Esboços leves em aquarela. Estudos de aquarela de curto prazo da natureza

MASTER CLASS "Aquarela Paisagem"

Aula de pintura em aulas ao ar livre para professores e alunos do 3º ao 4º ano da escola de arte infantil sobre o tema: Esboços perto da água.

Ponomareva Lyubov Innokentievna, professora de MAOU DOD "ODSHI No. 3" da região de Moscou de Bratsk, região de Irkutsk.
Master class para alunos de escolas de arte infantil de 3 a 4 séries (14 a 15 anos) e professores.
Propósito: auxílio visual, presente.
Alvo: Conhecimento dos métodos e técnicas básicas para a execução consistente de um esboço de uma paisagem em aquarela.
Tarefas:
Aprimorando habilidades e habilidades na execução de um esboço de uma paisagem em aquarela.
Desenvolvimento de habilidades criativas.
Aumentar o amor e o interesse pela imagem da natureza.
Materiais: Aquarela ("São Petersburgo", "Neva", "Rio Negro" ou "Leningrado"); escovas redondas, esquilo nº 3, nº 6; papel aquarela, jarra de água, paleta, lápis.

Olá, queridos colegas e amantes da arte!
Minha master class se chama "Paisagem em Aquarela".
As paisagens são realizadas em aulas ao ar livre, e são de grande importância, pois contribuem para um estudo visual e prático das leis da perspectiva luz-ar, aquisição de novos conhecimentos no domínio das técnicas de aquarela e na sequência metodológica do trabalho.
Escolhemos um motivo paisagístico com água e aprendemos a pintar um reflexo.
Existem duas técnicas principais de aquarela - vitrificação, ou pintura em várias camadas, e "a la prima" - de maneira crua, bem como inúmeras técnicas combinadas derivadas delas, destinadas a revelar o efeito, a multiestrutura e a imagem do objeto.
Pintamos uma paisagem usando a técnica tradicional de pintura em várias camadas. Esta técnica envolve a aplicação sucessiva de camadas de tinta após a secagem da camada anterior. Além disso, as primeiras camadas são transparentes, as subsequentes as sobrepõem parcialmente, gradualmente escurecem e saturam o sistema de cores da obra. Você não pode escrever imediatamente com cores escuras e brilhantes, porque na ausência de branco na aquarela, é muito difícil clarear algo, e a aquarela é um material fresco, leve e transparente, vem da palavra “aqua”, que significa água . A cor é feita com muita água, então é usado um pincel redondo de esquilo, que retém bem a água, e o papel aquarela absorve bem.

Etapas do trabalho.

1. O motivo da paisagem não é muito complexo, por isso desenhamos imediatamente com pincel, cor fria ou quente.

2. Realizamos um preenchimento aquarelado do fundo do céu com o pincel nº 6 de cima para baixo, utilizando para isso o ultramarino e ocre, pois em um dia de sol aparecem tons quentes no azul do céu.

3. Fechamos os arbustos e as margens do rio com verde claro e quente. É melhor se a cor verde for obtida como resultado da mistura. Como você sabe, em uma caixa de aquarela, você não oferece cores, mas tintas. Para obter uma cor, você precisa misturar pelo menos duas tintas.

4. Neste estudo, as cores dominantes são azul, marrom, ocre, verde. Todas as etapas subsequentes do trabalho são realizadas na camada anterior seca. Determinamos a penumbra do mato ao fundo.

5. Reforçamos a penumbra do segundo plano, visto que a iluminação é superior, e os arbustos são grandes volumes hemisféricos.

6. Escrevemos um reflexo na água. Há uma corrente muito fraca neste rio, então o reflexo é quase uma imagem espelhada. Via de regra, é sempre mais escuro e quente que os objetos reais. Escrevemos o reflexo com traços verticais, espelhando o formato dos arbustos.

7. Escrevemos água, com o céu refletido nela, em uma cor mais escura.

8. Reforçamos a costa do primeiro plano com tons mais claros de verde, não esquecendo, porém, da transparência da aquarela.

9. À sombra dos arbustos, procuramos tons de cores frias. Começamos a escrever abetos ao fundo. Em relação ao arbusto, eles são bem mais escuros.

10. Ate escuras, quase planas, como ficam longe, escrevemos com um pincel mais fino.

11. Reforce a sombra nos arbustos e a água do primeiro plano, que dá uma sensação de espaço.

12. Mostramos o reflexo dos abetos na água, aumentamos o contraste e a densidade da cor no reflexo dos arbustos.

13. Enfatizamos os galhos do mato, refinamos os reflexos do primeiro plano.

14. O esboço está pronto. Sucesso no trabalho criativo!

Quando a palavra “pátria” foi pronunciada na frente de Berg, ele sorriu. Ele não entendia o que aquilo significava. A pátria, a terra dos pais, o país onde nasceu - afinal, não importa onde uma pessoa nasceu. Um de seus camaradas até nasceu no oceano em um cargueiro entre a América e a Europa.

Onde é a casa dessa pessoa? Berg se perguntou. - O oceano é mesmo esta monótona planície de água, negra do vento e oprimindo o coração com uma ansiedade constante?

Berg viu o oceano. Quando estudou pintura em Paris, estava às margens do Canal da Mancha. O oceano não era como ele.

Pátria! Berg não sentiu nenhum apego nem à infância nem à pequena cidade judia no Dnieper, onde seu avô ficou cego por causa da luta e do furador de sapato.

A cidade natal sempre foi lembrada como um quadro desbotado e mal pintado, densamente infestado de moscas. Ele era lembrado como poeira, o doce fedor de montes de lixo, choupos secos, nuvens sujas sobre a periferia, onde soldados - os defensores da pátria - treinavam no quartel.

Durante a guerra civil, Berg não percebeu os locais onde teve que lutar. Ele encolheu os ombros zombeteiramente quando os lutadores, com uma luz especial nos olhos, disseram que, dizem, em breve recuperaremos nossos lugares nativos dos brancos e daremos aos cavalos água para beber do nativo Don.

Conversa! Berg disse sombriamente. - Gente como nós não tem e não pode ter pátria.

Oh, Berg, alma de bolacha! - os lutadores responderam com forte reprovação. - Que lutador e criador de uma nova vida você é quando não ama a terra, excêntrico. E também um artista!

Talvez por isso Berg não tenha sucesso em paisagens. Ele preferiu o retrato, o gênero e, finalmente, o pôster. Ele tentou encontrar o estilo de seu tempo, mas essas tentativas foram cheias de falhas e ambiguidades.

Os anos passaram pelo país soviético como um vento forte - anos maravilhosos de trabalho e superação. Anos de experiência acumulada, tradições. A vida virou, como um prisma, com uma nova faceta, e nela velhos sentimentos eram novos e às vezes não muito claros para Berg - amor, ódio, coragem, sofrimento e, finalmente, uma sensação de pátria.

No início do outono, Berg recebeu uma carta do artista Yartsev. Ele o chamou para vir para as florestas de Murom, onde passou o verão. Berg era amigo de Yartsev e, além disso, não deixou Moscou por vários anos. Ele foi.

Em uma estação morta atrás de Vladimir, Berg embarcou em um trem de bitola estreita.

Agosto foi quente e sem vento. O trem cheirava a pão de centeio. Berg estava sentado no estribo da carruagem, respirando avidamente, e parecia-lhe que não respirava ar, mas uma luz solar incrível.

Gafanhotos gritavam em clareiras cobertas de cravos brancos secos. O Tsolustanki cheirava a flores silvestres imprudentes.

Yartsev morava longe da estação deserta, na floresta, às margens de um lago profundo de águas negras. Ele alugou uma cabana de um guarda florestal.

Berg foi levado ao lago pelo filho do guarda florestal, Vanya Zotov, um menino encurvado e com véu.

A carroça batia nas raízes, rangia nas areias profundas.

Orioles assobiaram tristemente na floresta. Uma folha amarela ocasionalmente caía na estrada. Nuvens cor-de-rosa erguiam-se altas no céu acima dos topos dos pinheiros.

Berg estava deitado na carroça e seu coração batia pesado e pesado.

“Deve ser do ar”? pensou Berg.

O lago Berg de repente viu através de um matagal de florestas desbastadas.

Ele se estendia obliquamente, como se estivesse subindo no horizonte, e atrás dele, moitas de bétulas douradas brilhavam através da névoa fina. A névoa pairava sobre o lago devido aos recentes incêndios florestais. Folhas caídas flutuavam na água clara e negra como alcatrão.

Berg viveu no Lago Berg por cerca de um mês. Ele não pretendia trabalhar e não levava tinta a óleo consigo. Ele trouxe apenas uma pequena caixa de aquarelas francesas de Lefranc, ainda preservadas dos tempos parisienses. Berg valorizava muito essas cores.

Por dias inteiros ele ficou nas clareiras e olhou para as flores e ervas com curiosidade. Ele ficou especialmente impressionado com o euonymus - suas bagas pretas estavam escondidas em uma corola de pétalas de carmim.

Berg coletou roseira brava e zimbro perfumado, agulhas longas, folhas de álamo tremedor, onde manchas pretas e azuis se espalharam pelo campo de limoeiros, líquen quebradiço e cravo murcho. Ele examinou cuidadosamente as folhas de outono por dentro, onde o amarelo era levemente tocado por uma leve geada de chumbo.

Besouros nadadores da oliveira corriam no lago, peixes brincavam com raios opacos e os últimos lírios jaziam na superfície imóvel da água, como em vidro preto.

Nos dias quentes, Berg ouvia um leve tremor na floresta.

O calor tocou, ervas secas, besouros e gafanhotos. Ao pôr do sol, bandos de grous voavam sobre o lago ao sul com um arrulho, e a cada vez Vanya dizia a Berg:

Parece que os pássaros estão nos jogando, voando para os mares quentes.

Pela primeira vez, Berg sentiu um insulto estúpido - os guindastes pareciam traidores para ele. Abandonaram sem pesar esta região deserta, arborizada e solene, cheia de lagos sem nome, matagais intransponíveis, folhas secas, o estrondo medido dos pinheiros e ar cheirando a resina e musgo de pântano.

Aberrações! - Berg notou, e o sentimento de ressentimento pelas florestas que se esvaziam a cada dia não lhe parecia mais ridículo e infantil.

Na floresta, Berg conheceu a avó Tatiana. Ela se arrastou de longe, da cerca, colhendo cogumelos.

Berg vagou pelos matagais com ela e ouviu as histórias sem pressa de Tatyana. Com ela, ele aprendeu que sua região - o deserto da floresta - era famosa por seus pintores desde os tempos antigos. Tatyana contou a ele os nomes de artesãos famosos que pintavam colheres e pratos de madeira com ouro e cinábrio, mas Berg nunca ouviu esses nomes e corou.

Berg falava pouco. Ocasionalmente, ele trocava algumas palavras com Yartsev. Yartsev passou dias inteiros lendo, sentado na margem do lago. Ele também não queria falar.

Choveu em setembro. Eles farfalharam na grama. Eles aqueciam o ar e os matagais costeiros tinham um cheiro selvagem e pungente, como a pele molhada de um animal.

À noite, as chuvas sussurravam sem pressa nas florestas ao longo das estradas surdas que conduziam a não se sabe onde, ao longo do telhado de tábuas da guarita, e parecia que estava destinado a garoar durante todo o outono sobre esta região florestal.

Yartsev estava prestes a partir. Berg ficou com raiva. Como alguém poderia partir em meio a este outono extraordinário. Berg sentiu o desejo de Yartsev de partir agora, assim como os guindastes haviam partido - era uma traição. O que? Berg dificilmente poderia responder a essa pergunta. Uma traição de florestas, lagos, outono e, finalmente, um céu quente que chuviscava com chuva frequente.

Vou ficar", disse Berg bruscamente. - Você pode correr, é problema seu, mas quero escrever neste outono.

Yartsev saiu. No dia seguinte, Berg acordou do sol.

Não houve chuva. As sombras claras dos galhos tremiam no chão limpo e atrás da porta brilhava um azul tranquilo.

A palavra "esplendor" Berg encontrou apenas nos livros dos poetas, ele a considerou elevada e desprovida de significado claro. Mas agora ele entendia com que precisão essa palavra transmite aquela luz especial que vem do céu de setembro e do sol.

Uma teia voou sobre o lago, cada folha amarela na grama queimava com luz como um lingote de bronze. O vento carregava o cheiro de amargura da floresta e ervas murchas.

Berg pegou tintas e papel e, sem nem tomar chá, foi até o lago. Vanya o levou para a outra margem.

Berg estava com pressa. As florestas, iluminadas obliquamente pelo sol, pareciam-lhe montes de minério de cobre leve. Os últimos pássaros assobiaram pensativos no ar azul, e as nuvens se dissolveram no céu, subindo ao zênite.

Berg estava com pressa. Ele queria dar todo o poder das cores, toda a habilidade de suas mãos e um olhar aguçado, tudo o que tremia em algum lugar de seu coração, para dar este papel para retratar pelo menos um centésimo do esplendor dessas florestas, morrendo majestosa e simplesmente.

Berg trabalhou como um homem possuído, cantando e gritando. Vanya nunca o tinha visto assim. Ele seguia cada movimento de Berg, trocava a água da tinta para ele e entregava-lhe copos de porcelana com tinta de uma caixa.

Um crepúsculo monótono passou em uma onda repentina através da folhagem. O ouro desbotou. O ar escureceu. Um murmúrio distante e ameaçador varreu as bordas das florestas e morreu em algum lugar acima das áreas queimadas. Berg não olhou para trás.

A tempestade está chegando! Vânia gritou. - Devemos ir para casa!

Tempestade de outono, - Berg respondeu distraidamente e começou a trabalhar ainda mais febrilmente.

O trovão dividiu o céu, a água negra estremeceu, mas os últimos reflexos do sol ainda vagavam nas florestas. Berg estava com pressa.

Vanya puxou sua mão:

Olhe para trás. Olha, que medo!

Berg não se virou. De costas, ele sentiu que a escuridão selvagem e a poeira vinham de trás - as folhas já voavam em uma chuva torrencial e, fugindo de uma tempestade, pássaros assustados voavam baixo sobre a vegetação rasteira.

Berg estava com pressa. Restavam apenas alguns golpes.

Vanya agarrou sua mão. Berg ouviu um estrondo rápido, como se os oceanos estivessem vindo em sua direção, inundando as florestas.

Então Berg olhou para trás. Fumaça negra caiu sobre o lago. As florestas balançaram. Atrás deles, o aguaceiro ribombava como uma parede de chumbo, cortada por rachaduras de relâmpagos. A primeira gota pesada atingiu minha mão.

Berg rapidamente escondeu o escritório em uma gaveta, tirou o paletó, enrolou a gaveta em volta dele e pegou uma caixinha de aquarelas. O spray de água atingiu meu rosto. Folhas molhadas giravam como uma nevasca e cegavam seus olhos.

Um raio partiu um pinheiro próximo. Berg é surdo. Um aguaceiro caiu do céu baixo e Berg e Vanya correram para a canoa.

Molhados e tremendo de frio, Berg e Vanya chegaram à pousada uma hora depois. Na guarita, Berg descobriu a perda de uma caixa de aquarelas. As cores se perderam - as cores magníficas de Lefranc. Berg procurou por eles por dois dias, mas é claro que não encontrou nada.

Dois meses depois, em Moscou, Berg recebeu uma carta escrita em letras grandes e desajeitadas.

“Olá, camarada Berg”, escreveu Vanya. - Anote o que fazer com suas tintas e como entregá-las a você. Depois que você partiu, procurei por eles por duas semanas; Papai disse que tive pneumonia nos pulmões. Então não fique com raiva.

Envie-me, se possível, um livro sobre nossas florestas e todo tipo de árvore e lápis de cor - quero muito desenhar. Já tínhamos neve caindo, mas derreteu, e na floresta, onde embaixo de uma espécie de árvore de natal, você olha, e uma lebre está sentada. No verão, estaremos esperando por você em nossos lugares nativos.

Eu permaneço Vanya Zotov.

Junto com a carta de Vanya, trouxeram um aviso sobre a exposição - Berg deveria participar dela. Ele foi solicitado a dizer quantas de suas coisas e sob que nome ele exibirá.

Berg sentou-se à mesa e escreveu rapidamente:

“Estou expondo apenas um estudo em aquarela, feito por mim neste verão - minha primeira paisagem.”

Era meia-noite. A neve desgrenhada caiu no parapeito da janela e brilhou com fogo mágico - o reflexo das lâmpadas da rua. No apartamento ao lado, alguém tocava a sonata de Grieg no piano.

O relógio da Torre Spasskaya batia firme e distante. Então eles começaram a tocar "Internationale".

Berg ficou sentado por um longo tempo sorrindo. Claro, ele dará tintas Lefranc para Vanya.

Berg queria traçar as formas intangíveis pelas quais desenvolveu um senso claro e alegre de sua terra natal. Amadurecido por anos, décadas de anos revolucionários, mas o último ímpeto foi dado pela região da floresta, outono, gritos de guindastes e Vanya Zotov. Por que? Berg não conseguiu encontrar uma resposta, embora soubesse que era assim.

Oh, Berg, alma de bolacha! - lembrou-se das palavras dos lutadores. - Que lutador e criador de uma nova vida você é quando não ama sua terra, excêntrico!

Os lutadores estavam certos. Berg sabia que agora estava conectado com seu país não apenas com sua mente, não apenas com sua devoção à revolução, mas com todo o seu coração, como artista, e que o amor por sua pátria tornava sua vida inteligente, mas árida, quente, alegre e cem vezes mais bonita do que antes.

O verão é uma época maravilhosa do ano. Uma profusão de cores e aromas inspira você a pegar tintas e pincéis. Esta aula é dedicada ao estudo da aquarela com flores silvestres.

A primeira coisa que um artista iniciante vê ao olhar para um buquê de flores silvestres é um monte de pequenos galhos, folhas e uma variedade de flores. E imediatamente entre em pânico! Como você pode desenhar tudo isso? Não se preocupe, . E então, vamos começar...

Primeiro passo. Faça um buquê harmonioso: arrume as flores em uma determinada ordem. pequeno acima e além. Eles criam fundo. flores por maior e mais brilhante deve estar ligado primeiro plano. Portanto, corte-os para que os botões não se sobreponham ao fundo. Coloque uma luminária de mesa para iluminar o buquê. Isso criará sombras mais contrastantes.

Para trabalhar em um esboço em aquarela, precisamos:

• Aquarela;
• Papel aquarela;
• pincéis de esquilo ou sintéticos (nº 2, nº 5, nº 10)
• giz incolor oleoso (permite deixar o papel branco, criando uma película na superfície)
• Água em um recipiente;
• Guardanapo (escovas de limpeza)

desenho a lápis preliminar

Afaste-se das bordas da folha em 3-4 cm, assim você obterá campos que não podem ser ultrapassados. Isso ajudará a manter o "ar" na imagem. Esboçar com um lápis simples Desenho preliminar. Não exerça pressão sobre o lápis, para não estragar a camada superior do papel ao corrigir. Inscrever a composição na forma geométrica de um oval ou triângulo.

Considere a composição como um todo. Pegue todo o buquê. Aperte os olhos e você verá um borrão. Desenhar todas as cores de uma vez cria fracionalidade na composição. Escolha flores grandes e concentre-se nelas, estudando a forma e a cor. Eles são.

desenho de fundo

Começando com tintas, prepare uma seleção de cores na paleta frio E esquentar tons que estão presentes em nosso buquê. Aqueles lugares nas bordas das pétalas que queremos deixar brancos são reservados com giz incolor. Começando do fundo. À direita, uma lâmpada ilumina nossa natureza morta, de modo que predominam os tons quentes de ocre. Nas sombras usamos roxo, esmeralda e ultramarino. Em seguida, passamos para as próprias flores e delineamos rosas quentes, amarelos e tons de verde claro. Com uma fina camada de esmalte de cor ultramarino, adicionamos sombras nas pétalas, criando assim a forma de uma flor. Certifique-se de que muitos detalhes e pequenos detalhes traçados no fundo não apareçam no buquê. Deve ser escrito geralmente, de preferência de forma crua, quando a tinta flui de uma cor para outra, criando tonalidades únicas. Portanto, o quadro não é pintado, mas vivo.

desenhar flores silvestres

Terminado o trabalho com as formas grandes principais, acrescente nuances com um pincel fino: caules e folhas em primeiro plano. O esboço está pronto, agora pode ser usado no futuro para pintar uma natureza morta com tintas a óleo

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materiais

Syktyvkar, Rússia

(da experiência de trabalho)

anotação

Este artigo discutea possibilidadeaquarelacomo uma artetecnologiae métodosestilomotivo, como método deformandoo futurocriatividadedo artista.

O autor analisa otécnicotruques ejeitos de trabalharemaquarelas edireitos autoraissão oferecidosrecomendaçõespara a implementação deesboços em aquarelasuportargraficamenteexpressivoestilo detrabalhar.

Palavras-chave:

aquarela, pinturatecnologia, técnicas, meio de expressão, Pleno araquarela, aquarelaesboço; artistapontas;

O curso acadêmico "pintura" no sistema de formação profissional visa o domínio das técnicas de várias tecnologias de pintura no processo de estudo da teoria da ciência da cor e da coloração. No ensino clássico da "Pintura Académica" era aconselhável começar pelo estudo da tecnologia da aguarela e por isso na prática do ensino os alunos começaram a perceber a "aguarela" como uma tecnologia da pintura e, consequentemente, formação é construída sobre a prática de dominar técnicas de pintura. Hoje não é popular iniciar o curso de domínio das técnicas de pintura com o domínio da tecnologia das tintas aquarela, pois a tecnologia exige paciência, perseverança, atenção dos alunos, o que nem sempre é fácil para os alunos e difícil de assimilar no processo educacional. No entanto, a aquarela utilizada no processo de ensino da pintura pode formar modos de pensamento criativo dos alunos se eles incluírem tarefas de treinamento no curso de formação que lhes permitam interpretar o pitoresco das técnicas de aquarela em pontos e linhas graficamente expressivos que aprimoram o conteúdo do imagem "motivo".

Artur Fonvizin.

Bibliografia

1.Aquarela mágica de Artur Fonvizin. Código de acesso

Aplicativo

Torlopova N.G. Casa de gengibre. 2007, bum. aquarela

Torlopova N.G. Vidoeiro velho. 2007, bum. aquarela

Torlopova N.G. cabana. 2013, bum. aquarela

Torlopova N.G. Obyachevsky deu 2007, boom. aquarela

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Breve descrição do documento:

Natália Gennadievna Torlopova

Syktyvkar, Rússia

INTERPRETAÇÃO GRÁFICA DE UM ESTUDO DE AGUARELA

(da experiência de trabalho)

anotação

O artigo discute as possibilidades da aquarela como tecnologia artística e as formas de estilizar um motivo como método formador da criatividade de um futuro artista.

O autor do artigo analisa as técnicas e métodos técnicos de trabalho em aquarela e oferece recomendações do autor para a execução de um esboço em aquarela, permitindo manter o estilo graficamente expressivo da obra.

Este artigo discute a possibilidade da aquarela como tecnologia de arte e métodos de estilização de motivo, como método de formar a futura criatividade do artista.

O autor analisa o truques técnicos e formas de trabalhar em aquarelas e direitos autorais são recomendações oferecidas para a implementação de esboços em aquarela para resistir a um estilo de trabalho graficamente expressivo.

Palavras-chave: aquarela; tecnologia de pintura; técnica; meios de expressão; aquarela plein air; estudo de aquarela; assessoria artística;

aquarela, tecnologia da pintura , técnicas , meios de expressão , aquarela plein air , esboço em aquarela ;artista pontas;

O curso acadêmico "pintura" no sistema de formação profissional visa o domínio das técnicas de várias tecnologias de pintura no processo de estudo da teoria da ciência da cor e da coloração. No ensino clássico da “Pintura Académica” era aconselhável começar pelo estudo da tecnologia da aguarela e por isso na prática do ensino os alunos passaram a perceber a “aguarela” como uma tecnologia da pintura e, consequentemente, a formação assenta na prática de dominar técnicas de pintura. Hoje não é popular iniciar o curso de domínio das técnicas de pintura com o domínio da tecnologia das tintas aquarela, pois a tecnologia exige paciência, perseverança, atenção dos alunos, o que nem sempre é fácil para os alunos e difícil de assimilar no processo educacional. No entanto, a aquarela utilizada no processo de ensino da pintura pode formar modos de pensamento criativo dos alunos se eles incluírem tarefas de treinamento no curso de formação que lhes permitam interpretar o pitoresco das técnicas de aquarela em pontos e linhas graficamente expressivos que aprimoram o conteúdo do imagem "motivo".

A aquarela é uma técnica de arte interessante, mas complexa. Com a ajuda da aquarela, você pode criar esboços pitorescos maravilhosos que transmitem uma leve nuance de cor e têm transições suaves de uma cor para outra. As técnicas clássicas de pintura em aquarela permitem trair sutilmente o espaço pictórico e esculpir o volume dos objetos representados com uma transferência ilusória de materialidade.

A aquarela era originalmente uma tecnologia gráfica: realizava ilustrações de manuscritos e livros, projetos arquitetônicos e esboços de produtos artísticos. E hoje é popular entre os artistas gráficos para criar ilustrações e folhas gráficas de cavalete. Na prática dos artistas modernos que trabalham com aquarelas, não é tão comum a solução pictórica do esboço, que representa tecnicamente uma variedade de tonalidades e nuances de cores da mancha plástica. Para tornar um esboço mais pitoresco, os artistas costumam usar a técnica "molhada", que permite que as tintas se espalhem livremente sobre o papel, fluam e se misturem arbitrariamente, criando suavidade e maior associatividade da cor usada. Mas não é fato que apenas o papel úmido ajuda a resolver os problemas de pintura. Na história da aquarela, há um exemplo de uma abordagem diferente. Estas são obras de aquarela de um excelente artista russoArtur Fonvizin.“Alguns artistas e historiadores da arte acreditam que Fonvizin pintou suas aquarelas na superfície molhada do papel. Isso não é verdade. O artista não trabalhou em papel pré-umedecido, quando depende inteiramente dos caprichos da tinta espalhada no papel úmido. Apesar de o artista ter trabalhado na técnica de aquarela “dry-on-dry”, que envolve uma cuidadosa consideração da sequência de aplicação das camadas de tinta, o resultado foi o frescor e a sonoridade da cor, o imediatismo da execução e a aparente leveza de uma aquarela. ver. Alguma incompletude de suas obras dá a impressão de concisão e expressividade especiais.

O trabalho artístico em aquarela implica alta qualidade performática e exige do artista virtuosismo e coragem no domínio do material artístico. Para muitos artistas, a aquarela continua sendo a tecnologia favorita na realização da criatividade. Se, no processo educativo com os alunos, utilizarmos não só o seu potencial pictórico, mas também as suas reais possibilidades gráficas em aguarela, definindo tarefas em esboços educativos para a interpretação de um ponto pitoresco numa imagem graficamente expressiva dos elementos do retratado” motif", então isso nos dá maneiras reais de formar a criatividade dos alunos. Estas podem ser tarefas: limitar a paleta de cores a 3 cores; levando em consideração os recursos associativos da forma do ponto de cor; tendo em conta a tonalidade do local e a sua posição, para resolver planos espaciais; resolvendo o esboço com linhas que diferem na execução técnica e na natureza da pressão, ou linhas que variam em função da natureza do equipamento utilizado (pincel, poke, espátula, pincel de cerdas, pente...), etc.

Entre os artistas da nossa república, há vários nomes que, claro, dão preferência a esta tecnologia na sua atividade criativa e utilizam as suas capacidades técnicas de acordo com o seu método pessoal de interpretação. Estes são Vladimir Kokachev, Tatyana Vasilyeva e Vitaly Trofimov. Assim, as obras de V. Kokachev, feitas na técnica “molhada”, dão a impressão de plasticidade suave, leveza e extraordinariamente alegres, pois o autor não tem medo de introduzir cores puras no quadro. As aquarelas de Tatyana Vasilyeva são poéticas e sutis em nuances de cores, contêm uma espécie de autor: interpretação suave, lírica e feminina. As paisagens em aquarela de Vitaly Trofimov são enérgicas, poderosas com seus preenchimentos úmidos e ao mesmo tempo elementos de cores ricas, habilmente organizadas em uma cor norte contida, transmitindo a impressão de monumentalidade e significado determinados pela limitada paleta de cores usada pelo artista. É isso que torna suas aquarelas tão fortes, que implementam o tema favorito do artista - uma paisagem circumpolar única. Cada artista sabe encontrar técnicas adequadas na aguarela, correspondendo à sua percepção pessoal do mundo que o rodeia. A sua obra vive no limiar dos tipos de “pintura” e “grafismo”.

Para um artista ganhar experiência prática em aquarela, além de trabalhar em uma oficina de formação, pode ser mais útil ir ao ar livre. O ambiente de luz em rápida mudança limita o tempo para concluir o estudo, durante o qual a experiência e o conhecimento do artista são focados, que intuitivamente conduzem a mão do artista e interpretam instantaneamente o observado em uma imagem artística. Graças à sua fluidez imprevisível, plasticidade, leveza de tom, combinada com uma variedade de técnicas e diversos equipamentos, é possível completar um esboço, tanto por meio de coloração pictórica, quanto resolver sua imagem usando ferramentas de esboço gráfico. Uma folha gráfica também pode ser criada de memória em uma oficina a partir de um pitoresco esboço em aquarela criado em um ambiente ao ar livre, que permitirá pensar na composição da obra, no curso de sua execução, por assim dizer, dirigir e construir uma “imagem”.

Os esboços em aquarela, realizados por nós ao ar livre, podem ser definidos como o gênero de "gráficos de reportagem". Esboços rápidos capturam uma paisagem ou motivo arquitetônico, o estado de luz ou a riqueza de cores do ambiente natural, quase como "reportagens fotográficas" da cena. Mas quase todos os motivos criados no processo de observação do estado da natureza e executados com aquarelas trazem sua própria experiência emocional pessoal. O álbum de esboços e estudos preserva na memória o que o espectador indiferente viu: paisagens e arquitetura, pontos turísticos e características da paisagem. Em um estudo, o artista pode fixar a impressão momentânea da hora do dia ou da estação do ano, que pode ser expressa pela escolha de uma paleta de cores, da cor ou do caráter da execução dos pontos nas imagens ou de suas combinações. Além disso, o estado e o conteúdo da obra são afetados pelo impulso emocional que o artista experimenta ao perceber esta ou aquela paisagem pela qual está viajando no momento. O estado de luz do ambiente está mudando tão rapidamente que ao ar livre não há necessidade de se esforçar para fazer longos estudos. Não necessariamente no processo de realização de um estudo de aquarela, nos esforçamos para transmitir apenas uma "cópia" exata do fenômeno observado ou do motivo paisagístico escolhido, ou da cor do ambiente. No processo de trabalhar no esboço, há uma interpretação única do que ele viu na imagem da folha. A forma e a configuração das manchas valorizam a imagem artística que o artista cria. Sua escolha de cores e soluções de tons de cores, a variedade ou, inversamente, a limitação de tons aprimoram e concretizam o retratado. O contorno formado de combinações de cores e manchas traz estética ao estudo finalizado. O tempo de execução do estudo é o mais curto possível, é realizado em 20 a 30 minutos, portanto exige que o executante concentre a máxima atenção ao observar. Depois de preencher as manchas principais do motivo com cor, a primeira camada tem a oportunidade de secar. Os detalhes são finalizados a seco, mudando o tamanho e a natureza do pincel, ou outro equipamento é usado (espátula, cerdas secas). O método descrito de execução do estudo reflete nossa maneira individual e autoria do estilo de execução em estudos de aquarela ao ar livre. Tal decisão não surge do nada, requer experiência técnica e criativa acumulada na aquarela.

A formação de seu próprio estilo gráfico em aquarela foi auxiliada por numerosos experimentos para consolidar as disposições da teoria da ciência das cores e um estudo meticuloso dos meios e técnicas de composição do público ao realizar várias naturezas-mortas.

A sequência e alguns métodos de trabalhar com aquarelas ao criar um esboço de um motivo paisagístico, generalizado estilisticamente em uma folha gráfica, tentaremos revelar neste artigo e oferecer algumas recomendações para os alunos dominarem tal experiência.

O que define nossos esboços em aquarela como imagens gráficas? Os meios expressivos da arte gráfica são a mancha tonal, a linha e a forma tracejada de conseguir a mancha, que depende muito do temperamento do artista. As imagens na folha gráfica têm gradações tonais expressivas e silhuetas ou contornos claramente identificáveis. No processo de escrita de um motivo paisagístico, é muito importante o momento inicial de reflexão sobre a ordem de aplicação dos pontos de cor: grandes e médios, que determinam as grandes relações tonais do retratado. Em seguida, assumem-se as escalas dos elementos, a sua forma e dinâmica das silhuetas, a disposição das combinações de manchas num dado formato, de modo a obter-se o seu equilíbrio estável. E só depois disso passamos ao esboço. O desenho deve ser completo e detalhado o suficiente. Nele, resolvemos imediatamente os problemas da composição geral do motivo, levando em consideração a escala das grandes massas da paisagem: céu, terra, objetos e imagens panorâmicas, elementos que determinam o centro compositivo e a ideia de \ u200b\u200bo motivo. Ao trabalhar em um desenho de paisagem, você não deve usar ativamente uma borracha que danifique a superfície da folha. Ao realizar um longo estudo de várias sessões, é melhor fazer um papelão detalhado preliminar em papel fino e transferi-lo cuidadosamente para o maçarico. Se o estudo for realizado em uma sessão, recomendamos que o desenho seja feito com ultramarino diluído usando um pincel fino.

Antes de iniciar o trabalho nas tintas, é necessário umedecer toda a superfície da folha com água com uma esponja para retirar o excesso de cola, poeira ou ressecamento excessivo do maçarico. O trabalho em cores deve começar com os tons mais claros e terminar com cores escuras, quentes e densas e pincéis semi-secos.

Para cada trabalho individual, limitamos o grupo de cores, a chamada paleta de cores: é melhor limitar a 4-5 cores. Tintas que, graças à sua mistura diversificada, permitem criar riqueza tonal e combinar de forma holística os elementos do motivo em uma cor necessária e unificada. Para obter uma riqueza de contrastes de cores e destacar os acentos compositivos do motivo, o grupo de cores selecionado sempre contém cores de tons quentes e frios.

Ao trabalhar com aquarelas, é muito importante seguir a tecnologia de mistura das tintas e a sequência de aplicação na planilha. Cada camada subsequente é aplicada sobre a anterior completamente seca. Levamos de vinte minutos a uma hora para fazer o esboço de um motivo paisagístico, paradoxalmente, a pressa no trabalho não é necessária, e até prejudicial. Por que é tão importante para iniciantes seguir a cadeia tecnológica da aquarela? Isso está relacionado, antes de tudo, com as características técnicas da aquarela e com a preservação de sua principal propriedade - a transparência.

Tradicionalmente, começamos a trabalhar em um estudo de paisagem preenchendo o céu, enquanto tentamos criar imediatamente um possível gráfico de nuvem, se houver. Ou com um pincel largo e cheio de cor, jogamos dinamicamente e despejamos a cor sobre a superfície, que definimos como o céu. Desde que a tinta deslize livremente no papel úmido, é possível complicar o esquema de cores ao adicionar outras cores, como ocre ou rosa. Ao trabalhar em um ponto do céu, você deve agir com um pincel rapidamente e com cuidado, a fim de deixar áreas de papel branco em alguns lugares para resolver a luz, o padrão ou o brilho de algumas partes das nuvens, do céu.

Ao trabalhar em um estudo, deve-se levar em consideração também as características espaciais dos tons quentes e frios, que ajudam a resolver corretamente os problemas tonais dos planos pictóricos. Portanto, você pode pegar um pincel muito azul (ultramar, FC, cerélio ou cobalto, dependendo do estado do dia) e, enquanto o papel estiver molhado, delinear a linha do fundo com um traço horizontal dinâmico. Detalhes não são necessários aqui, é importante obter o contraste entre o céu e a linha do solo.

O estilo gráfico do estudo também é caracterizado pela maneira ou por quais métodos introduzimos pontos de cor no espaço do formato que está sendo desenvolvido. A perspectiva aérea requer o uso competente das qualidades espaciais da cor: o desenvolvimento tonal dos planos requer o uso de tintas azuis e cores diluídas em água na imagem do fundo; e imagens quentes de grandes elementos com fortes contrastes de cores ao retratar o primeiro plano do estudo. As silhuetas dos elementos do motivo representados por nós são claramente reveladas pelo método de manchas planas e estilizadas, sem transmitir a ilusão de volume. A cor da mancha nos estudos nunca será uniforme e monocromática, porque. isso não permitirá que você faça a própria aquarela - fluida e móvel. Na primeira etapa do registro, preenchemos o formato completamente, com tons e cores mais claras, o que nos permitirá inserir os elementos do primeiro plano na etapa seguinte, de acordo com o bloco de cores previamente escrito. Uma das características importantes das aquarelas se manifesta na obtenção de um ponto de cor claramente visível no papel, mesmo com baixa saturação de sua cor. Portanto, não é necessário obter uma tonalidade e cor realmente observáveis ​​\u200b\u200bdos objetos representados (você pode obter alguns tons mais claros ou, inversamente, mais escuros). Mas as relações claro-tonais entre os grandes elementos da paisagem e na transmissão da iluminação e no volume de detalhes devem ser observadas com a maior precisão possível.

Depois de determinar grandes relações cor-tonal, quando praticamente não restam seções de papel branco, iniciamos um estudo mais detalhado das silhuetas expressivas individuais: são introduzidos os detalhes mais expressivos e característicos do motivo da paisagem: casas, árvores, grama etc. (ver "Old Birch"). Suas manchas não precisam ter um plano uniforme denso, a cor pode ser distribuída do claro ao escuro ou vice-versa. Na própria mancha é possível preencher com vários tons, mas de uma única tonalidade. Não se deve esquecer que a cor do estudo é condicional. Tudo isso permite correlacionar este ponto com uma imagem específica, por exemplo, a copa de uma árvore pode ter um ponto, que é enriquecido com várias tonalidades de forma gratuita “a la prima” em uma etapa, mas não mais que 2 -3 cores. Nesta fase do trabalho, a organização da composição da folha, pensada anteriormente, ajuda-nos: direcionar os principais elementos e detalhes, selecionar detalhes importantes e característicos. O trabalho é feito com pincéis de tamanho médio, os preenchimentos são feitos quando está mais rico, e quando está mais transparente. A tonalidade da cor do objeto é obtida tanto pela mistura de várias tintas quanto por uma cor pura diluída com diferentes quantidades de água. Isso é permitido no gráfico. Você pode introduzir com muito cuidado soluções de gás fuligem, pois essa tinta permite abafar um tom muito claro do local ou levá-lo para as profundezas do espaço do escritório. Para esclarecer as relações espaciais no esboço, é útil usar tintas ultramar ou esmeralda diluídas, que têm a qualidade subjetiva de remover a imagem para a profundidade do formato e têm as qualidades de vidrado.

Para formar as massas tonais dos elementos da paisagem na obra, deve-se utilizar as diversas potencialidades técnicas dos pincéis e equipamentos artísticos. Para o céu e a terra: pincéis de flauta larga ou grandes números redondos. Para detalhes - o fio mais fino primeiro numera "esquilos" e "colunas", leque ou até escovas de cerdas. Para esboços de grande formato, você também pode usar uma esponja. Para gráficos e detalhamento de elementos, podem ser utilizadas as seguintes técnicas: “salpicos”, “cutucadas”, “arranhões” com pente, faca, ponta reversa do pincel ou espátula; para criar uma textura ou uma espécie de padrão gráfico, utiliza-se a técnica de “embossing”: quando um fragmento de materiais texturizados (malhas, papelão ondulado, couro, etc.) é aplicado sobre uma superfície colorida molhada. A escolha da recepção não tem princípios, é motivada pelo nosso estado emocional no trabalho e pelo material disponível.

Para completar o estudo, você pode mais uma vez prestar atenção à elaboração gráfica linear dos detalhes para dar à paisagem uma completude gráfica estilística. O trabalho é feito com pincéis finos. Você também pode desenhar linhas que refinam a forma e caracterizam alguns dos detalhes finos das imagens. O vazado do desenho pode ser sugerido pelo próprio preenchimento da silhueta ou pelo contorno dos principais elementos da imagem da paisagem. A introdução de tal técnica suaviza o contraste excessivo da silhueta e confere ao desenho suavidade e plasticidade. O ajuste fino, portanto, é típico de um estudo para trabalhos realizados em várias sessões.

Em algumas obras, esta etapa é omitida. Isso acontece quando, durante o desenvolvimento inicial das relações cor-tonal, manchas de cor lacônicas e características são obtidas quase imediatamente, delineando claramente os elementos necessários do motivo e caracterizando-os com precisão. Esses esboços refletem o método “a la prima” conhecido na prática da pintura. Nesse caso, desenhar com pincéis pequenos é adequado para trabalhar os detalhes do primeiro plano.

Com base na experiência prática descrita, várias recomendações podem ser feitas. Um esboço em aquarela de uma paisagem de forma gráfica é, sem dúvida, uma solução para as seguintes tarefas:

1. observação de objetos de imagem, destacando característicos e típicos neles;

2. criação de planos espaciais claros (longe, meio e primeiro plano);

3. cumprimento da cadeia tecnológica no trabalho com aquarelas;

4. obtenção de uma bela e expressiva silhueta, realizada pelo preenchimento com aquarela;

5. elaborar a técnica de preenchimento de um ponto da silhueta de um objeto de imagem, criando uma combinação de pontos finos de cor e transparência;

6. refinamento gráfico - as linhas do desenho do motivo e elementos, feitas com pincéis finos.

Bibliografia

1.Aguarela mágica de Artur Fonvizin. Código de acesso http://mizrah.ru/post155983442/

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No momento, estou em uma longa viagem pela Rússia. Escrevo minhas notas de viagem com impressões de cidades e vilas ao longo do caminho aqui:. Eu ficaria feliz se você viesse comentar minhas entradas, me diga quais cidades valem a pena visitar.

Um dos lugares mais bonitos do nosso caminho - Lago Baikal.

Então, era assim que a própria paisagem parecia. Nele, fui atraído por uma árvore e um barco de pesca na praia.

1. Estou desenhando uma paisagem com um lápis.

Nela encontro as principais massas, tamanhos de objetos, sem detalhes de desenho. É importante marcar onde está tudo, para criar uma composição forte.

2. Cor azul.

Começo a pintar com tons de azul. Este é o céu, a água, as partes sombreadas das árvores.

O azul faz parte do lado sombrio, por isso está em todo lugar.

O céu na parte alta é mais azul, para ele tomo uma mistura de azul pés e ultramarino. Para o fundo - tons mais claros de azul. Estico essas cores e, enquanto a camada está molhada, escolho com um pincel o lugar das nuvens brancas.

A água reflete o céu. Portanto, tem a mesma cor, porém mais escura.

Prescrevendo as sombras nas árvores e caindo, descubro o que são em termos de luminosidade, seleciono o tom adequado.

3. Uma camada de amarelo.

O amarelo como parte do lado iluminado também está presente em todos os objetos.Eu o atribuo à parte iluminada da copa da árvore.

Pinto as árvores distantes com ocre. Isso permite que você crie um tom de cor mais complexo e remova visualmente essas árvores à distância.

4. Verdes.

Agora estou começando a prescrever tons de verde. Parcialmente esta camada se sobrepõe aos tons de azul e amarelo colocados anteriormente.

Observo a mudança no tom do verde perto e longe. Mais perto fica mais claro, mais escuro, mais longe - mais claro, mais cinza.

Ao escrever vegetação, mudo o princípio de escrever em diferentes árvores. Até agora escrevo com pinceladas largas, um pincel achatado. A árvore da frente também foi originalmente pintada por ele. Mas no futuro, troco o pincel por um elástico redondo para prescrever folhagem menor.