Os maiores artistas de Ukiyo-e. Hokusai - o mundo do Japão Artistas contemporâneos japoneses, marido e mulher

A arte japonesa em geral e a pintura japonesa em particular parecem complexas e obscuras para muitos ocidentais, tal como a cultura do Oriente em geral. Além disso, é raro alguém distinguir entre os estilos de pintura japonesa. Mas seria bom que uma pessoa culta, principalmente se for um conhecedor de beleza, entendesse esse assunto.

Cultura e pintura japonesas nos tempos antigos

Representantes da antiga cultura Jomon (por volta de 7.000 aC) se dedicavam à fabricação de estatuetas de barro, principalmente estatuetas de mulheres. Num período posterior, os recém-chegados começaram a fabricar armas de cobre, sinos de bronze com figuras desenhadas esquematicamente e cerâmicas primitivas. Pinturas murais de tumbas antigas e imagens de contornos em sinos são consideradas os primeiros exemplos de pintura japonesa.

Influência do Budismo e da cultura chinesa

O desenvolvimento das artes plásticas no Japão recebeu um sério impulso com a chegada do Budismo da Coreia e da China ao território japonês. As pessoas no poder demonstraram particular interesse pelo Budismo. A pintura dos séculos VII a IX copiou quase completamente a tradição visual chinesa: os principais temas da época eram Buda, tudo relacionado a ele e cenas da vida de divindades budistas. No século 10, a pintura japonesa foi fortemente influenciada pela escola do Budismo da Terra Pura.

Nos séculos VI e VII, iniciou-se a construção de templos e mosteiros em todo o Japão, o que exigia uma decoração temática especial. A pintura das paredes do templo é um dos estágios iniciais no desenvolvimento da arte japonesa. Exemplos vívidos de pintura em templos são os murais dos templos de Asuka-dera, Shitenoji e Horyuji. Algumas das obras mais destacadas da época estão no Salão Dourado do Templo Horyuji. Além de pinturas murais, estátuas de Buda e outras divindades foram instaladas nos templos.

Em meados do período Hainan, a escola chinesa de pintura foi substituída no Japão por um estilo próprio chamado Yamato-e. Pinturas no estilo Yamato-e decoravam biombos e portas de correr, via de regra o tema principal de Yamato-e era Kyoto e cenas da vida da cidade. Folhas de paisagens e ilustrações em pergaminhos (emaki) como principais formatos de pintura surgiram quase simultaneamente com Yamato-e. As obras mais famosas do estilo emaki podem ser vistas no épico japonês The Tale of Genji, que data de 1130, embora pudesse ter sido escrito antes.

Durante a transição do poder da aristocracia para o samurai, os aristocratas, temendo perder suas riquezas, muitas vezes investiram seus fundos em obras de arte, patrocinando artistas famosos da época de todas as maneiras possíveis. Exemplos clássicos de trabalhos escolhidos pelos aristocratas, via de regra, foram desenhados no estilo do conservadorismo. Os samurais preferiam o realismo; durante o período Kamakura (1185-1333) essas duas tendências prevaleceram nas belas artes do Japão.

No século 13, a cultura japonesa foi fortemente influenciada pelo Zen Budismo. A pintura a tinta era amplamente praticada nos mosteiros de Kamakura e Kyoto; as pinturas a tinta eram mais frequentemente usadas para decorar pergaminhos, tapeçarias de parede ou pergaminhos tubulares. Os desenhos a tinta eram em um estilo monocromático simples, essencialmente um estilo de pintura que veio para o Japão vindo da China dos impérios Song (960-1279) e Yuan (1279-1368). No final de 1400, pinturas monocromáticas a tinta chamadas shibokuga tornaram-se especialmente populares.

Pintura do período Edo

Em 1600, o xogunato Tokugawa chegou ao poder, e relativa ordem e estabilidade reinavam no país, e isso se manifestou em todas as esferas da vida - da economia à política. A classe mercantil começou a enriquecer rapidamente e a mostrar interesse pela arte.

Pinturas do período 1624-1644 retratam representantes de várias classes e classes da sociedade japonesa reunidos em um dos distritos de Kyoto, perto do rio Kamogawa. Áreas semelhantes existiam em Osaka e Edo. Um estilo ukiyo-e separado apareceu na pintura; seus temas se concentravam em pontos quentes e no teatro kabuki. Obras no estilo ukiyo-e tornaram-se populares em todo o país; no início do século XVIII, o estilo ukiyo-e era mais frequentemente representado na forma de xilogravuras. As primeiras imagens impressas neste estilo foram dedicadas a temas ou textos sensuais e eróticos. No final do século XVIII, o centro da atividade da pintura ukiyo-e mudou da região de Kyoto-Osaka para Edo, onde retratos de atores kabuki e imagens de belezas japonesas ocuparam o centro da galeria de temas.

O final do século 18 é considerado a era de ouro do estilo ukiyo-e. Nessa época, o maravilhoso artista japonês Torii Kienaga estava trabalhando, retratando principalmente graciosas belezas e nus japoneses. A partir de 1790, novas tendências e artistas começaram a aparecer no cenário artístico, entre os quais os mais famosos foram Kitagawa Utamaro, Katsuhika Hokusai, Ando Hiroshige e Utagawa Kunieshi.

Para representantes da escola de arte ocidental, o estilo japonês ukiyo-e tornou-se não apenas um dos estilos de pintura exóticos, mas uma verdadeira fonte de inspiração e empréstimo de certos detalhes. Artistas como Edgar Degas e Vincent van Gogh usaram composições estilísticas, perspectivas e cores Ukiyo-e em suas obras. Na arte ocidental, o tema da natureza não era muito popular, mas no Japão a natureza e os animais eram pintados com bastante frequência, o que por sua vez expandiu um pouco os temas dos mestres ocidentais. O artista e mestre vidreiro francês Emile Galle utilizou desenhos de peixes de Hokusai na decoração de seus vasos.

Durante a era do Imperador Meiji (1868-1912) e suas políticas pró-Ocidente, o estilo ukiyo-e, sempre intimamente associado à cultura popular nacional, desacelerou significativamente o seu desenvolvimento e praticamente entrou em decadência. Cada vez mais motivos ocidentais apareciam nas obras de artistas japoneses; o estilo da arte europeia influenciou em grande parte o trabalho de artistas japoneses como Maruyama Okio, Matsumora Goshun e Ito Yakushu, que, apesar de toda a sua europeização, combinaram habilmente as tradições japonesas, Pintura chinesa e ocidental em suas obras.

Pintura japonesa contemporânea

Durante o período Meiji, a cultura japonesa passou por transformações bastante radicais: as tecnologias ocidentais foram introduzidas em todos os lugares e esse processo não contornou as artes plásticas. O governo enviou muitos artistas para estudar na Europa e nos Estados Unidos, enquanto na cultura havia uma luta bastante notável entre as inovações ocidentais e os estilos tradicionais japoneses. Isto continuou durante várias décadas e, eventualmente, a influência ocidental na arte japonesa tornou-se predominante durante o período Taisho (1912-1926).

Hokusai, um artista japonês do século XVIII, criou uma quantidade estonteante de obras de arte. Hokusai trabalhou até a velhice, invariavelmente afirmando que “tudo o que ele fez antes dos 70 anos não valia a pena e não merecia atenção”.

Talvez o artista japonês mais famoso do mundo, sempre se destacou entre os colegas contemporâneos pelo interesse pela vida cotidiana. Em vez de retratar gueixas glamorosas e samurais heróicos, Hokusai pintou trabalhadores, pescadores e cenas de gênero urbano, que ainda não eram objeto de interesse da arte japonesa. Ele também adotou uma abordagem europeia à composição.

Aqui está uma pequena lista de termos-chave para ajudá-lo a navegar um pouco pelo trabalho de Hokusai.

1 Ukiyo-e são gravuras e pinturas populares no Japão entre os anos 1600 e 1800. Um movimento nas belas artes japonesas que se desenvolveu desde o período Edo. Este termo vem da palavra "ukyo", que significa "mundo mutável". Uikiye é uma alusão às alegrias hedonistas da crescente classe mercantil. Nessa direção, Hokusai é o artista mais famoso.

Hokusai usou pelo menos trinta pseudônimos ao longo de sua vida. Apesar de o uso de pseudônimos ser uma prática comum entre os artistas japoneses da época, ele superou significativamente outros grandes autores em número de pseudônimos. Os pseudônimos de Hokusai são frequentemente usados ​​para periodizar as etapas de seu trabalho.

2 O período Edo é o período entre 1603 e 1868 na história japonesa, quando se notou o crescimento económico e um novo interesse pela arte e pela cultura.

3Shunrō é o primeiro apelido de Hokusai.

4 Shunga significa literalmente “imagem da primavera” e “primavera” é uma gíria japonesa para sexo. Trata-se, portanto, de gravuras de cunho erótico. Eles foram criados pelos artistas mais respeitados, incluindo Hokusai.

5 Surimono. O mais recente “surimono”, como eram chamadas essas estampas personalizadas, foi um grande sucesso. Ao contrário das gravuras ukiyo-e, destinadas ao público em massa, o surimono raramente era vendido ao público em geral.

6 O Monte Fuji é uma montanha simétrica que é a mais alta do Japão. Ao longo dos anos, inspirou muitos artistas e poetas, incluindo Hokusai, que publicou a série ukiyo-e Trinta e Seis Vistas do Monte Fuji. Esta série inclui as gravuras mais famosas de Hokusai.

7 O japonismo é a influência duradoura que Hokusai teve nas gerações subsequentes de artistas ocidentais. Japonisme é um estilo inspirado nas cores vibrantes das estampas ukiyo-e, na falta de perspectiva e na experimentação composicional.

A pintura japonesa é um movimento absolutamente único na arte mundial. Existe desde a antiguidade, mas como tradição não perdeu a popularidade e a capacidade de surpreender.

Atenção às tradições

O Oriente não se trata apenas de paisagens, montanhas e do sol nascente. Estas também são as pessoas que criaram sua história. São estas pessoas que apoiam a tradição da pintura japonesa há muitos séculos, desenvolvendo e valorizando a sua arte. Aqueles que deram uma contribuição significativa para a história são artistas japoneses. Graças a eles, os modernos mantiveram todos os cânones da pintura tradicional japonesa.

Forma de execução de pinturas

Ao contrário da Europa, os artistas japoneses preferiam pintar mais perto dos gráficos do que da pintura. Nessas pinturas você não encontrará as pinceladas a óleo ásperas e descuidadas que são tão características dos impressionistas. Qual é a natureza gráfica de artes como árvores, rochas, animais e pássaros japoneses - tudo nessas pinturas é desenhado da forma mais clara possível, com linhas de tinta sólidas e confiantes. Todos os objetos da composição devem ter contorno. O preenchimento interno do contorno geralmente é feito com aquarela. A cor é desbotada, outras tonalidades são adicionadas e em algum lugar fica a cor do papel. A decoratividade é precisamente o que distingue as pinturas japonesas da arte do mundo inteiro.

Contrastes na pintura

O contraste é outra técnica característica utilizada pelos artistas japoneses. Pode ser uma diferença de tom, cor ou contraste de tons quentes e frios.

O artista recorre a esta técnica quando quer destacar algum elemento do tema. Pode ser uma veia de uma planta, uma pétala separada ou um tronco de árvore contra o céu. Em seguida, a parte clara e iluminada do objeto e a sombra abaixo dele são representadas (ou vice-versa).

Transições e soluções de cores

Ao pintar pinturas japonesas, as transições são frequentemente usadas. Eles podem ser diferentes: por exemplo, de uma cor para outra. Nas pétalas de nenúfares e peônias você pode notar uma transição de um tom claro para uma cor rica e brilhante.

As transições também são usadas na imagem da superfície da água e do céu. A transição suave do pôr do sol para o crepúsculo escuro e cada vez mais profundo parece muito bonita. Ao desenhar nuvens, também são utilizadas transições de diferentes tonalidades e reflexos.

Motivos básicos da pintura japonesa

Na arte, tudo está interligado com a vida real, com os sentimentos e emoções dos envolvidos. Tal como na literatura, na música e em outras formas de criatividade, existem vários temas eternos na pintura. São temas históricos, imagens de pessoas e da natureza.

As paisagens japonesas apresentam muitas variedades. Freqüentemente, nas pinturas há imagens de lagos - uma peça de mobiliário favorita dos japoneses. Um lago decorativo, vários nenúfares e bambus próximos - é assim que se parece uma imagem típica dos séculos XVII-XVIII.

Animais na pintura japonesa

Os animais também são um elemento frequentemente recorrente na pintura asiática. Tradicionalmente é um tigre rondante ou um gato doméstico. Em geral, os asiáticos gostam muito e por isso seus representantes são encontrados em todas as formas de arte oriental.

O mundo da fauna é outro tema seguido pela pintura japonesa. Pássaros - grous, papagaios decorativos, pavões luxuosos, andorinhas, pardais imperceptíveis e até galos - todos encontrados em desenhos de mestres orientais.

Peixes é um tema igualmente relevante para os artistas japoneses. A carpa Koi é a versão japonesa do peixinho dourado. Essas criaturas vivem na Ásia em todos os reservatórios, até mesmo em pequenos parques e jardins. A carpa Koi é um tipo de tradição que pertence especificamente ao Japão. Esses peixes simbolizam luta, determinação e alcance de seu objetivo. Não é à toa que são retratados flutuando com a corrente, sempre com cristas de ondas decorativas.

Pinturas japonesas: representação de pessoas

As pessoas na pintura japonesa são um tema especial. Artistas retratavam gueixas, imperadores, guerreiros e anciãos.

As gueixas são retratadas rodeadas de flores, sempre vestindo vestes elaboradas com muitas dobras e elementos.

Os sábios são retratados sentados ou explicando algo aos seus alunos. A imagem do velho cientista é um símbolo da história, cultura e filosofia da Ásia.

O guerreiro foi retratado como formidável, às vezes assustador. Os longos foram desenhados detalhadamente e pareciam arame.

Normalmente todos os detalhes da armadura são esclarecidos com tinta. Freqüentemente, os guerreiros nus são decorados com tatuagens representando um dragão oriental. É um símbolo da força e do poderio militar do Japão.

Governantes foram representados para famílias imperiais. Lindas roupas e enfeites no cabelo dos homens são o que abundam nessas obras de arte.

Paisagens

Paisagem japonesa tradicional - montanhas. Os pintores asiáticos conseguiram representar uma variedade de paisagens: podem representar o mesmo pico em cores diferentes, com atmosferas diferentes. A única coisa que permanece inalterada é a presença obrigatória de flores. Normalmente, junto com as montanhas, o artista retrata algum tipo de planta em primeiro plano e desenha-a detalhadamente. As montanhas e as flores de cerejeira são lindas. E se pintam pétalas caindo, o quadro evoca admiração por sua triste beleza. O contraste na atmosfera da imagem é outra qualidade maravilhosa da cultura japonesa.

Hieróglifos

Freqüentemente, a composição de uma imagem na pintura japonesa é combinada com a escrita. Os hieróglifos são organizados de forma que tenham uma bela composição. Geralmente são desenhados à esquerda ou à direita da pintura. Os hieróglifos podem representar o que está representado na pintura, seu título ou o nome do artista.

O Japão é um dos países mais ricos em história e cultura. Em todo o mundo, os japoneses são geralmente considerados pessoas pedantes que encontram estética em absolutamente todas as manifestações da vida. Portanto, as pinturas japonesas são sempre muito harmoniosas em cores e tons: se há salpicos de alguma cor viva, é apenas nos centros semânticos. Usando pinturas de artistas asiáticos como exemplo, você pode estudar a teoria das cores, a representação correta da forma usando gráficos e a composição. A técnica de execução das pinturas japonesas é tão elevada que pode servir de exemplo para trabalhar com aquarelas e realizar “lavagens” de obras gráficas.

Olá, queridos leitores – buscadores do conhecimento e da verdade!

Os artistas japoneses têm um estilo único, aprimorado por gerações inteiras de mestres. Hoje falaremos sobre os mais destacados representantes da pintura japonesa e suas pinturas, desde a antiguidade até os tempos modernos.

Bem, vamos mergulhar na arte da Terra do Sol Nascente.

O Nascimento da Arte

A antiga arte da pintura no Japão está principalmente associada às peculiaridades da escrita e, portanto, é construída sobre os fundamentos da caligrafia. As primeiras amostras incluem fragmentos de sinos de bronze, pratos e utensílios domésticos encontrados durante escavações. Muitos deles foram pintados com tintas naturais, e pesquisas dão motivos para acreditar que os produtos foram fabricados antes de 300 aC.

Uma nova rodada de desenvolvimento artístico começou com a chegada ao Japão. Imagens de divindades do panteão budista, cenas da vida do Mestre e seus seguidores foram aplicadas em emakimono - pergaminhos de papel especiais.

A predominância de temas religiosos na pintura pode ser traçada no Japão medieval, nomeadamente dos séculos X a XV. Os nomes dos artistas daquela época, infelizmente, não sobreviveram até hoje.

No período dos séculos XV-XVIII iniciou-se um novo tempo, caracterizado pelo surgimento de artistas com um estilo individual desenvolvido. Eles delinearam o vetor para o desenvolvimento das artes plásticas.

Representantes brilhantes do passado

Tenso Xubun (início do século 15)

Para se tornar um mestre notável, Xiubun estudou as técnicas de escrita dos artistas Song da China e suas obras. Posteriormente, tornou-se um dos fundadores da pintura no Japão e criador do sumi-e.

Sumi-e é um estilo de arte baseado no desenho a tinta, o que significa uma cor.

Syubun fez muito para garantir que o novo estilo se enraizasse nos círculos artísticos.Ele ensinou arte a outros talentos, incluindo futuros pintores famosos, como Sesshu.

A pintura mais popular de Xiubun chama-se "Leitura em um Bosque de Bambu".

"Lendo no Bosque de Bambu" por Tense Xubun

Hasegawa Tohaku (1539–1610)

Ele se tornou o criador de uma escola com seu nome - Hasegawa. A princípio ele tentou seguir os cânones da escola Kano, mas aos poucos sua “caligrafia” individual começou a ser traçada em suas obras. Tohaku foi guiado pelos gráficos de Sesshu.

A base das obras eram paisagens simples, lacônicas, mas realistas, com títulos simples:

• "Pinheiros";
• "Bordo";
• "Pinheiros e plantas com flores."

"Pinheiros" de Hasegawa Tohaku

Irmãos Ogata Korin (1658-1716) e Ogata Kenzan (1663-1743)

Os irmãos eram excelentes artesãos do século XVIII. O mais velho, Ogata Korin, dedicou-se inteiramente à pintura e fundou o gênero rimpa. Evitou imagens estereotipadas, preferindo o gênero impressionista.

Ogata Korin pintou a natureza em geral e flores na forma de abstrações brilhantes em particular. Seus pincéis pertencem às pinturas:

• “Flor de ameixa vermelha e branca”;
• “Ondas de Matsushima”;
• "Crisântemos".

"Ondas de Matsushima" de Ogata Korin

O irmão mais novo, Ogata Kenzan, tinha muitos pseudônimos. Embora se dedicasse à pintura, era mais famoso como um maravilhoso ceramista.

Ogata Kenzan dominou muitas técnicas de criação de cerâmica. Ele se destacou por uma abordagem não padronizada, por exemplo, criou placas em forma de quadrado.

A sua própria pintura não se distinguia pelo esplendor - esta era também a sua peculiaridade. Ele adorava aplicar caligrafia em formato de pergaminho ou trechos de poesia em seus itens. Às vezes eles trabalhavam juntos com o irmão.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Ele criou no estilo ukiyo-e - uma espécie de xilogravura, ou seja, pintura gravura. Durante toda a sua carreira, ele mudou cerca de 30 nomes. Sua obra mais famosa é “A Grande Onda de Kanagawa”, graças à qual se tornou famoso fora de sua terra natal.

"A Grande Onda de Kanagawa" por Hokusai Katsushika

Hokusai começou a trabalhar especialmente a partir dos 60 anos, o que trouxe bons resultados. Van Gogh, Monet e Renoir conheciam sua obra e, até certo ponto, ela influenciou a obra dos mestres europeus.

Ando Hiroshige (1791-1858)

Um dos maiores artistas do século XIX. Ele nasceu, viveu e trabalhou em Edo, deu continuidade ao trabalho de Hokusai e foi inspirado por suas obras. A forma como ele retratou a natureza é quase tão impressionante quanto o número de obras em si.

Edo é o antigo nome de Tóquio.

Aqui estão algumas figuras sobre sua obra, representadas por uma série de pinturas:

• 5,5 mil – o número de todas as gravuras;
• “100 vistas de Edo;
• “36 vistas de Fuji”;
• “69 estações de Kisokaido”;
• "53 Estações Tokaido."

Pintura de Ando Hiroshige

Curiosamente, o eminente Van Gogh pintou algumas cópias de suas gravuras.

Modernidade

Takashi Murakami

Artista, escultor, estilista, ganhou nome já no final do século XX. Em seu trabalho, segue as tendências da moda com elementos clássicos e se inspira em desenhos de anime e mangá.

Pintura de Takashi Murakami

As obras de Takashi Murakami são consideradas uma subcultura, mas ao mesmo tempo são incrivelmente populares. Por exemplo, em 2008, uma de suas obras foi comprada em leilão por mais de 15 milhões de dólares. Ao mesmo tempo, o criador moderno trabalhou em conjunto com as casas de moda Marc Jacobs e Louis Vuitton.

Tranquilo Ashima

Colega do artista anterior, ela cria pinturas surreais modernas. Eles retratam vistas de cidades, ruas de megalópoles e criaturas como se fossem de outro universo - fantasmas, espíritos malignos, garotas alienígenas. No fundo das pinturas, muitas vezes você pode notar uma natureza imaculada, às vezes até assustadora.

Suas pinturas atingem grandes tamanhos e raramente se limitam ao papel. Eles são transferidos para couro e materiais plásticos.

Em 2006, no âmbito de uma exposição na capital britânica, uma mulher criou cerca de 20 estruturas em arco que refletiam a beleza da natureza da aldeia e da cidade, dia e noite. Um deles decorou uma estação de metrô.

Oi Arakawa

O jovem não pode ser chamado apenas de artista no sentido clássico da palavra - ele cria instalações tão populares na arte do século XXI. Os temas de suas exposições são verdadeiramente japoneses e abordam as relações de amizade, bem como o trabalho de toda a equipe.

Hei Arakawa participa frequentemente de várias bienais, por exemplo, em Veneza, expõe no Museu de Arte Moderna de sua terra natal e recebe merecidamente vários tipos de prêmios.

Ikenaga Yasunari

O pintor contemporâneo Ikenaga Yasunari conseguiu combinar duas coisas aparentemente incompatíveis: a vida das meninas modernas em forma de retrato e as técnicas tradicionais japonesas dos tempos antigos. Em sua obra, o pintor utiliza pincéis especiais, tintas pigmentadas naturais, tinta e carvão. Em vez do linho habitual - tecido de linho.

Pintura de Ikenaga Yasunari

Esta técnica de contrastar a época retratada e a aparência das heroínas cria a impressão de que elas voltaram do passado para nós.

Uma série de pinturas sobre as complexidades da vida de um crocodilo, recentemente popular na comunidade da Internet, também foi criada pelo cartunista japonês Keigo.

Conclusão

Assim, a pintura japonesa começou por volta do século III a.C., e mudou muito desde então. As primeiras imagens foram aplicadas à cerâmica, depois os motivos budistas começaram a predominar nas artes, mas os nomes dos autores não sobreviveram até hoje.

Na era moderna, os mestres do pincel adquiriram cada vez mais individualidade e criaram diferentes direções e escolas. As belas-artes de hoje não se limitam à pintura tradicional - são utilizadas instalações, caricaturas, esculturas artísticas e estruturas especiais.

Muito obrigado pela atenção, queridos leitores! Esperamos que nosso artigo tenha sido útil para você e que as histórias sobre a vida e obra dos mais brilhantes representantes da arte tenham permitido que você os conhecesse melhor.

Claro, é difícil falar sobre todos os artistas desde a antiguidade até o presente em um artigo. Portanto, que este seja o primeiro passo para a compreensão da pintura japonesa.

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Arte e Design

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01.02.18 09:02

O cenário artístico atual no Japão é muito diversificado e provocante: olhando as obras de mestres da Terra do Sol Nascente, você vai pensar que chegou a outro planeta! Lar de inovadores que mudaram o cenário da indústria em escala global. Aqui está uma lista de 10 artistas japoneses contemporâneos e suas criações, desde as incríveis criaturas de Takashi Murakami (que hoje comemora seu aniversário) até o colorido universo de Kusama.

De mundos futuristas a constelações pontilhadas: artistas japoneses contemporâneos

Takashi Murakami: tradicionalista e clássico

Vamos começar com o herói da ocasião! Takashi Murakami é um dos artistas contemporâneos mais emblemáticos do Japão, trabalhando em pinturas, esculturas em grande escala e roupas da moda. O estilo de Murakami é influenciado por mangá e anime. Ele é o fundador do movimento Superflat, que apoia as tradições artísticas japonesas e a cultura do pós-guerra do país. Murakami promoveu muitos de seus colegas contemporâneos, e também conheceremos alguns deles hoje. As obras “subculturais” de Takashi Murakami são apresentadas nos mercados de arte da moda e da arte. Seu provocativo My Lonesome Cowboy (1998) foi vendido em Nova York, na Sotheby's, em 2008, por um valor recorde de US$ 15,2 milhões. Murakami colaborou com marcas mundialmente famosas Marc Jacobs, Louis Vuitton e Issey Miyake.

Silenciosamente Ashima e seu universo surreal

Membro da produtora de arte Kaikai Kiki e do movimento Superflat (ambos fundados por Takashi Murakami), Chicho Ashima é conhecida por suas paisagens urbanas fantásticas e estranhas criaturas pop. O artista cria sonhos surreais habitados por demônios, fantasmas, jovens belezas, retratados tendo como pano de fundo uma natureza bizarra. Seus trabalhos são geralmente em grande escala e impressos em papel, couro e plástico. Em 2006, este artista japonês contemporâneo participou do Art on the Underground em Londres. Ela criou 17 arcos consecutivos para a plataforma - a paisagem mágica mudou gradualmente do dia para a noite, do urbano para o rural. Este milagre floresceu na estação de metrô Gloucester Road.

Chiharu Shima e os fios sem fim

Outro artista, Chiharu Shiota, trabalha em instalações visuais de grande escala para pontos de referência específicos. Ela nasceu em Osaka, mas agora mora na Alemanha - em Berlim. Os temas centrais do seu trabalho são o esquecimento e a memória, os sonhos e a realidade, o passado e o presente, e também o enfrentamento da ansiedade. As obras mais famosas de Chiharu Shiota são redes impenetráveis ​​​​de fio preto que envolvem uma variedade de objetos do cotidiano e pessoais, como cadeiras velhas, um vestido de noiva, um piano queimado. No verão de 2014, Shiota amarrou sapatos e botas doados (que eram mais de 300) com fios de lã vermelha e os pendurou em ganchos. A primeira exposição de Chiharu na capital alemã aconteceu durante a Semana de Arte de Berlim em 2016 e causou sensação.

Ei Arakawa: em todo lugar, em lugar nenhum

Hei Arakawa é inspirado em estados de mudança, períodos de instabilidade, elementos de risco, e suas instalações muitas vezes simbolizam temas de amizade e trabalho em equipe. O credo do artista japonês contemporâneo é definido pelo performativo e indefinido “em todo lugar, mas em lugar nenhum”. Suas criações surgem em lugares inesperados. Em 2013, as obras de Arakawa foram expostas na Bienal de Veneza e na exposição de arte contemporânea japonesa no Mori Museum of Art (Tóquio). A instalação Hawaiian Presence (2014) foi uma colaboração com a artista nova-iorquina Carissa Rodriguez e foi incluída na Bienal de Whitney. Também em 2014, Arakawa e seu irmão Tomu, atuando como uma dupla chamada United Brothers, ofereceram aos visitantes da Frieze London seu “trabalho” “The This Soup Taste Ambivalent” com raízes “radioativas” de Fukushima daikon.

Koki Tanaka: relacionamentos e repetições

Em 2015, Koki Tanaka foi reconhecido como “Artista do Ano”. Tanaka explora a experiência partilhada de criatividade e imaginação, incentiva o intercâmbio entre os participantes do projeto e defende novas regras de colaboração. Sua instalação no pavilhão japonês da Bienal de Veneza 2013 consistiu em vídeos de objetos que transformaram o espaço em plataforma de intercâmbio artístico. As instalações de Koki Tanaka (não confundir com seu ator homônimo) ilustram a relação entre objetos e ações, por exemplo, o vídeo contém gravações de gestos simples realizados com objetos comuns (uma faca cortando vegetais, cerveja sendo servida em um copo , abrindo um guarda-chuva). Nada de significativo acontece, mas a repetição obsessiva e a atenção aos mínimos detalhes fazem o espectador apreciar o mundano.

Mariko Mori e formas simplificadas

Outra artista japonesa contemporânea, Mariko Mori, “evoca” objetos multimídia, combinando vídeos, fotografias e objetos. Ela é caracterizada por uma visão futurista minimalista e formas surreais elegantes. Um tema recorrente na obra de Mori é a justaposição da lenda ocidental com a cultura ocidental. Em 2010, Mariko fundou a Fundação Fau, uma organização educacional e cultural sem fins lucrativos, para a qual criou uma série de instalações artísticas em homenagem aos seis continentes habitados. Mais recentemente, a instalação permanente da Fundação “Anel: Um com a Natureza” foi erguida sobre uma pitoresca cachoeira em Resende, perto do Rio de Janeiro.

Ryoji Ikeda: síntese de som e vídeo

Ryoji Ikeda é um artista e compositor de novas mídias cujo trabalho lida principalmente com o som em vários estados “brutos”, desde ondas senoidais até ruído usando frequências no limite da audição humana. Suas instalações imersivas incluem sons gerados por computador que são visualmente transformados em projeções de vídeo ou padrões digitais. A arte audiovisual de Ikeda utiliza escala, luz, sombra, volume, sons eletrônicos e ritmo. A famosa instalação de testes do artista consiste em cinco projetores que iluminam uma área de 28 metros de comprimento e 8 metros de largura. A configuração converte dados (texto, sons, fotos e filmes) em códigos de barras e padrões binários de uns e zeros.

Tatsuo Miyajima e contadores LED

O escultor e artista de instalações japonês contemporâneo Tatsuo Miyajima usa circuitos elétricos, vídeos, computadores e outros dispositivos em sua arte. Os conceitos centrais de Miyajima são inspirados em ideias humanísticas e ensinamentos budistas. Os contadores de LED em suas instalações piscam continuamente em repetição de 1 a 9, simbolizando a jornada da vida à morte, mas evitando a finalidade que é representada pelo 0 (o zero nunca aparece na obra de Tatsuo). Os números onipresentes em grades, torres e diagramas expressam o interesse de Miyajima nas ideias de continuidade, eternidade, conexão e fluxo de tempo e espaço. Recentemente, "Arrow of Time" de Miyajima foi exibido na exposição inaugural "Unfinished Thoughts Visible in New York".

Nara Yoshimoto e as crianças más

Nara Yoshimoto cria pinturas, esculturas e desenhos de crianças e cães – temas que refletem os sentimentos infantis de tédio e frustração e a independência feroz que surge naturalmente nas crianças pequenas. A estética do trabalho de Yoshimoto lembra as tradicionais ilustrações de livros, uma mistura de tensão inquieta e o amor do artista pelo punk rock. Em 2011, a primeira exposição individual de Yoshimoto, intitulada "Yoshitomo Nara: Ninguém é tolo", foi realizada no Asia Society Museum, em Nova York, cobrindo a carreira de 20 anos do artista japonês contemporâneo. As exposições estavam intimamente relacionadas às subculturas juvenis globais e sua alienação e protesto.

Yayoi Kusama e o espaço crescendo em formas estranhas

A incrível biografia criativa de Yayoi Kusama dura sete décadas. Nessa época, a incrível japonesa conseguiu estudar as áreas de pintura, grafismo, colagem, escultura, cinema, gravura, arte ambiental, instalação, além de literatura, moda e design de vestuário. Kusama desenvolveu um estilo muito distinto de arte pontilhada que se tornou sua marca registrada. As visões ilusórias retratadas no trabalho de Kusama, de 88 anos – onde o mundo parece estar coberto de formas estranhas e extensas – são o resultado de alucinações que ela experimenta desde a infância. Salas com pontos coloridos e espelhos “infinitos” refletindo seus aglomerados são reconhecíveis e não podem ser confundidas com mais nada.