Wissenschaftliche und philosophische Ideen der Renaissance im Weltbild Shakespeares. Shakespeare und die Renaissance Shakespeare-Ideen in der Arbeit

Wir können mit Sicherheit sagen, dass dieser Mann die Welt, die Mentalität, die Wahrnehmung und die Einstellung zur Kunst als solcher verändert hat. William Shakespeare, dessen Werke im Lehrplan der Schule studiert werden, war ein wahres Genie. Seine Theaterstücke und Gedichte können als wahre Enzyklopädie menschlicher Beziehungen bezeichnet werden, als eine Art Spiegel des Lebens, als Spiegel der Mängel und Stärken der Menschen.

großes Genie

Shakespeares Werke sind ein beeindruckender Beitrag zur Weltliteratur. Im Laufe seines Lebens schuf der große Brite siebzehn Komödien, elf Tragödien, ein Dutzend Chroniken, fünf Gedichte und einhundertvierundfünfzig Sonette. Es ist interessant, dass ihre Themen, die darin beschriebenen Probleme bis heute relevant sind. Selbst viele Forscher, die sich mit dem Werk des Dramatikers befassen, können nicht beantworten, wie ein Mensch im 16. Jahrhundert Werke schaffen konnte, die alle Generationen begeistern. Es wurde sogar die Hypothese aufgestellt, dass die Werke nicht von einer Person, sondern von einer bestimmten Autorengruppe, jedoch unter einem Pseudonym, verfasst wurden. Aber die Wahrheit ist noch nicht erwiesen.

Kurze Biographie

Shakespeare, dessen Werke von vielen so geliebt werden, hinterließ viele Geheimnisse und nur sehr wenige historische Fakten. Es wird angenommen, dass er 1564 in der Nähe von Birmingham, in der Stadt Stratford-upon-Avon, geboren wurde. Sein Vater war im Handel tätig und ein wohlhabender Bürger. Aber die Themen Literatur und Kultur wurden mit dem kleinen William nicht besprochen: Zu dieser Zeit gab es in der Stadt kein Umfeld, das der Entwicklung von Talenten förderlich gewesen wäre.

Der Junge ging auf eine freie Schule, mit achtzehn heiratete er (zwangsweise) ein reiches Mädchen, sie war acht Jahre älter als er. Anscheinend gefiel Shakespeare das Familienleben nicht, also schloss er sich einer umherziehenden Künstlergruppe an und reiste nach London. Aber er hatte kein Glück, Schauspieler zu werden, also schrieb er Gedichte zu Ehren einflussreicher Persönlichkeiten, bediente die Pferde wohlhabender Theaterbesucher, arbeitete als Souffleur und schrieb Theaterstücke. Shakespeares erste Werke erschienen, als er 25 Jahre alt war. Dann schrieb er immer mehr. Sie wurden geliefert und waren erfolgreich. Im Jahr 1599 wurde auf Kosten der Künstler der Gruppe, darunter Shakespeare, das berühmte Globe Theatre gebaut. Darin arbeitete der Dramatiker unermüdlich.

Merkmale der Werke

Shakespeares Werke unterschieden sich schon damals von traditionellen Dramen und Komödien. Ihr Markenzeichen war tiefer Inhalt, die Präsenz von Intrigen, die Menschen verändern. William zeigte, wie tief selbst ein edler Mensch unter dem Einfluss der Umstände fallen kann und wie umgekehrt berüchtigte Bösewichte große Taten vollbringen. Der Dramatiker zwang seine Charaktere, ihren Charakter im Verlauf der Handlung nach und nach zu offenbaren, und das Publikum dazu, sich in die Charaktere hineinzuversetzen und der Szene zu folgen. Auch Shakespeares Werke zeichnen sich durch ein hohes moralisches Pathos aus.

Es ist nicht verwunderlich, dass das Genie der Dramaturgie bereits zu seinen Lebzeiten vielen Autoren das Einkommen entzog, da das Publikum genau seine Arbeit verlangte. Und er erfüllte die Anforderungen der Nachfrage – er schrieb neue Stücke, spielte alte Geschichten nach und verwendete historische Chroniken. Der Erfolg bescherte Wilhelm Wohlstand und sogar das Wappen des Adels. Er starb, wie allgemein angenommen wird, nach einem fröhlichen Fest zu Ehren seines Geburtstages im freundschaftlichen Kreis.

Werke von Shakespeare (Liste)

Wir können in diesem Artikel nicht alle Werke des größten englischen Dramatikers auflisten. Aber lassen Sie uns auf die berühmtesten Werke Shakespeares hinweisen. Die Liste lautet wie folgt:

• "Romeo und Julia".
• "Weiler".
• "Macbeth".
• „Ein Traum in einer Sommernacht“.
• „Othello“.
• "König Lear".
• "Der Kaufmann von Venedig".
• "Viel Lärm um nichts".
• "Sturm".
• „Zwei Verona“.

Diese Stücke gehören zum Repertoire jedes Theaters mit Selbstachtung. Und natürlich können wir, um das berühmte Sprichwort zu paraphrasieren, sagen: Der Schauspieler, der nicht davon träumt, Hamlet zu spielen, ist schlecht, die Schauspielerin, die nicht Julia spielen will, ist schlecht.

Sein oder Nichtsein?

Shakespeares Werk „Hamlet“ ist eines der hellsten und eindringlichsten. Das Bild des dänischen Prinzen erregt bis in die Tiefen der Seele und seine ewige Frage lässt Sie über Ihr Leben nachdenken. Für diejenigen, die die Tragödie noch nicht in der Vollversion gelesen haben, geben wir eine Zusammenfassung. Das Stück beginnt mit dem Erscheinen eines Geistes in den Königen. Er trifft sich mit Hamlet und erzählt ihm, dass der König nicht eines natürlichen Todes gestorben ist. Es stellt sich heraus, dass die Seele des Vaters nach Rache verlangt – der Mörder Claudius nahm nicht nur die Frau des verstorbenen Königs, sondern auch den Thron. Um die Richtigkeit der Worte der Nachtsicht zu überprüfen, gibt der Prinz vor, ein Verrückter zu sein und lädt umherziehende Künstler in den Palast ein, um die Tragödie zu inszenieren. Claudius' Reaktion verriet ihn und Hamlet beschließt, sich zu rächen. Palastintrigen, Verrat an seiner Geliebten und ehemaligen Freunden machen einen herzlosen Rächer zum Prinzen. Er tötet mehrere von ihnen, um sich selbst zu verteidigen, wird jedoch durch das Schwert des Bruders der verstorbenen Ophelia getötet. Am Ende sterben alle: sowohl Claudius, der unwahrhaftig den Thron bestieg, als auch die Mutter, die den von ihrem Mann vergifteten Wein trank, der für Hamlet zubereitet wurde, und der Prinz selbst und sein Gegner Laertes. Shakespeare, dessen Werke zu Tränen rühren, beschrieb das Problem nicht nur in Dänemark. Aber die ganze Welt, insbesondere die Erbmonarchie.

Tragödie zweier Liebender

Shakespeares „Romeo und Julia“ ist eine berührende Geschichte über zwei junge Menschen, die bereit sind, sich zu opfern, um mit ihrer Auserwählten zusammen zu sein. Dies ist eine Geschichte über verfeindete Familien, die es ihren Kindern nicht erlaubten, zusammen zu sein und glücklich zu sein. Doch die Kinder der verfeindeten Adligen kümmern sich nicht um die etablierten Regeln, sie beschließen, zusammen zu sein. Ihre Treffen sind voller Zärtlichkeit und tiefer Gefühle. Doch der Bräutigam wurde für das Mädchen gefunden und ihre Eltern sagen ihr, sie solle sich auf die Hochzeit vorbereiten. Bei einem Straßenkampf zwischen Vertretern zweier verfeindeter Familien kommt Julias Bruder ums Leben, als Mörder gilt Romeo. Der Herrscher will den Verbrecher aus der Stadt vertreiben. Den Jugendlichen wird von einem Mönch und einer Krankenschwester geholfen, sie haben jedoch noch nicht alle Einzelheiten der Flucht ausführlich besprochen. Daraufhin trinkt Julia einen Trank, aus dem sie in Romeo verfällt, ihre Geliebte jedoch für tot hält und in ihrer Gruft Gift trinkt. Nach dem Erwachen tötet sich das Mädchen mit dem Dolch des Mannes. Die Montagues und die Capulets versöhnen sich und trauern um ihre Kinder.

Andere Beschäftigungen

Aber William Shakespeare hat Werke und andere geschrieben. Es sind lustige Komödien, die erhebend, leicht und lebendig sind. Sie erzählen von Menschen, die zwar berühmt sind, denen aber Liebe, Leidenschaft und Lebensstreben nicht fremd sind. Wortspiele, Missverständnisse und glückliche Zufälle führen den Charakteren zu einem Happy End. Wenn Traurigkeit in den Stücken vorhanden ist, dann ist sie flüchtig, etwa um die fröhliche Aufregung auf der Bühne zu betonen.

Auch die Sonette des großen Genies sind originell, voller tiefer Gedanken, Gefühle, Erfahrungen. In Versen wendet sich der Autor an einen geliebten Freund, trauert über die Trennung und freut sich über ein Treffen, ist enttäuscht. Eine besondere Melodiesprache, Symbole und Bilder erzeugen ein schwer fassbares Bild. Interessanterweise bezieht sich Shakespeare in den meisten Sonetten auf einen Mann, vielleicht Henry Risley, Earl of Southampton, den Förderer des Dramatikers. Und erst dann, in späteren Werken, erscheint eine dunkelhäutige Dame, eine grausame Kokette.

Anstelle eines Nachworts

Jeder Mensch ist einfach verpflichtet, zumindest die Übersetzung, aber den gesamten Inhalt der berühmtesten Werke Shakespeares zu lesen, um sicherzustellen, dass das größte Genie die Fähigkeit eines Propheten hatte, weil er in der Lage war, die Probleme selbst der modernen Gesellschaft zu erkennen . Er war ein Forscher der menschlichen Seelen, erkannte ihre Mängel und Vorteile und drängte auf Veränderungen. Und ist das nicht der Zweck der Kunst und des großen Meisters?

William Shakespeare

Das Werk des großen englischen Schriftstellers William Shakespeare ist von weltweiter Bedeutung. Shakespeares Genie liegt der ganzen Menschheit am Herzen. Die Ideen- und Bilderwelt des humanistischen Dichters ist wahrlich riesig. Die universelle Bedeutung Shakespeares liegt im Realismus und der Nationalität seines Werkes.

William Shakespeare wurde am 23. April 1564 in Stratford-on-Avon in der Familie eines Handschuhmachers geboren. Der zukünftige Dramatiker studierte an einem Gymnasium, wo er Latein und Griechisch sowie Literatur und Geschichte unterrichtete. Das Leben in einer Provinzstadt bot Gelegenheit zum engen Kontakt mit den Menschen, von denen Shakespeare die englische Folklore und den Reichtum der Umgangssprache lernte. Eine Zeit lang war Shakespeare ein junger Lehrer. 1582 heiratete er Anna Hathaway; er hatte drei Kinder. Im Jahr 1587 reiste Shakespeare nach London und begann bald, auf der Bühne zu spielen, obwohl er als Schauspieler keinen großen Erfolg hatte. Ab 1593 arbeitete er am Burbage Theatre als Schauspieler, Regisseur und Dramatiker und ab 1599 wurde er Anteilseigner des Globe Theatre. Shakespeares Stücke erfreuten sich großer Beliebtheit, obwohl damals nur wenige Menschen seinen Namen kannten, da das Publikum vor allem auf die Schauspieler achtete.

In London traf Shakespeare eine Gruppe junger Aristokraten. Einem von ihnen, dem Earl of Southampton, widmete er seine Gedichte Venus und Adonis (Venus und Adonis, 1593) und Lucrece (Lucrece, 1594). Zusätzlich zu diesen Gedichten verfasste er eine Sammlung von Sonetten und siebenunddreißig Theaterstücken.

1612 verließ Shakespeare das Theater, hörte auf, Theaterstücke zu schreiben und kehrte nach Stratford-on-Avon zurück. Shakespeare starb am 23. April 1616 und wurde in seiner Heimatstadt begraben.

Der Mangel an Informationen über das Leben Shakespeares führte zur sogenannten Shakespeare-Frage. Ab dem 18. Jahrhundert. Einige Forscher begannen die Idee zu äußern, dass Shakespeares Stücke nicht von Shakespeare geschrieben wurden, sondern von einer anderen Person, die seine Urheberschaft verbergen wollte und seine Werke unter Shakespeares Namen veröffentlichte. Herbert Lawrence erklärte 1772, dass der Dramatiker der Philosoph Francis Bacon sei; Delia Bacon behauptete 1857, dass die Stücke von Mitgliedern des Kreises von Walter Raleigh geschrieben worden seien, zu denen auch Bacon gehörte; Carl Bleibtrey im Jahr 1907, Dumblon im Jahr 1918 und F. Shipulinsky im Jahr 1924 versuchten zu beweisen, dass Lord Rutland der Autor der Stücke war. Einige Gelehrte haben die Urheberschaft dem Earl of Oxford, dem Earl of Pembroke und dem Earl of Derby zugeschrieben. In unserem Land wurde diese Theorie von V. M. Friche unterstützt. I.A. Aksenov glaubte, dass viele Stücke nicht von Shakespeare geschrieben, sondern nur von ihm herausgegeben wurden.

Theorien, die die Autorschaft Shakespeares leugnen, sind unhaltbar. Sie entstanden aus Misstrauen gegenüber den Traditionen, die als Quelle von Shakespeares Biografie dienten, und aus der Abneigung, in einer Person demokratischer Herkunft, die keinen Universitätsabschluss hatte, geniales Talent zu sehen. Was über Shakespeares Leben bekannt ist, bestätigt voll und ganz seine Autorschaft. Philosophischer Geist, poetische Weltanschauung, breites Wissen, tiefe Einsicht in moralische und psychologische Probleme – all das besaß Shakespeare dank vermehrter Lektüre, Kommunikation mit den Menschen, aktiver Teilnahme an den Angelegenheiten seiner Zeit, aufmerksamer Lebenseinstellung.

Shakespeares Karriere ist in drei Perioden unterteilt. In der ersten Periode (1591-1601) entstanden die Gedichte „Venus und Adonis“ und „Lucretia“, Sonette und fast alle historischen Chroniken mit Ausnahme von „Heinrich VIII.“ (1613); drei Tragödien: „Titus Andronicus“, „Romeo und Julia“ und „Julius Caesar“. Das charakteristischste Genre dieser Zeit war eine fröhliche, helle Komödie („Der Widerspenstigen Zähmung“, „Ein Sommernachtstraum“, „Der Kaufmann von Venedig“, „Die lustigen Weiber von Windsor“, „Viel Lärm um Nichts“). , „Wie es euch gefällt“, „Die zwölfte Nacht“).

Die zweite Periode (1601–1608) war geprägt von einem Interesse an tragischen Konflikten und tragischen Helden. Shakespeare schafft Tragödien: Hamlet, Othello, König Lear, Macbeth, Antonius und Kleopatra, Coriolanus, Timon von Athen. Die in dieser Zeit geschriebenen Komödien tragen bereits einen tragischen Widerhall; in den Komödien „Troilus und Cressida“ und „Maß für Maß“ wird das satirische Element verstärkt.

Die dritte Periode (1608-1612) umfasst die Tragikomödien „Pericles“, „Cymbeline“, „Das Wintermärchen“ und „Der Sturm“, in denen Fantasie und Allegorismus auftauchen.

Shakespeares Sonette (1592-1598, veröffentlicht 1699) waren der Höhepunkt der englischen Renaissance-Poesie und ein Meilenstein in der Geschichte der Weltpoesie. Bis zum Ende des 16. Jahrhunderts. Das Sonett wurde zum führenden Genre der englischen Poesie. Shakespeares Sonette nehmen in ihrer philosophischen Tiefe, lyrischen Kraft, ihrem dramatischen Gefühl und ihrer Musikalität einen herausragenden Platz in der Entwicklung der Sonettkunst dieser Zeit ein. Die 154 von Shakespeare geschaffenen Sonette eint das Bild eines lyrischen Helden, der von seiner hingebungsvollen Freundschaft mit einem wunderbaren jungen Mann und seiner glühenden und schmerzlichen Liebe zu einer dunkelhäutigen Dame besingt (Die dunkle Dame der Sonette). Shakespeares Sonette sind ein lyrisches Bekenntnis; der Held erzählt vom Leben seines Herzens, von seinen widersprüchlichen Gefühlen; Dies ist ein leidenschaftlicher Monolog, der die Heuchelei und Grausamkeit, die in der Gesellschaft herrschten, wütend anprangert und ihnen bleibende spirituelle Werte entgegensetzt – Freundschaft, Liebe, Kunst. Die Sonette offenbaren die komplexe und vielschichtige Geisteswelt des lyrischen Helden, der eindringlich auf die Probleme seiner Zeit reagiert. Der Dichter lobt die spirituelle Schönheit des Menschen und schildert gleichzeitig die Tragödie des Lebens unter den damaligen Bedingungen.

Künstlerische Perfektion beim Ausdruck tiefer philosophischer Ideen ist untrennbar mit der prägnanten, prägnanten Form des Sonetts verbunden. Shakespeares Sonett verwendet das folgende Reimschema: abab cdcd efef gg. In drei Vierzeilern wird eine dramatische Entwicklung des Themas dargestellt, oft mit Hilfe von Kontrasten und Gegensätzen und in Form eines metaphorischen Bildes; Der letzte Distichon ist ein Aphorismus, der den philosophischen Gedanken des Themas formuliert.

Das Bild einer dunkelhäutigen Dame im 130. Sonett zeichnet sich durch die Fähigkeit eines wahrheitsgetreuen lyrischen Porträts aus. Shakespeare lehnt manierierte, beschönigende Vergleiche ab und versucht, das wahre Gesicht einer Frau darzustellen:

Ihre Augen sehen nicht aus wie Sterne, ihre Lippen kann man nicht Korallen nennen, ihre offene Haut ist nicht schneeweiß, und eine Strähne windet sich wie ein schwarzer Draht. Mit einer Damaszenerrose, Scharlachrot oder Weiß, ist der Farbton dieser Wangen nicht zu vergleichen. Und der Körper riecht, wie der Körper riecht, nicht wie ein zartes violettes Blütenblatt. (Übersetzt von S. Marshak)

Unter den Sonetten, in denen die wichtigsten gesellschaftlichen Ideen zum Ausdruck kommen, sticht das 66. Sonett hervor. Dies ist eine wütende Verurteilung einer Gesellschaft, die auf Gemeinheit, Gemeinheit und Betrug basiert. In lapidaren Phrasen werden alle Geschwüre einer ungerechten Gesellschaft benannt. Der lyrische Held ist so besorgt über das schreckliche Bild des siegreichen Bösen, das sich vor ihm öffnet, dass er beginnt, nach dem Tod zu rufen. Das Sonett endet jedoch mit einem Hauch leichter Stimmung. Der Held erinnert sich an seine Geliebte, für die er leben muss:

Alles, was ich sehe, ist abscheulich, aber es ist schade, dich zu verlassen, lieber Freund!

Seinen anklagenden Monolog, der ein direkter Ausbruch der Empörung ist, spricht der lyrische Held in einem Atemzug. Dies wird durch die Wiederholung der Vereinigung „und“ in zehn poetischen Zeilen vermittelt. Die Verwendung der Worte „tir“ d with all this“ (von allem erschöpft sein ...) am Anfang und am Ende des Sonetts unterstreicht den direkten Zusammenhang zwischen den Erfahrungen des lyrischen Helden und den gesellschaftlichen Problemen der Zeit . Der Held nimmt in seine spirituelle Welt alles auf, was einen Menschen in der öffentlichen Welt beunruhigt. Die dramatischen Erfahrungen des lyrischen Helden äußern sich in der Erzwingung energischer Phrasen, von denen jede eine Antithese ist, die einen echten sozialen Widerspruch reproduziert. Der Held kann nicht Sehen Sie nicht länger das Nichts in luxuriöser Kleidung und ein falsches Urteil zur Vollkommenheit und grob missbrauchte Jungfräulichkeit und unangemessene Ehre, Schande und Macht in Gefangenschaft in zahnloser Schwäche ...

Den intensiven Gefühlen des lyrischen Helden entspricht der häufige und strenge Wechsel von Assonanzen und Alliterationen:

Und Torheit – wie ein Arzt – Kontrollfähigkeiten … Und ein gefangener, gut behandelnder Kapitän, krank …

Durch Sprache und Stil wird die ganze Kraft der Emotionen des aufgeregten Helden perfekt vermittelt. Sonett 146 ist der Größe eines Menschen gewidmet, der dank seiner spirituellen Suche und seines unermüdlichen kreativen Brennens Unsterblichkeit erlangen kann.

Beherrsche den Tod in einem flüchtigen Leben, und der Tod wird sterben, und du wirst für immer bleiben.

Die vielfältigen Verbindungen der geistigen Welt des lyrischen Helden mit verschiedenen Aspekten des damaligen gesellschaftlichen Lebens werden durch metaphorische Bilder hervorgehoben, die auf politischen, wirtschaftlichen, rechtlichen und militärischen Konzepten basieren. Liebe wird als reales Gefühl offenbart, daher wird die Liebesbeziehung mit den gesellschaftspolitischen Verhältnissen der damaligen Zeit verglichen. Im 26. Sonett tauchen die Konzepte der Vasallenabhängigkeit (Vassalage) und der Botschafterpflichten (Botschaft) auf; im 46. Sonett – juristische Begriffe: „Der Beklagte weist die Klage zurück“ (der Beklagte lehnt diesen Klagegrund ab); im 107. Sonett ein mit der Wirtschaft verbundenes Bild: „Liebe ist wie ein Pachtvertrag“ (der Pachtvertrag meiner wahren Liebe); im 2. Sonett – militärische Begriffe: „Wenn vierzig Winter deine Stirn belagern und tiefe Gräben im Feld der Schönheit graben werden ...“).

Shakespeares Sonette sind musikalisch. Die gesamte figurative Struktur seiner Gedichte steht der Musik nahe.

Auch das poetische Bild steht bei Shakespeare dem malerischen Bild nahe. In der verbalen Kunst des Sonetts verlässt sich der Dichter auf das von Renaissancekünstlern entdeckte Gesetz der Perspektive. Das 24. Sonett beginnt mit den Worten: „Mein Auge ist zum Graveur geworden und dein Bild hat sich wahrheitsgemäß in meine Brust eingeprägt.“ Seitdem diene ich als lebender Rahmen, und das Beste an der Kunst ist die Perspektive.

Der Sinn für Perspektive war eine Möglichkeit, die Dynamik des Seins, die Mehrdimensionalität des wirklichen Lebens und die Einzigartigkeit der menschlichen Individualität auszudrücken*.

* Siehe: Samarin P.M. Shakespeare-Realismus. - M., 1964, Kap. „Die ästhetische Problematik von Shakespeares Sonetten“. Die lyrische Tragödie der Sonette wird in den Tragödien Shakespeares entwickelt. Sonett 127 nimmt das tragische Thema von Othello vorweg:

Schwarz galt nicht als schön, als Schönheit in der Welt geschätzt wurde. Aber offenbar hat sich das weiße Licht verändert, - Das Schöne wurde mit Schande verunglimpft.

Das 66. Sonett im Miniaturformat enthält den philosophischen Inhalt und den lyrischen Ton, der für die Tragödie „Hamlet“ charakteristisch ist.

Shakespeares Sonette wurden von I. Mamun, N. Gerbel, P. Kuskov, M. Tschaikowsky, E. Ukhtomsky, N. Kholodkovsky und O. Rumer ins Russische übersetzt. Die 1949 veröffentlichten Übersetzungen von S.Ya. Marshak wurden als die besten anerkannt, da es ihm gelang, die philosophische Tiefe und Musikalität von Shakespeares Sonetten zu vermitteln.

Shakespeares humanistische Weltanschauung kommt in der künstlerischen Auseinandersetzung mit gesellschaftspolitischen Konflikten und tragischen Widersprüchen im menschlichen und gesellschaftlichen Leben in seinen historischen Chroniken besonders deutlich zum Ausdruck. Das Wesen des Genres der historischen Chronik besteht in der dramatischen Darstellung realer Personen und Ereignisse der nationalen Geschichte. Im Gegensatz zu Tragödien, bei denen Shakespeare aus gestalterischen Gründen von einer genauen Darstellung historischer Fakten abwich, zeichnet sich die Chronik durch eine getreue Wiedergabe historischer Ereignisse aus, die jedoch künstlerische Vermutungen und künstlerische Nachbildungen des Stoffes voraussetzt*.

* Siehe: Shvedov Yu.F. William Shakespeare: Studien. - M., 1977; Komarova V. P. Persönlichkeit und Staat in Shakespeares historischen Dramen. - L., 1977.

Shakespeares historische Chroniken umfassen zehn Stücke:

„Heinrich VI. Teil eins „(Der erste Teil von König Heinrich VI., 1590-1592);

„Heinrich VI. Zweiter Teil „(Der zweite Teil von König Heinrich VI., 1590-1592);

„Heinrich VI. Dritter Teil „(Der dritte Teil von König Heinrich VI., 1590-1592);

„Richard III“ (Die Tragödie von König Richard III., 1592-1593);

„Richard II“ (Die Tragödie von König Richard II., 1595-1597);

„King John“ (Das Leben und der Tod von König John, 1595-1597);

„Heinrich IV. Teil eins „(Der erste Teil von König Heinrich IV., 1597–1598);

„Heinrich IV. Zweiter Teil „(Der zweite Teil von König Heinrich IV., 1597–1598);

„Heinrich V.“ (Das Leben von König Heinrich V., 1598-1599);

„Henry VIII“ (Die berühmte Lebensgeschichte von König Heinrich VIII., 1612-1613).

In historischen Chroniken gibt Shakespeare sein Verständnis und seine Interpretation historischer Ereignisse und Handlungen historischer Personen wieder. Auf dem Material der Vergangenheit löst er die Probleme, die seine Zeitgenossen beunruhigten. Die Geschichte in seinen Chroniken dient dazu, den aktuellen Zustand der Gesellschaft zu erkennen. Chroniken zeichnen sich ebenso wie Tragödien durch ethisches Pathos, eine philosophische Formulierung des Gut-Böse-Problems, ein humanistisches Interesse am Menschen und seinem Schicksal aus. Chroniken stehen in vielerlei Hinsicht nicht nur Shakespeares Tragödien, sondern auch Shakespeares Komödien nahe; Sie geben eine komödiantische Darstellung des „falstaffianischen Hintergrunds“.

Die Entstehung des Genres der historischen Chronik ist auf die Widersprüche der englischen Realität selbst zurückzuführen. V. G. Belinsky begründete die Entwicklung der historischen Chronik in England so: „Historisches Drama ist nur möglich, wenn die heterogenen Elemente des Staatslebens kämpfen.“ Nicht umsonst hat das Drama allein bei den Engländern seine höchste Entwicklung erreicht; Es ist kein Zufall, dass Shakespeare in England und in keinem anderen Staat auftrat: Nirgendwo befanden sich die Elemente des Staatslebens in einem solchen Widerspruch, in einem solchen Kampf untereinander wie in England.

* Belinsky V. G. Poly. koll. Zit.: In 13 Bänden - M, 1954.-T. 5. - S. 496.

Shakespeares Anziehungskraft auf das Genre der historischen Chronik war auch auf das gestiegene öffentliche Interesse an der Nationalgeschichte während der Zeit des Kampfes um die Stärkung des Nationalstaates zurückzuführen. Die Quelle der Handlung historischer Chroniken war das bereits erwähnte Werk von R. Holinshed „Chronicles of England, Scotland and Ireland“.

In der Trilogie „Henry VI“ wird eine breite Leinwand gezeichnet: Der Krieg der Scharlachroten und Weißen Rosen wird dargestellt, als sich die englischen Barone im mörderischen Kampf zwischen Lancasters und Yorks gegenseitig brutal ausrotteten. Shakespeare stellte die blutigen Fehden der Feudalherren richtig dar und verurteilte beide Kriegsparteien. Der Dramatiker plädiert für eine starke königliche Macht, die den Feudalkriegen ein Ende setzen könnte. Deshalb verurteilt er König Heinrich VI., einen schwachen Mann, der nicht in der Lage ist, das Land zu regieren und die verfeindeten Barone zu beruhigen. Heinrich VI. begeht keine Gräueltaten, aber er macht sich schuldig, sich der Pflicht als Staatsoberhaupt zu entziehen und davon zu träumen, die Krone aufzugeben, um Hirte zu werden. Heinrich VI. stirbt genau deshalb, weil er es versäumt hat, die ihm gegebene Macht klug zu nutzen.

Die historischen Chroniken Shakespeares zeigen die Stärke des Volkes. Die Barone sind gezwungen, mit der Stimmung der Massen zu rechnen. Der zweite Teil von „Heinrich VI.“ schildert den Aufstand von John Cad im Jahr 1450. Shakespeare enthüllte das Muster des Volksprotestes, der im Zusammenhang mit der Notlage der Bauern und städtischen Handwerker aufgrund feudaler Bürgerkriege entstand. Shakespeare sah jedoch, wie die Feudalherren den Volksaufstand für ihre eigenen egoistischen Zwecke nutzten.

Die Trilogie „Heinrich VI.“ beschreibt solche Zustände im gesellschaftlichen Leben, die zur Entstehung eines Tyrannen führen. Die blutige Rivalität der Aristokraten war eine Voraussetzung für die Machtübernahme von Richard von Gloucester, dem späteren Richard III. Im Finale der Trilogie wird die dunkle Persönlichkeit von Richard Gloucester immer einflussreicher.

Im Stück „Richard III“ rückt diese Figur in den Mittelpunkt. Das Stück selbst steht in seiner Struktur einer Tragödie nahe. Die für „Heinrich VI.“ charakteristische Aufmerksamkeit für den Verlauf historischer Ereignisse wird in „Richard III“ durch die Aufmerksamkeit für den Charakter des Helden und seinen Konflikt mit anderen ersetzt. Richard III. erscheint nicht nur als eine Figur, die die Macht an sich reißt, sondern auch als psychologisch überzeugende Persönlichkeit. Shakespeare entwickelt die anklagende Charakterisierung von ihm als Tyrannen weiter, die ihm in Thomas Mores Buch „The History of Richard III“ (1514–1518) gegeben wurde. Richard III. wird von Shakespeare als ein Politiker verurteilt, der machiavellistische Methoden nutzt, um an die Macht zu gelangen, und im Kampf um den Thron auf kriminelle Handlungen zurückgreift. Er vertuscht seine Grausamkeit und seine kriminellen Pläne mit heuchlerischen Argumenten über das Gute. Gleichzeitig spricht er, allein mit sich selbst, direkt von seiner List, von seiner bewussten Absicht, nicht mit seinem Gewissen zu rechnen.

Richard III. ist klug und mutig, er hat große Willenskraft und besiegt diejenigen, die ihm mit Misstrauen und Feindseligkeit begegnen. Sein Verhalten ist ein Spiel, das viele in die Irre führt. Es gelang ihm, Anna zu verführen, obwohl er wusste, dass er ihren Mann getötet hatte. Der schurkische Auftritt von Richard III. hat einen gigantischen Anfang. Es ist kein Zufall, dass V. G. Belinsky schrieb: „Ein tragisches Gesicht muss sicherlich zum Mitmachen anregen.“ Richard III. selbst ist ein Monster der Schurkerei, das mit einer gigantischen Geisteskraft Teilhabe in sich weckt. Richard III., der seine Grausamkeit mit den Worten rechtfertigte: „Die Faust ist unser Gewissen und das Gesetz ist unser Schwert“, erlebt schließlich Gewissensbisse und verurteilt sich im Angesicht des Todes selbst dafür, dass er seinen Eid gebrochen, Morde begangen und damit Morde begangen hat sich selbst zur Einsamkeit verdammt.

* Belinsky V. G. Poly. koll. Zit.: In 13 Bänden - M, 1955. - T. 7. - S. 534.

Die Handlung im Stück ist die Umsetzung der listigen Schurkenpläne des Protagonisten, sie demonstriert die Intrigenkunst von Richard III., der selbst als Schauspieler und Regisseur in Gewalt- und Mordszenen auftritt. Er spielt souverän und mutig, sein Handeln führt zum Erfolg: Er strebt nach dem Thron. Doch nachdem er König geworden ist, hat der Tyrann das Gefühl, dass er seine Macht nicht durch Verbrechen stärken kann.

Shakespeare verurteilt die Tyrannei und vertritt die Idee einer Monarchie, die Frieden und Ruhe im Land schaffen kann. Der Tyrann Richard III. stellt sich gegen den Earl of Richmond, den Gründer der Tudor-Dynastie. Dieses Bild wird hier nur skizziert, aber seine ideologische und kompositorische Bedeutung ist groß: Damit ist die Idee der Notwendigkeit des Kampfes gegen den Despotismus, der Gesetze des Sieges über die Tyrannei verbunden. Das im Bild von Richmond umrissene Thema des Monarchen, der sich um das Wohl des Landes kümmert, entwickelt sich in der nächsten Chronik – „König John“ – zum Thema eines patriotischen Monarchen. Das Stück entstand zu einer Zeit, als sich England vom katholischen Spanien bedroht fühlte. Daher rückten das Thema Patriotismus und die Verurteilung des Katholizismus in den Mittelpunkt der Chronik. Das Thema Patriotismus wird in den Bildern von John the Landless und Bastard Fockenbridge offenbart.

Die patriotische Position Shakespeares ist das Hauptkriterium bei der Beurteilung des Verhaltens der Charaktere im Stück „Richard II.“ In seiner Handlung steht dieses Drama nahe an „Edward II“ von Christopher Marlowe. In beiden Werken werden die Verweigerung der Krone durch den verdorbenen König und sein Tod dargestellt. Die Ähnlichkeit der Handlungssituation erklärt sich jedoch weniger durch den Einfluss von Marlos Drama auf Shakespeares Drama, sondern durch die Nähe der Schicksale historischer Persönlichkeiten. Der kluge Richard II. hat das Gefühl, dass sich die Zeit gegen ihn gewendet hat. In einer tiefen spirituellen Krise lehnt er die Krone ab.

Herzog Henry Bolingbroke, der Gegenspieler von Richard II., ist ein kluger und subtiler Politiker. Der Mut und die Tapferkeit von Bolingbroke erregten beim Volk Sympathie für ihn. Der Herzog nutzt geschickt seine Popularität beim einfachen Volk, um seine ehrgeizigen Pläne umzusetzen. Shakespeare behandelt Bolingbrokes Patriotismus mit großer Sympathie, spricht aber mit offensichtlicher Feindseligkeit über seine Heuchelei, Klugheit und seinen Ehrgeiz. Die Usurpation der Macht wird durch eine unmoralische Handlung dargestellt, die zu einem Verbrechen führt – der Ermordung von Richard P.

Shakespeares beste historische Dramen sind die beiden Teile „Heinrich IV.“ und „Heinrich V.“ Bolingbroke, der König Heinrich IV. wurde, gerät in Konflikt mit den Feudalherren. Seine Hauptgegner sind Barone aus der Familie Percy. Die Feudalherren erheben eine Rebellion gegen den König, handeln inkonsequent, eigennützige Interessen hindern sie daran, sich zu vereinen. Als Folge dieser Uneinigkeit während des Aufstands kommt der tapfere Henry Percy, Spitzname Hotspur („Hot Spur“), auf tragische Weise ums Leben. Und in dieser Chronik zeigt Shakespeare die Unvermeidlichkeit der Niederlage der Feudalherren im Zusammenstoß mit der königlichen Macht. Dennoch wird der Ritter von Hotspur positiv dargestellt. Er weckt Sympathie für seine Treue zum Ideal der militärischen Ehre, des Mutes und der Furchtlosigkeit. Shakespeare wird von den moralischen Qualitäten eines tapferen Ritters angezogen. Aber er akzeptiert Hotsper nicht als eine Person, die die Interessen der Feudalherren vertritt und mit Kräften verbunden ist, die in der Vergangenheit verschwinden. Hotspur fungiert als Gegner von Heinrich IV., Prinz Harry und Falstaff und ist diesen Helden, die die neuen, sich entwickelnden Kräfte der Gesellschaft repräsentieren, deutlich unterlegen. Das Stück spiegelt die objektive Regelmäßigkeit der Zeit wider: den tragischen Tod der Feudalherren und die allmähliche Etablierung einer neuen Kraft – des Absolutismus.

König Heinrich IV., der dank geschickter diplomatischer Maßnahmen den Thron bestieg, verliert schließlich seine Aktivität und befindet sich wie seine Vorgänger in einer moralischen Krise. Heinrich IV. befürchtet, dass es ihm nicht gelungen ist, das Land von Bruderkriegen zu befreien. Kurz vor dem Tod des kranken Heinrich IV. drückt er in einem Gespräch mit seinem Sohn, der sich von seinem früheren Misstrauen und seiner Geheimhaltung entfernt, direkt seine Besorgnis über das Schicksal Englands aus und gibt Prinz Harry Ratschläge zu öffentlichen Angelegenheiten. Heinrich IV. konnte den Kampf gegen die Feudalherren nicht zu Ende bringen, weil er selbst immer wie ein Feudalherr agierte und als Feudalherr an die Macht kam, indem er den Thron usurpierte.

Die wichtigste Rolle in der Handlung beider Teile von „Heinrich IV.“ spielt das Bild von Prinz Harry, dem zukünftigen König Heinrich V. In Übereinstimmung mit der Legende, die in der Renaissance existierte, stellte Shakespeare Prinz Harry als einen ausschweifenden Kerl dar, Erlebe lustige und lustige Abenteuer in Begleitung von Falstraff. Doch trotz seiner Ausschweifungen ist Prinz Harry ein moralisch reiner Mann. Obwohl Prinz Harry in Wirklichkeit ein grausamer Abenteurer war, porträtierte ihn Shakespeare als wunderbaren jungen Mann. Die Idealisierung des Prinzen ist auf Shakespeares Glauben an den fortschrittlichen Charakter einer absoluten Monarchie zurückzuführen, die die Nation vereint.

Der Charakter von Prinz Harry ist vielfältig. Er agiert entschlossen und mutig im Kampf, lebhaft und direkt im Umgang mit dem Volk, klug und weitsichtig in Staatsangelegenheiten. Prinz Harry verbringt sein Leben mit Unterhaltung, zusammen mit Falstaff, Bardolph und Pistol vergnügt er sich in der Boar's Head Tavern. Aber auch in den Szenen des Zechgelages bleibt Harry ein edler Mann. Er besticht durch eine freundliche Haltung gegenüber gewöhnlichen Menschen und die Fähigkeit, mit ihnen eine gemeinsame Sprache zu finden. Der Prinz führt das Leben eines ausschweifenden Kerls und denkt gleichzeitig sehr ernsthaft darüber nach, wie er an die Macht kommen und das Land regieren wird. Die demokratische Kommunikation mit den unteren Gesellschaftsschichten ist für Prinz Harry eine Form der umfassenden Bekanntschaft mit denen, die seine Untertanen werden.

Die historischen Chroniken „Heinrich IV.“ und „Heinrich V.“ zeigen die bunten plebejischen Schichten der Gesellschaft – Bauern, Diener, Soldaten, Kaufleute, den sogenannten „Falstaff-Hintergrund“. Der Realismus des historischen Dramas wurde durch die vielschichtige und vielschichtige Darstellung der Gesellschaft bestimmt. Der Frage nach der Stellung des Volkes, nach dem Verhältnis des Monarchen zum Volk kommt große Bedeutung zu. „Falstaffs Hintergrund“ ist ein realistisches Bild des Lebens der unteren Gesellschaftsschichten, nicht nur der Zeit, in der die Handlung der Chroniken stattfindet, sondern auch des Englands zur Zeit Shakespeares.

Unter den Charakteren des „Falstaffian-Hintergrunds“ sticht vor allem das helle Comic-Bild von Sir John Falstaff hervor. Dieser dicke Ritter sorgt mit seinen endlosen Possen und seiner geistreichen Rede für Gelächter. Es gibt viele Laster in Falstaff. Er ist ein Libertin, ein Trunkenbold, ein Lügner und ein Räuber. Daher die satirischen Akzente in diesem Bild. Aber das Wichtigste bei Falstaff ist der Spaß, das künstlerische Spiel und der endlose Einfallsreichtum. Dieses Bild vermittelt den Charme der menschlichen Natur, die nicht durch gesellschaftliche Konventionen eingeschränkt ist. Falstaff ist gutmütig und offen, fröhlich und fröhlich, unternehmungslustig und weise. Der schelmische und schelmische Falstaff, der von komischen Figuren umgeben erscheint, verkörpert den heiteren Geist der Renaissance und widersetzt sich sowohl der religiösen Moral des Mittelalters als auch der puritanischen Heuchelei bürgerlicher Kreise. Falstaff lacht über religiöse Bigotterie. Als verarmter Adliger und Ritter lebt er von Straßenüberfällen. Er ist sich der Macht des Geldes bewusst und beugt sich gleichzeitig nicht vor ihnen. Im Gegensatz zum Bürgertum fehlt Falstaff die Gier nach Hortung oder Kleinhortung und Genügsamkeit. Er braucht Geld, um das Leben zu genießen.

Falstaff widersetzt sich Hotspur mit seiner Ablehnung der ritterlichen Ehre. Die ritterliche Ehre der Feudalherren wurde auf die obligatorische Teilnahme an mörderischen Kriegen reduziert. Der Ritter Falstaff steht der ritterlichen Ehre gerade deshalb ablehnend gegenüber, weil er die sinnlose Grausamkeit des Krieges sieht. Falstaff ist ein komisches Bild eines Kriegers dieser Zeit. Er macht sich große Sorgen um sein Leben, das ihm wichtiger ist als alles andere auf der Welt, deshalb dient er nicht besonders hart und vertuscht seinen mangelnden Diensteifer mit List und Lügen.

Falstaff bezaubert mit seiner grenzenlosen Lebenslust, seiner ungezügelten Fantasie, seinem verspielten Possenreißer, seinem Selbstbewusstsein sowie seiner einfühlsamen und witzigen Kritik an der feudalen Moral. Falstaffs zynische Urteile sind eine Form, in der das unattraktive Wesen der Beziehungen in der feudalen Gesellschaft offenbart und betont wird.

Als eines der bedeutendsten Bilder Shakespeares repräsentiert Falstaff die komödiantische Welt des Shakespeare-Dramas, während Hamlet die Welt der Tragödie markiert. Das Bild von Falstaff ist eine komische Entsprechung zum tragischen Plan des Hauptinhalts historischer Chroniken. Jene Probleme, die sich in der Haupthandlung auf tragische Weise offenbaren, werden im „falstaffianischen Hintergrund“ auf komische Weise dargestellt. Falstaffs Rede wird im Gegensatz zur poetischen Rede tragischer Charaktere in Prosa gehalten. Seine Rede ist direkt, sie offenbart auf ganz natürliche Weise die Lachkultur der Landessprache. Falstaffs Witze basieren oft auf dem Spiel mit dem gleichnamigen Wortklang, auf der Parodie. Das komische Bild von Falstaff basiert auch auf der betonten Diskrepanz zwischen dem Aussehen eines dicken, älteren Wahlkämpfers und den fröhlichen, gewagten Taten und Aussagen eines jungen Mannes im Geiste.

Prinz Harry ist mit dem witzigen Hedonisten Falstaff befreundet. Als der Prinz König Heinrich V. wird, entfernt er Falstaff von sich. In diesen Charakterbeziehungen finden sich Anklänge an die reale Beziehung zwischen Heinrich V. und Sir John Oldcastle, der als Prototyp von Falstaff gilt.

Die Beziehung zwischen Falstaff und Prinz Harry ist voller tiefer Bedeutung. Dank seiner Freundschaft mit Falstaff schließt sich Prinz Harry dem Geist der Kritik und Fröhlichkeit der Renaissance an und lernt das Leben und die Bräuche des einfachen Volkes kennen. Im Verhältnis zu Prinz Harry ist Falstaff vertrauensvoll; er betrachtet den Prinzen als seinen wahren Freund. In dieser freundlichen Zuneigung und spirituellen Großzügigkeit der Renaissance-Persönlichkeit manifestiert sich Falstaffs Überlegenheit gegenüber dem „idealen Monarchen“. Doch Falstaff ist Prinz Harry in der nüchternen Einschätzung neuer Umstände unterlegen. Der Bruch von Prinz Harry mit Falstaff ist unvermeidlich. Der „ideale Monarch“ Heinrich V. verlässt nach seiner Machtübernahme die ehemaligen Renaissance-Freiherren. Um ein absolutistisches Regime zu stärken, bedarf es weder Humor noch Großzügigkeit.

In der ersten Schaffensperiode schuf Shakespeare neben historischen Chroniken auch fröhliche, optimistische Komödien, in denen ein Mensch als Schöpfer seines eigenen Glücks auftritt und manchmal schwierige dramatische Situationen meistert. Zu den Komödien zählen die folgenden Stücke: „Die Komödie der Irrtümer“ (1591), „Der Widerspenstigen Zähmung“ (1594), „Die zwei Herren von Verona“ (1594-1595), „Die fruchtlosen Bemühungen der Liebe“ (Love „s Labor“ s Lost, 1594 -1595), „Ein Sommernachtstraum“ (Ein Sommernachtstraum, 1594-1595), „Der Kaufmann von Venedig“ (Der Kaufmann von Venedig, 1595), „Die lustigen Weiber von Windsor“ (Die lustigen Weiber). von Windsor, 1597), „Viel Lärm um nichts“ (Viel Lärm um nichts, 1598-1599), „Wie es euch gefällt“ (Wie es euch gefällt, 1599-1600), „Zwölfte Nacht oder irgendetwas“ (Zwölfte Nacht). ; oder What You Will, 1600).

In dem fröhlichen Farce-Drama „Der Widerspenstigen Zähmung“ treten die klugen Charaktere Catarina und Petruchio auf, die sich von den berechnenden Bürgern Paduas abheben. Katarina gilt als störrisches Mädchen, während ihre Schwester Bianca für ihre Sanftmut bekannt ist. Katarinas Hartnäckigkeit und Unhöflichkeit sind nur ein Mittel, um ihre Würde zu verteidigen, ein Mittel, um kleinlichen Berechnungen, der Willkür ihres Vaters und den das Haus belagernden Freiern zu widerstehen. Katharina ärgert sich über die Gesichtslosigkeit von Bianchi, dem Tiefland der Freier. Mit ihrer gewohnten Unhöflichkeit begegnet sie auch Petruchio. Zwischen ihnen beginnt ein langes Duell, in dessen Folge beide das Gefühl haben, dass sie einander an Energie, Standhaftigkeit, Lebenslust und Witz nicht unterlegen sind, dass sie einander in Geist und Willen würdig sind.

Die Idee vom Triumph des Lebens und der Liebe offenbart sich auch in der Komödie Ein Sommernachtstraum. Die poetische Welt dieser Komödie ist eine bizarre Mischung aus Irdischem, Realem, Fabelhaftem, Phantastischem. In dieser Komödie stellt der Humanist Shakespeare die konventionelle Natur der traditionellen Moral der natürlichen Natürlichkeit menschlicher Gefühle und Leidenschaften gegenüber. Das Thema Liebe wird hier auf lyrische und humorvolle Weise behandelt. Die Liebe junger Helden ist ein reines, strahlendes Gefühl. Es gewinnt trotz aller Launen und Macken menschlicher Charaktere und menschlichen Verhaltens.

In Shakespeares Komödien gibt es zutiefst dramatische Konflikte und sogar tragische Motive. In dieser Hinsicht ist die Komödie „Der Kaufmann von Venedig“ typisch. Vor dem Hintergrund der fröhlichen Karnevalsatmosphäre von Venedig kommt es zu einem scharfen Konflikt zwischen der Welt der Freude, des Vertrauens und des Adels und der Welt des Eigennutzes, der Gier und der Grausamkeit. In dieser Komödie entwickelte Shakespeare die Motive der Kurzgeschichte von Giovanni Fiorentino weiter und verlieh ihnen dramatische Tiefe. Das Stück stellt einen scharfen Kontrast zwischen denen dar, die selbstlose Freundschaft am meisten schätzen – Portia, Antonio, Bassanio – und denen, die alle menschlichen Beziehungen Eigentumsinteressen unterordnen. Antonio leiht sich Geld vom Pfandleiher Shylock, um seinem Freund Bassanio zu helfen, der in Portia verliebt ist. Antonio, der das geliehene Geld nicht rechtzeitig zurückgezahlt hat, erscheint vor Gericht. Der grausame Shylock verlangt laut Gesetzentwurf von Antonio ein Pfund seines Fleisches für die Nichtzahlung der Schulden. Portia, als Anwalt verkleidet, spricht zu Antonios Verteidigung. Das Gute siegt über das Böse. Junge Leute besiegen den Wucherer.

Das Bild von Shylock wird in der Komödie nicht nur als Verkörperung des Bösen dargestellt. Shylocks Charakter ist komplex. Shylocks Vielseitigkeit wurde von Puschkin hervorgehoben: „Shylock ist geizig, schlagfertig, rachsüchtig, kinderliebend, witzig“*. Dieses Bild hat einen tragischen Anfang. Shylock wird als grausamer und rachsüchtiger Wucherer dargestellt, gleichzeitig aber auch als Mann, der unter seiner gedemütigten Stellung in der Gesellschaft leidet. Mit einem großen Gespür für die Menschenwürde sagt Shylock, dass Menschen trotz der unterschiedlichen Nationalitäten von Natur aus gleich sind. Shylock liebt seine Tochter Jessica und ist schockiert, dass sie von zu Hause weggelaufen ist. Einige seiner Eigenschaften können bei Shylock Sympathie hervorrufen, aber im Allgemeinen wird er als Raubtier verurteilt, als eine Person, die keine Gnade kennt, als „jemand, der keine Musik in seiner Seele hat“. Der bösen Welt von Shylock steht in der Komödie die helle und fröhliche Welt der Großzügigkeit und des Adels gegenüber. Heinrich Heine schrieb in Shakespeares Mädchen und Frauen (1838): „Portia ist eine harmonisch klare Verkörperung strahlender Freude, im Gegensatz zum düsteren Unglück, das Shylock verkörpert“ **.

* Puschkin-Kritiker. - M, 1950. - S. 412.

** Heine G. Sobr. Zitat: In 10 Bänden - M; L., 1958. - T. 7. - S. 391.

In der fröhlichen Haushaltskomödie „Die lustigen Weiber von Windsor“ wird eine ganze Galerie komischer Bilder geboten: Die Dummheit von Richter Shallow, seinem Neffen Slender, wird lächerlich gemacht, Pfarrer Hugh Evans macht Witze. Eine ganze Gruppe komischer Figuren aus der historischen Chronik „Heinrich IV.“ floss in diese Komödie ein – Falstaff, Bardolph, Shallow, Pistol, Mrs. Quickly.

Das Bild von Falstaff erfährt in „Die lustigen Weiber von Windsor“ erhebliche Veränderungen. Er verlor sein Freidenken, seinen Humor und seinen Einfallsreichtum. Jetzt spielt Falstaff die Rolle eines erfolglosen Beamten, dem die Windsor-Ehefrauen eine Lektion erteilt haben. Sobald er in einer bürgerlichen Umgebung angekommen ist, wird er zu einem elenden und langweiligen Bewohner, wird besonnen und sparsam.

Die Komödie „Die lustigen Weiber von Windsor“ ist von einer lustigen Karnevalsatmosphäre durchdrungen. Aber im Gegensatz zu anderen Komödien spielt sich die Handlung darin in einem bürgerlichen Umfeld ab, was Shakespeare die Möglichkeit gibt, das wirkliche Leben und die Bräuche dieser Zeit in größerem Umfang zu vermitteln, insbesondere in Szenen, die das alltägliche Leben der Pages und Fords darstellen. das Leben in einem Gasthaus, das Duell von Caius mit Evans, Pages Prüfung.

Die skurrile Intrige und der Handlungsrahmen der Komödie „Viel Lärm um Nichts“ sind den Werken von Bandello und Ariosto entnommen. Shakespeare führte in die bekannte Handlung, die auch Spencer verwendete, eine originelle Kombination aus Tragik und Komik ein.

Die Komödie Wie es euch gefällt, basierend auf Thomas Lodges Pastoralroman Rosalind oder das goldene Erbe des Euphues, ist im Wesentlichen eine Parodie auf den Pastoralstil. Das Leben im Schoß der Natur, im Ardennenwald, ist eine Art Utopie, Ausdruck des Traums von einem einfachen und natürlichen Leben. Die Gesamtfarbe der Komödie wird nicht durch das pastorale Element bestimmt, sondern durch die folkloristischen Traditionen der Balladen über Robin Hood. Im Ardennenwald leben nicht nur die Hirten Sylvius und Phoebe, sondern auch Verbannte: der entthronte Herzog Rosalind, verfolgt von ihrem grausamen Onkel, beraubt von ihrem Bruder Orlando. Die menschliche Welt der Bewohner des Ardennenwaldes steht im Gegensatz zur grausamen und gierigen modernen Gesellschaft. Satirische Kritik an den Lastern der aristokratischen Gesellschaft finden sich in den Aussagen des witzigen Narren Touchstone mit seinem Volkshumor und des melancholischen Jacques. Jester Touchstone beurteilt das Leben der Bäuerin Audrey sehr einfach und richtig.

Das humorvolle Element des Stücks verbindet sich mit dem lyrischen Thema der zärtlichen Gefühle von Orlando und Rosalind. Ein besonderes Ergebnis von Shakespeares Komödie der ersten Schaffensperiode war die Komödie Twelfth Night or Anything. Es basiert auf der Handlung einer von Bandellos Kurzgeschichten und erhielt seinen Namen, weil es in der zwölften Nacht nach Weihnachten aufgeführt wurde, als der Spaß der Weihnachtsfeiertage endete. „Twelfth Night“ war die letzte von Shakespeares fröhlichen, fröhlichen Karnevalskomödien.

In „Twelfth Night“ dringt Shakespeare in die Tiefen des menschlichen Herzens ein, spricht von Überraschungen im menschlichen Verhalten, von unvorhergesehenen spirituellen Bewegungen, von der Selektivität der Gefühle. Grundlage der komödiantischen Intrige ist ein zufälliger Zufall, der das Schicksal eines Menschen schlagartig veränderte. Die Komödie bekräftigt die Idee, dass ein Mensch allen Launen des Schicksals zum Trotz für sein eigenes Glück kämpfen muss.

Schauplatz des Stücks ist das exotische Land Illyrien. Ihr Herrscher Herzog Orsino lebt in der bezaubernden Welt der Liebe und Musik. Der höchste Wert für ihn ist die Liebe. Orsino ist in Olivia verliebt, die seine Gefühle nicht erwidert. Sie lebt als Einsiedlerin und verbringt ihre Zeit mit traurigen Gedanken über ihren toten Bruder. Viola, die den Schiffbruch überlebt hat, findet sich im Herrschaftsbereich des Herzogs wieder. Als Mann verkleidet tritt sie unter dem Namen Cesario in die Dienste des Herzogs. Viola Cesario verliebt sich in Orsino, doch sie erfüllt selbstlos die Bitte des Herzogs, zu Olivia zu gehen und ihr von seiner Liebe zu erzählen.

Die Beharrlichkeit von Cesario, der Einlass in Olivias Haus suchte, und seine an sie gerichtete Beredsamkeit fesseln den Einsiedler. Olivia verliebt sich in Cesario, gesteht ihm ihre Leidenschaft und spricht von Liebe:

Liebe ist immer schön und begehrenswert, besonders wenn sie unerwartet kommt. (Übersetzt von E. Lipetskaya)

Durch den Willen des Schicksals befindet sich Violas Bruder Sebastian, der bei einem Schiffbruch verschwunden ist, in Illyrien und ist seiner Schwester sehr ähnlich. Olivia, die Sebastian kennengelernt hat, verwechselt ihn mit Cesario. Wenn das Geheimnis gelüftet wird, kommt es zu glücklichen Hochzeiten.

Im Bildersystem der Komödie nimmt der Narr Festa einen wichtigen Platz ein. Die Besonderheit von Feste ist, dass sein Humor traurig ist. Er spricht von der Vergänglichkeit des Lebens und des Glücks, von der Unvermeidlichkeit des Todes. Narr Feste verspottet zusammen mit einer Gesellschaft des fröhlichen Kerls und Spaßvogels Toby Belch Olivias Butler, den arroganten Puritaner Malvolio. Malvolio fehlt der Sinn für Humor. Festes Witze irritieren ihn. Der düstere Malvolio ist der Feind von Spaß und Freude. Alles, was er sagt, ist eine ständige Erbauung und Tadel. Als Reaktion auf die puritanische Strenge von Malvolio sagt Toby Belch zu ihm die Worte, die in England geflügelt wurden: „Glauben Sie, dass es auf der Welt keine Kuchen oder betrunkenen Biere mehr geben wird, wenn Sie so ein Heiliger sind?“

In der ersten Schaffensperiode schuf Shakespeare drei Tragödien: „Titus Andronicus“ (Titus Andronicus, 1594), „Romeo und Julia“ (Romeo und Julia, 1595), „Julius Caesar“ (Julius Caesar, 1599).

„Titus Andronicus“ wurde im Genre der „blutigen Tragödie“ geschrieben, in der Tradition der Tragödien Senecas. Die Handlungsepisoden dieses Stücks sind aufeinanderfolgende Morde. Zwanzig Söhne von Titus Andronicus sterben, seine Tochter und er selbst, viele andere Charaktere sterben. Der Feldherr Titus Andronicus bleibt seiner patriotischen Pflicht gegenüber Rom treu. Allerdings rettet die hohe Moral eines Patrioten Rom nicht mehr vor dem Verfall. Der heimtückische und grausame Saturninus, Tamora und der Maure Aron treten in den Kampf mit Titus Andronicus ein. Der dramatisch scharfe Zusammenstoß entpuppt sich jedoch als eine Kette blutiger Gräueltaten, ohne den Kern des tragischen Konflikts tiefgreifend zu berühren.

Die tragische Kunst Shakespeares erschien in ihrer ganzen Vollkommenheit erstmals in der Tragödie Romeo und Julia. Als Quelle nutzte Shakespeare Arthur Brookes Gedicht „Romeo und Julia“ (1562), das in seiner Handlung auf Werke italienischer Autoren zurückgeht. Ausgehend von Brookes Gedicht schuf Shakespeare ein Werk, das in seiner Idee und seinem künstlerischen Können einzigartig ist. Er besingt darin die Aufrichtigkeit und Reinheit jugendlicher Gefühle, besingt die Liebe, frei von den Fesseln der mittelalterlichen Feudalmoral. V. G. Belinsky sagt über die Idee dieses Stücks: „Das Pathos von Shakespeares Drama Romeo und Julia ist die Idee der Liebe, und daher ergießen sich enthusiastische, pathetische Reden in feurigen Wellen aus den Lippen der Liebenden und funkeln im hellen Licht.“ von Sternen ... Das ist das Pathos der Liebe, denn in den lyrischen Monologen von Romeo und Julia sieht man nicht nur gegenseitige Bewunderung, sondern auch eine feierliche, stolze, ekstatische Anerkennung der Liebe als göttliches Gefühl.

* Belinsky V. G. Poly. koll. Zit.: In 13 Bänden - T. 7. - S. 313.

In „Romeo und Julia“ besteht eine spürbare Verbindung zu Shakespeares Komödien. Die Nähe zur Komödie spiegelt sich in der Hauptrolle des Themas Liebe, in der komischen Figur der Krankenschwester, im Witz von Mercutio, in der Farce mit den Dienern, in der Karnevalsatmosphäre des Balls im Capulet-Haus, in der helle, optimistische Färbung des gesamten Stücks. Doch in der Entwicklung des Hauptthemas – der Liebe junger Helden – wendet sich Shakespeare dem Tragischen zu. Der tragische Anfang erscheint im Stück in Form eines Konflikts sozialer Kräfte und nicht als Drama eines inneren, spirituellen Kampfes.

Die Ursache für den tragischen Tod von Romeo und Julia ist die Familienfehde der Familien Montague und Capulet und die feudale Moral. Der Streit zwischen den Familien fordert das Leben anderer junger Menschen – Tybalt und Mercutio. Letzterer verurteilt vor seinem Tod diesen Streit: „Eine Plage über eure beiden Häuser.“ Weder der Herzog noch die Stadtbewohner konnten die Feindschaft stoppen. Und erst nach dem Tod von Romeo und Julia kommt es zur Versöhnung der verfeindeten Montagues und Capulets.

Das hohe und strahlende Gefühl der Liebenden markiert das Erwachen neuer Kräfte in der Gesellschaft am Beginn einer neuen Ära. Doch der Aufprall alter und neuer Moral führt die Helden unweigerlich zu einem tragischen Ende. Die Tragödie endet mit einer moralischen Bestätigung der Vitalität schöner menschlicher Gefühle. Die Tragödie von „Romeo und Julia“ ist lyrisch, sie ist durchdrungen von der Poesie der Jugend, der Erhöhung des Adels der Seele und der alles erobernden Kraft der Liebe. Die letzten Worte des Stücks sind mit lyrischer Tragödie versehen:

Aber es gibt keine traurigere Geschichte auf der Welt als die Geschichte von Romeo und Julia. (Übersetzt von T. Shchepkina-Kupernik)

In den Charakteren der Tragödie offenbart sich die spirituelle Schönheit eines Mannes der Renaissance. Der junge Romeo ist ein freier Mensch. Er hat sich bereits von seiner patriarchalischen Familie entfernt und ist nicht an die feudale Moral gebunden. Romeo findet Freude an der Kommunikation mit Freunden: Sein bester Freund ist der edle und mutige Mercutio. Die Liebe zu Julia erhellte das Leben von Romeo und machte ihn zu einem mutigen und starken Menschen. Im rasanten Aufstieg der Gefühle, im natürlichen Ausbruch junger Leidenschaft beginnt die Blüte der menschlichen Persönlichkeit. In seiner Liebe, voller siegreicher Freude und Vorahnung von Schwierigkeiten, agiert Romeo als aktive und energische Natur. Mit welchem ​​Mut erträgt er die Trauer, die ihm die Nachricht von Julias Tod bereitet! Wie viel Entschlossenheit und Tapferkeit steckt in der Erkenntnis, dass ein Leben ohne Julia für ihn unmöglich ist!

Für Julia ist die Liebe zu einer Meisterleistung geworden. Sie kämpft heldenhaft gegen die Domostroy-Moral ihres Vaters und trotzt den Gesetzen der Blutfehde. Julias Mut und Weisheit zeigten sich darin, dass sie den jahrhundertealten Streit zwischen zwei Familien überwand. Nachdem sie sich in Romeo verliebt hat, lehnt Julia die grausamen Konventionen gesellschaftlicher Traditionen ab. Respekt und Liebe für einen Menschen sind ihr wichtiger als alle von der Tradition geweihten Regeln. Julia sagt:

Schließlich ist nur dein Name mein Feind, und du bist es, nicht die Montagues.

In der Liebe offenbart sich die schöne Seele der Heldin. Julia besticht durch Aufrichtigkeit und Zärtlichkeit, Begeisterung und Hingabe. Ihr ganzes Leben lang in Romeo verliebt. Nach dem Tod ihrer Geliebten kann es für sie kein Leben mehr geben und sie entscheidet sich mutig für den Tod.

Der Mönch Lorenzo nimmt im Bildersystem der Tragödie einen wichtigen Platz ein. Bruder Lorenzo ist weit entfernt von religiösem Fanatismus. Dies ist ein humanistischer Wissenschaftler, er sympathisiert mit neuen Trends und freiheitsliebenden Bestrebungen, die in der Gesellschaft aufkommen. Also hilft er Romeo und Julia, die gezwungen sind, ihre Ehe zu verbergen, als er kann. Der weise Lorenzo versteht die Tiefe der Gefühle junger Helden, erkennt aber, dass ihre Liebe zu einem tragischen Ende führen kann.

Puschkin schätzte diese Tragödie sehr. Er nannte die Bilder von Romeo und Julia „bezaubernde Schöpfungen von Shakespeares Anmut“ und Mercutio – „raffiniert, liebevoll, edel“, „das wundervollste Gesicht aller Tragödien“. Im Großen und Ganzen sprach Puschkin über diese Tragödie folgendermaßen: „Sie spiegelte das für den Dichter zeitgenössische Italien wider, mit seinem Klima, seinen Leidenschaften, Feiertagen, Glückseligkeiten, Sonetten, mit seiner luxuriösen Sprache voller Brillanz und Konzetti.“

Die Tragödie „Julius Caesar“ vervollständigt den Zyklus der historischen Chroniken und bereitet das Erscheinen der großen Tragödien Shakespeares vor. Der Dramatiker nutzte das Material aus Plutarchs Vergleichenden Leben und schuf eine originelle historische Tragödie, in der er ein tiefes Verständnis für die Probleme der Staatsmacht, das Wesen eines Politikers, die Beziehung zwischen den philosophischen Ansichten eines Politikers und seinem praktischen Handeln vermittelte. die Probleme von Moral und Politik, Persönlichkeit und Menschen. Wendung in „Julius Caesar“ zu den historischen Konflikten des 1. Jahrhunderts. Chr., als in Rom der Übergang von der republikanischen Herrschaft zum autokratischen Regime stattfand, hatte Shakespeare auch die gesellschaftspolitischen Konflikte im heutigen England im Sinn, wo die isolierte Stellung der Feudalherren durch die absolutistische Macht ersetzt wurde.

Shakespeare sympathisiert mit den Republikanern und zeigt ihren tapferen Dienst an der Gesellschaft, ist sich aber gleichzeitig bewusst, dass die Cäsaren im Einklang mit den Anforderungen der Zeit handeln. Brutus' Versuche, die Republik wiederherzustellen, sind zum Scheitern verurteilt, da er gegen die Gebote der Zeit verstößt. Er stimmt der Ermordung Caesars zu, weil er in ihm den Hauptgegner der Republik sieht. Aber Brutus gelingt es nicht, das Volk vom Nutzen einer republikanischen Regierung zu überzeugen, da das Volk dem damaligen Zeitgeist entsprechend ein Regime der Autokratie aufrechterhält. Das Volk ist bereit, Brutus als Herrscher anzuerkennen, möchte aber in ihm einen neuen, besseren Cäsar sehen. Die Stimme des Volkes steht auf tragische Weise im Widerspruch zu dem, was Brutus anstrebt; Die Leute sagen: „Lass ihn Cäsar werden“, „in ihm werden wir das Beste von Cäsar krönen.“ In der Überzeugung, dass die Republik dem Untergang geweiht ist, begeht Brutus Selbstmord.

War in den Chroniken das Volk eine der wirkenden Kräfte, einer der vielen Helden, so wird in „Julius Caesar“ das Volk erstmals in Shakespeares Dramen zur Hauptfigur. Sowohl Republikaner als auch Caesarianer müssen mit ihm rechnen. Besonders ausdrucksstark ist das Bild des Volkes in der Szene des politischen Streits zwischen Republikanern und Cäsaren auf dem Forum um die Leiche des gerade getöteten Cäsar. Dieser Streit wird vom Volk entschieden, das sich auf die Seite des Kaisers Markus Antonius stellt. Die Tragödie „Julius Caesar“ zeugt vom tiefen Eindringen Shakespeares in gesellschaftsgeschichtliche Widersprüche, in die tragischen Konflikte der Gesellschaft.

In der zweiten Schaffensperiode in Shakespeares Weltanschauung finden bedeutende Veränderungen statt. Sie wurden durch die Einstellung des Dramatikers zu neuen Phänomenen im gesellschaftspolitischen Leben der englischen Gesellschaft bestimmt. Die absolutistische Macht offenbarte immer deutlicher ihre Korruption und verlor ihre fortschrittliche Bedeutung. Es kam zu Widersprüchen zwischen dem Parlament und Königin Elizabeth. Mit der Machtübernahme von James I. Stuart (1603) wurde im Land ein reaktionäres Feudalregime errichtet. Die Widersprüche zwischen dem Parlament und der königlichen Macht verschärften sich noch mehr. Die Massen des Volkes befanden sich in einer Notlage. Die Krise des feudal-absolutistischen Systems und die Diskrepanz zwischen der Politik der Stuarts und den Interessen der Bourgeoisie führten zum Anwachsen der bürgerlichen Opposition gegen den Absolutismus. Im Land entstehen die Voraussetzungen für eine bürgerliche Revolution.

Unter diesen Voraussetzungen weicht Shakespeare vom Glauben an einen idealen Monarchen ab. Das kritische Pathos seiner Arbeit steigert sich. Shakespeare widersetzt sich sowohl der feudalen Reaktion als auch dem bürgerlichen Egoismus.

Der fröhliche, sonnige, karnevalistische Charakter vieler Werke der ersten Schaffensperiode wird durch intensive Reflexionen über die Probleme im Leben der Gesellschaft, über die Unordnung der Welt ersetzt. Die neue Schaffensperiode Shakespeares ist geprägt von der Formulierung großer sozialer, politischer und philosophischer Probleme, einer tiefen Analyse der tragischen Konflikte der Epoche und der Tragödie der Persönlichkeit der Übergangszeit. Dies war die Zeit der Entstehung großer Tragödien, in der Shakespeare den historischen Charakter der tragischen Zusammenstöße und Katastrophen vermittelte, die im Zeitalter des Zusammenbruchs der patriarchalisch-ritterlichen Welt und des Eintritts zynischer Raubtiere in die Geschichte der Darstellung entstanden neue kapitalistische Beziehungen.

Die zweite Periode von Shakespeares Werk beginnt mit der Tragödie Hamlet (Hamlet, Prinz von Dänemark, 1600-1601). Die Quellen der Tragödie waren die „Geschichte der Dänen“ von Saxo Grammaticus, „The Tragic Tales“ von Belforet, „The Spanish Tragedy“ von Thomas Kyd und Thomas Kyds Theaterstück über Hamlet, das uns nicht überliefert ist.

In verschiedenen Epochen wurde Shakespeares „Hamlet“ unterschiedlich wahrgenommen. Der Standpunkt Goethes ist bekannt, den er in dem Roman „Die Lehrjahre Wilhelm Meisters“ (1795-1796) zum Ausdruck brachte. Goethe betrachtete die Tragödie als rein psychologisch. In der Figur des Hamlet betonte er die Willensschwäche, die der ihm anvertrauten großen Tat nicht entsprach.

VG Belinsky im Artikel „Hamlet, Shakespeares Drama. Mochalov als Hamlet (1838) vertritt eine andere Ansicht. Hamlet besiegt laut V. G. Belinsky die Schwäche seines Willens, und daher ist die Hauptidee der Tragödie nicht die Schwäche des Willens, sondern „die Idee des Zerfalls aufgrund von Zweifeln“, der Widerspruch zwischen Lebensträumen und das Leben selbst, zwischen Ideal und Realität. Belinsky betrachtet die entstehende Innenwelt von Hamlet. Willensschwäche gilt daher als einer der Momente der spirituellen Entwicklung von Hamlet, einem von Natur aus starken Mann. Belinsky kritisierte die tragische Situation denkender Menschen im Russland der 30er Jahre des 19. Jahrhunderts anhand des Hamlet-Bildes und kritisierte die Reflexion, die die Integrität einer aktiven Persönlichkeit zerstörte.

I. S. Turgenev in den 60er Jahren des 19. Jahrhunderts. bezieht sich auf das Hamlet-Bild, um eine sozialpsychologische und politische Einschätzung des „Hamletismus“ der „überflüssigen Menschen“ zu geben. In dem Artikel „Hamlet und Don Quijote“ (1860) stellt Turgenjew Hamlet als Egoisten dar, als Skeptiker, der an allem zweifelt, an nichts glaubt und daher nicht handlungsfähig ist. Anders als Hamlet ist Don Quijote in Turgenjews Interpretation ein Enthusiast, ein Diener einer Idee, der an die Wahrheit glaubt und für sie kämpft. I. S. Turgenev schreibt, dass Denken und Wille in einer tragischen Lücke stecken; Hamlet ist ein denkender, aber willensschwacher Mann; Don Quijote ist ein willensstarker, aber halbverrückter Enthusiast; Wenn Hamlet für die Massen nutzlos ist, dann inspiriert Don Quijote die Menschen zum Handeln. Gleichzeitig gibt Turgenev zu, dass Hamlet Don Quijote in seiner Unerbittlichkeit gegenüber dem Bösen nahe steht, dass die Menschen die Gedankenkeime von Hamlet wahrnehmen und sie auf der ganzen Welt verbreiten.

In der sowjetischen Literaturkritik wurde die Tragödie „Hamlet“ in den Werken von A.A. Anikst, A.A. Smirnov, R.M. Samarin, I.E. Vertsman, L.E. Pinsky, Yu.F. tiefgreifend interpretiert.* * Siehe: Anikst A.A. Das Werk Shakespeares. - M., 1963; sein eigenes. Shakespeare: Das Handwerk des Dramatikers. - M., 1974; Smirnow A.A. Shakespeare. - L.; M., 1963; Samarin P.M. Shakespeare-Realismus. - M., 1964; V e r c m a n I.E. Shakespeares Hamlet. - M., 1964; Pinsky L.E. Shakespeare: Grundlagen der Dramaturgie. - M., 1971; Shvedov Yu.F. Die Entwicklung von Shakespeares Tragödie. -M., 1975.

Als Student der Universität Wittenberg fühlt sich Hamlet am Hofe des dänischen Königs Claudius in Helsingör einsam. Für ihn kommt Dänemark wie ein Gefängnis vor. Bereits zu Beginn der Tragödie deutet sich ein Konflikt zwischen dem humanistischen Denker Hamlet und der unmoralischen Welt des Claudius an, zwischen einer freiheitsliebenden Persönlichkeit und einer absolutistischen Macht. Hamlet nimmt die Welt tragisch wahr. Der Prinz versteht zutiefst, was in Helsingör passiert. Konflikte am Hofe des Claudius begreift er als einen Zustand des Friedens. Hamlets Intellekt und seine weisen aphoristischen Urteile offenbaren das Wesen der Beziehungen in der damaligen Gesellschaft. In Hamlet, als Tragödie eines denkenden Menschen in einer ungerechten Gesellschaft, wird der Intellekt des Helden poetisiert. Der Geist von Hamlet widersetzt sich der Unvernunft und dem Obskurantismus des despotischen Claudius.

Hamlets moralisches Ideal ist der Humanismus, von dessen Positionen aus das soziale Böse verurteilt wird. Die Worte des Geistes über das Verbrechen von Claudius dienten als Anstoß für den Beginn von Hamlets Kampf gegen das soziale Böse. Der Prinz ist entschlossen, sich an Claudius für die Ermordung seines Vaters zu rächen. Claudius sieht Hamlet als seinen Hauptgegner und beauftragt daher seine Höflinge Polonius, Rosenkrantz und Güldenstern, ihn auszuspionieren. Der scharfsinnige Hamlet enträtselte alle Tricks des Königs, der versuchte, seine Pläne herauszufinden und ihn zu zerstören. Der sowjetische Literaturkritiker L. E. Pinsky nennt Hamlet die Tragödie des Wissens über das Leben: „... Ein Held, der von Natur aus aktiv ist, führt nicht die erwartete Tat aus, weil er seine Welt perfekt kennt.“ Dies ist eine Tragödie des Bewusstseins, des Bewusstseins ... "*

*Pinsky L.E. Shakespeare: Grundlagen der Dramaturgie. - S. 129.

Die tragische Einstellung Hamlets und seine philosophischen Überlegungen werden nicht so sehr durch die Ereignisse in Helsingør (die Ermordung von Hamlets Vater und die Heirat seiner Mutter Königin Gertrude mit Claudius) verursacht, sondern durch das Bewusstsein der allgemeinen Ungerechtigkeit, die in der Welt herrscht. Hamlet sieht das Meer des Bösen und denkt in seinem berühmten Monolog „Sein oder Nichtsein“ darüber nach, wie sich ein Mensch verhalten soll, wenn er mit Fäulnis in der Gesellschaft konfrontiert wird. Der Monolog „Sein oder Nichtsein“ offenbart die Essenz von Hamlets Tragödie – sowohl in Bezug auf die Außenwelt als auch in seiner Innenwelt. Vor Hamlet stellt sich die Frage: Wie soll man sich angesichts des Abgrunds des Bösen verhalten – versöhnen oder kämpfen?

Sein oder Nichtsein ist die Frage; Was ist edler – im Geiste, sich den Schleudern und Pfeilen eines wütenden Schicksals zu unterwerfen oder die Waffen gegen das Meer der Probleme zu ergreifen und sie mit Konfrontation zu töten? (Übersetzt von M. Lozinsky)

Hamlet kann sich dem Bösen nicht unterwerfen; Er ist bereit, gegen die in der Welt herrschende Grausamkeit und Ungerechtigkeit zu kämpfen, aber er ist sich bewusst, dass er in diesem Kampf zugrunde gehen wird. Hamlet hat die Vorstellung von Selbstmord als einen Weg, „die Sehnsucht und tausend natürliche Qualen“ zu beenden, Selbstmord ist jedoch keine Option, da das Böse in der Welt und auf dem Gewissen eines Menschen verbleibt („Das ist die Schwierigkeit; was Träume werden in einem Todestraum geträumt..." ). Darüber hinaus spricht Hamlet von sozialem Übel, das bei einem ehrlichen und menschlichen Menschen Empörung hervorruft:

Wer würde die Peitschenhiebe und den Spott des Jahrhunderts ertragen, die Unterdrückung der Starken, den Spott der Stolzen, den Schmerz verächtlicher Liebe, die Langsamkeit der Richter, die Arroganz der Behörden und die Beleidigungen, die auf demütige Verdienste ausgeübt werden ...

Reflexionen über die langfristigen Katastrophen der Menschheit, über das Meer des Bösen, lassen Hamlet an der Wirksamkeit der damals möglichen Kampfmethoden zweifeln. Und Zweifel führen dazu, dass sich die Entschlossenheit zum Handeln über einen längeren Zeitraum nicht im Handeln selbst verwirklicht.

Hamlet ist eine willensstarke, energische und aktive Natur. Mit aller Kraft seiner Seele ist er auf die Suche nach der Wahrheit, auf den Kampf um Gerechtigkeit ausgerichtet. Hamlets schmerzhafte Gedanken und Zögern sind die Suche nach einem korrekteren Weg im Kampf gegen das Böse. Er zögert, seiner Rachepflicht nachzukommen, auch weil er sich selbst und andere endlich von der Schuld des Claudius überzeugen muss. Dazu arrangiert er eine „Mausefallen“-Szene: Er bittet umherziehende Schauspieler, ein Stück zu spielen, das Claudius entlarven könnte. Während der Aufführung verrät sich Claudius mit seiner Verwirrung. Hamlet ist von seiner Schuld überzeugt, zögert jedoch weiterhin mit der Rache hinaus. Dies verursacht bei ihm ein Gefühl der Unzufriedenheit mit sich selbst, seelische Zwietracht.

Hamlet greift nur in Ausnahmefällen auf Blutvergießen zurück, wenn er auf offensichtliches Böses und Gemeinheit reagieren muss. Also tötet er Polonius, schickt Rosenkrantz und Güldenstern zu Tode, die ihn ausspionieren, und tötet dann Claudius selbst. Er spricht hart und grausam mit seiner liebenden Ophelia, die sich als Werkzeug in den Händen seiner Feinde herausstellte. Aber sein Übel ist nicht beabsichtigt, es entsteht durch die Anspannung seines Bewusstseins, durch die Verwirrung in seiner Seele, zerrissen durch widersprüchliche Gefühle.

Der edle Charakter des Dichters und Philosophen Hamlet erscheint aus der Sicht derjenigen, die vor nichts zurückschrecken, um ihre Ziele zu erreichen, schwach. Tatsächlich ist Hamlet ein starker Mann. Seine Tragödie liegt in der Tatsache, dass er nicht weiß, wie er den ungerechten Zustand der Welt ändern kann, dass er sich der Wirkungslosigkeit der ihm zur Verfügung stehenden Kampfmittel bewusst ist und dass ein ehrlicher, denkender Mensch seinen Standpunkt nur am Ende beweisen kann Kosten seines Todes.

Hamlets Melancholie entsteht aus der Erkenntnis, dass „die Zeit aus den Fugen geraten ist“ und sich in einem Zustand der Unordnung und des Ärgers befindet. In der Komposition der Tragödie nehmen die lyrischen und philosophischen Monologe des Fürsten einen großen Platz ein, in denen ein tiefes Bewusstsein für den Zeitgeist zum Ausdruck kommt.

Der allgemeine philosophische Charakter von Hamlets Überlegungen macht diese Tragödie auch anderen Epochen nahe. Hamlet erkennt, dass er das Böse, das in der Welt herrscht, nicht überwinden kann; weiß, dass das Böse nach dem Tod von Claudius nicht verschwinden wird, denn es war in der Struktur des damaligen gesellschaftlichen Lebens enthalten. Über die Menschen um ihn herum sagt Hamlet: „Keiner der Menschen gefällt mir.“ Und gleichzeitig ist für den Humanisten Hamlet das Ideal eine schöne menschliche Persönlichkeit: „Was für eine meisterhafte Schöpfung – ein Mann!“ Wie edel im Geiste! Wie grenzenlos in seinen Fähigkeiten, Formen und Bewegungen! Wie präzise und wunderbar in der Aktion! Wie engelsgleich ist er in tiefer Einsicht! Wie gleicht er einem Gott! Die Schönheit des Universums! Die Krone allen Lebens! Die Verkörperung dieses Ideals sieht Hamlet in seinem Vater und seinem Freund Horatio.

Der Handlungsverlauf der Tragödie wird maßgeblich vom vorgetäuschten Wahnsinn des Fürsten bestimmt. Was bedeuten Hamlets angeblich verrückte Handlungen und Aussagen? Um in der verrückten Welt des Claudius zu agieren, muss Hamlet eine Maske des Wahnsinns aufsetzen. In dieser Rolle muss er nicht heuchlerisch sein und lügen, er spricht die bittere Wahrheit. Die Maske des Wahnsinns entspricht der geistigen Zwietracht des Fürsten, der Impulsivität seines Handelns, dem wahnsinnigen Mut im Kampf um die Wahrheit unter der Tyrannei von Claudius.

Ein tragischer Unfall spielt in der Handlung eine große Rolle. Am Ende der Tragödie kommt es zu einer Reihe von Unfällen: Die am Duell teilnehmenden Helden tauschen Degen aus, ein Glas mit einem vergifteten Getränk fällt an die falsche Person und so weiter. Der tragische Ausgang naht mit unaufhaltsamer Unausweichlichkeit. Aber es kommt in einer unerwarteten Form und zu einem unvorhergesehenen Zeitpunkt. Die Unvernünftigkeit der sozialen Struktur bringt sowohl vernünftige als auch rücksichtslose Pläne durcheinander und führt zur tragischen Unvermeidlichkeit von „zufälligen Bestrafungen, unerwarteten Morden“.

Hamlet kommt seiner Pflicht nur langsam nach, aber er ist jederzeit zum Handeln bereit, und in der Schlussszene ist für ihn „Bereitschaft alles.“ Hamlet ist ein heldenhafter Mensch. Er ist bereit, gegen das Böse zu kämpfen und die Wahrheit zu bekräftigen, auch um den Preis seines eigenen Todes. Es ist kein Zufall, dass der verstorbene Hamlet nach all den tragischen Ereignissen auf Geheiß von Fortinbras mit militärischen Ehren begraben wird. Vor seinem Tod äußert Hamlet den Wunsch, dass die Menschen etwas über sein Leben und seinen Kampf erfahren. Er bittet Horatio, der Welt die Ursachen der tragischen Ereignisse zu offenbaren und die Geschichte des Prinzen von Dänemark zu erzählen.

Hamlet ist eine realistische Tragödie, die die Komplexität der Zeit widerspiegelt, als der Renaissance-Humanismus in eine Zeit der Krise geriet. Die Tragödie selbst drückt die Idee der Notwendigkeit einer objektiven Darstellung des Lebens aus. Im Gespräch mit den Schauspielern äußert Hamlet Ansichten zur Kunst, die voll und ganz mit den ästhetischen Positionen Shakespeares übereinstimmen. Zunächst einmal werden die auffälligen Effekte derjenigen abgelehnt, die bereit sind, „Herodes wiederzubeleben“. Es wird vorgeschlagen, „Handlung mit Sprache, Sprache mit Aktion“ in Einklang zu bringen und „die Einfachheit der Natur nicht zu überschreiten“; das Wesen der Kunst wird formuliert; „sozusagen einen Spiegel vor die Natur zu halten, um die Tugenden ihrer eigenen Gesichtszüge, ihrer Arroganz – ihres eigenen Aussehens und für jedes Alter und jeden Stand – ihr Abbild und ihre Prägung zu zeigen.“

Der wichtigste historische Zusammenstoß war das Ende des 16. Jahrhunderts. - der Konflikt zwischen der Welt des ritterlichen Heldentums und der Kriminalität der absolutistischen Macht - wird jeweils in den Bildern zweier Brüder, Hamlets Vater und Claudius, verkörpert. Hamlet bewundert seinen Heldenvater und hasst den heuchlerischen, verräterischen Claudius und alles, was hinter ihm steht, d. h. eine Welt voller abscheulicher Intrigen und allgemeiner Korruption.

Die Tragödie „Othello“ (Othello, der Mohr von Venedig, 1604) entstand nach der Novelle „Der Mohr von Venedig“ von Geraldi Cinthio. Die Geschichte der Liebe und des tragischen Todes von Othello und Desdemona zeigt Shakespeare vor einem breiten gesellschaftlichen Hintergrund. In der Tragödie treten Vertreter der Regierung von Venedig auf – der Doge, die Senatoren Brabantio, Gratiano, Lodovico; Dargestellt ist die militärische Umgebung - Jago, Cassio, Montano. Vor diesem Hintergrund erhält das Schicksal von Othello und Desdemona eine tiefe sozialpsychologische Bedeutung.

Moor Othello ist eine herausragende Persönlichkeit. Dank seiner Tapferkeit erlangte er eine hohe Stellung in der Gesellschaft und wurde venezianischer Befehlshaber und General. Das Leben dieses Kriegers war voller Gefahren, er musste viel sehen und ertragen. Aus allen Prüfungen ging Othello als mutiger und mutiger Mann hervor, der die Reinheit und Leidenschaft seiner Gefühle bewahrte. Es verkörpert das Renaissance-Ideal eines schönen Menschen. Der edle Mohr ist klug und aktiv, mutig und ehrlich. Dafür verliebte sich die Tochter des venezianischen Senators Desdemona in ihn:

Ich habe mich mit meiner Furchtlosigkeit in sie verliebt, sie hat sich mit ihrem Mitgefühl in mich verliebt. (Übersetzt von B. Pasternak)

Die Liebe von Othello und Desdemona war eine heroische Herausforderung für traditionelle Konventionen. Diese Liebe basierte auf tiefem gegenseitigem Verständnis und Vertrauen.

Der Charakter von Desdemona ist mit dem Charakter von Othello verwandt. Desdemona zeichnet sich auch durch Furchtlosigkeit und Leichtgläubigkeit aus. Um ihrer Geliebten willen flieht sie von zu Hause und verlässt Venedig, als Othello zum Gouverneur von Zypern ernannt wird. Othello nennt sie seine „schöne Kriegerin“. Im bezaubernden Auftritt Desdemonas vereinen sich Mut und Zärtlichkeit. Aber wenn Desdemona bis zum Ende ein harmonischer und ganzer Mensch bleibt, dann hat Othello „Chaos“ in seine Seele gelassen, und das hat eine Katastrophe verursacht. Desdemona behält sein Vertrauen in Othello; Doch sein Selbstvertrauen wird unter dem Einfluss der Intrigen des niederträchtigen und verräterischen Jago erschüttert.

Desdemona weiß nicht, wie sie erklären soll, warum Othello sich für sie verändert hat, und versteht, dass dieser Grund nicht Eifersucht ist. Sie sagt:

Othello ist schlau und sieht nicht wie eifersüchtige, vulgäre Menschen aus ...

Und als die Dienerin Emilia Desdemona fragt, ob Othello eifersüchtig sei, antwortet sie selbstbewusst:

Natürlich nicht. Tropische Sonne All diese Mängel brannten in ihm.

Desdemona versteht wie kein anderer die Seele von Othello. Tatsächlich entsteht bei Othello Eifersucht nicht aus Misstrauen, Rachsucht oder Ehrgeiz, sondern als Ausdruck eines Gefühls getäuschter Vertrauens und verletzter Würde. Aus tragischer Ironie betrachtet Othello nicht Jago, der den leichtgläubigen Mauren betrogen hat, sondern die reine und treue Desdemona für den Schuldigen des Gefühls des getäuschten Vertrauens. Othello sagt über sich selbst:

Er war nicht leicht eifersüchtig, aber in einem Sturm der Gefühle geriet er in Wut ...

A. S. Puschkin charakterisierte Othello so: „Othello ist von Natur aus nicht eifersüchtig – im Gegenteil: Er ist vertrauensvoll.“

Othello liebt Desdemona sehr, auch als er beschließt, sie zu töten. Er glaubt, dass er die Gerechtigkeit wiederherstellt und seine Pflicht erfüllt. Er glaubt an Jagos Verleumdung und glaubt, dass er Desdemona nicht erlauben kann, andere zu täuschen. Er ist sich einer hohen Pflicht gegenüber den Menschen bewusst: Die Ermordung Desdemonas bedeutet für ihn die Beseitigung der Lüge als allgemeine Gefahr. Die Tragödie von Othello ist die Tragödie des getäuschten Vertrauens, die Tragödie der Blendung durch Leidenschaft. Die Liebe zu ihr bestimmte Othellos Einstellung gegenüber den Menschen und der Welt. Als ihre Verbindung harmonisch war, empfand Othello die Welt als schön; Als er an Desdemonas Unehrlichkeit glaubte, erschien ihm alles in düsterer, chaotischer Form.

Der ehrliche Othello wird Opfer von Jagos bösen Intrigen, ohne zu bemerken, dass er ihn betrügt. Shakespeare gibt die Gründe für Jagos Hass auf Othello nicht direkt an, obwohl Jago von seinem Wunsch nach Karriere, seiner Eifersucht auf Othello und seinem lustvollen Gefühl für Desdemona spricht. Die Hauptsache im Charakter von Jago ist der machiavellistische Wunsch, um jeden Preis Vorteile gegenüber anderen Menschen zu erzielen. Jago ist natürlich klug und aktiv, aber seine Fähigkeiten, seine „Tapferkeit“ sind völlig seinen egoistischen Plänen untergeordnet. Jagos „Tapferkeit“ ist individualistisch und unmoralisch. Sein Hauptinteresse formuliert er so: „Stopfen Sie Ihren Geldbeutel gut.“ Der Intrigant Jago ist zynisch und heuchlerisch. Sein Hass auf Othello erklärt sich aus dem grundlegenden Unterschied zwischen ihrer Natur, ihren Ansichten und ihrer Lebenseinstellung. Othellos Adel ist die Negation von Jagos bürgerlichem Egozentrismus. Deshalb kann er sich mit der Bekräftigung der ethischen Lebensprinzipien Othellos nicht abfinden. Jago greift auf niederträchtige Mittel zurück, um den geradlinigen Othello von seinem edlen Lebensweg abzubringen und ihn in das Chaos individualistischer Leidenschaften zu stürzen.

Shakespeare, der Realist, zeigte, welchen Weg ein Mensch gehen kann, befreit von feudalen Fesseln. Ein Mensch könnte hell und moralisch schön werden, wie die Heldenfigur von Othello, oder niederträchtig, unmoralisch, wie der Zyniker Jago. Moralische Minderwertigkeit verkehrt die Freiheit des Einzelnen in ihr Gegenteil, d.h. in sklavische Abhängigkeit von dunklen Leidenschaften und selbstsüchtigen Interessen. Jago geht gegen Othello und Desdemona mit Verleumdung und Betrug vor. Er nutzt Othellos Leichtgläubigkeit aus, spielt mit dem leidenschaftlichen Temperament des Helden und seiner Unkenntnis der Sitten der Gesellschaft. Der rasche Übergang des edlen Othello vom Heldentum zur Blendung durch dunkle Leidenschaft weist darauf hin, dass die freigeistige Renaissance-Persönlichkeit verwundbar war, da das Niveau der sozialen Beziehungen dieser Zeit es nicht zuließ, das humanistische Persönlichkeitsideal in der Realität vollständig zu verwirklichen. Shakespeare zeigte diese Tragödie einer tapferen Persönlichkeit, die in die realen Grundverhältnisse der bürgerlichen Gesellschaft hineingezogen wurde und nicht in der Lage war, sich vor dunkler Leidenschaft zu schützen.

Die Episode der „Anerkennung“ offenbart die Menschenwürde des Helden, seine moralische Größe. Mit spiritueller Freude erfährt Othello, dass Desdemona ihn liebte und ihm treu war, aber gleichzeitig ist er schockiert, dass das Schlimmste passierte: Er tötete die Unschuldige und widmete sich ihm Desdemona. Othellos Selbstmord in der Schlussszene ist die Strafe für seine Abkehr vom Glauben an den Menschen. Das tragische Ende bestätigt daher den moralischen Sieg des Adels über die dunklen Mächte des Bösen.

Der Konflikt zwischen Individuum und Gesellschaft wird in der Tragödie „König Lear“ (König Lear, 1605-1606) in einem neuen Aspekt dargestellt. Dies ist eine Tragödie der Menschenwürde in einer ungerechten Gesellschaft.

Das Wesen und die Entwicklung von Lears Charakter wurden von N.A. Dobrolyubov sehr genau definiert: „Lear hat eine wirklich starke Natur, und die allgemeine Unterwürfigkeit ihm gegenüber entwickelt sie nur einseitig – nicht für große Taten der Liebe und des Gemeinwohls, sondern nur.“ zur Befriedigung der eigenen, persönlichen Launen. Dies ist bei einem Menschen vollkommen verständlich, der es gewohnt ist, sich selbst als Quelle aller Freude und Trauer, als Anfang und Ende allen Lebens in seinem Königreich zu betrachten. Hier, mit dem äußeren Handlungsspielraum, mit der Leichtigkeit, alle Wünsche zu erfüllen, gibt es nichts, was seine spirituelle Stärke ausdrücken könnte. Aber jetzt überschreitet seine Selbstverehrung alle Grenzen des gesunden Menschenverstandes: Er überträgt all die Brillanz, all den Respekt, den er für seine Würde genoss, direkt auf seine Persönlichkeit; Er beschließt, die Macht abzulegen, in der Überzeugung, dass die Menschen auch danach nicht aufhören werden, vor ihm zu zittern. Diese verrückte Überzeugung veranlasst ihn, sein Königreich seinen Töchtern zu überlassen und dadurch aus seiner barbarischen, sinnlosen Position in den einfachen Titel eines gewöhnlichen Menschen überzugehen und alle Sorgen zu erleben, die mit dem menschlichen Leben verbunden sind. „Wenn wir ihn ansehen, empfinden wir zuerst Hass auf diesen liederlichen Despoten; Aber im Verlauf des Dramas versöhnen wir uns immer mehr mit ihm als mit einem Menschen und werden am Ende von Empörung und brennender Bosheit nicht mehr gegen ihn, sondern gegen ihn und die ganze Welt erfüllt – gegen diese wilde, unmenschliche Situation Das kann selbst bei Leuten wie Lear zu solch einer Ausschweifung führen.

*Dobrolyubov N.A. Sobr. Zitat: In 9 Bänden - M; L., 1962. T. 5. - S. 52.

** Ebd. - S. 53.

„König Lear“ ist eine soziale Tragödie. Es zeigt die Abgrenzung verschiedener sozialer Gruppen in der Gesellschaft. Die Vertreter der alten Ritterehre sind Lear, Gloucester, Kent, Albany; die Welt der bürgerlichen Raubzüge wird durch Goneril, Regan, Edmond, Cornwall repräsentiert. Zwischen diesen Welten gibt es einen scharfen Kampf. Die Gesellschaft befindet sich in einer tiefen Krise. Gloucester charakterisiert die Zerstörung gesellschaftlicher Grundlagen wie folgt: „Die Liebe kühlt ab, die Freundschaft wird schwächer, überall herrscht brudermörderischer Streit.“ Es gibt Unruhen in den Städten, in den Dörfern der Zwietracht, in den Palästen des Verrats, und die familiäre Bindung zwischen Eltern und Kindern bricht zusammen ... Unsere beste Zeit ist vorbei. Bitterkeit, Verrat, katastrophale Unruhen werden uns bis ins Grab begleiten“ (Übersetzt von B. Pasternak).

Vor diesem breiten sozialen Hintergrund spielt sich die tragische Geschichte von König Lear ab. Zu Beginn des Stücks ist Lear ein König mit Macht, der über das Schicksal der Menschen entscheidet. Shakespeare zeigte in dieser Tragödie (in der er tiefer in die gesellschaftlichen Verhältnisse seiner Zeit eindringt als in seinen anderen Stücken), dass Lears Macht nicht in seinem Königtum liegt, sondern in der Tatsache, dass er Reichtümer und Ländereien besitzt. Sobald Lear sein Königreich zwischen seinen Töchtern Goneril und Regan aufteilte und ihm nur noch das Königtum blieb, verlor er seine Macht. Ohne seinen Besitz befand sich der König in der Lage eines Bettlers. Eigentum in der Gesellschaft hat die patriarchalischen Verwandtschaftsbeziehungen zwischen Menschen zerstört. Goneril und Regan schworen ihrem Vater ihre Liebe, als er an der Macht war, und kehrten ihm den Rücken, als er seinen Besitz verlor.

Nachdem er tragische Prüfungen und einen Sturm in seiner eigenen Seele durchgemacht hat, wird Lear ein Mann. Er erkannte das schwere Los der Armen, nahm am Leben der Menschen teil und verstand, was um ihn herum vor sich ging. König Lear erlangt Weisheit. Bei der Entstehung einer neuen Sicht auf die Welt spielte ein Treffen in der Steppe während eines Sturms mit einem obdachlosen, unglücklichen armen Tom eine große Rolle. (Es war Edgar Gloucester, der sich vor der Verfolgung seines Bruders Edmond versteckte.) Im schockierten Geist von Lear erscheint die Gesellschaft in einem neuen Licht und er unterzieht sie einer gnadenlosen Kritik. Lears Wahnsinn wird zur Offenbarung. Lear sympathisiert mit den Armen und macht den Reichen Vorwürfe:

Obdachloser, nackter Kerl, wo bist du jetzt? Wie wirst du die Schläge dieses heftigen Wetters abwehren – in Lumpen, mit unbedecktem Kopf und einem mageren Bauch? Wie wenig habe ich vorher darüber nachgedacht! Hier ist eine Lektion für dich, arroganter reicher Mann! Nehmen Sie die Stelle der Armen ein, fühlen Sie, was sie fühlen, und geben Sie ihnen einen Anteil an Ihrem Übermaß als Zeichen der höchsten Gerechtigkeit des Himmels. (Übersetzt von B. Pasternak)

Lear spricht empört über eine von Willkür dominierte Gesellschaft. Die Macht erscheint ihm in Form eines symbolischen Bildes eines Hundes, der einen Bettler jagt, der vor ihm davonläuft. Lear nennt den Richter einen Dieb, einen Politiker, der vorgibt zu verstehen, was andere nicht verstehen, einen Schurken.

Der edle Kent und der Narr bleiben Lear bis zum Ende treu. Das Bild des Narren spielt in dieser Tragödie eine sehr wichtige Rolle. Seine witzigen, paradoxen Witze enthüllen kühn das Wesen der Beziehungen zwischen Menschen. Der tragikomische Narr sagt die bittere Wahrheit; Seine witzigen Bemerkungen bringen den Standpunkt des Volkes zum Geschehen zum Ausdruck.

Die Handlung, die mit dem Schicksal des Earl of Gloucester, dem Vater zweier Söhne, verbunden ist, leitet das Schicksal von Lear ein und verleiht ihm eine verallgemeinernde Bedeutung. Auch Gloucester erlebt die Tragödie der Undankbarkeit. Er wird von seinem unehelichen Sohn Edmond bekämpft.

Das humanistische Ideal ist im Bild von Cordelia verkörpert. Es akzeptiert nicht sowohl die alte Ritterwelt als auch die neue machiavellistische Welt. In ihrer Figur wird der Sinn für die Menschenwürde besonders stark betont. Im Gegensatz zu ihren heuchlerischen Schwestern ist sie aufrichtig und ehrlich, hat keine Angst vor dem despotischen Temperament ihres Vaters und sagt ihm, was sie denkt. Trotz der Zurückhaltung bei der Äußerung von Gefühlen liebt Cordelia ihren Vater wirklich und nimmt seine Ungnade mutig auf sich. Als Lear später nach schweren Prüfungen Menschenwürde und Gerechtigkeitssinn erlangte, war Cordelia an seiner Seite. Diese beiden schönen Menschen sterben in einer grausamen Gesellschaft.

Am Ende der Tragödie siegt das Gute über das Böse. Der edle Edgar wird König. Als Herrscher wird er sich der Weisheit zuwenden, die Lear in seinem tragischen Schicksal gefunden hat.

Die Tragödie „Macbeth“ (Macbeth, 1606), die auf dem Material von R. Holinsheds „Chronicles of England, Scotland and Ireland“ entstand, widmet sich dem Problem des tragischen Zustands des Staates und des Einzelnen unter einem tyrannischen Regime.

Macbeth ist ein Tyrann und ein Mörder. Aber er wurde es nicht sofort. Das Bild offenbart sich in der Entwicklung, in der Dynamik, in der ganzen Komplexität und Widersprüchlichkeit seiner inneren Welt. Der Kampf zwischen Reue und ehrgeizigen Impulsen in Macbeths Seele, die Erkenntnis am Ende der Sinnlosigkeit seiner blutigen Taten – all das unterscheidet ihn von einem gewöhnlichen Bösewicht und macht ihn zu einem tragischen Charakter.

Im ersten Akt erscheint Macbeth als Held in einer majestätischen Siegesszene über die Feinde Schottlands. Dies ist ein starker, mutiger und mutiger Krieger. Macbeth ist von Natur aus freundlich und nicht ohne Menschlichkeit. Durch seine Heldentaten erlangte er Berühmtheit. Das Vertrauen in seine Stärken und die Möglichkeiten seiner Natur weckt in ihm den Wunsch, noch majestätischer zu werden, noch größeren Ruhm zu erlangen. Die damalige soziale Struktur schränkte jedoch die Entwicklung des Einzelnen ein und pervertierte die grenzenlosen Fähigkeiten eines Menschen. So verwandelt sich Macbeths Tapferkeit in Ehrgeiz, und Ehrgeiz treibt ihn dazu, ein Verbrechen zu begehen – den Mord an Duncan, um die höchste Macht zu erlangen. Die Perversion von Tapferkeit durch Ehrgeiz wird zu Recht durch die Worte der Hexen aus der ersten Szene der Tragödie charakterisiert: „Das Schöne ist gemein, und das Schlechte ist schön.“ In den Taten Macbeths verschwimmt die Grenze zwischen Gut und Böse zunehmend.

Die Bilder abscheulicher Hexen, die das zukünftige Schicksal Macbeths vorhersagen, symbolisieren die Unmenschlichkeit, die in seinen Absichten und Taten steckte. Hexen stellen keine tödliche Kraft dar, die das Verhalten des Helden bestimmt. Sie drücken genau das aus, was bereits in Macbeths Gedanken aufkam. Die von Macbeth getroffenen kriminellen Entscheidungen werden durch seinen eigenen Willen und nicht durch tödliche Gewalt bestimmt. Kriminelle Handlungen drängen zunehmend auf die Wiedergeburt des Einzelnen. Aus einem freundlichen und tapferen Mann wird Macbeth zum Mörder und Tyrannen. Ein Verbrechen führt zum nächsten. Macbeth kann sich nicht länger weigern zu töten und versucht, den Thron zu behalten:

Ich stecke bereits so tief im blutigen Sumpf fest, dass es für mich einfacher sein wird, einen Schritt nach vorne zu machen, als durch den Sumpf zurückzugehen. Im Gehirn muss mein schrecklicher Plan noch geboren werden, und die Hand strebt danach, ihn zu verwirklichen. (Übersetzt von Yu. Korneev)

Als Macbeths Despotismus allen klar wird, ist er ganz allein. Alle schreckten vor dem Tyrannen zurück.

Durch Verbrechen will Macbeth das Schicksal verändern, in den Lauf der Zeit eingreifen. Er hat bereits Angst, etwas zu verpassen, und versucht durch unablässige Bluttaten, den Taten vermeintlicher Gegner zuvorzukommen. Der Tyrann gelangt mit Hilfe von Verbrechen zu seinem „Morgen“, und „Morgen“ drängt ihn immer mehr einem unausweichlichen Ende entgegen. Die Gräueltaten des Tyrannen provozieren Widerstand. Die ganze Gesellschaft erhebt sich gegen den Despoten. Es scheint Macbeth, dass die Kräfte der Natur auch gegen ihn vorgegangen sind – Birnam Forest marschiert auf Dunsinan zu. Dies sind die Krieger von Macduff und Malcolm, die sich hinter grünen Zweigen verstecken, in einer unwiderstehlichen Lawine auf Macbeth losgehen und ihn vernichten. Eine der Figuren der Tragödie, der schottische Adlige Ross, spricht vom Wesen der Machtgier:

Oh Machtliebe, Du verschlingst, was Du lebst!

Nachdem er sich gegen die Menschheit ausgesprochen hat, verurteilt sich Macbeth zu völliger Isolation, Einsamkeit und Tod. Lady Macbeth ist ihrem Ehemann, den sie für einen großartigen Mann hält, fanatisch ergeben. Sie ist genauso ehrgeizig wie er. Sie möchte, dass Macbeth König von Schottland wird. Lady Macbeth ist entschlossen, die Macht zu erlangen, unterstützt ihren Mann und hilft ihm, moralische Zweifel zu überwinden, als er Duncan töten will. Lady Macbeth meint, es genüge, das Blut von ihren Händen zu waschen – und das Verbrechen sei vergessen. Doch ihre menschliche Natur versagt und sie wird verrückt. In ihrem wahnsinnigen, traumwandlerischen Zustand versucht sie, das Blut von ihren Händen zu waschen, aber es gelingt ihr nicht. Am Todestag ihres Mannes begeht Lady Macbeth Selbstmord.

Im Vergleich zu anderen Shakespeare-Tragödien ist die tragische Atmosphäre in Macbeth sehr dicht. Es wird im Zusammenhang mit der Entwicklung des Themas der Machtübernahme durch Kriminalität aufgebauscht. Die Handlung wird komprimierter, konzentrierter und ungestümer; es tritt normalerweise nachts und vor dem Hintergrund eines Sturms auf; Einen großen Platz nimmt das übernatürliche Element (Hexen, Visionen) ein, das die Rolle unheilvoller Vorahnungen und Omen übernimmt. Doch am Ende löst sich die Dunkelheit auf und die Menschheit triumphiert über das Böse.

Shakespeares Tragödien zeichnen sich durch einen tiefen Einblick in das Wesen der tragischen Widersprüche ihrer Zeit aus. In Shakespeares Dramaturgie werden die gesellschaftspolitischen Konflikte der Renaissance überraschend wahrheitsgetreu wiedergegeben. Die tiefgreifenden Veränderungen im Leben, verbunden mit einem gigantischen Umbruch in der Geschichte, als der Feudalismus durch ein neues bürgerliches System ersetzt wurde – das ist die Grundlage des Tragischen bei Shakespeare. Shakespeares Historismus besteht darin, die Haupttendenzen des realen Kampfes zwischen Alt und Neu zu verstehen und die tragische Bedeutung der gesellschaftlichen Verhältnisse dieser Zeit aufzudecken. Bei aller naiv-poetischen Weltanschauung gelang es Shakespeare, die Bedeutung des Menschen im gesellschaftlichen Leben aufzuzeigen.

Shakespeares poetischer Historismus brachte neue Inhalte in das tragische Thema ein, strukturierte das Tragische als ästhetisches Problem um und verlieh ihm neue und einzigartige Qualitäten. Das Tragische bei Shakespeare unterscheidet sich von mittelalterlichen Vorstellungen des Tragischen, von Chaucers Sicht des Tragischen, die in den Canterbury Tales (The Monk's Prologue und The Monk's Tale) zum Ausdruck kommt. Nach der mittelalterlichen Vorstellung könnte eine Tragödie Menschen in hoher Stellung widerfahren, die glücklich leben und die Macht der Vorsehung vergessen. Solche Menschen unterliegen den Launen des Schicksals, unabhängig von ihrem Charakter, ihren Vorzügen und Fehlern. Ihre sehr hohe Stellung war ein Grund zum Stolz, so dass die Katastrophe immer nahe war. Nach mittelalterlichen Vorstellungen brachte das Glück einem Menschen völlig unerwartet und ohne Grund Unglück. Der Mensch ist der Weisheit der Vorsehung hilflos ausgeliefert, und niemand kann den Schicksalsschlägen entkommen. Der mittelalterliche Begriff des Tragischen ging nicht vom Charakter eines Menschen und seiner Kollision mit dem Schicksal aus, sondern vom Glauben an die Allmacht übernatürlicher Kräfte, daher herrschte in den tragischen Werken der mittelalterlichen Literatur der epische, erzählerische Anfang über dem dramatisch.

Das Tragische bei Shakespeare ist frei von der Idee des Fatalismus, des Schicksals. Und obwohl sich seine Helden sowohl auf Gott als auch auf das Glück beziehen, zeigt Shakespeare, dass Menschen auf der Grundlage ihrer Wünsche und ihres Willens handeln, sondern auf der Art und Weise, wie sie den Lebensumständen begegnen, d. h. mit dem Willen und den Wünschen anderer Menschen, die persönliche, öffentliche und staatliche Interessen zum Ausdruck bringen. Aus dem Zusammenstoß zwischen den Menschen selbst, die die Gesellschaft und die Menschheit repräsentieren, resultieren sowohl Siege als auch Niederlagen. Das Tragische ist den Menschen selbst innewohnend, in ihrem Kampf, und hängt nicht von einer fatalistischen Vorherbestimmung ab. Das tragische Schicksal des Helden, die Unvermeidlichkeit seines Todes ist eine Folge seines Charakters und seiner Lebensumstände. Vieles geschieht durch Zufall, doch am Ende unterliegt alles der Notwendigkeit – der Zeit.

Das Übernatürliche in Shakespeares Tragödien – Geister und Hexen – ist eher eine Hommage an folkloristische Motive als eine Manifestation des Aberglaubens des Dramatikers selbst, es ist eine poetische Konvention und eine besondere Technik, Charaktere darzustellen und eine tragische Atmosphäre zu erzwingen. Sowohl Hamlet als auch Macbeth handeln nach ihren eigenen Bestrebungen und ihrem eigenen Willen und nicht auf Geheiß übernatürlicher Mächte. Shakespeare und seine Helden verstehen nicht immer die Bedeutung tragischer Ereignisse, aber es ist immer klar, dass sie nach den Gesetzen der Kausalität, nach den strengen Gesetzen der Zeit, geschehen.

Die Notwendigkeit erscheint bei Shakespeare nicht nur als historische Bewegung der Zeit, sondern auch als Gewissheit und Unbestreitbarkeit der natürlichen moralischen Grundlagen des menschlichen Lebens. Im öffentlichen Leben ist universelle Menschlichkeit notwendig. Eine auf menschlicher Gerechtigkeit basierende Moral ist das Ideal, nach dem die Menschen streben sollten und dessen Verletzung tragische Folgen hat.

Das Tragische bei Shakespeare ist dialektisch. Die Gesellschaft kann natürliche moralische Beziehungen verletzen und Helden in den Tod führen (Romeo und Julia), und der Held kann aufgrund einer Reihe seiner negativen Eigenschaften Böses begehen und der Gesellschaft Schaden zufügen (Macbeth), und gleichzeitig kann der Held und Die Gesellschaft kann im Verhältnis zueinander schuldig sein (König Lear). Alles hängt von der tatsächlichen Komplexität der gesellschaftlichen Widersprüche der Zeit und den psychologischen Konflikten jedes Einzelnen ab. Der Kampf zwischen Gut und Böse findet nicht nur im öffentlichen Raum, sondern auch in der menschlichen Seele statt.

Der Konflikt in Shakespeares Tragödien ist äußerst angespannt, scharf und unversöhnlich und entfaltet sich als Zusammenprall zweier antagonistischer Kräfte. Im Vordergrund steht der Kampf zweier starker Helden, die unterschiedliche Charaktere, unterschiedliche Lebensprinzipien und Ansichten, unterschiedliche Leidenschaften verkörpern. Hamlet und Claudius, Othello und Jago, Lear und Goneril, Caesar und Brutus – das sind die gegensätzlichen Charaktere, die in einen Kampf geraten sind. Doch der edle Held Shakespeares kämpft nicht nur gegen einen einzelnen Antagonisten, er gerät in einen Kampf mit der ganzen Welt des Bösen. Dieser Kampf offenbart die besten spirituellen Fähigkeiten des Helden, verursacht aber auch Böses. Der Kampf geht gleichzeitig in der Seele des Helden selbst weiter. Der Held sucht schmerzlich nach Wahrheit, Wahrheit, Gerechtigkeit; wirklich tragisch ist das seelische Leiden des Helden beim Anblick des Abgrunds des Bösen, der sich vor ihm öffnete; Aber er selbst macht auf der Suche nach der Wahrheit irgendwo einen Fehler, gerät manchmal in Kontakt mit dem Bösen, versteckt sich unter dem Deckmantel des Guten und beschleunigt dadurch den tragischen Ausgang.

Die Taten der tragischen Helden Shakespeares, herausragender Persönlichkeiten, wirken sich auf die gesamte Gesellschaft aus. Die Charaktere sind so bedeutsam, dass jeder von ihnen eine ganze Welt darstellt. Und der Tod dieser Helden schockiert alle. Shakespeare schafft große und komplexe Charaktere aktiver und starker Menschen, Menschen mit Vernunft und großen Leidenschaften, Tapferkeit und hoher Würde. Shakespeares Tragödien bekräftigen den Wert der menschlichen Persönlichkeit, die Einzigartigkeit und Individualität des Charakters eines Menschen, den Reichtum seiner inneren Welt. Das Leben der menschlichen Seele, Erlebnisse und Leiden, die innere Tragödie eines Menschen interessieren Shakespeare vor allem. Und das wirkte sich auch auf seine Innovation auf dem Gebiet des Tragischen aus. Das Bild der inneren Welt der Charaktere offenbart ihre Menschlichkeit so tief, dass es Bewunderung und tiefes Mitgefühl für sie hervorruft.

Eine Reihe von Shakespeares Helden – Macbeth, Brutus, Anthony („Antonius und Kleopatra“) – sind an ihrer Tragödie schuld. Aber die Vorstellung von Schuld ist mit vielen edlen Helden unvereinbar. Die Tatsache, dass die jungen Romeo und Julia sterben, ist die Schuld einer Gesellschaft, die aufrichtigen und ganzheitlichen menschlichen Gefühlen feindlich gegenübersteht. Hamlet, Othello und König Lear hatten Fehler und Irrtümer, die die moralische Grundlage ihrer edlen Charaktere nicht veränderten, aber in der Welt des Bösen und der Ungerechtigkeit zu tragischen Folgen führten. Nur in diesem Sinne kann man von ihrer „tragischen Schuld“ sprechen. Zusammen mit diesen Helden leiden und sterben völlig reine Naturen wie Ophelia, Cordelia, Desdemona.

In der verursachten Katastrophe kommen sowohl die wahren Täter des Bösen als auch diejenigen, die die „tragische Schuld“ tragen, und diejenigen, die völlig unschuldig sind, um. Die Tragödie bei Shakespeare ist weit entfernt von dieser „poetischen Gerechtigkeit“, die in einer einfachen Regel besteht: Laster wird bestraft, Tugend triumphiert. Das Böse bestraft sich schließlich selbst, aber das Gute erduldet tragisches Leid, das unermesslich größer ist, als der Fehler des Helden verdient.

Shakespeares tragischer Held ist aktiv und zu moralischen Entscheidungen fähig. Er fühlt sich für sein Handeln verantwortlich. Wenn Umstände, Gesellschaft den Idealen der Moral widersprechen und sie verletzen, dann liegt die moralische Entscheidung der Charaktere im Kampf gegen die Umstände; in Unversöhnlichkeit mit dem Bösen, auch wenn es zu ihrer eigenen Zerstörung führt. Am deutlichsten wird dies bei Hamlet.

Die Episode der „Erkennung“, des Bewusstseins für Fehler und Schuld, der Einsicht vor dem Tod ist in Shakespeares Tragödien durchdrungen von den intensivsten Erfahrungen der Figuren und den wichtigsten moralischen Vorstellungen. Diese Episode zeichnet sich durch tiefe ideologische und psychologische Inhalte aus. Die Episode der „Anerkennung“ ist in der Tragödie wichtig als Triumph der moralischen Prinzipien der Wahrheit und des Guten, als Ergebnis des inneren Kampfes und Leidens, das der Held ertragen musste. Diese Episode beleuchtet das gesamte Leben des Helden in einem neuen Licht, bestätigt die Größe des menschlichen Geistes und die Bedeutung der moralischen Grundlagen des Lebens.

Auch die Charaktere der Bösewichte in Shakespeares Stücken unterscheiden sich in ihrer Individualität. Sie haben einen Willen, einen Verstand, der aktiv hinterlistige und ehrgeizige Pläne verfolgt. Diese Schurken sind die Verkörperung eines echten Phänomens dieser Zeit – des Machiavellismus. Der freie Geist erscheint bei ihnen in einer äußerst individualistischen Form, als wirksame Verfolgung egoistischer Ziele. Shakespeares Bösewichte sind keineswegs konventionelle Figuren des abstrakten Bösen; sie sind das konkrete und typische Übel des bürgerlichen Systems. Neid, Bosheit und Hass sind die Hauptcharaktere der Schurken. Aber Shakespeare versuchte nicht, sie als Unholde darzustellen. Schurken sind auch Menschen, aber aus verschiedenen Gründen haben sie ihre Menschlichkeit verloren. Manchmal erwacht in ihnen die Betonung der Nutzlosigkeit ihrer Existenz ohne moralische Prinzipien (Edmond, Lady Macbeth).

Shakespeare drückte den humanistischen Glauben an die Güte und den Adel des Menschen, an seinen unbezwingbaren Geist und seine schöpferische Energie aus. Er bekräftigte die Würde des Menschen und die Größe menschlicher Leistungen. Aus allen Katastrophen und Nöten geht die menschliche Natur unbesiegt hervor. Shakespeares wahrer Humanismus ist sein Optimismus. Dieser Optimismus war nicht fair, da Shakespeare sich der Macht des Bösen und des damit verbundenen Unglücks bewusst war. Der Optimismus von Shakespeares Tragödien liegt im Triumph über die Verzweiflung und im mächtigen Glauben an den Sieg des Menschen über das soziale Böse.

Die Vielseitigkeit der Darstellung des Lebens und der Darstellung von Charakteren zeigt sich stets in der Kombination und Durchdringung von Tragischem und Komischem. Dies war Shakespeares Innovation, die Entdeckung einer neuen Art der Darstellung von Mensch und Gesellschaft.

Shakespeare war auch ein Neuerer in der Handlung und der kompositorischen Struktur von Tragödien. In seinen Tragödien taucht ein zweiter Handlungsstrang auf. Nebenhandlungen vermitteln den Eindruck der Vielseitigkeit des Lebens und einer breiten Abdeckung der Realität. Die für Vergleiche und Kontraste genutzte Technik der Parallelität von Figuren und Handlungssträngen wird in Shakespeares Tragödien durch Naturbilder ergänzt. Verwirrung in den Seelen der Charaktere, der tragische Kampf der Leidenschaften, der höchste Spannungen erreicht, werden oft von einem Sturm in der Natur begleitet („König Lear“, „Macbeth“).

Die Komplexität der Struktur, der freie Ablauf der Ereignisse in Shakespeares Tragödien nehmen in vielerlei Hinsicht die Poetik des Romans des 19. und 20. Jahrhunderts vorweg. Handlungssättigung, Dramatik der Charaktere, Geheimnis der Ereignisse, Panoramabild der Geschichte, Freiheit in Zeit und Raum, heller Kontrast – all diese Merkmale von Shakespeares Tragödien finden im Genre des Romans eine Weiterentwicklung.

In der letzten, dritten Schaffensperiode Shakespeares blieb er den Idealen des Humanismus treu, obwohl er sich keine Illusionen mehr über den Humanismus der neuen kapitalistischen Ordnung machte. Da die Ideale des Humanismus in Shakespeares kreativer Fantasie keine Verkörperung im Leben gefunden hatten, nahmen sie die Form eines Traums von der Zukunft, von einer schönen neuen Welt an. Dieser Traum wurde mangels der Möglichkeit, ihn in die Realität umzusetzen, in Form phantastischer Elemente, pastoraler Szenen und Allegorien verkörpert, die für Shakespeares Werk der letzten Periode charakteristisch sind. Die künstlerische Methode von „Das Wintermärchen“ und „Der Sturm“ ist zutiefst logisch, ästhetisch notwendig und ein weiterer Schritt in der Entwicklung von Shakespeares Werk.

„Pericles“, „Cymbeline“, „Das Wintermärchen“ und „Der Sturm“ repräsentieren eine neue ästhetische Qualität. Sie vereinen die Genremerkmale Tragikomödie, Pastoraldrama und Allegorie. In den Dramen der dritten Periode wendet sich Shakespeare der Vermischung von Fantasie und Realität, folkloristischen Motiven, Märchen und utopischen Situationen sowie malerischen Szenen vor der Kulisse der Natur zu. In Shakespeares späten Tragikomödien dominiert das lyrisch-heroische Prinzip, die Romantik außergewöhnlicher Ereignisse. Diese Stücke sind geprägt von der Thematik des Gegensatzes zwischen Gesellschaft und Natur, grausamen Hofbräuchen und idyllischem Landleben. Allerdings ist der Bruch mit der Gesellschaft hier eine Form der moralischen und ethischen Kritik an dieser Gesellschaft und kein Aufruf, vor ihr zu fliehen. Es ist kein Zufall, dass die Helden in die Gesellschaft zurückkehren, um den Kampf gegen das Böse fortzusetzen.

Die Tragikomödie „Das Wintermärchen“ (1610–1611) wurde im Geiste der Volksdichtung geschrieben. Dieses Werk verurteilt den Despotismus der Könige und poetisiert die Freundlichkeit der Dorfbewohner. Das gesamte Stück basiert auf einem scharfen Kontrast zwischen der Tyrannei des königlichen Hofes und die Menschlichkeit der Bauernhirten. Der sizilianische König Leontes, der über unbegrenzte Macht verfügt, beschließt, brutal mit seiner Frau Hermine umzugehen, die eifersüchtig auf ihren böhmischen König Polyxenus ist. Und Hermine findet in Böhmen Unterschlupf bei einem alten Hirten, der ihr namentlich genannter Vater wird . Loss verliebte sich in den Sohn des Königs Polyxenes, Prinz Florizel. Florizel will ungeachtet der Standesunterschiede Loss heiraten. Als Polixenes sich weigert, dieser Ehe zuzustimmen, verlassen Florizel und Loss Böhmen. Das Ideal der Gleichheit der Menschen wird in den Worten bekräftigt des Verlustes, dass über der Hütte und dem Palast dieselbe Sonne am Himmel scheint.

Das Gute triumphiert in diesem Stück über das Böse. Leontes erkennt schließlich seine Schuld und wird wieder glücklich mit Hermine.

Von großer Bedeutung für den philosophischen Inhalt des Stücks ist das Bild des Chores – die Zeit. Im Prolog zum vierten Akt, der das Schicksal der Helden des Stücks kommentiert, drückt Time die Idee der Entwicklung aus, die Idee unaufhörlicher Veränderungen im Leben der Gesellschaft. Die Zeit bestimmt die Perspektive der Entwicklungen und ordnet Hermines traurige Geschichte an einer bestimmten Stelle im allgemeinen Fluss der Geschichte ein. Aus der Sicht der ewigen Entwicklungsgesetze sind tragische Ereignisse nur einzelne Momente, die überwunden werden, der Vergangenheit angehören, zur Legende werden. Auf der Skala der historischen Zeit siegt zwangsläufig das Gute. Im Wintermärchen drückte Shakespeare seinen Glauben an eine wunderbare Zukunft der Menschheit aus.

Shakespeares Träume von einer gerechten Gesellschaft kommen in der fantastischen Handlung der Tragikomödie „Der Sturm“ (Der Sturm, 1611) zum Ausdruck. Nach dem Schiffbruch auf der Insel gelandet, träumt Gonzalo davon, hier alles anders zu regeln als im Königreich Neapel. Er will Beamte und Richter abschaffen, Armut und Reichtum zerstören, Erbrechte und Landeinhegungen abschaffen. Daher versucht Gonzalo, das Böse auszurotten, das in einer ungerechten Gesellschaft vorherrscht. Allerdings äußert Gonzalo auch naive Wünsche: Handel, Wissenschaft und Arbeit abzuschaffen und nur noch von dem zu leben, was die Natur selbst hergibt. In Gonzalos Monolog ist der Einfluss der Ideen von Thomas Mores „Utopia“ spürbar.

Gonzalos utopische Träume stehen im Gegensatz zu einer realen Gesellschaft, in der Gräueltaten begangen werden. Vor zwölf Jahren ergriff Antonio die Macht in Mailand und vertrieb den rechtmäßigen Herzog, seinen Bruder Prospero. Prospero und seine Tochter Miranda finden sich auf einer Insel wieder, auf der fantastische Kreaturen leben. Allerdings gibt es auch hier Böses. Der hässliche Wilde Caliban, ein von einer Hexe geborenes Monster, nutzte das Vertrauen von Prospero, der ihm viel Gutes getan hatte, und beschloss, Miranda zu entehren. Der Zauberer Prospero erobert Caliban, der die Macht dunkler Instinkte verkörpert, und vollbringt mit Hilfe des guten Luftgeistes Ariel gute Taten.

Das Stück offenbart den Konflikt zwischen Gut und Böse. Das Bild des humanistischen Wissenschaftlers Prospero ist die Verkörperung eines guten Geistes und seiner wohltuenden Wirkung auf die Menschen. Der weise Prospero verwandelt Menschen und macht sie vernünftig und schön.

Prospero ist auf der Insel allmächtig, die Geister der Berge, Bäche, Seen und Wälder sind ihm unterworfen, aber er möchte in seine Heimat, nach Italien, zurückkehren und erneut in das hektische Leben der Gesellschaft eintauchen und gegen das Böse kämpfen. Shakespeare drückte in „Der Sturm“ seine Liebe zur Menschheit, seine Bewunderung für die Schönheit des Menschen und seinen Glauben an das Kommen einer schönen neuen Welt aus. Der humanistische Dichter legt Hoffnung in die Köpfe zukünftiger Generationen, die ein glückliches Leben schaffen werden.

In dem Artikel „Ein Lichtstrahl im dunklen Königreich“ definierte N.A. Dobrolyubov die globale Bedeutung von Shakespeare wie folgt: „Viele seiner Stücke können als Entdeckungen auf dem Gebiet des menschlichen Herzens bezeichnet werden; Seine literarische Tätigkeit bewegte das allgemeine Bewusstsein der Menschen auf mehrere Ebenen, die vor ihm noch niemand erklommen hatte und die nur von einigen Philosophen aus der Ferne aufgezeigt wurden. Und deshalb ist Shakespeare von so universeller Bedeutung: Er bezeichnet mehrere neue Stufen der menschlichen Entwicklung.

*Dobrolyubov N.A. Sobr. Zitat: In 9 Bänden - M; L. -1963. - T. 6. - S. 309-310.

Die von Shakespeare geschaffenen Charaktere sind vielfältig, sie vereinen die Anfänge des Tragischen und des Komischen, wie es im Leben selbst geschieht.

Im Realismus der Renaissance und im Werk Shakespeares gibt es eigene konventionelle Formen. Bedingt zum Beispiel der Ort der Handlung. Die Handlung von Shakespeares Stücken kann in Dänemark, Schottland, Sizilien, Böhmen stattfinden, aber der Dramatiker hatte immer England im Sinn und schilderte die Konflikte, Charaktere und Bräuche seiner Heimat. Shakespeares Dramen sind polyphon. Sie vereinen verschiedene poetische Elemente, unterschiedliche Handlungsmotive und offenbaren sich in unterschiedlichen Aspekten und Variationen. Shakespeares Realismus manifestiert sich oft in märchenhaft romantischer Form, in fantastischen, allegorischen Bildern, in hyperbolischem und metaphorischem Stil, in pathetischer und musikalischer Stimmung, in effektvoller Bühnenform. Das wichtigste Problem für Shakespeare ist das Problem des menschlichen Charakters. Im Mittelpunkt der Handlung der meisten Dramen Shakespeares steht eine Person, die sich im Kampf der Gegenwart offenbart. Shakespeare gibt seinen Figuren keinen Hintergrund. Für den Dramatiker ist die Person in Shakespeares Werken mit dem Leben der zeitgenössischen Gesellschaft verbunden. A. S. Puschkin sprach über die Vielseitigkeit von Shakespeares Figuren: „Die von Shakespeare geschaffenen Gesichter sind nicht, wie die von Moliere, Typen dieser oder jener Leidenschaft, dieses und jenes Lasters, sondern Lebewesen voller Leidenschaften, vieler Laster; Umstände entfalten vor dem Betrachter ihre vielfältigen und vielschichtigen Charaktere.

* Puschkin-Kritiker. - S. 412.

Shakespeare vermittelte den nationalen Charakter der englischen Realität, den Charakter der englischen Volkskultur. Niemand vor ihm konnte den Verlauf der Geschichte selbst darstellen, die verschiedenen Schichten der Gesellschaft in einem einzigen dynamischen System darstellen.

Shakespeare hat in seinen Werken den Wendepunkt der Ära, den dramatischen Kampf zwischen Alt und Neu, festgehalten. Seine Werke spiegelten den Lauf der Geschichte in ihren tragischen Widersprüchen wider. Shakespeares Tragödie basiert auf dem Handlungsstoff der Geschichte und Legende, der den heroischen Zustand der Welt widerspiegelt. Aber mit diesem legendären und historischen Stoff warf Shakespeare akute zeitgenössische Probleme auf. Die Rolle des Volkes im Leben der Gesellschaft, die Beziehung zwischen der heroischen Persönlichkeit und dem Volk werden in der Tragödie Coriolanus (Coriolanus, 1608) mit erstaunlicher philosophischer Tiefe offenbart. Der tapfere Feldherr Coriolanus ist großartig, wenn er die Interessen seiner Heimat Rom, die Interessen des Volkes, vertritt und in Corioli einen Sieg erringt. Die Menschen bewundern ihren Helden, schätzen seinen Mut und seine Direktheit. Auch Coriolanus liebt die Menschen, weiß aber wenig über ihr Leben. Das patriarchale Bewusstsein des Coriolanus ist noch nicht in der Lage, die sich entwickelnden sozialen Widersprüche in der Gesellschaft zu erfassen; Deshalb denkt er nicht an die Not der Menschen und weigert sich, ihnen Brot zu geben. Das Volk wendet sich von seinem Helden ab. In Coriolanus, der aus der Gesellschaft ausgeschlossen wurde, war er allein, übermäßiger Stolz erwacht, Hass auf die Plebs; Dies führt ihn zum Verrat am Vaterland. Er stellt sich gegen Rom, gegen sein Volk, und verurteilt sich dadurch selbst zum Tode.

Die Nationalität Shakespeares besteht darin, dass er nach den Interessen seiner Zeit lebte, den Idealen des Humanismus treu blieb, das ethische Prinzip in seinen Werken verkörperte, Bilder aus der Schatzkammer der Volkskunst schöpfte und Helden vor einem breiten volkstümlichen Hintergrund darstellte. In den Werken Shakespeares liegen die Ursprünge der Entwicklung von Drama, Lyrik und Roman der Neuzeit.

Der volkstümliche Charakter von Shakespeares Drama wird auch durch die Sprache bestimmt. Shakespeare nutzte den Reichtum der gesprochenen Sprache der Londoner Einwohner, gab den Wörtern neue Schattierungen, neue Bedeutung*. Die lebhafte Volksrede der Helden von Shakespeares Stücken ist voller Wortspiele. Die Bildhaftigkeit der Sprache in Shakespeares Stücken wird durch die häufige Verwendung präziser, bildlicher Vergleiche und Metaphern erreicht. Oft wird die Sprache der Charaktere, vor allem in den Stücken der ersten Periode, pathetisch, was durch die Verwendung von Euphemismen erreicht wird. Anschließend wandte sich Shakespeare gegen den euphuistischen Stil.

* Siehe: Morozov M. Artikel über Shakespeare. - M, 1964.

In Shakespeares Stücken wechseln sich Versrede (Leervers) und Prosa ab. Tragische Helden sprechen hauptsächlich in Versen und Comicfiguren und Narren sprechen in Prosa. Aber manchmal findet sich Prosa auch in der Rede tragischer Helden. Die Gedichte zeichnen sich durch eine Vielzahl rhythmischer Formen aus (jambischer Fünf-Fuß-, Sechs-Fuß- und Vier-Fuß-Jambisch, Silbentrennung).

Die Ansprache der Charaktere ist individualisiert. Hamlets Monologe sind philosophischer und lyrischer Natur; Othellos lyrische Rede ist von exotischen Bildern geprägt; Osrics Rede („Hamlet“) ist anmaßend. Shakespeares Sprache ist idiomatisch und aphoristisch. Viele Shakespeare-Ausdrücke sind zu Schlagworten geworden.

Die sowjetische Literaturkritik hält Shakespeares Werk für realistisch. Das sowjetische Theater spielte eine große Rolle bei der Offenlegung des realistischen Wesens von Shakespeares Werken. Sowjetische Übersetzer haben viel dazu beigetragen, das kreative Erbe Shakespeares weiterzuentwickeln.

In den Werken einer Reihe sowjetischer Shakespeare-Gelehrter werden die Probleme von Shakespeares Weltanschauung, die Periodisierung seines Werkes, die Theatergeschichte seiner Stücke, die Probleme des Realismus und der Nationalität aufgeworfen. In der sowjetischen Shakespeareologie wurde dem Problem „Shakespeare und die russische Literatur“ gesellschaftliche Aufmerksamkeit geschenkt.

Shakespeares Komödien gehören zu den bemerkenswertesten Beispielen der europäischen Renaissancekomödie. Shakespeare wandte sich zunächst der antiken römischen Komödie und der von ihr maßgeblich beeinflussten italienischen „gelehrten Komödie“ des 16. Jahrhunderts zu. Die Helden der Komödien überwinden Schwierigkeiten auf dem Lebensweg und bauen ihr Glück mit ihrem inhärenten Optimismus auf, der den Glauben an einen Menschen und seine Fähigkeiten stärkt. Helden sind energisch, fröhlich, einfallsreich und witzig. Junge Menschen sind Liebende, die um ihre Liebe kämpfen, umgeben von vielen Charakteren – Menschen unterschiedlicher Herkunft. Das Thema Liebe und wahre Freundschaft.; Urlaubsatmosphäre, lachende Komödien. Synthese der Traditionen des Volkes und der Renaissance-italienischen Komödien. Geist der Jugend.

Die Struktur der Komödie: Die Liebenden können sich nicht verbinden. Sie sind aktiv, sie gestalten ihr eigenes Schicksal. Es endet in der Ehe, nachdem äußere Hindernisse (Verbote, Eltern) und innere (Charakter der Charaktere) überwunden wurden. Naturelementar / Mensch. Ziehen!! Der wichtige Held – der Narr – ist klug, trägt nur die Maske eines Narren. Narren sind Einfaltspinsel.

Die Entwicklung der Shakespeare-Komödien: die erste „Comedy of Errors“ – eine Situationskomödie. Das Motiv der Dualität, durch die Zwillinge. „Der Widerspenstigen Zähmung“ ist das Thema einer gespaltenen Persönlichkeit, einer Bewegung hin zur Tragödie eines unlösbaren Konflikts. „12th Night“ ist eine düstere Komödie. Die Welt der poetischen Gefühle und des Spaßes koexistiert in Komödien mit dramatischen Konflikten und sogar tragischen Motiven. Obwohl fröhlicher Spaß über düstere Heuchelei siegt, siegen desinteressierte Gefühle über Klassenvorurteile. Die Grundlage komödiantischer Situationen sind zufällige Zufälle von Umständen, die das Schicksal von Menschen drastisch verändern. Trotz der Launen des Schicksals muss ein Mensch selbst für sein Glück kämpfen.

Die Komödie „Der Widerspenstigen Zähmung“ wurde 15 (93?) von Shakespeare geschrieben, erstmals jedoch erst nach seinem Tod veröffentlicht – im Jahr 1623. Über die Quellen dieser Komödie gibt es noch immer ungelöste Streitigkeiten.

Im Jahr 1594 wurde ein anonymes Theaterstück veröffentlicht: „Eine lustige erfundene Geschichte mit dem Titel „Die Zähmung einer Spitzmaus“. Alles in dem anonymen Stück – die Charaktere mit ihren Persönlichkeiten, sogar die wichtigste „Moral“ des Stücks – entspricht Shakespeares Komödie. Es gibt nur geringfügige Unterschiede. Anonymous findet nicht in Padua, sondern in Athen statt; alle Namen der Charaktere sind unterschiedlich: Die Hauptfigur heißt Ferrando, die Heldin wird immer als Ket abgekürzt; sie hat nicht eine, sondern zwei Schwestern – Emilia und Filena, die jeweils von einem jungen Mann umworben werden, während Shakespeare eine Schwester hat, die mehrere Bewunderer hat; Anonymous hat keine geheime Ehe und der gesamte Ausgang ist unklar.

Der Episodenwechsel und die Handlungsentwicklung sind in beiden Stücken gleich, an manchen Stellen kopiert das eine direkt das andere. Allerdings ist der Text selbst unterschiedlich und es gibt im gesamten Stück nur sechs Zeilen, die genau übereinstimmen.

Shakespeare zeichnete sich durch eine solche Art der Verarbeitung fremder Stücke aus, dass er, indem er sich Handlung und Bilder entlehnt, einen völlig neuen Text kreiert, in dem er nur zwei oder drei Phrasen oder Ausdrücke des alten Stücks verwendet, gleichzeitig aber alle seine Der Inhalt wird ungewöhnlich vertieft, dekoriert und mit einer völlig neuen Bedeutung gefüllt. . In „Der Widerspenstigen Zähmung“ zeigte Shakespeare ein subtiles Verständnis der menschlichen Natur. Unter den Kommentatoren dieses Stücks gibt es Kontroversen über seine Moral. Einige versuchten, in dem Stück eine Verteidigung des mittelalterlichen Prinzips der bedingungslosen Unterordnung einer Frau unter einen Mann zu sehen, andere hielten es einfach für einen Witz ohne ideologischen Inhalt.

Von allen Charakteren im Stück sind nur drei kluge, gut entwickelte Charaktere: Katarina und Petruchio sowie Bianca. Der Held der Komödie Petruchio ist ein typischer Mann der Neuzeit, mutig, frei von Vorurteilen, voller Kraft. Er sehnt sich nach Kampf, Erfolg, Reichtum und trifft in Katarina auf eine würdige Gegnerin. Catarina wurde von ihrem klugen Verlobten Petruchio besänftigt und entwickelte sich zu einer idealen Frau mit guten Manieren. Der Doppelzüngigkeit der steifen Bianca steht die Aufrichtigkeit der eigensinnigen Katarina gegenüber. Am Ende des Stücks, als eine Art Ehefrauentest stattfindet, stellt sich heraus, dass Bianca, die von Natur aus sanftmütig war, sich in eine streitsüchtige Launenhafte verwandelt hat, während Katarina selbst zum Inbegriff von Sanftmut und Freundlichkeit geworden ist. Das Stück endet mit ihrem berühmten Monolog, in dem sie die natürliche Schwäche der Frauen bekräftigt und sie dazu aufruft, sich ihren Männern zu unterwerfen.

Alle anderen Helden des Stücks sind konventionelle Figuren, stereotype Grotesken. Dies entspricht dem absurden Charakter der Handlung: Allerlei Tricks, Schlägereien, blankes Gelächter, ohne Lyrik, zärtliche, ideale Gefühle, die in der fast gleichzeitigen, absurden „Komödie der Irrtümer“ stecken.

Shakespeare vertrat die zu seiner Zeit allgemein verbreitete Meinung, dass der Ehemann das Oberhaupt der Familie sein sollte. Aber gleichzeitig betont er, indem er den Reichtum von Katarinas Natur zeigt, die humanistische Idee der inneren Gleichwertigkeit von Frauen und Männern.

Der moderne Leser versteht den kompositorischen Zusammenhang zwischen dem Anfang und dem Hauptthema des Stücks nicht ganz.

Shakespeare wollte jedoch zeigen, was die Aristokraten in der heutigen Gesellschaft auszeichnete. Er zeigt dies anhand eines ziemlich eindrucksvollen Beispiels eines Kupferschmieds.

Der Kupferschmied Christopher Sly fällt an der Schwelle der Taverne in einen betrunkenen Schlaf. Der Herr kehrt mit Jägern und Dienern von der Jagd zurück und beschließt, als er den schlafenden Mann findet, ihm einen Streich zu spielen. Seine Diener bringen Sly in ein luxuriöses Bett, waschen ihn in duftendem Wasser und ziehen ein teures Kleid an. Als Sly aufwacht, erzählt man ihm, dass er ein edler Lord sei, der vom Wahnsinn befallen sei und fünfzehn Jahre lang geschlafen habe, in dem Traum, er sei ein Kupferschmied. Zuerst beharrt Sly darauf, dass er von Geburt an ein Hausierer, von seiner Ausbildung her ein Kämmerer, von den Wechselfällen des Schicksals ein Schreckgespenst und von seinem jetzigen Beruf ein Kupferschmied ist, aber nach und nach lässt er sich davon überzeugen, dass er wirklich eine wichtige Person und verheiratet ist an eine bezaubernde Dame (tatsächlich ist dies der verkleidete Page des Herrn). Der Lord lädt eine reisende Schauspieltruppe herzlich in sein Schloss ein, weiht ihre Mitglieder in einen Streichplan ein und bittet sie dann, eine urkomische Komödie zu spielen, angeblich um einem imaginären Aristokraten zu helfen, eine Krankheit loszuwerden.

Daher ist anzumerken, dass eine solche Einführung und Darstellung der notwendigen Aspekte des Lebens der Aristokraten ein sehr wichtiges Element dieser Arbeit ist.

Somit enthüllt Shakespeare nicht nur die Grundidee, sondern zeigt auch, wie die Gesellschaft Spaß hat.

Die Hauptsache im Stück kann jedoch als eine Bedingung bezeichnet werden, auf der die gesamte Komödie steht. Dies ist der Zustand der Baptisten.

Er verkündet Biancas Verehrern, dass er Bianca nicht heiraten wird, bis er einen Ehemann für seine älteste Tochter gefunden hat. Er bittet um Hilfe bei der Suche nach Lehrern für Musik und Poesie für Bianchi, damit sich das arme Ding in der erzwungenen Abgeschiedenheit nicht langweilt. Hortensio und Gremio beschließen, ihre Rivalität vorübergehend beiseite zu legen, um einen Ehemann für Katarina zu finden. Das ist keine leichte Aufgabe, denn der Teufel selbst kommt damit nicht zurecht, die Hauptfigur ist dabei so bösartig und stur.

Allerdings ist das Ende, wie oben erwähnt, unvorhersehbar. Katarina tritt an die Stelle von Bianchi und überrascht alle mit ihrer Sanftmut und Freundlichkeit.

Es ist also anzumerken, dass Shakespeares Werk vielfältig ist und jedes seiner Dramen, Komödien und Tragödien einzigartig ist, da es neben den Problemen der Gegenwart auch den psychologischen Aspekt der Persönlichkeit abdeckt. Das Weltbild des Dramatikers wurde von Ereignissen und politischen Veränderungen beeinflusst. Shakespeares Werk aller Epochen ist geprägt von einer humanistischen Weltanschauung: ein tiefes Interesse am Menschen, an seinen Gefühlen, Sehnsüchten und Leidenschaften, Trauer über das Leiden und die irreparablen Fehler der Menschen, ein Traum vom Glück des Menschen und der gesamten Menschheit als Ganzes .

Der Leitgedanke der Renaissance war die Vorstellung eines würdigen Menschen. Die Zeit hat diese Idee einer tragischen Prüfung unterzogen, deren Beweis das Werk von Shakespeare war. Beim Schaffen seiner Werke war Shakespeare oft dem literarischen Erbe seiner Vorgänger ausgeliefert, doch die Anziehungskraft auf ihn diente nur als Form für die Werke, die er mit einem völlig neuen, tiefen Inhalt verlieh. Gefühle sind zwar das wichtigste ästhetische Prinzip von Shakespeare. Keine falsche Unwahrheit, kein falsches Pathos, deshalb ist alles, was aus seiner Feder kam, so beeindruckend.

Das Wesen der Tragödie bei Shakespeare liegt immer im Aufeinandertreffen zweier Prinzipien – humanistischer Gefühle, also reiner und edler Menschlichkeit, und Vulgarität oder Gemeinheit, die auf Egoismus und Egoismus basieren.

Nach Shakespeare ist das Schicksal eines jeden Menschen das Ergebnis des Zusammenspiels seines Charakters und der ihn umgebenden Umstände. Shakespeare zeigt mit eiserner Logik, wie die besten Menschen, die edelsten, intelligentesten und begabtesten, unter dem Ansturm dunkler Mächte sterben (Hamlet, Lear), wie leicht das Böse manchmal Besitz von der Seele eines Menschen ergreift und zu welchen schrecklichen Konsequenzen dies führt (Macbeth). ).

Hier kommt jenes besondere Lebensgefühl zum Ausdruck, tragisch und zugleich heroisch, das am Ende der Renaissance bei den Humanisten durch den Zusammenbruch ihrer Ideale unter dem Ansturm reaktionärer Kräfte entsteht. Dies ist einerseits ein Gefühl des Zusammenbruchs mittelalterlicher Überzeugungen und Institutionen, aller „heiligen Bindungen“ des Feudalismus, der das Gefühl einer gigantischen Katastrophe entstehen ließ, des Zusammenbruchs einer großen Welt, die für viele gelebt hat Jahrhunderte andererseits ist dies das Bewusstsein, dass die neue Welt, die die alte ersetzt, noch schlimmere Formen der menschlichen Versklavung mit sich bringt, der Geist der ungezügelten Raubtierhaltung, das Reich der „Chistoganer“, das sind die Grundlagen Merkmale des aufstrebenden Kapitalismus. Daher das Gefühl einer globalen Katastrophe, des Zusammenbruchs aller Fundamente, das Gefühl, dass die Menschen am Rande eines Abgrunds wandern, in den sie jede Minute stürzen können und tun. Naturtreue, den natürlichen Neigungen der menschlichen Natur folgend, sind nicht mehr ausreichende Verhaltenskriterien und Glücksgaranten. Der von allen Illusionen befreite Mensch kommt zu der Erkenntnis, dass er nur ein „armes, nacktes, zweibeiniges Tier“ ist (die Worte von Lear).

Aus diesem Grund sprechen viele Kritiker vom „Pessimismus“ der zweiten Schaffensperiode Shakespeares. Für diesen Begriff ist jedoch ein Vorbehalt erforderlich. Depressiver Pessimismus, der zu Niedergeschlagenheit und Kampfverweigerung führt, ist Shakespeare fremd. Erstens: So schrecklich die von Shakespeare dargestellten Leiden und Katastrophen auch sein mögen, sie sind niemals ziellos, sondern offenbaren die Bedeutung und tiefe Regelmäßigkeit dessen, was einem Menschen widerfährt. Der Tod von Macbeth, Brutus oder Coriolanus zeigt die fatale Kraft von Leidenschaften oder Wahnvorstellungen, die einen Menschen erfassen, wenn er nicht den richtigen Weg findet. Andererseits atmen auch die schwersten Tragödien Shakespeares keine Hoffnungslosigkeit: Sie eröffnen Perspektiven für eine bessere Zukunft und bekräftigen den inneren Sieg der Wahrheit über die menschliche Niedrigkeit. Der Tod von Romeo und Julia ist zugleich ihr Triumph, denn über ihrem Sarg kommt es zur Versöhnung zwischen den verfeindeten Familien, die ihr Wort geben, ihrer Liebe ein Denkmal zu setzen. „Hamlet“ endet mit dem Tod von Claudius und der Niederlage des bösartigen dänischen Hofes; Mit dem Beitritt von Fortinbras muss eine neue Ära beginnen, die Hoffnung auf ein besseres Leben ermöglicht. Ebenso endet Macbeth mit dem Tod des Tyrannen und der Krönung eines rechtmäßigen und guten Herrschers. In Lear stirbt der alte König erleuchtet und erfüllt von Liebe zur Wahrheit und zu den Menschen. Auf Kosten des Leidens, das er erlitten hat, verwandelt sich Lear von einem „armen, nackten, zweibeinigen Tier“ in einen Mann, der in seiner einfachen Menschlichkeit größer ist als der frühere Lear und mit königlicher Würde ausgestattet ist. Shakespeares Tragödien strahlen Fröhlichkeit aus, einen mutigen Aufruf zum Kampf, auch wenn dieser Kampf nicht immer Erfolg versprach. Der heroische Charakter dieses Pessimismus ist weit entfernt von fatalistischer Verzweiflung.

Shakespeares Werk zeichnet sich durch seinen Umfang aus – die außergewöhnliche Breite der Interessen und den Umfang des Denkens. Seine Stücke spiegelten eine große Vielfalt an Typen, Positionen, Epochen, Völkern und sozialen Umgebungen wider. Dieser Reichtum an Fantasie sowie die Schnelligkeit der Handlung, der Reichtum der Bilder, die Stärke der dargestellten Leidenschaften und die Willensspannung der Charaktere sind typisch für die Renaissance. Shakespeare stellt das Aufblühen der menschlichen Persönlichkeit und den Reichtum des Lebens mit all seinen Formen und Farben dar, aber er brachte all dies zu einer Einheit, in der die Regelmäßigkeit vorherrscht.

Die Quellen von Shakespeares Dramaturgie sind vielfältig, doch alles Entliehene beherrschte er auf eigentümliche Weise. Er hat viel aus der Antike übernommen. Seine frühe Komödie der Irrungen ist eine Nachahmung der Manechmas von Plautus. In „Titus Andronicus“ und „Richard III“ ist der Einfluss Senecas deutlich spürbar. Die „römischen“ Tragödien Shakespeares gehen nicht nur in der Handlung, sondern teilweise auch ideologisch auf Plutarch zurück, der in der Renaissance ein Lehrer der Freiheitsliebe und des Bürgergefühls war. In den Werken Shakespeares stößt man immer wieder auf sinnlich heitere und ausdrucksstarke Bilder der antiken Mythologie.

Eine weitere Quelle für Shakespeare war die Kunst der italienischen Renaissance. Die Handlung von „Othello“, „Der Kaufmann von Venedig“ und mehreren anderen Komödien entlehnte er italienischen Romanautoren. In „Der Widerspenstigen Zähmung“ und einigen anderen Komödien kann man den Einfluss der italienischen Commedia dell'arte erkennen. In Shakespeares Stücken stoßen wir häufig auf italienische Kostüme, Eigennamen und allerlei Motive, die aus völlig unterschiedlichen Quellen stammen. Wenn Shakespeare aus der Antike Konkretheit und Klarheit der Bilder, künstlerische Logik und Klarheit der Sprache lernte, dann trugen die Einflüsse der italienischen Renaissance zur Stärkung der ästhetischen und bildnerischen Merkmale in seinem Werk bei, seiner Wahrnehmung des Lebens als Wirbelsturm aus Farben und Formen. Noch wichtiger ist, dass beide Quellen die humanistische Grundlage von Shakespeares Werk stärkten.

Aber im Grunde setzt Shakespeare neben diesen Attraktionen die Traditionen des englischen Volksdramas fort. Dazu gehört beispielsweise die von ihm systematisch eingesetzte Mischung aus Tragik und Komik, die von den Vertretern der gelehrten klassizistischen Strömung in der Dramaturgie der Renaissance verboten wurde.

Bei Shakespeare beobachten wir eine bunte Mischung von Personen und Ereignissen, ein ungewöhnlich schnelles Handlungstempo, seine schnelle Übertragung von einem Ort zum anderen. Diese Lebendigkeit, Brillanz, Leichtigkeit des Stils, Bewegungsreichtum und markante Effekte sind sehr charakteristisch für das Volksdrama. Ihre höchste Manifestation liegt darin, dass er für seine humanistischen Ideen eine wahrhaft volkstümliche Ausdrucksform findet – konkret, äußerst klar und wahrhaftig in seiner aufrichtigen Einfachheit. Dies gilt nicht nur für die Reden des Narren in „König Lear“, die die Quintessenz der Volksweisheit darstellen, sondern auch für die Aussagen hochgebildeter Persönlichkeiten wie Hamlet.

Shakespeares Realismus ist untrennbar mit dem Volk verbunden. Der Shakespearesche Realismus basiert auf einer lebendigen, direkten Beziehung zu allen Phänomenen des Lebens. Gleichzeitig stellt Shakespeare die Realität nicht nur wahrheitsgetreu dar, sondern versteht es auch, tief in sie einzudringen, das Wesentliche darin zu erkennen und zu offenbaren. Shakespeares eigene Ansichten über das realistische Wesen der Kunst werden in Hamlets Gespräch mit den Schauspielern (Akt III, Szene 2) zum Ausdruck gebracht, in dem Hamlet jede Affektiertheit, Übertreibung und Wirkung um der Wirkung willen verurteilt und fordert, dass Maße und Proportionen, Natürlichkeit und Übereinstimmung dazu gelten Realität beobachtet werden.

Shakespeares Realismus manifestiert sich darin, dass er Phänomene in ihrer Bewegung und gegenseitigen Bedingung darstellt und dabei alle Schattierungen und Übergänge der Gefühle wahrnimmt. Dies gibt ihm die Möglichkeit, ganze Menschen in ihrer ganzen Komplexität und zugleich in ihrer Entwicklung zu zeichnen. Auch in dieser Hinsicht ist Shakespeares Charakterbildung zutiefst realistisch. Indem er die typischen Merkmale seiner Charaktere betont, die eine allgemeine und grundlegende Bedeutung haben, individualisiert er sie gleichzeitig und stattet sie mit verschiedenen, zusätzlichen Merkmalen aus, die sie wirklich lebendig machen. Shakespeares Figuren verändern und wachsen im Kampf.

Der Realismus Shakespeares liegt auch in der Genauigkeit der Analyse der emotionalen Erfahrungen seiner Figuren und der Motivation ihrer Handlungen und Motive.

Alle Helden großer Tragödien erleben einen drastischen Einstellungswandel. Ihre persönlichen Motive und spezifischen Bedingungen für die Entwicklung einer spirituellen Krise sind bei ihnen unterschiedlich, ihre spirituellen Reaktionen und Verhaltensweisen sind nicht gleich, der Grad des moralischen Schocks ist bei allen extrem und ihre schmerzhaften Erfahrungen beschränken sich nicht auf das persönliche Schicksal und weisen auf einen Krisenzustand epochaler Überzeugung hin. Die Zweifel tragischer Helden sind vielfältig, aber auf ein bestimmtes Zentrum gerichtet, das sich auf den Zustand der Gesellschaft und das Problem des Menschen konzentriert.