Segredos de família de Xenia Bashmet. Julia Kazantseva (piano)

Todas as crianças são diferentes e cada uma delas precisa de uma abordagem, diz Ksenia Yuryevna Bashmet, formada pelo Conservatório Estadual de Moscou. P. I. Tchaikovsky, vencedor de festivais e competições internacionais. Seus filhos sabem quando a mãe está "no limite" e é melhor não incomodá-la. Ksenia contou mais sobre “momentos psicológicos sutis”, “ameaças e chantagens” em uma entrevista.

Por que você decidiu nomear seu filho Grant?

Quando comecei a pensar sobre isso, para o patronímico e sobrenome Vladlenovich Ovanesyants, para o equilíbrio, era necessário um nome curto e claro adequado! Além disso, o nome Grant não é muito popular na Armênia, então sua reputação "não está estragada". O único conhecido chamado Grant é um trompetista da orquestra da Nova Rússia, nosso amigo, uma pessoa muito real e completa.

Se eu soubesse que mais tarde o sobrenome do meu filho mudaria para Bashmet, teria escolhido um nome menos pretensioso.

E agora é isso, nenhum lugar para ir, Grant Bashmet deve se tornar uma estrela!

Como seus filhos se dão uns com os outros? O filho ajuda na educação da filha?

Eles simplesmente se adoram. Grantik brinca com ela com muita sinceridade. Não apenas "está cumprindo seu dever", mas surge com algo que seria interessante para sua irmã. Eles já têm suas próprias piadas interpessoais, ele constantemente filma Maya em vídeo, mostra a todos, está orgulhoso!

Para mim, é tudo incrível.

Lembrando-me de criança, sendo 6 anos mais velho que meu irmão, fui tocado por ele, claro, eu o amava, mas os raros pedidos de minha mãe para segui-lo eram um fardo para mim - eu estava apenas cumprindo esse mesmo dever! Portanto, procuro não sobrecarregar muito meu filho, mas ele faz um excelente trabalho com tarefas simples para distrair ou cuidar de sua irmã.

As crianças gostam de ouvir música?

Sim claro! Mas não clássico! Meu filho usa fones de ouvido o tempo todo. Muitas vezes ele me deixa ouvir o que ele gosta agora. Compartilhamos nossas impressões. Acontece que eu chamo a atenção dele para algo nosso, profissional, alguns elementos que ele vai depois passar por solfejo e teoria, mas não tenho certeza se isso está depositado na cabeça dele. De vez em quando peço que tirem os fones de ouvido no carro e, como um favor a mim e para fins didáticos, escutem juntos, por exemplo, uma parte de alguma sinfonia que gosto muito! Tento escolher peças curtas e rápidas. Ele relutantemente concorda, mas até agora nunca se empolgou - os fones de ouvido estão bem ali atrás.

Tenho certeza que não será em vão. Algum dia Grant será "fisgado" pela música clássica!

E Mayechka geralmente é incrivelmente musical! Desde muito cedo entoa bem (é possível reconhecer a melodia na sua interpretação), o que é raro nesta idade. Ele adora dançar, sente e reage com muita sutileza às mudanças de ritmo. Dependendo da natureza da música, ele muda seus movimentos, adora tocar piano.

O que Grant quer ser?

Parece que agora sonha em ser jogador de futebol, embora, na verdade, estude na Escola Central de Música do Conservatório de Moscou. P. I. Tchaikovsky na aula de violino ...

Quais princípios, na sua opinião, são os principais na criação dos filhos?

Meu princípio é simples. Sou daquelas que não tem carinho pelas crianças em geral, todas são “lidas” desde a infância: dá para entender como o caráter delas vai se formar no futuro. Mas eles precisam ser perdoados, eles se safam de tudo. Trato meus filhos como indivíduos: eu falo, procuro ouvir ... Eles nunca ouviram de mim frases-varreduras, como "você não precisa saber disso, ainda é pequeno" ou "não interfira, agora não depende de você.” Sempre explico o que estou fazendo e por que não posso dedicar tempo a eles agora, tento evitar de forma criativa perguntas que não sejam adequadas à idade, mesmo para meu próprio colapso na operação, sempre personalizei o conceito após o facto!

Minha obra-prima parental é a frase de Grantik, de três anos: "Mãe, sinto muito por você ter gritado comigo."

Meus filhos são adorados apenas por quem, a princípio, não gosta de criança!

Grant e Maya repetidamente me surpreenderam com a forma como os momentos psicológicos sutis eles entendem na idade deles, como eles adivinham corretamente o que dizer ou fazer se eu estiver no limite (estou atrasado, procurando algo importante, configurando um roteador etc. . ) Eu corro pela casa e me xingo, destino, HOA, notas de viola, minha cabeça de jardim, em geral, estou falando besteira, soltando o excesso de vapor na atmosfera. Há uma sensação de que eles são os pais, amam a filha psicopata e a aceitam a priori.

Não sei se isso é bom ou ruim, mas meus filhos têm a única e indiscutível autoridade - mamãe.

Isso me cai muito bem, mas o resto dos adultos “enfurece”.

Yulia Alexandrovna Monastyrshina é uma das professoras de piano mais procuradas de Moscou. Seu trabalho se distingue pelo virtuosismo, excelente sonoridade clássica e ricas nuances dinâmicas, diversidade de repertório. Ela nasceu em 28 de setembro de 1972 em Moscou.

As realizações e competências profissionais abrangem as mais diversas áreas no domínio do ensino da música: um famoso pianista, laureado em concursos internacionais. J. S. Bach em Leipzig e "Concertino Praga", Ph.D. em história da arte, professor homenageado, conferencista. Dá master classes em todo o mundo, trabalha na Austrália, Japão, Áustria, Alemanha, EUA. Os formatos das master classes são diferentes: um curso de palestra, aulas abertas, opções combinadas, etc.

As primeiras habilidades musicais foram estabelecidas desde a infância, ela era aluna de T.P. Nikolaeva.

Depois de se formar no Conservatório de Moscou. P.I. Tchaikovsky, Yu. A. Monastyrshina participou de competições internacionais, recebeu o título de laureado e vencedor de muitos deles, realizado com shows.

Após uma queda malsucedida, que resultou em uma lesão na mão, Yulia Alexandrovna interrompeu sua atividade de concerto, concentrando-se nas atividades científicas e de ensino.

Tendo recebido o título de candidata a história da arte, não parou por aí, complementando a sua formação com a Faculdade de Economia.

Dez anos após a lesão, a capacidade de executar obras musicais com seu virtuosismo inerente foi restaurada e Yulia Alexandrovna voltou a realizar atividades. Em particular, gravou discos, um dos quais totalmente dedicado à execução de obras de I.S. Bach.

Hoje o principal local de trabalho: Professor Associado do Departamento de Cultura Musical Mundial da Universidade Estadual de Design e Tecnologia de Moscou (antiga Academia Clássica Estatal em homenagem a Maimonides).

Yulia Alexandrovna Monastyrshina é autora de muitas técnicas que revelam as características da execução de obras musicais, além de se dedicar à técnica de tocar piano.

Para seus alunos e ouvintes, ele lê um curso pessoal de autor em centros educacionais e metodológicos em Moscou e na região de Moscou.

No site você pode encontrar uma biografia completa, ver fotos, bem como solicitar literatura profissional - livros e materiais didáticos.

Julia Monastyrskaya (Monastyrshina-Yadykina) é uma pianista cega. Ela é uma laureada de muitas competições internacionais, em particular, as competições com o nome de J.S. Bach em Leipzig e a Primavera de Praga, vencedora da competição com o mesmo nome. L. Braille e o concurso "Filantropo". Julia não é apenas uma performer, mas também uma musicóloga, Ph.D. Portanto, todas as suas gravações não são apenas o resultado de uma brilhante criatividade performática, mas também representam a personificação de um certo conceito filosófico e científico da música executada.
A pianista nasceu em Moscou em 28 de setembro de 1972, formou-se na Faculdade de Música. Ippolitova-Ivanova na classe de S.N. Reshetov, então estudou no Conservatório de Moscou. P.I. Tchaikovsky, classe de T.P. Nikolaeva. A entrevista abaixo irá, de muitas maneiras, lançar luz sobre as tarefas artísticas que Yulia se impôs ao criar suas primeiras gravações de estúdio.

— Conte-nos como você entrou no Conservatório de Moscou.
— Foi uma história engraçada e ao mesmo tempo instrutiva que me ensinou a acreditar em mim. Sempre se acreditou que era quase impossível entrar no conservatório sem ter ligações, ninguém da nossa escola entrava lá, mas resolvi tentar, segui o caminho do “operário-camponês”, não estudei com nenhum dos professores do conservatório, não fui às consultas com os professores. Lembro-me bem que no dia em que tive que jogar no pequeno salão do conservatório (ou seja, lá está a decorrer o vestibular para os candidatos), estava um calor terrível, tive que jogar quase no final, porque meu nome de solteira é com a letra "I". Isso significava que as chances de alguém do comitê de admissão me ouvir depois de muitas horas "auditando" dezenas de candidatos sem ar condicionado a uma temperatura de trinta e cinco graus eram zero ou próximas disso. Chegou a minha vez, minha professora me disse: “Observei quem estava sentado no corredor: alguém estava tirando uma soneca, alguém estava lendo um jornal ou adivinhando palavras cruzadas. Sua única tarefa agora é fazer com que eles deixem de lado suas pegadas, com as quais agora estão se abanando. Subi ao palco, sentei-me ao piano, olhei para o corredor e disse para mim mesmo: “Você vai me ouvir, vai me ouvir, porque tenho uma coisa para lhe dizer”. Toquei o prelúdio e a fuga de J.S. Bach em mi bemol em ré sustenido menor do primeiro volume do CTC. Esta é uma música extremamente trágica e insanamente difícil de tocar. Quando terminei, percebi que meu rosto estava coberto de suor, minhas mãos também estavam molhadas, mas eu sabia exatamente o que tinha feito! Houve uma realização trágica e uma catarse no final - houve um silêncio mortal no salão e nada quebrou a pausa sagrada no final da música. Então comecei a tocar Mozart, depois de alguns compassos fui parado. "Bem, como?" Fui questionado por curiosos nos bastidores, ao que se seguiu minha resposta casual: “Entrei”. Houve dificuldades com exames escritos, em particular, com solfejo e harmonia. Como sou cego, não posso escrever música. Me encontraram no meio do caminho, toquei o ditado no piano, e nem passou no exame de harmonia, porque inesperadamente para mim passei já na consulta do exame: tocamos uma sequência harmônica sem fim e convidamos alguém para responder em quais acordes ele consiste. Por algum motivo, ninguém se ofereceu para responder e eu era terrivelmente tímido, mas mesmo assim, superando minha timidez, levantei-me, fui ao piano e toquei uma “cadeia de maior dificuldade”. Disseram-me que não poderia comparecer ao exame. Então, tendo superado tudo e superado todos os obstáculos, ainda assim me tornei aluno do conservatório, sem nem saber com quem iria estudar, e ficava me perguntando com quem iria para a aula. Fui ao mar até o início do ano letivo e, quando voltei, minha avó disse: “Alguma Tatyana Petrovna Nikolaeva ligou várias vezes para você e pediu que ligasse de volta. O que ela quer de você?" O pianista mundialmente famoso, chefe da faculdade de piano do conservatório, pediu que eu ligasse de volta, e ao telefone ouvi: “Querida, aceita estudar comigo?”.
— O que as lições com Tatyana Petrovna Nikolaeva lhe deram?
- Muitas coisas. Em primeiro lugar, nossas aulas nunca ou quase nunca foram individuais. Tudo isso aconteceu no gênero de um "mini-concerto": todos os alunos estavam sentados, assim como os convidados - pelo menos vinte pessoas na turma. Tatyana Petrovna falava pouco e não gostava de falar de música, mas o próprio fato de se apresentar em público me deu muito. Além disso, Nikolaeva facilitou muito o processo de memorização de novos trabalhos para mim. O fato é que eu estava terrivelmente atormentado, tentando desmontar as notas com uma lupa, ficava cada vez mais difícil fazer isso, pois minha visão estava caindo. Uma vez mostrei a Tatyana Petrovna a partitura em Mi menor de J.S. Bach, gravada no primeiro disco, e descobri que ao analisar o texto, cometi muitas imprecisões relacionadas ao fato de simplesmente não ter visto o pequeno texto musical. E então Nikolaeva disse inesperadamente: “Por que você não aprende música com discos? Bem, pelo menos da minha? A princípio me pareceu uma empreitada irreal, mas depois me envolvi e agora aprendo música bem rápido, usando gravações de áudio até hoje. “A interpretação de outra pessoa “carimba” minha própria performance?” - você pergunta. Resposta: "Não, não." Qualquer artista se dedica a copiar as pinturas de grandes mestres em museus. Acredito que seja útil a todo músico se dedicar a esse tipo de “cópia”, quando o pianista reproduz com a maior precisão os mínimos detalhes da execução de um dos grandes “mestres do pianoforte” – V. Horowitz, G . Gould, S. Rachmaninov, etc. Mas no final você precisa dizer sua própria palavra, não deixe de trazer algo seu. Eu gosto de tocar músicas conhecidas. É sempre interessante seguir um caminho percorrido por milhões antes de você e, ainda assim, encontrar algo nele que outros não notaram. Estou interessado em descobrir "novos significados" em sucessos clássicos quando eles aparecem de repente na forma de "estranhos familiares". Para mim, essa perspectiva é importante, por assim dizer, um “novo olhar” sobre coisas conhecidas.
— O que aconteceu depois do conservatório?
- Foram várias competições internacionais, vitórias e laureados, atividade concertística ativa, e depois tudo acabou durante a noite - caminhei ao longo da transição, não vi os últimos passos, caí e machuquei a mão direita. Este foi o fim da minha carreira pianística, embora tenha me tratado por muito tempo, sem me resignar e sem desistir. Mesmo assim, como dizem, o "grande esporte" teve que ser abandonado. Para mim, isso foi uma verdadeira tragédia, e muito mais do que minha doença ocular incurável e minha visão em constante declínio. Eu não sabia, não imaginava como viveria, o que fazer. No final, ela decidiu descobrir outros talentos em si mesma, defendeu sua dissertação, candidatou-se a história da arte, recebeu uma educação econômica e um bom emprego. Porém, todo esse tempo, era como se eu não vivesse, mas existisse. Eu poderia me descrever nas palavras do herói de um filme famoso, a quem foi perguntado: “O que você tem feito todos esses anos?”. A resposta foi: "Fui dormir cedo." E agora mais de dez anos se passaram, o Senhor ouviu minhas orações, minhas mãos recuperaram a capacidade de tocar.
— Você — músico cego. Como você se sente em relação à sua doença?
- Não acho que isso seja uma doença, mas sim um sinal de ter sido escolhido. O Senhor me “beijou” exatamente, tirando minha visão, mas me dando muito mais – a capacidade de sentir e entender o mundo, a música através da visão espiritual. As outras pessoas, olhando para mim, deveriam estar felizes pelo menos porque têm saúde, porque, na minha profunda convicção, saúde e talento são duas coisas na vida que não se compram. Além disso, sou uma pessoa verdadeiramente feliz, pois não há pessoas más ao meu redor - todos os "bandidos" evitam instintivamente pessoas como eu. E mais uma coisa: aprendi há muito tempo a transformar essa deficiência em uma grande vantagem - há muitas mulheres no mundo mais bonitas do que eu, mas nenhuma delas tem o meu “entusiasmo” - cegueira.
— Qual é a sua atitude em relação à gravação no estúdio?
— Esses discos são uma “segunda vida” para mim, um retorno depois de mais de dez anos de pausa. Claro, eu já fui esquecido. Por um lado, entendo perfeitamente que é uma loucura total tentar recomeçar a carreira de pianista concertista na minha idade. Mas, por outro lado, a profissão de pianista é única: os dançarinos saem do palco aos 35 anos, os cantores terminam por volta dos 50. Aos 40 anos, o pianista já tem bagagem espiritual, tem algo a dizer e, o mais importante, algo para dizer. Um exemplo vívido disso são os concertos em Moscou de Horowitz, de oitenta anos. Quanto à gravação de som como tal, para mim é um ambiente mais conveniente e confortável para a performance. Nas condições de atelier consegues maior requinte, maior perfeição na concretização das tuas ideias. Em um show, muitos fatores interferem: excitação do palco, holofotes, etc. Nas condições do estúdio, é sempre fácil para mim imaginar o público sentado na sala, em geral, sou um pianista de estúdio mais do que do palco do concerto.
— Qual é o seu credo criativo?
- Não "tocar música", mas "executá-la". Muitos performers seguem o “momentâneo” que vem de cima neste momento particular da performance. Para mim, a execução de uma obra é resultado de longas reflexões sobre a performance e até mesmo de pesquisas musicológicas. Gosto de voltar ao que já foi jogado e descobrir novas facetas nele. Afinal, o primeiro contato com a obra é apenas a “ponta do iceberg”, e todo o resto fica escondido “debaixo d’água”. Um verdadeiro intérprete pode mudar completamente o significado da música que está sendo tocada. Isso lembra um pouco a famosa frase, cujo significado muda completamente dependendo de onde colocar a vírgula: “Execute, você não pode perdoar” ou “Você não pode executar, tenha piedade”.
— O que é o piano para você?
- Interesse Pergunte. Meu pianista favorito, Glen Gould, disse uma vez: “Eu me tornei pianista por acaso, então toco música no piano”. Não posso dizer o mesmo de mim – nasci pianista e não consigo me imaginar tocando outro instrumento. Minha visão do piano coincide totalmente com a forma como T. Mann o via e entendia: “O piano”, disse ele, “não é um instrumento entre outros, pois é desprovido de especificidade instrumental. É verdade que o piano permite ao solista exibir o virtuosismo de sua execução, mas este é um caso especial, mais precisamente, um abuso direto do piano. De fato, o piano é o representante direto e soberano da música como tal, da música em sua espiritualidade pura…”. Simplificando, o piano para mim é uma espécie de “matriz” para tocar não tanto música para piano, ou seja, música escrita especificamente para piano, mas música como tal. Gosto de tocar no piano músicas escritas para outros instrumentos, ou seja, músicas que estão fora do campo da sonoridade do piano. O que mais me interessa é a "música não para piano" que pode ser tocada no piano. Tal é, por exemplo, a música de cravo de J.S. Bach.
— O primeiro disco consiste inteiramente de composições de Bach. O que J. S. Bach significa para você?
— Bach é meu compositor favorito, aliás, esse é o compositor que mais funciona para mim. O fato surpreendente é que Bach não tem nenhuma música "fraca"! Tudo o que ele escreveu é simplesmente genial ou incompreensível... Cada nota de Bach carrega consigo o reflexo de algo grande e imenso. Quando você está na praia, sabe exatamente o que está à sua frente: a baía, o mar aberto ou o oceano. Esse conhecimento surge de acordo com alguns sinais indescritíveis; talvez seja a força do vento ou a altura das ondas. No caso de Bach, você está sempre no oceano. A música de Bach é música em último lugar, e o principal nela é a "pregação musical". Tudo o que Bach escreveu foi um serviço a Deus, uma interpretação de um texto sagrado por meio de sons. Descobri isso recentemente - em quase todas as suas composições um milagre acontece: vamos pegar pelo menos o prelúdio em dó maior do primeiro volume do Cravo Bem Temperado. Segundo Yavorsky, esta é a Anunciação, o Arcanjo voa até Maria para lhe contar a notícia de que o Messias nascerá dela. É incrível como o milagre da Imaculada Conceição se realiza diante dos nossos olhos, enquanto a música toca!
— Qual é a coisa mais importante para você nesta música?
- Dirigir. Bach é ideal para transmitir a energia do intérprete ao ouvinte. A execução da música de Bach é sempre uma "introdução" do público a uma espécie de estado de transe, uma espécie de hipnose. A sabedoria oriental fala da predestinação de uma pessoa para um negócio específico na vida. Eu perguntei: “E se uma pessoa perdeu a capacidade física para fazer esse negócio?”, E ouvi a resposta: “Então ele fará esse negócio para si mesmo, em sua alma”. Todos esses anos tenho tocado piano sozinho, aprendendo novas peças e trabalhando nelas com meu ouvido interno.
— Entre outras peças de Bach, você toca uma suíte francesa. Por que ela está?
— Conheço muitas interpretações das suítes de cravo de Bach, e quase todos os intérpretes esquecem que isso é principalmente uma dança, e uma dança da galante era do Rei Sol. É surpreendente que Bach, que nunca viajou para fora da Alemanha, tenha conseguido transmitir o espírito da cultura da corte francesa com tanta precisão. Em essência, a música é uma continuação da conversa social, mas uma conversa significativa quando a vida é um jogo educado. Toda essa música é extremamente estetizada, refinada e um tanto pretensiosa, não há sentimentos verdadeiros aqui, mas há um “jogo de sentimentos”, tudo “não é sério”. Todo o tecido musical é constituído por “vénias”, “curtseys” e “pequenos passos”. A Courante, que parece ser uma dança folclórica, é na verdade uma estilização, trata-se de aristocratas vestidos de pastores e pastoras, representando uma pastoral. A Sarabande é o centro filosófico da suíte. As sarabandas de Bach são difíceis de tocar. Parece improvisação, mas improvisação, “acorrentada” a um ritmo de ferro. A emoção extrema na improvisação é combinada com a calma de um tipo especial de ritmo de sarabanda, e isso é realmente insanamente difícil de combinar.
— Existem muitas disputas sobre como a música de Bach deve ser tocada. O que você acha disso?
– Para mim, uma melodia de Bach “não é uma imagem plana”, mas um “baixo-relevo”, quando um padrão melódico, além das duas dimensões usuais - altura e duração no tempo, adquire uma terceira dimensão - volume. A melodia não é tocada, mas "esculpida" como baixos-relevos em vasos gregos antigos. Heróis lutadores são retratados lá, e um ornamento serpenteia entre eles. Sempre me interessei pela questão: qual é o principal aqui e qual é o pano de fundo - um ornamento para figuras ou figuras para um ornamento? Algo semelhante acontece com Bach. Ao tocar a música de Bach, tento não acelerar e desacelerar, tudo no mesmo ritmo, com dinâmica "preto e branco", mas há surpresas a cada passo!
— Quais são seus planos criativos para Bach?
— Sonho em gravar invenções a 2 vozes e sinfonias a 3 vozes, todas em francês, inglês, suítes e partitas. A tarefa mais importante é publicar uma antologia de música de cravo de J.S. Bach. Eu tenho algo a dizer nesta área.
— Mozart — seu compositor favorito?
— Sim, é verdade, mas comecei a entender a música dele há relativamente pouco tempo. Mozart é um dos compositores mais difíceis de entender. Apesar da aparente simplicidade e harmonia, ele não "procura de forma alguma" se comunicar com o intérprete, e mais ainda com o ouvinte. Para estar à altura da arte de Mozart, você precisa “crescer”, “amadurecer” para ela. Os eventos de Mozart acontecem em tal "velocidade" que uma pessoa comum não está sujeita: de repente, em meio a todo esse esplendor, uma celebração imparável da vida, surge algo tão terrível, "uma visão fatal, escuridão repentina ou algo assim assim" ( A.S. Pushkin, "Mozart e Salieri") - fica desconfortável, mas esse "algo" dura um momento, e depois - novamente um feriado! Porém, durante o jogo, você precisa ter tempo para olhar no "espelho" por um segundo e - o mais importante - voltar. Essas “viradas” emocionais são talvez a coisa mais difícil nas artes cênicas. Provavelmente é por isso que existem tão poucas pessoas que tocam a música de Mozart realmente bem. A propósito, tudo o que foi dito acima se aplica a outro compositor apresentado no segundo disco - Franz Schubert.
— Opus 110 de L. Beethoven, por que você decidiu executá-lo?
“Executar” é uma palavra um pouco errada, essa música não pode ser tocada, pelo menos neste mundo, você só pode abordá-la e estar em “um reflexo de seu esplendor”. Toquei o opus 110 por muitos, muitos anos, desde minha juventude, e só agora percebi que estava internamente pronto para me comunicar com esta grande obra. Observe que outras sonatas de Beethoven até o trigésimo primeiro são simplesmente chamadas de sonatas, mas esta é sempre chamada de "opus 110", como se uma palavra mundana como "sonata" não fosse digna de chamar essa música. Para mim, o opus 110 é uma história profundamente pessoal. Não minto se digo que esta composição particular de Beethoven tem sido a minha “estrela-guia”, o meu “anjo da guarda” durante todos estes anos. Beethoven e eu temos destinos semelhantes em algum lugar: ele ficou surdo, eu fiquei cego, ele foi abandonado por todos e em algum momento eu me perdi na vida. Quando foi especialmente difícil para mim, sentei-me ao instrumento e comecei a tocar opus 110, e a música me deu o que tanto precisava - força de espírito, força para viver e sobreviver. É muito difícil dizer do que se trata a música das últimas sonatas para piano de Beethoven, já que não é música no sentido geralmente aceito, é "antes uma objetividade inclinada para a convenção do que o subjetivismo mais despótico" ( T. Mann, "Doutor Fausto"). No entanto, tomo a liberdade de dizer que sei do que se trata esta música: é sobre como, tendo perdido todas as motivações externas, encontrar em si mesmo o sentido para continuar a viver. O final do opus 110 tem uma estrutura muito complexa: adágios trágicos se alternam com fugas de afirmação da vida - acabei de dizer isso e entendi claramente que as palavras não podem nem ao menos refletir todas as revelações cósmicas desta sonata. Simplificando, em um adagio você precisa morrer, e em uma fuga você precisa “ressuscitar”, “ressurgir das cinzas”. Mas a alegria é possível depois de tanta tristeza? É possível se encontrar depois de tal separação? Beethoven responde: "Sim, se você quer ser feliz, seja!". Nenhuma circunstância externa, cegueira, surdez, etc., pode impedir isso!
- Por que você decidiu gravar uma composição tão conhecida e, pode-se dizer, "imposta aos ouvidos de todos", como "As Estações" de Tchaikovsky?
— Porque é o melhor do que Tchaikovsky escreveu para piano e, em geral, As quatro estações, na minha opinião, é uma das obras-primas mais significativas da música para piano em geral. Você pergunta: “Mas e o Primeiro Concerto para Piano?” Sim, claro, vai absolutamente cativar a introdução engenhosa no estilo da polonaise, mas tudo o que se segue é várias ordens de grandeza inferior ao início. O ciclo “The Seasons” é tão perfeito que é impossível adicionar ou subtrair uma única nota aqui. Remova pelo menos um tijolo deste “edifício” e ele desmoronará. Além disso, esta é uma obra de escala cósmica. Um esboço de paisagem das estações é provavelmente apenas um centésimo dos significados e revelações que estão aqui. Os títulos das peças são apenas a “ponta do iceberg”, todo o resto está escondido “debaixo d’água”. Eu pensei muito nessa música, eu a “cuidei” por muito tempo, e quanto mais eu a tocava, mais significados dessa música incrível se revelavam para mim. O ciclo é claramente dividido em três partes: "Natal" (dezembro) - uma espécie de reprise de janeiro "At the Fireside"; "Troika" (novembro) - uma reprise de "Maslenitsa" (fevereiro); The Lark é um precursor de Autumn Song (outubro) - após o qual é muito difícil continuar o jogo. Esta é uma das criações mais trágicas e sem esperança da música, são fortes gotas de chuva caindo cansadas sobre lápides e um sino fúnebre no final. Pensando nesta peça, você entende que Tchaikovsky teria tirado a própria vida de qualquer maneira, mesmo que as circunstâncias externas não o tivessem forçado a fazê-lo. The Lark é uma música sobre um pássaro com uma asa quebrada, sobre um pássaro que nunca mais voará. "Entrudo" - nunca pensei que uma cena de gênero tão animada pudesse ser desenhada com sons: quase na realidade vejo como alguém sobe uma colina, uma bola de neve é ​​jogada nele e ele rola de cabeça para baixo; uma colegial flerta com um colegial, de repente um bêbado espremido entre eles e assim por diante. “Colheita” não é apenas uma imagem da vida camponesa, o título da peça deve ser entendido no sentido medieval, onde “colheita” durante epidemias de peste significava “colheita da morte”. “At the Fireside” é talvez a minha peça preferida, aqui as “lareiras da vida” lado a lado, o calor, o conforto, a proximidade de um ente querido e o frio, a solidão, a falta de vida do que está “fora da janela”. "Barcarolle" (junho) - nunca antes tive que enfrentar uma barcarolle não por três, mas por quatro trimestres. A última peça de "Svyatki" é uma valsa de neve branca fofa e cintilante; uma excitada Natasha Rostova dança sua primeira valsa em seu primeiro baile em sua vida, e no final - uma sensualidade repentinamente despertada, uma faísca que correu entre os dois - e novamente neve branca cintilante. Eu realmente espero que minha performance pelo menos um pouco "revele" ao ouvinte o que eu sei e sinto nesta música - a melancolia que levou a intelectualidade russa ao suicídio.

Dedicatória de Valentin Zagoryansky (Gleb Sedelnikov)

No final de 2011, a editora musical Artservis lançou três discos da pianista Yulia Monastyrskaya com músicas de Bach, Mozart, Beethoven, Schubert e The Seasons de Tchaikovsky. Não posso deixar de dizer sobre isso, não terei medo dessa palavra, o Evento. Ao ouvir essas gravações, você imediatamente tem a sensação de que essa é a única maneira de executar essas composições. No entanto, você pode ler sobre as composições e o credo da intérprete nas anotações do disco e em sua página no site da editora. Agora quero lembrar como uma garota de 17 anos uma vez veio até mim e começou a tocar a Fantasia em fá menor de Chopin. Vou tentar descrever o que aconteceu de repente. Em vez dessa garota e do meu velho piano quebrado, uma enorme criatura viva incompreensível apareceu na sala - música, um verdadeiro milagre foi criado a dois metros de mim! Interpretado por Yulia Yadykina!..

Em palestras-concertos na Casa Rachmaninoff, falaremos sobre como começa a música clássica russa; quem são os compositores do "Mighty Handful" e o que eles não compartilharam com Tchaikovsky; por que Glinka é nosso primeiro grande compositor; quem Tchaikovsky considerava seu sucessor e o que aconteceu com a música russa no século XX.

Concerto um. Nomes esquecidos do século XVIII: I.Khandoshkin, L.Gurilev, D.Bortnyansky, V.Karaulov

É tradicionalmente considerado que a música clássica russa começa na segunda metade do século XVIII. Aderimos à música europeia bastante tarde, tendo saltado com sucesso toda a era barroca. O século 18 para nós é a época de dominar o estilo europeu. Mas nós o dominamos surpreendentemente rápido, e já no século XIX-século XIX, os compositores russos começaram a influenciar a música europeia. Vamos falar sobre como tudo começou. E, claro, ouviremos as obras dos "pioneiros musicais": anônimos, I. Khandoshkin, D. Bortnyansky, L. Khandoshkin, L. Gurilev e outros.

Programa de palestras-concerto:

Anônimo: do "Livro do Bass General Avdotya Ivanova"
- I. Khandoshkin: Variações sobre o tema da canção folclórica russa "Irei para o rio"
- D. Kashin: canção russa "Eu dirigi um rebanho para o campo"
- D. Bortnyansky: Allegro moderado da Sonata em si bemol maior; Larghetto da Sonata em fá maior; Rondo da Sonata em Dó maior
- L. Gurilev: Seis prelúdios
- O. Kozlovsky: Polonaise-pastoral; Duas danças country; Polonaise sobre o tema da canção folclórica ucraniana "Please, Madam"
D. Saltykov: Siciliana
V. Karaulov: Variações
Em maio, aguardamos a continuação do projeto (todo o ciclo é composto por 7 concertos)

"Diga uma palavra sobre o pobre Khandoshkin."
Como tudo é rápido no mundo da música. 1795 Variações para cravo de Ivan Efstafievich Khandoshkin são publicadas (que nome! Basta pronunciá-lo soa simplesmente encantador), e menos de 100 anos depois, em 1874, Mussorgsky escreve “Pictures at an Exhibition”, e depois de outros 60 anos Shostakovich escreve 24 Prelúdios . Quando a gente estudava, e tinha um curso de história da música, parecia que tudo era tão lento
Pouco se sabe sobre Khandoshkin. De uma família de servos músicos, serviu com o conde Naryshkin, tocou violino de forma soberba (parece que até ele foi enviado ao exterior para estudar), depois na orquestra de Pedro III. Nem mesmo um retrato de Khandoshkin permaneceu. Ele escreveu mais de 100 obras que não chegaram até nós, incluindo essas variações. Eles podem ser ouvidos.

Bela foto, certo? Não quer experimentar este estilo de vida?
Pessoas inteligentes dizem que a música transmite o espírito da época como nenhuma outra arte. Aqui está um verso do século 18:
"Sem amor e sem paixão,
Todos os dias são desagradáveis:
É preciso suspirar para que a paixão
Lyubovny foram notáveis.
(Trediakovsky)
Você pode rir, mas o espírito aqui não é tão sentido
E a música do século 18 é uma questão completamente diferente. Estes são os clássicos vienenses. É injusto comparar compositores russos com esses celestiais, mas todos eles tinham uma atitude comum:
“Existem tão poucas pessoas alegres e contentes neste mundo”, escreveu Haydn, de setenta anos, “em todos os lugares elas são assombradas pela dor e pelas preocupações; talvez a música sirva como uma fonte da qual uma pessoa cheia de preocupações e sobrecarregada de negócios obterá paz e descanso.
Eu jogo Bortnyansky e empato, eu jogo Khandoshkin com Gurilev e empato

Júlia, conte-nos como você combinou a formação geral, ou seja, o estudo de matérias ordinárias, com a formação musical.

- A Faculdade de Música combina muito organicamente a educação geral e o currículo musical especializado. É muito conveniente que você obtenha todo o conhecimento necessário em um só lugar. E você não precisa se deslocar para diferentes instituições de ensino em diferentes partes da cidade.

Músico - esta é uma das poucas profissões que você precisa aprender desde a infância. Ficou com alguma dúvida na hora de escolher o caminho? Já pensou em desistir de tudo?

É difícil forçar alguém a se apaixonar pela música. Você pode, claro, orientar a criança na infância, mostrar algo a ela, apresentá-la ao mundo mágico da arte. Mas você não pode decidir por ele. Afinal, a profissão de músico é um caminho muito difícil. Você não pode hackear aqui, então a criança deve ser responsável e capaz de dedicação total. Você precisa fazer muito e todos os dias - claro, isso não é adequado para todos.

Também tive dúvidas, principalmente nos períodos de insucesso nas competições. Não importa o quão bem preparado você esteja, tudo pode acontecer. Em momentos como estes, é especialmente importante ter o apoio dos entes queridos. Porque com o tempo, você ainda percebe que isso é a vida e que ela tem altos e baixos. E se você caiu, não é assustador. Você só precisa se levantar e seguir em frente, definir constantemente novos objetivos e alcançá-los.

Sei que agora você leciona na Escola Secundária Especializada de Música, no Departamento de Piano Especial. Conte-nos um pouco sobre seus alunos. O caminho escolhido é difícil para eles?

Eles são todos talentosos e muito diferentes. Cada um precisa de uma abordagem separada. Procuro ver em cada aluno, mesmo no menor, uma personalidade. Eles sentem isso e, portanto, tornam-se mais responsáveis, avançando. É muito importante. A maioria dos meus alunos que se formaram na faculdade continua seus estudos em universidades de música na república e na Rússia.

Já tive oportunidade de apoiar e orientar meus alunos em momentos difíceis da vida deles, quando duvidaram da escolha de uma profissão e não quiseram continuar.

Uma criança sempre precisa do conselho de um adulto, uma pessoa sábia, precisa de apoio e uma palavra gentil. O principal é deixar claro que isso pode acontecer com qualquer um e não é difícil só para ele. É difícil em qualquer profissão, e toda profissão exige trabalho.

- É possível entrar em uma escola ou universidade de música sem talento, mas com muita perseverança e diligência?

O talento, em princípio, consiste em perseverança e diligência. Este é um conceito cumulativo. Qualquer pessoa em qualquer idade pode aprender a tocar qualquer instrumento musical. A questão é quão bem ele fará isso no final. As habilidades são inatas, mas também são adquiridas. Você pode desenvolver qualquer habilidade em si mesmo se trabalhar duro.