As óperas mais famosas do mundo. História do gênero Obras de ópera de compositores russos do século XIX

O autor do ensaio é N. V. Tumanina

A ópera russa é a contribuição mais valiosa para o tesouro do teatro musical mundial. Nascido na era do apogeu clássico da ópera italiana, francesa e alemã, ópera russa no século XIX. não apenas alcançou outras escolas de ópera nacionais, mas também as ultrapassou. A natureza multilateral do desenvolvimento do teatro de ópera russo no século XIX. contribuiu para o enriquecimento da arte realista mundial. As obras dos compositores russos abriram um novo campo de criatividade operística, introduziram novos conteúdos nela, novos princípios para a construção da dramaturgia musical, aproximando a arte da ópera de outros tipos de criatividade musical, principalmente da sinfonia.

A história da ópera clássica russa está intimamente ligada ao desenvolvimento da vida social na Rússia, ao desenvolvimento do pensamento russo avançado. A ópera se destacou por essas conexões já no século XVIII, tendo surgido como fenômeno nacional na década de 70, época do desenvolvimento do iluminismo russo. A formação da escola de ópera russa foi influenciada pelas ideias iluministas, expressas no desejo de retratar com fidelidade a vida do povo.

Assim, a ópera russa desde seus primeiros passos se configura como uma arte democrática. Os enredos das primeiras óperas russas frequentemente apresentavam ideias anti-servidão, que também eram características do teatro dramático russo e da literatura russa no final do século XVIII. No entanto, essas tendências ainda não haviam se desenvolvido em um sistema integral; elas foram expressas empiricamente em cenas da vida dos camponeses, mostrando sua opressão pelos latifundiários, em uma representação satírica da nobreza. Tais são os enredos das primeiras óperas russas: "Infortúnio da Carruagem" de V. A. Pashkevich (c. 1742-1797), libreto de Ya. B. Kniazhnin (pós, em 1779); "Coachmen on a setup" E. I. Fomina (1761-1800). Na ópera "O Miller - um feiticeiro, um enganador e um casamenteiro" com texto de A. O. Ablesimov e música de M. M. Sokolovsky (na segunda versão - E. I. Fomina), a ideia da nobreza da obra de um fazendeiro é expresso e a arrogância nobre é ridicularizada. Na ópera de M. A. Matinsky - V. A. Pashkevich "St. Petersburg Gostiny Dvor", um usurário e um suborno são retratados de forma satírica.

As primeiras óperas russas eram peças com episódios musicais no decorrer da ação. Cenas de conversação eram muito importantes neles. A música das primeiras óperas estava intimamente ligada às canções folclóricas russas: os compositores fizeram uso extensivo das melodias das canções folclóricas existentes, retrabalhando-as, tornando-as a base da ópera. Em "Melnik", por exemplo, todas as características dos personagens são dadas com a ajuda de canções folclóricas de natureza diversa. Na ópera "St. Petersburg Gostiny Dvor", uma cerimônia de casamento folclórica é reproduzida com grande precisão. Em "Coachmen on a Frame", Fomin criou o primeiro exemplo de uma ópera coral folclórica, estabelecendo assim uma das Tradições típicas da ópera russa posterior.

A ópera russa se desenvolveu na luta por sua identidade nacional. A política da corte real e do topo da nobre sociedade, patrocinando trupes estrangeiras, era dirigida contra a democracia da arte russa. As figuras da ópera russa tiveram que aprender as habilidades da ópera nas amostras da ópera da Europa Ocidental e, ao mesmo tempo, defender a independência de sua direção nacional. Essa luta por muitos anos se tornou uma condição para a existência da ópera russa, assumindo novas formas em novos palcos.

Junto com a ópera-comédia no século XVIII. outros gêneros operísticos também apareceram. Em 1790, ocorreu uma apresentação na corte sob o título "Oleg's Initial Administration", cujo texto foi escrito pela Imperatriz Catarina II, e a música foi composta em conjunto pelos compositores K. Canobbio, J. Sarti e V. A. Pashkevich. a performance não era tanto operística quanto oratória por natureza e, até certo ponto, pode ser considerada o primeiro exemplo do gênero histórico-musical, tão difundido no século XIX. Na obra do notável compositor russo D. S. Bortnyansky (1751-1825), o gênero operístico é representado pelas óperas líricas The Falcon e The Rival Son, cuja música, em termos de desenvolvimento de formas e habilidades operísticas, pode ser colocada em um par com exemplos modernos de ópera da Europa Ocidental.

A casa de ópera foi usada no século XVIII. grande popularidade. Gradualmente, a ópera da capital penetrou nos teatros imobiliários. Teatro Fortaleza na virada dos séculos XVIII e XIX. dá exemplos individuais altamente artísticos da performance de óperas e papéis individuais. Cantores e atores russos talentosos são indicados, como, por exemplo, a cantora E. Sandunova, que se apresentou no palco da capital, ou a serva atriz do Teatro Sheremetev P. Zhemchugova.

Realizações artísticas da ópera russa do século XVIII. deu impulso ao rápido desenvolvimento do teatro musical na Rússia no primeiro quartel do século XIX.

As conexões do teatro musical russo com as ideias que determinaram a vida espiritual da época foram especialmente fortalecidas durante a Guerra Patriótica de 1812 e durante os anos do movimento dezembrista. O tema do patriotismo, refletido em tramas históricas e contemporâneas, torna-se a base de muitas apresentações dramáticas e musicais. As ideias de humanismo, o protesto contra a desigualdade social inspiram e fertilizam a arte teatral.

No início do século XIX. ainda não se pode falar de ópera no sentido pleno da palavra. Gêneros mistos desempenham um papel importante no teatro musical russo: tragédia com música, vaudeville, ópera cômica, ópera-balé. Antes de Glinka, a ópera russa não conhecia obras cuja dramaturgia se baseasse apenas na música sem episódios falados.

O. A. Kozlovsky (1757-1831), que criou música para as tragédias de Ozerov, Katenin, Shakhovsky, foi um notável compositor de "tragédia na música". Os compositores A. A. Alyabyev (1787-1851) e A. N. Verstovsky (1799-1862) trabalharam com sucesso no gênero vaudeville, que compôs música para vários vaudevilles de conteúdo humorístico e satírico.

Ópera do início do século XIX desenvolveu as tradições do período anterior. Um fenômeno característico eram as apresentações cotidianas, acompanhadas de canções folclóricas. Exemplos desse tipo são apresentações: “Yam”, “Gatherings”, “Girlfriend”, etc., cuja música foi escrita pelo compositor amador A.N. Titov (1769-1827). Mas isso está longe de esgotar a rica vida teatral da época. A inclinação para as tendências românticas típicas da época se expressava no entusiasmo da sociedade por performances fantásticas de contos de fadas. A Sereia do Dnieper (Lesta), que teve várias partes, teve um sucesso particular. A música para essas óperas, que formavam, por assim dizer, os capítulos do romance, foi escrita pelos compositores S. I. Davydov, K. A. Kavos; a música do compositor austríaco Cauer foi parcialmente utilizada. "A Sereia do Dnieper" não saiu de cena por muito tempo, não só pelo enredo divertido, que em suas principais características antecipa o enredo da "Sereia" de Pushkin, não só pela luxuosa produção, mas também pelo música melódica, simples e acessível.

O compositor italiano K. A. Kavos (1775-1840), que trabalhou na Rússia desde muito jovem e se esforçou muito para desenvolver a performance da ópera russa, fez a primeira tentativa de criar uma ópera histórico-heróica. Em 1815, encenou a ópera Ivan Susanin em São Petersburgo, na qual, a partir de um dos episódios da luta do povo russo contra a invasão polonesa no início do século XVII, tentou criar um nacional-patriótico desempenho. Esta ópera respondeu ao estado de espírito da sociedade que sobreviveu à guerra de libertação contra Napoleão. A ópera de Kavos distingue-se favoravelmente entre as obras modernas pela habilidade de um músico profissional, confiança no folclore russo e vivacidade de ação. No entanto, não se eleva acima do nível das inúmeras "óperas de resgate" de compositores franceses que foram encenadas no mesmo palco; Kavos não conseguiu criar nele o épico folk-trágico que Glinka criou vinte anos depois, usando o mesmo enredo.

O maior compositor do primeiro terço do século XIX. A. N. Verstovsky, que foi mencionado como autor de música para vaudeville, deve ser reconhecido. Suas óperas "Pan Tvardovsky" (postada em 1828), "Askold's Grave" (postada em 1835), "Vadim" (postada em 1832) e outras constituíram uma nova etapa no desenvolvimento da ópera russa antes de Glinka. As características do romantismo russo foram refletidas na obra de Verstovsky. A antiguidade russa, as tradições poéticas da Rus de Kiev, os contos de fadas e as lendas formam a base de suas óperas. Um papel significativo neles é desempenhado pelo elemento mágico. A música de Verstovsky, profundamente enraizada, baseada na arte da canção folclórica, absorveu as origens folclóricas no sentido mais amplo. Seus personagens são típicos da arte popular. Sendo um mestre da dramaturgia operística, Verstovsky criou cenas romanticamente coloridas de conteúdo fantástico. Um exemplo de seu estilo é a ópera "Askold's Grave", que está preservada no repertório até hoje. Mostrou as melhores características de Verstovsky - um dom melódico, um excelente talento dramático, a capacidade de criar imagens vivas e características dos personagens.

As obras de Verstovsky pertencem ao período pré-clássico da ópera russa, embora seu significado histórico seja muito grande: elas resumem e desenvolvem todas as melhores qualidades do período anterior e contemporâneo no desenvolvimento da música da ópera russa.

A partir dos anos 30. século 19 A ópera russa entra em seu período clássico. O fundador dos clássicos da ópera russa M. I. Glinka (1804-1857) criou a histórica e trágica ópera "Ivan Susanin" (1830) e o fabulosamente épico - "Ruslan e Lyudmila" (1842). Essas óperas lançaram as bases para duas das tendências mais importantes do teatro musical russo: a ópera histórica e o épico mágico. Os princípios criativos de Glinka foram implementados e desenvolvidos pela próxima geração de compositores russos.

Glinka desenvolveu-se como artista numa época ofuscada pelas ideias do dezembrismo, o que lhe permitiu elevar o conteúdo ideológico e artístico das suas óperas a um novo e significativo patamar. Ele foi o primeiro compositor russo, em cuja obra a imagem do povo, generalizada e profunda, tornou-se o centro de toda a obra. O tema do patriotismo em sua obra está intimamente ligado ao tema da luta do povo pela independência.

O período anterior da ópera russa preparou o surgimento das óperas de Glinka, mas sua diferença qualitativa em relação às óperas russas anteriores é muito significativa. Nas óperas de Glinka, o realismo do pensamento artístico não se manifesta em seus aspectos privados, mas atua como um método criativo holístico que nos permite dar uma generalização musical e dramática da ideia, tema e enredo da ópera. Glinka entendeu o problema da nacionalidade de uma maneira nova: para ele significava não apenas o desenvolvimento musical das canções folclóricas, mas também uma reflexão profunda e multifacetada na música da vida, sentimentos e pensamentos das pessoas, a divulgação dos traços característicos de sua aparência espiritual. O compositor não se limitou a refletir a vida folk, mas incorporou na música as características típicas da cosmovisão folk. As óperas de Glinka são obras musicais e dramáticas integrais; não possuem diálogos falados, o conteúdo é expresso por meio de música. Em vez de solos e números corais separados e não desenvolvidos da ópera cômica, Glinka cria grandes e detalhadas formas de ópera, desenvolvendo-as com genuína habilidade sinfônica.

Em "Ivan Susanin" Glinka cantou o passado heróico da Rússia. Com grande verdade artística, imagens típicas do povo russo são incorporadas na ópera. O desenvolvimento do drama musical é baseado na oposição de várias esferas musicais nacionais.

"Ruslan e Lyudmila" é uma ópera que marcou o início das óperas russas épicas folclóricas. O significado de "Ruslan" para a música russa é muito grande. A ópera teve impacto não só nos gêneros teatrais, mas também nos sinfônicos. Majestosas imagens heróicas e misteriosamente mágicas, bem como coloridas e orientais de "Ruslan" alimentaram a música russa por muito tempo.

Glinka foi seguido por A. S. Dargomyzhsky (1813-1869), um artista típico da era dos anos 40-50. século 19 Glinka teve uma grande influência em Dargomyzhsky, mas, ao mesmo tempo, novas qualidades surgiram na obra deste último, nascidas de novas condições sociais, novos temas que chegaram à arte russa. A calorosa simpatia por uma pessoa humilhada, a consciência da perniciosidade da desigualdade social, uma atitude crítica em relação à ordem social se refletem na obra de Dargomyzhsky, associada às ideias do realismo crítico na literatura.

A trajetória de Dargomyzhsky como compositor de ópera começou com a criação da ópera "Esmeralda", depois de V. Hugo (postada em 1847), e a obra operística central do compositor deve ser considerada "Sereia" (baseada no drama de A. S. Pushkin), encenada em 1856 Nesta ópera, o talento de Dargomyzhsky foi totalmente revelado e a direção de seu trabalho foi determinada. O drama da desigualdade social entre as filhas amorosas do moleiro Natasha e do Príncipe atraiu o compositor pela relevância do tema. Dargomyzhsky fortaleceu o lado dramático da trama menosprezando o elemento fantástico. Rusalka é a primeira ópera lírico-psicológica russa cotidiana. Sua música é profundamente folk; com base na música, o compositor criou imagens vivas de heróis, desenvolveu um estilo declamatório nas partes dos personagens principais, desenvolveu cenas de conjunto, dramatizando-as significativamente.

A última ópera de Dargomyzhsky, The Stone Guest, depois de Pushkin (postada em 1872, após a morte do compositor), pertence a um período diferente no desenvolvimento da ópera russa. Dargomyzhsky colocou nele a tarefa de criar uma linguagem musical realista que refletisse as entonações da fala. O compositor abandonou aqui as formas operísticas tradicionais - árias, conjunto, coro; as partes vocais da ópera prevalecem sobre a parte orquestral, The Stone Guest lançou as bases para uma das direções do período subsequente da ópera russa, a chamada ópera recitativa de câmara, posteriormente apresentada por Mozart de Rimsky-Korsakov e Salieri, Rachmaninov de O Cavaleiro Miserável e outros. A peculiaridade dessas óperas é que todas são baseadas no texto completo inalterado das "pequenas tragédias" de Pushkin.

Nos anos 60. A ópera russa entrou em uma nova fase de seu desenvolvimento. As obras dos compositores do círculo Balakirev (“The Mighty Handful”) e Tchaikovsky aparecem no palco russo. Nos mesmos anos, o trabalho de A. N. Serov e A. G. Rubinshtein se desenrolou.

A obra operística de A. N. Serov (1820-1871), que se tornou famoso como crítico musical, não pode ser classificada entre os fenômenos muito significativos do teatro russo. No entanto, ao mesmo tempo, suas óperas desempenharam um papel positivo. Na ópera "Judith" (pós, em 1863), Serov criou uma obra de natureza heróico-patriótica baseada em uma história bíblica; na ópera Rogneda (composta e encenada em 1865), voltou-se para a era da Rus de Kiev, querendo continuar a linha de Ruslan. No entanto, a ópera não era profunda o suficiente. De grande interesse é a terceira ópera de Serov, The Enemy Force, baseada no drama de A. N. Ostrovsky, Don't Live As You Want (postado em 1871). O compositor decidiu criar uma ópera musical, cuja música deveria ser baseada em fontes primárias. No entanto, a ópera não possui um único conceito dramático e sua música não atinge as alturas da generalização realista.

A. G. Rubinshtein (1829-1894), como compositor de ópera, começou compondo a ópera histórica A Batalha de Kulikovo (1850). ele criou a ópera lírica Theramors e a ópera romântica Children of the Steppes. A melhor ópera de Rubinstein, The Demon after Lermontov (1871), sobreviveu no repertório. Esta ópera é um exemplo de ópera lírica russa em que as páginas mais talentosas são dedicadas a expressar os sentimentos dos personagens. As cenas de gênero de O Demônio, nas quais o compositor usou a música folclórica da Transcaucásia, trazem um sabor local. A ópera O Demônio foi um sucesso entre os contemporâneos que viram no protagonista a imagem de um homem das décadas de 1940 e 1950.

A obra operística dos compositores de The Mighty Handful e Tchaikovsky estava intimamente ligada à nova estética dos anos 1960. Novas condições sociais apresentam novas tarefas para os artistas russos. O principal problema da época era o problema da reflexão nas obras de arte da vida popular em toda a sua complexidade e inconsistência. O impacto das ideias dos democratas revolucionários (principalmente Chernyshevsky) refletiu-se no campo da criatividade musical pela atração por temas e enredos universalmente significativos, a orientação humanista das obras e a glorificação das altas forças espirituais do pessoas. De particular importância neste momento é o tema histórico.

O interesse pela história de seu povo naqueles anos não é típico apenas dos compositores. A própria ciência histórica está se desenvolvendo amplamente; escritores, poetas e dramaturgos se voltam para o tema histórico; desenvolvimento da pintura histórica. As eras dos golpes, revoltas camponesas, movimentos de massa são do maior interesse. Um lugar importante é ocupado pelo problema da relação entre o povo e o poder real. As óperas históricas de M. P. Mussorgsky e N. A. Rimsky-Korsakov são dedicadas a este tópico.

As óperas de M. P. Mussorgsky (1839-1881), Boris Godunov (1872) e Khovanshchina (concluída por Rimsky-Korsakov em 1882) pertencem ao ramo histórico e trágico da ópera clássica russa. O compositor os chamou de "dramas musicais folclóricos", já que o povo está no centro de ambas as obras. A ideia principal de "Boris Godunov" (baseado na tragédia homônima de Pushkin) é um conflito: o czar - o povo. Essa ideia foi uma das mais importantes e agudas da era pós-reforma. Mussorgsky queria encontrar uma analogia com o presente nos acontecimentos do passado da Rus. A contradição entre os interesses populares e o poder autocrático é mostrada nas cenas de um movimento popular que se transforma em uma revolta aberta. Ao mesmo tempo, o compositor dá muita atenção à "tragédia de consciência" vivida pelo czar Boris. A imagem multifacetada de Boris Godunov é uma das maiores conquistas da ópera mundial.

O segundo drama musical de Mussorgsky, Khovanshchina, é dedicado às revoltas Streltsy no final do século XVII. O elemento do movimento popular em toda a sua força exuberante é maravilhosamente expresso pela música da ópera, baseada no repensar criativo da arte da canção folclórica. A música de "Khovanshchina", como a música de "Boris Godunov", é caracterizada por uma alta tragédia. A base da milha melódica de ambas as óperas é a síntese de canções e começos declamatórios. A inovação de Mussorgsky, nascida da novidade de sua concepção, e a solução profundamente original para os problemas da dramaturgia musical nos colocam entre as duas óperas das mais altas realizações do teatro musical.

Ópera de A. P. Borodin (1833-1887) "Príncipe Igor" também se junta ao grupo de obras musicais históricas (seu enredo era "O Conto da Campanha de Igor"). A ideia de amor à pátria, a ideia de união face ao inimigo é revelada pelo compositor com grande dramaticidade (cenas em Putivl). O compositor combinou em sua ópera a monumentalidade do gênero épico com um início lírico. Na personificação poética do acampamento polovtsiano, os preceitos de Glinka são implementados; por sua vez, as imagens musicais do Oriente de Borodin inspiraram muitos compositores russos e soviéticos a criar imagens orientais. O maravilhoso dom melódico de Borodin se manifestou no estilo de canto amplo da ópera. Borodin não teve tempo de terminar a ópera; O Príncipe Igor foi completado por Rimsky-Korsakov e Glazunov e encenado em sua versão em 1890.

O gênero do drama musical histórico também foi desenvolvido por N. A. Rimsky-Korsakov (1844-1908). Os homens livres de Pskov se rebelando contra Ivan, o Terrível (ópera A Mulher de Pskov, 1872) é retratado pelo compositor com grandeza épica. A imagem do rei está cheia de drama genuíno. O elemento lírico da ópera, associado à heroína - Olga, enriquece a música, introduzindo traços de sublime ternura e suavidade no majestoso conceito trágico.

P. I. Tchaikovsky (1840-1893), mais famoso por suas óperas lírico-psicológicas, foi autor de três óperas históricas. As óperas Oprichnik (1872) e Mazepa (1883) são dedicadas a eventos dramáticos da história russa. Na ópera A Donzela de Orleans (1879), o compositor voltou-se para a história da França e criou a imagem da heroína nacional francesa Joana d'Arc.

Uma característica das óperas históricas de Tchaikovsky é seu parentesco com suas óperas líricas. O compositor revela neles os traços característicos da época retratada por meio do destino de pessoas individuais. As imagens de seus heróis se distinguem pela profundidade e veracidade da transmissão do complexo mundo interior de uma pessoa.

Além de dramas musicais folclóricos na ópera russa do século XIX. um lugar importante é ocupado por óperas folclóricas de contos de fadas, amplamente representadas na obra de N. A. Rimsky-Korsakov. As melhores óperas de contos de fadas de Rimsky-Korsakov são The Snow Maiden (1881), Sadko (1896), Kashchei the Immortal (1902) e The Golden Cockerel (1907). Um lugar especial é ocupado pela ópera O Conto da Cidade Invisível de Kitezh e a Donzela Fevronia (1904), baseada em lendas folclóricas sobre a invasão tártaro-mongol.

As óperas de Rimsky-Korsakov surpreendem com a variedade de interpretações do gênero folclórico. Ou esta é uma interpretação poética de antigas idéias populares sobre a natureza, expressa em um maravilhoso conto de fadas sobre a Donzela da Neve, ou uma imagem poderosa da antiga Novgorod, ou uma imagem da Rússia no início do século XX. na imagem alegórica do frio reino de Kashcheev, então uma verdadeira sátira ao podre sistema autocrático em imagens populares de contos de fadas ("O Galo de Ouro"). Em vários casos, os métodos de representação musical dos personagens e as técnicas da dramaturgia musical de Rimsky-Korsakov são diferentes. Porém, em todas as suas óperas pode-se sentir a profunda penetração criativa do compositor no mundo das ideias folclóricas, das crenças folclóricas, na visão de mundo do povo. A base da música de suas óperas é a linguagem das canções folclóricas. A confiança na arte popular, a caracterização de atores por meio do uso de vários gêneros folclóricos é uma característica típica de Rimsky-Korsakov.

O ápice da obra de Rimsky-Korsakov é o majestoso épico sobre o patriotismo do povo da Rus' na ópera A Lenda da Cidade Invisível de Kitezh e a Donzela Fevronia, onde o compositor atingiu um grande auge de generalização musical e sinfônica do tema.

Entre outras variedades da ópera clássica russa, um dos principais lugares pertence à ópera lírico-psicológica, cujo início foi estabelecido por Rusalka de Dargomyzhsky. O maior representante desse gênero na música russa é Tchaikovsky, autor de obras brilhantes incluídas no repertório da ópera mundial: Eugene Onegin (1877-1878), A Feiticeira (1887), A Rainha de Espadas (1890), Iolanta (1891) ). A inovação de Tchaikovsky está associada ao direcionamento de sua obra, dedicada às ideias de humanismo, protesto contra a humilhação do homem, fé em um futuro melhor para a humanidade. O mundo interior das pessoas, seus relacionamentos, seus sentimentos são revelados nas óperas de Tchaikovsky, combinando a eficácia teatral com o desenvolvimento sinfônico consistente da música. A obra operística de Tchaikovsky é um dos maiores fenômenos da arte musical e teatral mundial do século XIX.

Um número menor de obras é representado na obra operística da ópera cômica dos compositores russos. No entanto, essas poucas amostras se distinguem por sua identidade nacional. Não há leveza divertida, comédia neles. A maioria deles foi baseada nas histórias de Gogol em Evenings on a Farm near Dikanka. Cada uma das comédias de ópera refletia as características individuais dos autores. Na ópera "Cherevichki" de Tchaikovsky (1885; na primeira versão - "Ferreiro Vakula", 1874) prevalece o elemento lírico; em "Noite de maio" de Rimsky-Korsakov (1878) - fantástico e ritual; na Feira Sorochinskaya de Mussorgsky (anos 70, não finalizada) - puramente cômica. Essas óperas são exemplos da habilidade de reflexão realista da vida das pessoas no gênero da comédia de personagens.

Uma série de chamados fenômenos paralelos no teatro musical russo se juntam aos clássicos da ópera russa. Temos em mente o trabalho de compositores que não criaram obras de significado duradouro, embora tenham dado sua própria contribuição para o desenvolvimento da ópera russa. Aqui é necessário citar as óperas de Ts. A. Cui (1835-1918), membro do círculo de Balakirev, proeminente crítico musical dos anos 60-70. As óperas de Cui "William Ratcliffe" e "Angelo", que não saem do estilo convencionalmente romântico, são desprovidas de drama e, às vezes, de música alegre. Os suportes posteriores de Cui são de menor importância ("A Filha do Capitão", "Mademoiselle Fifi", etc.). Acompanhando a ópera clássica estava o trabalho do notável maestro e diretor musical da ópera em São Petersburgo, E. F. Napravnik (1839-1916). A mais famosa é sua ópera "Dubrovsky", composta na tradição das óperas líricas de Tchaikovsky.

Dos compositores que atuaram no final do século XIX. no palco da ópera, é necessário nomear A. S. Arensky (1861-1906), autor das óperas Dream on the Volga, Raphael e Nal e Damayanti, bem como M. M. Ippolitov-Ivanov (1859-1935), cuja ópera Asya , depois de I. S. Turgenev, foi escrito à maneira lírica de Tchaikovsky. Destaca-se na história da ópera russa "Oresteia" de S. I. Taneyev (1856-1915), segundo Ésquilo, que pode ser descrita como um oratório teatral.

Ao mesmo tempo, S. V. Rachmaninov (1873-1943) atuou como compositor de ópera, compondo no final do conservatório (1892) uma onera de um ato “Aleko”, sustentada nas tradições de Tchaikovsky. As óperas posteriores de Rachmaninov - Francesca da Rimini (1904) e The Miserly Knight (1904) - foram escritas na forma de ópera cantatas; neles a ação cênica é comprimida ao máximo e o início musical e sinfônico é muito desenvolvido. A música dessas óperas, talentosa e brilhante, carrega a marca da originalidade do estilo criativo do autor.

Dos fenômenos menos significativos da arte operística do início do século XX. vamos nomear a ópera de A. T. Grechaninov (1864-1956) "Dobrynya Nikitich", na qual as características de uma ópera clássica fabulosamente épica deram lugar a letras de romance, assim como a ópera de A. D. Kastalsky (1856-1926) "Clara Milic ", em que elementos de naturalismo se combinam com um lirismo sincero e impressionante.

Século XIX - a era dos clássicos da ópera russa. Os compositores russos criaram obras-primas em vários gêneros de ópera: drama, épico, tragédia heróica, comédia. Eles criaram um drama musical inovador que nasceu em estreita ligação com o conteúdo inovador das óperas. O papel importante e definidor das cenas folclóricas de massa, a caracterização multifacetada dos personagens, a nova interpretação das formas tradicionais da ópera e a criação de novos princípios de unidade musical de toda a obra são características dos clássicos da ópera russa.

A ópera clássica russa, que se desenvolveu sob a influência do pensamento filosófico e estético progressista, sob a influência dos acontecimentos da vida pública, tornou-se um dos aspectos marcantes da cultura nacional russa do século XIX. Todo o caminho de desenvolvimento da ópera russa no século passado correu paralelo ao grande movimento de libertação do povo russo; os compositores foram inspirados por altas ideias de humanismo e esclarecimento democrático, e suas obras são para nós grandes exemplos de arte verdadeiramente realista.

No entanto, a história da ópera em nosso país como gênero musical e dramático que veio do Ocidente começou muito antes da produção de Glinka's Life for the Tsar (Ivan Susanin), a primeira ópera clássica russa, que estreou em 27 de novembro de 1836.

Se você tentar, os primórdios da ópera russa podem ser encontrados nos tempos antigos, já que o elemento musical e dramático é inerente aos rituais folclóricos russos, como cerimônias de casamento, danças circulares, bem como apresentações religiosas da Rus' medieval, que podem ser considerados pré-requisitos para o surgimento da ópera russa. Com razão ainda maior, pode-se ver o nascimento da ópera russa nas apresentações folclóricas dos séculos 16 e 17, nos dramas escolares das academias de Kiev e Moscou sobre temas bíblicos. Todos esses elementos musicais e históricos serão refletidos nas obras dos futuros compositores de ópera russos.

Em 17 de outubro de 1672, ocorreu a primeira apresentação de "Esther" ("Ato de Artaxerxes") de Johann Gottfried Gregory, que durou dez horas, até a manhã. A música estava envolvida na ação - uma orquestra de alemães e pessoas do pátio que tocavam "órgãos, violas e outros instrumentos", talvez os coros dos "escriturários cantores soberanos" também participassem da peça. O czar ficou fascinado, todos os participantes da apresentação foram tratados com gentileza, generosamente recompensados ​​​​e até permitidos beijar a mão do czar - "eles estavam nas mãos do grande soberano", alguns receberam patentes e salários, o próprio Gregório recebeu quarenta sables por um cem rublos (medida do tesouro de peles).

As seguintes peças de Gregory já foram encenadas em Moscou nos aposentos do Kremlin, o público era próximo ao rei: boiardos, rotundas, nobres, escriturários; havia lugares especiais para a rainha e princesas, cercados com grades frequentes para que não fossem visíveis ao público. As apresentações começaram às 22h e duraram até a madrugada. Se no “Ato de Artaxerxes” a participação da música foi bastante acidental, então em 1673 uma peça bastante semelhante a uma ópera apareceu no palco. Muito provavelmente, foi uma reformulação do libreto da ópera "Eurydice" de Rinuccini, que foi uma das primeiras óperas e foi amplamente distribuída por toda a Europa em inúmeras adaptações.

Johann Gregory até fundou uma escola de teatro em 1673, na qual 26 crianças filisteus estudavam "comédia". No entanto, em 1675, Gregory adoeceu e foi para as terras alemãs para tratamento, mas logo morreu na cidade de Merserburg, onde foi enterrado, e a escola de teatro foi fechada. Após a morte do czar Alexei Mikhailovich em 1676, o novo czar Fyodor Alekseevich não demonstrou interesse pelo teatro, o principal patrono Artamon Matveev foi enviado para o exílio em Pustozersk, os teatros foram desmantelados. Os espetáculos cessaram, mas permaneceu o pensamento de que era permitido, já que o próprio soberano se divertia com isso.

Tendo vivido a maior parte de sua vida na Rússia, Gregory ficou para trás das tendências teatrais modernas e as comédias que encenou estavam desatualizadas, no entanto, o início da arte dramática e operística na Rússia foi lançado. O próximo apelo ao teatro e seu renascimento ocorreram vinte e cinco anos depois, na época de Pedro I.

Quatro séculos se passaram desde então, mas a ópera ainda é considerada um dos gêneros musicais mais populares. A compreensão da música lírica é acessível a todos, isso é auxiliado por palavras e ações cênicas, e a música potencializa as impressões do drama, expressando com sua brevidade inerente o que às vezes é difícil de transmitir em palavras.

Atualmente, o público russo está interessado nas óperas de S. M. Slonimsky, R. K. Shchedrin, L. A. Desyatnikov, V. A. Kobekin, A. V. Tchaikovsky - embora difícil, você pode assisti-las comprando ingressos para o Teatro Bolshoi. O teatro mais famoso e popular do nosso país, claro, é o Teatro Bolshoi - um dos principais símbolos do nosso estado e de sua cultura. Depois de visitar o Bolshoi, você pode experimentar plenamente a união da música e do drama.

Em 9 de dezembro de 1836 (27 de novembro, estilo antigo), a estreia da ópera A Life for the Tsar de Mikhail Ivanovich Glinka aconteceu no palco do Teatro Bolshoi de São Petersburgo, que marcou o início de uma nova era na música lírica russa .

Com esta ópera, começou o caminho pioneiro do primeiro compositor clássico russo, empurrando-o para o nível mundial. Falaremos sobre as descobertas musicais mais significativas de Glinka.

Primeira Ópera Nacional

M. I. Glinka percebeu plenamente seu verdadeiro propósito durante suas viagens pela Europa. Foi longe de sua terra natal que o compositor decidiu criar uma verdadeira ópera russa e começou a buscar um enredo adequado para ela. Seguindo o conselho de Zhukovsky, Glinka escolheu uma história patriótica - uma lenda sobre a façanha de Ivan Susanin, que deu sua vida em nome de salvar sua pátria.

Pela primeira vez na ópera mundial, tal herói apareceu - de origem simples e com as melhores características de um personagem nacional. Pela primeira vez em uma obra musical dessa magnitude, as tradições mais ricas do folclore nacional soaram como composições russas. O público aceitou a ópera com estrondo, o reconhecimento e a fama chegaram ao compositor. Em uma carta para sua mãe, Glinka escreveu:

“Ontem à noite meus desejos foram finalmente realizados e meu longo trabalho foi coroado com o mais brilhante sucesso. O público aceitou minha ópera com extraordinário entusiasmo, os atores perderam a paciência com zelo… o soberano-imperador… me agradeceu e conversou comigo por um longo tempo…”.

A ópera foi muito apreciada pela crítica e figuras culturais. Odoevsky chamou de "o início de um novo elemento na arte - o período da música russa".

Épico de conto de fadas chega à música

Em 1837, Glinka começou a trabalhar em uma nova ópera, desta vez voltando-se para o poema Ruslan e Lyudmila de A. S. Pushkin. A ideia de musicar o épico do conto de fadas surgiu em Glinka durante a vida do poeta, que deveria ajudá-lo com o libreto, mas a morte de Pushkin atrapalhou esses planos.

A estreia da ópera aconteceu em 1842 - em 9 de dezembro, exatamente seis anos depois de Susanin, mas, infelizmente, não trouxe o mesmo sucesso retumbante. A sociedade aristocrática, liderada pela família imperial, recebeu a produção com hostilidade. Críticos e até apoiadores de Glinka reagiram à ópera de forma ambígua.

“Ao final do 5º ato, a família imperial deixou o teatro. Quando a cortina foi baixada, eles começaram a me chamar, mas aplaudiram muito hostis, enquanto sibilavam zelosamente, e principalmente do palco e da orquestra ”,

o compositor lembrou.

O motivo dessa reação foi a inovação de Glinka, com a qual abordou a criação de Ruslan e Lyudmila. Nesta obra, o compositor combinou motivos e imagens completamente diferentes, que antes pareciam incompatíveis com o ouvinte russo - lírico, épico, folclórico, oriental e fantástico. Além disso, Glinka deixou a forma das escolas de ópera italiana e francesa familiar ao espectador.

Este épico fabuloso posterior foi fortalecido nas obras de Rimsky-Korsakov, Tchaikovsky, Borodin. Mas naquela época o público simplesmente não estava pronto para esse tipo de revolução na música lírica. A ópera de Glinka há muito é considerada não uma obra de palco. Um de seus defensores, o crítico V. Stasov, chegou a chamá-la de "mártir de nosso tempo".

Primórdios da música sinfônica russa

Após o fracasso de Ruslan e Lyudmila, Glinka foi para o exterior, onde continuou a criar. Em 1848, apareceu o famoso "Kamarinskaya" - uma fantasia sobre os temas de duas canções russas - casamento e dança. A música sinfônica russa é originária de Kamarinskaya. Como lembrou o compositor, ele o escreveu muito rapidamente, por isso o chamou de fantasia.

“Posso garantir que, ao compor esta peça, fui guiado pelo único sentimento musical interior, não pensando no que acontece nos casamentos, como anda o nosso povo ortodoxo”,

Glinka disse mais tarde. É interessante que “especialistas” próximos à imperatriz Alexandra Feodorovna tenham explicado a ela que em um local da obra pode-se ouvir claramente como “um bêbado bate na porta da cabana”.

Assim, por meio das duas canções russas mais populares, Glinka aprovou um novo tipo de música sinfônica e lançou as bases para seu desenvolvimento posterior. Tchaikovsky comentou sobre a obra da seguinte forma:

“Toda a escola sinfônica russa, como todo o carvalho no estômago, está contida na fantasia sinfônica “Kamarinskaya”.

O conteúdo do artigo

ÓPERA RUSSA. A escola de ópera russa - junto com a italiana, alemã, francesa - é de importância global; Isso diz respeito principalmente a várias óperas criadas na segunda metade do século XIX, bem como a várias obras do século XX. Uma das óperas mais populares no cenário mundial no final do século XX. - Boris Godunov M.P. Mussorgsky, muitas vezes colocado também rainha de Espadas P.I. Tchaikovsky (raramente suas outras óperas, principalmente Eugene Onegin); goza de grande fama Príncipe Igor A.P. Borodin; de 15 óperas de N.A. Rimsky-Korsakov aparece regularmente o galo de ouro. Entre as óperas do século XX. o mais repertório Anjo de Fogo SS Prokofiev e Lady Macbeth do distrito de Mtsensk D. D. Shostakovich. Claro, isso não esgota a riqueza da escola nacional de ópera.

O surgimento da ópera na Rússia (século XVIII).

A ópera foi um dos primeiros gêneros da Europa Ocidental a criar raízes em solo russo. Já na década de 1730, foi criada uma ópera da corte italiana, para a qual escreveram músicos estrangeiros, que trabalharam na Rússia na segunda metade do século, surgiram apresentações de óperas públicas; óperas também são encenadas em teatros de fortaleza. A primeira ópera russa é considerada Melnik - um feiticeiro, um enganador e um casamenteiro Mikhail Matveyevich Sokolovsky para um texto de A.O. Ablesimov (1779) é uma comédia cotidiana com números musicais de natureza musical, que lançou as bases para uma série de obras populares desse gênero - uma das primeiras óperas cômicas. Entre eles, destacam-se as óperas de Vasily Alekseevich Pashkevich (c. 1742–1797) ( Avarento, 1782; São Petersburgo Gostiny Dvor, 1792; Problema da carruagem, 1779) e Evstigney Ipatovich Fomin (1761–1800) ( Cocheiros em uma base, 1787; americanos, 1788). No gênero ópera séria, duas obras do maior compositor desse período, Dmitry Stepanovich Bortnyansky (1751–1825), foram escritas para libretos franceses - Falcão(1786) e Rival Son, ou Modern Stratonics(1787); existem experimentos interessantes nos gêneros de melodrama e música para uma performance dramática.

Ópera antes de Glinka (século XIX).

No próximo século, a popularidade do gênero ópera na Rússia cresce ainda mais. A ópera foi o auge das aspirações dos compositores russos do século 19, e mesmo aqueles que não deixaram uma única obra neste gênero (por exemplo, M.A. Balakirev, A.K. Lyadov), por muitos anos ponderaram certos projetos operísticos. As razões para isso são claras: em primeiro lugar, a ópera, como observou Tchaikovsky, era um gênero que permitia "falar a língua das massas"; em segundo lugar, a ópera permitiu iluminar artisticamente os principais problemas ideológicos, históricos, psicológicos e outros que ocupavam a mente do povo russo no século XIX; Finalmente, na jovem cultura profissional havia uma forte atração por gêneros que incluíam, junto com a música, a palavra, o movimento cênico e a pintura. Além disso, já se desenvolveu uma certa tradição - legado deixado no gênero musical e teatral do século XVIII.

Nas primeiras décadas do século XIX a corte e os teatros privados desapareceram, o monopólio se concentrou nas mãos do Estado. A vida musical e teatral de ambas as capitais foi muito animada: o primeiro quarto do século foi o apogeu do balé russo; nos anos 1800, havia quatro grupos de teatro em São Petersburgo - russo, francês, alemão e italiano, dos quais os três primeiros encenavam drama e ópera, o último - apenas ópera; várias trupes também trabalharam em Moscou. A empresa italiana revelou-se a mais estável - ainda no início da década de 1870, o jovem Tchaikovsky, que atuava em um campo crítico, teve que lutar por uma posição decente da ópera russa de Moscou em comparação com a italiana; raek Mussorgsky, em um de cujos episódios a paixão do público de São Petersburgo e dos críticos por famosos cantores italianos é ridicularizada, também foi escrito na virada da década de 1870.

Boildieu e Cavos.

Entre os compositores estrangeiros convidados a São Petersburgo neste período, destacam-se os nomes do famoso autor francês Adrien Boildieu ( cm. BUALDIEU, FRANCOIS ADRIENE) e o italiano Caterino Cavos (1775–1840) , que em 1803 se tornou o maestro das óperas russa e italiana, em 1834-1840 dirigiu apenas a ópera russa (e nessa qualidade contribuiu para a produção de Vida para o rei Glinka, embora em 1815 tenha composto sua própria ópera no mesmo enredo, que teve um sucesso significativo), foi o inspetor e diretor de todas as orquestras dos teatros imperiais, escreveu muito sobre enredos russos - como contos de fadas ( príncipe da invisibilidade E Ilya o herói ao libreto de I.A. Krylov, Svetlana ao libreto de V.A. Zhukovsky e outros) e patriótico ( Ivan Susanin ao libreto de A.A. Shakhovsky, poeta cossaco a um libreto do mesmo autor). A ópera mais popular do primeiro quartel do século, a ópera mais popular do primeiro quartel do séc. Lesta, ou a sereia do Dnieper Kavos e Stepan Ivanovich Davydov (1777-1825). Em 1803, o Singspiel vienense foi encenado em São Petersburgo. sereia do Danúbio Ferdinand Cauer (1751-1831) com números musicais adicionais de Davydov - na tradução sereia Dnieper; em 1804, a segunda parte do mesmo singspiel apareceu em São Petersburgo com números de Kavos inseridos; então foram compostas - apenas por Davydov - sequências russas. A mistura de planos fantásticos, reais e bufões permaneceu por muito tempo no teatro musical russo (na música da Europa Ocidental, as primeiras óperas românticas de K.M. Weber podem servir como analogias - atirador livre E Oberon, pertencente ao mesmo tipo de cantiga de conto de fadas).

Como a segunda linha principal da criatividade operística nas primeiras décadas do século XIX. destaca-se a comédia doméstica da vida "folclórica" ​​- também um gênero conhecido desde o século passado. Inclui, por exemplo, óperas de um ato Yam, ou Estação Postal(1805), Reuniões, ou uma consequência de Yam (1808), Devishnik, ou casamento de Filatkin(1809) de Alexei Nikolaevich Titov (1769–1827) com libreto de A.Ya. A ópera foi mantida no repertório por muito tempo. antigo tempo de natal O tcheco Franz Blima sobre o texto do historiador A.F. Malinovsky baseado no ritual folclórico; as óperas "cantadas" de Daniil Nikitich Kashin (1770–1841) foram bem-sucedidas Natalya, filha boyar(1803) baseado no romance de N.M. Karamzin, revisado por S.N. Glinka e Olga a Bela(1809) para um libreto do mesmo autor. Essa linha floresceu especialmente durante a guerra de 1812. Apresentações musicais e patrióticas, compostas às pressas e combinando uma base de enredo "atual" muito simples com dança, canto e conversas (os nomes são típicos: Milícia ou Amor à Pátria, cossaco em Londres, Férias no acampamento dos exércitos aliados em Montmartre, Voluntário cossaco e prussiano na Alemanha, O retorno da milícia), marcou o início do divertissement como um gênero musical e teatral especial.

Verstovsky.

O maior compositor de ópera russa antes de Glinka foi A.N. Verstovsky (1799–1862) ( cm. VERSTOVSKY, ALEXEY NIKOLAEVICH). Cronologicamente, a era de Verstovsky coincide com a era de Glinka: embora a primeira ópera do compositor moscovita seja Pan Tvardovsky(1828) apareceu antes Vida para o rei, o mais popular túmulo de askold- no mesmo ano da ópera de Glinka e última ópera de Verstovsky, Raio(1857), após a morte de Glinka. O grande (embora principalmente puramente Moscou) sucesso das óperas de Verstovsky e a "capacidade de sobrevivência" das mais bem-sucedidas - sepultura de askold- devido à atratividade para os contemporâneos de enredos construídos sobre os motivos das "mais antigas lendas russo-eslavas" (é claro, interpretadas de forma muito condicional) e música, em cuja estrutura entoacional nacional russo, eslavo ocidental e cigano moldavo as entonações cotidianas são variadas. É óbvio que Verstovsky não dominou a forma da grande ópera: em quase todas as suas óperas, “números” musicais se alternam com longas cenas de conversação (as tentativas do compositor de escrever recitativos em suas obras posteriores não mudam as coisas), fragmentos orquestrais são geralmente não interessantes e nem pitorescas, no entanto, as óperas deste compositor, nas palavras de um contemporâneo, “soavam algo familiar”, “deliciosamente nativas”. O "nobre sentimento de amor pela pátria" despertado por essas óperas "lendárias" pode ser comparado às impressões do público sobre os romances de Zagoskin, o libretista permanente do compositor.

Glinka.

Embora a música da era pré-Glinka já tenha sido estudada com detalhes suficientes, a aparição de Mikhail Ivanovich Glinka (1804–1857) nunca deixa de parecer um milagre. As qualidades fundamentais de seu dom são profundo intelectualismo e arte sutil. Glinka logo teve a ideia de escrever uma "grande ópera russa", significando com isso uma obra de gênero sublime e trágico. Inicialmente (em 1834), o tema da façanha de Ivan Susanin, indicado ao compositor por V.A. Zhukovsky, assumiu a forma de um oratório de palco de três pinturas: a aldeia de Susanin, um confronto com os poloneses, um triunfo. No entanto, então Vida para o rei(1836) tornou-se uma verdadeira ópera com um poderoso começo coral, que correspondia à tradição da cultura nacional e predeterminou em grande parte o futuro caminho da ópera russa. Glinka foi o primeiro dos autores russos a resolver o problema da fala musical de palco e, quanto aos "números" musicais, eles, escritos nas formas tradicionais de solo, conjunto e coral, acabaram sendo preenchidos com um novo conteúdo de entonação que as associações com Modelos italianos ou outros foram superados. Além disso, em Vida para o rei a diversidade estilística da ópera russa anterior foi superada, quando cenas de gênero foram escritas "em russo", árias líricas "em italiano" e momentos dramáticos "em francês" ou "alemão". No entanto, muitos músicos russos das próximas gerações, prestando homenagem a este drama heróico, ainda preferiram a segunda ópera de Glinka - Ruslan e Ludmila(de acordo com Pushkin, 1842), vendo neste trabalho uma direção totalmente nova (foi continuado por N.A. Rimsky-Korsakov e A.P. Borodin). Tarefas da ópera Ruslana- completamente diferente da obra de Pushkin: a primeira recriação do antigo espírito russo na música; o "autêntico" Oriente em seus vários disfarces - "lânguido" e "militante"; fantasia (Naina, Chernomor Castle) é completamente original e de forma alguma inferior à fantasia dos contemporâneos mais avançados de Glinka - Berlioz e Wagner.

Dargomyzhsky.

Alexander Sergeevich Dargomyzhsky (1813–1869) iniciou sua carreira como compositor de ópera bem jovem, na segunda metade da década de 1830, quando, inspirado pela estreia Vida para o rei, começou a escrever música para o libreto francês de V. Hugo Esmeralda.

O enredo da próxima ópera surgiu antes mesmo da produção Esmeralda(1841), e foi de Pushkin sereia, que, no entanto, apareceu no palco apenas em 1856. Sereias também acabou por estar perto da vida musical moderna. Ao contrário da instrumentação virtuosa de Glinka, a orquestra de Dargomyzhsky é modesta, belos coros folclóricos Sereias são de natureza bastante tradicional, e o conteúdo dramático principal está concentrado em partes solo e especialmente em conjuntos magníficos, e na coloração melódica, elementos russos adequados são combinados com eslavo - pouco russo e polonês. A última ópera de Dargomyzhsky, convidado de pedra(segundo Pushkin, 1869, encenada em 1872), uma obra totalmente inovadora e até experimental no gênero de "ópera conversacional" (diálogo de ópera). O compositor conseguiu aqui sem formas vocais desenvolvidas como uma ária (as únicas exceções são duas canções de Laura), sem uma orquestra sinfônica e, como resultado, surgiu uma obra extraordinariamente refinada, na qual a frase melódica mais curta ou mesmo uma consonância pode adquirir grande e independente expressividade.

Serov.

Depois de Dargomyzhsky, mas antes dos Kuchkistas e Tchaikovsky, Alexander Nikolaevich Serov (1820-1871) tornou-se conhecido no gênero operístico. sua primeira ópera Judite(1863), surgiu quando o autor já tinha mais de quarenta anos (antes disso, Serov havia conquistado considerável fama como crítico musical, mas como compositor não havia criado nada de notável). A peça de P. Giacometti (escrita especialmente para a famosa trágica atriz Adelaide Ristori, que nesse papel fez sucesso em São Petersburgo e Moscou) baseada na história bíblica de uma heroína salvando seu povo da escravidão, correspondeu plenamente ao empolgado estado da sociedade russa na virada da década de 1860. O contraste colorido entre a severa Judéia e a Assíria imersa no luxo também era atraente. Judite pertence ao gênero de "grande ópera" do tipo Meyerbeer, que também era novo no palco russo; tem um forte início oratório (cenas corais detalhadas que estão mais de acordo com o espírito da lenda bíblica e apoiado no estilo oratório clássico do tipo Handel) e ao mesmo tempo teatral e decorativo (diversão com danças). Mussorgsky ligou Judite o primeiro depois da ópera "interpretada seriamente" de Glinka no palco russo. Encorajado pela recepção calorosa, Serov imediatamente começou a trabalhar em uma nova ópera, agora em um enredo histórico russo, - Rogned. O "libreto histórico" segundo a crônica gerou muitas acusações de implausibilidade, distorção de fatos, "carimbagem", falsidade da linguagem supostamente comum, etc.; a música, apesar da massa de "lugares comuns", continha fragmentos espetaculares (entre os quais o primeiro lugar, claro, é ocupado pela balada varangiana de Rogneda - ainda se encontra no repertório do concerto). Depois Rognedy(1865) Serov deu uma guinada muito acentuada, voltando-se para o drama da vida moderna - a peça de A.N. Ostrovsky Não viva do jeito que você quer tornando-se assim o primeiro compositor que ousou escrever uma "ópera da modernidade" - força inimiga (1871).

"Grupo Poderoso".

O aparecimento das últimas óperas de Dargomyzhsky e Serov está apenas um pouco à frente do tempo de produção das primeiras óperas dos compositores de The Mighty Handful. A ópera kuchkista tem algumas características "genéricas", que se manifestam em artistas tão diferentes como Mussorgsky, Rimsky-Korsakov e Borodin: uma preferência por temas russos, especialmente históricos e contos de fadas-mitológicos; grande atenção não só ao desenvolvimento "confiável" do enredo, mas também à fonética e semântica da palavra, e em geral à linha vocal, que está sempre em primeiro plano, mesmo no caso de uma orquestra muito desenvolvida; um papel muito significativo de cenas corais (na maioria das vezes - "folclóricas"); tipo de dramaturgia musical "através" e não "numerada".

Mussorgsky.

As óperas, como outros gêneros associados à entonação vocal, constituem a parte principal do legado de Modest Petrovich Mussorgsky (1839–1881): ainda jovem, iniciou sua jornada na música a partir de um plano de ópera (uma ópera não realizada Gan islandês segundo V. Hugo) e faleceu, deixando duas óperas inacabadas - Khovanshchina E Feira de Sorochinskaya(o primeiro foi totalmente finalizado no cravo, mas quase sem instrumentação; no segundo, as cenas principais foram compostas).

A primeira grande obra do jovem Mussorgsky na segunda metade da década de 1860 foi a ópera salambo(segundo G. Flaubert, 1866; ficou inacabado; em documento autobiográfico posterior, a obra é designada não como “ópera”, mas como “cenas”, e é nessa qualidade que hoje é executada). Uma imagem completamente original do Oriente foi criada aqui - não tanto o exótico "cartaginês" quanto o russo-bíblico, que tem paralelos na pintura ("esboços bíblicos" de Alexander Ivanov) e na poesia (por exemplo, Alexei Khomyakov). A direção oposta "anti-romântica" é representada pela segunda ópera inicial inacabada de Mussorgsky - Casado(segundo Gogol, 1868). Este, segundo a definição do autor, "estudo para prova de câmara" continua a linha convidado de pedra Dargomyzhsky, mas aguça-o tanto quanto possível, escolhendo a prosa em vez da poesia, um enredo que é completamente “real” e, além disso, “moderno”, ampliando assim à escala do gênero operístico aquelas experiências de “romance-palco” que Dargomyzhsky empreendeu ( Conselheiro Titular, Minhoca etc.) e o próprio Mussorgsky.

Boris Godunov

(1ª edição - 1868-1869; 2ª edição - 1872, encenada em 1874) tem subtítulo "segundo Pushkin e Karamzin", é baseado na tragédia de Pushkin, mas com inserções significativas do compositor. Já na primeira versão mais camerística da ópera, focada no drama da personalidade como um drama de "crime e castigo" ( Boris Godunov- contemporâneo Crimes e punições F. M. Dostoiévski), Mussorgsky afastou-se muito de qualquer cânone da ópera - tanto em termos da intensidade da dramaturgia e da nitidez da linguagem, quanto na interpretação do enredo histórico. Trabalhando na segunda edição Boris Godunov, que incluía um "ato polonês" um tanto mais tradicional e uma cena de uma revolta popular bastante incomum em uma ópera ("Under the Kromy"), Mussorgsky pode já ter tido em mente o desenvolvimento posterior do precedente do Tempo de Perturbações - o Revolta de Razin, motins de Streltsy, divisão, Pugachevshchina , ou seja, enredos possíveis e apenas parcialmente incorporados de suas futuras óperas - a crônica histórico-musical da Rússia. Deste programa, apenas o drama da separação foi realizado - Khovanshchina, ao qual Mussorgsky começou imediatamente após a conclusão da segunda edição Boris Godunov, mesmo simultaneamente com a sua conclusão; ao mesmo tempo, a ideia de um “drama musical com a participação dos cossacos do Volga” aparece nos documentos, e posteriormente Mussorgsky marca suas gravações de canções folclóricas “Para a última ópera Pugachevshchina».

Boris Godunov, sobretudo na primeira edição, representa um tipo de ópera com um desenvolvimento complexo da acção musical, onde os fragmentos completos só aparecem quando são condicionados pela situação cénica (o coro de louvor, o lamento da princesa, a polonaise num baile no palácio, etc.). EM Khovanshchina Mussorgsky estabeleceu a tarefa de criar, em suas palavras, uma melodia “significativa/justificada”, e a música se tornou sua base, ou seja, não de natureza instrumental (como em uma ária clássica), mas uma estrutura estrófica e livremente variável - em uma forma "pura" ou em combinação com um elemento recitativo. Esta circunstância determinou em grande parte a forma da ópera, que, mantendo a continuidade e a fluidez da ação, incluía números muito mais "completos", "arredondados" - e corais ( Khovanshchina em muito maior medida do que Boris Godunov, ópera coral - "drama musical folclórico") e solo.

Diferente Boris Godunov, que subiu ao palco do Teatro Mariinsky por vários anos e foi publicado durante a vida do autor, Khovanshchina apresentada pela primeira vez na edição de Rimsky-Korsakov uma década e meia após a morte do autor, no final da década de 1890 foi encenada na Ópera Russa Privada de Moscou por S.I. no Teatro Mariinsky Khovanshchina apareceu, graças aos esforços do mesmo Chaliapin, em 1911, quase simultaneamente com as apresentações da ópera em Paris e Londres pela empresa Diaghilev (três anos antes, a produção parisiense de Diaghilev teve um sucesso sensacional Boris Godunov). No século 20 repetidas tentativas foram feitas para ressuscitar e completar casado E Feira de Sorochinskaya em diferentes edições; para o segundo deles, a referência foi a reconstrução de V.Ya.Shebalin.

Rimsky-Korsakov.

O legado de Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov (1844–1908) representou muitos dos principais gêneros musicais, mas suas maiores realizações, como as de Mussorgsky, foram relacionadas à ópera. Percorre toda a vida do compositor: a partir de 1868, início da composição da primeira ópera ( Pskovityanka), até 1907, a conclusão da última, décima quinta ópera ( o galo de ouro). Rimsky-Korsakov trabalhou intensamente neste gênero a partir de meados da década de 1890: na década e meia seguinte, ele criou 11 óperas. Até meados da década de 1890, todas as estreias das óperas de Rimsky-Korsakov aconteciam no Teatro Mariinsky; Mais tarde, a partir de meados da década de 1890, a colaboração do compositor com a Moscow Private Russian Opera de S.I. Mamontov, onde a maioria das últimas óperas de Korsakov, começando com Sadko. Essa cooperação desempenhou um papel especial na formação de um novo tipo de design e decisão de direção de uma performance musical (bem como no desenvolvimento criativo de artistas do gigantesco círculo como K.A. Korovin, V.M. Vasnetsov, M.A. Vrubel).

A atividade editorial de Rimsky-Korsakov é absolutamente única: graças a ele, pela primeira vez, Khovanshchina E Príncipe Igor, que ficou inacabado após a morte de Mussorgsky e Borodin (a versão da ópera de Borodino foi feita junto com A.K. Glazunov); ele instrumentou convidado de pedra Dargomyzhsky (e duas vezes: para a estréia em 1870 e novamente em 1897-1902) e publicado casado Mussorgsky; em sua edição ganhou fama mundial Boris Godunov Mussorgsky (e embora a versão do autor seja cada vez mais preferida, a versão de Korsakov continua a ser exibida em muitos cinemas); finalmente, Rimsky-Korsakov (junto com Balakirev, Lyadov e Glazunov) preparou duas vezes as partituras da ópera de Glinka para publicação. Assim, em relação ao gênero operístico (assim como em vários outros aspectos), a obra de Rimsky-Korsakov constitui uma espécie de núcleo da música clássica russa, conectando a era de Glinka e Dargomyzhsky do século XX.

Entre as 15 óperas de Rimsky-Korsakov, não há gêneros do mesmo tipo; até mesmo suas óperas de contos de fadas são muito diferentes umas das outras: Donzela de neve(1882) - "conto de primavera", O Conto do Czar Saltan(1900) - "apenas um conto de fadas", Koschei, o Imortal(1902) - "Conto de Outono", o galo de ouro(1907) - "uma ficção nos rostos". Esta lista poderia continuar: Pskovityanka(1873) - crônica de ópera, Mlada(1892) - ópera-balé, Noite de Natal(1895) - segundo a definição do autor, "conto de canções", Sadko(1897) - ópera épica, Mozart e Salieri(1898) - câmara "cenas dramáticas", A lenda da cidade invisível de Kitezh e a donzela Fevronia(1904) - ópera-conto (ou "drama litúrgico"). Os tipos operísticos mais tradicionais incluem a comédia lírica. noite de maio(após Gogol, 1880), drama lírico em um enredo histórico russo noiva real(de acordo com L.A. maio de 1899; e o prólogo desta ópera Boyarina Vera Sheloga, 1898) e duas óperas menos famosas (e de fato menos bem-sucedidas) da virada dos séculos XIX e XX. - governador de panela(1904) sobre motivos poloneses e Servília(1902) baseado em uma peça de May, ambientada no primeiro século DC em Roma.

Em essência, Rimsky-Korsakov reformou o gênero operístico na escala de sua própria criatividade e sem proclamar nenhum slogan teórico. Essa reforma foi associada à confiança nos padrões já estabelecidos da escola russa (em Ruslana e Lyudmila Glinka e os princípios estéticos do Kuchkismo), a arte popular em suas mais diversas manifestações e as formas mais antigas do pensamento humano - mito, épico, conto de fadas (esta última circunstância aproxima, sem dúvida, o compositor russo de seu contemporâneo mais antigo - Richard Wagner, embora aos principais parâmetros de sua autoria Rimsky-Korsakov chegou ao conceito de ópera por conta própria, antes de se familiarizar com a tetralogia e as óperas posteriores de Wagner). Uma característica típica das óperas "mitológicas" de Rimsky-Korsakov associadas ao culto solar eslavo ( noite de maio, Noite de Natal, Mlada, óperas de contos de fadas), é um "multimundo": a ação ocorre em dois ou mais "mundos" (pessoas, elementos naturais e suas personificações, divindades pagãs), e cada "mundo" fala sua própria linguagem, que corresponde à autoavaliação de Rimsky-Korsakov como compositor de um armazém "objetivo". Para óperas do período intermediário, de noite de maio antes Noites antes do Natal, a saturação da ação musical com cenas rituais e rituais (associadas aos feriados do antigo calendário camponês - em geral, todo o ano pagão se reflete nas óperas de Rimsky-Korsakov); em obras posteriores, o ritualismo, o “estatuto” (incluindo o cristão ortodoxo, e muitas vezes uma síntese da “velha” e da “nova” fé popular) aparece de forma mais indireta e refinada. Embora as óperas do compositor fossem executadas regularmente no século XIX, elas receberam real apreciação apenas na virada dos séculos XIX e XX. e mais tarde, na Idade da Prata, com a qual este mestre estava mais sintonizado.

Borodin.

Intenção Príncipe Igor Alexander Porfiryevich Borodin (1833–1877) pertence à mesma época dos planos Boris Godunov, Khovanshchina E Pskovitas, ou seja no final da década de 1860 - início da década de 1870, porém, devido a várias circunstâncias, a ópera não estava totalmente concluída nem na época da morte do autor em 1886, e sua estreia (conforme revisado por Rimsky-Korsakov e Glazunov) ocorreu quase simultaneamente com rainha de Espadas Tchaikovski (1890). É característico que, ao contrário de seus contemporâneos, que se voltaram para os acontecimentos dramáticos dos reinados de Ivan, o Terrível, Boris Godunov e Pedro, o Grande, para tramas históricas da ópera, Borodin tomou como base o mais antigo monumento épico - Uma palavra sobre o regimento de Igor. Sendo um proeminente cientista natural, ele aplicou uma abordagem científica ao libreto da ópera, assumindo a interpretação dos lugares difíceis do monumento, estudando a época de ação, coletando informações sobre os antigos povos nômades mencionados em Palavra. Borodin tinha uma visão equilibrada e realista do problema da forma operística e não procurou transformá-la completamente. O resultado foi o aparecimento de uma obra não só bela no geral e nos detalhes, mas também, por um lado, esbelta e equilibrada e, por outro, extraordinariamente original. Na música russa do século XIX. é difícil encontrar uma reprodução mais "autêntica" do folclore camponês do que no Coro Poselyan ou no Lamento de Yaroslavna. O prólogo coral da ópera, onde a entonação "skazka" das antigas cenas russas de Glinka Ruslana, semelhante a um afresco medieval. motivos orientais Príncipe Igor(“Seção Polovtsiana”) em termos de força e autenticidade da coloração “estepe” são incomparáveis ​​na arte mundial (estudos recentes mostraram o quão sensível Borodin se revelou ao folclore oriental, mesmo do ponto de vista da etnografia musical). E essa autenticidade é combinada da maneira mais natural com o uso de formas bastante tradicionais de uma grande ária - as características do herói (Igor, Konchak, Yaroslavna, Vladimir Galitsky, Konchakovna), o dueto (Vladimir e Konchakovna, Igor e Yaroslavna ) e outros, bem como com elementos introduzidos no estilo de Borodin da música da Europa Ocidental (por exemplo, "Schumanisms", pelo menos na mesma ária de Yaroslavna).

Cui.

Em uma resenha da ópera kuchkista, o nome de César Antonovich Cui (1835-1918) também deve ser mencionado como autor de quase duas dezenas de óperas sobre uma ampla variedade de assuntos (de prisioneiro caucasiano baseado no poema de Pushkin e Ângelo por Hugo antes Mademoiselle Fifi de acordo com G. de Maupassant), que apareceram e foram encenados no palco por meio século. Até hoje, todas as óperas de Cui estão firmemente esquecidas, mas uma exceção deve ser feita para sua primeira obra madura neste gênero - William Ratcliff de acordo com G. Heine. Ratcliff tornou-se a primeira ópera do círculo de Balakirev a ver o palco (1869), e aqui pela primeira vez o sonho de uma nova geração de ópera-drama foi incorporado.

Chaikovski.

Como Rimsky-Korsakov e Mussorgsky, Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840-1893) teve uma forte atração pelo gênero ópera (e também, ao contrário dos Kuchkistas, pelo balé) durante toda a sua vida: sua primeira ópera, Governador(de acordo com A.N. Ostrovsky, 1869), refere-se ao início da atividade criativa independente; estréia do último Iolanthe, ocorreu menos de um ano antes da morte repentina do compositor.

As óperas de Tchaikovsky são escritas sobre uma variedade de assuntos - histórico ( Oprichnik, 1872; Donzela de Orleans, 1879; Mazepa, 1883), quadrinhos ( Ferreiro Vakula, 1874, e a versão do segundo autor desta ópera - Cherevichki, 1885), lírico ( Eugene Onegin, 1878; Iolanta, 1891), lírico-trágico ( feiticeira, 1887; rainha de Espadas, 1890) e, de acordo com o tema, têm uma aparência diferente. No entanto, na compreensão de Tchaikovsky, todos os enredos que ele escolheu adquiriram um colorido psicológico pessoal. Ele estava relativamente pouco interessado na cor local, na representação do local e na hora da ação - Tchaikovsky entrou na história da arte russa principalmente como o criador de um drama musical lírico. Tchaikovsky, como os Kuchkistas, não tinha um conceito de ópera único e universal e usava livremente todas as formas conhecidas. Embora o estilo convidado de pedra sempre lhe pareceu “excessivo”, foi um tanto influenciado pela ideia do diálogo lírico, que se refletiu na preferência pela dramaturgia musical de tipo contínuo e melódico e cantado em detrimento do recitativo “formal” (aqui Tchaikovsky, no entanto, veio não apenas de Dargomyzhsky, mas ainda mais de Glinka, especialmente do profundamente reverenciado por ele Vida para o rei). Ao mesmo tempo, Tchaikovsky, muito mais do que para os petersburguenses (com exceção de Borodin), é caracterizado por uma combinação da continuidade da ação musical com a clareza e dissecação das formas internas de cada cena - ele não abandonar árias tradicionais, duetos e outras coisas, possui com maestria a forma de um complexo conjunto "final" (o que se refletiu na paixão de Tchaikovsky pela arte de Mozart em geral e suas óperas em particular). Não aceitando as tramas wagnerianas e parando com perplexidade diante da forma operística wagneriana, que lhe parecia absurda, Tchaikovsky, no entanto, se aproxima do compositor alemão na interpretação da orquestra da ópera: a parte instrumental está saturada de forte e eficaz desenvolvimento sinfônico ( neste sentido, as óperas tardias são especialmente notáveis, em primeiro lugar rainha de Espadas).

Na última década de sua vida, Tchaikovsky desfrutou da fama do maior compositor de ópera russo, algumas de suas óperas foram encenadas em teatros estrangeiros; Os balés posteriores de Tchaikovsky também tiveram estreias triunfantes. No entanto, o sucesso no teatro musical não chegou ao compositor imediatamente e mais tarde do que nos gêneros instrumentais. Convencionalmente, na herança musical e teatral de Tchaikovsky, três períodos podem ser distinguidos: cedo, Moscou (1868–1877) - Governador, Oprichnik, Ferreiro Vakula, Eugene Onegin E Lago de cisnes; médio, até o final da década de 1880 - três grandes óperas trágicas: Donzela de Orleans, Mazepa E feiticeira(bem como uma modificação Ferreiro Vakula V Cherevichki, que mudou significativamente a aparência desta ópera inicial); tarde - rainha de Espadas, Iolanta(a única ópera de câmara "pequena" de um ato de Tchaikovsky) e balés bela Adormecida E quebra-nozes. O primeiro grande sucesso real foi acompanhado pela estreia em Moscou Eugene Onegin por alunos do conservatório em março de 1879, a estreia desta ópera em São Petersburgo em 1884 tornou-se um dos pináculos da trajetória criativa do compositor e o início da colossal popularidade desta obra. O segundo pico, ainda mais alto, foi a estreia rainha de Espadas em 1890.

Anton Rubinstein.

Entre os fenômenos que não se encaixavam nas principais direções do desenvolvimento do teatro musical russo no século 19, pode-se citar as óperas de Anton Grigorievich Rubinstein (1829–1894): 13 óperas propriamente ditas e 5 óperas-oratórios sagrados. As melhores obras musicais e teatrais do compositor estão ligadas ao tema "oriental": uma ópera oratória monumental-decorativa Macabeus(1874, encenado em 1875), lírico demônio(1871, entregue em 1875) e Sulamita (1883). demônio(de acordo com Lermontov) é o auge absoluto da herança operística de Rubinstein e uma das melhores e mais populares óperas líricas russas.

Blaramberg e Napravnik.

Entre outros autores de ópera da mesma época, destacam-se o compositor moscovita Pavel Ivanovich Blaramberg (1841–1907) e o compositor de São Petersburgo Eduard Frantsevich Napravnik (1839–1916), o famoso e insubstituível maestro da ópera russa no Teatro Mariinsky. por meio século. Blaramberg era autodidata e tentava seguir os preceitos do círculo de Balakirev, pelo menos na escolha dos temas, principalmente russos (seu melodrama histórico teve o maior sucesso). Tushintsy do Tempo de Problemas, 1895). Ao contrário de Blaramberg, Napravnik era um profissional de alto nível e sem dúvida dominava a técnica de composição; sua primeira ópera Nizhny Novgorod sobre um tema nacional-patriótico (1868) apareceu no palco um pouco antes das primeiras óperas históricas kuchkistas - Boris Godunov E Pskovitas e antes de suas estreias tiveram algum sucesso; A próxima ópera de Napravnik, Haroldo(1885), criado sob clara influência de Wagner, embora seja o mais bem-sucedido e ainda às vezes encontrado no repertório teatral da ópera deste autor Dubrovsky(após Pushkin, 1894) é inspirado na obra de Tchaikovsky, o compositor russo favorito de Napravnik (ele regeu várias estreias de óperas e sinfonias de Tchaikovsky).

Taneev.

No final do século XIX a única ópera (trilogia de ópera) de Sergei Ivanovich Taneyev (1856–1915) nasceu orestea(sobre o enredo de Ésquilo, 1895). O libreto da ópera, em geral, afasta-se da fonte antiga, no sentido de “psicologismo” incomum para a antiguidade, na interpretação romântica da imagem feminina central. No entanto, as principais características do estilo desta ópera relacionam-na com a tradição classicista, em particular, com as tragédias musicais líricas de Gluck. O tom estrito e contido da obra de Taneyev, criada no limiar de um novo século, aproxima-o das manifestações posteriores da direção neoclássica (por exemplo, da ópera-oratório Édipo rex I. F. Stravinsky).

Virada dos séculos 19 a 20

Na última década e meia do século XIX. e nas primeiras décadas do próximo século, ou seja. no período após a morte de Mussorgsky, Borodin, Tchaikovsky (e ao mesmo tempo durante o apogeu da obra operística de Rimsky-Korsakov), vários novos compositores de ópera foram apresentados, principalmente em Moscou: M.M. Ippolitov-Ivanov (1859– 1935) ( Rute segundo a lenda bíblica, 1887; Ásia de acordo com Turgenev, 1900; Traição, 1910; Ole de Nordland; 1916), A.S. Arensky (1861–1906) ( Durma no Volga de acordo com Ostrovsky, 1888; Rafael, 1894; Nal e Damayanti, 1903), V.I. Rebikov (1866–1920) ( Em uma tempestade, 1893; árvore de Natal, 1900 e outros), S.V. Rakhmaninov (1873–1943) ( Aleko de acordo com Pushkin, 1892; Cavaleiro miserável Segundo Pushkin e Francesca da Rimini de acordo com Dante, 1904), A.T. Grechaninov (1864–1956) ( Nikitich, 1901; Irmã Beatriz de acordo com M. Maeterlinck, 1910); experimente também o gênero ópera Vas. S. Kalinnikov (1866–1900/1901) (prólogo da ópera Em 1812, 1899) e A.D. Kastalsky (1856–1926) ( Clara Milic de acordo com Turgenev, 1907). O trabalho desses autores era frequentemente associado às atividades de empresas privadas de Moscou - primeiro a Ópera Russa Privada de Moscou de S. Mamontov e depois a Ópera de S.I. Zimin; as novas óperas pertenciam principalmente ao gênero lírico de câmara (algumas delas são de um ato). Algumas das obras listadas acima são adjacentes à tradição kuchkista (por exemplo, o épico Nikitich Grechaninov, até certo ponto também Rute Ippolitova-Ivanov, marcada pela originalidade do sabor oriental, e a ópera de Kastalsky, na qual os esquetes musicais da vida cotidiana são mais bem-sucedidos), mas ainda mais os autores da nova geração foram influenciados pelo estilo de ópera lírica de Tchaikovsky (Arensky, Rebikov, a primeira ópera de Rachmaninov), bem como as novas tendências da ópera europeia da época.

A primeira ópera de Stravinsky Rouxinol(de acordo com o conto de fadas de H.K. Andersen, 1914) foi criado por ordem da empresa Diaghilev e está estilisticamente conectado com a estética do The World of Art, bem como com um novo tipo de drama musical que apareceu em Pelléas e Melisande C. Debussy. Sua segunda ópera maura(Por Casa em Kolomna Pushkina, 1922) é, por um lado, uma anedota musical espirituosa (ou paródia) e, por outro lado, uma estilização do romance urbano russo da era Pushkin. terceira ópera, Édipo rex(1927), de fato, não é tanto uma ópera quanto um oratório de palco neoclássico (embora os princípios de composição e o estilo vocal da ópera séria italiana sejam usados ​​aqui). A última ópera do compositor As Aventuras do Rake, foi escrito muito depois (1951) e nada tem a ver com o fenômeno da ópera russa.

Shostakovich.

Duas óperas de Dmitri Dmitrievich Shostakovich (1906–1975), escritas por ele no final dos anos 1920 e início dos anos 1930, também tiveram um destino difícil: Nariz(segundo Gogol, 1929) e Lady Macbeth do distrito de Mtsensk(de acordo com Leskov, 1932, 2ª edição 1962). Nariz, uma obra muito brilhante e nítida, no final do século XX. gozou de grande popularidade na Rússia e no Ocidente, estilisticamente associado ao teatro expressionista e baseia-se no princípio mais pontiagudo da paródia, chegando à sátira destrutiva e viciosa. Primeira edição Lady Macbeth foi, de certo modo, uma continuação do estilo nariz, e o personagem principal desta ópera evocou associações com personagens como Maria em Wozzecke A. Berg e até Salomé na ópera de mesmo nome de R. Strauss. Como se sabe, é Lady Macbeth, que teve um sucesso significativo na estreia, tornou-se o "objeto" do artigo do programa do jornal Pravda Confusão em vez de música(1934), que influenciou muito o destino de Shostakovich e a situação da música soviética da época. Na segunda versão da ópera, muito posterior, o autor fez atenuações significativas - tanto dramáticas quanto musicais-estilísticas, com as quais a obra assumiu uma forma um tanto próxima da clássica para o teatro lírico russo, mas perdido em sua integridade.

Em geral, o problema da ópera foi bastante agudo durante todo o período soviético da cultura musical russa. Como esse gênero era considerado um dos mais "democráticos" e ao mesmo tempo o mais "ideológico", as autoridades que dirigiam a arte geralmente incentivavam os compositores a trabalhar nessa área, mas ao mesmo tempo a controlavam estritamente. Na década de 1920 e no início da década de 1930, a cultura da ópera na Rússia estava em um estado brilhante: produções maravilhosas do repertório clássico apareceram em Moscou e Leningrado, as últimas obras ocidentais foram amplamente encenadas; Experimentos no campo do teatro musical foram realizados pelos maiores diretores, começando com K.S. Stanislavsky e V.E. Meyerhold e outros... Posteriormente, esses ganhos foram amplamente perdidos. O tempo para experimentos na casa de ópera terminou no início dos anos 1930 (geralmente, junto com produções de óperas de Prokofiev e Shostakovich, óperas baseadas em tramas “revolucionárias” de L.K. Knipper (1898–1974), V.V. (1889–1955), A.F. Pashchenko (1883–1972) e outros; agora todos eles caíram no esquecimento). Em meados da década de 1930, o conceito da chamada "ópera cantada" como "acessível ao povo" veio à tona: seu padrão era Quiet Don(de acordo com M. Sholokhov, 1935) I.I. Dzerzhinsky (1909–1978); as óperas de T.N. Khrennikov (n. 1913), que eram populares em sua época, pertencem à mesma variedade dentro da tempestade(1939) e D.B.Kabalevsky (1904–1987) família Taras(1950). É verdade que óperas “normais” mais ou menos bem-sucedidas apareceram no mesmo período, por exemplo A Megera Domada(1957) V.Ya.Shebalin (1902–1963), dezembristas(1953) Yu.A. Shaporina (1887–1966). Desde a década de 1960, houve um período de certo renascimento na casa de ópera; esta época é caracterizada pelo surgimento de vários tipos de gêneros "híbridos" (ópera-balé, ópera-oratório, etc.); os gêneros de ópera de câmara, e especialmente a mono-ópera, esquecidos nas décadas anteriores, são amplamente desenvolvidos. Nas décadas de 1960 a 1990, muitos autores se voltaram para a ópera, incluindo alguns talentosos (entre os compositores que trabalharam ativamente no teatro musical, pode-se citar R.K. Shchedrin (n. 1932), A.P. Petrov (n. 1930), S. M. Slonimsky (n. 1932), óperas interessantes foram criadas por N. N. Karetnikov (1930–1994) e E. V. Denisov (1929–1996), óperas de Yu. ), G.I. Banshchikov (n. 1943) e outros. No entanto, a posição anterior de este gênero como o principal na cultura musical russa não foi restaurado, e obras modernas (nacionais e estrangeiras) aparecem nos pôsteres das principais casas de ópera apenas esporadicamente. Algumas exceções são pequenas trupes de diferentes cidades, que prontamente apresentam novas óperas , no entanto, raramente permanecem no repertório por muito tempo.



ópera russa- a contribuição mais valiosa para o tesouro do teatro musical mundial. Nascido na era do apogeu clássico da ópera italiana, francesa e alemã, ópera russa no século XIX. não apenas alcançou outras escolas de ópera nacionais, mas também as ultrapassou. A natureza multilateral do desenvolvimento do teatro de ópera russo no século XIX. contribuiu para o enriquecimento da arte realista mundial. As obras dos compositores russos abriram um novo campo de criatividade operística, introduziram novos conteúdos nela, novos princípios para a construção da dramaturgia musical, aproximando a arte da ópera de outros tipos de criatividade musical, principalmente da sinfonia.

Fig.11

A história da ópera clássica russa está intimamente ligada ao desenvolvimento da vida social na Rússia, ao desenvolvimento do pensamento russo avançado. A ópera se destacou por essas conexões já no século XVIII, tendo surgido como fenômeno nacional na década de 70, época do desenvolvimento do iluminismo russo. A formação da escola de ópera russa foi influenciada pelas ideias iluministas, expressas no desejo de retratar com fidelidade a vida do povo. Neyasova, I.Yu. Ópera histórica russa do século XIX. P.85.

Assim, a ópera russa desde seus primeiros passos se configura como uma arte democrática. Os enredos das primeiras óperas russas frequentemente apresentavam ideias anti-servidão, que também eram características do teatro dramático russo e da literatura russa no final do século XVIII. No entanto, essas tendências ainda não haviam se desenvolvido em um sistema integral; elas foram expressas empiricamente em cenas da vida dos camponeses, mostrando sua opressão pelos latifundiários, em uma representação satírica da nobreza. Estes são os enredos das primeiras óperas russas: “Infortúnio da carruagem” de V. A. Pashkevich, “Coachmen on a Setup” de E. I. Fomin. Na ópera "O Miller - um feiticeiro, um enganador e um casamenteiro" com texto de A. O. Ablesimov e música de M. M. Sokolovsky (na segunda versão - E. I. Fomina), a ideia da nobreza do trabalho de um fazendeiro é expressa e a nobre arrogância é ridicularizada. Na ópera de M. A. Matinsky - V. A. Pashkevich "St. Petersburg Gostiny Dvor", um usurário e um suborno são retratados de forma satírica.

As primeiras óperas russas eram peças com episódios musicais no decorrer da ação. Cenas de conversação eram muito importantes neles. A música das primeiras óperas estava intimamente ligada às canções folclóricas russas: os compositores fizeram uso extensivo das melodias das canções folclóricas existentes, retrabalhando-as, tornando-as a base da ópera. Em "Melnik", por exemplo, todas as características dos personagens são dadas com a ajuda de canções folclóricas de natureza diversa. Na ópera "St. Petersburg Gostiny Dvor", uma cerimônia de casamento folclórica é reproduzida com grande precisão. Em "Coachmen on a Frame", Fomin criou o primeiro exemplo de uma ópera coral folclórica, estabelecendo assim uma das Tradições típicas da ópera russa posterior.

A ópera russa se desenvolveu na luta por sua identidade nacional. A política da corte real e do topo da nobre sociedade, patrocinando trupes estrangeiras, era dirigida contra a democracia da arte russa. As figuras da ópera russa tiveram que aprender as habilidades da ópera nos modelos da ópera da Europa Ocidental e, ao mesmo tempo, defender a independência de sua direção nacional. Essa luta por muitos anos se tornou uma condição para a existência da ópera russa, assumindo novas formas em novos palcos.

Junto com a ópera-comédia no século XVIII. outros gêneros operísticos também apareceram. Em 1790, ocorreu uma apresentação na corte sob o título "Oleg's Initial Administration", cujo texto foi escrito pela Imperatriz Catarina II, e a música foi composta em conjunto pelos compositores K. Canobbio, J. Sarti e V. A. Pashkevich. a performance não era tanto operística quanto oratória por natureza e, até certo ponto, pode ser considerada o primeiro exemplo do gênero histórico-musical, tão difundido no século XIX. Na obra do notável compositor russo D. S. Bortnyansky, o gênero operístico é representado pelas óperas líricas The Falcon e The Rival Son, cuja música, em termos de desenvolvimento de formas e habilidades operísticas, pode ser equiparada a exemplos modernos da ópera da Europa Ocidental.

A casa de ópera foi usada no século XVIII. grande popularidade. Gradualmente, a ópera da capital penetrou nos teatros imobiliários. Teatro Fortaleza na virada dos séculos XVIII e XIX. dá exemplos individuais altamente artísticos da performance de óperas e papéis individuais. Cantores e atores russos talentosos são indicados, como, por exemplo, a cantora E. Sandunova, que se apresentou no palco da capital, ou a serva atriz do Teatro Sheremetev P. Zhemchugova.

Realizações artísticas da ópera russa do século XVIII. deu impulso ao rápido desenvolvimento do teatro musical na Rússia no primeiro quartel do século XIX.

As conexões do teatro musical russo com as ideias que determinaram a vida espiritual da época foram especialmente fortalecidas durante a Guerra Patriótica de 1812 e durante os anos do movimento dezembrista. O tema do patriotismo, refletido em tramas históricas e contemporâneas, torna-se a base de muitas apresentações dramáticas e musicais. As ideias de humanismo, o protesto contra a desigualdade social inspiram e fertilizam a arte teatral.

No início do século XIX. ainda não se pode falar de ópera no sentido pleno da palavra. Gêneros mistos desempenham um papel importante no teatro musical russo: tragédia com música, vaudeville, ópera cômica, ópera-balé. Antes de Glinka, a ópera russa não conhecia obras cuja dramaturgia se baseasse apenas na música sem episódios falados.

O drama musical de Mussorgsky "Khovanshchina" (Fig. 12) é dedicado aos levantes do arco e flecha no final do século XVII. O elemento do movimento popular em toda a sua força exuberante é notavelmente expresso pela música da ópera, baseada no repensar criativo da arte da canção folclórica. A música de "Khovanshchina", como a música de "Boris Godunov", é caracterizada por uma alta tragédia. A base da milha melódica de ambas as óperas é a síntese de canções e começos declamatórios. A inovação de Mussorgsky, nascida da novidade de sua concepção, e a solução profundamente original para os problemas da dramaturgia musical nos colocam entre as duas óperas das mais altas realizações do teatro musical.

Fig.12

O século 19 é a era dos clássicos da ópera russa. Os compositores russos criaram obras-primas em vários gêneros de ópera: drama, épico, tragédia heróica, comédia. Eles criaram um drama musical inovador que nasceu em estreita ligação com o conteúdo inovador das óperas. O papel importante e definidor das cenas folclóricas de massa, a caracterização multifacetada dos personagens, a nova interpretação das formas tradicionais da ópera e a criação de novos princípios de unidade musical de toda a obra são características dos clássicos da ópera russa. Neyasova, I.Yu. Ópera histórica russa do século XIX. P.63.

A ópera clássica russa, que se desenvolveu sob a influência do pensamento filosófico e estético progressista, sob a influência dos acontecimentos da vida pública, tornou-se um dos aspectos marcantes da cultura nacional russa do século XIX. Todo o caminho de desenvolvimento da ópera russa no século passado correu paralelo ao grande movimento de libertação do povo russo; os compositores foram inspirados por altas ideias de humanismo e esclarecimento democrático, e suas obras são para nós grandes exemplos de arte verdadeiramente realista.

3.1 Modesto Petrovich Mussorgsky

O modesto Petrovich Mussorgsky - um dos mais brilhantes compositores russos do século 19, membro do "Mighty Handful". O trabalho inovador de Mussorgsky estava muito à frente de seu tempo.

Nasceu na província de Pskov. Como muitas pessoas talentosas, desde a infância mostrou talento para a música, estudou em São Petersburgo, era, segundo a tradição familiar, militar. O evento decisivo que determinou que Mussorgsky nasceu não para o serviço militar, mas para a música, foi seu encontro com M.A. Balakirev e ingressou no "Mighty Handful". Mussorgsky é ótimo porque em suas obras grandiosas - as óperas "Boris Godunov" e "Khovanshchina" (Fig. 13) ele capturou na música os marcos dramáticos da história russa com uma novidade radical que a música russa não conhecia antes dele, mostrando em eles uma combinação de cenas folclóricas de massa e uma riqueza variada de tipos, o caráter único do povo russo. Essas óperas, em inúmeras edições do autor e de outros compositores, estão entre as óperas russas mais populares do mundo. Danilova, G. I. Arte. Pág. 96.

3.2 Características da ópera "Khovanshchina" de Mussorgsky

"Khovamshchina"(drama musical folclórico) - uma ópera em cinco atos do compositor russo M. P. Mussorgsky, criada de acordo com seu próprio libreto ao longo de vários anos e nunca concluída pelo autor; o trabalho foi concluído por N. A. Rimsky-Korsakov.

Khovanshchina é mais do que uma ópera. Mussorgsky estava interessado nas trágicas leis da história russa, o cisma eterno, a fonte do sofrimento e do sangue, o eterno prenúncio da guerra civil, o eterno levantar-se de joelhos e o desejo igualmente instintivo de retornar à sua postura habitual.

Mussorgsky teve a ideia de "Khovanshchina" e logo começou a coletar materiais. Tudo isso foi realizado com a participação ativa de V. Stasov, que na década de 70. aproximou-se de Mussorgsky e foi um dos poucos que realmente entendeu a seriedade das intenções criativas do compositor. V. V. Stasov tornou-se a inspiração e o assistente mais próximo de Mussorgsky na criação desta ópera, na qual trabalhou de 1872 até quase o fim de sua vida. “Dedico a você todo o período da minha vida em que a Khovanshchina será criada ... você deu um começo”, escreveu Mussorgsky a Stasov em 15 de julho de 1872.

Fig.13

O compositor foi novamente atraído pelo destino do povo russo em um momento decisivo da história russa. Os eventos rebeldes do final do século 17, a luta acirrada entre o velho boiardo Rus' e a nova e jovem Rússia de Pedro I, os tumultos dos arqueiros e o movimento dos cismáticos deram a Mussorgsky a oportunidade de criar um novo drama musical folclórico. O autor dedicou "Khovanshchina" a V.V. Stasov. Danilova, G. I. Arte. P.100.

Trabalhar em "Khovanshchina" foi difícil - Mussorgsky voltou-se para um material muito além do escopo de uma apresentação de ópera. No entanto, escrevia intensamente (“A obra está a todo vapor!”), embora com longas interrupções por diversos motivos. Nessa época, Mussorgsky passava pela desintegração do círculo de Balakirev, o esfriamento das relações com Cui e Rimsky-Korsakov, o afastamento de Balakirev das atividades musicais e sociais. Ele sentiu que cada um deles havia se tornado um artista independente e já havia seguido seu próprio caminho. O serviço burocrático deixava apenas as horas da tarde e da noite para compor música, e isso levava a um forte excesso de trabalho e a depressões cada vez mais prolongadas. Mas, apesar de tudo, a força criadora do compositor nesse período é marcante pela força e riqueza de ideias artísticas.

“Khovanshchina é uma ópera russa complexa, tão complexa quanto a alma russa. Mas Mussorgsky é um compositor tão incrível que duas de suas óperas são encenadas em diferentes óperas ao redor do mundo quase todos os anos.” Abdrazakov, RIA Novosti.

A ópera revela camadas inteiras da vida popular e mostra a tragédia espiritual do povo russo no ponto de virada de sua história e modo de vida tradicionais.

3.3 Opera Mussorgsky "Khovanshchina" no teatro

A escala grandiosa do épico - é neste formato que Alexander Titel prefere falar nos últimos anos, encenada "Guerra e Paz" de Sergei Prokofiev, "Boris Godunov" de Mussorgsky e, finalmente, uma enorme tela histórica - "Khovanshchina" . Não há necessidade de lembrar sobre a relevância de hoje desta criação de Mussorgsky, que absorve todas as trágicas colisões do "russo" - a ruptura do poder e do povo, cisma religioso, intrigas políticas, idealismo fanático, a busca contínua pelo " caminho", a bifurcação do Eurasiano. A relevância está na superfície, e não é por acaso que "Khovanshchina" na última temporada "shaft" está nos palcos europeus - em Viena, Stuttgart, Antuérpia, Birmingham. A atuação de Titel quase com angústia retorna seus compatriotas a esses temas de Mussorgsky.

O fato de o teatro ter abordado sua afirmação "histórica" ​​com uma intensidade especial é evidenciado pelo livreto preparado para a estreia com recortes de documentos e biografias reais dos protótipos de Khovanshchina, e a exposição programada para coincidir com o lançamento da peça em o átrio do teatro com achados arqueológicos expostos dos tempos de "Khovanshchina" - fragmentos de armas encontrados sob o prédio do teatro. Obviamente, a atmosfera da performance com tal comitiva deveria ter se tornado ainda mais "autêntica". Mas o público foi recebido não pelas torres e pelas torres do Kremlin no palco, mas por uma simples caixa de tábuas em forma de celeiro, na qual o épico sombrio da vida russa se desenrolou por mais de três horas. Alexander Lazarev deu o tom musical, escolhendo a orquestração de Dmitri Shostakovich, cheia de sobretons metálicos, rompendo, como num abismo de sonoridades, sinos pesados, que soaram na sua interpretação um forte quase incessante, com um forte marcato de chumbo esmagando mesmo puxado -out canções líricas. Em alguns momentos a orquestra desaparecia e então os coros saíam “para fora”: o famoso “Papai, papai, venha até nós!” soava como uma obra-prima, silenciosas orações cismáticas. Masol, L.M., Aristova L.S. Arte musical. P.135.

Fig.14

O pano de fundo orquestral forte combinava com a ação frenética escura no palco. Enormes extras - centenas de pessoas vestidas de forma unificada, de escarlate - streltsy (Fig. 14) ou branco - "folk". Os príncipes usam cafetãs simples com pequenos botões, sem as habituais peles e preciosos bordados. Esses figurantes participam das refeições em uma longa mesa de madeira, saem no meio da multidão com ícones, confraternizam, agarrados aos ombros, em torno de Bati Khovansky. Mas a multidão no palco não "viveu", mas ilustrou o enredo.

Fig.15

Mas a trama principal se desenrolou "acima" - entre os príncipes e boiardos, que tecem conspirações, ditam denúncias, lutam pelo poder. Primeiro, Shaklovity (Anton Zaraev) dita furiosamente a Podyachy (Valery Mikitsky), assustando-o com tortura e tortura, um relatório aos czares Pedro e Ivan sobre o pai e o filho de Khovansky, então o príncipe Golitsyn (Nazhmiddin Mavlyanov) tece uma intriga contra as autoridades com Khovansky (Dmitry Ulyanov) e Dosifey (Denis Makarov) - freneticamente, à beira de uma luta. Aqui, o jovem Khovansky (Nikolai Erokhin), com exatamente o mesmo frenesi, persegue eroticamente a alemã Emma (Elena Guseva), e a cismática Martha (Ksenia Dudnikova) - vingativamente arrasta o perturbado Andrei para cometer suicídio no esquete. Os heróis de Mussorgsky existem na peça como se cada palavra fosse virar o mundo de cabeça para baixo. Gritam em árias até ficarem roucos, batem com os punhos na mesa. Marfa adivinha terrivelmente, batendo com os punhos na água e como se estivesse espremendo algo vivo de um balde de zinco. Arqueiros colocam suas cabeças em caftans escarlates para execução, e Khovansky Sr. levanta as saias dos persas. No palco, o duduk armênio soa melancólico - um número inserido na performance. É verdade que não está totalmente claro por que é mais relevante do que a dança persa usual. Além disso, infelizmente, como não está claro sobre o que acabou sendo a performance, terminando com a imagem de uma multidão cismática em pé mergulhando na escuridão, sobre a qual os heróis discutiram tão freneticamente, quebrando suas vozes, explodindo em histeria por três horas em um linha, o que exatamente eles queriam transmitir de sua experiência , exceto pela imagem da sombria Rus '. Inclusive, e porque as palavras na performance são quase indistinguíveis. As legendas da linha de corrida estão em inglês e há poucos conhecedores do libreto de cor no corredor. Enquanto isso, não foi por acaso que o próprio Mussorgsky soletrou cada palavra. Ele criou "Khovanshchina" como um drama político atual e provavelmente esperava que a experiência dessa história ajudasse a mudar algo no presente.