Förståelse av Penderecki. Musik med polsk accent Varför förändrades allt senare
Festivalen för Krzysztof Pendereckis 85-årsjubileum samlade dussintals musiker - instrumentalister, sångare och dirigenter från hela världen vid National Philharmonic i Warszawa under åtta dagar och elva konserter. Bland dem fanns de som länge hade känt till verken av den polska klassikern av modern musik, och de som råkade lära känna henne ganska nyligen. Bredvid mästarna fanns unga artister som precis gick in på den stora konstens väg - Pendereckis musik är sådan att den behöver nya uppträdanderesurser, som luft. Den fylls av en särskilt vital kraft när den faller i händerna på de unga med deras nyfikenhet, fräckhet, girighet efter igenkänning, törst efter att se bortom musikens gränser för att se vad kompositören själv såg och förstod. En andel naivitet, inte överbelastad med livserfarenhet, kan ge oväntade ljud och semantiska lösningar i en kollision med de täta lagren av atmosfären i verken av den främsta polska avantgardekonstnären.
Ett bevis på Pendereckis kärlek till ungdomar är den nybildade Penderecki Piano Trio bestående av tre unga solister. Musiken av Pan Krzysztof har spelats under lång tid, en viss utförandetradition har utvecklats, samtidigt är denna musik öppen även i sin struktur, det är fortfarande lång tid innan den förvandlas till ett monument. Och kompositören själv döljer inte att han bara är glad att lyssna på nya djärva tolkningar av hans mästerverk. Med jubileumsfigurens imponerande, med ett ärevördigt professorsframträdande är Krzysztof Penderecki otroligt lätt att kommunicera, aforistisk i dialog, älskar att skämta och ger intrycket av en person som behåller en barnslig inställning till världen - han upphör aldrig att bli överraskad.
Enligt Pendereckis verk kan man studera Polens och världens historia: hans arv består i de flesta fall av dedikationer, men även om pjäsen inte har en specifik adressat kommer datumen för skapande och musik att berätta om vad som hände. Festivalen visade att musiken av Pan Krzysztof - särskilt från de tidiga och mellersta perioderna av kreativitet - fortfarande inte är van vid, den har inte förvärvat klichéer av uppfattning. Ja, och kompositionerna från senare perioder av kreativitet, med ett överflöd av till synes välbekanta romantiska intonationer, låter idag med ett ökande antal frågor. Även musikvetare har ännu inte skaffat sig en tillförlitlig ordbok, har ännu inte hittat stabila termer för att förklara många av ljudupptäckten, som kompositören var särskilt generös för under 1960-1980-talet. Ödet för Pendereckis kompositioner visade sig så lyckligt att de allra flesta av deras premiärer gick till stora musiker. Den första violinkonserten 1977 tillägnades och framfördes av Isaac Stern, den andra skrevs för Anne-Sophie Mutter, den andra cellokonserten var för Mstislav Rostropovich, och Winter Road Concerto för horn och orkester skrevs för Radovan Vlatkovich.
Innan Penderecki, i den moderna polska musikens historia, fanns Witold Lutoslawski, vars stil utmärktes av förbryllande högre matematik, fenomenal precision och extrem, pedantisk-kirurgisk beräkning i valet av uttrycksmedel. Det var som om Chopin talade i den, men under andra hälften av 1900-talets förhållanden. Pendereckis musik kännetecknas av en helt annan skala och omfattning: den har inte Chopins intimitet, men det ställs ökade krav på artister, eftersom "Pan Professor", som författaren till "The Seven Gates of Jerusalem" ofta kallas, är en stor kännare av symfoniorkesterinstrumentens möjligheter.
Kvällarnas program sattes samman under noggrann ledning av Krzysztofs fru, fru Elzbieta Penderecka, bakom vilken kompositören står som bakom en stenmur. Pani Penderecka kan svara på alla frågor om var, när och av vem hennes mans arbete utfördes. En av kvällarna bestod av verk från den mest kända avantgardeperioden: Första symfonin (1973), Capriccio för violin och orkester (1967) och Första violinkonserten (1977) och Emanations (1958). De fyra verken gavs till fyra olika dirigenter, precis som Capriccio och Konserten gick till två olika solister. Förresten, denna princip om framförande av olika solister, dirigenter och orkestrar berikade både festivalens och själva musikens uppträdandepalett.
Det var en fördjupning i kompositörens laboratorium för ett intensivt sökande efter nya uttrycksmedel för den tiden. Från fiolen utvanns ljud från alla möjliga zoner – från melodiskt till slagverk, från rasslande och vissling till ett hjärtskärande stön. Polish Radio National Orchestra i Katowice bemästrade denna utmaning mästerligt. Kompositören skickade violinister till extrema prövningar och insåg att fiolen, som det huvudsakliga uttrycket för mänsklig individualitet, är kapabel att motstå allt. Kompositören verkade leta efter och som en alkemist hitta det omöjliga i metamorfoser med ljud, avslöjade gränstillstånden - från fast till flytande och gasformig. Den polska violinisten Patricia Pekutowska visade fenomenal återhållsamhet när hon framförde den känslomässigt och tekniskt överdrivna komplexa, vilt nyckfulla delen i Capriccio.
Vid en mässa för att hedra Krzysztof Penderecki i St. Jans katedral
Programmet för kantat-oratoriemusik innehöll två psalmer - St. Daniel och St. Wojciech, som dök upp 1997 för 850-årsjubileet av Moskva och 1000-årsjubileet av Gdansk, och det storslagna Credo, skrivet 1998. Dirigenten Maximiano Valdes, efter att ha framfört denna tunga, som Kristi kors, komposition medgav att formellt, utan att personligen vänja sig vid filosofin om Credo-ljud, är det helt enkelt omöjligt att förbereda detta partitur. Han kallade denna upplevelse "epifania", förståelsen av Guds natur, uppenbarad i all dess fullhet. Tre körer – Warszawa Boys Choir, Podlasie Opera and Philharmonic Choir och K. Szymanowski Philharmonic Choir i Krakow – och Polish Radio Orchestra, tillsammans med fem sångare, skapade inte bara en fresk i planetarisk skala, utan involverade även lyssnare med all sin kraft i denna kraftfulla empatiska upplevelse. Av skalan, i synnerhet, av denna duk, verkade Penderecki bevisa hur förkrossad en person var, hur snabbt han övergav att lösa komplexa problem i universum till förmån för komfort och trevliga små saker som dämpade vaksamhet och stoppade intensiteten i andliga sökningar.
På denna festival var till och med tillfälliga möten till hjälp för att förstå fenomenet Penderecki. Och när, efter en lång, oändlig "koreansk" symfoni, regissören Agnieszka Holland plötsligt dök upp i garderoben, blev det omedelbart klart att Penderecki är en mycket filmisk kompositör som tänker i termer av bilder i olika storlekar, montageklipp, "serialitet". i betydelsen serialitet. Men konserten på maestrons födelsedag visade sig vara den mest magiska och innerliga, när vid mässan tillägnad kompositörens 85-årsdag i katedralen St Jan framfördes hans Missa brevis av den polska kammarkören Schola Cantorum Gedanensis under ledning av Jan Lukaszewski. Det fanns så mycket renhet, himmelskt ljus, hopp, kärlek och utstrålning i henne, och när klockan ringde blev det tydligt hur mycket den här rösten betydde och fortsätter att betyda i partituren av kompositören som möter en person i sitt ögonblick. födseln, gläds med honom på helgdagar och eskorterar dig på din sista resa.
Om det oföränderliga i musiken
Begreppet bra musik betyder nu exakt samma sak som det betydde tidigare.
(K. Penderecki, kompositör)
Oavsett hur exakt musiken uttrycker sin tidsanda, hur nya, originella idéer som dess språk än strävar efter, så finns det ändå något som den inte kan skiljas från till sin natur. Detta "något" är närvarande både i sitt innehåll och i kompositionen, och i de drag i formen som vi definierar med hjälp av frasen "musikaliskt språk". Vi talar om ett konstnärligt genomslag som framkallar en genuin estetisk upplevelse hos lyssnaren. En sådan påverkan orsakas av en vädjan till mänskliga tankar och känslor, till bilder av den omgivande världen, alltid levande och attraktiva.
All äkta musik, oavsett hur komplex den kan vara, vägrar aldrig det som inspirerar den: detta är en person i all sin komplexitet, och livet med dess prövningar och glädjeämnen, och naturen och mycket mer som var föremål för konstens intresse i alla tider.
Kanske är det därför man i samma kompositörs verk kan hitta väldigt olika musik - från störande och till och med tragisk till den ljusaste och mest glädjefulla. En modern kompositör, som en kompositör av vilken tid som helst, kan fortfarande förkroppsliga bilder av förstörelse i sina verk och samtidigt skapa vackra, sublima melodier.
Låt oss därför åter vända oss till Boris Tjajkovskijs musik - denna gång till hans konsert för klarinett och orkester.
Boris Tjajkovskij. Konsert för klarinett och kammarorkester, del I
Denna musik förkroppsligar de viktigaste dragen i kompositörens konstnärliga stil, hans figurativa värld, präglad av melodins skönhet, temans ryska karaktär - okunnig, genomträngande lyrisk. Sådan musik återför lyssnaren till en värld av naturliga, levande känslor och stämningar. Det är denna musikegenskap som uttrycker kompositörens djupa tro på människans moraliska renhet, hans naturliga önskan om harmoni och skönhet, såväl som det faktum att traditionella mänskliga värden inte förlorar sin betydelse än idag.
Från recensioner av B. Tchaikovskys verk
"Genom sitt stora hjärta passerade vår tids spännande konstnärliga problem, mänskliga sorger och glädjeämnen, känslomässiga upplevelser, kompositören kunde uppriktigt och djupt säga det viktigaste om världen omkring honom. Och kanske är det just denna egenskap hos hans verk som attraherar oss så mycket, fascinerar oss, får oss att återvända till hans kompositioner om och om igen” (Yu. Serov, pianist).
"Det ger dig en känsla av att du har hamnat i någon slags rik värld, rik på detaljer, hur naturen kan vara rik, hur rik stranden kan vara ... Till och med snarare inte stranden, utan helt enkelt stranden av stranden. Ryska floden, sjöns strand, övervuxen vass, på vilken svanar eller änder simmar och löv prasslar. Det finns någon form av lycka i musik” (A. Mitta, filmregissör).
Viljan att förstå konstens naturliga grunder är karakteristisk inte bara för musik, utan också för andra typer av konstnärlig verksamhet - poesi, prosa, målning. I detta försöker konstnärerna motstå sådana trender från tiden, när huvudintressena främst är praktiska saker, som bilar eller elektroniska apparater.
Vad är dessa naturliga grunder?
Ett av svaren ges i dikten "Jag har återvänt ..." av Rasul Gamzatov.
Jag återvände efter hundra år,
Från mörker till denna jord.
Han blinkade när han såg ljuset.
Jag kände knappt igen min planet...
Plötsligt hör jag: gräset prasslar,
Levande vatten rinner i bäcken.
"Jag älskar dig! ..." - låter orden
Och de lyser, inte föråldrade ...
Ett årtusende har passerat.
Jag återvände till jorden igen.
Allt jag minns är täckt
En annan tids sand.
Men stjärnornas ljus bleknar också,
Vet att snart kommer solen fram.
Och människor - som i våra dagar -
Bli kär och hata...
Jag gick och kom tillbaka igen
Lämnar evigheten bakom sig.
Världen har förändrats till kärnan.
Han är full av nyhet.
Men ändå – vintern är vit.
Blommor på ängarna blinkar sömnigt.
Kärleken förblir densamma.
Och bråket förblev detsamma.
(Översatt av Y. Kozlovsky)
Frågor och uppgifter:
- Hur förstår du den polske kompositören K. Pendereckis ord i epigrafen i detta stycke?
- Varför, enligt din åsikt, i en kompositörs verk kan du hitta en mängd olika teman, känslor, stämningar? Förklara ditt svar med hjälp av exemplet på B. Tchaikovskys arbete.
- Kan du hålla med om att musiken till konserten för klarinett och kammarorkester av B. Tjajkovskij ärver de bästa traditionerna av rysk musik? Vad uttrycks det i? Vad är nyheten med denna musik?
- Vad skulle hända med konsten om den vägrade att förkroppsliga den mänskliga världen och bara speglade tecken på tiden, tekniska framsteg etc.?
- Vilken är huvudtanken som uttrycks i R. Gamzatovs dikt? Vilka saker anser poeten vara övergående och vilka saker är oföränderliga?
Ytterligare material för en musiklektion om ämnet - Om det oföränderliga i musik Material för att genomföra en musiklektion enligt programmet för T. Naumenko och V. Aleeva, årskurs 9. Begreppet bra musik betyder nu exakt samma sak som det betydde tidigare. (K. Penderetsky, kompositör) Oavsett hur exakt musiken uttrycker sin tidsanda, hur nya, originella idéer som dess språk än strävar efter, finns det ändå något som den inte kan skiljas från till sin natur. Detta "något" är närvarande både i sitt innehåll och i kompositionen, och i de drag i formen som vi definierar med hjälp av frasen "musikaliskt språk". Vi talar om ett konstnärligt genomslag som framkallar en genuin estetisk upplevelse hos lyssnaren. En sådan påverkan orsakas av en vädjan till mänskliga tankar och känslor, till bilder av den omgivande världen, alltid levande och attraktiva. Konstantin Bogaevsky. Rainbow All äkta musik, oavsett hur komplex den än är, vägrar aldrig det som inspirerar den: detta är en person i all sin komplexitet, och livet med dess prövningar och glädjeämnen, och naturen och mycket mer som var föremål för konstens intresse alltid. Kanske är det därför man i samma kompositörs verk kan hitta mycket olika musik från störande och till och med tragisk till den ljusaste och mest glädjefulla. En modern kompositör, som en kompositör av vilken tid som helst, kan fortfarande förkroppsliga bilder av förstörelse i sina verk och samtidigt skapa vackra, sublima melodier. Låt oss därför åter vända oss till Boris Tjajkovskijs musik, denna gång till hans konsert för klarinett och orkester. B. Tjajkovskij. Konsert för klarinett och kammarorkester, del I. Denna musik förkroppsligar de viktigaste dragen i kompositörens konstnärliga stil, hans figurativa värld, präglad av melodismens skönhet, den ryska karaktären av lugna, själfulla lyriska teman. Sådan musik återför lyssnaren till en värld av naturliga, levande känslor och stämningar. Det är denna musikegenskap som uttrycker kompositörens djupa tro på människans moraliska renhet, hans naturliga önskan om harmoni och skönhet, såväl som det faktum att traditionella mänskliga värden inte förlorar sin betydelse än idag. Ivan Shishkin. Novgorod. Pechersky Monastery Från recensioner av verken av B. Tchaikovsky ”Genom sitt stora hjärta passerade vår tids spännande konstnärliga problem, mänskliga sorger och glädjeämnen, känslomässiga upplevelser, kunde tonsättaren uppriktigt och djupt säga det viktigaste om världen runt omkring. honom. Och kanske är det just denna egenskap hos hans verk som attraherar oss så mycket, fascinerar oss, får oss att återvända till hans kompositioner om och om igen” (Yu. Serov, pianist). "Det ger dig känslan av att du befinner dig i någon slags rik värld, rik på detaljer, hur naturen kan vara rik, hur rik stranden kan vara ... Till och med snarare inte stranden, utan helt enkelt den ryska stranden. flod, sjöstranden bevuxen med vass, på vilken svanar eller änder simma och löv prasslar. Det finns någon form av lycka i musik” (A. Mitta, filmregissör). Viljan att förstå konstens naturliga grunder är karakteristisk inte bara för musik, utan också för andra typer av konstnärlig verksamhet - poesi, prosa, målning. I detta försöker konstnärerna motstå sådana trender från tiden, när huvudintressena främst är praktiska saker, som bilar eller elektroniska apparater. Vladimir Makovsky. Koka sylt Vad är dessa naturliga baser? Ett av svaren ges i dikten "Jag har återvänt ..." av Rasul Gamzatov. Jag återvände, efter hundra år, från mörkret till detta land. Han blinkade när han såg ljuset. Jag kände knappt igen min planet... Plötsligt hör jag: gräs prasslar, levande vatten rinner i bäcken. "Jag älskar dig!.." ord låter och lyser, blir inte föråldrade... Ett årtusende har passerat. Jag återvände till jorden igen. Allt som jag kom ihåg var täckt av en annan tids sand. Men stjärnornas ljus slocknar också, att veta att snart kommer solen fram. Och människor, som i våra dagar, blir kära och hatar ... Jag lämnade och återvände igen, lämnar evigheten bakom mig. Världen har förändrats till kärnan. Han är full av nyhet. Men fortfarande är vintern vit. Blommor på ängarna blinkar sömnigt. Kärleken förblir densamma. Och bråket förblev detsamma. (Översatt av Y. Kozlovsky) Frågor och uppgifter: Hur förstår du den polske kompositören K. Pendereckis ord, som sattes i epigrafen i detta stycke? Varför, enligt din åsikt, i en kompositörs verk kan du hitta en mängd olika teman, känslor, stämningar? Förklara ditt svar med hjälp av exemplet på B. Tchaikovskys arbete. Kan du hålla med om att musiken till konserten för klarinett och kammarorkester av B. Tjajkovskij ärver de bästa traditionerna av rysk musik? Vad uttrycks det i? Vad är nyheten med denna musik? Vad skulle hända med konsten om den vägrade att förkroppsliga den mänskliga världen och bara speglade tecken på tiden, tekniska framsteg etc.? Vilken är huvudtanken som uttrycks i R. Gamzatovs dikt? Vilka saker anser poeten vara övergående och vilka saker är permanenta? Källa http://www.musicfantasy.ru/materials/oneizmennomvmuzyke
Krzysztof Penderecki föddes den 23 november 1933 i den lilla polska staden Debice. Pojkens musikaliska förmågor visade sig tidigt, och den berömda polske kompositören Arthur Malyavsky började studera med honom i skolan. Efter examen från skolan gick Krzysztof in på Jagiellonian University i Krakow, men lämnade det snart och började studera vid Krakow Academy of Music i klassen av kompositören Stanislav Verkhovych. Där började han komponera musik.
I slutet av sina studier lyckades den unge kompositören skapa flera intressanta verk, varav tre - "Strophes", "Emanations" och "Psalms of David" - han presenterade som sitt examensverk. Dessa kompositioner av honom fick inte bara höga betyg från kommissionen, utan 1959 vann de de tre första priserna i en tävling som utlysts av Union of Polish Composers.
Redan i sina första verk visade Penderecki att han inte var nöjd med traditionella musikgenrer, och han började inte bara bryta mot deras gränser utan också använda icke-traditionella kombinationer av musikinstrument. Så han skrev kantaten "Trenos", tillägnad minnet av offren för bombningen av Hiroshima, för en ensemble av femtiotre stränginstrument. Bland dem fanns violiner, altfiorer, cello och kontrabasar.
1962 fick Penderecki Grand Prix vid en musiktävling i Västtyskland och rätt till fyraårig praktik vid Musikhögskolan i Berlin. Vid det här laget hade kompositören skrivit ett antal kompositioner för stråkinstrument, vilket gjorde hans namn ännu mer känt. Dessa är i synnerhet: "Polymorphia" för fyrtioåtta violiner, "Canon" för femtiotvå violiner och timpani, samt stora verk om bibliska texter - "Passion for Luke" och "Dies Ira" (domedagen) - oratorier till minne av Auschwitzs offer.
Till skillnad från avantgardeartister som använder okonventionella rytmer, kombinerar Penderecki fritt en mängd olika ljud, både musikaliska och icke-musikaliska. Först och främst handlar det om användningen av slaginstrument. De hjälper kompositören att utöka gränserna och ljudet för traditionella musikgenrer. Därmed blev hans Matins ett exempel på en okonventionell läsning av den kanoniska texten. Inte mindre betydelsefull är kompositionen "De nattira sonoris" (Naturljud), där kompositören försöker förmedla nattskogens charm med hjälp av musik.
I slutet av 1960-talet vände sig Penderecki till operagenren. Hans första opera - Djävulen från Loudun - skrevs 1968 på en verklig historisk handling - berättelsen om rättegången mot prästen Urbain Grandier, som munkarna anklagade för att vara besatta av djävulen, varefter den olyckliga mannen ställdes inför rätta. och avrättades. Denna opera har passerat scenerna på alla de största teatrarna i världen. Det började uppfattas som ett slags rekviem till minne av alla som dog för sin tro.
Detta följdes av operorna Black Mask och King Hugo. I dem kombinerar Penderecki också fritt musik, sång och dramatisk action, inklusive skådespelares monologer i verkens musikaliska väv.
Kompositörens ställning är nyfiken, som inte anser sig tillhöra de avantgardistiska artisterna och säger att han aldrig bröt med musiktraditionen. Han framför ofta sina verk som dirigent och tror att detta är en nödvändig komponent i kompositionen. ”Medan jag dirigerar försöker jag göra min musik mer förståelig för dirigenten och musikerna. Därför kommer jag ofta att lägga till något nytt till partituren under repetitioner, sa han i en intervju.
I sina kompositioner använder Penderecki i stor utsträckning melodier från europeisk musik. Så, på grundval av traditionella melodier, skrevs operan "Paradise Lost" (baserad på dikten med samma namn av J. Milton). Men han citerar dem aldrig direkt, utan förmedlar dem alltid med egna medel, i tron att musikens möjligheter i vår tid är mycket bredare och mer mångfaldiga än tidigare.
Förutom musik är Krzysztof Penderecki förtjust i botanik. Han tillbringar all sin lediga tid i sin trädgård, sköter träd och odlar blommor. Men musiken lämnar honom inte heller här. Han komponerar den överallt: vid kreativa möten, under lektioner med elever, på många resor. Så, till exempel, melodin av "Canon" - en körsvit tillägnad trehundraårsjubileet av byggandet av katedralen i Mainz - skrev han i Krakow på kaféet "Yana Michalikova". Kompositören själv säger att han mest av allt gillar att arbeta inte i det tysta på kontoret, utan bland människor.
Kompositörens framgång beror till stor del på den outtröttliga omsorgen om honom och hjälpen av hans fru Elzbieta, som befriar honom från alla inhemska problem och samtidigt utför en impresarios uppgifter och organiserar sina konserter och uppträdanden.
Filmad för att hedra kompositörens 80-årsdag 2013.
I premiärdokumentären berättar en av vår tids största kompositörer och dirigent Krzysztof Penderecki i detalj historien om sitt liv och verk, avslöjar några hemligheter om mästerskap, delar med sig av sina innersta tankar och planer för framtiden. Filmen innehåller sällsynta arkivmaterial och dokument, fragment av konserter och repetitioner, samt intervjuer med Andrzej Wajda, Jonny Greenwood, Janine Jansen, Julian Rachlin, Anne-Sophie Mutter och Elzbieta Penderecka.
Arbetet med filmen utfördes under en lång tidsperiod, som täckte ett helt år av kompositörens liv, som tittarna kommer att "leva" med honom. Det mesta av inspelningen ägde rum i kompositörens lanthus och den unika parken i Lusławice, som han skapade i 40 år. De flesta av växterna fördes av honom från hela världen, många av dem smugglades. "Jag älskar träd väldigt mycket, sedan min tidiga barndom, och jag har alltid drömt om att jag en dag skulle ha en stor park. Första året planterade jag 30 eller 40 träd och sedan gick räkningen i hundratals. Nu har parken vuxit till 30 hektar, och samlingen av växter är mycket stor – cirka 1700 arter av träd och buskar”, säger kompositören. Penderecki är inte bara en samlare, han är en dendrolog, och han fungerar också som designer. I slutändan beror det bara på honom hur parken kommer att se ut om 20 eller 50 år.
Dess park är bland annat dekorerad med en stor labyrint planterad med buskar. Och namnet på filmen - "Krzysztof Penderecki. Vägen genom labyrinten" - valdes inte av en slump. Den kodar för en djup mening för kompositören. Labyrinten är för honom en symbol för kreativ sökning: när du inte kan gå direkt till målet, men från ett stort antal alternativ måste du välja den enda rätta och gå till den vid ringvägen. Vad Penderecki än gjorde (hans talang sträcker sig till många konstnärliga områden, han är ägare till en samling av konst och tillämpad konst, ägare till ett värdefullt bibliotek), han agerade alltid på sitt eget sätt: han följde aldrig mode, blev inte vägledd av någon annans åsikt, men förblev trogen sig själv, sin smak och övertygelse.
Musik för honom är den främsta möjligheten att säga sitt ord om världen, dess komplexitet, för att hitta kopplingar till det förflutna. Han komponerade alltid vad han tyckte om, och inte det som var accepterat. På 60-talet skapade han till exempel väldigt avantgardistisk musik. Som kompositören själv säger var det en önskan att erövra sig själv, att erövra det han lärt sig och att söka efter något nytt. Och 1966, när religiös musik förbjöds, skrev han Lukaspassionen. "Detta verk", minns Penderecki, "bröt den polska regeringens uppfattning att det inte fanns någon Gud och ingen helig musik i en socialistisk stat." Hittills kallades hans senaste idé - ett konserthus byggt i ordets bokstavliga bemärkelse på ett öppet fält - av många ett galet projekt. Men kompositören talar om honom med speciell bävan, eftersom han för honom blev förkroppsligandet av många år av drömmar och drömmar.
Penderecki fördjupar sig djupt i allt som händer i hans liv. Han överlåter inte sina kompositioner på artisternas nåd, men han deltar aktivt i repetitioner: "Jag lämnar ingen frihet åt artisten i mina verk, därför är repetitioner mycket viktiga för mig." Artister har ibland svårt, men det finns ett plus i ett så nära samarbete: de får en unik möjlighet att personligen kommunicera med kompositören. "Han vet helt klart vad han vill. Det här är kompositören som du kan ställa en fråga till och få ett helt korrekt svar", delar violinisten Janine Jansen sina intryck av gemensamma repetitioner med Penderecki. Samarbetet Penderecki med Jonny Greenwood, gitarrist i Radiohead, var ännu närmare. Greenwood var så inspirerad av Pendereckis musik att han "i fotspåren" av två av hans kompositioner - "Lament for the Victims of Hiroshima" och "Polymorphia" - ville skriva musik själv. När han arbetade med sitt arbete funderade han på hur han skulle föra samman Pendereckis två passioner - kärlek till träd och musik. Och han lyckades - på ett pappersark ritade Greenwood ett blad av ett träd i ett horisontellt plan och lade ett orkesterpartitur på bladvenernas förgrening - så här föddes hans "48 svar på Pendereckis polymorfi".
Kompositörens gemensamma arbete med Andrzej Wajda på filmen "Katyn" visade sig vara extremt djupgående. Det fanns personliga skäl till detta: Pendereckis farbror och Vaidas far dödades i Katyn. Penderecki minns hur länge han närde denna plan, som till slut blev verklighet: "Det var mitt projekt. Jag tvingade Vaida att ta min musik. Och i min praktik är detta ett unikt fall: som om musik dök upp från ingenstans, som precis föll på filmen."
Pendereckis kreativa liv är i full gång: repetitioner, premiärer, festivaler; bara för att skriva, mätte han sig själv som 50 år gammal ... Allt detta hade varit omöjligt utan hans enorma interna disciplin: "Varje människa måste leva och arbeta enligt några specifika regler. Till exempel tvingar jag mig själv att gå upp väldigt tidigt varje dag, även om jag ibland inte känner att jag har en arbetsplan för imorgon, i övermorgon, på en månad; jag pausar inte - i min ålder är det inte längre möjligt att göra dem, och jag har alltid haft och fortfarande har fler idéer än möjligheter att genomföra dem. Jag skriver musik riktad till människor, ärlig och modern, som skulle kunna framföras idag, och inte bara efter min död."
Presstjänst för TV-kanalen "Russia K"
