dzieciństwa zaczął wykazywać wielkie zdolności muzyczne. Jego pierwszą nauczycielką była teściowa słynnego poety P. Verlaine Antoinette-Flora Mote, która nazywała się uczennicą Chopina.

Pod jej kierunkiem chłopiec odniósł niesamowity sukces iw wieku 11 lat został zapisany do Konserwatorium Paryskiego. Tutaj młody talent szkolili luminarze francuskiej sceny muzycznej A.F. Marmontel, A. Lavignac i E. Guiraud. Claude studiował bardzo pilnie i pilnie, ale nie wyróżniał się szczególnie. Jako studentka Debussy przez kilka lat pracowała w sezonie letnim z pianistą N. Von Meckiem, a także uczyła muzyki swoje dzieci. Dzięki temu odwiedził Rosję, a nawet nasycił się aranżacją dzieł kompozytorów Potężnej Garstki.

Pierwszy start

Pod koniec długich 11-letnich studiów Claude przedstawił swoją pracę dyplomową - kantatę „Syn marnotrawny”, napisaną na podstawie historii biblijnej. Później otrzymał za nią Wielką Nagrodę Rzymską. Inspiracją do jego powstania było osobiste wezwanie autora do Boga. Po wykonaniu pracy w murach oranżerii Ch. Geno nazwał 22-letniego Claude'a geniuszem. Debussy spędził kilka następnych lat jako zdobywca nagrody we Włoszech w Villa Medici. Zgodnie z warunkami umowy miał zajmować się twórczością muzyczną, ale kompozytora nieustannie dręczyły głębokie wewnętrzne sprzeczności. Będąc pod maską tradycji akademickich, Claude poszukiwał własnego języka i stylu muzycznego. Wywoływało to liczne konflikty, a nawet spory z nauczycielami.

W rezultacie okres włoski nie stał się najbardziej pamiętny w twórczości Debussy'ego, choć właśnie tutaj rozpoczął pracę nad poematem na głos i orkiestrę Wybraniec. W utworze tym pojawiły się pierwsze cechy własnego stylu muzycznego kompozytora. Na dalszy rozwój twórczy Debussy'ego duży wpływ miały obchody wagnerowskie, w których uczestniczył, oraz Wystawa Światowa w Paryżu, gdzie zapoznał się z brzmieniem jawajskiego gamelanu i był pod wielkim wrażeniem twórczości M. Musorgskiego. Ponadto Claude zainteresował się twórczością francuskiego poety-symbolisty S. Malarme'a i często odwiedzał jego kręgi. Będąc w tym środowisku i komunikując się z wieloma poetami, Debussy wziął ich wiersze za podstawę wielu swoich dzieł - Belgijskie krajobrazy, Światło księżyca, Mandolina, Pięć wierszy i inne.

Czas na muzyczne eksperymenty

W 1890 roku kompozytor podjął się napisania opery „Rodrigue i Jimena”, której jednak nie udało mu się ukończyć. Głównym powodem jest to, że często brakowało mu natchnienia i nie mógł znaleźć w sobie siły, by wrócić do tego, co zaczął. W 1894 roku Claude napisał swoje najsłynniejsze dzieło, Popołudnie fauna. To preludium na wielką orkiestrę powstało na podstawie poematu S. Malarmego, opartego na fabule mitologicznej. Po pewnym czasie muzyka ta zainspirowała S. Diagilewa do wystawienia baletu w choreografii samego W. Nieżyńskiego. Nie ukończywszy jeszcze poprzedniego dzieła, Debussy zabrał się do napisania trzech „Nokturnów” na orkiestrę symfoniczną. Po raz pierwszy wykonano je w grudniu 1900 roku w Paryżu. Co prawda wtedy wykonano tylko dwie części „Cloud” i „Celebration”, a dopiero rok później zaprezentowano trzeci „Nokturn” zatytułowany „Syreny”.

Sam autor wyjaśnił, że „Chmury” uosabiały obraz nieruchomego nieba z wolno płynącymi chmurami. „Uroczystości” ukazywały taneczny rytm atmosfery, któremu towarzyszyły błyski jasnego światła, a w „Syrenach” obraz morza, gdzie pośród księżycowych fal tajemniczy śpiew syren wypełnia się śmiechem i znika . W tej pracy wyraźnie zamanifestowało się pragnienie autora ucieleśnienia w muzyce realistycznych obrazów. „Muzyka to po prostu sztuka najbliższa naturze” – przekonywał Debussy.

W latach 90. XIX wieku kompozytor stworzył jedyną ukończoną operę Pellas et Mélisanda. Został pokazany w Paryżu w 1902 roku i odniósł duży sukces wśród publiczności, choć krytycy wyrażali raczej negatywne oceny. Autorowi udało się osiągnąć udane połączenie psychologicznego wyrafinowania muzyki z natchnioną poezją, co pozwoliło nadać muzyczną ekspresję nowy nastrój. W 1903 roku ukazał się muzyczny cykl „Druki”, w którym autor próbował zsyntetyzować style muzyczne różnych kultur świata.

Okres większego rozkwitu twórczości

Początek XX wieku był najbardziej owocnym okresem w twórczości Debussy'ego. Stopniowo wychodzi z niewoli symbolizmu i przechodzi w gatunek scen codziennych i muzycznych portretów. W latach 1903-1905 Claude napisał największe ze swoich dzieł symfonicznych - „Morze”. Zdecydował się napisać tę pracę w oparciu o głębokie osobiste wrażenia otrzymane z obserwacji ogromnego żywiołu wody. Ponadto ponownie uległ wpływom malarzy impresjonistów i japońskiego mistrza drzeworytniczych pejzaży Hokusai. „Morze traktowało mnie dobrze” — powiedział kiedyś Debussy.

Obszerny esej składa się z trzech części. Pierwsze „From Dawn Till Noon at Sea” zaczyna się spokojnie, ale potem zaczynają nawoływać się drewniane instrumenty i pojawia się ruch morskich fal. Ponadto w „Play of the Waves” zachowany jest opalizujący nastrój, podkreślony efektami orkiestry i biciem dzwonów. W trzeciej części Dialogu wiatru z morzem morze ukazane jest w zupełnie inny sposób – burzliwe i groźne, jego wygląd dopełniają dramatyczne obrazy, wskazujące na ponury i niepokojący nastrój.

Nazwisko Debussy jest nierozerwalnie związane z muzyką fortepianową. Nie tylko pięknie komponował, ale był też genialnym pianistą, a nawet występował jako dyrygent. Słynny pianista M. Long porównywał grę Claude'a z manierą F. Chopina, w której odgadywano płynność wykonania, pełnię i gęstość brzmienia. Często właśnie w tej lekkości szukał natchnienia, będąc w długich poszukiwaniach kolorystycznych.

Kompozytor starał się także doszukać się silnego związku z narodowymi korzeniami muzycznymi. Potwierdziły to serie utworów fortepianowych „Ogrody w deszczu”, „Wieczór w Granadzie”, „Wyspa radości”.

Początek ubiegłego stulecia upłynął pod znakiem poszukiwań nowych, nietradycyjnych środków wyrazu muzycznego. Wielu autorów było przekonanych, że formy klasyczne i romantyczne wyczerpały się. W poszukiwaniu nowych środków kompozytorzy zaczęli coraz częściej sięgać do źródeł muzyki pozaeuropejskiej. Wśród gatunków, które przyciągnęły szczególną uwagę Debussy'ego, był jazz. To dzięki jego uległości ten kierunek muzyczny stał się bardzo popularny w Starym Świecie.

Późny okres twórczości

Mimo początku poważnej choroby, ten czas utkwił w pamięci Debussy'ego najbardziej aktywną działalność kompozytorską i wykonawczą. Bierze udział w podróżach koncertowych po Europie i Rosji, gdzie jest przyjmowany z wielkimi honorami i rozmachem. Claude osobiście spotkał się z wieloma rosyjskimi muzykami, dlatego zaczął odczuwać jeszcze większy szacunek dla muzyki rosyjskiej.

Autor ponownie zwraca się ku twórczości fortepianowej. W 1908 roku ukończył komplet Kącik dziecięcy, który zadedykował własnej córce. W tej pracy Claude próbował za pomocą muzyki przedstawić świat oczami dziecka, używając rozpoznawalnych obrazów - zabawkowego słonia, lalki, małego pasterza. W 1910 i 1913 powstały zeszyty preludiów, w których figuratywny świat Debussy'ego w pełni objawia się słuchaczowi. W „Tancerzach delfickich” Claude'owi udało się znaleźć wyjątkowe połączenie surowości antycznej świątyni i rytualnej pogańskiej zmysłowości, aw „Zatopionej katedrze” wyraźnie pobrzmiewają motywy starej legendy.

W 1913 roku Debussy'emu udało się wyrazić swoją miłość do sztuki baletowej. Napisał muzykę do baletu „Gry”, który zespół S. Diagilewa prezentował w Londynie i Paryżu. W okresie I wojny światowej twórczość autora zaczęła podupadać, ogarnęły go głębokie uczucia patriotyczne. Postawił sobie za zadanie gloryfikację piękna wbrew masowym zniszczeniom wojennym. Temat ten można prześledzić w wielu utworach - „Oda do Francji”, „Bohaterska kołysanka”, „Boże Narodzenie bezdomnych dzieci”. W 1915 roku postanowił stworzyć 12 Etiud ku pamięci F. Chopina, których jednak nie ukończył.

Claude był bardzo przygnębiony wszystkim, co działo się w kraju. Groza wojny, krwi i zniszczenia wywołała głęboki duchowy niepokój. Ciężka choroba, która dotknęła kompozytora w 1915 roku, wzmocniła trudne postrzeganie rzeczywistości. Jednak do ostatnich dni Debussy był wierny muzyce i nie ustawał w poszukiwaniach twórczych. Kompozytor zmarł w Paryżu 26 marca 1918 roku podczas bombardowania miasta przez wojska niemieckie.

Życie osobiste

Słynny francuski muzyk prowadził aktywne życie osobiste, ale był żonaty tylko dwa razy. Jego pierwszą żoną była Lily Tesquier, którą poślubił w 1899 roku. Ich związek trwał tylko pięć lat. Nową pasją Debussy'ego będzie uwodzicielska Madame Bardac, z której synem Claude'em studiował kompozycję. Jakiś czas później para miała córkę, Emme.

(1862-1918) francuski kompozytor

Claude Achille Debussy urodził się 22 sierpnia 1862 roku w Saint-Germainan-Laye pod Paryżem. Od 9 roku życia uczy się grać na pianinie. W 1872 wstąpił do Konserwatorium Paryskiego.

Na początku 1880 roku, będąc jeszcze studentem konserwatorium, Debussy przyjął propozycję zostania nauczycielem muzyki w domu rosyjskiego filantropa N.F. von Mecka. Podróżował z rodziną von Meck po Europie i dwukrotnie odwiedził Rosję (1881.1882), gdzie po raz pierwszy zetknął się z muzyką rosyjskich kompozytorów Piotra Iljicza Czajkowskiego, Modesta Pietrowicza Musorgskiego, Mikołaja Andriejewicza Rimskiego-Korsakowa, która miała znaczący wpływ na formację własnego stylu.

Wśród dzieł Claude'a Debussy'ego z lat 80. wyróżnia się opera liryczna Syn marnotrawny, którą prezentował na egzaminie końcowym w konserwatorium. W 1884 roku praca ta została nagrodzona Prix de Rome. Wielką sławę zyskały także dwie kolekcje fortepianowe „Suite Bergamos” i „Mała suita”.

Na początku lat 90. Claude Debussy zbliżył się do poetów-symbolistów i malarzy impresjonistów. Następna dekada, od 1892 do 1902 roku, uważana jest za okres rozkwitu twórczości Debussy'ego. W tym czasie tworzy utwory wokalne, najlepsze z nich to cykle „Proza liryczna” na podstawie własnych tekstów, „Pieśni Bilitis” na temat wierszy P. Louisa. Pisze utwory orkiestrowe, które w spuściźnie kompozytora zajmują niemal główne miejsce, w szczególności symfoniczno-preludium „Popołudnie fauna”, trzy nokturny orkiestrowe – „Chmury”, „Uroczystości”, „Syreny”. Opera Pelléas et Melisande (1902) wieńczy tę listę.

W tym samym czasie jego muzyka zaczęła być nie tylko szeroko wykonywana, ale także przetwarzana. Do muzyki Claude'a Debussy'ego wystawiono jednoaktowy balet Popołudnie Fauna, w którym znakomicie tańczyli rosyjscy tancerze M. Fokin i W. Niżyński. Balet ten był wystawiany podczas słynnych „Sezonów Rosyjskich” organizowanych w Paryżu przez Siergieja Diagilewa.

Kolejny okres twórczości kompozytora rozpoczyna się w 1903 roku i zostaje przerwany dopiero przez jego śmierć. Nadal intensywnie i ciekawie pracuje: tworzy trzy suity kameralne i balet „Gry”, cykl chóralny „Trzy pieśni orleańskie”, suitę na 2 fortepiany („Biały i czarny”). Debussy nie odchodzi też od cykli wokalnych. Do tego czasu należą jego „Trzy pieśni Francji”, „Trzy ballady F. Villona”, „Trzy pieśni Mallarmé”, a także programy orkiestrowe - szkice symfoniczne „Morze” i „Obrazy”.

Od 1910 roku Claude Debussy nieprzerwanie występuje jako dyrygent i pianista, wykonując własne kompozycje. O wszechstronności i skuteczności kompozytora mówią także jego publikacje pośmiertne. Po jego śmierci ukazały się jego zbiory fortepianowe, takie jak „Grafika”, „Kącik dziecięcy”, 24 preludia i 12 etiud, w klawesynie pozostał balet dziecięcy „Toy Box”, następnie zaaranżowany przez A. Kaple (1919).

Claude Debussy znany był także jako krytyk muzyczny, który pisał artykuły o wydarzeniach z życia muzycznego.

Osobliwością jego jako pisarza było to, że zamiast tradycyjnej harmonii zbudowanej na spółgłoskowej kombinacji dźwięków, Debussy stosował dowolne kombinacje dźwięków, tak jak artysta wybiera kolory z palety. Starał się przede wszystkim uczynić muzykę wolną od wszelkich praw. Claude Debussy uważał, że dźwięki mogą malować obrazy. Dlatego jego kompozycje nazywane są tak - obrazami symfonicznymi.

I rzeczywiście, przed słuchaczami pojawiają się albo obrazy wzburzonego morza, albo bezkresnej przestrzeni podwiewanej lekkim wiatrem, albo chmury pędzące pod podmuchami wiatru. Był to eksperyment muzyczny jakiego jeszcze nie było, podobne zadania postawił przed sobą – także w XX wieku – rosyjski kompozytor Aleksander Nikołajewicz Skriabin, który próbował połączyć muzykę, dźwięk i kolor.

Nie mniej interesujące są cykle wokalne Claude'a Debussy'ego, w których zastosował melodię elastyczną i naturalną, bliską mowie poetyckiej i potocznej; Swoją pracą Debussy położył podwaliny pod nowy kierunek w sztuce muzycznej, zwany impresjonizmem.

Achille-Claude Debussy(fr. Achille-Claude Debussy ; 22 sierpnia Saint-Germain-en-Laye pod Paryżem - 25 marca Paryż Listen) jest francuskim kompozytorem i krytykiem muzycznym.

Skomponowany w stylu często określanym jako impresjonizm, termin, którego nigdy nie lubił. Debussy był nie tylko jednym z najwybitniejszych kompozytorów francuskich, ale także jedną z najważniejszych postaci muzyki przełomu XIX i XX wieku; jego muzyka reprezentuje formę przejściową od muzyki późnego romantyzmu do modernizmu w muzyce XX wieku.

Biografia

Urodził się 22 sierpnia 1862 roku w Saint-Germain-en-Laye pod Paryżem w skromnej rodzinie – jego ojciec był byłym marynarzem, wówczas współwłaścicielem sklepu z fajansem. Pierwszych lekcji gry na fortepianie udzieliła utalentowanemu dziecku Antoinette Flora Mote (teściowa poety Verlaine).

W 1873 roku Debussy wstąpił do Konserwatorium Paryskiego, gdzie przez 11 lat studiował u A. Marmontela (fortepian) oraz u A. Lavignaca, E. Durana i O. Basila (teorię muzyki). Około 1876 roku skomponował swoje pierwsze romanse do wierszy T. de Banville'a i P. Bourgeta. Od 1879 do 1882 spędzał letnie wakacje jako „pianista domowy” – najpierw na zamku Chenonceau, a następnie u Nadieżdy von Meck – w jej domach i posiadłościach w Szwajcarii, Włoszech, Wiedniu i Rosji.

Podczas tych podróży otworzyły się przed nim nowe horyzonty muzyczne, a szczególnie ważna okazała się znajomość twórczości rosyjskich kompozytorów szkoły petersburskiej. Zakochany w poezji De Banville'a (1823-1891) i Verlaine'a, młody Debussy, obdarzony niespokojnym umysłem i skłonny do eksperymentów (głównie w dziedzinie harmonii), cieszył się opinią rewolucjonisty. Nie przeszkodziło mu to jednak w otrzymaniu w 1884 r. Prix de Rome za kantatę Syn marnotrawny (L „Enfant prodigue”).

Debussy spędził dwa lata w Rzymie. Tam zapoznał się z poezją prerafaelitów i zaczął komponować poemat na głos i orkiestrę Wybraniec na podstawie tekstu G. Rossettiego (La Demoiselle lue). Głębokie wrażenia wywarły na nim wizyty w Bayreuth, wpływ wagnerowski znalazł odzwierciedlenie w jego cyklu wokalnym Pięć wierszy Baudelaire'a (Cinq Pomes de Baudelaire). Do innych zainteresowań młodego kompozytora należą egzotyczne orkiestry jawajska i annamicka, które usłyszał na Wystawie Światowej w Paryżu w 1889 roku; pisma Musorgskiego, które w tym czasie stopniowo przenikały do ​​Francji; ornamentyka melodyczna chorału gregoriańskiego.

W 1890 roku Debussy rozpoczął pracę nad operą Rodrigue i Chimène (Rodrigue et Chimène) na podstawie libretta C. Mendeza, jednak dwa lata później pozostawił dzieło niedokończone (rękopis przez długi czas uznawany był za zaginiony, potem odnaleziony ; utwór został zinstrumentowany przez rosyjskiego kompozytora E. Denisowa i wystawiony w kilku teatrach). Mniej więcej w tym samym czasie kompozytor stał się stałym bywalcem kręgu poety-symbolisty S. Mallarme'a i po raz pierwszy czytał Edgara Allana Poe, który stał się ulubionym autorem Debussy'ego. W 1893 zaczął komponować operę na podstawie dramatu Maeterlincka Peleas i Melisanda (Pellas et Mlisande), a rok później, zainspirowany eklogą Mallarmégo, ukończył preludium symfoniczne Popołudnie Fauna (Prlude l „Aprs-midi d” fauny).

Debussy od młodości znał główne postacie literatury tego okresu, wśród jego przyjaciół byli pisarze P. Louis, A. Gide i szwajcarski językoznawca R. Godet. Jego uwagę przyciągnął impresjonizm w malarstwie. Pierwszy koncert w całości poświęcony muzyce Debussy'ego odbył się w 1894 roku w Brukseli w Galerii Sztuki Wolnej Estetyki na tle nowych obrazów Renoira, Pissarra, Gauguina i innych. W tym samym roku rozpoczęto prace nad trzema nokturnami na orkiestrę, pomyślanymi pierwotnie jako koncert skrzypcowy dla słynnego wirtuoza E.Izaia. Pierwszy z nokturnów (Chmury) został porównany przez autora z "malowniczym szkicem w tonacji szarości".

Do końca XIX wieku Twórczość Debussy'ego, uważana za analogię impresjonizmu w sztukach wizualnych i symboliki w poezji, obejmowała jeszcze szerszy wachlarz poetyckich i wizualnych skojarzeń. Wśród dzieł tego okresu znajdują się: kwartet smyczkowy g-moll (1893), będący wyrazem fascynacji modami orientalnymi, cykl wokalny Proza liryczna (Proses Lyriques, 1892-1893) na własnych tekstach, Pieśni Bilitisa (Chansons de Bilitis) na podstawie wierszy P. Louisa, inspirowanych pogańskim idealizmem starożytnej Grecji, a także Willows (La Saulaie), niedokończony cykl na baryton i orkiestrę do wierszy Rossettiego.

W 1899 roku, wkrótce po ślubie z modelką Rosalie Texier, Debussy stracił swój niewielki dochód: zmarł jego wydawca J. Artmann. Obciążony długami znalazł jednak siłę, by w tym samym roku ukończyć Nokturny, aw 1902 drugie wydanie pięcioaktowej opery Peleas i Melisanda. Wystawiony w Paryskiej Operze Komicznej 30 kwietnia 1902 roku Pelléas zrobił furorę. Dzieło to, niezwykłe pod wieloma względami (głęboka poezja łączy się w nim z psychologicznym wyrafinowaniem, instrumentacja i interpretacja partii wokalnych uderza swoją nowością), zostało ocenione jako największe osiągnięcie gatunku operowego od czasów Wagnera. Kolejny rok przyniósł cykl Estampes (Estampes) - rozwija się już styl charakterystyczny dla twórczości fortepianowej Debussy'ego. W 1904 roku Debussy zawarł nowy związek rodzinny – z Emmą Bardak, co omal nie doprowadziło do samobójstwa Rosalie Texier i spowodowało bezwzględny rozgłos niektórych okoliczności życia osobistego kompozytora. Nie przeszkodziło to jednak w ukończeniu najlepszego dzieła orkiestrowego Debussy'ego - trzech symfonicznych szkiców Morza (La Mer; prawykonanie w 1905), a także wspaniałych cykli wokalnych - Trzy pieśni Francji (Trois chansons de France, 1904) i drugi zeszyt Gallant Festivities oparty na wierszach Verlaine'a ( Les ​​fêtes galantes , 1904).

Przez resztę życia Debussy musiał zmagać się z chorobą i biedą, ale pracował niestrudzenie i bardzo owocnie. Od 1901 roku zaczął pojawiać się w prasie periodycznej z dowcipnymi recenzjami wydarzeń z bieżącego życia muzycznego (po śmierci Debussy'ego zebrano je w zbiorze Monsieur Croche - antidilettante, Monsieur Croche - antidilettante, wydanym w 1921). W tym samym okresie pojawia się większość jego dzieł fortepianowych. Po dwóch seriach Obrazów (Images, 1905-1907) pojawiła się suita Kącik dziecięcy (Children's Corner, 1906-1908), poświęcona Shush, córce kompozytora (urodziła się w 1905 r., ale Debussy mógł jedynie sformalizować swoje małżeństwo z Emmą Bardaka trzy lata później).

Choć pierwsze objawy choroby nowotworowej pojawiły się już w 1909 roku, w kolejnych latach Debussy odbył kilka wyjazdów z koncertami, aby utrzymać rodzinę. Dyrygował własnymi kompozycjami w Anglii, Włoszech, Rosji i innych krajach. Dwa zeszyty preludiów fortepianowych (1910-1913) ukazują ewolucję swoistego pisma „dźwiękowo-obrazowego”, charakterystycznego dla stylu fortepianowego kompozytora. W 1911 napisał muzykę do misterium G. d „Annunzio Męczeństwo św. Sebastiana (Le Martyre de Saint Sbastien), partyturę wykonał francuski kompozytor i dyrygent A. Caplet. W 1912 ukazał się orkiestrowy cykl Obrazy Debussy od dawna interesował się baletem iw 1913 roku skomponował muzykę do baletu The Game (Jeux), który był wystawiany przez Sergiusza Diagilewa w Paryżu i Londynie.

W tym samym roku kompozytor rozpoczął pracę nad baletem dziecięcym The Toy Box (La Boîte à joujoux) – jego instrumentację uzupełnił Caplet po śmierci autora. I wojna światowa chwilowo zawiesiła tę burzliwą działalność twórczą, ale już w 1915 roku ukazały się liczne utwory fortepianowe, w tym poświęcone pamięci Chopina Dwanaście etiud (Douze tudes). Debussy rozpoczął serię sonat kameralnych, wzorowanych w pewnym stopniu na stylu francuskiej muzyki instrumentalnej XVII i XVIII wieku. Z tego cyklu udało mu się ukończyć trzy sonaty: na wiolonczelę i fortepian (1915), na flet, altówkę i harfę (1915), na skrzypce i fortepian (1917). Miał jeszcze siłę, by przerobić libretto opery na podstawie opowiadania E. Poe Upadek domu Escherów - fabuła od dawna pociągała Debussy'ego i już w młodości rozpoczął pracę nad tą operą; teraz otrzymał na nią zamówienie od J. Gatti-Casazzy z Metropolitan Opera. Kompozytor zmarł w Paryżu 26 marca 1918 roku.

Listy

• Monsieur Croche - antydyletant, P., 1921; Artykuły, recenzje, rozmowy, przeł. z francuskiego, M.-L., 1964; Ulubione listy, L., 1986.

kreacja

Kompozycje

• opery:
  • Rodrigo i Jimena (1892, niedokończone)
  • Peleas i Melisanda (1902, Paryż)
  • Upadek domu Escherów (w zarysie, 1908-17)
• balety:
  • Kamma (1912, sfinalizowana w 1924, ibid.)
  • Gry (1913, Paryż)
  • Pudełko z zabawkami (dzieci, 1913, post. 1919, Paryż)
• kantaty:
  • sceny liryczne Syn marnotrawny (1884)
  • Oda do Francji (1917, ukończona przez MF Gaillarda)
• Poemat na głosy i orkiestrę The Chosen Virgin (1888)
• Na orkiestrę:
  • divertissement Triumf Bachusa (1882)
  • suita symfoniczna Wiosna (1887)
  • Preludium do Popołudnia Fauna (1894)
• Nokturny (Chmury, Uroczystości; Syreny - z chórem żeńskim; 1899)
• 3 symfoniczne szkice morza (1905)
• Obrazy (Gigi, Iberia, Tańce wiosenne, 1912)
• Kameralne zespoły instrumentalne - sonaty na wiolonczelę i fortepian (1915), na skrzypce i fortepian (1917), na flet, altówkę i harfę (1915), trio fortepianowe (1880), kwartet smyczkowy (1893)
• Na fortepian - Bergamas Suite (1890), Prints (1903), Island of Joy (1904), Masks (1904), Obrazy (1. seria - 1905, 2. - 1907), suita Kącik dla dzieci (1908), preludia (1. zeszyt - 1910, 2 - 1913), szkice (1915)
• Piosenki i romanse
• Muzyka do spektakli teatralnych, transkrypcje fortepianowe itp.

Źródła

Literatura

• Alszwang A. Claude'a Debussy'ego, M., 1935;
• Alszwang A. Prace Claude'a Debussy'ego i M. Ravela, M., 1963
• Rozenchild K. Młody Debussy i jemu współcześni, M., 1963
• Martynow I. Claude'a Debussy'ego, M., 1964
• Miedwiediewa I.A. Słownik encyklopedyczny muzyki, Moskwa. 1991
• Kremlew Yu. Claude'a Debussy'ego, M., 1965
• Sabinina M. Debussy'ego, w książce Muzyka XX wieku, część I, wyd. 2, M., 1977
• Jarotsiński S. Debussy, impresjonizm i symbolizm, za. z pol., M., 1978
• Debussy i muzyka XX wieku sob. Art., L., 1983
• Denisow E. O niektórych cechach techniki kompozytorskiej C. Debussy'ego w jego książce: Muzyka współczesna i problemy ewolucji komp. technologia, M., 1986
• Barraque J. Claude'a Debussy'ego, R., 1962
• Golaa A.S. Debussy, I'homme et son oeuvre, P., 1965
• Golaa A.S. Claude'a Debussy'ego. Liste complete des oeuvres…, gen. P., 1983
• Lockspeiser E. Debussy'ego, L.-, 1980.
• Hendrik Lucke: Mallarmégo - Debussy'ego. Eine vergleichende Studie zur Kunstanschauung am Beispiel von „L'Après-midi d'un Faune”.(= Studien zur Musikwissenschaft, Bd. 4). Dr. Kovac, Hamburg 2005, ISBN 3-8300-1685-9.
• Jeana Barraque'a, Debussy'ego(Solfèges), Editions du Seuil, 1977. ISBN 2-02-000242-6
• roy howat, Debussy w proporcji: analiza muzyczna, Cambridge University Press, 1983. ISBN 0-521-31145-4
• Rudolf Reti, Tonalność, atonalność, pantonalność: studium niektórych trendów w muzyce XX wieku. Westport, Connecticut: Greenwood Press, 1958. ISBN 0-313-20478-0 .
• Jane Fulcher (redaktor) Debussy i jego świat(The Bard Music Festival), Princeton University Press, 2001. ISBN 0-691-09042-4
• Simon Trezise (redaktor), The Cambridge Companion do Debussy'ego, Cambridge University Press, 2003. ISBN 0-521-65478-5

Spinki do mankietów

• Debussy: Nuty w International Music Score Library Project

Fundacja Wikimedia. 2010 .

Zobacz, czym jest „Debussy” w innych słownikach:

Debussy K.A.- DEBUSSY (Debussy) Claude Achille (22.8.1862, Saint Germain en Les, niedaleko Paryża, 25.3.1918, Paryż), francuski. kompozytor. Ukończył Konserwatorium Paryskie w klasie kompozycji E. Guirauda i fortepianu A. Marmontela (1884). Występował jako pianista i dyrygent m.in. Balet. Encyklopedia

DEBUSSY, Francja, Tefrance, 1994, 90 min. Film biograficzny. Obsada: Francois Marsore, Pascal Rocard, Teresa Lyotard, Mars Berman. Reżyser: James Jones. Scenariusz: Eric Emmanuel Schmidt. Operator: Valery Martynov (patrz MARTYNOV Valery ... ... Encyklopedia kina