Włoscy kompozytorzy XX wieku. Wielcy kompozytorzy włoscy
Pojęcie „kompozytor” pojawiło się po raz pierwszy w XVI wieku we Włoszech i od tego czasu jest używane w odniesieniu do osoby, która komponuje muzykę.
kompozytorzy XIX wieku
W XIX wieku wiedeńską Szkołę Muzyczną reprezentował tak wybitny kompozytor jak Franz Peter Schubert. Kontynuował tradycję romantyzmu i wywarł wpływ na całe pokolenie kompozytorów. Schubert stworzył ponad 600 niemieckich romansów, wynosząc ten gatunek na nowy poziom.
Franciszka Piotra Schuberta
Inny Austriak, Johann Strauss, zasłynął ze swoich operetek i lekkich form muzycznych o charakterze tanecznym. To on sprawił, że walc stał się najpopularniejszym tańcem w Wiedniu, gdzie do dziś odbywają się bale. Ponadto jego spuścizna obejmuje polki, kadryle, balety i operetki.
Johanna Straussa
Wybitnym przedstawicielem modernizmu w muzyce końca XIX wieku był Niemiec Ryszard Wagner. Jego opery do dziś nie straciły na aktualności i popularności.
Giuseppe Verdiego
Wagnerowi przeciwstawić można majestatyczną postać włoskiego kompozytora Giuseppe Verdiego, który pozostał wierny tradycjom operowym i nadał włoskiej operze nowego oddechu.
Piotra Iljicza Czajkowskiego
Wśród rosyjskich kompozytorów XIX wieku wyróżnia się nazwisko Piotra Iljicza Czajkowskiego. Charakteryzuje się unikalnym stylem, łączącym europejskie tradycje symfoniczne z rosyjskim dziedzictwem Glinki.
Kompozytorzy XX wieku
Siergiej Wasiljewicz Rahmaninow
Jeden z najjaśniejszych kompozytorów przełomu XIX i XX wieku jest słusznie uważany za Siergieja Wasiljewicza Rachmaninowa. Jego styl muzyczny opierał się na tradycjach romantyzmu i istniał równolegle z ruchami awangardowymi. To właśnie ze względu na jego indywidualność i brak analogii jego twórczość została wysoko oceniona przez krytyków na całym świecie.
Igora Fiodorowicza Strawińskiego
Drugim najbardziej znanym kompozytorem XX wieku jest Igor Fedorowicz Strawiński. Z pochodzenia Rosjanin, wyemigrował do Francji, a następnie do USA, gdzie w pełni pokazał swój talent. Strawiński jest innowatorem, nie boi się eksperymentować z rytmami i stylami. W jego twórczości można prześledzić wpływ tradycji rosyjskich, elementów różnych ruchów awangardowych i unikalny indywidualny styl, za który nazywany jest „Picasso w muzyce”.
Rozwój muzyki włoskiej w XIX wieku zaznaczył się operą. To stulecie zakończyło się późnymi arcydziełami Verdiego, oszałamiającym sukcesem werystów Mascagniego i Leoncavallo. Puccini wyznaczył granicę tej genialnej epoki, będąc prawdziwym spadkobiercą Verdiego, a jednocześnie otwierając nowe możliwości w dziedzinie dramaturgii muzycznej i melodii wokalnej. Odkrycia Pucciniego zostały wkrótce podchwycone przez kompozytorów różnych szkół narodowych. Jednak większość włoskich partytur operowych z początku XX wieku (E. Wolf-Ferrari, F. Cilea, U. Giordano, F. Alfano) przedstawiała nieskończoną liczbę wariacji na temat technik pisania oper, które rozwinęły się w przeszłości, tylko nieznacznie wzbogacony o nowocześniejsze środki, co świadczyło o kryzysie narodowej szkoły operowej.
Rozpoczęte w drugiej połowie XIX wieku próby rozwoju gatunków symfonicznych i kameralno-instrumentalnych okazały się praktycznie bezowocne. Symfonie G. Sgambatiego, G. Martucciego, pisane w tradycji Mendelssohna i Brahmsa, nie wykraczają poza eklektyzm; Twórczość organowa M. E. Bossiego nie wznosi się ponad poziom imitacji, ukazując wpływy niemieckiego romantyzmu muzycznego – od Schumanna po Liszta i Wagnera.
Od samego początku stulecia we Włoszech zauważalnie wzrosły wpływy katolicyzmu, co nie pozostało bez wpływu na muzykę. Swoją rolę odegrała tu bulla papieża Piusa X „Motu proprio” (1903), poświęcona problemowi aktualizacji muzyki kościelnej. W szczególności zawierała ona wezwanie do odrodzenia chorału gregoriańskiego i jednocześnie zezwalała na stosowanie najbardziej nowatorskich środków wyrazu, pod warunkiem, że ich użycie odpowiadałoby wymaganiom Kościoła. Co prawda próby ożywienia gatunków oratoryjnych, kantatowych i mszalnych, podjęte na początku wieku przez abbé Perosiego*,
* Lorenzo Perosi w 1898 roku został powołany na stanowisko szefa Kaplicy Sykstyńskiej i stał się przywódcą ruchu na rzecz odnowy muzyki kościelnej.
nie zostały uwieńczone sukcesem: kompozycje tego autora nie przyniosły pożądanej odnowy muzyki katolickiej ani pod względem walorów stylistycznych, ani duchowych, etycznych. Mimo to wydawanie zabytków katolickiej muzyki sakralnej (słynna seria Editio Vaticano, zapoczątkowana w 1904 r.) przykuło uwagę wielu kompozytorów, którzy szukali sposobów na wskrzeszenie narodowych tradycji. Zainteresowanie chorałem gregoriańskim, antyczną polifonią włoską (Palestrina), gatunkami i formami duchowymi szczególnie wzrośnie w latach 20-30.
Pierwsza wojna światowa głęboko wstrząsnęła Włochami gospodarczo, politycznie, społecznie, kulturowo, co doprowadziło do kryzysu ideologicznego. W sztuce przełomu lat 10. i 20. można zauważyć zarówno ostro krytyczne rozumienie wydarzeń minionej wojny i rzeczywistości powojennej, jak i sceptycyzm, aspiracje religijne i mistyczne oraz odrodzenie i intensywny rozwój wojujących tendencji nacjonalistycznych. Jeszcze na początku stulecia w antycypacji faszystowskiej ideologii pojawiły się marzenia o Wielkiej Italii, spadkobierczyni cezarowego Rzymu, o przekształceniu Morza Śródziemnego w Morze Włoskie – „nasze morze” itp. w antycypacji ideologii faszystowskiej. Po wojnie działalność tej grupy nabiera wyraźnie zaznaczonego charakteru politycznego. Jesienią 1918 r. w pierwszym numerze tygodnika Roma Futurista ukazał się manifest i program partii politycznej, zawierający szczere przeprosiny za nacjonalizm. Na czele tworzonej partii stał FT Marinetti; obejmował B. Mussoliniego, a także G. d „Annunzio i wielu innych artystów, wśród których byli muzycy - L. Russolo, F. B. Pratella; później jego członkami zostali P. Mascagni i B. Gigli. Futurystyczna grupa literacka kierowana Marinettiego przygotował powstanie organizacji Faszystowskie Drużyny Bojowe, której działalność rozpoczęła się w marcu 1919 roku, kiedy to Mussolini zwołał w Mediolanie pierwsze zgromadzenie przyszłej partii faszystowskiej, zwane Zgromadzeniem San Sepolcro (od rezydencji, w której się odbyło) Kilka miesięcy później opublikowano Program San Sepolcro, który łączył szereg punktów programu futurystycznego z rewolucyjno-demokratyczną demagogią Mussoliniego i wojującym nacjonalizmem d'Annunzia.
Znaczna część inteligencji, zwłaszcza wśród działaczy kultury i sztuki, nie akceptowała ideologii nacjonalistycznej. Dla tej części włoskich pisarzy, poetów, dramatopisarzy uniwersalne „odwieczne” tematy stały się duchowym schronieniem. Idee humanistyczne głosiła zwłaszcza grupa „rondystów”, których nazwa wzięła się od wydawanego przez partię socjalistyczną pisma „Ronda”. Nie mogąc aktywnie zaprotestować przeciwko faszyzmowi, głosili oddzielenie sztuki od polityki i proklamowali „indywidualną wolność myśli artysty”. Świadome samoograniczanie się problemami artystycznego mistrzostwa łączyło się z cofnięciem w przeszłość, z naciskiem na opanowanie doświadczenia narodowej klasyki. Estetyka „rondystów” niewątpliwie wpłynęła na niektórych wybitnych kompozytorów (Pizzetti, Malipiero, Casella) i przyczyniła się do ustanowienia neoklasycyzmu w muzyce włoskiej lat 20-30 jako głównego kierunku.
Ważną rolę w mobilizowaniu lewicowych sił inteligencji artystycznej odegrał socjalistyczny tygodnik Ordino Nuovo, wydawany w latach 1919-1922, założony przez A. Gramsciego (późniejszego jednego z założycieli Włoskiej Partii Komunistycznej). Na łamach tygodnika Gramsci prowadził aktywną walkę o kulturę demokratyczną, poświęcając wiele uwagi propagowaniu twórczości współczesnych pisarzy lewicowych – M. Gorkiego, A. Barbusse’a, R. Rollanda i innych. W wielu artykułach ostro krytykował futuryzm i nacjonalistyczną platformę d'Annunzio.Od 1924 r. gazeta Włoskiej Partii Komunistycznej Unita stała się rzecznikiem ruchu antyfaszystowskiego.
W muzyce włoskiej, podobnie jak przed wojną, nadal dominował kierunek werystyczny, mimo że ulegał on wyraźnej degeneracji (jest to szczególnie widoczne w powojennej twórczości Mascagniego). Walkę z rutyną i konserwatyzmem panującym we włoskim życiu muzycznym prowadzili przedstawiciele młodszego pokolenia – Respighi, Pizzetti, Malipiero i Casella, którzy skupili się na symfonizmie R. Straussa, Mahlera, francuskim impresjonizmie, twórczości Rimskiego- Korsakow, Strawiński. Jeszcze wcześniej, bo w 1917 roku, założyli Narodowe Towarzystwo Muzyczne, którego celem było uaktualnienie repertuaru koncertów symfonicznych. Propagandę nowej muzyki i walkę z dominacją tendencji akademickich i werystycznych kompozytorzy ci prowadzili także w prasie.
Nowa sytuacja rozwinęła się w kraju po październiku 1922 r. Mussolini, będąc już premierem, rozpoczyna represje wobec swoich przeciwników politycznych, a jednocześnie prowadzi podstępną politykę angażowania inteligencji w ruch faszystowski, mając nadzieję, że w ten sposób zwróci światową opinię publiczną w kierunku sprzyjającym jego ideologii i praktyce. Już po zamachu stanu 3 stycznia 1925 roku, który doprowadził do ustanowienia reżimu jawnie dyktatorskiego, w marcu tego samego roku odbył się w Bolonii Kongres w imię kultury faszystowskiej, a w kwietniu „Manifest inteligencji faszystowskiej”, opracowanej przez ideologa włoskiego faszyzmu, filozofa J. Gentile.
Jednak nastroje opozycyjne wśród postaci kultury były nadal dość silne. Liberalna opozycja zjednoczyła się wokół filozofa i polityka Benedetto Croce. W jej imieniu 1 maja 1925 r. w gazecie Mondo ukazał się „kontrmanifest” napisany przez Croce'a zatytułowany „Odpowiedź włoskich pisarzy, profesorów i publicystów na manifest faszystowskiej inteligencji”. Już samo opublikowanie „kontmanifestu” w okresie aktywnej ofensywy władz przeciwko myśli postępowej było aktem odważnym, choć jego program odznaczał się abstrakcyjnością i polityczną biernością. „Kontrmanifest” przeciwstawiał się mieszaniu polityki i literatury, polityki i nauki, przekonywał, że prawda nie tkwi w działaniu, ale w myśleniu. To właśnie oddzielenie filozofii i sztuki od działań obywatelskich spowodowało stopniowe wycofywanie się włoskiej inteligencji artystycznej w różne formy „duchowej emigracji”. W ten sposób, najpierw w poezji, a następnie w sztukach pokrewnych, stworzono warunki do powstania „hermetyzmu”, który szczególnie rozwinął się w latach 30. W muzyce wpływ „hermetyzmu” był najbardziej widoczny w wielu utworach Malipiero.
Podążając za ideami „kontrmanifestu”, artyści starali się przeciwstawić hałaśliwej, zubożałej duchowo faszystowskiej kulturze wysokimi walorami estetycznymi, wyrażonymi jednak w trudnej do zrozumienia dla mas formie. W muzyce włoskiej „kontrmanifest” jeszcze bardziej umocnił pozycję neoklasycyzmu, który przy wszystkich różnicach między poszczególnymi kompozytorami, z wszystkimi niuansami w stosunku do dziedzictwa klasycznego i sztuki ludowej, stał się głównym, wiodącym kierunkiem w XX wieku. -30s. Tendencje ekspresjonistyczno-egzystencjalistyczne związane z rozumieniem i rozwojem doświadczenia szkoły nowovenskiej zaczęły się wyraźnie ujawniać nieco później, począwszy od lat 30. XX wieku (w twórczości L. Dallapikkoli i G. Petrassiego).
Pełniąc rolę mecenasa nauki i sztuki, Mussolini zorganizował Instytut Kultury Faszystowskiej, pod którego kierownictwem rozwinął się szereg organizacji naukowych i artystycznych. Jednocześnie reżim wykazywał rzadki wszystkożerny stosunek do różnych kierunków twórczych. Mimo to większość inteligencji artystycznej pozostawała na stanowiskach skrytego odrzucania ideologicznych doktryn i praktyk politycznych faszyzmu.
Na szczególną uwagę zasługują dwa polarne trendy, które wyraźnie wpłynęły na wszystkie dziedziny sztuki włoskiej w latach 20. i 30. XX wieku: są to „strachitta” („super-miasto”) i „strapaese” („super-wioska”). Pierwszy nurt koncentrował się na odzwierciedleniu kultury i życia współczesnego miasta (zasadniczo łącząc się z nurtami europejskiej urbanistyki), drugi natomiast bronił narodowej ziemi i faktycznie dążył do izolacji sztuki Włoch, ograniczenia jej do granic narodowych.
Katolicyzm nadal wywierał ogromny wpływ na rozwój życia kulturalnego kraju. Konkordat Mussoliniego z Watykanem zawarty w 1929 roku doprowadził do rozszerzenia społecznej i politycznej działalności Kościoła oraz przyczynił się do wzmocnienia motywów religijnych w twórczości wielu kompozytorów. Jednak wzrost zainteresowania tematyką religijną i gatunkami duchowymi w latach 30. miał głębsze przyczyny i znalazł odzwierciedlenie w muzyce różnych krajów europejskich (w szczególności Francji). To specyficzne dla Włoch, że prace o tematyce religijnej, najwyraźniej odpowiadające linii oficjalnego klerykalizmu, często służyły jako wyraz duchowego sprzeciwu wobec faszyzmu.
Podobnie wiele ważnych przedsięwzięć kulturalnych, które zewnętrznie korespondowały z polityką reżimu, było zasadniczo od niego niezależnych. Na przykład odwoływanie się czołowych kompozytorów włoskich do wielkiego dziedzictwa XVII-XVIII wieku, które pojawiło się w latach przedwojennych i przyniosło owocne rezultaty, nie ma nic wspólnego z ideowym programem faszyzmu włoskiego. Nie sposób łączyć z wojującym nacjonalizmem i tyradami o „wybranej kulturze romańskiej – spadkobierczyni cesarskiego Rzymu” ogromnej pracy, jaką włoscy naukowcy i kompozytorzy wykonali w latach 20-30 w gromadzeniu, badaniu i publikowaniu najbogatszego folkloru pieśni i tańca różne regiony i prowincje Włoch – dzieło, które wzbogaciło nie tylko naukę o muzyce, ale także twórczość zawodową*.
* Wśród tych publikacji należy wymienić studium B. Croce „Folk and Artistic Poetry”, zbiory pieśni ludowych G. Faraha „The Musical Soul of Italy” i „Sardinian Songs”, zbiory A. Fanara-Mistrello „Sycylijskie pieśni lądu i morza” oraz „Pieśni ludowe prowincji Valdemeszaro”, studia futurystycznego kompozytora F. B. Pratelli „Eseje o lamentach, pieśniach, chórach i tańcach ludu włoskiego” oraz „Etnofonia Romanii”.
Dużą wartość obiektywną mają publikacje naukowe wybitnych zabytków muzyki sakralnej, arcydzieł renesansu, włoskiej opery i muzyki instrumentalnej XVII-XVIII wieku. Prace te, rozpoczęte przed I wojną światową, były kontynuowane w latach „Czarnej Dwudziestki” pod oficjalnym patronatem króla i Mussoliniego, który doskonale rozumiał, jak prestiżowe było to dla reżimu faszystowskiego. Studium antycznych gatunków kultowych i twórczość polifonistów (zwłaszcza Palestriny) wzbogaciło także twórczość kompozytorów. Ich styl został zapłodniony intonacyjną ekspresją starożytnych modów, chorału gregoriańskiego i starożytnych sekwencji, mających na celu percepcję mas w chwilach wzniosłych stanów psychicznych.
W okresie Czarnej Dwudziestki we Włoszech pracowało wielu wybitnych naukowców muzycznych, których fundamentalne dzieła nabrały światowego znaczenia. Wymieńmy studia A. della Corte nad problematyką opery włoskiej, monumentalną trzytomową biografię Rossiniego napisaną przez G. Radiciottiego, monografię M. Gattiego o Verdim. W latach tych rozwijało się także publikowanie dokumentów i materiałów dotyczących ogólnych problemów muzyki włoskiej oraz twórczości poszczególnych kompozytorów.
W szczególności ukazuje się kilka najcenniejszych publikacji dotyczących epistolarnego dziedzictwa Verdiego.
Ze względu na prestiż faszystowscy przywódcy zachęcali do występów operowych i koncertowych na wszelkie możliwe sposoby, czyli do tych form sztuki, które nie wydawały im się niebezpieczne. Teatr „La Scala” osiąga wysoką kulturę sceniczną, a po nim inne teatry operowe, na przykład rzymska, która była pod specjalnym patronatem reżimu. Opera lśni wspaniałymi śpiewakami - A. Galli-Curci, T. Dal Monte, B. Gigli, Titta Ruffo. Jednocześnie ideowo opera znajdowała się pod ścisłym nadzorem cenzury. Faszystowsko-klerykalna cenzura zakazała wystawiania opery Malipiero Legenda o synu odmieńca, a podczas interwencji w Abisynii reżim splamił się haniebnym usunięciem z repertuaru Aidy Verdiego. To nie przypadek, że Toscanini opuścił Włochy w 1928 roku w proteście przeciwko polityce faszystowskiej, a inni wybitni muzycy wyemigrowali (M. Castelnuovo-Tedesco, V. Rieti i inni).
Życie literatury i teatru dramatycznego było jeszcze bardziej skrępowane presją faszystowskiej cenzury, która zmusiła wielu artystów do zajęcia stanowiska „hermetyzmu”. Jednocześnie wielu włoskich pisarzy, poetów i dramatopisarzy pozostawało pod silnym wpływem twórczości L. Pirandello, który obnażał tragiczną rzeczywistość życia „małego człowieczka”, daremność poszukiwania wolności, piękna i szczęścia. Warto zauważyć, że wielu kompozytorów włoskich odwołuje się do dzieł Pirandella. W literaturze tych lat pojawiały się także dzieła bardziej aktywne w swojej krytyce społecznej (m.in. młody A. Moravia, E. Vittorini), ale były to wyjątki.
W tak trudnym środowisku musieli pracować najwięksi kompozytorzy całego pokolenia – Respighi, Pizzetti, Malipiero, Caselle. Trzeba im przyznać, że nie zostali trubadurami włoskiego faszyzmu, chociaż nie byli też aktywnymi bojownikami przeciwko niemu.
Kompozytorzy klasyczni są znani na całym świecie. Każde nazwisko geniusza muzycznego to wyjątkowa indywidualność w dziejach kultury.
Co to jest muzyka klasyczna
Muzyka klasyczna - urzekające melodie stworzone przez utalentowanych autorów, których słusznie nazywa się kompozytorami klasycznymi. Ich dzieła są wyjątkowe i zawsze będą poszukiwane przez wykonawców i słuchaczy. Klasyczną, z jednej strony, zwyczajowo nazywa się muzykę surową, głęboką, niezwiązaną z kierunkami: rock, jazz, folk, pop, chanson itp. Z drugiej strony w historycznym rozwoju muzyki istnieje okres końca XIII - początku XX wieku, zwany klasycyzmem.
Klasyczne motywy wyróżniają się wysublimowaną intonacją, wyrafinowaniem, różnorodnością odcieni i harmonią. Mają pozytywny wpływ na emocjonalny światopogląd dorosłych i dzieci.
Etapy rozwoju muzyki klasycznej. Ich krótki opis i główni przedstawiciele
W historii rozwoju muzyki klasycznej można wyróżnić etapy:
- Renesans lub renesans - początek XIV - ostatnia ćwierć XVI wieku. W Hiszpanii i Anglii renesans trwał do początku XVII wieku.
- Barok - zastąpił renesans i trwał do początku XVIII wieku. Hiszpania była centrum stylu.
- Klasycyzm to okres rozwoju kultury europejskiej od początku XVIII do początku XIX wieku.
- Romantyzm jest kierunkiem przeciwnym do klasycyzmu. Trwało to do połowy XIX wieku.
- Klasyka XX wieku - epoka nowożytna.
Krótka charakterystyka i główni przedstawiciele okresów kulturowych
1. Renesans - długi okres rozwoju wszystkich dziedzin kultury. - Thomas Tullis, Giovanni da Palestina, T. L. de Victoria skomponowali i pozostawili nieśmiertelne dzieła potomnym.
2. Barok - w tej epoce pojawiają się nowe formy muzyczne: polifonia, opera. To właśnie w tym okresie Bach, Handel, Vivaldi stworzyli swoje słynne dzieła. Fugi Bacha budowane są zgodnie z wymogami klasycyzmu: obowiązkowe przestrzeganie kanonów.
3. Klasycyzm. Wiedeńscy kompozytorzy klasyczni, którzy stworzyli swoje nieśmiertelne dzieła w epoce klasycyzmu: Haydn, Mozart, Beethoven. Pojawia się forma sonatowa, wzrasta skład orkiestry. i Haydn różnią się od ociężałych dzieł Bacha nieskomplikowaną konstrukcją i elegancją melodii. To wciąż była klasyka, dążenie do perfekcji. Twórczość Beethovena to pogranicze romantyzmu i klasycyzmu. W muzyce L. van Beethovena więcej jest zmysłowości i żarliwości niż racjonalnej kanoniczności. Wyróżniały się tak ważne gatunki jak symfonia, sonata, suita, opera. Beethoven zapoczątkował epokę romantyzmu.
4. Romantyzm. Dzieła muzyczne charakteryzują się kolorem i dramatyzmem. Powstają różne gatunki piosenek, na przykład ballady. Uznanie zyskały kompozycje fortepianowe Liszta i Chopina. Tradycje romantyzmu odziedziczyli Czajkowski, Wagner, Schubert.
5. Klasyka XX wieku – charakteryzująca się dążeniem autorów do nowatorstwa melodii, powstały terminy aleatoryk, atonalizm. Do formatu klasycznego nawiązują dzieła Strawińskiego, Rachmaninowa, Glassa.
rosyjscy kompozytorzy klasyczni
Czajkowski PI - rosyjski kompozytor, krytyk muzyczny, osoba publiczna, pedagog, dyrygent. Jego kompozycje są najczęściej wykonywane. Są szczere, łatwo dostrzegalne, odzwierciedlają poetycką oryginalność rosyjskiej duszy, malownicze obrazy rosyjskiej natury. Kompozytor stworzył 6 baletów, 10 oper, ponad sto romansów, 6 symfonii. Światowej sławy balet „Jezioro łabędzie”, opera „Eugeniusz Oniegin”, „Album dziecięcy”.
Rachmaninow SV - utwory wybitnego kompozytora są emocjonalne i pogodne, a niektóre z nich mają dramatyczną treść. Ich gatunki są różnorodne: od małych sztuk po koncerty i opery. Powszechnie uznane dzieła autora: opery „Skąpiec rycerza”, „Aleko” na podstawie wiersza Puszkina „Cyganie”, „Francesca da Rimini” na podstawie fabuły zapożyczonej z „Boskiej komedii” Dantego, wiersz „Dzwony” ; suita „Tańce symfoniczne”; koncerty fortepianowe; wokaliza na głos z towarzyszeniem fortepianu.
Borodin AP był kompozytorem, nauczycielem, chemikiem, lekarzem. Najbardziej znaczącym dziełem jest opera „Książę Igor” oparta na historycznym dziele „Opowieść o wyprawie Igora”, pisanym przez autora przez prawie 18 lat. Za życia Borodin nie miał czasu go ukończyć, po jego śmierci ukończyli operę A. Głazunow i N. Rimski-Korsakow. Wielki kompozytor jest twórcą klasycznych kwartetów i symfonii w Rosji. Symfonia „Bogatyr” uważana jest za szczytowe osiągnięcie światowej i rosyjskiej symfonii narodowo-heroicznej. Za wybitne uznano instrumentalne kwartety kameralne, I i II Kwartet. Jeden z pierwszych, który wprowadził do romansów bohaterskie postacie ze starożytnej literatury rosyjskiej.
Świetni muzycy
M. P. Musorgskiego, o którym można powiedzieć, że jest wielkim kompozytorem realistą, odważnym innowatorem, poruszającym dotkliwe problemy społeczne, znakomitym pianistą i znakomitym wokalistą. Do najważniejszych dzieł muzycznych należą opery „Borys Godunow” oparte na dramacie A.S. Puszkin i „Khovanshchina” - ludowo-muzyczny dramat, głównym bohaterem tych oper są zbuntowani ludzie z różnych warstw społecznych; cykl twórczy „Obrazki z wystawy”, inspirowany twórczością Hartmanna.
Glinka MI - słynny rosyjski kompozytor, twórca klasycznego kierunku w rosyjskiej kulturze muzycznej. Dokończył proces tworzenia szkoły kompozytorów rosyjskich, opartej na wartościach muzyki ludowej i profesjonalnej. Prace mistrza są przesiąknięte miłością do Ojczyzny, odzwierciedlając orientację ideową ludzi tamtej epoki historycznej. Światowej sławy dramat ludowy „Iwan Susanin” i baśniowa opera „Rusłan i Ludmiła” stały się nowymi trendami w rosyjskiej operze. Dzieła symfoniczne „Kamarinskaya” i „Uwertura hiszpańska” Glinki są podstawą symfonii rosyjskiej.
Rimski-Korsakow NA jest utalentowanym rosyjskim kompozytorem, oficerem marynarki wojennej, nauczycielem, publicystą. W jego twórczości można prześledzić dwa nurty: historyczny („Carska oblubienica”, „Pskovite”) i baśniowy („Sadko”, „Śnieżna panna”, Suita „Szeherezada”). Cechą charakterystyczną twórczości kompozytora jest oryginalność oparta na wartościach klasycznych, homofonia w budowie harmonicznej utworów wczesnych. Jego kompozycje mają autorski styl: oryginalne rozwiązania orkiestrowe z niespotykanie zbudowanymi partyturami wokalnymi, które są głównymi.
Rosyjscy kompozytorzy klasyczni starali się odzwierciedlić w swoich utworach myślenie poznawcze i folklor charakterystyczny dla tego narodu.
kultura europejska
W ówczesnej stolicy kultury muzycznej – Wiedniu mieszkali znani kompozytorzy klasyczni Mozart, Haydn, Beethoven. Genius łączy w sobie mistrzowskie wykonanie, doskonałe rozwiązania kompozytorskie, wykorzystanie różnych stylów muzycznych: od melodii ludowych po polifoniczne opracowania tematów muzycznych. Wielcy klasycy charakteryzują się wszechstronną twórczą aktywnością umysłową, kompetencją, klarownością w konstruowaniu form muzycznych. W ich pracach intelekt i emocje, komponenty tragiczne i komiczne, swoboda i roztropność są ze sobą organicznie połączone.
Beethoven i Haydn skłaniali się w kierunku kompozycji instrumentalnych, Mozart po mistrzowsku zarządzał zarówno kompozycjami operowymi, jak i orkiestrowymi. Beethoven był niedoścignionym twórcą dzieł heroicznych, Haydn cenił iz powodzeniem wykorzystywał w swojej twórczości humor, typy ludowe, Mozart był kompozytorem uniwersalnym.
Mozart jest twórcą instrumentalnej formy sonatowej. Beethoven udoskonalił go, wyniósł na niezrównane wyżyny. Okres ten stał się okresem rozkwitu kwartetu. Haydn, a następnie Beethoven i Mozart wnieśli znaczący wkład w rozwój tego gatunku.
Włoscy mistrzowie
Giuseppe Verdi – wybitny muzyk XIX wieku, rozwinął tradycyjną operę włoską. Cechował się nienagannym kunsztem. Zwieńczeniem jego działalności kompozytorskiej stały się dzieła operowe Il trovatore, Traviata, Otello, Aida.
Niccolo Paganini – urodzony w Nicei, jedna z najbardziej uzdolnionych muzycznie osobowości XVIII i XIX wieku. Był wirtuozem gry na skrzypcach. Komponował kaprysy, sonaty, kwartety na skrzypce, gitarę, altówkę i wiolonczelę. Pisał koncerty na skrzypce i orkiestrę.
Gioacchino Rossini - pracował w XIX wieku. Autor muzyki sakralnej i kameralnej, skomponował 39 oper. Wybitne dzieła - „Cyrulik sewilski”, „Otello”, „Kopciuszek”, „Sroka złodziejka”, „Semiramida”.
Antonio Vivaldi to jeden z największych przedstawicieli sztuki skrzypcowej XVIII wieku. Sławę zyskał dzięki swojemu najsłynniejszemu dziełu – 4 koncertom skrzypcowym „Pory roku”. Prowadził niezwykle owocne życie twórcze, skomponował 90 oper.
Znani włoscy kompozytorzy klasyczni pozostawili wieczną spuściznę muzyczną. Ich kantaty, sonaty, serenady, symfonie, opery sprawią przyjemność niejednemu pokoleniu.
Osobliwości percepcji muzyki przez dziecko
Zdaniem psychologów dziecięcych słuchanie dobrej muzyki pozytywnie wpływa na rozwój psychoemocjonalny dziecka. Dobra muzyka, jak wierzą nauczyciele, wprowadza w sztukę i kształtuje gust estetyczny.
Wiele znanych dzieł zostało stworzonych przez kompozytorów klasycznych dla dzieci, z uwzględnieniem ich psychiki, percepcji i specyfiki wieku, czyli do słuchania, podczas gdy inni komponowali różne utwory dla małych wykonawców, łatwo słyszalne dla ucha i technicznie dla nich dostępne.
„Album dziecięcy” Czajkowskiego P.I. dla małych pianistów. Ten album jest dedykacją dla siostrzeńca, który kochał muzykę i był bardzo utalentowanym dzieckiem. Zbiór zawiera ponad 20 utworów, niektóre z nich oparte są na materiale folklorystycznym: motywach neapolitańskich, tańcu rosyjskim, melodiach tyrolskich i francuskich. Zbiór „Piosenki dla dzieci” Czajkowskiego P.I. przeznaczone do percepcji słuchowej odbiorców dziecięcych. Nastrojowe pieśni o wiośnie, ptakach, kwitnącym ogrodzie („Mój ogród”), o współczuciu dla Chrystusa i Boga („Chrystus dzieciątko miał ogród”).
Klasyka dla dzieci
Wielu kompozytorów klasycznych pracowało dla dzieci, których lista dzieł jest bardzo zróżnicowana.
Prokofiew SS „Piotruś i Wilk” to symfoniczna baśń dla dzieci. Dzięki tej bajce dzieci zapoznają się z instrumentami muzycznymi orkiestry symfonicznej. Tekst opowieści napisał sam Prokofiew.
Schumann R. "Sceny dziecięce" to krótkie muzyczne opowieści o prostej fabule, napisane dla dorosłych wykonawców, wspomnienia z dzieciństwa.
Cykl fortepianowy Debussy'ego „Kącik dziecięcy”.
Ravel M. „Matka Gęś” na podstawie baśni Ch. Perraulta.
Bartok B. „Pierwsze kroki przy fortepianie”.
Cykle dla dzieci Gavrilova S. „Dla najmniejszych”; „Bohaterowie bajek”; „Dzieci o zwierzętach”.
Szostakowicz D. „Album utworów fortepianowych dla dzieci”.
Bacha I.S. Zeszyt dla Anny Magdaleny Bach. Ucząc swoje dzieci muzyki, tworzył dla nich specjalne utwory i ćwiczenia rozwijające umiejętności techniczne.
Haydn J. - protoplasta symfonii klasycznej. Stworzył specjalną symfonię o nazwie „Dziecięca”. Użyte instrumenty: gliniany słowik, grzechotka, kukułka - nadają mu niezwykłego brzmienia, dziecinnego i prowokacyjnego.
Saint-Saens K. wymyślił fantazję na orkiestrę i 2 fortepiany zatytułowaną „Karnawał zwierząt”, w której po mistrzowsku oddał gdakanie kurczaków, ryk lwa, samozadowolenie słonia i jego sposób poruszania się, wzruszająco pełen wdzięku łabędź za pomocą środków muzycznych.
Komponując utwory dla dzieci i młodzieży, wielcy kompozytorzy klasyczni dbali o ciekawą fabułę utworu, dostępność proponowanego materiału z uwzględnieniem wieku wykonawcy lub słuchacza.
Prezentacja „Wielcy kompozytorzy włoscy”
slajd 1:
Muzyka zawsze odgrywała ważną rolę w kulturze włoskiej. Instrumenty kojarzone z muzyką klasyczną, w tym fortepian i skrzypce, zostały wynalezione we Włoszech.
W muzyce włoskiej XVI i XVII wieku można prześledzić korzenie wielu dominujących klasycznych form muzycznych, takich jak symfonia, koncert i sonaty.
Slajd 2: Cele prezentacji:
Zapoznanie z twórczością kompozytorów włoskich VII-XX wieku.
Antonio Salieriego;
Niccolo Paganiniego;
Gioacchino Rossiniego;
Giuseppe Verdiego;
Antonio Vivaldiego.
Rozwijaj figuratywne postrzeganie muzyki.
Buduj gust muzyczny.
Kompozytorzy włoscy VII-XX wieku. Krótka informacja biograficzna:
Antonio Salieriego;
Niccolo Paganiniego;
Gioacchino Rossiniego;
Giuseppe Verdiego;
Antonio Vivaldiego.
Koncert instrumentalny A. Vivaldiego „Pory roku”:
Zima;
Wiosna;
Lato;
Jesień.
Epokę baroku reprezentują we Włoszech kompozytorzy Scarlatti, Corelli i Vivaldi, epokę klasycyzmu kompozytorzy Paganini i Rossini, a epokę romantyzmu kompozytorzy Verdi i Puccini.
Klasyczna tradycja muzyczna trwa, o czym świadczy sława niezliczonych teatrów operowych, takich jak La Scala w Mediolanie i San Carlo w Neapolu, oraz wykonawców, takich jak pianista Maurizio Pollini i nieżyjący już tenor Luciano Pavarotti.
Posłuchaj tego kawałka.
Slajd 5:
Gra Paganiniego ujawniła tak szerokie możliwości skrzypiec, że współcześni podejrzewali, że posiada on jakąś tajemnicę ukrytą przed innymi; niektórzy wierzyli nawet, że skrzypek zaprzedał duszę diabłu. Cała sztuka skrzypcowa kolejnych epok rozwijała się pod wpływem stylu Paganiniego. Oto jeden z najsłynniejszych utworów Kaprys nr 24.
Slajd 6:
Pęknięty lód na łyżce
Pokrywa stawu zimowego.
Słońce oślepiło rzekę
Brak dróg - jeden strumień
Ogłowie ciepłe od wiatru.
Wczoraj przywieźli gawrony.
Wszystko ćwierka i mieni się pieszczotą pierwszych wiosennych dni,
I w pośpiechu do mycia. Stary wróbel w kałuży.
Slajd 13:
Tak szybko minęły wiosenne dni,
I nadeszło ciepłe lato.
A słońce jest gorące i promienne.
Przyniósł ze sobą.
Slajd 14:
Spójrz, jest jesień.
Jesienny dzień, smutny dzień,
Liście osiki, żegnaj,
Liść się kręci, liść się kręci
Liść zasypia na ziemi.
BONONCHINI - rodzina włoskich muzyków:
Jan Maria (1642 - 1648) - kompozytor, skrzypek, teoretyk. op. 9 zbiorów sonat, utworów tanecznych. Jest właścicielem traktatu o kontrapunkcie. W ostatnich latach napisał operę kameralną, kilka madrygałów i kantaty solowe.
Jan Batista (1670 - 1747) - jego syn, kompozytor i wiolonczelista. Jego spuścizna obejmuje 40 oper, ponad 250 kantat solowych, około 90 symfonii, koncertów, sonat triowych. Sukces niektórych jego oper w Londynie przewyższył sukces jego głównego rywala, Haendla.
Antonio Maria (1677 - 1726) - kompozytor i wiolonczelista. Autor utworów dla teatru muzycznego i kościoła. Pod względem faktury i harmonii jego muzyka była bardziej wyrafinowana niż muzyka jego starszego brata, ale nigdy nie odniosła takiego sukcesu.
Giovanni Maria junior (1678 - 1753) - przyrodni brat, wiolonczelista, następnie skrzypek w Rzymie, autor utworów wokalnych.
VIVALDI ANTONIO (1678 - 1741)
Największe osiągnięcia należy do gatunku koncertów instrumentalnych. Istotne miejsce w dziedzictwie zajmuje muzyka wokalna. Dążenie do sukcesu w op. gatunku i dużo podróżował, reżyserując swoje produkcje. Pracował w op. teatry Vicenzy, Wenecji, Mantui, Rzymu, Pragi, Wiednia, Ferrary, Amsterdamu. op. OK. 50 oper(przeżył 20), m.in. Tytus Manliusz, Justyn, Wściekły Roland, Wierna Nimfa, Gryzelda, Bajazet. OK. 40 kantat solowych, oratorium Triumphant Judith).
Giuseppe Giordani (ok. 1753 - 1798)
DUNY EGIDIO (1708 - 1775)
Studiował w Neapolu u Durantego. Autor 10 cykli operowych o tekstach Przerzuty, około 20 op. w gatunku francuskim opera komiczna. Wprowadził do niej arietta i recytatywy w stylu włoskim. Ten gatunek nazywa się komedia z ariettami.Opery:„Nero”, „Demofont”, „Artysta zakochany w swoim modelu” (op. komiks).
DURANTE FRANCESCO (1684 - 1755)
włoski kompozytor. Studiował w Neapolu, następnie został pierwszym kapelmistrzem kilku neapolitańskich konserwatoriów. Uważany był za najlepszego nauczyciela kompozycji w Neapolu. Wśród jego uczniów są Duny, Pergolesi, Picchini, Paisiello. W przeciwieństwie do innych. kompozytorzy nie pisali oper. Najcenniejszą częścią jego spuścizny jest muzyka sakralna. Interesujące są także utwory instrumentalne – 12 sonat na klawesyn, 8 koncertów na kwartet, utwory z repertuaru pedagogicznego.
FRANCESCO CAVALLI (1602 - 1676)
Nazywano go Bruni. Był chórzystą i organistą w kościele św. Marka w Wenecji. Zaczął pisać opery, które były pokazywane w teatrach operowych we Włoszech. Po Paryżu, gdzie wystawiono jego operę „Herkules Kochanek” ze śpiewem i tańcem napisanym na potrzeby tego przedstawienia przez młodego Lully’ego, cała dalsza działalność Cavalliego związana była z katedrą św. Ocena. Jest autorem około 30 oper. Dzięki niemu Wenecja XVII wieku. stał się centrum sztuka operowa. Jak późny op. Monteverdiego, op. Cavalli są bogaci w kontrasty i psychologiczne niuanse; żałosne, wręcz tragiczne kulminacje w nich często zastępowane są epizodami komicznego i codziennego planu.
opery: „Miłość Apolla i Dafne”, „Dido”, „Ormindo”, „Jason”, „Calisto”, „Kserkses”, „Kochanek Herkules”
Muzyka duchowa: Msza, 3 Nieszpory, 2 Magnificat, Requiem
Muzyka świecka: arie kantatowe.
KALDAR ANTONIO (1670 - 1736)
Grał na skrzypcach, wiolonczeli, clavier. Komponował niemal wyłącznie muzykę wokalną – oratoria, kantaty, opery seria. Pełnił funkcję dyrygenta kościelnego i teatralnego. Później skomponował szereg utworów na wiedeński karnawał i uroczystości dworskie, a także dla Salzburga. W sumie napisał 3000 kompozycji wokalnych. Metastasio był pierwszym, który umieścił wiele librett w muzyce.
CARISSIMI GIACOMO (1605 - 1674)
Był chórzystą, organistą, kapelmistrzem jezuickiego Colleggio Germanico, przyjął święcenia kapłańskie. Najważniejszą częścią spuścizny są oratoria utrzymane w stylu narracyjno-recytatywnym. Pojedyncze fragmenty z natury rzeczy bliskie są ariam. Ważną rolę odgrywają sceny chóralne. Wśród jego uczniów są A. Chesty, A. Scarlatti, MA Charpentier.
Op.: 4 msze, ok. 100 motetów, 14 oratoriów Belszaccar, Ievfai, Jonah, około 100 świeckich kantat.
GIULIO CACCCINI (1545 - 1618)
Miał zaopatrzenie - rzymskie. Kompozytor, śpiewak, lutnista. Patronował mu książę Cosimo I de Medici, który zabrał go do Florencji, gdzie uczęszczał na spotkania Cameraty i rozwinął nowy styl śpiewu - stile recitativo. Wydał zbiór „Nowa muzyka”, w którym najpełniej odzwierciedlił aspiracje innowacyjne. Zbiór zawiera madrygały i arie stroficzne na głos i basso continuo. Najpopularniejszą piosenką z kolekcji jest Amarilli. W 1614 r. ukazał się drugi zbiór kompozytora Nowe Muzyki i nowy sposób ich pisania. Nazwisko Cacciniego, wybitnego kompozytora i nowatorskiego śpiewaka, nie zostało zapomniane przez cały XVII wiek. Na jego wzór wielu kompozytorów tworzyło kolekcje utworów wokalnych. Dwie córki Cacciniego, Francesca i Settimia, zasłynęły jako śpiewaczki i komponowały muzykę.
MARTINI (1741 - 1816)
Pseudonim Il Tedesco („włoski niemiecki”, prawdziwe nazwisko Schwarzendorf Johann Paul Egidius). niemiecki kompozytor. Przed przeprowadzką do Paryża (1764) służył księciu Lotaryngii. Wykładał w Konserwatorium Paryskim, prowadził orkiestrę dworską.Autor 13 oper, miniatur wokalnych (m.in. popularna pieśń „Plaisir d'amour”.
MARCHELLO ALESSANDRO (1669 - 1747)
Brat B.Marcello. Jako muzyk amator koncertował w swoim weneckim domu. Komponował kantaty solowe, arie, kanzonety, sonaty skrzypcowe i koncerty. Koncerty na obój i smyczki (w sumie 6) należą do najnowszych przykładów weneckiej odmiany baroku tego gatunku. Koncert na obój i smyczki d-moll (ok. 1717) znany jest w opracowaniu JS Bacha na clavier.
MARCHELLO BENEDETTO (1686 - 1739)
Kompozytor, pisarz muzyczny, prawnik, brat A. Marcello. Zajmował wysokie stanowiska rządowe w Wenecji. Dużą popularnością cieszył się zbiór psalmów na 1-4 głosy z basem cyfrowym (łącznie 50). Posiada także inne kompozycje kościelne, oratoryjne, operowe, ponad 400 kantat solowych, duetów, a także sonaty i koncerty, naznaczone wpływami Vivaldiego. W jego muzyce polifoniczne mistrzostwo łączy się z podatnością na nowości szarmancki styl. Ciekawym traktatem Marcella jest satyra na operę seria.
PAISIELLO GIOVANNI (1740 - 1816)
Studiował w Neapolu u Durantego. Zyskał reputację jednego z czołowych mistrzów gatunku opery buffa. Pełnił funkcję kapelmistrza na dworze Katarzyny II w Petersburgu. Wśród tego okresu op. „Cyrulik sewilski”. Po powrocie do Neapolu zaczął pisać półseria operowa(półpoważnie) - „Nina, czyli szalona z miłości”. Krótko służył w Paryżu jako osobisty kapelmistrz Napoleona I. Jakość oper Paisiello wpłynęła na Mozarta - sztukę Muz. zarys charakteru, mistrzostwo w pisaniu orkiestrowym, pomysłowość melodyczna. Opery: Don Kichot , Służąca-pani , Król Teodor w Wenecji , Młynarz , Prozerpina , Pitagorejczycy i co najmniej 75 innych oper.
PERGOLESI GIOVANNI BATISTA (1710 - 1736)
Studiował w Neapolu, jednocześnie pracował jako skrzypek w orkiestrze. Pisał utwory sceniczne z gatunku święty dramat. Zmarł na gruźlicę w wieku 26 lat. Przeszedł do historii jako twórca gatunku opera buffa. Arcydziełem tego gatunku był op. „Pani Pokojówka”. Napisał utwory dla kościoła: „Stabat mater” na sopran, kontralt i orkiestrę, 2 msze, nieszpory, 2 „Salve Regina”, 2 motety.
PERI JACOPO (1561 - 1633)
Kompozytor i śpiewak, ksiądz. Służył jako kompozytor i chórzysta na dworze Medyceusze. Był również znany jako wykonawca na chitarron -(instrument strunowy szarpany, rodzaj lutni basowej, o długości do 2 m, używany głównie do akompaniamentu śpiewu solowego). Uczestniczył w spotkaniach Camerata. Komponował w nowym stylu recytatywnym, naśladując starożytną praktykę śpiewu solowego z akompaniamentem. Pisał opery Dafne, Eurydyka. Skomponował także zbiór utworów wokalnych zawierających kilka przykładów stylu recytatywnego.
PICCINI NICCOLO (1728 - 1800)
Studiował w Neapolu u Durantego. Nie tylko komponował opery, ale także uczył śpiewu, był kapelmistrzem i organistą. Osiedlając się w Paryżu, napisał szereg poważnych i komicznych francuskich. opera. Poważna konkurencja Glucka nie przeszkodziła mu w sukcesie tragedie liryczne„Roland”, „Ifigenia w Taurydzie”, „Dydona”. Międzynarodową sławę przyniosła mu opera „Czekkina, czyli dobra córka” (1760)
SARRI DOMENICO (1679 - 1744)
Studiował w Neapolu, gdzie pełnił funkcję nadwornego kapelmistrza. Wczesne opery, oratoria, serenady utrzymane są w tej samej barokowej manierze, co muzyka wokalna A. Scarlattiego. Jednocześnie jego twórczość przyczyniła się do powstania prostszego i bardziej melodyjnego stylu neapolitańskiego.
SCARLATTI ALESSANDRO (1660 - 1725)
Kapelmistrz teatrów, Kaplicy Królewskiej i Konserwatorium Neapolitańskiego, gdzie wykładał. Wśród studentów są D. Scarlatti, F. Durante, I. A. Hasse. Jeden z założycieli i największy przedstawiciel neapolitańska szkoła operowa. Pod jego kierunkiem powstały takie formy jak aria da capo, uwertura włoska, recytatyw z towarzyszeniem instrumentalnym. op. ponad 125 serial operowy , w tym „Kaprysy miłości lub Rosaura”, „Pasterz koryncki”, „Wielki tamerlan”, „Mitrydates Evpator”, „Telemak” itp. Ponad 700 kantat, 33 serenaty, 8 madrygałów.
SCARLATTI DOMENICO (1685 - 1757)
Syn A. Scarlattiego. Pisał opery, muzykę sakralną i świecką, ale zasłynął jako wirtuoz klawesynisty. Główne miejsce w jego twórczości zajmowały jednoczęściowe kompozycje clavier, które nazywał „ćwiczeniami”. Innowator w dziedzinie techniki clavier. op. ponad 550 sonat clavier, 12 oper, 70 kantat, 3 msze, Stabat Mater, Te Deum
STRADELLA ALESSANDRO (1644 - 1682)
Włoski kompozytor, skomponował muzykę na zamówienie królowej Krystyny. Wśród jego dzieł z okresu rzymskiego dominują prologi i intermezzo, m.in. do oper Cavalli i Honor. Jego życie było pełne skandali i głośnych historii miłosnych. W 1677 uciekł do Genui. Wśród kilku oper wystawionych w Genui wyróżnia się komiks Guardian of Trespolo. Stradella został zabity z zemsty przez najemników rodziny Lomellinich.
Jeden z najbardziej utalentowanych i wszechstronnych kompozytorów swoich czasów. W sumie skomponował około 30 utworów scenicznych, około 200 kantat. Zachowało się 27 kompozycji instrumentalnych.
HONOR ANTONIO (1623 - 1669)
Prawdziwe imię tego franciszkanina to Pietro. W młodości służył jako chórzysta w Arezzo, następnie został nowicjuszem we florenckim klasztorze Santa Croce. Organista katedralny, następnie kapelmistrz w Voltaire, gdzie był patronem rodziny Medyceusze. Kariera Honora jako kompozytora operowego rozpoczęła się w 1649 roku, kiedy jego opera Orontea została z sukcesem wystawiona w Wenecji. W 1652 został nadwornym muzykiem arcyksięcia Ferdynanda Karola w Innsbrucku i został usunięty ze stanowiska. Od 1665 służył na wiedeńskim dworze cesarskim. W krótkim czasie spędzonym w Wiedniu stworzył wiele oper, m.in. okazały " Złote jabłko" , który zbiegł się w czasie ze ślubem Leopolda I. Na krótko przed śmiercią został mianowany dyrygentem na dworze toskańskim we Florencji.
