Estações de Rafael, Cidade do Vaticano: descrição, foto, localização no mapa, como chegar. Rafael Santi

O mundo é lindo, nosso mundo terreno! Tal é o slogan de toda a arte renascentista. O homem acaba de descobrir e saborear a beleza do mundo visível, e o admira como o mais magnífico espetáculo, criado para a alegria dos olhos, para deleite espiritual. Ele próprio faz parte deste mundo e, portanto, admira nele e em si mesmo. A alegria de contemplar a beleza terrena é uma alegria gentil e vivificante. A tarefa do artista é trazer cada vez mais plena, cada vez mais vividamente a harmonia do mundo e assim vencer o caos, afirmar uma certa ordem superior, cuja base é uma medida, uma necessidade interna que dá origem à beleza. E para que serve tudo isso? Dar às pessoas aquele espetáculo festivo que desejam desfrutar, abrindo os olhos para o mundo, mas que só se revela em todo o seu esplendor pela inspiração do artista. Esta tarefa, a maior tarefa da pintura renascentista, que foi empreendida pela primeira vez pelos mestres do Trecento, foi concluída no alvorecer do Cinquecento por Rafael.

Nas igrejas medievais, pinturas, mosaicos ou vitrais parecem se fundir com a arquitetura, criando junto com ela o todo, que deve evocar um clima solene no fiel. Devido à sua localização, as composições pitorescas nem sempre são facilmente visíveis em todos os detalhes. A fotografia nos deu a oportunidade de ver essas composições em vários aspectos que antes muitas vezes passavam despercebidos. Nas igrejas românicas ou góticas, as pessoas da Idade Média às vezes não percebiam que diante deles não havia apenas símbolos, não apenas imagens convencionais que glorificavam os ideais de sua fé, mas também obras de arte. A pintura do templo não lhes parecia uma criação independente, era bom olhá-la ao som do coro da igreja, que, tal como as abóbadas do templo com os seus arcos altos, transportava a sua imaginação para o mundo dos sonhos , esperanças reconfortantes ou medos supersticiosos. E, portanto, eles não procuraram a ilusão da realidade nesta pintura.

A pintura renascentista é dirigida ao espectador. Como visões maravilhosas, imagens passam diante de seus olhos, retratando um mundo onde reina a harmonia. Pessoas, paisagens e objetos neles são os mesmos que ele vê ao seu redor, mas são mais brilhantes, mais expressivos, mais bonitos. A ilusão da realidade é completa, mas a realidade, transformada pela inspiração do artista, E a admira, admirando igualmente a adorável cabeça de criança e a severa cabeça de velho, talvez nada atraente na vida. Nas paredes de palácios e catedrais, os afrescos costumam ser pintados na altura do olho humano e, na composição, alguma figura olha diretamente para o espectador, conectando-o a todas as outras.

Traduzido da palavra italiana "fresco" significa "fresco", "cru". É pintar em gesso úmido, ou seja, naquelas curtas dezenas de minutos, enquanto a solução ainda não “agarra” e absorve livremente a tinta. Essa solução é chamada de "madura" pelos muralistas. É preciso escrever com facilidade e liberdade e, o mais importante, assim que o artista sentir que a pincelada está perdendo sua suavidade e começa a “rastejar”, ​​a tinta não é absorvida, mas borrada, como se “ salgando” a parede, é preciso terminar o trabalho: mesmo assim, as tintas já não grudam. Portanto, um afresco é um dos tipos de pintura que mais consome tempo, exigindo o maior esforço criativo e compostura, mas também dando, como disse o mais antigo mestre muralista russo N. M. Chernyshev, "horas de alegria incomparável". Muitos grandes mestres da pintura mundial estavam envolvidos na pintura a fresco - Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raphael, P. Veronese, famosos pintores de ícones russos Feofan Grek, Andrei Rublev, Dionísio e entre os artistas dos tempos modernos - P. Picasso, F. Leger, V. A. Favorsky. Eles trabalharam como uma máquina "um fresco"(ou seja, cru) e de uma forma "um seco"(ou seja, seco). Aqui, a pintura é feita sobre reboco de cal seco, já duro, apenas re-humedecido, e tintas pré-misturadas com cal.

Rafael é o fim. Toda a sua arte é extremamente harmoniosa, respira com o mundo interior, e a mente, a mais elevada, combina-se nela com filantropia e pureza espiritual. A sua arte, alegre e feliz, exprime uma espécie de satisfação moral, de aceitação da vida em toda a sua plenitude e até de perdição. Ao contrário de Leonardo, Rafael não nos atormenta com seus segredos, não nos sobrecarrega com sua onisciência, mas gentilmente nos convida a desfrutar da beleza terrena com ele. Durante sua curta vida, ele conseguiu expressar na pintura, provavelmente, tudo o que pôde, ou seja, o reino pleno da harmonia, beleza e bondade.

O Papa Júlio II foi uma personalidade colorida e notável, e seu papel na história da Europa contemporânea foi significativo. Em essência, ele continuou o trabalho da memória sombria do Papa Alexandre VI, embora fosse seu inimigo constante - nas tentativas do papa de unir a Itália sob o domínio da Cúria Romana. Este sumo sacerdote tinha um temperamento forte e resoluto. Apesar de sua posição e anos, ele montou um cavalo e liderou o exército papal nas batalhas. "Abaixo os bárbaros!" - tal era o seu grito de guerra, e por "bárbaros" ele se referia aos espanhóis e franceses, que saquearam e humilharam a Itália. E esse grito, eco da antiga Roma dos Césares, inspirou os italianos a lutar naqueles poucos anos em que parecia que o poder papal poderia criar um estado italiano único e independente. O papa conquistou Bolonha, Perugia e outras cidades que antes não estavam sujeitas à sua vontade. Sua política não era apenas ousada, mas também flexível. Na luta contra a República de Veneza, cuja população também era italiana, não hesitou em aliar-se aos "bárbaros", ou seja, aos mesmos espanhóis e franceses. No entanto, assim que Veneza foi derrotada, ele se juntou a ela para lutar contra a França.

Como seus predecessores, Júlio II colocou os interesses do Vaticano acima dos interesses nacionais da Itália. Não é à toa que Maquiavel viu o principal infortúnio da Itália no fato de que a igreja não tinha força suficiente para unir o país, mas era forte o suficiente para impedir sua unificação fora de sua liderança. E, no entanto, foi sob o papa Júlio II que Roma se tornou o maior centro político e cultural da Itália.

Júlio II não era um conhecedor de arte particularmente sutil, mas entendeu que a arte poderia reviver a antiga glória da cidade eterna e glorificá-la. Os arquitetos mais famosos trabalham para ele em Roma, e ele chama Michelangelo e o jovem Rafael para seu serviço, tendo ouvido que Florença os reconheceu como grandes artistas. Sob ele, começa a construção da Catedral de São Pedro.

Em 1508, Rafael, a convite do Papa Júlio II, veio a Roma e imediatamente começou a cumprir uma ordem extremamente honrosa - pintar as salas da frente (estações) do Vaticano. Em Roma, onde tantos grandes monumentos de arte foram criados ou colecionados, os afrescos do Vaticano de Rafael (1509-1511) causam uma das impressões mais poderosas e convincentes. Eles revelaram o dom brilhante de Raphael, o muralista. Na Stanza della Senyatura está uma das mais notáveis ​​criações de Rafael, representando quatro áreas da atividade humana:
- teologia - "Disputa, ou Disputa sobre a Comunhão"
- filosofia - "Escola de Atenas"
-poesia- "Parnaso"
- jurisprudência - "Sabedoria, Medida e Força".

O mestre também retratou nos afrescos as figuras alegóricas correspondentes, cenas sobre temas bíblicos e mitológicos. Grandeza e graça se combinam harmoniosamente nesta maior obra-prima. Poetas, sábios, filósofos, teólogos formam conjuntos espaciais complexos, inseridos no majestoso cenário arquitetônico e paisagístico. A artista mostra um mundo onde a pessoa é majestosa, sábia, autoconfiante. Rafael pintou o sonho de um homem perfeito, livre e nobre. Em seus afrescos estão pessoas de forte vontade e alta dignidade. O artista aparece aqui como o criador de um estilo heróico, glorificando a grandeza e a grandiosidade da cultura que criou.

Esquerda: Disputa sobre a Comunhão. Rafael. 1514. Afresco. Vaticano.

Direita: Aparição de St. Ap. Pedro e São Ap. Paulo ou Encontro do Papa Leão I com Átila. Rafael. 1514. Afresco. Vaticano.

O encontro dos sábios da antiguidade clássica (“A Escola de Atenas”) é contíguo ao encontro dos pais da Igreja Cristã (“Disputa”), este bairro, por assim dizer, revela duas faces de uma única verdade ou a triunfo do humanismo no seio do Vaticano. O passado se funde com o presente: os filósofos do mundo antigo conversam diante das abóbadas do palácio no estilo da Alta Renascença, e entre eles, na orla, Rafael se retratou, e entre os pais da igreja - o artistas e poetas da Itália: Dante, Fra Beato Angelico, Bramante. Os poetas da antiguidade clássica comunicam-se com os poetas do Renascimento ( "Parnaso"). Louva-se a legislação secular e eclesiástica ("Jurisprudência"). A próxima estrofe retrata um evento milagroso que remonta a um passado distante, mas o papa que está presente é o próprio Júlio II ("Missa em Bolsena"). E, novamente, Júlio II aparece ao espectador como a personificação da vitória sobre os estrangeiros que ousaram invadir os tesouros e o poder da Igreja Romana ( "O Exílio de Heliodor"). E em outro afresco - "Tirando o apóstolo Pedro da prisão"- o triunfo da luz sobre as trevas pode ser percebido como uma esperança de libertação dos "bárbaros". Não é de admirar que se diga sobre os afrescos de Rafael que eles representam um verdadeiro épico da Itália. Cada afresco harmoniza perfeitamente com a arquitetura das câmaras e ao mesmo tempo é uma obra totalmente independente. Passando de um para outro, o espectador parece assistir a uma performance majestosa.

Esquerda: Incêndio em Borgo. Rafael. 1514. Afresco. Vaticano.

À direita: Parnaso. Rafael. 1509-1510. Fresco. Vaticano.

Se nem ao menos conhecêssemos a história, se nunca tivéssemos ouvido falar do papado e da antiguidade clássica, de Parnaso e do apóstolo Pedro, esses afrescos nos chocariam da mesma forma. Pois seu conteúdo é a grandeza de uma pessoa, sua beleza espiritual e física, a fuga de seu pensamento, isso é sabedoria e nobreza, que se revelam em imagens maravilhosas, na disposição das figuras, na força, no significado, nas leis de cada gesto, cada virar da cabeça, em comparações brilhantes, numa composição que ora se eleva às mais grandiosas conquistas da arquitetura, ora se desenrola suavemente, como um magnífico panorama, numa espécie de absoluta facilidade.

Esta é a conclusão do que Leonardo da Vinci deu ao mundo pela primeira vez em A Última Ceia. O que foi uma descoberta para Leonardo, para Rafael é um ser natural. E, portanto, ele, por assim dizer, multiplica as possibilidades da arte, que Leonardo forneceu com seu afresco de Milão.

Apesar de nunca ter lidado com essas dimensões da imagem ou com essa técnica, Raphael demonstra sua capacidade de combinar um grande número de figuras em uma composição harmoniosa e harmoniosa. Nesse sentido, seu primeiro afresco "A Escola de Atenas" ainda pode servir como um grande exemplo desse gênero. Em vários afrescos vaticanos subsequentes, Rafael conseguiu uma expressividade ainda maior na transmissão do movimento e uma gama mais ampla de efeitos de iluminação.

Raphael Santi é um gênio da Alta Renascença. Leia nosso artigo sobre os afrescos das Estâncias de Raphael (salas do palácio papal do Vaticano) della Senyatura e Stanza d'Eliodoro, e os afrescos de "Disputa", "Parnaso", "A Expulsão de Eliodor do Templo" em nosso artigo.

As Estâncias de Rafael no Complexo do Palácio do Vaticano são três salas relativamente pequenas no palácio papal do Vaticano, pintadas por Rafael junto com seus alunos em 1508-1517. Estes apartamentos já existiam sob o Papa NicolauV(1447-1455). A Stanza della Senyatura (Sala de Assinaturas) é a única das três estrofes cujo nome permaneceu autêntico, sem relação com as obras de Rafael. As paredes desta sala, que foi a primeira a ser decorada, estão decoradas com frescos: "Disputa", "Escola de Atenas", "Parnaso" e "Justiça".

"Disputa" - o primeiro afresco feito por Raphael na Stanza della Senyatura. Neste afresco que retrata a Religião, os modos de Rafael indicam que ele ainda não se libertou da influência de artistas cujos trabalhos sobre um tema semelhante ele viu em Florença e Roma.

Rafael Sant. Afresco "Disputa"

O tema da pintura é o triunfo da mais alta verdade da revelação religiosa. No centro encontra-se o eixo semântico da complexa mas clara composição deste fresco - esta é a Trindade: Deus Pai, Cristo e o Espírito Santo, cujo símbolo - uma pomba numa esfera - desce ao altar com uma hóstia (Eucarística pão, um pequeno bolo sem fermento). A imagem de outros eventos se desenvolve horizontalmente. Ao lado de Cristo, rodeado de esplendor e glória, estão sentados a Santa Virgem e João Batista, e em uma nuvem semicircular - os antepassados, profetas, santos Pedro, Paulo e outros. Abaixo, simetricamente nas laterais do altar com os Santos Dons, sobre os quais se discute, está representada a Igreja terrena. Cientistas, filósofos, pontífices da Igreja Católica Romana, cuja fé deixou uma marca na história, estão discutindo. Raphael deu aos quatro homens no altar as feições de Dante, Savonarola, Bramante e do artista - o monge Fra Beato Angelico. Mas, apesar das divergências das discussões, a imagem é preenchida com uma calma majestosa. Essa harmonia e unidade composicional são alcançadas por meio da construção - um afresco é semelhante a uma estrutura arquitetônica e é inseparável da sala em que está localizado.

Rafael Sant. Afresco "Parnaso"

A composição “Poesia” (recebeu o nome “Parnassus” mais tarde) Raphael colocou entre a “Escola Ateniense” e “Disputa” no lado oriental da Stanza della Senyatura. O enredo da pintura foi desenvolvido no espírito dos ensinamentos humanísticos de sua época, de acordo com as ideias de Petrarca, Boccaccio, Salutati e personificou a ideiaBello- beleza bonita.

Rafael resolveu facilmente o problema da representação visual da Poesia, que no Renascimento era considerada uma “segunda teologia” e “arte divina”. O artista retratou uma colina com um bosque simbolizando o Parnaso, a famosa montanha grega, considerada na antiguidade a residência das Musas.

No centro da composição, Apolo, o deus da música e da poesia, toca a lira da braccio. Esta lira é um anacronismo óbvio (violação da plausibilidade cronológica), porque a música antiga não conhecia instrumentos de arco. Rafael deu a Apolo não um instrumento antigo, mas uma lira da braccio moderna para Apolo, a fim de enfatizar a ideia principal de todo o ciclo de estrofes - a continuidade das culturas antigas e modernas para Rafael.

Ao redor de Apolo estão nove musas e poetas, antigos e renascentistas. À esquerda, o artista colocou uma figura poderosa do inspirado cantor cego Homero em um pálio azul escuro (uma longa capa de lã). Para equilibrar a figura de Homero, à direita, de costas para o espectador, o artista retratou a musa Urania com uma túnica vermelha. À direita de Urania, um jovem de cabelos escuros com um torso fortemente torneado está olhando para o espectador. Esse visual, que fala de um caráter forte, pertence a Michelangelo. Raphael ficou chocado com o talento poético de Michelangelo e o classificou corajosamente entre a hoste de poetas, com o que muitos de seus contemporâneos concordaram.

Rafael Sant. Afresco "Parnaso". Representação de Michelangelo

A criação pode sobreviver ao Criador:

O Criador partirá derrotado pela natureza,

No entanto, a imagem que ele capturou,

Irá aquecer corações por séculos.

Michelangelo Buonarroti

É impossível definir o propósito da arte com mais precisão.

O quarto afresco é dedicado ao tema da justiça e consiste em três partes. Acima da janela, o artista colocou três figuras femininas, simbolizando Sabedoria, Medida e Força. À esquerda da janela está uma imagem do imperador Justiniano com um código de leis civis, e à direita está uma imagem do papa Gregório.IXcom um conjunto de regras da igreja. Eles simbolizam a história do direito eclesiástico e secular.

O conjunto de afrescos Stanza della Senyatura Raphael é a personificação do sonho humanístico do Renascimento sobre a perfeição espiritual e física do homem, sua alta vocação e suas possibilidades criativas.

Rafael Sant. Estância d'Eliodoro

A ideia dominante de todas as pinturas e afrescos de Rafael do período romano é o poder da Igreja. O lema de Rafael - Todas as forças da terra estão subordinadas à Igreja - é especialmente pronunciado nos afrescos de Stanza d'Eliodoro. Esta estrofe foi a segunda das salas dos aposentos vaticanos do Papa, decorada por Rafael em 1511-1514. Por ordem do Papa JúlioII esta estrofe era reservada para audiências privadas, que o pontífice frequentemente concedia a importantes figuras políticas e religiosas e diplomatas. O desenho artístico da estrofe deveria enfatizar a importância deste lugar, que determinou o tema de sua pintura.

Os temas dos afrescos desta estrofe foram lendas e episódios da história da Igreja, quando, supostamente, graças à intervenção divina, ela livrou-se do perigo que a ameaçava. Como católico e pintor oficial do trono papal, Rafael em quatro afrescos desta estrofe retratou a grandeza da Igreja, seu poder conquistador e a poderosa ira de Deus contra seus inimigos e o papa.

Rafael Sant. Afresco "A Expulsão de Eliodor do Templo"

No afresco que dá nome a esta estação, Rafael retrata a expulsão do líder sírio Eliodor do Templo de Jerusalém (capítulo 3, livro 2 dos Macabeus). Eliodor veio ao Templo de Jeová para saqueá-lo e roubar o ouro destinado a viúvas e órfãos. Mas o ladrão foi alcançado pelo castigo de Deus na forma de um anjo - um belo cavaleiro em armadura dourada. Uma multidão de pessoas, mulheres e crianças do lado esquerdo do afresco, olha com medo e espanto para o milagre. Alguma surpresa é a aparição entre esta multidão dinâmica do calmo JuliusII, que é trazida para o Templo por drabants (guerreiros alemães medievais), um dos quais dotado das feições do grande artista alemão Albrecht Dürer. Nesse episódio, Rafael pecou contra a verdade, mas esse falso toque foi bastante natural emXVIséculo. O afresco foi pintado para glorificar o Papa JúlioII, portanto, os principais temas da pintura estão associados a eventos históricos ou lendários da vida de JúlioII: vitória sobre os franceses, que o papa expulsou dos Estados papais e sua milagrosa libertação do cativeiro em Bolonha em 1509. Os afrescos desta estrofe também são interessantes porque mostram a verdadeira posição até mesmo de um gênio como Rafael na corte do papa, a dependência do artista das tendências de seu tempo e a incapacidade de apresentar sua visão de um evento histórico. Rafael começou a trabalhar nesta estrofe em 1512, completando a pintura 2 anos depois, e o Papa Júlio pôde ver a expulsão de Eliodor antes de sua morte em fevereiro de 1513, quando o trabalho na estrofe estava em pleno andamento.

(Residenza Papale) é famosa por seus salões ricamente decorados, que contêm os grandes tesouros de um pequeno estado.

Talvez os mais famosos sejam aqueles onde estão localizadas obras-primas genuínas - a Capela Sistina com afrescos feitos pelo próprio Michelangelo e as Estâncias de Rafael, chamadas de padrão de arte renascentista. O Vaticano durante esse período lutou tanto pelo poder espiritual quanto pelo secular, e todas as obras do Renascimento deveriam fortalecer a autoridade da Igreja Católica e seu chefe.

O local mais visitado pelos turistas são os quatro quartos, pintados pelo grande mestre. Stanze di Raffaello, localizados um após o outro na parte antiga do palácio, encantam os turistas com beleza harmoniosa e significado profundo.

Residência para o novo papa

Quando o Papa Júlio II subiu ao trono, ele não queria morar nos apartamentos ocupados pelo governante supremo anterior, mas escolheu um quarto aconchegante no antigo palácio. O chefe do Vaticano sonhava em transformar sua residência em uma verdadeira obra de arte e em 1503 convidou os melhores artistas italianos para pintar o interior de seu escritório com afrescos.

É verdade que as obras não agradaram a Júlio II e, com aborrecimento, ele ordenou que as criações dos mestres fossem lavadas. Cinco anos depois, o gerente do projeto, o arquiteto Bramante, mostrou ao pai os esboços do jovem pintor Rafael, que o levaram ao deleite total. O pontífice convocou um artista florentino de 25 anos, que se mostrava muito promissor, e o encarregou de pintar os futuros aposentos do palácio, que mais tarde ficaram conhecidos em todo o mundo como as estrofes de Rafael.

O Papa queria ver imagens que glorificassem a igreja, inclusive elogiando as atividades do próprio Júlio II. É preciso admitir que o pintor cumpriu brilhantemente a missão que lhe foi confiada e criou obras-primas imortais que se tornaram verdadeiros tesouros da arte mundial.

Stanza della Senyatura de Raphael

Os majestosos afrescos trouxeram reconhecimento e fama ao jovem talento, bem como o título de fundador de uma nova direção na arte - "classicismo romano". Rafael, que recebeu do papa o direito de pintar apartamentos, começou com uma sala chamada Stanza della Segnatura (Salão de Assinaturas), e o trabalho continuou até 1511. Acredita-se que neste salão, cujo nome não está associado à obra do mestre, existisse uma sala de recepção do papa ou uma biblioteca, e aqui Júlio II quis ver a reconciliação entre a antiguidade e o cristianismo.

Afresco principal "Escola de Atenas"

As estações de Rafael são dedicadas ao aperfeiçoamento espiritual das pessoas e à justiça divina. O mestre criou quatro afrescos, dos quais o melhor, segundo os historiadores da arte, é considerado a Escola de Atenas. Dois antigos filósofos, Platão e Aristóteles, são as figuras centrais, simbolizando o mundo das ideias que vivem em esferas superiores, intimamente ligadas à experiência terrena.

Eles discutem sobre de onde vem a verdade e os vários métodos para alcançá-la. Platão, levantando a mão, representa a filosofia do idealismo, e Aristóteles, apontando para o chão, explica os méritos do método empírico de conhecimento. Os personagens do afresco são extremamente semelhantes aos heróis da Idade Média, o que enfatiza a estreita relação entre os filósofos antigos e a teologia da época.

Três obras cheias de simbolismo

O mural "Disputa" é uma história sobre a igreja celestial e a terrena, e a ação da composição ocorre em dois planos. Deus Pai e seu filho Jesus, a Virgem Maria e João Batista, assim como a pomba que simboliza o Espírito Santo, lado a lado com todo um exército de sacerdotes e leigos, entre os quais se pode reconhecer o pensador italiano Dante Alighieri. Raphael retratou as conversas que os personagens têm sobre o sacramento do sacramento. E seu símbolo - a hóstia (pão) - está no centro da composição. Pela sua beleza, esta pintura é reconhecida como uma das obras mais perfeitas da pintura.

O afresco "Parnassus" exibe o belo Apolo, cercado por musas encantadoras e grandes poetas da época. Esta é a personificação de um reino ideal, onde a arte está em primeiro plano.

O último afresco fala da justiça e retrata de forma alegórica a Sabedoria, a Força e a Temperança, bem como um retrato do próprio Papa Júlio II, presente na fundação do cânone e do direito civil.

Estância d'Eliodoro

Depois que o artista termina de pintar a primeira sala, segue para a segunda, dedicada ao tema da proteção divina. As obras da Stanza di Eliodoro coincidiram com um período de instabilidade política. E então ele decide criar todo um ciclo de afrescos que inspirariam os cristãos e contariam sobre a proteção do Senhor pela fé, inspirados por Rafael Santi.

O papa gostou tanto das estrofes com enredos sobre o tema dos acontecimentos históricos e milagres que renomeou a sala com o nome de um dos afrescos - “A Expulsão de Eliodor do Templo”, que retrata um cavaleiro celestial punindo o rei sírio que está tentando roubar ouro. No lado esquerdo, Júlio II é representado sendo levado ao criminoso.

"Missa em Bolsena" conta um milagre que chocou os paroquianos. Um padre incrédulo, que tomou nas mãos o bolo usado no rito da comunhão, descobriu que era a carne de Cristo, sangrando. O afresco também mostra o papa ajoelhado diante do sinal de Deus durante o serviço religioso.

A milagrosa libertação do discípulo Jesus do cativeiro com a ajuda de um anjo é captada na composição "Trazendo São Pedro da prisão". Este é um trabalho muito interessante em termos de ângulos complexos, bem como o jogo de luz e sombra.

E o quarto afresco é dedicado ao encontro do Papa Leão I com o líder dos hunos, Átila.

Estância Incendio di Borgo

Esta é a última sala em que Rafael Santi trabalhou pessoalmente. As estrofes no Vaticano foram pintadas ao longo de vários anos (1513 - 1515), e os temas dos afrescos estão relacionados a eventos reais que ocorreram na história da Santa Sé. Após a morte de Júlio II, foi coroado o Papa Leão X. O pontífice gostou tanto das obras anteriores do pintor que mandou pintar a sala de jantar, que mais tarde ficou conhecida como Stanza dell "Incendio di Borgo".

O afresco mais significativo é o "Fogo em Borgo". O território do distrito de mesmo nome foi totalmente consumido pelo fogo, e o Papa Leão IV, que deteve os elementos com o sinal da cruz, salvou a população crente da cidade italiana.

Estações de Raphael: Constantine's Hall

É preciso dizer que Raphael, ocupado com outros projetos, confiou parte da obra do terceiro salão aos seus alunos, que, após a morte do brilhante criador aos 37 anos, pintaram o quarto apartamento - Stanza di Constantino.

Em 1517, o mestre recebeu a ordem de decorar a última sala usada para banquetes luxuosos, mas o artista só teve tempo de preparar esboços, e os afrescos sobre o tema da vitória do imperador Constantino sobre o paganismo foram feitos pelos talentosos seguidores do mestre. Quatro composições falam sobre o poder que o governante, que fez do cristianismo a religião oficial, recebeu sobre todo o Império Romano. Apesar de a estrofe de Constantino ter sido executada pelos alunos de Rafael segundo seus desenhos, e não por ele mesmo, o salão ainda pertence às obras do grande mestre.

Obra-prima da arte mundial

As estrofes de Rafael encantam os visitantes com uma atuação talentosa, atenção aos detalhes e realismo. Esta é uma obra de arte única, cujos enredos abordam temas extremamente importantes - a atividade humana, sua perfeição espiritual e autoconhecimento.

Para conhecer as obras de Rafael, é necessário visitar o complexo do museu, cuja entrada é possível com um bilhete único no valor de 16 euros.

Os sucessos de Raphael em Florença foram tão significativos que tornaram seu nome amplamente conhecido. Em 1508, graças ao patrocínio de seu compatriota, o grande arquiteto Bramante, foi convidado para a corte papal e partiu para Roma.

Naquela época, o trono papal era ocupado por Júlio II, que introduziu seu escopo característico na política artística de Roma. Sob ele, os melhores artesãos foram chamados a Roma, e a cidade começou a ser decorada com monumentos arquitetônicos, pinturas e esculturas. Bramante iniciou a construção de São Pedro; Michelangelo, anteriormente ocupado com o projeto da tumba de Júlio II, começou a pintar o teto da Capela Sistina. Poetas e estudiosos-humanistas foram agrupados em torno da corte papal. Nesse clima de criação criativa, em comunicação com destacados representantes da cultura, a obra de Raphael entrou em uma fase de altíssima ascensão.

De acordo com Vasari, Bramante, que foi o arquiteto-chefe do papa Júlio II, implorou ao papa que confiasse a pintura dos salões recém-construídos a seu parente distante e compatriota. Assim, o artista recebeu uma encomenda para pintar os aposentos da frente do papa, os chamados estrofes (estrofe - quarto), que incluem três quartos no segundo andar do Palácio do Vaticano e um salão adjacente. A pintura das estrofes devia resultar de um programa rigorosamente pensado e dedicado glorificação da igreja.

O Papa ficou tão encantado com a habilidade do jovem Rafael que decidiu cancelar a encomenda já confiada a artistas famosos como Luca Signorelli, Pinturicchio, Perugino e Sodoma. Raphael começou a trabalhar em afrescos quando tinha apenas 25 anos. As estrofes foram pintadas por Raphael junto com seus alunos. dentro de 12 anos em 1509-1517 (o salão foi pintado após a morte do mestre). O melhor desses afrescos pertence às maiores criações da arte renascentista. Os murais surpreendem com a profundidade da concepção, riqueza figurativa, clareza e ordem composicionais e harmonia geral. A escolha dos temas para eles é, sem dúvida, predeterminada pelo papa.

Stanza della Segnatura

A primeira sala em que Raphael iniciou suas pinturas no Vaticano foi a chamada sala de assinaturas - Stanza della Senyatura(Stanza della Segnatura), onde foram selados decretos e decretos papais. Esta estrofe era o ofício papal. Foi pintado por Raphael em 1508-1511. O tema das pinturas é a atividade espiritual do homem.

Interior da estrofe della Senyatura

O tema das pinturas é a atividade espiritual do homem: teologia, filosofia, poesia e jurisprudência. Ao comparar e interpretar essas tramas, manifestou-se o desejo do papado de demonstrar a unidade de várias áreas da atividade espiritual humana. Isso foi especialmente importante em uma época em que o florescimento de uma cultura secular de afirmação da vida levou ao rebaixamento da teologia para segundo plano e a um declínio significativo na autoridade da igreja.

Stanza della Senyatura foi o salão onde todas as pinturas foram concebidas e trabalhadas em detalhes em papelão e executadas na parede pelo próprio Raphael.

O enredo do primeiro dos afrescos feitos por Raphael, geralmente chamado de " Disputa”, - a disputa dos pais da igreja sobre o sacramento do sacramento. A ação ocorre em dois planos - na terra e no céu.

Os teólogos, possivelmente com a participação do próprio Papa Júlio II, determinaram as pessoas que certamente devem ser representadas na hierarquia celeste e terrestre.

Abaixo, em um centro claramente marcado, está um altar de forma simples com um tabernáculo. ele armazena hospedeiro (wafer)- um bolo achatado de massa sem fermento, que é comido pelos católicos que comungam (só os padres participam do vinho e da hóstia). Em ambos os lados do altar em uma elevação escalonada, os pais da igreja, papas, prelados, clérigos, anciãos e jovens se estabeleceram. Suas figuras são dadas em voltas e movimentos vivos e plasticamente acabados; o olho capta imediatamente suas silhuetas expressivas. Entre outros participantes aqui você pode encontrar Savonarola, um piedoso monge-pintor Beato Fra Angelico, arquiteto Bramante, Dante. . . dante retratado duas vezes nesta sala: como um poeta ascendendo ao Parnaso entre outros gênios da arte poética e como um teólogo notável em uma sociedade seleta neste afresco.

Acima de toda a massa de figuras na parte inferior do afresco, como uma visão celestial, aparece a personificação da trindade: Deus Pai, abaixo dele em uma auréola de raios dourados está Cristo com a Mãe de Deus e João Batista, ainda mais abaixo, como se marcasse o centro geométrico do afresco, está uma pomba em uma esfera, símbolo do Espírito Santo. De cada lado deles, 12 figuras sentam-se em nuvens flutuantes, entre as quais se destacam quatro evangelistas com livros nas mãos, os apóstolos Pedro e Paulo. E todo esse grande número de figuras, com um desenho compositivo tão complexo, é distribuído com tanta arte que o afresco deixa uma impressão de incrível clareza e beleza. A aparência dos personagens do afresco é tão majestosa, suas posturas e gestos são tão inspirados que o Debate aparece diante de nós não tanto como uma disputa sobre a hóstia, mas como um majestoso triunfo da Verdade e da Fé.

Disputa

no paraíso

anjos

Espírito Santo em forma de pomba e anjos com os Evangelhos

anjos

São Pedro, Antepassado Adão, Evangelista João, Rei Davi, São Lourenço, Profeta Jeremias

Deus Pai, Virgem Maria, Jesus Cristo, João Batista

Judas Macabeu, Santo Estêvão, Moisés, Evangelista (?), Antepassado Abraão, Apóstolo Paulo

No chão

Lado esquerdo

Lado direito

Beato Fra Angelico, monge pintor

Ambrósio de Milão, Beato Agostinho

Tomás de Aquino, Papa Inocêncio III

Boaventura, Papa Sisto IV

arquiteto Bramante

Gregório Magno, São Jerônimo com um leão

Savonarola (atrás do homem)

Dante Alighieri

O melhor de todos os afrescos nas estrofes é unanimemente reconhecido como " escola ateniense"- uma das maiores criações da arte renascentista em geral e de Rafael em particular. O afresco glorifica o poder da mente, abrangendo o mundo inteiro. Representantes de diferentes ensinamentos, apenas formalmente unidos por um único espaço arquitetônico, em sua maioria não pertencem a uma escola ateniense específica, portanto, o nome do grandioso afresco é condicional. Não há dúvida de que Rafael conheceu as obras de grandes filósofos e entendeu a essência do método filosófico de cognição, que envolve a manifestação de aspirações pessoais e princípios da vida do pensador.

Esta composição é uma das evidências mais marcantes do triunfo na arte renascentista das ideias humanísticas e seus laços profundos com a cultura antiga. Em uma grandiosa enfileirada de majestosos arcos, Raphael apresentou uma coleção de antigos pensadores e cientistas. Aqui não estão apenas os atenienses (os filósofos Parmênides e seu discípulo Zenão não eram cidadãos de Atenas) e não apenas contemporâneos, mas também pensadores que viveram em outros tempos e em outros países (o filósofo-místico persa Zoroastro, que viveu vários séculos antes Platão, ou tradutor muçulmano e comentarista de Aristóteles Averróis, que viveu muitos séculos depois). Assim, a "Escola de Atenas" representa uma comunidade ideal de pensadores da era clássica, uma comunidade de professores e alunos. No entanto, retratando essas pessoas proeminentes do passado, Rafael dá a eles as características de seus contemporâneos notáveis.

No centro, entre os personagens agrupados nos poderosos pilares em arco, em cujos nichos estão colocadas as estátuas de Apolo e Minerva, estão representadas Platão E aristoteles. Eles se tornaram o centro espiritual desta coleção não apenas por sua posição central na composição, mas também pelo significado das imagens. Em sua postura, em seu andar, uma grandeza verdadeiramente régia se derrama, assim como em seus rostos sentimos o selo de um grande pensamento. Estas são as imagens mais ideais do afresco; Não admira que o protótipo de Platão tenha sido Leonardo da Vinci.

escola ateniense

O artista se propôs uma tarefa de incrível complexidade. E seu gênio se manifestou na própria abordagem de sua solução. Ele dividiu os filósofos em vários grupos separados. O grupo da direita na parte inferior da imagem examina dois globos: a terra nas mãos do geógrafo Ptolomeu(na coroa) e celestial - em Zoroastro(astrônomo e filósofo místico) com o rosto do humanista Pietro Bembo. Dois jovens conversam com cientistas (um deles tem os traços faciais do próprio Raphael (olha diretamente para o público), o outro é seu amigo pintor Sodomia que começou a trabalhar nesta estação antes de Raphael).

Perto dali, outros apaixonados por resolver um problema geométrico: cercados por estudantes, belos jovens, Euclides(ou Arquimedes). Curvando-se, ele desenha com um compasso em uma ardósia caída no chão. Euclides retrata um arquiteto Bramante com sua testa calva poderosa e alargada.

Euclides (Bramante)

Zoroastro e Ptolomeu

Rafael e amigo de Sodomo

peripatéticos

Quase no centro do afresco está imerso em pensamentos profundos vestido com roupas de pedreiro HeráclitoÉfeso é um filósofo que lamenta a imprudência do homem. Na verdade, essa pessoa Michelangelo. Chocado com o grande talento de seu irmão mais velho na loja, Rafael o elogiou. Como um mendigo nos degraus da escada, que simbolizam os estágios de domínio da verdade, o fundador da escola dos cínicos, o solitário Diógenes, afastado do alarido e das discussões mundanas. Alguém, passando, aponta para ele, como se perguntasse a um companheiro: não é este o destino de um verdadeiro filósofo? Mas ele chama sua atenção (e a nossa) para duas figuras que estão no centro da composição. Este é o majestoso velho Platão, embranquecido de cabelos grisalhos, com características de retrato de Leonardo da Vinci e do jovem inspirado Aristóteles. Eles estão envolvidos em um diálogo - um argumento calmo em que a verdade é libertada das algemas de dogmas e preconceitos.

Platão (com o livro "Timeu") representa a filosofia abstrata, e Aristóteles (com o livro "Ética"), como se gesticulasse ao redor do mundo ao seu redor, representa a filosofia natural. Platão aponta para o céu, onde reinam a harmonia, a grandeza e a inteligência superior. Aristóteles estende a mão para a terra, o mundo ao redor das pessoas. Não pode haver vencedor nesta disputa, porque tanto o cosmos sem limites quanto a Terra nativa são igualmente necessários para uma pessoa, cujo conhecimento durará para sempre.

A unidade das filosofias está na diversidade de escolas individuais e opiniões pessoais. Assim se forma a grande sinfonia do conhecimento humano. Isso não é impedido pela desunião dos pensadores no espaço e no tempo. Pelo contrário, o conhecimento une todos os que sinceramente se esforçam por isso... E não é por acaso, claro, que pessoas de todas as idades, inclusive bebês, estão presentes na foto, e seus rostos não estão apenas concentrados e pensativos, mas também sorrisos brilhantes.

Heráclito (Michelangelo)

Diógenes

Platão e Aristóteles

À esquerda de Platão Sócrates, explicando aos ouvintes o desenrolar do seu raciocínio pelos ouvintes, entre os quais se destaca o comandante Alcibíades em armadura e capacete e jovem Alexandre o grande cujo professor foi Aristóteles.

A figura de um jovem é notável no canto esquerdo do afresco. Ele rapidamente entra neste grupo de sábios, segurando um pergaminho e um livro em sua mão; dobras esvoaçantes de seu manto e cachos em sua cabeça. Aquele que está por perto mostra-lhe o caminho e alguém do círculo de Sócrates o cumprimenta. Talvez seja assim que se personifica uma nova ideia ousada, que vai provocar novas disputas, inspirar novas buscas...

Em primeiro plano, à esquerda, ajoelhado com um livro nas mãos, o venerável Pitágoras, cercado de alunos, explica outro teorema para ouvintes encantados. Jovem com cabelo comprido Anaxágoras, filósofo, matemático e astrônomo; ele está segurando uma placa de ardósia. Pitágoras personifica a aritmética e a música. Atrás dele está sentado um filósofo Anaximandro, aluno de Tales. À esquerda deste grupo é mostrado Epicuro com folhas de uva na cabeça, atrás dele você pode ver a cabeça de um pequeno Frederico Gonzaga. fica por perto Hipátia, mulher matemática, filósofa e astrônoma e filósofa Parmênides.

A aparência de alguns outros filósofos e cientistas é mais dotada de características da vida característica. Assim, magnífica em sua expressividade lacônica é a imagem de um estóico, um filósofo Barragem, colocado na parte superior do lado direito do afresco: já em uma silhueta de sua figura envolta em uma capa, separada por intervalos de outros personagens, é transmitida a sensação de sua solidão espiritual.

Embora o afresco contenha mais de 50 figuras, o senso de proporção e ritmo de Raphael cria uma impressão de surpreendente leveza e amplitude.

Sócrates com os alunos

Pitágoras com alunos

Hipátia e Parmênides

Plotino

O terceiro afresco da Stanza della Senyatura, " Parnaso”, - a personificação da ideia de Bello - Beauty, the Beautiful. O afresco - uma alegoria do reino da poesia - retrata o patrono das artes, tocando viola (violino) do deus Apolo, a seus pés flui a chave Castal, inspirando os poetas. Apollo senta-se rodeado por musas e poetas, antigos e renascentistas. Homero, Píndaro, Safo, Anacreonte, Virgílio, Ovídio e Horácio residem no brilhante mundo da inspiração e da beleza, no círculo das musas; aqui estão os grandes italianos Dante, Petrarca, Boccaccio...

"Parnassus", como alguns outros afrescos, está localizado acima da janela; encaixado no plano pretendido para a imagem, criou dificuldades adicionais de composição. Rafael mostrou engenhosidade ao colocar o topo da montanha acima da janela e em suas laterais suaves encostas descendo.

Parnaso

As figuras do afresco são agrupadas de acordo com certas tendências estilísticas da literatura - antigas e modernas para Rafael.

Em um afresco, antigos poetas gregos Safo(retrato de uma cortesã romana?) e alcaia(afastados do público) como se iniciassem aquele “arco” ao longo do qual o olho se move. Não foi por acaso que Raphael colocou essas duas figuras próximas uma da outra. Eles são contemporâneos, seus destinos são em muitos aspectos semelhantes: tanto ele quanto ela vieram de famílias nobres, viveram em Mitilene, na ilha de Lesbos, passaram pelas agruras do exílio, tornaram-se famosos pela poesia que glorificava o amor. Alceu escuta atentamente Corinne, Petrarca e Anacreon.

Corina Uma poetisa grega antiga de Tanagra. As obras são baseadas em lendas sobre a Beócia nativa. Suas obras chegaram até nós apenas em fragmentos.

petrarca- Poeta italiano (1304-1374), foi reconhecido como um dos maiores cientistas de seu tempo. Ele escreveu sonetos, baladas, madrigais sobre a vida e a morte de Laura. Em 1341 (na Páscoa) foi coroado em Roma, no Capitólio, com uma coroa de louros. O olhar de Petrarca está fixo em seu antigo predecessor, Alceu, e isso denuncia sua participação interessada na conversa.

Anacreonte- Antigo poeta lírico grego, "cantor do amor". Os motivos de sua poesia são o gozo das alegrias sensuais da vida.A imitação de Anacreon deu origem apoesia anacreônticaAntiguidade Tardia, Renascimento e Iluminismo. Na Rússia, exemplos de poesia anacreôntica são encontrados em Derzhavin, Batyushkov, Pushkin...

Mostrado mais alto Dante Alighieri- o maior poeta da Itália. Ele é mais conhecido como o autor do poema épico A Divina Comédia.

À sua direita Homero, autor da Ilíada e da Odisséia. As lendas retratam Homer como um cantor errante cego. A tradição ditava que Homero fosse retratado com um guia acompanhante, que anotava suas palavras em uma tábua encerada com um estilete.

Atrás de Homero, Dante "troca olhares" com Virgílio. Públio Virgílio Maro- poeta romano Seu heróico épico "Eneida" sobre as andanças do troiano Eneias é o auge da poesia clássica romana; glorifica a missão histórica de Roma. A conexão das figuras de Dante e Virgílio é justificada: na jornada de Dante pelo Inferno e Purgatório ("A Divina Comédia") o companheiro de Dante era Virgílio.

Em seguida estão Apolo e as Musas. À direita deles, Ariosto e Boccaccio estão lado a lado como representantes da literatura italiana. Ariosto- autor de comédias de costumes, sua principal criação é "Furious Roland". Giovanni Boccaccio- o autor de poemas sobre temas da mitologia antiga. No livro de contos "The Decameron" - o ideal humanístico da literatura renascentista.

Tibull E Propércio, poetas romanos, têm muito em comum (colocados lado a lado): vieram do meio dos fazendeiros italianos, no centro da obra de ambos está a imagem da única amada - “senhora”. Ela é cantada sob um nome grego condicional, escolhido para que um real (com rima) possa ser inserido em seu lugar.

Olha para o público (o que estamos fazendo lá) Tibaldi- escritor italiano Morou nas cortes de Ferrari, Mântua e em Roma; deixou uma descrição do saque de Roma, durante o qual ele próprio perdeu tudo.

"Enfiar no nariz" Sannazaro- poeta italiano Seu romance pastoral Arcádia foi um monumento popular da literatura italiana.

Horácio acabou sendo a figura extrema à direita no afresco e seu lugar corresponde exatamente à posição de Alceu (a figura extrema à esquerda); ambos são mostrados no perfil. Isso, aparentemente, não é acidental: Horácio imitou Alceu em sua obra. Raphael enfatizou isso com a semelhança de suas roupas.

Horácio- poeta romano Nos livros de sátiras, odes, mensagens - discussões sobre a fragilidade da vida, a imortalidade da poesia. Cantando as alegrias acessíveis de ser (vida solitária, paz de espírito, amizade, amor), ele afirma o culto à moderação - o "meio-termo". O famoso "Monumento" de Horace deu origem a muitas imitações: (Derzhavin, Pushkin) ...

Apontando para o público Píndaro- Poeta lírico grego antigo. Ele escreveu cantos corais, hinos em homenagem aos vencedores dos jogos olímpicos e outros esportes.

Alcaeus, Corinne, Petrarca, Anacreon, Safo ("a décima musa")

O jovem é o guia de Homero, Dante, Homero, Virgílio

Melpomene, Calliope, Terpsichore, Loligimnia, Apollo, Clio, Erato, Thalia

Euterpe, Urania, Ariosto, Boccaccio, Tibull, Propertius, Tibaldi, Sannazaro, Horace, Pindar

Por que Apolo precisa de um arco? Então, para tocar a... lira. Podemos ver uma imagem tão estranha não apenas no afresco do Parnaso, mas também em outras obras de artistas renascentistas.

Dossiê. Apolo e Dafne

Provençal. Orfeu

Henrique de Klerk. Castigo de Midas

Giovanni. Disputa entre Apolo e Marsias

Lorena. Paisagem com Apolo e Hermes

Essas pinturas retratam Apolo tocando um instrumento parecido com um violino. Na verdade, esta é a lira. Era assim que se chamava naquela época (séculos XV-XVI). Hoje, essa ferramenta, para evitar confusão, é chamada de " lira da braccio", que significa " lira de ombro».

Este instrumento (distribuía-se por toda a Península dos Apeninos e era simplesmente chamado de lira. É provavelmente por isso que os artistas da época o “entregaram” nas mãos de Apolo. Talvez eles não soubessem da lira que conhecemos desde o letras dos antigos gregos?

Mas não, cítaras e liras antigas às vezes são encontradas nas mesmas telas. Os artistas do Renascimento não esqueceram o que é a lira antiga, porque “reviveram” precisamente a cultura antiga. E o instrumento moderno para artistas, talvez, simbolizasse a conexão dos tempos e a continuidade das culturas. Isso é realmente Renascimento.

Então, neste afresco reproduzido exatamente cítara no Musa Eratoà direita de Apolo. Nós vemos lira aos pés de Safo. O objeto em sua mão, semelhante a uma buzina, é usado para afinação. Raphael foi um dos primeiros a esboçar um tipo completamente desconhecido de lira antes - um instrumento feito de casco de tartaruga.

A lira foi feita por Hermes com o casco de uma tartaruga, e os suportes foram feitos com os chifres de um antílope. Hermes puxou as veias dos touros de Apolo em vez de cordas. Eram sete cordas, em homenagem às sete filhas de Atlas. Depois que a lira ficou pronta, Apolo a afinou e a apresentou a Orfeu, filho da musa Calíope. Orfeu puxou mais dois cordões, e havia nove deles, em homenagem às nove musas.

O violino e a lira da braccio são parentes próximos: no desenho (em menor medida na forma), na forma de tocar (no ombro) e na estrutura das cordas. Havia várias subespécies da lira italiana: lira da braccio(soprano), lirone da braccio(alto), lira da gamba(barítono), lirone perfetto(baixo), diferindo no número de cordas - de 5 a 10.

Na estrofe della Senyatura, na parede oposta ao "Parnaso" estão representados " virtudes» (um grupo de três figuras alegóricas): Força segurando um galho de carvalho nas mãos - um símbolo da família do Papa Júlio II, Sabedoria E Moderação. Suas figuras são cheias de graça.

À esquerda está o imperador Justiniano apresentando seu códice a Treboniano. O afresco foi feito pelos alunos de Raphael. À direita, Gregório XI (belo retrato de Júlio II) entrega decretais (decretos papais) a um advogado.

Virtudes: Força, Sabedoria, Temperança

Na abóbada acima de cada afresco é colocada em um medalhão redondo uma figura alegórica simbolizando cada uma dessas atividades: Teologia, Filosofia, Poesia E Justiça, personificando as quatro forças espirituais - religião, ciência, lei e beleza. Nas partes de canto da abóbada existem pequenas composições, também relacionadas em seu assunto ao conteúdo dos afrescos correspondentes: cair"("Adão e Eva"), " A vitória de Apolo sobre Marsias», « Astronomia" E " Julgamento de Salomão". Todo o trabalho de cariz decorativo foi planeado e executado com maestria.

Assim como nas paredes adjacentes a trindade cristã e os Padres da Igreja no afresco de "Disputa" lado a lado com os pagãos - os deuses e poetas de "Parnaso", também nas composições da abóbada a "Queda" bíblica é correlacionado com a "Vitória de Apolo sobre Marsyas". O fato de combinar imagens da religião cristã e da mitologia pagã no âmbito de um conceito artístico comum serve como exemplo da verdadeira atitude das pessoas da época em relação às questões do dogma religioso. O programa oficial de afrescos da Stanza della Senyatura foi um reflexo das ideias reconciliação da religião cristã com a cultura antiga, cientistas humanistas comuns da época. E a implementação artística deste programa nos afrescos de Rafael Santi tornou-se evidência unidade de princípios seculares e eclesiásticos.