Henrique Ibsen. Ibsen Henrik: biografia, criatividade, citações de Ibsen drama play literário

Henrik Ibsen é o primeiro nome que toda pessoa culta se lembrará quando se trata da literatura da Noruega. Mas a obra de Ibsen não é mais norueguesa, mas patrimônio mundial. Defendendo o renascimento da cultura norueguesa, tratando o folclore com apreensão, o dramaturgo deixou sua terra natal por vinte e sete anos. As peças, após as quais Ibsen recebeu reconhecimento mundial, foram criadas na Alemanha e na Itália. E os personagens de Ibsen, conduzidos pelo autor à estrutura rígida da trama, sempre estiveram vivos.

Infância e juventude

Em 20 de março de 1828, um menino nasceu em uma rica família Ibsen, a quem seus pais deram o nome de Henryk. Em 1836, a família Ibsen faliu, eles tiveram que hipotecar todos os seus bens para pagar seus credores.

Essa mudança na posição social afetou muito o pequeno Henryk. E antes não distinguido pela sociabilidade, o menino se fechou completamente em seu mundinho. Quanto mais brilhante o talento se manifestava - mesmo no ginásio, Ibsen começou a vestir fantasias, às vezes terrivelmente fabulosas, em palavras.

Na Noruega, mesmo tendo sido colônia dinamarquesa por 400 anos, até os pobres podiam estudar. Mas Henryk teve que ganhar a vida em vez de estudar. O menino de quinze anos foi enviado por seus pais em 1843 para a cidade vizinha de Grimstad, onde se tornou aprendiz de farmacêutico.

Trabalhar em farmácia não atrapalhava a criatividade, pelo contrário, a alma exigia autorrealização. Graças a poemas, epigramas e caricaturas dos habitantes da cidade, em 1847 Henryk ganhou popularidade entre os jovens radicais de Grimstad.

Após os eventos revolucionários na Europa em 1848, Ibsen retomou as letras políticas e escreveu a primeira peça, Catilina, que não foi popular.

Literatura

Em 1850, o jovem foi para Christiania (como Oslo era chamada até 1924) para ingressar na universidade, mas o local de estudo foi ocupado por atividades quase políticas: ensino na escola dominical da associação de trabalhadores, manifestações de protesto, cooperação com o jornal operário e a revista estudantil.

Três peças foram escritas em três anos e, ao mesmo tempo, ocorreu um conhecido de Bjornstjerne Bjornson, dramaturgo, teatro e figura pública. Ibsen rapidamente se deu bem com ele, pois ambos acreditavam na necessidade de uma autoconsciência nacional dos noruegueses.

Em 1852, a sorte virou para enfrentar o jovem dramaturgo - Ibsen foi convidado para Bergen, para o primeiro Teatro Nacional Norueguês, onde atuou como diretor artístico até 1857. Novas peças de Ibsen adquiriram imediatamente uma personificação do palco, e também houve uma oportunidade de estudar culinária teatral, o que definitivamente permitiu o crescimento das habilidades dramatúrgicas.

De 1857 a 1862, Ibsen dirigiu o Norwegian Theatre em Christiania e lutou contra o Christian Theatre, no qual as apresentações eram encenadas em dinamarquês e os atores eram inteiramente dinamarqueses. E, claro, não parou de criar, ao escrever peças, tomando como base as sagas norueguesas. Em 1863, quando Henrik Ibsen já havia deixado o cargo de diretor, os dois teatros se fundiram em um, e as apresentações passaram a ser apenas em norueguês.

Henrique Ibsen no trabalho

A tempestuosa atividade do dramaturgo baseava-se no desejo de viver em abundância, tendo o devido nível social, inclusive o reconhecimento público. Aqui, sem dúvida, uma infância difícil afetada. Durante um ano e meio, Ibsen buscou uma bolsa de estudos para escritor no Storting (parlamento norueguês).

Finalmente conseguindo o que queria em 1864, com a ajuda de amigos, Ibsen e sua família deixaram sua terra natal e se estabeleceram na Itália. Lá, em dois anos, ele criou duas peças, "Brand" e "Peer Gynt", colocando nelas toda a sua alma, toda a experiência acumulada, tanto de vida quanto literária.

Música de Edvard Grieg para Peer Gynt de Henrik Ibsen

"Peer Gynt" foi percebido negativamente pelos dinamarqueses e noruegueses. falou da peça como a pior obra que já havia lido. Solveig salvou a situação. E também - quem escreveu a música para a peça "Peer Gynt" a pedido do dramaturgo.

O trabalho posterior de Ibsen caiu das redes de sagas norueguesas para o mainstream do realismo. As obras-primas da dramaturgia "A Doll's House", "Ghosts", "Wild Duck", "The Builder Solnes" e outras peças falam sobre problemas sociais.

Por exemplo, o drama "A Doll's House" foi baseado em eventos reais. O tema principal da obra é a “questão feminina”, mas nem só a posição da mulher na sociedade é afetada. É também sobre a liberdade individual em geral. E o protótipo da personagem principal foi Laura Keeler, uma escritora amiga de Ibsen, que, de fato, aconselhou a jovem de 19 anos a se dedicar à literatura.

Na bibliografia de Henrik Ibsen, o leitor não encontrará romances nem contos - apenas poemas, poemas e peças de teatro. O dramaturgo também não deixou seus diários. Mas as peças foram incluídas no "fundo de ouro" do drama mundial. Livros com as obras de Ibsen são publicados em diferentes idiomas e seus aforismos há muito foram para o povo.

Vida pessoal

O jovem Ibsen era tímido com as mulheres. No entanto, Henryk teve a sorte de conhecer Suzanne Thoresen. A enérgica filha de um padre tornou-se esposa do dramaturgo em 1858 e, em 1859, deu à luz o único filho de Ibsen, Sigurd.

Henrik Ibsen nunca se envolveu em escândalos relacionados à sua vida pessoal. Naturezas criativas são pessoas viciadas e amorosas, e Ibsen não é exceção. Mas, apesar disso, Suzanne permaneceu sua única mulher até sua morte.

Morte

Em 1891, tendo se tornado famoso na Europa, Ibsen voltou de um exílio voluntário que durou 27 anos. Henryk viveu em Christiania por 15 anos, tendo conseguido escrever as últimas quatro peças. Em 23 de maio de 1906, após uma longa e grave doença, terminou a biografia do dramaturgo norueguês.

Um fato interessante foi contado pelo Dr. Edward Bull. Antes da morte de Ibsen, parentes se reuniram em seu quarto e a enfermeira observou que hoje o paciente parece melhor. O dramaturgo disse:

"Pelo contrário!" - e morreu.

Citações

“A maioria das pessoas morre sem realmente viver. Para sua sorte, eles simplesmente não percebem isso."

“Para realmente pecar, este assunto deve ser levado a sério.”

"O mais forte é aquele que luta sozinho."

“... você ama algumas pessoas mais do que qualquer coisa no mundo, mas de alguma forma você mais quer estar com outras.”

Bibliografia

• 1850 - Catilina
• 1850 - "Bogatyrsky Kurgan"
• 1852 - "Norma, ou o amor do político"
• 1853 - "Noite de Verão"
• 1855 - "Fru Inger de Estrot"
• 1856 - "Festa em Sulhaug"
• 1856 - "Guerreiros em Helgeland"
• 1857 - Olaf Liljekrans
• 1862 - "Comédia do Amor"
• 1863 - "Luta pelo trono"
• 1866 - "Marca"
• 1867 - "Peer Gynt"
• 1869 - "União da Juventude"
• 1873 - dilogia "César e o Galileu"
• 1877 - "Pilares da Sociedade"
• 1879 - "Uma casa de bonecas"
• 1881 - "Fantasmas"
• 1882 - "Inimigo do povo"
• 1884 - "Pato Selvagem"
• 1886 - "Rosmersholm"
• 1888 - "A Mulher do Mar"
• 1890 - "Hedda Gabler"
• 1892 - "Construtor Solnes"
• 1894 - "Pequeno Eyolfe"
• 1896 - "Jun Gabriel Borkman"
• 1899 - "Quando Nós Mortos Acordamos"

Henrik Ibsen fotografia

Aos olhos de seus contemporâneos, Ibsen parecia um verdadeiro gigante, que foi o primeiro a declarar a falsidade que permeia a moralidade pública contemporânea, o primeiro a clamar por "vida não por mentiras", o primeiro a pronunciar as palavras: "Homem, seja quem você é." Sua voz foi longe. Ibsen foi ouvido não apenas em sua terra natal, mas também na França, Alemanha, Inglaterra, América e até na Rússia. Era tido como um subvertedor dos fundamentos, muito mais influente e, sobretudo, muito mais ousado e original do que, por exemplo, o filósofo alemão Friedrich Nietzsche. Na verdade, aos olhos dos descendentes, Nietzsche ocupou o nicho que os contemporâneos atribuíram a Ibsen - aparentemente pelo fato de os textos filosóficos serem mais bem preservados no tempo do que as peças teatrais mais dependentes dos gostos artísticos da época.

As famosas palavras de Nietzsche "todos os deuses morreram" aos olhos do europeu moderno são o divisor de águas que traça uma linha clara entre a antiguidade grisalha e o presente facilmente reconhecível. Não importa como você se sinta sobre essas palavras e tudo o que elas lançaram - desprezo por "ídolos" de qualquer tipo, exaltação de tudo individualmente subjetivo, negligência de "humano, humano demais" por causa de "sobre-humano", não se pode negar que sem eles hoje seríamos essencialmente outros. No entanto, Nietzsche tornou-se conhecido do público em geral somente depois que o crítico dinamarquês Georg Brandes chamou a atenção para seus escritos em 1888 em seu famoso curso de palestras sobre história cultural proferido em Copenhague. Enquanto isso, Peer Gynt do poema dramático de Ibsen de mesmo nome, em 1867, perguntou em desespero: "Então está realmente vazio em todos os lugares? .. Nem no abismo, nem no céu há alguém? .."

Até 1864, a biografia criativa de Ibsen se desenvolveu de maneira bastante previsível. Nasceu na província, na família de um comerciante arruinado, aos quinze anos começou a compor poesia, aos vinte terminou a sua primeira peça ("Catilina") e decidiu firmemente dedicar-se ao teatro. Primeiro, mudou-se para Christiania (como Oslo era chamado até 1925), e depois para Bergen, onde naquela época havia o único teatro nacional em toda a Noruega, e de 1852 a 1857 atuou como dramaturgo e diretor artístico. .

O teatro de Bergen surgiu na esteira da ascensão da autoconsciência nacional dos noruegueses, e seus líderes queriam opor suas produções à moda então predominante para os salões franceses e dinamarqueses (mas também imitando o francês), chamados "bem -feitas" joga. Durante este período, Ibsen escreveu com base em material "nacional" - sagas islandesas e baladas folclóricas norueguesas. É assim que os dramas The Heroic Mound (1850), Fru Inger from Estrot (1854), Feast in Sulhaug (1855), Olaf Liljekrans (1856), Warriors in Helgeland (1857), Fight for throne" (1863). Quase todos eles foram encenados no Teatro Norueguês, onde o jovem dramaturgo experimentou pleno sucesso de palco. Mas Ibsen, que no final da década de 1950 havia se desiludido com os ideais do pan-escandinavismo, sentia-se limitado pela estrutura da dramaturgia romântica convencional, estilizada como a antiguidade.

Ibsen deixou o teatro e mudou-se para Christiania. Ele tinha a firme convicção de que o teatro moderno não era adequado para a realização de seus planos, que não poderia ter sucesso como artista em sua terra natal e, portanto, tendo recebido uma bolsa do parlamento norueguês, o escritor partiu para o exterior em 1864. O desejo de independência espiritual, de libertação de todos os tipos de "ídolos", inclusive o patriotismo norueguês, o manteve afastado da Noruega por quase trinta anos, durante os quais Ibsen viveu principalmente na Itália e na Alemanha. Somente em 1891, tendo escrito suas melhores obras e se tornado famoso em toda a Europa, ele se permitiu retornar à sua terra natal.

A primeira obra, publicada por Ibsen no exterior, atraiu para ele a atenção de um leitor europeu. No verão de 1865 em Roma, o escritor rapidamente, em três meses, transformou em drama o rascunho de um grande poema épico, no qual trabalhou por um ano inteiro. Foi assim que surgiu "Brand" - um longo drama de cinco atos, embora escrito em verso, mas representando a vida moderna. O personagem-título do drama - prest (pároco) de uma pequena aldeia norueguesa às margens do fiorde - dedica sua vida a um serviço intransigente a Deus, entendendo o dever religioso como uma constante disposição sacrificial de se desfazer de tudo o que tem, até a própria vida e a vida de seus entes queridos. A devota religiosidade de Brand assusta as pessoas ao seu redor, pois persegue objetivos completamente diferentes, aos quais - segundo a opinião geralmente aceita - a religião deveria servir. Em vez de consolação, o padre oferece aos seus paroquianos uma prova constante, obriga-os a forçar a sua vontade para se esforçarem por se realizarem plenamente como pessoa espiritual. "Tudo ou nada" é o lema de Brand (retirado por Ibsen da obra do filósofo dinamarquês Soren Kierkegaard; o leitor russo o conhece como "Ou - ou").

Portanto, de asceta da fé cristã, Brand rapidamente se transforma em asceta da vontade humana individual, capaz de superar tudo - tanto as duras circunstâncias da vida quanto as leis do determinismo interno e biológico. Brand não tem medo de desafiar o próprio Deus - não aquele "velho careca" de óculos e quipá (Brand fala com tanto desrespeito sobre o objeto de um culto tradicional), mas o seu próprio, o deus de Brand, impiedoso, exigindo de uma pessoa mais e mais novas vítimas, não dando nenhum minuto de trégua. Diante da fraqueza da natureza humana ("Aquele que viu Deus morrerá", diz sua esposa antes de sua morte), Brand - vinte anos antes do lançamento de "Zaratustra"! - ilumina-se de esperança por um esforço de vontade para transformar a carne, vencer a morte, tornar-se um super-homem e conduzir seu rebanho até os picos gelados das montanhas.

Melhor do dia

Ibsenovsky Brand é o criador de si mesmo, que dedicou toda a sua vida à "autocriação". A sua crueldade consigo mesmo e com os que o rodeiam é semelhante à paixão de um verdadeiro artista, que, na expectativa do nascimento de uma obra-prima, é dominado pela paixão por realizar o seu plano a todo o custo. Brand entende a criatividade como uma rejeição da naturalidade, do "humano", ele não tem o direito de estragar seu trabalho por pena acidental ou covardia.

O final do drama permanece em aberto - para julgar Brand, para chamar sua vida de crime ou façanha, Ibsen deixa para os leitores - assim como em seu próximo poema dramático em verso, escrito sobre uma espécie de anti-Brand chamado Peer Gynt (1867). Nessa peça, o dramaturgo acertou contas com tudo o que deixou em casa. A peça "Peer Gynt", cheia de fantasia e fabulosos motivos folclóricos, ridicularizando a selvageria escandinava, a inércia camponesa, o patriotismo de cidade pequena, a impotência de uma mente ociosa, o desperdício mesquinho da vida, Ibsen chamou de "o mais norueguês" de tudo o que criou . Peer Gynt, que permaneceu satisfeito consigo mesmo por toda a vida, percebe na velhice que, na verdade, estava apenas fugindo de sua tarefa principal - tornar-se o que deveria se tornar. Rejeitado pelo céu e pelo inferno, Per encontra conforto ao lado de Solveig, que o espera há décadas e ficou cego de tanto esperar. A famosa música de Edvard Grieg, que muito contribuiu para a popularização desse drama ibseniano, romantizou a relação entre Per e Solveig, suavizou a intenção de Ibsen. O próprio dramaturgo, como no caso de "Marca", não responde à pergunta: o amor altruísta de outra pessoa é suficiente para que a vida dissoluta de Per adquira pelo menos algum sentido, e há algum sentido nesse próprio amor ?

Em 1873, Ibsen criou seu último drama em versos, César e o Galileu, para depois, voltando-se para a prosa, passar aos dramas sobre a modernidade, apresentando-a de uma forma completamente diferente. Um amplo escopo épico, monólogos filosóficos sem pressa, fantasia violenta, exotismo e mitologia - tudo isso está saindo, abrindo caminho para o surgimento do novo. "Pilares da Sociedade" (1877), "Casa de Bonecas" (1879), "Fantasmas" (1881), "Inimigo do Povo" (1882), "Pato Selvagem" (1884) - estas são as peças que lançaram o fundação para o "novo drama" , e com ele - o processo de renovação do negócio teatral em toda a Europa.

Sendo excomungado do teatro, sem esperança de ver suas peças no palco, Ibsen podia se permitir experimentos ousados. Ele se voltou para a experiência da literatura naturalista jovem, que proclamou o homem como uma função derivada do ambiente, biológico e sócio-histórico, e estabeleceu o objetivo da arte de explorar esse ambiente. Questões de hereditariedade e temperamento, impacto de maus hábitos, influência do ambiente familiar, marca deixada pela profissão, status social e patrimonial - esse é o círculo de "fatores" que determinam, segundo os naturalistas, o destino e a essência de toda pessoa. Ibsen nunca foi um naturalista no sentido exato da palavra - ele ainda estava interessado na experiência de Brand de superação voluntária desses fatores ("A Doll's House") ou na experiência de rendição de Gynt a eles ("Fantasmas"), mas cada Com o tempo, o tema de seus dramas tornou-se trágico – a história da formação da personalidade (que os naturalistas simplesmente rejeitaram). No entanto, do naturalismo, Ibsen tirou temas proibidos para uma sociedade "decente", o desejo de explorar as fontes internas e externas ocultas que governam o comportamento humano, o gosto por uma representação literal e realista da realidade. Mas o mais importante, o apelo ao naturalismo no drama exigia outros princípios para organizar o trabalho teatral.

O antigo teatro baseava-se no estilo de atuação "beneficiário". Atores, principalmente conhecidos, subiam ao palco para demonstrar sua capacidade de recitar e gesticular, de “solo”, às vezes em detrimento da impressão geral do espetáculo. As próprias técnicas de atuação eram estereotipadas, projetadas para uma gama estreita de "personagens" ou, de uma forma moderna, "temperamentos". As apresentações eram baseadas em uma "estrela" ou um grupo de "estrelas" (às vezes bem no palco competindo ferozmente entre si pela atenção do público), todo o resto era relegado para segundo plano. O cenário era extremamente convencional, os figurinos correspondiam mais aos gostos e ambições dos atores do que aos objetivos da representação. Os extras geralmente eram pessoas aleatórias contratadas por uma noite por um salário miserável. O diretor de tal teatro era um menor que ajudava a organizar a produção, mas não era de forma alguma responsável por seus méritos artísticos. O dramaturgo, ao criar uma peça, preparou-a de imediato para um ou outro grupo performático, tendo em conta as forças e fraquezas de cada uma das “estrelas” e procurando não ir além do seu habitual, “heróico” ou “amor”, mas sempre situações psicológicas estereotipadas.

Ibsen foi o primeiro a encontrar o drama no cotidiano de seus contemporâneos, a renovar o conjunto de meios de expressão artística e psicológica, a rejeitar a escravidão do dramaturgo diante das tradições de atuação. Todos os famosos reformadores de palco do último quarto do século XIX, criadores de clubes de teatro experimental em toda a Europa - Andre Antoine (Paris Free Theatre), Otto Brahm (Berlin Free Stage), Konstantin Stanislavsky (Moscow Art Theatre); dramaturgos, criadores de dramas naturalistas e simbolistas - os alemães Gerhart Hauptman e Josef Schlaf, os austríacos Frank Wedekind, Hugo von Hofmannsthal, Arthur Schnitzler, o sueco August Strindberg, os britânicos Bernard Shaw e Oscar Wilde, o irlandês John Millington Sing, o belga Maurice Maeterlinck, os franceses Eugene Brie e Paul Claudel, o espanhol Jacinto Benavente y Martinez, o russo Leo Tolstoy e Anton Chekhov - seguiram os passos do escritor norueguês, inspirados por suas descobertas ou repelidos por elas.

"Novo Drama" pôs fim ao domínio dos caprichos da atuação, subordinando os negócios teatrais ao dramaturgo e ao diretor. A partir de agora, problemas filosoficamente agudos e socialmente significativos, cujo estudo foi realizado pelo dramaturgo, e a impressão artística geral da peça, cuja criação foi responsável pelo diretor, que recebeu pleno poder sobre o conjunto de atores e sobre outros meios de expressão teatral - acompanhamento musical, foram colocados em primeiro plano. , decoração, cenografia, etc. A performance não era mais um conjunto de frases, gestos, situações conhecidas. "Novo Drama" tinha como objetivo explorar a sociedade e o homem, retratar uma vida "verdadeira", evitar "mentiras" de todas as maneiras possíveis - tanto estéticas (o ator não deveria "desempenhar" um papel, mas "viver " nele) e ético (dramaturgos e diretores estavam prontos para se voltar para os aspectos mais sombrios e desagradáveis ​​\u200b\u200bda vida, mesmo que não para embelezar a realidade, para mostrá-la "verdadeiramente", da forma mais precisa e clinicamente nua). O cenário condicional e a comitiva de peças "bem feitas" foram substituídos por uma reprodução precisa no palco das condições cotidianas e das circunstâncias históricas, os atores começaram a obter uma imagem do papel que transmitiria não apenas algum estado psicológico abstrato, mas também carregam a marca de condições sociais e sociais específicas, cada vez únicas, o "ambiente" em que, segundo o plano do dramaturgo, esse personagem cresceu e se formou. "New Drama" introduziu o conceito de "quarto palco", separando invisivelmente o palco do auditório. Os atores subiram ao palco não para se mostrar ao espectador, mas para viver uma vida normal, enquanto o espectador agora só tinha que “espiar” para eles, como se fosse pelo buraco da fechadura. Foi então que descobri que atrás da "quarta parede", "longe" de olhares indiscretos, muitas coisas interessantes e inesperadas estão acontecendo.

Ibsen não teve medo de trazer para o palco temas e situações escandalosas. Assim, no centro da peça "Casa de Bonecas" está Nora, uma mulher comum de uma família burguesa comum, vivendo das mesquinhas preocupações da dona de uma casa rica, cuidando com amor do marido e dos filhos. Mas Ibsen desenvolve uma peça analítica diante de nós, penetra no passado de Nora e, então, descobre-se que ela guarda um segredo de longa data, que protege com ciúme do marido. Por trás da aparência de uma jovem bonita e levemente excêntrica, há uma vontade e um caráter fortes que se manifestam assim que o segredo de Nora vem à tona. A verdade individual de sua transgressão de longa data está em conflito com a moralidade social que o marido de Nora personifica, e Nora de repente percebe que o próprio ambiente em que vive não implica que uma única mulher tenha uma verdade própria, atribui a ela o papel de uma boneca burra. E então, diante dos olhos do público, a "boneca" se transforma em um personagem dotado da forte vontade de Brandon, pronto para ultrapassar os padrões geralmente aceitos em prol da autorrealização, da verdade, à qual qualquer "mentira" pode ser sacrificado. Essa nova Nora interrompe os discursos instrutivos do marido com palavras inesperadamente duras: "Sente-se, Torvald. Temos algo para conversar ... Vamos acertar as contas."

A ação cênica dá lugar à discussão - uma técnica típica do Ibsen maduro e um importante sinal do "novo drama" (mais tarde Shaw desenvolveria essa técnica ao máximo, transformando o "novo drama" britânico em um "drama de ideias") . Onde o velho drama fecharia sua cortina final, Ibsen trata do mais importante. Os personagens param de se movimentar pelo palco e discutem o que aconteceu entre eles. Nora diz ao marido que o deixa com os filhos e sai de casa para "se resolver e tudo mais". “Ou você não tem deveres para com seu marido e seus filhos?” Torvald exclama pateticamente. "Tenho outros que são igualmente sagrados." - "Você não tem! Quais são?" - Dever para consigo mesmo. “Você é antes de tudo uma esposa e mãe.” "Não acredito mais nisso. Acho que sou humano antes de mais nada." O final da peça é indicativo (e escandaloso para a época): Nora, tendo conquistado uma vitória moral, deixa a Dollhouse, que da noite para o dia se tornou uma estranha para ela.

Ainda mais escandalosa foi a peça "Fantasmas" (talvez a mais "naturalista" de Ibsen), por muito tempo perseguida pelos censores em toda a Europa (foi encenada pela primeira vez apenas em 1903). Seu personagem principal também é uma mulher, Fru Alving, que certa vez, ao contrário de Nora, falhou em proteger sua dignidade humana e foi forçada a sofrer por causa disso por toda a vida. A grave doença mental de seu filho é uma retribuição pelo passado selvagem de seu marido, a Sra. Alving, cujas aventuras ela escondeu cuidadosamente por medo de manchar a honra da família. Apenas uma vez, na juventude, a Sra. Alving, não aguentando mais, fugiu de casa para um homem de quem, ao que parecia, ela poderia encontrar apoio. Mas este homem, um pastor local, por razões de moral cristã, a obrigou a voltar para seu odiado marido. Só muitos anos depois, quando seu filho gravemente doente mostra um vício incestuoso por uma jovem empregada que mora na casa (na verdade, sua meia-irmã por parte do pai), a Sra. Alving não aguenta e joga reprovações no rosto do mesmo pastor. que a vida das pessoas de seu círculo está cheia de "fantasmas" - são "todos os tipos de crenças, conceitos e coisas do gênero antigas e obsoletas". "Somos tão miseráveis ​​covardes, temos medo da luz!", ela exclama amargamente.

Nas peças de Ibsen da década de 1890 - "Hedda Gabler" (1890), "The Builder Solness" (1892), "Rosmersholm" (1896), "Quando nós, os mortos, despertamos" (1899) e outros - uma nova estética ibseniana , não mais gravitando para o naturalismo, mas para o simbolismo. A orgulhosa Hedda Gabler, que por amor à "beleza" incentiva o suicídio de um homem que ela amava e que se revelou indigno de seu amor, alegra-se ao saber que esse homem morreu devido a uma bala disparada de um revólver que ela apresentado. "No peito, você disse?" - "Sim, exatamente". - "E não no templo?" - "No peito." - "Sim, sim, e nada no peito também." Mas um minuto depois ela é informada de que a morte foi acidental - o próprio revólver disparou no momento em que o ex-escolhido de Hedda estava rolando uma cena baixa em um bordel, e a bala atingiu o estômago ... e me segue no saltos de um engraçado e vulgar, como uma espécie de maldição! "Mas, misericordioso Deus... eles não fazem isso!", exclama um dos personagens com medo ao ver essa morte. Mas os heróis das últimas peças de Ibsen finalmente rompem com a naturalidade terrena e o determinismo sócio-biológico. O princípio da marca começa a falar neles novamente em voz alta, e a aconchegante sala de estar das mansões norueguesas fica lotada com a pressão da vontade individual criativa, que agora atua como um princípio destrutivo e destrutivo enfatizado.

Hilda Wangel de "O Construtor de Solnes", uma jovem apaixonada por um velho mestre, cansada da vida, idolatrando nele um artista que não pode ter medo de altura - tanto no sentido literal da palavra (Solnes é o construtor dos campanários das igrejas), e no metafísico, o faz ir contra sua própria natureza fraca, seus próprios medos e sentimentos de culpa, para retomar a façanha da criação. Solnes se submete à sua vontade inflexível e morre, caindo da torre. "Juventude é retribuição", Solnes adverte a si mesmo e ao leitor; como se o ecoasse, pegando o bastão da criatividade, Hilda no final da peça grita com entusiasmo: "Mas ele chegou ao topo. E ouvi sons de harpa no ar. Meu ... meu construtor!"

Ibsen, que criou em suas peças toda uma galeria de imagens femininas fortes e marcantes, ganhou a reputação de defensor da emancipação feminina. No entanto, o próprio escritor nunca se considerou um defensor da "questão feminina". "Eu ... devo rejeitar a honra de contribuir conscientemente para o movimento das mulheres. Eu nem mesmo compreendi completamente sua essência. A causa pela qual as mulheres lutam me parece universal. E quem lê meus livros com atenção entenderá isso. , como se ao longo do caminho, e a questão das mulheres, mas essa não é toda a minha ideia. Minha tarefa era retratar as pessoas ", escreveu ele mais tarde.

Na verdade, Ibsen retratou apenas duas pessoas durante toda a sua vida - Brand, que se tornou ele mesmo, e Peer Gynt, que se abandonou. Esses dois heróis de alguma forma apareceram em várias peças do dramaturgo, assumiram várias formas, expressando simbolicamente os dois lados de um único paradoxo pessoal. Ambos morreram e causaram muito sofrimento aos seus entes queridos. O que o espectador de Ibsen deve escolher?

É improvável que hoje, cem anos após a morte do dramaturgo, seja mais fácil responder a essa pergunta do que em sua época.

"Novo Drama" (Ibsen, Shaw, Hauptmann, Maeterlinck)

A formação na virada do século do chamado "novo drama"

nós" nas obras de Ibsen, Strindberg, Shaw, Hauptmann, Me-

terlinka, etc.).

Traços característicos do "novo drama":

buscando a confiabilidade da imagem;

relevância e atualidade do problema;

a natureza social do conflito;

a influência de várias tendências e escolas ideológicas e estilísticas.

gêneros principais. Evolução.

"Novo Drama" como o início da dramaturgia do século XX.

Ibsen como fundador filosofia moderna e

drama psicológico.

Periodização da obra de Ibsen.

"Drama de ideias" e o princípio da composição retrospectiva ("analítica"); o problema do método artístico de Ibsen (síntese dos princípios do realismo, naturalismo, simbolismo).

A originalidade ideológica e artística das peças "A Doll's House (Nora)", "Ghosts", "The Builder Solness".

teoria estética simbolista teatro Maeterlinck(livro

"Tesouros dos humildes"):

compreender a essência do trágico;

o conceito de mundo dual e o princípio do "segundo diálogo";

a ideia de Rock;

teatro do silêncio.

Motivo de expectativa em peças-parábolas de um ato

Maeterlinck "Blind", "Unbidden", "Lá, dentro".

B. Mostrar. Periodização da criatividade. crítico literário

as atividades do jovem Shaw, a influência do fabianismo no escritor.

Shaw e Ibsen ("A Quintessência do Ibsenismo"). Características dramáticas-

Turgy Show dos anos 90. ("Jogos Desagradáveis", "Jogos Agradáveis").

O tema da emancipação ("A Profissão da Sra. Warren"). Inovação

O método dramático de Shaw: o gênero do drama social e intelectual

drama de discussão ("Chocolate Soldier", "Caesar and Cle

opatra", "Pigmalião"). Shaw e a Primeira Guerra Mundial. Problema

intelligentsia na peça "Casa onde se partem os corações".

Método criativo de Hauptmann, periodização da criatividade.

Naturalismo do início Hauptmann ("Before Sunrise").

A imagem do "herói de massa" no drama "Weavers", a inovação da peça. Neo-romantismo e simbolismo na obra de Hauptmann ("The Sunken Bell") e K. Hamsun ("Fome", "Pan", "Victoria", "Mistérios").

Um exemplo de um novo drama: (quem não leu esta obra pode não entender alguma coisa, então lembre-se do que está em negrito)

"Casa de Bonecas" de Ibsen - "drama de ideias"

O primeiro drama em que os novos princípios foram mais amplamente exibidos foi A Doll's House. 1879, (ano do nascimento do "drama das ideias", ou seja, drama sócio-psicológico realista com confrontos ideológicos tensos).

A questão dos direitos das mulheres está se tornando um problema desigualdade social Contudo

composição retrospectiva cria uma oportunidade de penetrar na verdadeira essência das relações sociais e morais, escondida de olhares indiscretos, quando uma mulher tem medo de admitir que é capaz de atos nobres independentes (salvar um marido doente e proteger um pai moribundo da agitação) e leis estaduais e a moralidade oficial qualificam essas ações como um crime.

A assinatura forjada na cédula representa a característica "secreta" do método de Ibsen. Esclarecimento da essência social e moral esse "segredo" é o verdadeiro conteúdo do drama.

O conflito surgiu oito anos antes do início da ação no palco, mas não foi reconhecido. Os acontecimentos que passam diante de nossos olhos tornam-se um esclarecimento da essência das divergências que surgiram no passado. Conflito visões oficiais e necessidades humanas naturais.

No entanto, final sem drama, como era típico da dramaturgia antes de Ibsen, resolução do conflito: Nora sai da casa do marido, sem encontrar uma solução positiva, mas com a esperança de descobrir com calma o que aconteceu e perceber. A incompletude da ação é enfatizada pelo fato de Helmer, seu marido, permanecer na expectativa do "milagre dos milagres" - o retorno de Nora, seu renascimento mútuo.

Ação incompleta, "final aberto”é consequência do fato de que Ibsen não entra em conflito com desacordos individuais que podem ser removidos no quadro do tempo dramático, mas o dramaturgo transforma suas obras em um fórum onde são discutidos os principais problemas, que só podem ser resolvidos pelos esforços de toda a sociedade e não no quadro de uma obra de arte.

Um drama retrospectivo é um clímax que surgiu após os eventos que o precederam e novos eventos o seguirão.

Uma característica do drama de Ibsen são transformando desacordos inerentemente sociais em morais e resolvendo-os em um aspecto psicológico. A atenção está voltada para como Nora percebe suas ações e as ações dos outros, como muda sua percepção do mundo e das pessoas. Seu sofrimento e percepção pesada tornam-se o conteúdo principal do trabalho.

No drama psicológico de Ibsen, um papel significativo será desempenhado por simbolismo. A mulherzinha se rebela contra a sociedade, ela não quer ser uma boneca em uma casa de bonecas. O nome da peça também é simbólico - "Casa de Bonecas".

O símbolo "casa de bonecas" indica a ideia principal do drama - o a desolação do humano no homem.

O dramaturgo conseguiu que o espectador se tornasse seu "co-autor", e seus personagens resolveram os mesmos problemas que preocupavam os telespectadores e leitores.

21. O drama de Ibsen, Peer Gynt. O protagonista e camponeses, trolls. BIOGRAFIA Henrique Johan Ibsen

a língua em que Bokmål escreveu (este é um tipo norueguês) Direções em que ele escreveu: simbolismo, naturalismo

Heinrich Ibsen vem de uma antiga e rica família dinamarquesa de armadores que se mudou para a Noruega por volta de 1720. O pai do dramaturgo, Knud Ibsen., era ativo de uma natureza saudável; mãe, alemã de nascimento, filha de um rico comerciante de Skien, era especialmente rígida, temperamental e extremamente piedosa. Em 1836, Knud Ibsen faliu e a vida de uma família rica e bem estabelecida mudou drasticamente. Ex-amigos e conhecidos gradualmente começaram a se afastar, fofoca, ridículo, todo tipo de adversidade começou. A crueldade humana foi muito refletida no futuro dramaturgo. E assim, por natureza insociável e selvagem, ele agora começou a buscar ainda mais a solidão e tornou-se endurecido.No 16º ano de vida, Ibsen teve que fazer isso. matricular-se como aprendiz na farmácia da cidade vizinha de Grimstadt, com uma população de apenas 800 habitantes. I. tendo deixado Skien sem nenhum arrependimento, ele nunca mais voltou para lá. Na farmácia, onde permaneceu 5 anos, o jovem sonhava secretamente com a continuação dos estudos e a obtenção do título de doutor.As ideias revolucionárias de 1848 encontraram nele um fervoroso defensor. Em seu primeiro poema, uma ode entusiástica, ele cantou sobre os patriotas mártires húngaros. A vida de Ibsen em Grimstadt tornou-se cada vez mais insuportável para ele. Ele levantou contra si a opinião pública da cidade com suas teorias revolucionárias, liberdade de pensamento e dureza.Finalmente, Ibsen. decidiu deixar a farmácia e foi para Christiania, onde teve que levar uma vida cheia de adversidades no início. Em Christiania, Ibsen conheceu e tornou-se amigo íntimo de Bjornson, que mais tarde se tornou seu feroz oponente. Juntamente com Bjornson, Vigny e Botten-Hansen, Ibsen fundou o jornal semanal Andhrimner em 1851, que existiu por vários meses. Aqui Ibsen colocou vários poemas e uma obra satírica dramática em 3 atos "Norma" anos e em 1857 ele voltou para Christiania, também como diretor do teatro. Aqui ele permaneceu até 1863. Ibsen se casou. em 1858 e foi muito feliz em sua vida de casado. Em 1864, depois de muitos problemas, Ibsen recebeu uma pensão de escritor do Storting e a usou para viajar para o sul. Primeiro estabeleceu-se em Roma, onde viveu em total reclusão, depois mudou-se para Trieste, depois para Dresden e Munique, de onde viajou para Berlim, estando também presente na abertura do Canal de Suez. Os mais conhecidos são os dramas românticos baseados nas tramas das sagas e peças históricas escandinavas, os poemas dramáticos filosóficos e simbólicos Brand (1866) e Peer Gynt (1867), os dramas social-realistas de crítica aguda A Doll's House (Nora, 1879), Ghosts "(1881)," Inimigo do povo "(1882).

PERSONAGEM PRINCIPAL Peer Gynt - uma imagem emprestada por Ibsen de um conto popular sobre um artista habilidoso e desonesto Peer Gynt. Mas apenas o personagem principal e algumas colisões na trama são retirados do folclore. No drama, Gynt incorpora todas as características de um norueguês moderno para o autor, ou seja, uma pessoa típica da sociedade burguesa. Per é privado de qualquer plenitude, qualquer estabilidade na vida. Um cara corajoso e ousado que ama sua mãe, que é capaz de desafiar os ricos, de repente se transforma em um oportunista que troca deliberadamente os lemas "seja você mesmo" e "seja feliz consigo mesmo". Com a mesma facilidade, ele muda de aparência: com trolls ele está pronto para ser um troll, com proprietários de escravos americanos - um proprietário de escravos, com macacos - um macaco, etc. Per frequentemente demonstra sua fraqueza interior e covardia. Seu nada aparece em um disfarce grandioso. Seu vazio e vazio criam uma filosofia especial "Gyntian". Uma pessoa pequena é dada em uma imagem simbólica de grande escala. Per luta pelo sucesso, sonha com fama, poder, quer ser rei. Toda a peça de Ibsen é dedicada a expor esse programa. Peer Gynt é um egoísta implacável, preocupado apenas com sua própria pessoa. As sementes do mal semeadas em sua alma pelos "trolls" dão frutos: Per teimosamente segue em frente e não foge de nenhum meio para atingir seu objetivo. No entanto, o egoísmo do protagonista recebe uma certa "justificação filosófica". Gynt comete seus crimes para manifestar mais plenamente sua individualidade, sua própria, Gyntian "eu". Em uma cena que retrata o manicômio no Cairo, a filosofia do "eu" de Gynt é impiedosamente ridicularizada. O herói de Ibsen revela-se menos valente que seu fabuloso protótipo. Assim, pelo menos no episódio da Grande Curva, o fabuloso Gynt acaba por ser o vencedor, enquanto na peça só se salva graças à intercessão da mãe e da namorada Solveig, que o ama. Na imagem de Solveig, que há muitos anos espera por seu amado, a autora cria um mundo especial de sentimentos elevados, uma espécie de área sagrada reservada na qual o herói do drama será salvo. Só às vezes uma pessoa acorda em Gynt - em uma reunião com Solveig, na hora da morte de sua mãe. Mas toda vez que ele não tem determinação para fazer a escolha certa. No quarto ato da peça, Per torna-se um grande especulador, tendo se enriquecido com a ajuda dos meios mais descarados de avareza capitalista. Ele faz fortuna negociando escravos, vendendo ídolos para os chineses e vendendo a Bíblia e pão para missionários com a intenção de converter os chineses ao cristianismo. Per tem quatro companheiros, entre os quais se destaca Mr. Cotton, que personifica o utilitarismo e a praticidade ingleses. O mundo inteiro para ele é apenas um objeto de especulação, para extrair lucros. A imagem de von Eberkopf também é inequívoca. Eberkopf é o portador do espírito da agressão prussiana. Apesar de Eberkopf ostentar uma terminologia filosófica abstrata, ele está sempre pronto para qualquer ação violenta em seu próprio benefício. É Eberkopf quem decide roubar o adormecido Gynt e, tendo subornado sua equipe, apreende seu iate. Tais são os companheiros de Gynt, mas ele dificilmente merece um ambiente melhor. Ibsen, falando sobre a degradação moral do protagonista, compara-o a uma cebola selvagem vazia: “Não há um pedaço dentro. O que resta? Uma concha. E, no entanto, o autor não nega a Gynt a possibilidade de purificação moral. Solveig mansamente e pacientemente espera por seu amante. Ela é a salvação para Per A imagem de Solveig se funde na peça com a imagem da pátria de Gynt O pau dos CAMPONESES sabe o que dizer sobre eles. Encontrado A imagem da multidão camponesa, que Peer Gynt encontra em um casamento em Hägstad, é a que menos se assemelha à representação da vida camponesa moderna, não apenas na dramaturgia romântica norueguesa inicial de Bjeregaard ou Riis, mas também no romance camponês de Bjornson.

Os meninos camponeses são invejosos e zangados. Seu líder, o ferreiro Aslak, é rude e valentão. As meninas são desprovidas de piedade e compaixão. Tanto os jovens como os velhos não hesitam em rir de uma pessoa solitária e infeliz que não é como as outras. Os caras embebedam Per para zombar dele. Em toda parte domina o desejo de dinheiro, de riqueza, dos prazeres materiais mais grosseiros. Ingrid é casada com um vagabundo degenerado porque seus pais são camponeses ricos. Igualmente desinteressante é a aparição da multidão no quinto ato, na cena do leilão. Pobreza e miséria, falta de honra e pelo menos alguma compreensão dos aspectos superiores da vida - é isso que caracteriza os velhos Mas Mon e Aslak, rapazes e curiosos que se aglomeram no leilão. A avaliação desdenhosa que Peer Gynt dá a essa multidão em sua parábola do diabo e do porco é inteiramente justificada.

Ibsen é igualmente impiedoso com os motivos folclóricos e as imagens ricamente representadas na peça. Ele os usa de duas maneiras para comprometer a ideologia romântica.

TROLLS autor leva Per aos Trolls - criaturas fantásticas e feias hostis às pessoas - e o vê internamente pronto para aceitar por toda a vida sua fórmula - "seja satisfeito consigo mesmo", que é o oposto do lema de vida de Brand - "seja você mesmo". O lema do povo é um incentivo ao aperfeiçoamento do indivíduo. A fórmula dos trolls é uma desculpa para a estagnação, a complacência filisteu, a submissão estúpida às circunstâncias, a morte do indivíduo.

Laura Cole / Monumento a Henrik Ibsen no Teatro Nacional da Noruega em Oslo

Henrik Ibsen é a primeira associação que surge quando se fala da literatura da Noruega. Na verdade, a obra do grande dramaturgo norueguês há muito se tornou propriedade não apenas da cultura norueguesa, mas também mundial.

A vida e a obra de Ibsen estão repletas das mais espantosas contradições. Assim, sendo um apologista apaixonado pela libertação nacional e pelo renascimento da cultura nacional da Noruega, ele passou 27 anos em exílio auto-imposto na Itália e na Alemanha.

Estudando com entusiasmo o folclore nacional, ele consistentemente destrói o halo romântico das sagas folclóricas em suas peças. A estrutura do enredo de suas peças é construída de forma tão rígida que às vezes beira a tendenciosidade, mas não são de forma alguma esboçadas, mas personagens vivas e multifacetadas.

O latente relativismo moral de Ibsen, aliado à lógica "de ferro" e até tendenciosa do desenvolvimento da trama, permite interpretar suas peças de forma extremamente diversa. Assim, Ibsen é reconhecido como um dramaturgo de direção realista, mas os simbolistas o consideram um dos fundadores mais importantes de seu movimento estético.

Ao mesmo tempo, ele às vezes era chamado de "Freud na dramaturgia". O gigantesco poder do talento permitiu-lhe combinar organicamente na sua obra os mais diversos, mesmo polares, temas, ideias, problemas, meios de expressão artística.

Nasceu em 20 de março de 1828 na pequena cidade norueguesa de Skien em uma família rica, mas em 1837 seu pai faliu e a situação da família mudou. Uma transição acentuada para as classes sociais mais baixas tornou-se um grave trauma psicológico para o menino, e isso de alguma forma se refletiu em seu trabalho futuro.

A partir dos 15 anos foi forçado a começar a ganhar a vida - em 1843 partiu para a pequena cidade de Grimstad, onde conseguiu um emprego como aprendiz de farmacêutico. A vida praticamente miserável de um pária social forçou Ibsen a buscar a autorrealização em uma área diferente: ele escreve poesia, epigramas satíricos sobre o respeitável burguês de Grimstad e desenha caricaturas.

Isso está dando frutos: em 1847 ele está se tornando muito popular entre os jovens radicais da cidade. Ele ficou muito impressionado com os eventos revolucionários de 1848, que envolveram uma parte significativa da Europa Ocidental.

Ibsen complementa sua obra poética com letras políticas e também escreve a primeira peça Catilina (1849), imbuída de motivos tirânicos. A peça não teve sucesso, mas fortaleceu sua decisão de se dedicar à literatura, arte e política.

Em 1850 partiu para Christiania (desde 1924 - Oslo). Seu objetivo é entrar na universidade, mas o jovem é capturado pela vida política da capital. Dá aulas na catequese da associação dos trabalhadores, participa em manifestações de protesto, colabora com a imprensa - o jornal dos trabalhadores, o jornal da sociedade estudantil, participa na criação de uma nova revista sócio-literária "Andhrimner".

E ele continua a escrever peças: Bogatyrsky Kurgan (1850, começou em Grimstad), Norma, ou Amor à Política (1851), Noite de Verão (1852). No mesmo período, conheceu o dramaturgo, teatro e figura pública Bjornstjerne Bjornson, com quem encontrou uma linguagem comum com base no renascimento da identidade nacional da Noruega.

Essa tempestuosa atividade do dramaturgo em 1852 levou ao seu convite para o cargo de diretor artístico do recém-criado primeiro Teatro Nacional Norueguês em Bergen. Ele permaneceu neste cargo até 1857 (foi substituído por B. Bjornson).

Essa virada na vida de Ibsen pode ser considerada um extraordinário golpe de sorte. E não é só que todas as peças que ele escreveu durante o período de Bergen foram imediatamente encenadas no palco; o estudo prático do teatro "por dentro" ajuda a revelar muitos segredos profissionais, o que significa que contribui para o crescimento da habilidade do dramaturgo. Nesse período, foram escritas as peças Fru Inger of Estrot (1854), Feast at Sulhaug (1855), Olaf Liljekrans (1856).

Na primeira delas, ele primeiro mudou para a prosa em sua dramaturgia; as duas últimas são escritas no estilo das baladas folclóricas norueguesas (as chamadas "canções heróicas"). Essas peças, novamente, não tiveram muito sucesso no palco, mas desempenharam um papel necessário no desenvolvimento profissional de Ibsen.

Em 1857-1862 ele chefiou o Teatro Norueguês em Christiania. Paralelamente à gestão do teatro e do trabalho dramático, ele continua atividades sociais ativas, destinadas principalmente a combater o teatro cristão de trabalho da direção pró-dinamarquesa (a trupe deste teatro era composta por atores dinamarqueses e as apresentações eram em dinamarquês) .

Essa luta obstinada foi coroada de sucesso depois que Ibsen deixou o teatro: em 1863 as trupes de ambos os teatros se uniram, as apresentações passaram a ser feitas apenas em norueguês e o programa desenvolvido com sua participação ativa tornou-se a plataforma estética do teatro unido. Ao mesmo tempo, escreveu as peças The Warriors in Helgeland (1857), The Comedy of Love (1862), The Struggle for the Throne (1863); bem como o poema On the Heights (1859), que se tornou o precursor do primeiro sucesso dramático verdadeiramente baseado em princípios - a peça Brand (1865).

As diversas atividades de Ibsen no período norueguês foram mais provavelmente devidas a um complexo dos mais complexos problemas psicológicos do que a uma posição pública de princípios. O principal era o problema da prosperidade material (especialmente porque ele se casou em 1858 e um filho nasceu em 1859) e uma posição social digna - os complexos de seus filhos, sem dúvida, desempenharam seu papel aqui.

Este problema está naturalmente ligado às questões fundamentais da vocação e da auto-realização. Não sem razão, em quase todas as suas peças posteriores, de uma forma ou de outra, é considerado o conflito entre a posição de vida do herói e a vida real. E outro fator importante: as melhores peças de Ibsen, que lhe trouxeram a merecida fama mundial, foram escritas fora de sua terra natal.

Em 1864, tendo recebido uma bolsa de redação do Storting, que buscou por quase um ano e meio, Ibsen e sua família partiram para a Itália. Os fundos recebidos foram extremamente insuficientes e ele teve que pedir ajuda a amigos. Em Roma, durante dois anos, escreveu duas peças que absorveram toda a vida anterior e experiência literária - Brand (1865) e Peer Gynt (1866).

Nos estudos teatrais e no ibsenismo, costuma-se considerar essas peças de maneira complexa, como duas interpretações alternativas do mesmo problema - a autodeterminação e a realização da individualidade humana.

Os personagens principais são polares: o inflexível maximalista Brand, que está pronto para sacrificar a si mesmo e a seus entes queridos para cumprir sua própria missão, e o amorfo Peer Gynt, que se adapta prontamente a qualquer condição. A comparação dessas duas peças dá uma imagem clara do relativismo moral do autor. Separadamente, eles foram considerados pela crítica e pelo público como muito contraditórios.

A situação com Peer Gynt é ainda mais paradoxal. É nessa peça que Ibsen demonstra sua ruptura com o romantismo nacional, na qual os personagens do folclore são representados como criaturas feias e perversas, os camponeses como pessoas cruéis e rudes.

A princípio, na Noruega e na Dinamarca, a peça foi percebida de forma muito negativa, quase como uma blasfêmia. GH Andersen, por exemplo, chamou Peer Gynt de a pior obra que ele já havia lido. Porém, com o tempo, o toque romântico voltou a esta peça - claro, principalmente graças à imagem de Solveig.

Isso foi amplamente facilitado pela música de Edvard Grieg, escrita a pedido de Ibsen para a produção de Peer Gynt, e mais tarde ganhou fama mundial como peça musical independente. Paradoxalmente, mas verdadeiro: Peer Gynt, que na interpretação do autor protesta contra as tendências românticas, ainda permanece a personificação do romance folclórico norueguês na consciência cultural.

Brand e Peer Gynt tornaram-se para Ibsen peças de transição que o levaram ao realismo e às questões sociais (é neste aspecto que todo o seu trabalho posterior é considerado principalmente). Estes são Pillars of Society (1877), A Doll's House (1879), Ghosts (1881), Enemy of the People (1882), Wild Duck (1884), Rosmersholm (1886), Woman from the Sea (1888), Hedda Gabler (1890), Solness the Builder (1892), Little Eyolf (1894), Joon Gabriel Borkman (1896).

Aqui o dramaturgo levantou questões atuais da realidade contemporânea: hipocrisia e emancipação feminina, rebelião contra a moralidade burguesa usual, mentiras, compromisso social e lealdade aos ideais. Simbolistas e filósofos (A. Blok, N. Berdyaev, etc.) muito mais, junto com Brand e Peer Gynt, apreciaram outras peças de Ibsen: a dilogia César e Galileu (A Apostasia de César e o Imperador Juliano; 1873), Quando nós, os mortos despertamos (1899).

Uma análise imparcial permite compreender que em todas essas obras a individualidade de Ibsen permanece a mesma. Suas peças não são efêmeras sociais tendenciosas, nem construções simbólicas abstratas; eles contêm totalmente realidades sociais, simbolismo extremamente carregado semanticamente e complexidade psicológica caprichosa e surpreendentemente multifacetada dos personagens.

A distinção formal entre a dramaturgia de Ibsen em obras "sociais" e "simbólicas" é antes uma questão de interpretação subjetiva, uma interpretação tendenciosa do leitor, crítico ou diretor.

Em 1891 ele voltou para a Noruega. Em uma terra estrangeira, ele conquistou tudo o que aspirou: fama mundial, reconhecimento, bem-estar material. A essa altura, suas peças eram amplamente representadas nos palcos dos teatros de todo o mundo, o número de estudos e artigos críticos dedicados à sua obra não podia ser contado e só podia ser comparado com o número de publicações sobre Shakespeare.

Parece que tudo isso poderia curar o grave trauma psicológico que ele sofreu na infância. No entanto, a última peça, When We, the Dead, Awaken, é repleta de uma tragédia tão pungente que é difícil acreditar nela.

Henrik Ibsenum dos dramaturgos mais interessantes do século XIX.Seu drama está sempre em sintonia com o presente.O amor por Ibsen na Noruega é, se não um sentimento inato, provavelmente surgindo na primeira infância.

Henrik Johan Ibsen nasceu em 20 de março de 1828 na pequena cidade norueguesa de Skien, na família de um empresário. Depois de deixar a escola, Henryk entrou na farmácia da cidade de Grimstadt como aprendiz, onde trabalhou por cinco anos. Em seguida, mudou-se para Christiania (Oslo), onde começou a estudar medicina. Nas horas vagas lia, desenhava e escrevia poesia.

Ibsen tornou-se dramaturgo por acaso, quando foi oferecido para trabalhar como "escritor de peças" para o teatro norueguês na cidade de Bergen. EMEm 1856, a primeira peça de Ibsen foi encenada com sucesso no teatro. No mesmo ano ele conheceu Susanna Thoresen. Dois anos depois eles se casaram, o casamento foi feliz. Em 1864, Ibsen recebeu uma pensão de escritor. Em 1852-1857 dirigiu o primeiro teatro norueguês nacional em Bergen, e em 1857-1862 dirigiu o teatro norueguês em Christiania. Depois Austro-Prussiano-Dinamarquêsª guerra, Ibsen e sua família foram para o exterior - ele morava em Roma, Dresden, Munique. Suas primeiras peças mundialmente famosas foram os dramas poéticos "Brand" e "Peer Gynt".
Ibsenele tinha 63 anos quando voltou para sua terra natal, ele já era mundialmente famoso. 23 de maio de 1906 Ibsenmorreude um derrame.

primeiro trabalhoIbsen- um aplicativo para a pronúncia da Palavra - a peça "Catilina". Este personagem da história romana,na opinião geralmente aceita, aparecendo como um símbolo da pior depravação, na imagem de Ibsen ele não é um canalha, mas, ao contrário, um nobre e trágico herói. Esta primeira peça abriu o caminho para Ibsen, o caminho do individualista, do rebelde e do transgressor das regras. Ao contrário de Nietzsche, a rebelião de Ibsen foinão à exaltação do instinto, mas ao salto para o espírito, para a transgressão.Uma diferença importante entre a posição de Ibsen e Nietzsche em relação às mulheres. Os infames “você vai para uma mulher - pegue um chicote” e “um homem para a guerra, uma mulher para um homem” são citados até mesmo por aqueles que estão longe da filosofia. Ibsen, ao contrário, professa uma espécie de culto à mulher, acredita que a mulher se livrará dos grilhões da inconsciência diante do homem e que seu caminho não é menos individual.

Isso se refletiu de maneira especialmente vívida em suas obras - "Mulher do Mar" e "Casa de Bonecas". Na primeira, um casal de cônjuges bem-sucedidos se depara com o fato de que está chegando o amante de longa data da esposa, "do mar", que quer levá-la embora. Este amante é um típico "homem de instinto", um "bárbaro", exatamente o oposto de seu marido intelectual. A dinâmica usual de tais tramas, via de regra, é irracionalmente trágica e, como resultado, a mulher está condenada a morrer ou partir com um valente conquistador. Seus lances, que são percebidos como o horror da inevitabilidade, de repente se tornam uma busca por sua individualidade não revelada: assim que o marido está pronto para aceitar sua escolha e dar-lhe total liberdade, descobre-se que o "homem do mar", ou seja, o animus não integrado, não passa de um mito, e ela fica com o marido. A trama, com uma descrição tão superficial, pode parecer banal, mas sua surpresa e rebeldia reside no fato de que é a individualidade da esposa que deve ser libertada que é enfatizada de todas as formas possíveis, e sua oportunidade de ficar com o marido. aparece apenas depois que ele conscientemente a deixa ir. A chave da peça é que ele encontra forças em si mesmo para superar o "complexo patriarcal", ou seja, seus direitos sociais e biológicos de dono, que brotaram como veneno do aeon osiriano.

"" (1879) é uma das peças mais populares e interessantes de Ibsen. Nele, pela primeira vez, uma mulher na literatura mundial diz que, além dos deveres de mãe e esposa, “existem outros deveres igualmente sagrados” - “deveres para consigo mesma”. A personagem principal Nora afirmou: “Não posso mais me contentar com o que a maioria diz e com o que dizem os livros. Eu preciso pensar sobre essas coisas sozinho. Ela quer reconsiderar tudo - tanto a religião quanto a moralidade. Na verdade, Nora afirma o direito de um indivíduo de criar suas próprias regras morais e ideias sobre a vida, diferentes das geralmente aceitas e tradicionais. Ou seja, Ibsen afirma a relatividade das normas morais.Ibsen é na verdade o primeiro a apresentar a ideia de uma mulher livre e individualizada. Antes dele não havia nada assim, e a mulher estava fortemente inscrita no contexto patriarcal de total subordinação biológica e praticamente não se rebelava contra isso.

A peça "Fantasmas" é, na verdade, um drama familiar. É sobre o fato de que os erros dos pais, como no espelho, se refletem no comportamento das crianças e, claro, sobre os fantasmas. Mas não aqueles que moram no telhado, mas completamente diferentes. Em Ibsen, são pessoas vivas que não estão realmente tentando viver, mas simplesmente existem nas circunstâncias propostas.

A personagem principal é a dona Alving, dona de uma casa grande, que há muito é apaixonada pelo pastor local, mas guarda sagradamente a memória do marido, o capitão. E com a mesma seriedade protege do grande sentimento do filho do artista, que se deixa levar seriamente por uma linda empregada. O poder do amor materno o transformará no mesmo que ela, um fantasma vivo.

« Peer Gynt"uma das principais peças de Ibsenque se tornouclássicograças a Grieg.

Mark Zakharov:"Peer Gynt é uma notícia dramática na virada dos séculos 19 e 20, que afirmou os fundamentos do existencialismo. Simplificando um pouco o problema, digamos que Peer Gynt não interage com personagens individuais - ele interage com o Universo. O mundo inteiro ao seu redor é o principal parceiro de Peer Gynt.O mundo, em constante mudança, ataca sua consciência de diferentes maneiras, e neste alegre redemoinho ele procura apenas um, o único que lhe pertence.
Estou interessado em Peer Gynt, talvez porque ultrapassei o “ponto sem volta” e realmente senti que a vida não é infinita, como me parecia na infância e mesmo depois de me formar no Instituto de Teatro. Agora você pode olhar para a sua própria vida como um tabuleiro de xadrez e entender em que quadras meu caminho passou, o que eu dei e onde entrei, às vezes me arrependendo do que aconteceu depois. O principal é começar corretamente e, o mais importante, entender onde está, seu começo. Como adivinhar o seu único caminho possível pelos labirintos das circunstâncias da vida e das suas próprias crenças, se as tiver ... E se não? Encontrar! Forma! Revele das entranhas do subconsciente, pegue na adimensionalidade cósmica. . . Mas às vezes o que já foi encontrado escapa das mãos, sai da alma, virando uma miragem, e então uma nova busca dolorosa o aguarda no caos de acontecimentos, esperanças, memórias fumegantes e orações tardias.
Nosso herói às vezes era descrito como portador da ideia de compromisso. Isso é muito plano e indigno do herói excêntrico único, ao mesmo tempo comum e até reconhecível criado por G. Ibsen. Em Peer Gynt não há apenas absurdo, e ele está vivo não apenas com ecos folclóricos, há coragem e audácia, há grosseria e humildade gentil. G. Ibsen apresentou ao mundo a imagem de um homem sobre quem, como herói de Chekhov, é muito difícil dizer quem ele é.
Comecei minha trajetória na direção quando a “pessoa simples” era muito valorizada e elogiada. Parece que agora quase todos nós, junto com Dostoiévski, Platonov, Bulgakov e outros videntes, percebemos a verdade ou nos aproximamos dela - há pessoas muito difíceis ao nosso redor, mesmo que finjam ser engrenagens, unicelulares criaturas ou monstros.
Então eu queria falar sobre Peer Gynt e algumas outras pessoas, sem as quais sua vida única não poderia ter ocorrido. Apenas conte do seu jeito, não muito a sério, da melhor maneira que pudermos. E, pensando nas coisas mais sérias, evitar pretensões de profundidade obrigatória... A ideia é perigosa. Compor uma peça hoje é um negócio arriscado." MARK ZAKHAROV
Em 1874, o principal dramaturgo norueguês Henrik Ibsen teve a ideia de encenar uma nova peça. Ele convidou o jovem, mas já conhecido, compositor Edvard Grieg para trabalharem juntos em uma nova produção. A música para a performance foi escrita em seis meses. Esta peça de música consiste em 27 partes. Esta produção é chamada de Peer Gynt.

Na estréia em 1886, o drama de Ibsen e a música de Grieg tiveram o mesmo sucesso. Este foi o segundo nascimento da peça de Ibsen. Então a música se tornou mais popular e sua vida de concerto separada começou.

Peer Gynt é uma peça sobre um jovem. Per deixou a casa e a namorada e foi em busca da felicidade. Ele conheceu muitas coisas ao longo do caminho. Ele vagou pelo mundo, encontrando trolls malignos e mulheres frívolas, estranhos corcundas e ladrões, feiticeiros árabes e muito mais. Um dia, Gynt entra na caverna do rei da montanha.O autor em uma única imagem mostrou dois elementos: o próprio rei da montanha e suas forças do mal. Entre eles estava a princesa, que com sua dança tenta atrair a atenção de Per.

Peer Gynt, o herói do nosso tempo

Peer Gynt é uma figura odiosa. Um motivo para as pessoas se divertirem e fofocarem. Todos o consideram um preguiçoso, mentiroso e falador. É assim que ele é percebido até mesmo por sua mãe, que foi sua primeira musa inspiradora (a partir de seus contos de fadas, com os quais ela o superalimentava na infância, a imaginação de Per ganhava liberdade e andava constantemente para cima e para baixo):
Peer Gynt dificilmente distingue a realidade dos sonhos, a realidade para ele está pronta para se transformar em ficção a qualquer momento e a ficção para se tornar verdade.

Na aldeia, Pera é odiada, ridicularizada e temida (porque eles não entendem). Alguns o consideram um feiticeiro, embora falem dele com escárnio.
Ninguém acredita nele. E ele continua a se gabar e contar histórias sobre si mesmo que há muito são conhecidas por todos.
Na verdade, todos esses contos de Gynt são apenas uma apresentação gratuita de lendas antigas. Mas nesta "mentira" se manifesta a capacidade de reencarnação do poeta. Como o cavalheiro Gluck de Hoffmann (ou um louco ou um artista que se acostuma com a imagem), Gynt recria lendas. Ele não é apenas um espectador, ouvinte ou performer, mas um recriador, dando nova vida a imagens e mitos aparentemente mortos. “Toda a história da Terra é um sonho para mim”, Peer Gynt poderia ter exclamado.
Assim, em Peer Gynt, o problema tradicional (a incompreensão pela sociedade de um artista que cria uma nova realidade e forma novas formas culturais) se transforma em um manifesto para todos os homens de arte que vão em sua busca até o fim, independentemente de quaisquer fronteiras, convenções e estabelecimentos.
É por isso que este texto foi tão amado, por exemplo, pelos simbolistas. Afinal, como disse Khodasevich em seu artigo programático, o simbolismo era “uma série de tentativas, às vezes verdadeiramente heróicas, de encontrar uma fusão de vida e criatividade, uma espécie de pedra filosófica da arte. O simbolismo buscava obstinadamente em seu seio um gênio que fosse capaz de fundir vida e criatividade.
E, em particular, é por isso que Peer Gynt de Ibsen ainda é relevante hoje.

Medo de ser criativo

Por outro lado, é seu narcisismo e preguiça que fazem de Peer Gynt um tipo universal e atemporal. Ibsen atribui o narcisismo à natureza não de uma pessoa, mas de um troll. Mas o troll é um símbolo. A personificação concentrada de tudo o que é inferior em uma pessoa - vaidade, egoísmo, luxúria e outros vícios.
Per, de 20 anos, perambula pelos arredores de sua aldeia, brigando, bebendo, seduzindo garotas, contando histórias de suas aventuras. E assim que o narcisismo se apodera dele, ele conhece os trolls: a Mulher de Verde e o Ancião Dovre. Com eles, ele aprende a diferença entre um troll e um humano. E ele prefere permanecer um homem - um pária entre as pessoas, e não um rei entre os trolls.
Toda essa cena com os trolls (e o resto das cenas em que participam personagens fabulosos e míticos) ocorre na imaginação do herói, e não no mundo exterior. E se você notar indicações bastante claras disso no texto, então Peer Gynt pode ser lido como uma obra totalmente realista na qual os trolls, como outros personagens míticos, representam apenas várias funções do mundo interior de Gynt.

O problema é que nunca ocorre a Per Gynt escrever seus devaneios. Isso permite que os críticos literários falem dele como um herói, no qual Ibsen expressou, dizem eles, toda a inconsistência de uma pessoa do século 19 - uma pessoa que se esqueceu de seu destino. Talento enterrado no chão.
Peru parece ser muito preguiçoso para escrever seus sonhos. Embora seja mais provável que não seja preguiça, mas "medo de uma lousa limpa".
Quando Peer Gynt vê como alguém corta o dedo para não entrar no exército (isto é, na verdade, por covardia), ele sai desse ato com genuína admiração (grifo de Ibsen):
Você pode pensar, você pode desejar
Mas fazer? Uma coisa incompreensível...
Este é todo o Peer Gynt - ele fantasia, quer fazer alguma coisa, mas não ousa (ou tem medo) ...
Porém, voltando ao citado artigo de Khodasevich e dos Simbolistas, pode-se olhar para Gynt como um poeta que não escreve, mas apenas vive sua poesia. Sobre o artista que cria um poema não em sua arte, mas na vida. Tudo pela mesma razão pela qual os poetas da Idade da Prata reverenciavam Ibsen como um de seus gurus.
Mas é suficiente para um artista criar sua própria vida sem criar outras obras? A resposta a esta pergunta é precisamente dada por Peer Gynt.

Mitologia de Gynt

Solveig renunciou a todos para ficar com Peer Gynt. Per vai construir o palácio real, feliz e orgulhoso da aparência de Solveig. Mas de repente ele se depara com uma idosa em farrapos verdes (ela está sonhando com ele, aparentemente porque ele está muito orgulhoso de sua "vitória" sobre Solveig, pois os trolls aparecem justamente naqueles momentos em que Per é dominado pela vaidade). A velha exige que ele expulse Solveig, apresenta-lhe um filho esquisito como direito à casa dele, mas ele responde a ela: “Fora, bruxa!”. Ela desaparece, e então Peer Gynt começa a refletir:

"Desviar!" - o torto me disse. E, ela-ela
Isso mesmo. Meu prédio desabou.
Entre mim e aquele que parecia meu
De agora em diante, a parede. Não há motivos para se empolgar!
Desviar! você não tem mais jeito
Que você poderia ir direto para ela.
Diretamente para ela? Também haveria uma maneira.
Mas o que? Perdi a Sagrada Escritura.
Esqueci como o arrependimento é interpretado lá.
Onde posso obter edificação na floresta?
Remorso? Os anos vão passar,
Desde que você seja salvo. A vida ficará feia.
Quebre o mundo em pedaços, imensamente querido para mim,
E juntar mundos a partir de fragmentos novamente?
Você dificilmente pode colar um sino rachado,
E o que floresce, você não ousa pisar!
Claro que o diabo é apenas uma visão
Ela desapareceu de vista para sempre.
No entanto, ignorando a visão comum,
Um pensamento impuro entrou em minha alma.

É assim que Per se dirige a si mesmo antes de deixar Solveig até a velhice.
Para usar a terminologia do filósofo dinamarquês Kierkegaard (próximo em espírito de Ibsen), Per está tentando neste momento passar do estágio estético da existência para o ético, para assumir a responsabilidade. E esta é a garantia de sua salvação futura. Afinal, jogando Solveig, ele faz a única grande coisa de que é capaz - para sempre "manter-se no coração dela". Então ele já pode viver como quiser (o que, de fato, ele faz). A ação de sua vida está completa. Finalidade cumprida. O poema foi escrito.
Solveig é a musa de Peer Gynt, uma mulher que "vive enquanto espera", lembrando-se dele como jovem e bonito. Grande Mãe, Alma do mundo, Eterna feminilidade (tanto em Goethe como no sentido simbolista deste mitologema). Ela manteve a imagem de Peer Gynt em seu coração e, no final, salvou Peer.
Gynt está sempre sob o patrocínio (sob disfarce) da Eterna Feminilidade. No final da batalha com os trolls, ele grita: "Salve-me mãe!" E depois disso, a conversa com Crooked, em uma voz borrada e sem forma da escuridão, termina com as palavras do mal respirando Crooked: “As mulheres o seguram; Lidar com ele é difícil."
A curva é apenas um símbolo de “preguiça”, “medo”, “inatividade” de Per (“A grande curva vence sem luta”, “A grande curva espera vitórias da paz”). Por um lado, é uma função da psique e, por outro, é o deus norueguês do subsolo (o deus das profundezas subterrâneas, personificado mais claramente no herói das Notas do Subterrâneo de Dostoiévski, na mitologia eslava , este é Ovinnik).

A mitologia borbulhava em Ibsen. Talvez ele pensasse estar escrevendo sobre o declínio em que se encontrava a Noruega contemporânea, sobre os noruegueses menores (é assim que Peer Gynt e outros textos de Ibsen são frequentemente interpretados). Mas ele conseguiu um manifesto para superar o cristianismo e voltar ao paganismo. (O simbolismo é um caso especial de tal superação.)

Se olharmos para as obras de Ibsen como um reflexo de seu tempo, então apenas no sentido em que Carl Gustav Jung falou sobre obras do tipo visionário em sua obra "Psicologia e Criatividade Poética". Aqueles em que (muitas vezes contornando a vontade do autor) expressavam o espírito da época. No momento de escrever uma obra visionária, o autor torna-se uma espécie de porta-voz do inconsciente coletivo, passando por si informações vindas das profundezas mais reservadas da experiência humana.
“Por isso, é bastante compreensível quando o poeta recorre novamente a figuras mitológicas para encontrar uma expressão correspondente à sua experiência. Imaginar que ele está simplesmente trabalhando com esse material que herdou seria distorcer tudo; na verdade, ele cria com base na primeira experiência, cuja natureza sombria precisa de imagens mitológicas e, portanto, busca-as avidamente como algo relacionado para se expressar por meio delas ”, escreve Jung.
Sem dúvida, as obras de Ibsen (especialmente Peer Gynt) pertencem a esse tipo visionário.
Cristianismo, Paganismo e Nietzscheanismo

A partir do quarto ato, tudo em Peer Gynt se passa em um nível diferente - não há monstros míticos e vozes da escuridão. Peer Gynt (agora um rico comerciante de escravos) que amadureceu e aparentemente se estabeleceu ensina:

De onde vem a coragem?
Em nosso caminho de vida?
Sem vacilar, você deve ir
Entre as tentações do bem e do mal,
Na luta, leve em conta que os dias de luta
Sua idade não está completa,
E o caminho certo de volta
Economize para um resgate tardio
Aqui está a minha teoria!

Ele informa a seus companheiros de bebida que deseja se tornar o rei do mundo:

Se eu não me tornasse eu mesmo, - o senhor
Um cadáver sem rosto se tornará o mundo.
Algo assim era a aliança -
E não acho melhor!

E à pergunta “O que significa “tornar-se você mesmo?” responde: ser diferente de todos, assim como o diabo é diferente de Deus.
A questão do que significa “ser você mesmo” atormenta Peer Gynt, o assombra. Esta é a questão principal da peça. E no final, uma resposta simples e exaustiva é dada a ela. Uma indicação da única oportunidade para uma pessoa “ser ela mesma” ... (E a ​​única oportunidade para um artista conectar verdadeiramente a poesia com a vida.)

Na crítica literária, Peer Gynt é frequentemente contrastado com outro herói ibseniano, o padre Brand (do drama de mesmo nome). E dizem que foi Brand quem sempre permaneceu “ele mesmo”.
Se Gynt para a tradição literária é uma pessoa típica "nem peixe nem ave", algum tipo de egoísta raro que se esquivou de seu destino por toda a vida, como resultado de sua personalidade (e sua vida) desmoronou, então Brand é geralmente interpretado como um amado o herói de Ibsen, eles veem nele uma espécie de ideal de pessoa - inteira e completa.
E, de fato, ele não é atormentado pela busca de seu próprio Eu. Mas se você olhar de perto, descobrirá que Brand nem mesmo é uma pessoa. Ele é uma espécie de função sem alma sobre-humana. Ele empurra para a queda todos os fracos que o cercam, ele está pronto para sacrificar sua vida e a vida dos outros, porque ... porque ele se considera (assim ele decidiu!) o escolhido de Deus. Esses sacrifícios brandianos não são mais nem os sacrifícios de Abraão, nem a "fé pelo poder do absurdo" de que falava Kierkegaard, mas a decisão racional de um homem orgulhoso e obstinado. arbitrariedade Crowleyana. Orgulho nietzschiano.
Portanto, é lógico que Brand pereça, ao contrário de Peer Gynt, que é completamente cristão, embora em uma comitiva pagã, salvo.
Essa salvação ocorre já no quinto ato, que novamente se mostra repleto de visões simbólicas. Quando Peer Gynt foge para a floresta (nas profundezas do inconsciente), ele se funde tanto com a natureza que o elemento, personificado pela imaginação do poeta, começa a lhe contar seus próprios pensamentos sobre si mesmo:

Nós somos canções, você é nós
Não cantei no topo dos meus pulmões
Mas mil vezes
Nos silenciou teimosamente.
Na alma do seu direito
Estamos esperando pela liberdade.
Você não nos deixou ir.
Você tem veneno.

Parábola bíblica dos talentos. Um escravo que enterra seu talento no chão e não aumenta a riqueza de seu mestre cai em desgraça. O fabricante de botões (personagem mitológico cuja função é levar a alma de Peer Gynt, que não é digna nem do inferno nem do céu) para derreter, diz:

Ser você mesmo significa ser
O fato de que o dono revelou em você.

Per de todas as maneiras possíveis se contorce, desculpa-se, esquiva-se. Mas a acusação (auto-acusação) parece bastante impressionante: é um homem que não cumpriu o seu destino, enterrou um talento na terra, que nem soube pecar direito. Tudo o que ele criou é um troll feio que gerou sua própria espécie. Colapso ou inferno - a punição parece inevitável de qualquer maneira...

Per quer que Solveig o condene, pois acredita que a culpa é dela. Mas diante de Solveig, o condenado encontra a Virgem Vestal. Solveig nomeia Peru o lugar onde ele sempre permaneceu:
Na fé, na minha esperança e no amor!
Fim. O resgate. O fabricante de botões está esperando atrás da cabana...

“Falei acima sobre a tentativa de fundir a vida e trabalhar juntos como sobre a verdade do simbolismo”, escreve Khodasevich. - Esta verdade permanecerá com ele, embora não pertença apenas a ele. Esta é a verdade eterna, apenas experimentada de forma mais profunda e vívida pelo simbolismo. Como o Fausto de Goethe, Peer Gynt evita retribuição no final do drama de Ibsen, porque a principal criação de sua vida foi o amor.

Salvou um espírito elevado do mal
Obra de Deus:
"Cuja vida em aspirações passou,
Nós podemos salvá-lo."
E para quem o próprio amor
A petição não congela
Ele será uma família de anjos
Bem-vindo no céu.

E como ponto final:

Tudo é rápido-
Símbolo, comparação.
A meta é infinita
Aqui é conquista.
Aqui está o mandamento
Toda verdade.
feminilidade eterna
Nos puxa para ela.

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