História sobre os maestros e sobre seu papel na orquestra. Ao aceno da mão O lugar onde o maestro fica é chamado

“Um maestro pode ser comparado a duas pessoas ao mesmo tempo: em primeiro lugar, com um diretor de teatro e, em segundo lugar, com um controlador de tráfego. A função técnica do maestro é coordenar os vários grupos da orquestra. Uma orquestra sinfônica pode ter de 60 a 120 pessoas, é uma reunião lotada. No palco, todas essas pessoas se sentam de tal forma que muitas vezes não se veem ou se ouvem. Digamos que, através da parede sonora que separa os primeiros violinos, sentados na borda frontal, e os trombones atrás, no canto direito, eles simplesmente não percebem que outros estão tocando. Se os músicos se dispersarem ao mesmo tempo, haverá uma catástrofe, começará uma cacofonia.

Para evitar isso, é necessário um maestro - para que os músicos se coordenem entre si, para que toquem harmoniosamente, no mesmo tempo e clima, como dizem, "respirem juntos". Além de tudo isso, o maestro deve mostrar com antecedência a introdução de determinados instrumentos. Claro, os próprios músicos sabem contar pausas, podem contar 25 compassos e reentrar, mas às vezes o número de compassos em uma pausa é medido em centenas, e às vezes alguns instrumentos têm apenas algumas notas em uma peça, e entre eles há minutos de completo silêncio. O maestro deve saber exatamente a partitura e indicar aos músicos o momento da entrada. A função de maestro nesta forma nem sempre existiu, apenas a partir do início do século XIX. Antes disso, é claro, havia a primeira pessoa na orquestra, mas era o primeiro violinista ou a pessoa por trás do cravo - muitas vezes era o próprio compositor regendo sua própria obra. Mas as orquestras da época barroca eram menores, muito mais fáceis de administrar e havia menos instrumentos - e não apenas em número. No século 18, havia muito menos variedades de instrumentos de sopro e percussão na orquestra do que na orquestra romântica dos tempos de Tchaikovsky e Wagner.

Claudio Abbado rege a Primeira Sinfonia de Gustav Mahler

Mas não devemos esquecer a segunda função criativa do maestro. Em geral, se você chamar qualquer maestro de controlador de trânsito na cara dele, será como um tapa na cara, e maus maestros são chamados pelos membros da orquestra dessa forma, ou seja, eles só sabem mostrar o andamento e a grade rítmica - e nada mais. Um bom maestro é semelhante a um bom diretor de teatro: é uma pessoa que constrói a forma de uma performance, define o ritmo, o ritmo, o clima, delineia os personagens dos personagens - neste caso, diferentes instrumentos de uma orquestra sinfônica . E o mais importante, ele cria uma interpretação do trabalho que lhe é confiado.

Os maestros, como os músicos de outras especialidades, estudam no conservatório - mas considera-se que esta é uma profissão relacionada com a idade. Dizem que 40-50 anos para um maestro é juventude, a maturidade vem depois. O conservatório está trabalhando na técnica de regência, para que os movimentos das mãos e do corpo sejam os mais claros, precisos e claros possíveis. É uma espécie de quiromancia ou, mais primitivamente, tradução de linguagem de sinais: sem pronunciar uma palavra, você deve explicar suas intenções aos músicos - andamento, nuances, dinâmica, a natureza da frase musical, as características do equilíbrio do textura orquestral, quais grupos de instrumentos são mais importantes no momento, quais - menos. Esta é uma forma de comunicação não verbal por meio de gestos, que é realizada não só com as mãos, mas com todo o corpo. Alguns maestros especialmente extravagantes até dançam no pódio, mas isso não significa nada - às vezes esses movimentos corporais ativos são absolutamente inúteis, bons maestros muitas vezes se limitam a gestos muito econômicos - e o som da orquestra pode se assemelhar a uma erupção vulcânica.

Leonard Bernstein regendo a 6ª Sinfonia de Beethoven

Uma orquestra sinfônica não é uma máquina, mas uma partitura não é uma instrução exata de uso, nem todas as instruções que estão ali são exatamente aplicáveis ​​à música. Sim, claro, há indicações de andamento, golpes, detalhes de articulação e fraseado, mas isso é mais um guia para a ação, não um objetivo, mas um meio para alcançá-lo. Digamos que o andamento do adagio seja lento - só ele tem suas próprias gradações e mudanças, e o tempo de cada maestro no adagio pulsa de maneira diferente - esse é o escopo da interpretação. O texto do autor não é percebido como um dado imutável. Este é o ponto de partida para o maestro criar a sua própria leitura e visão: tal como uma peça de Chekhov, Goethe ou Ibsen é um ponto de partida para o encenador. Somente na música clássica e acadêmica existe uma regra inabalável: o texto do autor é apresentado sem alterações construtivas. É impossível mudar a instrumentação, mudar partes da sinfonia em lugares, mudar radicalmente o andamento, mudar o personagem para o oposto. Você cria uma interpretação dentro dos limites dados pelo compositor. Os diretores do teatro dramático são mais livres: fazem o que querem com a peça - para eles, o texto do autor é um gesso com o qual podem moldar o que quiserem. Os maestros lidam com uma obra de arte acabada, sua tarefa é dar a ela um novo ângulo, um novo som, sua própria entonação individual. É mais difícil - mas é ainda mais interessante."

Pessoas comuns, longe da música clássica, nem sempre entendem o que exatamente esse homem de smoking está fazendo, acenando com as mãos na frente de músicos que tentam tocar o seu melhor. No entanto, nem um único concerto orquestral está completo sem esse participante. O que faz um maestro, qual é o seu papel e por que os ouvintes compram ingressos com mais boa vontade se ele é famoso?

Da Grécia antiga até os dias atuais

Muito antes de Toscanini, Furtwängler, von Karajan e Bernstein, seu trabalho já havia sido feito por Pherekydes de Patras, conhecido na Grécia antiga como o "Pacemaker". Segundo fontes históricas, já em 709 aC. ele controlava um grupo de oitocentos músicos com uma vara de ouro, levantando-a e abaixando-a e garantindo que os músicos "começassem ao mesmo tempo" e "todos pudessem ficar juntos".

As funções de maestro mudaram nos últimos mil anos, mas essa profissão ainda está envolta em uma certa aura mística. De fato, é surpreendente a capacidade de uma pessoa, segurando apenas um bastão de madeira na mão, garantir o som coordenado de centenas de instrumentos.

Como é que os sons que saem desta dança misteriosa na consola por vezes causam um deleite sublime, envolvendo os ouvintes, que então não conseguem esquecer os sentimentos que os dominaram durante toda a vida?

Esse é o grande mistério da arte e, graças a Deus, é impossível desvendá-lo totalmente.

Em uma analogia mais mundana, um maestro é o equivalente musical de um gerente de equipe esportiva. Nunca é possível avaliar com precisão o que ele está fazendo - mas sempre fica claro qual resultado ele está alcançando. A orquestra, em princípio, pode prescindir de um maestro, mas na maioria dos casos prefere tocar sob sua direção. Então, o que exatamente ele faz? Estas são algumas das muitas coisas que um regente faz consciente ou inconscientemente no pódio.

homem do metrônomo

“Todo o dever do regente reside em sua capacidade de sempre indicar o andamento correto”, disse Richard Wagner, que dominou essa profissão com perfeição e também foi um grande compositor. Normalmente, a mão direita é usada para controlar a orquestra (com ou sem baqueta), mas outros componentes também afetam a perfeição da execução. O maestro não pode ser substituído por um metrônomo (que é lindamente mostrado no filme alegórico de Fellini "Ensaio da Orquestra"), suas ações significam muito mais.

Interpretação

A profissão de um maestro é dar vida à partitura. Para fazer isso, ele usa sua própria compreensão da obra como uma ferramenta e a expressa por meio de uma linguagem de sinais individual. Ele meio que "esculpe" a linha musical, enfatiza as nuances e os elementos musicais individuais, controlando os músicos e, de fato, cria muito de novo. Esses processos geralmente são expressos com a mão esquerda. Embora todos os regentes compartilhem alguns gestos comuns, a maioria dos maiores regentes tem seu próprio estilo. Por exemplo, Furtwängler fez movimentos bastante estranhos espontaneamente em alguns pontos. Valery Gergiev movia os dedos, expressando a natureza da música, ele mesmo explicava isso pelo fato de ser pianista.

Habilidades auditivas

"Os melhores maestros são os melhores ouvintes", diz Tom Service, jornalista e autor do fascinante livro Music as Alchemy: Travels with Great Conductors and Their Orchestras. Eles, como um para-raios, assumem a carga emocional da obra e focam em seus pontos fortes. É importante para um maestro entender a música mais profundamente do que as pessoas comuns e, então, expressar sua própria hiperconsciência, tornando-a disponível publicamente.

Ditadura

"Você deve impor sua vontade - não pela força, mas deve ser capaz de convencer as pessoas da correção de seu ponto de vista!" - disse Pierre Boulez, o lendário compositor e maestro. Embora a maioria dos regentes hoje em dia se considere democrata, isso simplesmente não pode ser verdade. Isso não quer dizer que a ditadura seja indispensável, mas não é fácil. Boulez cita a Filarmônica de Berlim como exemplo, chamando-a de grupo de indivíduos: "Se o maestro não lhes der uma direção coletiva, eles serão privados de leme e velas."

condutor condutor

Em muitas línguas, a palavra "condutor" soa como "condutor". Bem, há algo em comum, pois cada ouvinte percebe a música com o ouvido, mas olha o que o maestro está fazendo, e através dessa imagem visual ocorre uma conexão visual, uma espécie de ponte entre nossos olhos e as sensações melódicas. Às vezes é simplesmente impossível desviar o olhar do controle remoto, essa visão é fascinante.

“Reger é muito mais difícil do que tocar um instrumento. Você precisa conhecer a cultura, calcular tudo e projetar o que quer ouvir”, diz Boulez.

O que mais além da música?

Os regentes precisam de instinto musical, intuição e musicalidade inata, mas há muito a saber além disso. Antes de se sentarem à consola, costumam passar muitas horas a preparar-se. Muitas vezes é de natureza acadêmica, abrangendo o estudo de documentos históricos, como cartas, especificações técnicas de instrumentos de um determinado período ou momentos biográficos de autores. Como todos os grandes mistérios, a boa música só vem de muito trabalho duro.

O papel de um maestro em uma orquestra.

1. Gerencie o processo de execução, pois para um maestro uma orquestra é um instrumento, como para um pianista - um piano, um violinista - um violino, mas muito mais rico em timbre e possibilidades do que um instrumento solo.

1.1 Do lado técnico - mostrar introduções, definir o andamento, caráter, dinâmica, equilíbrio do som dos instrumentos.

1.2 Do lado artístico - revelar a intenção do autor, e interpretá-la do seu ponto de vista.

1. Faça um planejamento criativo.

Muitas vezes, em uma banda, o maestro permanente (às vezes o maestro principal) é o diretor artístico.

Ele é o responsável pelo planejamento da temporada - onde e quais shows a orquestra fará, quais solistas convidar, com quem colaborar, em quais festivais participar. Ele também é responsável por todos os passos dados nessa direção.

Há histórias da existência de orquestras sem maestro, mas geralmente os grupos eram pequenos (por exemplo, bandas de cordas ou metais, ou conjuntos barrocos) e tinham um líder brilhante que desempenhava as funções descritas acima, apenas por algum motivo não era chamado de condutor.

O mencionado Primeiro Conjunto Sinfônico tem opiniões muito diferentes sobre suas atividades. Mas para ter uma ideia da percepção dela como uma orquestra sinfônica sem maestro, vou citar Koussevitzky e Petri do livro de Arnold Zucker Five Years of Persimfans e “Entrevista com S.A. Koussevitzky", "Latest News", Paris, 4 de maio de 1928.

Koussevitzky soube da existência do Persimfans por meio de cartas de amigos de Moscou e de jornais. Leu com interesse um artigo sobre o Persimfans de Victor Walter na imprensa russa de Paris. Ele compartilhou os argumentos do crítico de que a interpretação de uma obra musical não pode ser coletiva, que "... Zeitlin -<...>não apenas um violinista talentoso, mas<...>um artista que tem dados de maestro, não só musicais, mas também mentais, ou seja, a capacidade de comandar”, que “... ele é a alma do Persimfans, ou seja, essa orquestra sem maestro tem um segredo condutor"

Questionado por um jornalista parisiense se as experiências do Persimfans não o confundiam, Koussevitzky respondeu que elas apenas facilitam o trabalho dos regentes, pois acostumam os músicos de orquestra à disciplina interna. “Ainda assim, nós, regentes, não podemos ser dispensados ​​se eles não querem uma performance mecânica, mas espiritualizada. Reconhecendo que, trabalhando sem maestro, a orquestra consegue, ainda que à custa de um esforço muito maior e de mais ensaios, uma boa coordenação no jogo, Koussevitzky realça, no entanto, o principal: "... não há começo guiador e inspirador"

Assim, a opinião de Koussevitzky, que não chegou a ouvir a execução do Persimfans, coincidiu totalmente com a opinião expressa em Moscou por Prokofiev, e com o elogio paradoxal do pianista Egon Petri que tocou com a orquestra: “Desejo a todo maestro uma orquestra tão maravilhosamente treinada como a sua, mas também a você também desejo um regente brilhante"

Sim, é possível. De 1922 a 1932, a orquestra única Persimfans (o Primeiro Conjunto Sinfônico da Câmara Municipal de Moscou) tocou em Moscou. Foi criada com esse propósito - ser a primeira orquestra sem maestro. Os músicos cumpriram perfeitamente esta tarefa, executaram as suas obras com profissionalismo.

Este projeto foi criado de forma voluntária por iniciativa dos seus participantes, cada um deles tinha um local de trabalho principal e só podiam ensaiar nos seus tempos livres. A orquestra acabou por se tornar muito popular e teve grande sucesso, mas depois surgiram invejosos e começaram a surgir problemas burocráticos, publicações críticas a tentar expor os "charlatães" na imprensa, nem todos estavam dispostos a aceitar que podiam passar sem maestro. As principais acusações eram de que os músicos da orquestra passavam muito mais tempo aprendendo as partes do que as orquestras clássicas. Mas na realidade não era assim, bastavam alguns ensaios para aprender as obras musicais.

Com o entusiasmo dos músicos, a orquestra conseguiu existir por 10 anos, apesar das constantes barreiras burocráticas e perseguições. Além disso, em 1932, uma situação ideológica diferente se desenvolveu no país e tais experimentos tornaram-se indesejáveis. Depois disso, houve tentativas de criar algo semelhante, mas ninguém conseguiu atingir um nível tão profissional.

Como decorre da resposta acima, uma orquestra sem maestro é possível, mas apenas como exceção. A música clássica é bastante conservadora e ninguém tem pressa em abandonar os maestros em massa, é muito mais fácil coordenar e marcar o ritmo para dezenas de pessoas com eles. O maestro também desempenha o papel de líder da orquestra. É muito mais fácil formar uma equipe profissional, tendo alguém que é responsável por todos e toma decisões, as ideias anarquistas ainda não se espalharam.

Em primeiro lugar, é necessário um maestro para que a obra soe de acordo com a sua época e para que todos os músicos toquem sobre a mesma coisa, e não para que o harpista toque sobre um mar calmo e os tocadores de cordas sobre o cortejo fúnebre em o final do segundo ato de Romeu e Julieta. A orquestra não concordará consigo mesma e, quando o maestro assim o disser, assim será.

Em segundo lugar, o maestro sempre (bem, quase) mostra a grade rítmica, quase sempre mostra as introduções. Sim, os músicos não são burros e se consideram, mas: tem que começar junto, terminar junto; há lugares onde diabos você vai contar.

Em terceiro lugar, esta é apenas poppyatina moderna perfeitamente uniforme, enquanto a música acadêmica está repleta de mudanças de andamento. A maioria deles está na música dos românticos. Por si só, 80 pessoas sincronizadas consigo mesmas não diminuirão ou acelerarão da mesma maneira. Precisa ser feito por uma pessoa.

Em quarto lugar, tocar com um solista (seja tocando com um instrumento solo ou, como absoluto, uma ópera, onde os solistas são pelo menos um quinto ponto, e todos se esforçam para mostrar como podem vocalizar) é um campo minado danado em que o orquestral acompanhamento deve ser exatamente como está escrito. Quero dizer, nem antes nem depois do solista. E o maestro também atua como esse apanhador do solista.

Em quinto lugar, o maestro deve conhecer cada parte (podendo ser de cinco a >40), certificar-se de que todas as partes seguem a grade rítmica no tempo, equilibrar o som, etc.

Inicialmente, não havia maestros, e o primeiro violinista ou tecladista comandava a orquestra durante o jogo. Então apareceu o maestro - um homem que ficou na frente da orquestra de frente para o salão e BATE COM UMA VARA NO CHÃO DURANTE A PEÇA, batendo no ritmo! Wagner foi o primeiro a enfrentar a orquestra.

E no exemplo de encenar uma nova ópera:

1. O condutor instrui o bibliotecário a encontrar tais e tais notas.
2. Estudar a literatura referente a esta performance (libreto, história da escrita, biografia do compositor, estudos da época em que se passa a performance, etc.)
3. Ele então verifica cada cópia de cada parte contra a partitura.
4. Realiza ensaios de piano com solistas
5. Rege ensaios de piano com o coro
6. Realiza ensaios com coreógrafos (se houver algo para dançar)
7. Realiza ensaios com a orquestra
8. Realiza ensaios
9. Conduzindo a peça
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E o maestro também é um representante da orquestra: se tem algum problema, o maestro resolve, o maestro defende a orquestra, o maestro distribui bream, o maestro procura festivais e concursos.

Em geral, o maestro não é só sair na frente de toda a orquestra para acenar, quebrar todos os aplausos e sair com flores.

Ouvindo o concerto, você vê a parte final do processo, que se estende por muitos dias, ou mesmo semanas, e durante a qual a orquestra, primeiro sob o acompanhamento, e depois o próprio maestro, aprende uma nova ou ensaia uma obra já conhecida . Esses ensaios são um trabalho pesado e tedioso, durante o qual vários detalhes são trabalhados. O maestro busca nos intérpretes o correto, do seu ponto de vista, nuances e acentos, pausas e ritmo - tudo o que torna uma apresentação ao vivo única e atraente. Mas se você observar atentamente os músicos durante a apresentação, notará que eles regularmente se afastam da partitura para seguir o maestro. Este é sempre o seu concerto, a sua interpretação, o papel dos músicos é importante, mas subordinado.

Claro que cada músico individualmente já é um profissional e pode desempenhar com precisão a sua parte. Mas a tarefa do maestro é esta - ele deve inspirar toda a orquestra, transmitir sua energia e carisma aos participantes, para que não se obtenha algum tipo de ruído, mas música de verdade! A orquestra é um instrumento, pode-se dizer, e o maestro o toca. O maestro mostra a orquestra com um gesto e um olhar onde é preciso tocar baixinho e onde é alto, e a orquestra toca exatamente onde precisa ser tocada mais rápido e onde é mais lento, e novamente a orquestra faz tudo do jeito o condutor quer.
Vou contar um pouco sobre a batuta do maestro. No começo era uma tal battuta, uma bengala, que batia no chão, batendo no ritmo. Não sei se é verdade, parece muito assustador, embora os historiadores pareçam concordar. O maestro e compositor Lully morreu depois de bater na perna com este trampolim e pegar algo mortal de gangrena.
Os bastões de Napravnik e Tchaikovsky são tacos de design elegante de um quilo e meio. É claro que o primeiro violinista estava com medo.
Mas aí ficou mais fácil, com o advento dos bastões de fibra de vidro no mercado, os próprios maestros começaram a sofrer. Ashkenazi (provavelmente por sua brilhante técnica de regência) perfurou sua mão através dela. Mas Gergiev de alguma forma conduziu quase com um lápis, um bastão de 20 centímetros de comprimento, dá medo pensar no que vai acontecer a seguir. Alguns maestros nem usam batuta, talvez seja melhor, na minha opinião, as mãos são mais expressivas.
A principal função do maestro, claro, não é bater o compasso, mas sim inspirar toda a orquestra, como escrevi acima. O interessante é que a mesma orquestra com maestros diferentes soará completamente diferente.
A música, pode-se dizer, não é o que está escrito na partitura, nem mesmo o que os músicos tocam, mas o que está por trás de tudo isso. É o maestro que deve criar algo a partir de notas e sons que farão com que os ouvintes experimentem fortes emoções.
Existem orquestras sem maestro, isso se chama conjunto. Aqui, todo músico deve ouvir todos os colegas, transformando a música em uma ideia comum. Com uma orquestra, isso é simplesmente impossível, há muitos músicos na orquestra e todos são muito diferentes.
Um bom maestro pode fazer uma orquestra ruim tocar como nunca antes. Um mau condutor pode destruir até o que não era tão ruim. Na minha opinião, 90% do sucesso depende do maestro. Um maestro verdadeiramente profissional será capaz de criar um nível de performance da orquestra, se não bom, pelo menos decente.

Eu toquei na orquestra este ano. Tínhamos um maestro muito bom. Mostra por onde entrar, quais pinceladas e sombras fazer. Ele dirige todos os instrumentos, ou seja, a orquestra.

O maestro vê as partes de todos os instrumentos. Segue o humor geral da orquestra.

Isso é o que o departamento seria sem um líder)

Os músicos olham tanto para as notas quanto para o maestro. Já respondi essa pergunta aqui (procure pela palavra condutor). Um maestro é como um diretor de teatro ou filme. Ele vê a imagem da obra como um todo (e o ator - apenas o texto de seu papel, o músico - sua parte) e, consequentemente, constrói uma performance ou filme, coloca acentos, define e cria uma imagem emocional da obra, ajudando o trabalho a "soar" e não apenas ser murmurado "de acordo com mas aí".

O maestro é a pessoa que dirige a orquestra como um todo. "Acenar com as mãos" ajuda a orquestra a contar os compassos, e não se perder na partitura (que pode ter centenas de compassos em cada parte).

Sim, os músicos têm notas, cada um tem sua peça da parte geral da orquestra. Mas é o maestro quem “ouve” toda a peça. Depende do maestro como será lida a obra "escrita" no papel pelo seu autor. Pode ser simplesmente murmurado rapidamente sem expressão (neste caso, todas as palavras escritas pelo autor parecerão lidas, mas não haverá impressão). E você pode fazer isso com expressão, lindamente. Mas quando você vê apenas a sua linha (além disso, diferentes instrumentos podem ver diferentes peças em diferentes lugares da obra completa, e você também tem que contar os compassos antes da introdução) é muito difícil fazer isso. O maestro ouve a peça na íntegra (e o músico individual geralmente ouve apenas a si mesmo, seu vizinho ou, na melhor das hipóteses, sua banda, por exemplo, bandas de metais) e ajuda os músicos a tocar a peça inteira de forma expressiva como um todo.

O papel do maestro é enorme. Sem ele, nem uma única orquestra fará nada, em todo caso, que valha a pena. Faça um pequeno experimento em casa: pegue um pequeno fragmento de um texto literário e leia-o sucessivamente com sua família - você ficará surpreso ao saber que se trata do mesmo texto: diferentes entonações, sotaques, ritmo de leitura mudarão significativamente sua percepção do contente. E agora ouça a mesma peça musical tocada por diferentes maestros - o mesmo efeito.

Arzamas tem um curso maravilhoso "Como ouvir música clássica". lá você pode encontrar a resposta para sua pergunta no episódio número 4. Se houver, aqui está o link:

Em primeiro lugar, não um livro de música, mas uma festa. E o maestro tem uma partitura, onde todas as partes são combinadas, o que lhe permite ver e ouvir a peça musical como um todo. Ao contrário de um membro comum da orquestra, que se concentra principalmente no que está escrito em sua parte. E esta é a primeira razão pela qual um condutor é necessário. Em segundo lugar, a orquestra pode ter um número bastante grande de participantes. E nem todos os músicos profissionais têm um senso de ritmo ideal. Imagine: 100 pessoas estão sentadas, que não só precisam tocar ritmicamente sua parte, mas também fazê-lo junto com outros membros da orquestra, e até fazer todos os desvios de andamento indicados nas notas ... Sem maestro, apenas um não muito grande a composição pode fazer isso , mas uma orquestra muito bem tocada (às vezes os maestros deliberadamente deixam cair as mãos nessas condições e vão para o corredor, mas isso é apenas um truque e é impossível tocar assim o tempo todo). Isso é seguido pelo terceiro motivo, que já foi mencionado pelo respondente anterior. A principal tarefa de um maestro é criar uma imagem musical altamente artística, uma performance que atenda plenamente à intenção do autor e revele a essência da música. Quando um músico toca, isso está totalmente em sua consciência. Quando um conjunto toca, os músicos discutem e chegam a um consenso. Mas quantos músicos, tantas opiniões. Quando há muitos músicos, torna-se difícil desenvolver um conceito geral de performance. Portanto, essa função é assumida por uma pessoa - o maestro. De muitas maneiras, ele determina como será a música (como será tocada). O maestro deve ter um profundo conhecimento musical e ser capaz de transmitir sua visão à orquestra e aos ouvintes com a ajuda de gestos. Existe, na minha opinião, outra razão, bastante trivial: nem todos vêm a um concerto para ouvir música. Alguns ouvintes inexperientes vêm e "vêem". O maestro, neste caso, atua como uma espécie de centro das atenções.

Com certeza, olhando como o maestro acena sua batuta na frente de toda a orquestra, pensei porque ele era necessário ali, porque a própria orquestra toca lindamente, espiando as notas. E o maestro, apesar de estar acenando caoticamente com as mãos, não faz mais nada. Qual é o trabalho dele?

Acontece que o papel do maestro na orquestra está longe de ser o último, e até, pode-se dizer, o principal. Afinal, via de regra, a orquestra é composta por várias dezenas de músicos, cada um deles desempenhando seu papel em um determinado instrumento. E sim, os músicos olham para as notas. Mas! Se não houver uma pessoa que dirija seu jogo, os músicos rapidamente se desviarão ou o ritmo, o concerto será prejudicado.

O que faz um maestro? Essencialmente, o trabalho de um maestro é liderar uma orquestra. Com os movimentos das mãos e da baqueta, ele mostra como tocar a orquestra: baixinho, alto, rápido ou devagar, suave ou abruptamente, ou talvez precisem parar completamente. O maestro sente a música de corpo e alma, sabe como cada músico toca e como a música deve soar em geral. Equilibra a sonoridade da orquestra.

Nos ensaios da orquestra, o maestro pronuncia todas as suas ações em voz alta em palavras, sem esquecer de realizar os gestos adequados. É assim que os músicos lembram, se acostumam e executam a parte que o líder exige. No concerto, a principal "arma" do maestro é o movimento da baqueta, mãos, dedos, balançar para os lados, ligeiras inclinações do corpo, vários movimentos de cabeça, expressões faciais e olhos - tudo isso ajuda a conduzir a orquestra . O trabalho de um maestro é muito complexo e responsável, porque ele é responsável perante o compositor cuja obra executa, e perante a orquestra, que nele confia infinitamente, e perante o público, que pode apaixonar-se pela música graças ao seu bom trabalho. ou permanecer indiferente a ele de outra forma.

A equipa “School / Škola crew” é bem conhecida. Os artistas sempre precedem a execução de composições clássicas com uma breve palestra na qual explicam como ouvir o que vai soar agora.

O site dá continuidade a uma série de materiais em que a pianista e integrante da equipe da Escola/Škola Alexandra Stefanova ajuda a entender os clássicos e tudo relacionado à sua execução.

Uma orquestra pode tocar sem maestro?

“Um maestro tem uma responsabilidade enorme. Ele precisa de todas as 80-90 pessoas na orquestra (e pode haver mais) para tocar no ritmo certo, para entender quem e quando entrar.

Se a composição da orquestra for bastante grande, então o músico que, por exemplo, está sentado no canto direito, provavelmente não ouve o que seu colega da esquerda está tocando. É simplesmente fisicamente impossível reconhecer quando um instrumento distante soa. O músico ouve apenas os vizinhos mais próximos. Sem um maestro, seria fácil cometer um erro - você precisa de uma pessoa que lhe diga quando começar a tocar.

Porém, havia também uma orquestra sem maestro - Persimfans (Primeiro Conjunto Sinfônico). Existiu na URSS de 1922 a 1932. Os músicos sentaram-se em círculo para se verem e combinaram como tocar nos ensaios. Esta orquestra, aliás, voltou a existir graças aos esforços de Peter Aidu. Ele admite que esta não é uma cópia exata daquela orquestra - os músicos continuam as tradições que se desenvolveram nos anos 20 do século XX. Aproximadamente uma ou duas vezes por ano, a orquestra apresenta vários programas ao público. No dia 25 de novembro, ele se apresentará no Zaryadye Concert Hall.

Todos os instrumentos estão registrados na partitura do maestro?

- Sim. Com sua ajuda, o condutor vê tudo. Contém todos os instrumentos, todo o esboço da obra. Se um pianista, por exemplo, expressa a si mesmo e a ideia do compositor apenas por meio do piano, então o maestro, pode-se dizer, toca todos os instrumentos da orquestra ao mesmo tempo.

Por que os regentes podem tocar a mesma peça de maneira diferente?

— O maestro deve transmitir ao público a ideia que o compositor colocou na música. Ao fazer isso, o maestro leva em consideração a qual época a obra pertence. Por exemplo, se for barroco, o violino deve soar mais suave (costumava ter arranjos de cordas diferentes). Mas segui-lo ou não é, claro, uma questão pessoal de todos. É por isso que os maestros obtêm diferentes interpretações das mesmas sinfonias. Às vezes, eles até soam em velocidades diferentes. O maestro pode ver a obra de maneira diferente dos colegas, usar sua experiência pessoal, o que afeta a música.

Como você conseguiu sem um maestro antes?

— A profissão de maestro surgiu há relativamente pouco tempo, no início do século XIX. Anteriormente, a orquestra era dirigida por um dos músicos, na maioria das vezes um violinista (foi escolhido o mais experiente). Ele contava a batida com os golpes de seu arco ou simplesmente balançando a cabeça. Às vezes, o cravista ou violoncelista estava no papel principal. Mas a música se desenvolveu, o material ficou mais complicado e a pessoa simplesmente não teve tempo de dirigir e tocar ao mesmo tempo.

Se você olhar para um passado ainda mais distante, então, por exemplo, no antigo teatro grego, um luminar estava à frente do coro. Nos pés usava sandálias com sola de ferro, com a ajuda das quais lhe convinha marcar o ritmo.

Os regentes sempre usaram uma batuta?

- Não. A batuta do maestro como a conhecemos hoje surgiu no século XIX. Por algum tempo antes disso, o battutu foi usado. Podia ser uma vara ou uma bengala que servia para bater o compasso. Aliás, foi a battuta que causou a morte de Jean-Baptiste Lully, criador da ópera francesa e compositor da corte do rei Luís XIV. Batendo o ritmo durante a execução do Te Deum, escrito por ocasião da recuperação do rei de uma grave doença em 1687, Lully perfurou o pé com a ponta afiada de um trampolim. O envenenamento do sangue começou e o compositor logo morreu.

Também usavam cédulas enroladas e outros objetos, também regiam com as mãos.

Mas usar ou não a batuta hoje é um assunto pessoal de cada regente. Valery Gergiev, por exemplo, prefere segurar um palito nas mãos.