Amerikanische Landschaftskünstler des 21. Jahrhunderts. Zeitgenössische russische Künstler, die einen genaueren Blick wert sind

Die majestätische und vielfältige russische Malerei begeistert den Betrachter stets mit ihrer Unbeständigkeit und Perfektion der künstlerischen Formen. Dies ist ein Merkmal der Werke berühmter Kunstmeister. Sie überraschten uns immer wieder mit ihrer außergewöhnlichen Arbeitsweise, ihrer ehrfürchtigen Haltung gegenüber den Gefühlen und Empfindungen jedes Einzelnen. Vielleicht haben russische Künstler deshalb so oft Porträtkompositionen dargestellt, die emotionale Bilder und episch ruhige Motive lebendig verbanden. Kein Wunder, dass Maxim Gorki einmal sagte, ein Künstler sei das Herz seines Landes, die Stimme einer ganzen Ära. Tatsächlich vermitteln die majestätischen und eleganten Gemälde russischer Künstler anschaulich die Inspiration ihrer Zeit. Ähnlich wie der berühmte Autor Anton Tschechow versuchten viele, den einzigartigen Geschmack ihres Volkes sowie einen unstillbaren Traum von Schönheit in die russischen Gemälde einzubringen. Es ist schwer, die außergewöhnlichen Gemälde dieser Meister der majestätischen Kunst zu unterschätzen, denn unter ihren Pinseln entstanden wirklich außergewöhnliche Werke verschiedener Genres. Akademische Malerei, Porträt, Historienmalerei, Landschaft, Werke der Romantik, der Moderne oder des Symbolismus – sie alle bereiten ihren Betrachtern noch immer Freude und Inspiration. Jeder findet in ihnen mehr als bunte Farben, anmutige Linien und unnachahmliche Genres der Weltkunst. Vielleicht hängt die Fülle an Formen und Bildern, mit denen die russische Malerei überrascht, mit dem enormen Potenzial der umgebenden Welt der Künstler zusammen. Levitan sagte auch, dass jede Note üppiger Natur eine majestätische und außergewöhnliche Farbpalette enthält. Mit einem solchen Anfang erscheint eine herrliche Weite für den Pinsel des Künstlers. Daher zeichnen sich alle russischen Gemälde durch ihre erlesene Strenge und attraktive Schönheit aus, von der man sich nur schwer losreißen kann.

Die russische Malerei unterscheidet sich zu Recht von der Weltkunst. Tatsache ist, dass die russische Malerei bis zum 17. Jahrhundert ausschließlich mit religiösen Themen verbunden war. Die Situation änderte sich mit der Machtübernahme des Reformzaren Peter des Großen. Dank seiner Reformen begannen russische Meister, sich der weltlichen Malerei zu widmen, und die Ikonenmalerei wurde als eigenständige Richtung abgegrenzt. Das 17. Jahrhundert ist die Zeit von Künstlern wie Simon Uschakow und Joseph Wladimirow. Dann entstand die Porträtmalerei in der russischen Kunstwelt und erfreute sich schnell großer Beliebtheit. Im 18. Jahrhundert traten die ersten Künstler auf, die von der Porträtmalerei zur Landschaftsmalerei übergingen. Auffällig ist die ausgeprägte Sympathie der Künstler für Winterpanoramen. Das 18. Jahrhundert ist auch für die Entstehung der Alltagsmalerei bekannt. Im 19. Jahrhundert gewannen in Russland drei Strömungen an Popularität: Romantik, Realismus und Klassizismus. Nach wie vor wandten sich russische Künstler weiterhin dem Porträtgenre zu. Damals erschienen die weltberühmten Porträts und Selbstporträts von O. Kiprensky und V. Tropinin. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts stellten Künstler zunehmend das einfache russische Volk in seinem unterdrückten Zustand dar. Der Realismus wird zur zentralen Strömung der Malerei dieser Zeit. Zu diesem Zeitpunkt erschienen die Wanderkünstler, die nur das wirkliche Leben darstellten. Nun, das 20. Jahrhundert ist natürlich die Avantgarde. Die damaligen Künstler beeinflussten sowohl ihre Anhänger in Russland als auch auf der ganzen Welt maßgeblich. Ihre Gemälde wurden zu Vorläufern der abstrakten Kunst. Die russische Malerei ist eine riesige wunderbare Welt talentierter Künstler, die Russland mit ihren Kreationen verherrlicht haben.

Das Ranking der teuersten Werke lebender Künstler ist eine Konstruktion, die viel weniger über die Rolle und den Platz des Künstlers in der Kunstgeschichte als vielmehr über Alter und Gesundheit aussagt

Die Regeln für die Erstellung unserer Bewertung sind einfach: Erstens werden nur Transaktionen mit Werken lebender Autoren berücksichtigt; zweitens werden nur öffentliche Auktionen berücksichtigt; und drittens wird die Regel „ein Künstler – ein Werk“ beachtet (wenn in der Rangliste der Werke zwei Datensätze zu Jones gehören, bleibt nur der teuerste übrig, der Rest wird nicht berücksichtigt). Die Rangfolge erfolgt in Dollar (zum Wechselkurs am Verkaufsdatum).

1. JEFF KOONS Kaninchen. 1986. 91,075 Millionen US-Dollar

Je länger Sie die Auktionskarriere von Jeff Koons (1955) verfolgen, desto mehr werden Sie davon überzeugt, dass für Pop-Art nichts unmöglich ist. Sie können die Skulpturen von Koons in Form von Ballonspielzeugen bewundern oder sie für kitschig und geschmacklos halten – Ihr Recht. Eines lässt sich nicht leugnen: Die Installationen von Jeff Koons kosten wahnsinnig viel Geld.

Jeff Koons begann seinen Weg zum Ruhm als erfolgreichster lebender Künstler der Welt im Jahr 2007, als seine riesige Metallinstallation „Hanging Heart“ für 23,6 Millionen US-Dollar bei Sotheby's gekauft wurde. Das Werk wurde von Larry Gagosians Galerie, die Koons vertritt, gekauft, schrieben sie gegenüber der Presse, dass es im Interesse des ukrainischen Milliardärs Wiktor Pintschuk sei. Die Galerie erwarb nicht nur eine Installation, sondern tatsächlich ein Schmuckkunstwerk. Auch wenn das Werk nicht aus Gold bestand (das Material war rostfrei). Stahl) und war deutlich größer als ein gewöhnlicher Anhänger (die Skulptur ist 2,7 m hoch und wiegt 1.600 kg), hat aber einen ähnlichen Zweck. Mehr als sechseinhalbtausend Stunden wurden für die Herstellung der Komposition mit Herz aufgewendet mit zehn Farbschichten überzogen. Für die spektakuläre „Dekoration“ wurden daher riesige Summen ausgegeben.

Als nächstes folgte am 30. Juni 2008 der Verkauf von „Balloon Flower“ in Lila für 12,92 Millionen Pfund (25,8 Millionen US-Dollar) bei der Londoner Auktion von Christie’s. Interessanterweise kauften die Vorbesitzer von „Flower“ das Werk sieben Jahre zuvor für 1,1 Millionen US-Dollar. Es ist leicht zu berechnen, dass der Marktpreis in dieser Zeit fast um das 25-fache gestiegen ist.

Der Rückgang des Kunstmarkts von 2008 bis 2009 gab Skeptikern Anlass zu der Klage, dass die Modeerscheinung von Koons vorbei sei. Doch sie lagen falsch: Mit dem Kunstmarkt erwachte auch das Interesse an Koons‘ Werken wieder. Andy Warhols Nachfolger als König der Pop-Art aktualisierte seinen persönlichen Rekord im November 2012 mit dem Verkauf einer mehrfarbigen Skulptur „Tulips“ aus der „Celebration“-Serie bei Christie's für 33,7 Millionen US-Dollar, einschließlich Provision.

Aber „Tulpen“ waren „Blumen“ im wörtlichen und übertragenen Sinne. Nur ein Jahr später, im November 2013, folgte der Verkauf der Edelstahlskulptur „Balloon Dog (Orange)“: Der Zuschlagspreis betrug ganze 58,4 Millionen US-Dollar! Eine sagenhafte Summe für einen lebenden Künstler. Ein Werk eines zeitgenössischen Autors wurde zum Preis eines Gemäldes von Van Gogh oder Picasso verkauft. Das waren schon Beeren...

Mit diesem Ergebnis stand Koons mehrere Jahre lang an der Spitze der Rangliste der lebenden Künstler. Im November 2018 wurde er kurzzeitig von David Hockney überholt (siehe Platz zwei in unserem Ranking). Doch nur ein halbes Jahr später normalisierte sich alles wieder: Am 15. Mai 2019 wurde in New York bei der Auktion für Nachkriegs- und zeitgenössische Kunst bei Christie's eine Lehrbuchskulptur für Koons aus dem Jahr 1986 zum Verkauf angeboten – eine silberne „ „Kaninchen“ aus Edelstahl, das einen Ballon ähnlicher Form imitiert.

Insgesamt hat Koons drei solcher Witze plus eine Originalkopie erstellt. Die Auktion umfasste ein Exemplar von „Rabbit“ Nummer 2 – aus der Sammlung des Kultverlegers Cy Newhouse, Miteigentümer des Conde Nast-Verlags (Magazine Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ usw.). Das silberne „Rabbit“ wurde 1992 vom „Vater des Glamours“ Cy Newhouse für eine für damalige Verhältnisse beeindruckende Summe gekauft: 1 Million US-Dollar. Nach 27 Jahren im Kampf von 10 Bietern lag der Zuschlagspreis der Skulptur beim 80-fachen des vorherigen Verkaufspreises. Und unter Berücksichtigung der Käuferprämie betrug das Endergebnis 91,075 Millionen US-Dollar, ein Rekord für alle lebenden Künstler.

2. DAVID HOCKNEY Porträt des Künstlers. Pool mit zwei Figuren. 1972. 90.312.500 $

David Hockney (1937) ist einer der bedeutendsten britischen Künstler des 20. Jahrhunderts. Im Jahr 2011 wurde David Hockney laut einer Umfrage unter Tausenden professionellen britischen Künstlern und Bildhauern zum einflussreichsten britischen Künstler aller Zeiten gewählt. Gleichzeitig schlug Hockney Meister wie William Turner und Francis Bacon. Sein Werk wird üblicherweise der Pop-Art zugeordnet, obwohl er sich in seinen frühen Werken eher dem Expressionismus im Sinne von Francis Bacon zuwandte.

David Hockney ist in England, in der Grafschaft Yorkshire, geboren und aufgewachsen. Die Mutter des zukünftigen Künstlers hielt die Familie in puritanischer Strenge, und sein Vater, ein einfacher Buchhalter, der ein wenig Amateur zeichnete, ermutigte seinen Sohn, sich mit der Malerei zu beschäftigen. In seinen Zwanzigern zog David nach Kalifornien, wo er insgesamt etwa drei Jahrzehnte lebte. Er hat dort noch zwei Werkstätten. Hockney machte die Helden seiner Werke zu den Reichen vor Ort, deren Villen, Schwimmbäder und Rasenflächen von der kalifornischen Sonne durchtränkt waren. Eines seiner berühmtesten Werke aus der amerikanischen Zeit – das Gemälde „Splash“ – zeigt ein Bündel Spritzer, die aus einem Pool aufsteigen, nachdem ein Mann ins Wasser gesprungen ist. Um diese Garbe darzustellen, die nicht länger als zwei Sekunden „lebt“, hat Hockney zwei Wochen lang gearbeitet. Dieses Gemälde wurde übrigens 2006 bei Sotheby’s für 5,4 Millionen Dollar verkauft und galt einige Zeit als sein teuerstes Werk.

Hockney (1937) ist bereits über achtzig, aber er arbeitet immer noch und erfindet mithilfe technischer Innovationen sogar neue künstlerische Techniken. Einst kam er auf die Idee, riesige Collagen aus Polaroids anzufertigen, druckte seine Werke auf Faxgeräten aus und heute meistert der Künstler mit Begeisterung das Zeichnen auf dem iPad. Auf einem Tablet gezeichnete Gemälde nehmen in seinen Ausstellungen einen würdigen Platz ein.

Im Jahr 2005 kehrte Hockney schließlich aus den USA nach England zurück. Jetzt malt er unter freiem Himmel und im Atelier riesige (oft aus mehreren Teilen bestehende) Landschaften heimischer Wälder und Heiden. Laut Hockney war er während der 30 Jahre, die er in Kalifornien verbrachte, so ungewohnt an den einfachen Wechsel der Jahreszeiten, dass er ihn wirklich faszinierte und faszinierte. Ganze Zyklen seiner neueren Werke widmen sich beispielsweise der gleichen Landschaft zu unterschiedlichen Jahreszeiten.

Im Jahr 2018 überstiegen die Preise für Hockneys Gemälde mehrfach die 10-Millionen-Dollar-Marke. Und am 15. November 2018 verzeichnete Christie’s einen neuen absoluten Rekord für das Werk eines lebenden Künstlers – 90.312.500 US-Dollar für das Gemälde „Porträt eines Künstlers (Pool mit zwei Figuren)“.

3. GERHARD RICHTER Abstraktes Gemälde. 1986. 46,3 Millionen US-Dollar

Wohnklassiker Gerhard Richter (1932) belegt in unserem Ranking den zweiten Platz. Der deutsche Künstler war der Spitzenreiter unter seinen lebenden Kollegen, bis Jeff Koons den 58-Millionen-Rekord brach. Doch dieser Umstand dürfte Richters ohnehin eiserne Autorität auf dem Kunstmarkt kaum erschüttern. Ende 2012 übertraf der jährliche Auktionsumsatz des deutschen Künstlers nur Andy Warhol und Pablo Picasso.

Viele Jahre lang ließ nichts den Erfolg erahnen, der Richter nun zuteil wurde. Der Künstler nahm jahrzehntelang einen bescheidenen Platz auf dem Markt der zeitgenössischen Kunst ein und strebte keineswegs nach Ruhm. Wir können sagen, dass ihn der Ruhm von selbst überholt hat. Als Ausgangspunkt sehen viele den Ankauf von Richters Werkserie „18. Oktober 1977“ durch das New Yorker MoMA im Jahr 1995. Das amerikanische Museum zahlte 3 Millionen Dollar für 15 Gemälde in Grautönen und begann bald darüber nachzudenken, eine umfassende Retrospektive des deutschen Künstlers zu veranstalten. Die grandiose Ausstellung wurde sechs Jahre später, im Jahr 2001, eröffnet und seitdem ist das Interesse an Richters Werk sprunghaft gewachsen. Von 2004 bis 2008 verdreifachten sich die Preise für seine Gemälde. Im Jahr 2010 brachten Richters Werke bereits 76,9 Millionen US-Dollar ein, im Jahr 2011 brachten Richters Werke laut Artnet-Website auf Auktionen insgesamt 200 Millionen US-Dollar ein und im Jahr 2012 (laut Artprice) 262,7 Millionen US-Dollar – mehr als jedes andere Werk lebender Künstler.

Während beispielsweise der überwältigende Auktionserfolg von Jasper Johns überwiegend nur seine Frühwerke begleitet, ist eine derart scharfe Trennung für Richters Werke nicht typisch: Gleichermaßen stabil ist die Nachfrage nach Dingen aus unterschiedlichen Schaffensperioden, von denen es sehr viele gab Richters Karriere. In den letzten sechzig Jahren hat sich dieser Künstler in fast allen traditionellen Genres der Malerei versucht – Porträt, Landschaft, Marine, Akt, Stillleben und natürlich Abstraktion.

Die Geschichte von Richters Auktionsaufzeichnungen begann mit einer Reihe von Stillleben „Kerzen“. 27 fotorealistische Bilder von Kerzen aus den frühen 1980er-Jahren, während ihrer Entstehungszeit, kosteten pro Werk nur 15.000 Deutsche Mark (5.800 US-Dollar). Doch noch immer kaufte niemand „Kerzen“ bei ihrer ersten Ausstellung in der Galerie Max Hetzler in Stuttgart. Damals hieß das Thema der Gemälde altmodisch; „Kerzen“ gilt heute als ein Werk für alle Zeiten. Und sie kosten Millionen von Dollar.

Im Februar 2008 erschien „Candle“, geschrieben im Jahr 1983, wurde unerwartet für £ gekauft 7,97 Millionen (16 Millionen US-Dollar). Dieser persönliche Rekord hielt dreieinhalb Jahre an. Dann im Oktober 2011 noch eine „Kerze“ (1982) kam bei Christie's für £ unter den Hammer 10,46 Millionen (16,48 Millionen US-Dollar). Mit dieser Platte gelangte Gerhard Richter erstmals in die Top 3 der erfolgreichsten lebenden Künstler und platzierte sich damit hinter Jasper Johns und Jeff Koons.

Dann begann der Siegeszug von Richters „Abstrakten Gemälden“. Der Künstler malt solche Werke mit seiner einzigartigen Technik: Er trägt eine Mischung einfacher Farben auf einen hellen Hintergrund auf und verschmiert sie dann mit einem langen Schaber von der Größe einer Autostoßstange über die Leinwand. Dadurch entstehen komplizierte Farbübergänge, Flecken und Streifen. Die Untersuchung der Oberfläche seiner „Abstract Paintings“ gleicht einer Ausgrabung: Auf ihnen sind durch die Lücken zahlreicher Farbschichten Spuren verschiedener „Figuren“ sichtbar.

9. November 2011 bei Sotheby’s eine groß angelegte Auktion zeitgenössischer Kunst und Nachkriegskunst „Abstrakte Malerei (849-3)“ 1997 kam unter den Hammer 20,8 Millionen US-Dollar (13,2 Millionen Pfund). Und sechs Monate später, 8. Mai 2012 bei der Auktion von Nachkriegs- und zeitgenössischer Kunst bei Christie's in New York „Abstrakte Malerei (798-3)“ 1993 wurde rekordverdächtig 21,8 Millionen US-Dollar(einschließlich Provision). Fünf Monate später - ein weiterer Rekord: „Abstrakte Malerei (809-4)“ aus der Sammlung des Rockmusikers Eric Clapton kam am 12. Oktober 2012 bei Sotheby’s in London für £ unter den Hammer 21,3 Millionen (34,2 Millionen US-Dollar). Die 30-Millionen-Grenze hat Richter mit einer solchen Leichtigkeit gemeistert, als handele es sich nicht um moderne Malerei, sondern um Meisterwerke, die bereits hundert Jahre alt sind – nicht weniger. Allerdings scheint es im Fall von Richter so zu sein, dass die Aufnahme in das Pantheon der „Großen“ bereits zu Lebzeiten des Künstlers erfolgte. Die Preise für die Arbeit des Deutschen steigen weiter.

Richters nächste Aufnahme gehörte zu einem fotorealistischen Werk – Landschaft „Domplatz, Mailand“ 1968. Das Werk wurde verkauft 37,1 Millionen bei Sotheby's Auktion 14. Mai 2013. Die Ansicht des schönsten Platzes wurde 1968 von einem deutschen Künstler im Auftrag von Siemens Electro speziell für das Mailänder Büro des Unternehmens gemalt. Zum Zeitpunkt seiner Niederschrift war es Richters größtes figuratives Werk (mit einer Größe von fast drei mal drei Metern).

Der Rekord am Cathedral Square hielt fast zwei Jahre, bis 10. Februar 2015 unterbrach ihn nicht "Abstraktes Gemälde" ( 1986): Zuschlagspreis erreicht £ 30,389 Millionen (46,3 Millionen US-Dollar). Das bei Sotheby’s zur Auktion gestellte „Abstrakte Gemälde“ im Format 300,5 × 250,5 cm ist eines von Richters ersten großformatigen Werken in der für ihn besonderen Autorentechnik des Abkratzens von Farbschichten. Das letzte Mal im Jahr 1999 wurde dieses „Abstrakte Gemälde“ für 607.000 US-Dollar versteigert (von diesem Jahr bis zur aktuellen Auktion war das Werk im Ludwig-Museum in Köln ausgestellt). Bei der Auktion am 10. Februar 2015 erzielte ein amerikanischer Auftraggeber in Auktionsschritten von 2 Millionen Pfund einen Zuschlagspreis von 46,3 Millionen Dollar. Das heißt, seit 1999 hat sich der Preis des Werkes um mehr als das 76-fache erhöht!

4. CUI ZHUZHO „Große schneebedeckte Berge“. 2013. 39,577 Millionen US-Dollar.

Wir haben die Entwicklungen auf dem chinesischen Kunstmarkt lange Zeit nicht genau verfolgt, um unsere Leser nicht mit zu vielen Informationen über „nicht unsere“ Kunst zu überfordern. Mit Ausnahme des Dissidenten Ai Weiwei, der nicht einmal so teuer war, wie er ein resonanter Künstler war, schienen chinesische Autoren zu zahlreich und zu weit von uns entfernt zu sein, um sich mit dem Geschehen auf ihrem Markt zu befassen. Aber Statistiken sind, wie man so schön sagt, seriös, und wenn wir über die erfolgreichsten lebenden Autoren der Welt sprechen, dann können wir immer noch nicht auf eine Geschichte über die herausragenden Vertreter der zeitgenössischen Kunst im Himmlischen Reich verzichten.

Beginnen wir mit dem chinesischen Künstler Cui Ruzhuo. Der Künstler wurde 1944 in Peking geboren und lebte von 1981 bis 1996 in den USA. Nach seiner Rückkehr nach China begann er an der National Academy of Arts zu unterrichten. Cui Ruzhuo interpretiert den traditionellen chinesischen Stil der Tuschemalerei neu und schafft riesige Rollbilder, die chinesische Geschäftsleute und Beamte einander gerne schenken. Im Westen ist sehr wenig über ihn bekannt, obwohl sich viele an die Geschichte der 3,7-Millionen-Dollar-Schriftrolle erinnern, die versehentlich von Reinigungskräften in einem Hotel in Hongkong weggeworfen wurde, weil sie sie für Müll hielten. Es handelte sich also genau um die Schriftrolle von Cui Ruzhuo.

Cui Ruzhuo ist bereits über 70 und der Markt für seine Arbeiten floriert. Mehr als 60 Werke dieses Künstlers haben die 1-Millionen-Dollar-Marke überschritten, seine Werke waren jedoch bisher nur auf chinesischen Auktionen erfolgreich. Cui Ruzhuos Rekorde sind wirklich beeindruckend. Zuerst er „Landschaft im Schnee“ bei Poly Auction in Hongkong 7. April 2014 erzielte einen Zuschlagspreis von 184 Millionen HK$ ( 23,7 Millionen US-Dollar).

Genau ein Jahr später 6. April 2015, bei einer speziellen Poly-Auktion in Hongkong, die ausschließlich den Werken von Cui Ruzhuo gewidmet ist, Serie „Die große Schneelandschaft des Jiangnan-Berges“(Jiangnan ist eine historische Region in China und liegt am rechten Ufer des Unterlaufs des Jangtsekiang) von acht Landschaften mit Tinte auf Papier erreichte einen Zuschlagspreis von 236 Millionen HK$ ( 30,444 Millionen US-Dollar).

Ein Jahr später wiederholte sich die Geschichte erneut bei Cui Ruzhuos Einzelauktion bei Poly Auctions in Hongkong. 4. April 2016 sechsteiliges Polyptychon „Große schneebedeckte Berge“ 2013 wurde ein Zuschlagspreis (einschließlich Auktionshausprovision) von 306 Mio. HKD erzielt (39,577 Millionen US-Dollar)). Bisher ist dies ein absoluter Rekord unter asiatischen lebenden Künstlern.

Laut dem Kunsthändler Johnson Chan, der seit 30 Jahren mit chinesischer zeitgenössischer Kunst arbeitet, besteht ein unbedingter Wunsch, die Preise für die Arbeit dieses Autors zu erhöhen, aber das alles geschieht auf einem Preisniveau, das erfahrene Sammler wahrscheinlich nicht wollen irgendetwas kaufen. „Die Chinesen wollen die Bewertungen ihrer Künstler erhöhen, indem sie die Preise ihrer Werke auf großen internationalen Auktionen wie der von Poly in Hongkong in die Höhe treiben, aber es besteht kein Zweifel, dass diese Bewertungen völlig erfunden sind“, kommentiert Johnson Chan Cui Ruzhuos neueste Platte.

Dies ist natürlich nur die Meinung eines einzelnen Händlers, aber wir haben einen echten Eintrag, der in allen Datenbanken erfasst ist. Also werden wir ihn berücksichtigen. Cui Ruzhuo selbst ist seinen Aussagen nach zu urteilen weit entfernt von der Bescheidenheit Gerhard Richters, wenn es um seine Auktionserfolge geht. Es scheint, dass ihn dieses Rennen um Rekorde ernsthaft fasziniert. „Ich hoffe, dass die Preise für meine Werke in den nächsten 5 bis 10 Jahren die Preise für Werke westlicher Meister wie Picasso und Van Gogh übertreffen werden. Das ist der chinesische Traum“, sagt Cui Ruzhuo.

5. JASPER JONES Flagge. 1983. 36 Millionen US-Dollar

Der dritte Platz im Ranking der lebenden Künstler geht an einen Amerikaner Jasper Johns (1930). Der aktuelle Rekordpreis für Jones' Arbeit liegt bei $ 36 Millionen. Sie haben so viel für seinen Ruhm bezahlt "Flagge" bei Christie's Auktion 12. November 2014.

Die Serie der „Flaggen“-Gemälde, die Jones Mitte der 1950er Jahre begann, unmittelbar nachdem der Künstler aus der Armee zurückgekehrt war, wurde zu einem der zentralen Gemälde seines Schaffens. Schon in seiner Jugend interessierte sich der Künstler für die Idee des Readymades, der Verwandlung eines Alltagsgegenstandes in ein Kunstwerk. Die Flaggen von Jones waren jedoch nicht echt, sie waren in Öl auf Leinwand gemalt. Dadurch erhielt das Kunstwerk die Eigenschaften eines Dings aus dem alltäglichen Leben; es war zugleich Abbild der Flagge und die Flagge selbst. Eine Reihe von Arbeiten mit Flaggen brachten Jasper Johns Weltruhm. Aber seine abstrakten Werke erfreuen sich nicht weniger großer Beliebtheit. Viele Jahre lang stand sein Abstract an der Spitze der nach den oben genannten Regeln zusammengestellten Liste der teuersten Werke "Fehlstart". Bis 2007 galt der Preis dieses sehr hellen und dekorativen Gemäldes, das 1959 von Jones gemalt wurde, für einen lebenden Künstler (selbst für einen lebenslangen Klassiker) nahezu unzugänglich – $ 17 Millionen. So viel haben sie dafür in Gold für den Kunstmarkt bezahlt 1988.

Interessanterweise war die Amtszeit von Jasper Johns als Rekordhalter nicht kontinuierlich. 1989 wurde er durch die Arbeit seines Kollegen Willem de Kooning unterbrochen: Die zwei Meter große Abstraktion „Blending“ wurde bei Sotheby's für 20,7 Millionen Dollar verkauft. Jasper Johns musste umziehen. Doch 8 Jahre später, 1997, starb de Kooning. und „False Start“ von Jones belegte erneut fast zehn Jahre lang den ersten Platz in der Auktionsrangliste lebender Künstler.

Doch 2007 änderte sich alles. Das False Start-Album wurde erstmals von den Werken der jungen und ehrgeizigen Damien Hirst und Jeff Koons in den Schatten gestellt. Dann gab es einen Rekordverkauf für 33,6 Millionen US-Dollar für das Gemälde „Der Inspektor für Schlafgeld“ von Lucien Freud (inzwischen verstorben und daher nicht an dieser Bewertung beteiligt). Dann begannen die Aufzeichnungen von Gerhard Richter. Generell liegt Jasper Johns, einer der Meister der amerikanischen Nachkriegskunst an der Schnittstelle von Neo-Dadaismus, abstraktem Expressionismus und Pop-Art, mit einem aktuellen Rekord von bisher 36 Millionen auf dem ehrenvollen dritten Platz.

6. ED RUSHEY Zerschlagen. 1963. 30,4 Millionen US-Dollar

Der plötzliche Erfolg des Gemäldes „Smash“ eines amerikanischen Künstlers Edward Rushay (geb. 1937) bei der Auktion Christie's 12. November 2014 machte diesen Autor zu einem der teuersten lebenden Künstler. Der bisherige Rekordpreis für das Werk von Ed Rusha (der Nachname Ruscha wird auf Russisch oft als „Rusha“ ausgesprochen, die korrekte Aussprache ist jedoch Rusha) betrug „nur“ 6,98 Millionen US-Dollar: So viel wurde für sein Gemälde „Das brennende Gas“ gezahlt Bahnhof“ im Jahr 2007. Sieben Jahre später "Zerschlagen" mit einer Schätzung von 15–20 Millionen US-Dollar erreichte den Zuschlagspreis 30,4 Millionen US-Dollar. Es ist offensichtlich, dass der Markt für die Werke dieses Autors ein neues Niveau erreicht hat – nicht umsonst schmückt Barack Obama das Weiße Haus mit seinen Werken, und Larry Gagosian selbst stellt ihn in seinen Galerien aus.

Ed Ruscha fühlte sich nie vom Nachkriegs-New York mit seiner Begeisterung für den abstrakten Expressionismus angezogen. Stattdessen suchte er mehr als 40 Jahre lang nach Kalifornien, wo er im Alter von 18 Jahren aus Nebraska zog. Der Künstler stand am Ursprung einer neuen Kunstrichtung, der Pop-Art. Zusammen mit Warhol, Lichtenstein, Wayne Thiebaud und anderen Sängern der Populärkultur nahm Edward Ruscha 1962 an der Ausstellung „New Images of Ordinary Things“ im Pasadena Museum teil, die zur ersten Museumsausstellung amerikanischer Pop-Art wurde. Allerdings mag es Ed Rusha selbst nicht, wenn sein Werk der Pop-Art, dem Konzeptualismus oder einer anderen Kunstrichtung zugeordnet wird.

Sein einzigartiger Stil nennt sich „Textmalerei“. Ab Ende der 1950er Jahre begann Ed Ruscha, Worte zu malen. So wie für Warhol eine Dose Suppe zum Kunstwerk wurde, waren es für Ed Rushay gewöhnliche Wörter und Phrasen, entweder von einer Werbetafel oder einer Verpackung in einem Supermarkt oder aus dem Abspann eines Films (Hollywood war für ihn immer „in der Nähe“) Rushay, und im Gegensatz zu vielen Künstlerkollegen respektierte Rusche die „Traumfabrik“). Die Worte auf seinen Leinwänden nehmen die Eigenschaften dreidimensionaler Objekte an; es handelt sich um echte Wortstillleben. Beim Betrachten seiner Leinwände fällt einem zunächst die visuelle und akustische Wahrnehmung des gemalten Wortes ein und erst dann die semantische Bedeutung. Letzteres ist in der Regel nicht eindeutig zu entziffern; Rushays Wort- und Phrasenwahl kann unterschiedlich interpretiert werden. Das gleiche leuchtend gelbe Wort „Smash“ auf einem tiefblauen Hintergrund kann als aggressiver Aufruf wahrgenommen werden, etwas oder jemanden in Stücke zu schlagen; als einsames Adjektiv, das aus dem Kontext gerissen wurde (z. B. Teil einer Schlagzeile in einer Zeitung) oder einfach als separates Wort, das im städtischen Fluss visueller Bilder gefangen ist. Ed Ruscha genießt diese Ungewissheit. „Ich hatte immer großen Respekt vor seltsamen, unerklärlichen Dingen … Erklärungen töten gewissermaßen die Sache“, sagte er in einem Interview.

7. CHRISTOPHER WOOL Ohne Titel (RIOT). 1990. 29,93 Millionen US-Dollar

Amerikanischer Künstler Christopher Wool(1955) schaffte es 2013 erstmals in die Rangliste der lebenden Künstler – nach dem Verkauf des Werks „Apocalypse Now“ für 26,5 Millionen US-Dollar. Dieser Rekord brachte ihn auf Anhieb auf eine Stufe mit Jasper Johns und Gerhard Richter. Der Betrag dieser historischen Transaktion – mehr als 20 Millionen US-Dollar – überraschte viele, da die Preise für die Werke des Künstlers zuvor nicht über 8 Millionen US-Dollar lagen. Das schnelle Wachstum des Marktes für die Werke von Christopher Wool war jedoch bereits zu diesem Zeitpunkt erkennbar: der des Künstlers Die Erfolgsbilanz umfasste 48 Auktionstransaktionen mit Beträgen über 1 Million US-Dollar, 22 davon (fast die Hälfte) fanden im Jahr 2013 statt. Zwei Jahre später erreichte die Zahl der für mehr als eine Million US-Dollar verkauften Werke von Chris Wool 70, und ein neuer persönlicher Rekord ließ nicht lange auf sich warten. Bei der Auktion Sotheby’s 12. Mai 2015 Werk „Untitled (RIOT)“ wurde für $ verkauft 29,93 Millionen inklusive Käuferaufgeld.

Christopher Wool ist vor allem für seine großformatigen Arbeiten mit schwarzen Schriftzügen auf weißen Aluminiumblechen bekannt. Sie sind es, die bei Auktionen in der Regel Rekorde aufstellen. Das sind alles Dinge aus den späten 1980er- und frühen 1990er-Jahren. Der Legende nach spazierte Wool eines Tages abends durch New York und sah plötzlich Graffiti in schwarzen Buchstaben auf einem neuen weißen Lastwagen – die Worte Sex und Luv. Dieser Anblick beeindruckte ihn so sehr, dass er sofort in die Werkstatt zurückkehrte und mit den gleichen Worten seine eigene Version schrieb. Es war 1987 und die weitere Suche des Künstlers nach Wörtern und Phrasen für seine „Buchstaben“-Werke spiegelt den widersprüchlichen Geist dieser Zeit wider. Dies ist der Slogan „Verkaufe das Haus, verkaufe das Auto, verkaufe die Kinder“, den Wool aus dem Film „Apocalypse Now“ übernommen hat, und das Wort „FOOL“ („Narr“) in Großbuchstaben und das Wort „RIOT“. („Rebellion“), oft in Schlagzeilen der damaligen Zeitungen zu finden.

Wool trug mithilfe von Schablonen mit Alkyd- oder Emailfarben Wörter und Sätze auf Aluminiumbleche auf und hinterließ dabei bewusst Tropfen, Schablonenspuren und andere Spuren des kreativen Prozesses. Der Künstler teilte die Worte so auf, dass der Betrachter die Bedeutung nicht sofort verstand. Zuerst sehen Sie nur eine Ansammlung von Buchstaben, das heißt, Sie nehmen das Wort als visuelles Objekt wahr, und erst dann lesen und entschlüsseln Sie die Bedeutung der Phrase oder des Wortes. Wool verwendete eine Schriftart, die vom amerikanischen Militär nach dem Zweiten Weltkrieg verwendet wurde und den Eindruck eines Befehls, einer Anweisung, eines Slogans verstärkt. Diese „Buchstaben“-Werke werden als Teil der Stadtlandschaft wahrgenommen, wie illegales Graffiti, das die Sauberkeit der Oberfläche eines Straßenobjekts beeinträchtigt. Diese Werkreihe von Christopher Wool gilt als einer der Höhepunkte der sprachlichen Abstraktion und wird daher von Liebhabern zeitgenössischer Kunst sehr geschätzt.

8. PETER DOIG Rosedale. 1991. 28,81 Millionen US-Dollar

britisch Peter Doig(1959) wählte, obwohl er zur Generation der Postmodernisten Koons und Hirst gehörte, ein völlig traditionelles Landschaftsgenre, das lange Zeit bei fortgeschrittenen Künstlern nicht beliebt war. Mit seinem Werk lässt Peter Doig das schwindende Interesse der Öffentlichkeit an figurativer Malerei wieder aufleben. Seine Werke erfreuen sich sowohl bei Kritikern als auch bei Laien großer Beliebtheit, was sich auch an den rasant steigenden Preisen seiner Werke zeigt. Kosteten seine Landschaften Anfang der 1990er Jahre noch mehrere Tausend Dollar, so kosten sie heute Millionen.

Doigs Werk wird oft als magischer Realismus bezeichnet. Basierend auf realen Landschaften entstehen fantasievolle, geheimnisvolle und oft düstere Bilder. Der Künstler liebt es, von Menschen verlassene Gegenstände darzustellen: ein heruntergekommenes Gebäude von Le Corbusier mitten im Wald oder ein leeres weißes Kanu auf der Oberfläche eines Waldsees. Neben Natur und Fantasie lässt sich Doig von Horrorfilmen, alten Postkarten, Fotografien, Amateurvideos usw. inspirieren. Doigs Gemälde sind farbenfroh, komplex, dekorativ und nicht provokativ. Es ist eine Freude, ein solches Gemälde zu besitzen. Das Interesse der Sammler wird auch durch die geringe Produktivität des Autors befeuert: Der in Trinidad lebende Künstler schafft nicht mehr als ein Dutzend Gemälde pro Jahr.

In den frühen 2000er Jahren wurden einzelne Landschaften des Künstlers für mehrere hunderttausend Dollar verkauft. Gleichzeitig wurden Doigs Werke in die Saatchi Gallery, auf die Whitney Museum Biennial und in die Sammlung des MoMA aufgenommen. Im Jahr 2006 wurde die Auktionsschwelle von 1 Million US-Dollar überschritten. Und im folgenden Jahr gelang ein unerwarteter Durchbruch: Das am 7. Februar 2007 bei Sotheby's mit einer Schätzung von 0,8 bis 1,2 Millionen US-Dollar angebotene Werk „White Canoe“ war fünfmal so hoch übertraf die vorläufige Schätzung und wurde für 5,7 Millionen Pfund (11,3 Millionen US-Dollar) verkauft. Das war damals ein Rekordpreis für Werke eines lebenden europäischen Künstlers.

Im Jahr 2008 hatte Doig Einzelausstellungen in der Tate Gallery und im Museum of Modern Art in Paris. Preise in Höhe von mehreren Millionen Dollar für Doigs Arbeit sind zur Norm geworden. Der persönliche Rekord von Peter Doig wird seit kurzem mehrmals im Jahr aktualisiert – wir haben nur Zeit, das Bild und den Platz dieses Künstlers in unserem Ranking der lebenden Autoren zu ändern.

Peter Doigs bisher teuerstes Werk ist die Schneelandschaft „Rosedale“ aus dem Jahr 1991. Interessanterweise wurde der Rekord nicht bei Sotheby’s oder Christie’s aufgestellt, sondern bei der Auktion zeitgenössischer Kunst im Auktionshaus Phillips. Dies geschah am 18. Mai 2017. Ein Blick auf das verschneite Torontoer Viertel Rosedale wurde für 28,81 Millionen US-Dollar an einen Telefonkäufer verkauft, etwa 3 Millionen US-Dollar mehr als der bisherige Rekord (25,9 Millionen US-Dollar für „Swallowed by the Mire“). „Rosedale“ nahm 1998 an Doigs Schlüsselausstellung in der Whitechapel Gallery in London teil, und im Allgemeinen war dieses Werk frisch für den Markt und daher ist der Rekordpreis wohlverdient.

9. FRANK STELLA Kap der Kiefern. 1959. 28 Millionen Dollar

Frank Stella ist ein prominenter Vertreter der postmalerischen Abstraktion und des Minimalismus in der Kunst. Ab einem bestimmten Punkt wird er als Vertreter des Hard-Edge-Malstils eingestuft. Zunächst kontrastierte Stella die strenge Geometrie, das asketische Monochrom und die Struktur seiner Bilder mit der Spontaneität und dem Chaos der Gemälde abstrakter Expressionisten wie Jackson Pollock.

Ende der 1950er-Jahre wurde der Künstler vom berühmten Galeristen Leo Castelli auf ihn aufmerksam und erhielt erstmals den Zuschlag für eine Ausstellung. Darauf präsentierte er die sogenannten „Black Paintings“ – mit parallelen schwarzen Linien übermalte Leinwände mit dünnen Zwischenräumen unbemalter Leinwand dazwischen. Die Linien bilden geometrische Formen, die ein wenig an optische Täuschungen erinnern, dieselben Bilder, die flackern, sich bewegen, sich drehen und bei längerem Betrachten ein Gefühl von Weite erzeugen. Stella führte das Thema paralleler Linien mit dünnen Trennstreifen in seinen Arbeiten auf Aluminium und Kupfer fort. Die Farben, die Bildbasis und sogar die Form der Gemälde veränderten sich (unter anderem stechen Werke in der Form der Buchstaben U, T, L hervor). Das Hauptprinzip seiner Malerei war jedoch immer noch die Klarheit der Umrisse, die Monumentalität, die einfache Form und die Monochromie. In den folgenden Jahrzehnten entfernte sich Stella von dieser geometrischen Malerei hin zu glatten, natürlichen Formen und Linien und von monochromatischen Gemälden hin zu hellen und vielfältigen Farbübergängen. In den 1970er Jahren war Stella von den riesigen Mustern fasziniert, mit denen Schiffe bemalt wurden. Der Künstler nutzte sie für riesige Gemälde mit Assemblage-Elementen – er integrierte Stücke von Stahlrohren oder Drahtgeflecht in die Werke.

In seinen frühen Interviews spricht Frank Stella offen über die Bedeutung, die seinen Werken beigemessen wird, oder vielmehr über deren Fehlen: „Was man sieht, ist, was man sieht.“ Ein Gemälde ist ein eigenständiges Objekt und keine Reproduktion von etwas. „Es ist eine flache Oberfläche mit Farbe darauf und sonst nichts“, sagte Stella.

Nun, unterzeichnet von Frank Stella, könnte diese „Oberfläche mit Farbe darauf“ heute Millionen von Dollar wert sein. Mit dem Verkauf des Werks „Crossing the Delaware“ (1961) für 13,69 Millionen US-Dollar inklusive Provision gelangte Frank Stella 2015 erstmals in die Rangliste der lebenden Künstler.

Vier Jahre später, am 15. Mai 2019, wurde mit dem Frühwerk „Cape of Pines“ (1959) ein neuer Rekord aufgestellt: Der Zuschlagspreis lag bei über 28 Millionen US-Dollar, inklusive Provision. Dies ist eines der 29 „schwarzen Gemälde“ – dieselben, mit denen Stella bei seiner ersten Ausstellung in New York debütierte. Frank Stella, Absolvent der Princeton University, war damals 23 Jahre alt. Für Ölfarben für Künstler fehlte ihm oft das Geld. Der junge Künstler verdiente sein Geld mit Reparaturarbeiten, ihm gefielen die reinen Farben der Farbe sehr und so entstand die Idee, mit dieser Farbe auf Leinwand zu arbeiten. Mit schwarzer Emailfarbe malt Stella parallele Streifen und lässt dazwischen dünne Linien ungrundierter Leinwand. Außerdem schreibt er ohne Lineale, nach Augenmaß, ohne Vorskizze. Stella wusste nie genau, wie viele schwarze Linien es in einem bestimmten Gemälde geben würde. In dem Gemälde „Cape of Pines“ waren es beispielsweise 35. Der Titel der Arbeit bezieht sich auf den Namen des Kaps in der Massachusetts Bay – Point of Pines. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts war es ein großer Vergnügungspark und heute ist es eines der Gebiete der Stadt Revere.

10. YOSHITOMO NARA Messer hinter seinem Rücken. 2000. 24,95 Millionen US-Dollar

Yoshitomo Nara (1959) ist eine der Schlüsselfiguren der japanischen Neo-Pop-Art. Japanisch – weil sein Werk trotz Weltruhm und langjähriger Arbeit im Ausland immer noch von einer ausgeprägten nationalen Identität geprägt ist. Naras Lieblingsfiguren sind Mädchen und Hunde im Stil japanischer Manga- und Anime-Comics. Die von ihm erfundenen Bilder gehen seit vielen Jahren „unter die Leute“: Sie werden auf T-Shirts gedruckt, Souvenirs und verschiedene „Merch“-Artikel werden daraus hergestellt. Er wurde in eine arme Familie weit weg von der Hauptstadt hineingeboren und wird nicht nur wegen seines Talents geliebt, sondern auch als Selfmademan geschätzt. Der Künstler arbeitet schnell und ausdrucksstark. Es ist bekannt, dass einige seiner Meisterwerke buchstäblich über Nacht fertiggestellt wurden. Die Gemälde und Skulpturen von Yoshitomo Nara sind in der Regel sehr lakonisch, wenn nicht sogar geizig in ihren Ausdrucksmitteln, aber sie tragen immer eine starke emotionale Ladung in sich. Naras Teenager-Mädchen schauen den Betrachter oft mit einem unfreundlichen Blick an. In ihren Augen gibt es Kühnheit, Herausforderung und Aggression. In seinen Händen - entweder ein Messer oder eine Zigarette. Es besteht die Meinung, dass die dargestellten Verhaltensperversionen eine Reaktion auf die unterdrückende soziale Moral, verschiedene Tabus und die von den Japanern übernommenen Bildungsprinzipien sind. Fast mittelalterliche Strenge und Scham drängen die Probleme nach innen und schaffen den Boden für eine verzögerte emotionale Explosion. „The Knife Behind Your Back“ spiegelt prägnant eine der Hauptideen des Künstlers wider. In diesem Werk sieht man den hasserfüllten Blick eines Mädchens und eine bedrohlich hinter ihrem Rücken platzierte Hand. Bis 2019 erreichten Gemälde und Skulpturen von Yoshitomo Nara bereits mehr als einmal die Millionengrenze oder sogar mehrere Millionen. Aber zwanzig Millionen sind das erste Mal. Nara ist einer der berühmtesten in Japan geborenen Künstler der Welt. Und jetzt der teuerste der Welt. Am 6. Oktober 2109 nahm er bei Sotheby’s in Hongkong diesen Titel von Takashi Murakami entgegen und setzte sich deutlich gegen die 90-jährige Avantgarde-Künstlerin Yayoi Kusama durch (die maximalen Auktionspreise für ihre Gemälde liegen bereits bei fast 9 Millionen US-Dollar).

11. ZENG FANZHI Das letzte Abendmahl. 2001. 23,3 Millionen US-Dollar

Bei Sotheby's-Auktion in Hongkong 5. Oktober 2013 Jahr großformatige Leinwand "Das letzte Abendmahl" Pekinger Künstler Zeng Fanzhi (1964) wurde für den Rekordbetrag von 160 Millionen HK$ verkauft - 23,3 Millionen US-Dollar USA. Die endgültigen Kosten für Fanzhis Werk, das natürlich unter dem Einfluss der Arbeit von Leonardo da Vinci geschrieben wurde, waren doppelt so hoch wie die vorläufige Schätzung von etwa 10 Millionen US-Dollar. Der bisherige Preisrekord von Zeng Fanzhi lag bei 10 Millionen US-Dollar 9,6 Millionen, im Mai 2008 bei Christie’s Hongkong-Auktion für das Werk bezahlt „Maskenserie. 1996. Nein. 6".

„Das letzte Abendmahl“ ist das größte (2,2 × 4 Meter) Gemälde von Fanzhi in der „Masken“-Serie und deckt den Zeitraum von 1994 bis 2001 ab. Der Zyklus ist der Entwicklung der chinesischen Gesellschaft unter dem Einfluss wirtschaftlicher Reformen gewidmet. Die Einführung von Elementen einer Marktwirtschaft durch die Regierung der VR China führte zu Urbanisierung und Uneinigkeit des chinesischen Volkes. Fanzhi zeigt Bewohner moderner chinesischer Städte, die um einen Platz an der Sonne kämpfen müssen. Die bekannte Komposition von Leonardos Fresko erhält in Fanzhis Lesung eine ganz andere Bedeutung: Der Handlungsort wird von Jerusalem in ein Klassenzimmer einer chinesischen Schule mit typischen Hieroglyphentafeln an den Wänden verlegt. „Christus“ und die „Apostel“ sind zu Pionieren mit scharlachroten Krawatten geworden, und nur „Judas“ trägt eine goldene Krawatte – dies ist eine Metapher dafür, dass der westliche Kapitalismus die gewohnte Lebensweise in einem sozialistischen Land durchdringt und zerstört.

Zeng Fanzhis Werke stehen stilistisch dem europäischen Expressionismus nahe und sind gleichermaßen dramatisch. Aber gleichzeitig sind sie voller chinesischer Symbolik und Besonderheit. Diese Vielseitigkeit zieht sowohl chinesische als auch westliche Sammler für die Werke des Künstlers an. Ein direkter Beweis dafür ist die Provenienz von „Das letzte Abendmahl“: Das Werk wurde vom berühmten Sammler chinesischer Avantgarde der 1980er und frühen 1990er Jahre, dem belgischen Baron Guy Ullens, versteigert.

12. ROBERT RYMAN Brücke. 1980. 20,6 Millionen US-Dollar

Bei der Auktion Christie's 13. Mai 2015 abstrakte Arbeit "Brücke" 85-jähriger amerikanischer Künstler Robert Ryman(Robert Ryman) wurde verkauft 20,6 Millionen US-Dollar unter Berücksichtigung der Provision - doppelt so teuer wie der untere Kostenvoranschlag.

Robert Ryman(1930) war sich nicht sofort bewusst, dass er Künstler werden wollte. Im Alter von 23 Jahren zog er von Nashville, Tennessee, nach New York, um Jazz-Saxophonist zu werden. Bis er ein berühmter Musiker wurde, musste er als Sicherheitsbeamter im MoMA arbeiten, wo er Sol LeWitt und Dan Flavin traf. Der erste arbeitete im Museum als Nachtsekretär, der zweite als Wachmann und Aufzugsführer. Beeindruckt von den Werken abstrakter Expressionisten, die er im MoMA sah – Rothko, De Kooning, Pollock und Newman – begann Robert Ryman 1955 selbst zu malen.

Ryman wird oft als Minimalist bezeichnet, aber er nennt sich lieber „Realist“, weil es ihm nicht darum geht, Illusionen zu erzeugen, sondern nur die Qualitäten der von ihm verwendeten Materialien zu demonstrieren. Die meisten seiner Werke sind mit Farben in allen möglichen Weißtönen (von gräulich über gelblich bis hin zu strahlendem Weiß) bemalt und basieren auf einer lakonischen quadratischen Form. Im Laufe seiner Karriere probierte Robert Ryman viele Materialien und Techniken aus: Er malte in Öl, Acryl, Kasein, Emaille, Pastell, Gouache usw. auf Leinwand, Stahl, Plexiglas, Aluminium, Papier, Wellpappe, Vinyl, Tapeten usw. Sein Sein Freund, der professionelle Restaurator Orrin Riley, beriet ihn über die Korrosivität der Materialien, die er verwenden wollte. Wie der Künstler einmal sagte: „Ich habe nie eine Frage Was schreibe, Hauptsache Wie schreiben". Es geht um die Textur, die Art der Striche, die Grenze zwischen der Farboberfläche und den Rändern des Untergrunds sowie die Beziehung zwischen dem Werk und der Wand. Ein besonderes Element seiner Arbeit sind seit 1975 die Halterungen, die Ryman selbst entwirft und bewusst sichtbar lässt, um zu betonen, dass seine Arbeiten „so real sind wie die Wände, an denen sie hängen“. Ryman gibt seinen Werken lieber „Namen“ als „Titel“. Der „Name“ hilft dabei, ein Werk von einem anderen zu unterscheiden, und Ryman benennt seine Werke oft nach Farbmarken, Unternehmen usw., und der „Titel“ behauptet Anspielungen und tief verborgene Bedeutungen, die in seinen Werken vorhanden sind der Künstler bestreitet regelmäßig. Nichts zählt außer Material und Technik.

13. DAMIEN HURST Verschlafener Frühling. 2002. 19,2 Millionen US-Dollar

An den englischen Künstler Damien Hirst (1965) war dazu bestimmt, im Streit mit dem lebenden Klassiker Jasper Johns als Erster den ersten Platz in dieser Wertung zu belegen. Das bereits erwähnte Werk „False Start“ hätte lange Zeit ein unsinkbarer Anführer bleiben können, wenn 21. Juni 2007 Installation durch den damals 42-jährigen Hirst „Verschlafener Frühling“(2002) wurde bei Sotheby's nicht für £ verkauft 9,76 Millionen, also für 19,2 Millionen Dollar. Das Werk hat übrigens ein eher ungewöhnliches Format. Einerseits gibt es eine Vitrine mit Pillenattrappen (6.136 Pillen), im Grunde eine klassische Installation. Andererseits wird diese Vitrine flach (10 cm tief) hergestellt, in einen Rahmen gestellt und wie ein Plasmabildschirm an die Wand gehängt, wodurch der für Gemälde typische Besitzkomfort voll und ganz gewährleistet ist. Im Jahr 2002 wurde die Schwester dieser Installation, Sleepy Winter, für 7,4 Millionen US-Dollar verkauft, mehr als die Hälfte des Preises. Jemand „erklärte“ den Preisunterschied damit, dass die Tabletten im Winter stärker ausbleichen. Es ist jedoch klar, dass diese Erklärung absolut unbegründet ist, da der Preismechanismus für solche Dinge nicht mehr mit ihrem dekorativen Charakter zusammenhängt.

Im Jahr 2007 erkannten viele Hirst als Autor des teuersten Werks unter den lebenden Künstlern an. Die Frage stammt jedoch aus der Kategorie „Je nachdem, wie man zählt“. Tatsache ist, dass Hirst für teure Pfund verkauft wurde und Jones für jetzt billigere Dollar, und das sogar vor zwanzig Jahren. Aber selbst wenn wir zum Nennwert rechnen, ohne die 20-jährige Inflation zu berücksichtigen, dann war Hirsts Werk in Dollar teurer und das von Jones in Pfund. Die Situation war grenzwertig und jeder konnte frei entscheiden, wer als der Liebste galt. Aber Hearst hielt sich nicht lange auf dem ersten Platz. Im selben Jahr 2007 wurde er mit seinem „Hanging Heart“ von Koons vom ersten Platz verdrängt.

Kurz vor dem weltweiten Preisverfall für zeitgenössische Kunst unternahm Hirst ein für einen jungen Künstler beispielloses Unterfangen – eine Einzelauktion seiner Werke, die am 15. September 2008 in London stattfand. Die am Vortag verkündete Nachricht von der Insolvenz der Bank Lehman Brothers verdorben den Liebhabern zeitgenössischer Kunst keineswegs den Appetit: Von den 223 bei Sotheby's angebotenen Werken fanden nur fünf keinen neuen Besitzer (einer der Käufer übrigens). Viktor Pinchuk). Arbeiten „Goldener Stier“- ein riesiger ausgestopfter Stier in Formaldehyd, gekrönt mit einer goldenen Scheibe - brachte so viel 10,3 Millionen Pfund (18,6 Millionen US-Dollar). Dies ist Hirsts bestes Ergebnis, wenn es in Pfund (der Währung, in der die Transaktion durchgeführt wurde) berechnet wird. Da wir jedoch in Dollar rangieren, werden wir (möge das Goldene Kalb uns verzeihen) „Sleepy Spring“ immer noch als Hirsts besten Verkauf betrachten.

Seit 2008 hat Hirst keinen Umsatz mehr auf dem Niveau von „Sleepy Spring“ und „The Golden Calf“ erzielt. Neue Rekorde der 2010er Jahre – für die Werke von Richter, Jones, Fanzhi, Wool und Koons – brachten Damien auf den sechsten Platz in unserem Ranking. Aber lassen Sie uns kein kategorisches Urteil über das Ende der Hearst-Ära fällen. Laut Analysten ist Hirst als „Superstar“ bereits in die Geschichte eingegangen, was bedeutet, dass er noch sehr lange gekauft werden wird; Der größte zukünftige Wert wird jedoch den Werken vorhergesagt, die in der innovativsten Phase seiner Karriere, nämlich in den 1990er Jahren, entstanden sind.

14. MAURIZIO CATTELAN Ihn. 2001. 17,19 Millionen US-Dollar

Der Italiener Maurizio Cattelan (1960) kam zur Kunst, nachdem er als Wachmann, Koch, Gärtner und Möbeldesigner gearbeitet hatte. Der Autodidakt ist mit seinen ironischen Skulpturen und Installationen weltberühmt geworden. Er ließ einen Meteoriten auf den Papst fallen, verwandelte die Frau eines Kunden in eine Jagdtrophäe, bohrte Löcher in den Boden des Museums für Alte Meister, zeigte der Mailänder Börse einen riesigen Mittelfinger und brachte einen lebenden Esel zur Frieze-Messe. Cattelan verspricht, in naher Zukunft eine goldene Toilette im Guggenheim Museum zu installieren. Letztendlich fanden die Eskapaden von Maurizio Cattelan breite Anerkennung in der Kunstwelt: Er wurde zur Biennale von Venedig eingeladen (die Installation „Others“ im Jahr 2011 – ein Schwarm von zweitausend Tauben, die aus all den Rohren und Balken bedrohlich auf die Menschenmassen blicken Besucher, die unten vorbeikamen), arrangierten, dass er eine Retrospektive im Guggenheim Museum in New York erhielt (November 2011) und schließlich eine Menge Geld für seine Skulpturen erhielt.

Seit 2010 ist Maurizio Cattelans teuerstes Werk eine Wachsskulptur eines Mannes, der aus einem Loch im Boden blickt und im Aussehen dem Künstler selbst ähnelt (Ohne Titel, 2001). Diese Skulptureninstallation, die in drei Exemplaren plus der Kopie des Autors existiert, wurde erstmals im Boijmans van Beuningen Museum in Rotterdam gezeigt. Dann blickte dieser schelmische Charakter aus einem Loch im Boden des Saals mit Gemälden niederländischer Maler des 18. bis 19. Jahrhunderts. In diesem Werk verbindet sich Maurizio Cattellan mit einem mutigen Kriminellen, der mit Gemälden großer Meister in den heiligen Raum einer Museumshalle eindringt. Damit möchte er der Kunst den Heiligenschein der Heiligkeit nehmen, den Museumswände ihr verleihen. Das Werk, bei dem jedes Mal Löcher im Boden sichtbar sind, wurde bei Sotheby’s für 7,922 Millionen US-Dollar verkauft.

Der Rekord hielt bis zum 8. Mai 2016, als Cattelans noch provokanteres Werk „Him“, das einen knienden Hitler darstellt, für 17,189 Millionen Dollar versteigert wurde. Das ist eine seltsame Sache. Der Name ist seltsam. Die Wahl eines Charakters ist riskant. Wie alles von Cattelan. Was bedeutet er? „Seine“ oder „Seine höllische Majestät“? Es ist klar, dass es hier definitiv nicht um eine Verherrlichung des Führerbildes geht. Hitler erscheint in diesem Werk eher in einer hilflosen, mitleiderregenden Form. Und absurd – die Inkarnation Satans ist so groß wie ein Kind, gekleidet in ein Schuljungenkostüm und kniend mit bescheidenem Gesichtsausdruck. Für Cattelan ist dieses Bild eine Einladung, über die Natur des absoluten Bösen nachzudenken und eine Möglichkeit, Ängste abzubauen. Übrigens ist die Skulptur „Him“ dem westlichen Publikum gut bekannt. Ihre Brüder aus der Serie wurden mehr als zehn Mal in führenden Museen auf der ganzen Welt ausgestellt, darunter im Centre Pompidou und im Solomon Guggenheim Museum.

15. MARK GROTJAN Ohne Titel (S III veröffentlicht nach Frankreich, Gesicht 43,14). 2011. 16,8 Millionen US-Dollar

Am 17. Mai 2017 erschien eines der eindrucksvollsten Gemälde von Mark Grotjahn, die jemals zur Auktion kamen, bei der Abendauktion von Christie’s in New York. Das Gemälde „Untitled (S III Released to France Face 43.14)“ wurde vom Pariser Sammler Patrick Seguin mit einer Schätzung von 13–16 Millionen US-Dollar ausgestellt, und da der Verkauf des Loses durch eine dritte Partei garantiert war, war niemand sonderlich überrascht durch die Aufstellung eines neuen persönlichen Auktionsrekords des 49-jährigen Künstlers. Der Zuschlagspreis von 14,75 Millionen US-Dollar (einschließlich der Käuferprämie von 16,8 Millionen US-Dollar) übertraf Grotjahns bisherigen Auktionsrekord um mehr als 10 Millionen US-Dollar und zählte ihn damit zum Kreis der lebenden Künstler, deren Werke für achtstellige Beträge verkauft werden. In der Auktionskasse von Mark Grotjahn befinden sich bereits etwa dreißig siebenstellige Ergebnisse (Verkäufe über 1 Million US-Dollar, aber nicht mehr als 10 Millionen US-Dollar).

Mark Grotjahn (1968), in dessen Werk Experten den Einfluss von Modernismus, abstraktem Minimalismus, Pop- und Op-Art sehen, kam Mitte der 1990er Jahre zu seinem charakteristischen Stil, nachdem er mit seinem Freund Brent Peterson nach Los Angeles zog und dort eine Galerie eröffnete „Raum 702“ Wie sich der Künstler selbst erinnert, begann er damals darüber nachzudenken, was für ihn in der Kunst an erster Stelle stand. Er suchte nach einem Motiv, mit dem er experimentieren konnte. Und mir wurde klar, dass er sich schon immer für Linien und Farben interessiert hatte. Experimente im Geiste des Rayonismus und Minimalismus mit linearer Perspektive, zahlreichen Fluchtpunkten und vielfarbigen abstrakten Dreiecksformen brachten Grotjahn schließlich Weltruhm.

Von abstrakten, farbenfrohen Landschaften mit mehreren Horizontlinien und Fluchtpunkten aus der Perspektive gelangte er schließlich zu dreieckigen Formen, die an Schmetterlingsflügel erinnern. Grotjahns Gemälde 2001–2007 Das nennen sie „Schmetterlinge“. Das Verschieben des Fluchtpunkts oder die gleichzeitige Verwendung mehrerer räumlich voneinander entfernter Fluchtpunkte gilt heute als eine der wirkungsvollsten Techniken des Künstlers.

Die nächste große Werkserie hieß „Gesichter“; In den abstrakten Linien dieser Serie erkennt man die Züge eines menschlichen Gesichts, vereinfacht zur Maske im Geiste von Matisse, Jawlensky oder Brancusi. Wenn man über die extreme Vereinfachung und Stilisierung von Formen spricht, über die kompositorische Lösung der Gemälde, wenn die verstreuten Konturen von Augen und Mündern aus dem Walddickicht auf uns zu schauen scheinen, stellen Forscher den Zusammenhang zwischen Grotjahns „Gesichtern“ und der Kunst von fest die primitiven Stämme Afrikas und Ozeaniens, während der Künstler selbst einfach „die Augen mag, die aus dem Dschungel herausschauen“. Manchmal stellte ich mir die Gesichter von Pavianen oder Affen vor. Ich kann nicht sagen, dass ich bewusst oder unbewusst von der primitiven afrikanischen Kunst beeinflusst wurde; vielmehr wurde ich von Künstlern beeinflusst, die von ihr beeinflusst wurden. Picasso ist das offensichtlichste Beispiel.“

Die Werke der „Faces“-Reihe werden als brutal und elegant bezeichnet, erfreuen das Auge und erfreuen den Geist. Im Laufe der Zeit verändert sich auch die Textur dieser Werke: Um den Effekt eines inneren Raums zu erzeugen, verwendet der Künstler breite Striche dicker Farbe, sogar Spritzer im Stil von Pollock, aber die Oberfläche des Gemäldes ist geebnet, so dass es bei genauer Betrachtung sichtbar ist erscheint absolut flach. Das Gemälde „Untitled (S III Released to France Face 43.14)“, das einen Auktionsrekord aufstellte, gehört genau zu dieser berühmten Serie von Mark Grotjahn.

16. TAKASHI MURAKAMI Mein einsamer Cowboy. 15,16 Millionen US-Dollar

japanisch Takashi Murakami (1962) ist mit Skulptur in unsere Bewertung eingestiegen „Mein einsamer Cowboy“, im Mai 2008 bei Sotheby's für $ verkauft 15,16 Millionen. Mit diesem Verkauf galt Takashi Murakami lange Zeit als erfolgreichster lebender asiatischer Künstler – bis er durch den Verkauf von Zeng Fanzhis „Das letzte Abendmahl“ in den Schatten gestellt wurde.

Takashi Murakami arbeitet als Maler, Bildhauer, Modedesigner und Animator. Murakami wollte etwas wirklich Japanisches als Grundlage für seine Arbeit nehmen, ohne westliche oder andere Anleihen. Während seiner Studienzeit war er von der traditionellen japanischen Nihonga-Malerei fasziniert, die später durch die populäre Anime- und Manga-Kunst ersetzt wurde. So entstand der psychedelische Mr. DOB, Muster aus lächelnden Blumen und leuchtend glänzenden Glasfaserskulpturen, als kämen sie direkt aus den Seiten japanischer Comics. Manche halten Murakamis Kunst für Fast Food und die Verkörperung von Vulgarität, andere nennen den Künstler den Japaner Andy Warhol – und in dessen Reihen gibt es, wie wir sehen, viele sehr reiche Leute.

Den Namen für seine Skulptur entlehnte Murakami dem Andy-Warhol-Film „Lonely Cowboys“ (1968), den die Japaner, wie er selbst zugab, nie gesehen hatten, die Wortkombination gefiel ihm aber sehr gut. Murakami erfreute Fans erotischer japanischer Comics und lachte sie mit einer Skulptur aus. In der Größe vergrößert und auch dreidimensional verwandelt sich der Anime-Held in einen Fetisch der Massenkultur. Diese künstlerische Aussage steht ganz im Geiste der klassischen westlichen Pop-Art (erinnern Sie sich an das Möbelset von Allen Jones oder Koons‘ „Der rosarote Panther“), hat aber einen nationalen Touch.

17. KAWS. Album von KAWS. 2005. 14.784.505 $

KAWS ist das Pseudonym des amerikanischen Künstlers Brian Donnelly aus New Jersey. Er ist der jüngste Teilnehmer in unserem Ranking, Jahrgang 1974. Donelly begann als Animator bei Disney (er malte Hintergründe für den Zeichentrickfilm „101 Dalmatiner“ und andere). Schon in seiner Jugend interessierte er sich für Graffiti. Sein charakteristisches Design war zunächst ein Totenkopf mit „X“ anstelle der Augenhöhlen. Die Werke des jungen Schriftstellers wurden von Persönlichkeiten des Showbusiness und der Modebranche geliebt: Er gestaltete das Cover für das Album von Kanye West und veröffentlichte Kollaborationen mit Nike, Comme des Garçons und Uniqlo. Im Laufe der Zeit entwickelte sich KAWS zu einer bekannten Persönlichkeit in der Welt der zeitgenössischen Kunst. Seine charakteristische Figur, die an Mickey Mouse erinnert, hat in Museen, öffentlichen Räumen und Privatsammlungen Fuß gefasst. Es war einmal, als KAWS zusammen mit der Marke My Plastic Heart eine limitierte Auflage von Vinylspielzeugen herausbrachte, und diese erregten unerwartet großes Interesse bei Sammlern. Einer der leidenschaftlichen Sammler dieser „Spielzeuge“ ist der Gründer von Black Star, Rapper Timati: Er hat die gesamte „Cavs Companions“-Reihe fast vollständig gesammelt.

Die Arbeit von KAWS stellte bei der Sotheby's-Auktion in Hongkong am 1. April 2019 einen Rekord für die Arbeit des Künstlers auf: 14,7 Millionen US-Dollar. Zuvor befand sie sich in der Kollektion des japanischen Modedesigners Nigo. Das KAWS-Album ist eine Hommage an das Cover des berühmten Beatles-Albums Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band aus dem Jahr 1967. Nur sind statt Menschen Kimpsons drauf – stilisierte Charaktere aus der Zeichentrickserie Die Simpsons mit „X“ statt Augen.

18. JIN SHANI Tadschikische Braut. 1983. 13,89 Millionen US-Dollar

Unter den relativ jungen und zeitgenössischen chinesischen Künstlern, die alle zur sogenannten „neuen Welle“ der späten 1980er Jahre in der chinesischen Kunst gehören, befand sich in unserer Bewertung völlig unerwartet ein Vertreter einer völlig anderen Generation und einer anderen Schule. Jin Shangyi, heute über 80, ist einer der prominenten Vertreter der ersten Künstlergeneration im kommunistischen China. Die Ansichten dieser Künstlergruppe wurden zu einem großen Teil unter dem Einfluss ihres engsten kommunistischen Verbündeten – der UdSSR – geformt.

Die offizielle sowjetische Kunst, der sozialistische Realismus und die Ölmalerei, die damals für China ungewöhnlich war (im Gegensatz zur traditionellen chinesischen Tuschemalerei), waren in den 1950er Jahren auf dem Höhepunkt ihrer Popularität, und der sowjetische Künstler Konstantin kam, um an der Pekinger Kunstuniversität zu unterrichten für drei Jahre (von 1954 bis 1957). Methodievich Maksimov. Jin Shani, der damals der Jüngste in der Gruppe war, landete in seiner Klasse. Der Künstler erinnerte sich immer mit großer Wärme an seinen Lehrer und sagte, dass es Maksimov war, der ihm beigebracht hatte, ein Modell richtig zu verstehen und darzustellen. K. M. Maksimov bildete eine ganze Galaxie chinesischer Realisten aus, die heute Klassiker sind.

Im Werk von Jin Shan spürt man den Einfluss sowohl des sowjetischen „strengen Stils“ als auch der europäischen Malschule. Der Künstler widmete viel Zeit dem Studium des Erbes der Renaissance und des Klassizismus, während er es für notwendig hielt, den chinesischen Geist in seinen Werken zu bewahren. Das 1983 entstandene Gemälde „Tadschikische Braut“ gilt als allgemein anerkanntes Meisterwerk, ein neuer Meilenstein im Werk von Jin Shan. Es wurde im November 2013 von China Guardian versteigert und um ein Vielfaches über der Schätzung verkauft – für 13,89 Millionen US-Dollar inklusive Provision.

19. BANKSY zersetzte das Parlament. 2008. 12,14 Millionen US-Dollar

Ab Ende der 1990er Jahre tauchten Wandgemälde mit Banksy-Tags erstmals auf Stadtmauern auf (zuerst in Großbritannien und dann auf der ganzen Welt). Seine philosophischen und zugleich ergreifenden Graffiti widmeten sich den Problemen des staatlichen Angriffs auf die Freiheiten der Bürger, Verbrechen gegen die Umwelt, verantwortungslosem Konsum und der Unmenschlichkeit des illegalen Migrationssystems. Im Laufe der Zeit erlangten Banksys Mauer-„Vorwürfe“ eine beispiellose mediale Popularität. Tatsächlich wurde er zu einem der Hauptvertreter der öffentlichen Meinung, die die Heuchelei von Staaten und Unternehmen verurteilte, die zu wachsender Ungerechtigkeit im kapitalistischen System führte.

Die Bedeutung von Banksy, das Gespür für den „Nerv der Zeit“ und die Genauigkeit seiner Metaphern wurden nicht nur von Zuschauern, sondern auch von Sammlern geschätzt. In den 2010er Jahren wurden Hunderttausende oder sogar mehr als eine Million Dollar für seine Werke gespendet. Es kam so weit, dass Banksys Graffiti herausgebrochen und zusammen mit Teilen der Wände gestohlen wurden.

Im Zeitalter der fortschrittlichen digitalen Überwachung schafft es Banksy immer noch, seine Anonymität zu wahren. Es gibt eine Version, dass es sich nicht mehr um eine Person handelt, sondern um eine Gruppe mehrerer Künstler, angeführt von einer talentierten Frau. Das würde einiges erklären. Und die äußerliche Unähnlichkeit der Autoren, gefangen in den Objektiven von Zeugenkameras, und die unpersönliche Schablonenanwendungsmethode (sorgt für hohe Geschwindigkeit und erfordert keine direkte Beteiligung des Autors) und die berührende Romantik der Motive der Gemälde ( Bälle, Schneeflocken usw.). Wie dem auch sei, die Leute vom Banksy-Projekt, einschließlich seiner Assistenten, wissen, wie man den Mund hält.

Im Jahr 2019 wurde Banksys teuerstes Werk unerwartet die vier Meter große Leinwand Devolved Parliament („degradiertes“, „verfallenes“ oder „devolviertes“ Parlament). Schimpansen, die im Unterhaus streiten, scheinen das Publikum im Jahr des skandalösen Brexit zu verspotten. Es ist überraschend, dass das Gemälde 10 Jahre vor diesem historischen Wendepunkt gemalt wurde, und daher hält es jemand für prophetisch. Bei einer Sotheby's-Auktion am 3. Oktober 2019 kaufte ein unbekannter Käufer dieses Öl im Rahmen einer heftigen Auktion für 12.143.000 US-Dollar – sechsmal teurer als die vorläufige Schätzung.

20. JOHN CURREN „Süß und einfach.“ 1999. 12,007 Millionen US-Dollar

Amerikanischer Künstler John Curran (1962) bekannt für seine satirischen figurativen Gemälde zu provokanten sexuellen und sozialen Themen. In Currens Werken gelingt es, die Maltechniken der alten Meister (insbesondere Lucas Cranach d.Ä. und der Manieristen) mit Modefotografien aus Hochglanzmagazinen zu verbinden. Um eine größere Groteske zu erzielen, verzerrt Curren häufig die Proportionen des menschlichen Körpers, vergrößert oder verkleinert seine einzelnen Teile und stellt Helden in gebrochenen, manierierten Posen dar.

Curren begann 1989 mit Porträts von Mädchen, die aus einem Schulalbum nachgezeichnet wurden; Fortsetzung in den frühen 1990er Jahren mit Gemälden vollbusiger Schönheiten, inspiriert von Fotos aus Cosmopolitan und Playboy; 1992 erschienen Porträts wohlhabender älterer Damen; und 1994 heiratete Curren die Bildhauerin Rachel Feinstein, die für viele Jahre seine wichtigste Muse und sein Vorbild wurde. In den späten 1990er Jahren verschafften ihm Currens technische Meisterschaft, gepaart mit dem Kitsch und der Groteske seiner Gemälde, Popularität. Im Jahr 2003 übernahm Larry Gagosian die Aufgabe, den Künstler zu promoten, und wenn ein Händler wie Gagosian den Künstler übernimmt, ist der Erfolg garantiert. Im Jahr 2004 fand im Whitney Museum eine Retrospektive von John Curran statt.

Etwa zu dieser Zeit begannen seine Werke, sich für sechsstellige Beträge zu verkaufen. Der aktuelle Rekord für ein Gemälde von John Curren gehört dem Werk „Sweet and Simple“, das am 15. November 2016 bei Christie's für 12 Millionen US-Dollar verkauft wurde. Das Gemälde mit zwei Akten übertraf die untere Schätzung von 12 bis 18 Millionen US-Dollar kaum. Und doch: Für John Curran, der jetzt über 50 ist, ist dies definitiv ein Durchbruch in meiner Karriere. Sein bisheriger Rekord lag 2008 bei 5,5 Millionen US-Dollar (bezahlt wurde er übrigens für das gleiche Werk „Sweet and Simple“).

21. BRYCE MARDEN Die Anwesenden. 1996–1999 10,917 Millionen US-Dollar

Ein weiterer lebender amerikanischer abstrakter Künstler in unserem Ranking ist Brice Marden (1938). Mardens Werke im Stil des Minimalismus und seit den späten 1980er Jahren der gestischen Malerei zeichnen sich durch ihre einzigartige, leicht gedämpfte Farbpalette aus. Die Farbkombinationen in Mardens Werken sind von seinen Reisen um die Welt inspiriert – Griechenland, Indien, Thailand, Sri Lanka. Zu den Autoren, die Mardens Entwicklung beeinflussten, gehören Jackson Pollock (in den frühen 1960er Jahren arbeitete Marden als Wachmann im Jüdischen Museum, wo er mit eigenen Augen Zeuge von Pollocks „Tropfen“ wurde), Alberto Giacometti (kannte seine Werke in Paris) und Robert Rauschenberg (einige Marden arbeiteten eine Zeit lang als sein Assistent). Die erste Phase von Mardens Werk war klassischen minimalistischen Leinwänden gewidmet, die aus farbigen rechteckigen Blöcken (horizontal oder vertikal) bestanden. Im Gegensatz zu vielen anderen Minimalisten, die die ideale Qualität von Werken suchten, die so aussahen, als wären sie von einer Maschine gedruckt und nicht von einem Menschen gezeichnet worden, bewahrte Marden Spuren der Arbeit des Künstlers und kombinierte verschiedene Materialien (Wachs- und Ölfarben). Seit Mitte der 1980er Jahre wurde unter dem Einfluss der orientalischen Kalligraphie die geometrische Abstraktion durch gewundene, mäanderartige Linien ersetzt, deren Hintergrund dieselben monochromen Farbfelder waren. Eines dieser „bedeutungsvollen“ Werke, „The Attended“, wurde im November 2013 bei Sotheby’s für 10,917 Millionen US-Dollar inklusive Provision verkauft.

22. Pierre Soulages Peinture 186 x 143 cm, 23. Dezember 1959. 10,6 Millionen US-Dollar

23. ZHANG XIAOGAN Ewige Liebe. 10,2 Millionen US-Dollar

Ein weiterer Vertreter der modernen chinesischen Kunst – Symbolist und Surrealist Zhang Xiaogang (1958). Bei Sotheby's-Auktion in Hongkong 3. April 2011, wo chinesische Avantgarde-Kunst aus der Sammlung des belgischen Barons Guy Ullens, ein Triptychon von Zhang Xiaogang, verkauft wurde "Ewige Liebe" wurde für $ verkauft 10,2 Millionen. Zu dieser Zeit war dies ein Rekord nicht nur für den Künstler, sondern für die gesamte zeitgenössische chinesische Kunst. Sie sagen, dass Xiaogangs Werk von der Milliardärsfrau Wang Wei gekauft wurde, die plant, ihr eigenes Museum zu eröffnen.

Zhang Xiaogang, der sich für Mystik und östliche Philosophie interessiert, schrieb die Geschichte der „ewigen Liebe“ in drei Teilen – Leben, Tod und Wiedergeburt. Dieses Triptychon wurde 1989 in die ikonische China/Avantgarde-Ausstellung im National Museum of Art aufgenommen. Ebenfalls 1989 wurden Studentendemonstrationen auf dem Platz des Himmlischen Friedens vom Militär brutal niedergeschlagen. Nach diesem tragischen Ereignis begannen die Schrauben anzuziehen – die Ausstellung im Nationalmuseum wurde aufgelöst, viele Künstler wanderten aus. Als Reaktion auf den von oben aufgezwungenen sozialistischen Realismus entstand die Richtung des zynischen Realismus, dessen Hauptvertreter Zhang Xiaogang war.

24. BRUCE NAUMAN Hilfloser Henry Moore. 1967. 9,9 Millionen US-Dollar

amerikanisch Bruce Nauman (1941), Gewinner des Hauptpreises der 48. Biennale von Venedig (1999), brauchte lange, um seinen Rekord zu erreichen. Nauman begann seine Karriere in den sechziger Jahren. Kenner bezeichnen ihn neben Andy Warhol und Joseph Beuys als eine der einflussreichsten Persönlichkeiten der Kunst der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Die intensive Intellektualität und der völlige Mangel an dekorativem Charakter einiger seiner Werke verhinderten jedoch offensichtlich seine schnelle Anerkennung und seinen Erfolg in der breiten Öffentlichkeit. Nauman experimentiert oft mit Sprache und entdeckt unerwartete Bedeutungen in vertrauten Phrasen. Worte werden zu den zentralen Figuren vieler seiner Werke, darunter auch Neon-Pseudoschilder und -tafeln. Nauman selbst bezeichnet sich selbst als Bildhauer, obwohl er sich in den letzten vierzig Jahren in ganz anderen Genres versucht hat – Skulptur, Fotografie, Videokunst, Performances, Grafik. Anfang der neunziger Jahre äußerte Larry Gagosian prophetische Worte: „Wir müssen den wahren Wert von Naumans Werk noch erkennen.“ So ist es passiert: 17. Mai 2001 bei Christie's, Naumans Werk von 1967 „Hilfloser Henry Moore (Rückansicht)“(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) stellte einen neuen Rekord im Segment der Nachkriegskunst auf. Ein Abdruck von Naumans auf dem Rücken gefesselten Händen aus Gips und Wachs kam für $ unter den Hammer 9,9 Millionen zur Sammlung des französischen Tycoons Francois Pinault (nach anderen Quellen der Amerikanerin Phyllis Wattis). Der Kostenvoranschlag für die Arbeit betrug nur 2 bis 3 Millionen US-Dollar, sodass das Ergebnis für alle eine echte Überraschung war.

Vor diesem legendären Verkauf hatten nur zwei von Naumans Werken die Millionen-Dollar-Marke überschritten. Und in seiner gesamten Auktionskarriere wurden bisher neben „Henry Moore...“ nur sechs Werke für siebenstellige Beträge versteigert, deren Erlöse aber immer noch nicht mit neun Millionen zu vergleichen sind.

„Helpless Henry Moore“ gehört zu einer Reihe polemischer Werke Naumans über die Figur von Henry Moore (1898–1986), einem britischen Künstler, der in den sechziger Jahren als einer der größten Bildhauer des 20. Jahrhunderts galt. Junge Autoren, die im Schatten des anerkannten Meisters standen, attackierten ihn daraufhin mit heftiger Kritik. Naumans Werk ist eine Antwort auf diese Kritik und zugleich eine Reflexion über das Thema Kreativität. Der Titel der Arbeit wird zu einem Wortspiel, da er zwei Bedeutungen des englischen Wortes „bounded“ vereint – „bounded“ (im wörtlichen Sinne) und „doomed to a bestimmtes Schicksal“.

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Die Kunstzeitung Russland präsentiert die Bewertung: die teuersten lebenden russischen Künstler. Wenn Sie immer noch sicher sind, dass es in der westlichen Szene keine russischen Künstler gab, sind wir bereit, dem zu widersprechen. Die Sprache der Zahlen.

Die Bedingungen waren einfach: Jeder lebende Künstler durfte nur durch ein einziges, sein teuerstes Werk vertreten sein. Bei der Erstellung des Ratings wurden nicht nur die Ergebnisse öffentlicher Auktionen berücksichtigt, sondern auch die prominentesten Privatverkäufe. Die Autoren der Bewertung ließen sich von dem Grundsatz „Wenn sich etwas gut verkauft, dann braucht es jemand“ leiten und würdigten daher die Arbeit von Vermarktern und Pressemanagern von Künstlern, die Rekord-Privatverkäufe an die Öffentlichkeit brachten. Wichtiger Hinweis: Die Bewertung basiert ausschließlich auf Finanzkennzahlen; Würde es auf der Ausstellungstätigkeit von Künstlern basieren, sähe es etwas anders aus. Externe Quellen für Analysen waren Ressourcen Artnet.com, Artprice.com, Skatepress.com Und Artinvestment.ru.

Als Währung für die Weltrangliste wurde der US-Dollar gewählt, als Gegenwert für die Verkäufe russischer Künstler wurde das britische Pfund herangezogen (da 90 % der Inlandsverkäufe in London in dieser Währung getätigt wurden). Die restlichen 10 % der in US-Dollar und Euro verkauften Werke wurden zum Wechselkurs zum Zeitpunkt der Transaktion umgerechnet, wodurch einige Positionen ihren Platz wechselten. Zusätzlich zu den tatsächlichen Kosten des Werks wurden Daten zur Gesamtkapitalisierung der Künstler (die Anzahl der über alle Jahre hinweg auf Auktionen verkauften Top-Werke), zum Platz eines zeitgenössischen Künstlers im Ranking der Künstler aller Zeiten usw. erhoben den Platz des teuersten Werkes des Teilnehmers unter allen verkauften Werken anderer Autoren sowie über Nationalität und Wohnsitzland. Statistiken über Wiederholungsverkäufe jedes Künstlers enthalten ebenfalls wichtige Informationen als objektiver Indikator für Investitionen
Attraktivität.

Das vergangene Jahr 2013 hat die Position zeitgenössischer Künstler in den internationalen Verkaufsrankings deutlich verändert. Von den 50 teuersten Kunstwerken wurden letzte Saison 16 moderne Kunstwerke verkauft – eine Rekordzahl (zum Vergleich: Von 2010 bis 2012 wurden 17 Werke verkauft; im 20. Jahrhundert gab es nur einen Verkauf). Die Nachfrage nach lebenden Künstlern ist teilweise identisch mit der Nachfrage nach zeitgenössischer Kunst, teilweise mit der zynischen Vorstellung, dass die Kapitalisierung von Vermögenswerten nach ihrem Tod unweigerlich zunehmen wird.

Unter den russischen Teilnehmern erwiesen sich die Brüder als die angesehensten Sergej Und Alexey Tkachev(geb. 1922 und 1925), der jüngste - Anatoli Osmolowski(geb. 1969). Die Frage ist, wer neu sein wird Jean-Michel Basquiat, solange geöffnet. Bei den Verkäufen unserer Künstler sind klare Käuferklassen erkennbar: Die Spitzenreiter werden von ausländischen Sammlern und russischen Oligarchen gekauft, die Plätze 10 bis 30 werden von ausgewanderten Sammlern belegt und das bedingte Schlusslicht der Top 50 sind unsere zukünftigen, jungen Sammler die mit „neuem“ Geld auf den Markt gekommen sind.

1. Ilja Kabakow
Es scheint, dass er im Allgemeinen der wichtigste russische Künstler ist (was den in Dnepropetrowsk geborenen Kabakov nicht daran hindert, sich selbst als Ukrainer zu bezeichnen), der Gründervater des Moskauer Konzeptualismus (einer von ihnen), der Autor des Begriffs und der Praxis von „Gesamtinstallation“. Seit 1988 lebt und arbeitet er in New York. Er arbeitet mit seiner Frau Emilia Kabakova zusammen, weshalb der Titel wie „Ilya und Emilia Kabakov“ aussehen sollte, aber da Ilya Iosifovich früher bekannt wurde als Ilya und Emilia, sollte es so bleiben. Die Werke befinden sich in der Tretjakow-Galerie, im Russischen Museum, in der Eremitage, MoMA, Kolodzei Art Foundation(USA) usw.
Geburtsjahr: 1933
Werk: „Käfer“. 1982
Verkaufsdatum: 28.02.2008
Preis (GBP)1: 2.932.500
Gesamtkapitalisierung (GBP): 10.686.000
Platz: 1
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 117.429
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: 12

2. Erik Bulatov
Mithilfe von Techniken, die später als soziale Kunst bezeichnet wurden, kombinierte er in seinen Werken figurative Malerei mit Text. Zu Sowjetzeiten ein erfolgreicher Illustrator von Kinderbüchern. Seit 1989 lebt und arbeitet er in New York, seit 1992 in Paris. Der erste russische Künstler mit einer Einzelausstellung im Centre Pompidou. Die Werke werden in den Sammlungen der Tretjakow-Galerie, des Russischen Museums, des Centre Pompidou, des Ludwig-Museums in Köln usw. aufbewahrt und sind in den Sammlungen der Stiftung enthalten Dina Verni, Viktor Bondarenko, Vyacheslav Kantor, Ekaterina und Vladimir Semenikhin, Igor Tsukanov.
Geburtsjahr: 1933
Werk: „Ehre sei der KPdSU.“ 1975
Verkaufsdatum: 28.02.2008
Preis (GBP)1: 1.084.500
Gesamtkapitalisierung (GBP): 8.802.000
Platz: 2
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 163.000
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: 11

3. Vitaly Komar und Alexander Melamid
Die Schöpfer von Sots Art – einer ironischen Bewegung in der inoffiziellen Kunst, die die Symbolik und Techniken des Beamtentums parodiert. Seit 1978 leben sie in New York. Bis Mitte der 2000er Jahre arbeiteten sie zu zweit. Als Kunstprojekt organisierten sie den „Seelenverkauf“ berühmter Künstler durch eine Auktion (Seelen). Andy Warhol Seitdem ist es im Besitz eines Moskauer Künstlers Alena Kirtsova). Werke befinden sich in den Sammlungen des MoMA, des Guggenheim Museums, des Metropolitan Museum of Art, des Louvre und in den Sammlungen Shalva Breus, Daria Zhukova Und Roman Abramowitsch usw.
Geburtsjahr: 1943, 1945
Werk: „Treffen von Solschenizyn und Böll in Rostropowitschs Datscha.“ 1972
Verkaufsdatum: 23.04.2010
Preis (GBP)1: 657.250
Gesamtkapitalisierung (GBP): 3.014.000
Platz: 7
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 75.350
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: 3

ehemaliges Comar&Melamid Artstudio-Archiv

4. Semyon Faibisovich
Ein fotorealistischer Künstler, der auch heute noch der genaueste Realist bleibt, da Semyon Natanovich sich weniger für Malerei als für Journalismus interessiert. Er stellte auf der Malaya Gruzinskaya aus, wo er 1985 von New Yorker Händlern und Sammlern entdeckt wurde. Seit 1987 wird es regelmäßig in den USA und Westeuropa ausgestellt. Ein aktiver Befürworter der Aufhebung des Gesetzes zur Förderung der Homosexualität in Russland. Lebt und arbeitet in Moskau. Werke befinden sich in den Sammlungen der Tretjakow-Galerie, des Moskauer Hauses der Fotografie, Museen in Deutschland, Polen und den USA und sind in den Sammlungen enthalten Daria Schukowa Und Roman Abramowitsch, Igor Markin, Igor
Tsukanova.
Geburtsjahr: 1949
Werk: „Soldiers“ (aus der Serie „Station Stations“). 1989
Verkaufsdatum: 13.10.2007
Preis (GBP)1: 311.200
Gesamtkapitalisierung (GBP): 3.093.000
Platz: 6
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 106.655
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: 7

5. Grigory (Grisha) Bruskin
Die Hauptfigur der ersten und letzten sowjetischen Auktion Sotheby's im Jahr 1988, wo sein Werk Fundamental Lexicon zum Spitzenlos wurde (220.000 £). Auf Einladung der Bundesregierung schuf er ein monumentales Triptychon für den wiederaufgebauten Reichstag in Berlin. Gewinner des Kandinsky-Preises in der Nominierung „Projekt des Jahres“ für die Ausstellung Zeit H im Multimedia Art Museum. Lebt und arbeitet in New York und Moskau. Die Werke befinden sich in den Sammlungen der Tretjakow-Galerie, des Russischen Museums und des Puschkin-Museums. A. S. Puschkin, das Ludwig Museum in Köln, das MoMA, das Museum of Jewish Culture (New York) usw. sind in den Sammlungen der Königin von Spanien enthalten Sofia, Peter Aven, Shalva Breus, Vladimir und Ekaterina Semenikhin, Milos Forman.
Geburtsjahr: 1945
Werk: „Logien. Teil 1". 1987
Verkaufsdatum: 07.11.2000
Preis (GBP)1: 424.000
Gesamtkapitalisierung (GBP): 720.000
Platz: 15
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 24.828
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: 5

6. Oleg Tselkov
Als einer der berühmtesten Künstler der sechziger Jahre begann und führt er in den 1960er Jahren eine Reihe von Gemälden fort, die grobe, wie aus Ton geformte menschliche Gesichter (oder Figuren) zeigen und mit leuchtenden Anilinfarben bemalt sind. Seit 1977 lebt er in Paris. Die Werke befinden sich in den Sammlungen der Tretjakow-Galerie, des Russischen Museums, der Eremitage, des Zimmerli-Museums der Rutgers-Universität usw. und sind in den Sammlungen enthalten Mikhail Baryshnikov, Arthur Miller, Igor Tsukanov. Es gehört zur größten Privatsammlung von Tselkovs Werken in Russland Jewgenij Jewtuschenko.
Geburtsjahr: 1934
Werk: „Junge mit Luftballons“. 1957
Verkaufsdatum: 26.11.2008
Preis (GBP)1: 238.406
Gesamtkapitalisierung (GBP): 4.232.000
Platz: 5
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 53.570
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: 14

7. Oscar Rabin
Anführer der „Lianozov-Gruppe“ (Moskauer nonkonformistische Künstler der 1950er-1960er Jahre), Organisator des Skandals Bulldozer-Ausstellung 1974. Er war der erste in der Sowjetunion, der Werke privat verkaufte. 1978 wurde ihm die sowjetische Staatsbürgerschaft entzogen. Lebt und arbeitet in Paris. 2006 wurde er für seinen Beitrag zur Kunst Preisträger des Innovationspreises. Die Werke befinden sich in den Sammlungen der Tretjakow-Galerie, des Russischen Museums, des Moskauer Museums für moderne Kunst, des Zimmerli-Museums der Rutgers-Universität und sind in den Sammlungen von Alexander Glezer, Vyacheslav Kantor, Alexander Kronik, Iveta und Tamaz Manasherov enthalten. Evgeniy Nutovich, Aslan Chekhoev.
Geburtsjahr: 1928
Werk: „Die Stadt und der Mond“ (sozialistisch
Stadt)". 1959
Verkaufsdatum: 15.04.2008
Preis (GBP)1: 171.939
Gesamtkapitalisierung (GBP): 5.397.000
Platz: 3
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 27.964
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: 45

8. Zurab Zereteli
Der größte Vertreter bereits monumentaler Kunst. Autor des Denkmals für Peter I. in Moskau und des Denkmals Das Gute besiegt das Böse vor dem UN-Gebäude in New York. Gründer des Moskauer Museums für moderne Kunst, Präsident der Russischen Akademie der Künste, Gründer der Zurab Tsereteli Art Gallery, die an der oben genannten Akademie tätig ist. Skulpturen von Zurab Tsereteli schmücken neben Russland auch Brasilien, Großbritannien, Georgien, Spanien, Litauen, die USA, Frankreich und Japan.
Geburtsjahr: 1934
Werk: „Traum von Athos“
Verkaufsdatum: 01.12.2009
Preis (GBP)1: 151.250
Gesamtkapitalisierung (GBP): 498.000
Platz: 19
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 27.667
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: 4

9. Viktor Piwowarow
Einer der Begründer des Moskauer Konzeptualismus. Wie Kabakov, der Erfinder des Konzeptalbum-Genres; wie Kabakov, Bulatov und Oleg Vasiliev, ein erfolgreicher Illustrator von Kinderbüchern, der mit den Zeitschriften „Murzilka“ und „Funny Pictures“ zusammenarbeitete. Seit 1982 lebt und arbeitet er in Prag. Die Werke befinden sich in den Sammlungen der Tretjakow-Galerie, des Russischen Museums und des Puschkin-Museums. A. S. Puschkina, Kolodzei Art Foundation(USA), in den Sammlungen von Vladimir und Ekaterina Semenikhin, Igor Tsukanov.
Geburtsjahr: 1937
Werk: „Triptychon mit Schlange.“ 2000
Verkaufsdatum: 18.10.2008
Preis (GBP)1: 145.250
Gesamtkapitalisierung (GBP): 482.000
Platz: 20
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 17.852
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: 6

10. Alexander Melamid
Die Hälfte des kreativen Tandems Komar - Melamid, die sich 2003 auflöste. Zusammen mit Vitaly Komar, Teilnehmer Bulldozer-Ausstellung(wo sie starben Doppeltes Selbstporträt, ein wegweisendes Werk der Sots Art). Seit 1978 lebt und arbeitet er in New York. Es gibt keine Informationen darüber, welche berühmten Sammlungen Melamids Werke enthalten, die er unabhängig geschaffen hat.
Geburtsjahr: 1945
Werk: „Kardinal José Saraiva Martins“. 2007
Verkaufsdatum: 18.10.2008
Preis (GBP)1: 145.250
Gesamtkapitalisierung (GBP): 145.000
Platz: 36
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 145.000
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: —

11. Francisco Infante-Arana
Der Besitzer der vielleicht umfangreichsten Ausstellungsliste unter russischen Künstlern. Mitglied der kinetischen Gruppe "Bewegung" In den 1970er Jahren fand er seine eigene Version der Fotoperformance oder des „Artefakts“ – geometrische Formen, die in die natürliche Landschaft integriert wurden.
Geburtsjahr: 1943
Arbeit: „Ein Schild bauen.“ 1984
Verkaufsdatum: 31.05.2006
Preis (GBP)1: 142.400
Gesamtkapitalisierung (GBP): 572.000
Platz: 17
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 22.000
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: —

12. Wladimir Nemukhin
Metaphysiker. Ein Klassiker der zweiten Welle der russischen Avantgarde, Mitglied der „Lianozov-Gruppe“, einer der Teilnehmer der Bulldozer-Ausstellung, Kurator (oder Initiator) wichtiger Ausstellungen der 1980er Jahre, als der inoffizielle Sowjet
Die Kunst war gerade dabei, sich ihrer selbst bewusst zu werden.
Geburtsjahr: 1925
Werk: „Unvollendeter Solitaire“. 1966
Verkaufsdatum: 26.04.2006
Preis (GBP)1: 240.000
Gesamtkapitalisierung (GBP): 4.338.000
Platz: 4
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 36.454
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: 26

13. Wladimir Jankilevski
Surrealist, einer der Hauptnamen der inoffiziellen Moskauer Nachkriegskunst, Schöpfer monumentaler philosophischer Polyptychen.
Geburtsjahr: 1938
Werk: „Triptychon Nr. 10. Anatomie der Seele. II.“ 1970
Verkaufsdatum: 23.04.2010
Preis (GBP)1: 133.250
Gesamtkapitalisierung (GBP): 754.000
Platz: 14
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 12.780
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: 7

14. Alexander Winogradow und Wladimir Dubossarski
Szenisches Projekt Gemälde auf Bestellung, das sie in den hoffnungslosen 1990er-Jahren für die Malerei begannen, erhielt in den 2000er-Jahren das, was es verdiente. Das Duett wurde bei Sammlern beliebt und ein Gemälde gelangte in die Sammlung des Centre Pompidou.
Geburtsjahr: 1963, 1964
Arbeit: „Nachtfitness“. 2004
Verkaufsdatum: 22.06.2007
Preis (GBP)1: 132.000
Gesamtkapitalisierung (GBP): 1.378.000
Platz: 11
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 26.500
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: 4

15. Sergej Wolkow
Einer der Helden der Perestroika-Kunst, bekannt für seine ausdrucksstarken Gemälde mit nachdenklichen Aussagen. Sowjetischer Auktionsteilnehmer Sotheby's im Jahr 1988.
Geburtsjahr: 1956
Werk: „Double Vision.
Triptychon"
Verkaufsdatum: 31.05.2007
Preis (GBP)1: 132.000
Gesamtkapitalisierung (GBP): 777.000
Platz: 12
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 38.850
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: 4

16. AES + F (Tatyana Arzamasova, Lev Evzovich, Evgeniy Svyatsky, Vladimir Fridkes)
AES-Projekte zeichneten sich Ende der 1990er Jahre durch ihre gute Präsentation aus, weshalb sie in Erinnerung blieben. Jetzt erstellen sie große animierte Wandgemälde, die auf Dutzenden Bildschirmen ausgestrahlt werden.
Geburtsjahr: 1955, 1958, 1957, 1956
Werk: „Krieger Nr. 4“
Verkaufsdatum: 12.03.2008
Preis (GBP)1: 120.500
Gesamtkapitalisierung (GBP): 305.000
Platz: 27
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 30.500
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: —

17. Lew Tabenkin
Ein Bildhauer und Maler mit einer skulpturalen Vision, als würde er seine Helden aus Ton formen.
Geburtsjahr: 1952
Werk: „Jazz Orchestra“. 2004
Verkaufsdatum: 30.06.2008
Preis (GBP)1: 117.650
Gesamtkapitalisierung (GBP): 263.000
Platz: 28
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 26.300
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: 7

18. Mikhail (Misha Shaevich) Brusilovsky
Swerdlowsker Surrealist, Autor bedeutungsvoller Allegorien.
Geburtsjahr: 1931
Werk: „Fußball“. 1965
Verkaufsdatum: 28.11.2006
Preis (GBP)1: 108.000
Gesamtkapitalisierung (GBP): 133.000
Platz: 38
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 22.167
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: —

19. Olga Bulgakowa
Eine der Hauptfiguren der intelligenten „Karnevalsmalerei“ der Breschnew-Ära. Korrespondierendes Mitglied
Russische Akademie der Künste.
Geburtsjahr: 1951
Werk: „Dream of Red
Vogel." 1988
Verkaufsdatum: 22.11.2010
Preis (GBP)1: 100.876
Gesamtkapitalisierung (GBP): 219.000
Platz: 31
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 36.500
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: —

20. Alexander Iwanow
Ein abstrakter Künstler, der vor allem als Geschäftsmann, Sammler und Gründer des Fabergé-Museums in Baden-Baden (Deutschland) bekannt ist.
Geburtsjahr: 1962
Werk: „Liebe“. 1996
Verkaufsdatum: 06.05.2013
Preis (GBP)1: 97.250
Gesamtkapitalisierung (GBP): 201.000
Platz: 33
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 50.250
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: —

21. Iwan Tschuikow
Ein unabhängiger Flügel des Moskauer Bildkonzeptualismus. Autor einer Reihe von Gemälden und Objekten von Windows. Irgendwie hat er in den 1960er Jahren alle Gemälde verbrannt, weshalb die Galeristen immer noch traurig sind.
Geburtsjahr: 1935
Werk: „Ohne Titel“. 1986
Verkaufsdatum: 12.03.2008
Preis (GBP)1: 96.500
Gesamtkapitalisierung (GBP): 1.545.000
Platz: 10
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 36.786
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: 8

22. Konstantin Swesdotschetow
In seiner Jugend ein Mitglied der Muchomor-Gruppe, die sich selbst „die Väter der „neuen Welle“ in der Sowjetunion“ nannte –
aus gutem Grund; mit Beginn der schöpferischen Reife Teilnehmer der Biennale Venedig und Kassel
documenta. Forscher und Kenner des Visuellen in der sowjetischen Basiskultur.
Geburtsjahr: 1958
Produkt: „Perdo-K-62M“
Verkaufsdatum: 13.06.2008
Preis (GBP)1: 92.446
Gesamtkapitalisierung (GBP): 430.000
Platz: 22
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 22.632
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: 2

23. Natalya Nesterova
Einer der wichtigsten Kunststars der Breschnew-Stagnation. Von Sammlern wegen seines strukturierten, malerischen Stils geliebt.
Geburtsjahr: 1944
Werk: „The Miller and His
Sohn". 1969
Verkaufsdatum: 15.06.2007
Preis (GBP)1: 92.388
Gesamtkapitalisierung (GBP): 1.950.000
Platz: 9
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 20.526
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: 15

24. Maxim Kantor
Ein expressionistischer Maler, der 1997 im russischen Pavillon auf der Biennale von Venedig auftrat – sowie ein Publizist und Schriftsteller, Autor eines philosophischen und satirischen Romans Zeichen-Tutorialüber die Besonderheiten der russischen Kunstwelt.
Geburtsjahr: 1957
Werk: „Die Struktur der Demokratie.“ 2003
Verkaufsdatum: 18.10.2008
Preis (GBP)1: 87.650
Gesamtkapitalisierung (GBP): 441.000
Platz: 21
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 44.100
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: 2

25. Andrey Sidersky
Erstellt Gemälde im Stil der von ihm erfundenen Psy-Art. Übersetzte Werke von Carlos Castaneda und Richard Bach ins Russische.
Geburtsjahr: 1960
Werk: „Triptychon“
Verkaufsdatum: 12.04.2009
Preis (GBP)1: 90.000
Gesamtkapitalisierung (GBP): 102.000
Platz: 42
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 51.000
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: —

26. Valery Koshljakow
Bekannt für Gemälde mit architektonischen Motiven. Der größte Vertreter der „Südrussischen Welle“. Verwendet häufig Kartons, Tüten und Klebeband. Die erste Ausstellung mit seiner Beteiligung fand 1988 in einer öffentlichen Toilette in Rostow am Don statt.
Geburtsjahr: 1962
Werk: „Versailles“. 1993
Verkaufsdatum: 12.03.2008
Preis (GBP)1: 72.500
Gesamtkapitalisierung (GBP): 346.000
Platz: 26
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 21.625
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: 8

27. Alexey Sundukov
Lakonische, bleifarbene Gemälde über die „bleiernen Abscheulichkeiten“ des russischen Alltags.
Geburtsjahr: 1952
Werk: „Das Wesen des Seins“. 1988
Verkaufsdatum: 23.04.2010
Preis (GBP)1: 67.250
Gesamtkapitalisierung (GBP): 255.000
Platz: 29
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 25.500
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: 1

28. Igor Nowikow
Gehört zur Generation der Moskauer nonkonformistischen Künstler der späten 1980er Jahre.
Geburtsjahr: 1961
Werk: „Das Kreml-Frühstück oder Moskau zum Verkauf“. 2009
Verkaufsdatum: 03.12.2010
Preis (GBP)1: 62.092
Gesamtkapitalisierung (GBP): 397.000
Platz: 24
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 15.880
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: 3

29. Wadim Sacharow
Archivar des Moskauer Konzeptualismus. Der Autor spektakulärer Installationen zu tiefgreifenden Themen vertrat Russland in Venedig
alle zwei Jahre
Geburtsjahr: 1959
Werk: „Barock“. 1986-1994
Verkaufsdatum: 18.10.2008
Preis (GBP)1: 61.250
Gesamtkapitalisierung (GBP): 243.000
Platz: 30
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 20.250
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: —

30. Juri Krasny
Autor von Kunstprogrammen für Kinder mit besonderen Bedürfnissen.
Geburtsjahr: 1925
Werk: „Der Raucher“
Verkaufsdatum: 04.04.2008. Preis (GBP)1: 59.055
Gesamtkapitalisierung (GBP): 89.000
Platz: 44
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 11.125
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: 8

31. Sergey und Alexey Tkachev
Klassiker des späten sowjetischen Impressionismus, Schüler von Arkady Plastov, berühmt für ihre Gemälde aus dem Leben des russischen Dorfes.
Geburtsjahr: 1922, 1925
Werk: „Im Feld“. 1954
Verkaufsdatum: 01.12.2010
Preis (GBP)1: 58.813
Gesamtkapitalisierung (GBP): 428.000
Platz: 23
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 22.526
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: 4

32. Swetlana Kopystjanskaja
Bekannt für Gemäldeinstallationen. Nach der Moskauer Auktion Sotheby's 1988 arbeitet er im Ausland.
Geburtsjahr: 1950
Werk: „Seascape“
Verkaufsdatum: 13.10.2007
Preis (GBP)1: 57.600
Gesamtkapitalisierung (GBP): 202.000
Platz: 32
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 22.444
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: 2

33. Boris Orlow
Ein Bildhauer, der der sozialen Kunst nahe steht. Er ist berühmt für seine Werke im ironischen „imperialen“ Stil und seine meisterhafte Kunstfertigkeit von Bronzebüsten und Blumensträußen.
Geburtsjahr: 1941
Werk: „Sailor“. 1976
Verkaufsdatum: 17.10.2013
Preis (GBP)1: 55.085
Gesamtkapitalisierung (GBP): 174.000
Platz: 34
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 17.400
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: 1

34. Wjatscheslaw Kalinin
Der Autor ausdrucksstarker Gemälde aus dem Leben der städtischen Unterschicht und der Trinkboheme.
Geburtsjahr: 1939
Kunstwerk: „Selbstporträt mit Drachenflieger“
Verkaufsdatum: 25.11.2012
Preis (GBP)1: 54.500
Gesamtkapitalisierung (GBP): 766.000
Platz: 13
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 12.767
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: 24

35. Evgeny Semenov
Bekannt für seine Fotoserie mit Patienten mit Down-Krankheit, die die Rollen von Gospelfiguren spielen.
Geburtsjahr: 1960
Werk: „Herz“. 2009
Verkaufsdatum: 29.06.2009
Preis (GBP)1: 49.250
Gesamtkapitalisierung (GBP): 49.000
Platz: 48
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 49.000
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: —

36. Yuri Cooper
Berühmt wurde er durch seine nostalgischen Leinwände mit alten Haushaltsgegenständen. Autor des Stücks Zwölf Gemälde aus dem Leben des Künstlers, aufgeführt im Moskauer Kunsttheater. A. P. Tschechow.
Geburtsjahr: 1940
Werk: „Fenster. Dassa-Straße, 56. 1978
Verkaufsdatum: 09.06.2010
Preis (GBP)1: 49.250
Gesamtkapitalisierung (GBP): 157.000
Platz: 35
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 2.754
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: 14

37. Alexander Kosolapow
Ein sozialistischer Künstler, dessen Werk zum Ziel aller möglichen Angriffe geworden ist. Während der Messe Art Moscow 2005 wurde eines seiner Werke von einem religiösen Fanatiker mit einem Hammer zerstört.
Geburtsjahr: 1943
Werk: „Marlboro Malewitsch“. 1987
Verkaufsdatum: 12.03.2008
Preis (GBP)1: 48.500
Gesamtkapitalisierung (GBP): 510.000
Platz: 18
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 15.938
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: 1

38. Leonid Sokow
Ein führender Bildhauer der Sots-Kunst, der Folklore mit Politik verband. Zu den berühmten Werken Gerät zur Bestimmung der Nationalität anhand der Nasenform.
Geburtsjahr: 1941
Werk: „Ein Bär schlägt mit einem Hammer auf eine Sichel.“ 1996
Verkaufsdatum: 12.03.2008
Preis (GBP)1: 48.500
Gesamtkapitalisierung (GBP): 352.000
Platz: 25
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 13.538
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: 7

39. Wladimir Owtschinnikow
Einer der Patriarchen der inoffiziellen Kunst in Leningrad. Orthodoxe Version von Fernando Botero.
Geburtsjahr: 1941
Werk: „Engel und Eisenbahnschienen“. 1977
Verkaufsdatum: 17.04.2007
Preis (GBP)1: 47.846
Gesamtkapitalisierung (GBP): 675.000
Platz: 16
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 15.341
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: —

40. Konstantin Chudjakow
Autor von Gemälden zu religiösen Themen. Derzeit in der digitalen Kunsttechnologie tätig.
Geburtsjahr: 1945
Werk: „Das letzte Abendmahl“. 2007
Verkaufsdatum: 18.02.2011
Preis (GBP)1: 46.850
Gesamtkapitalisierung (GBP): 97.000
Platz: 43
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 32.333
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: —

41. Ernst Neizvestny
Eine Ikone des sowjetischen Nonkonformismus – seit er bei der Vernissage der legendären Ausstellung zum 30-jährigen Jubiläum des Moskauer Künstlerverbandes offen gegen Generalsekretär Nikita Chruschtschow protestierte. Danach errichtete er ein Denkmal am Grab Chruschtschows und ein Denkmal vor dem europäischen UN-Hauptquartier.
Geburtsjahr: 1925
Werk: „Ohne Titel“
Verkaufsdatum: 06.08.2010
Preis (GBP)1: 46.850
Gesamtkapitalisierung (GBP): 2.931.000
Platz: 8
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 24.839
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: 13

42. Anatoly Osmolovsky
Eine der Hauptfiguren des Moskauer Aktionismus der 1990er Jahre, Kunsttheoretiker, Kurator, Verleger und Leiter des Forschungs- und Bildungsprogramms des Baza-Instituts, Träger des ersten Kandinsky-Preises.
Geburtsjahr: 1969
Werk: „Brot“ (aus der Serie „Pagans“). 2009
Verkaufsdatum: 23.04.2010
Preis (GBP)1: 46.850
Gesamtkapitalisierung (GBP): 83.000
Platz: 46
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 11.857
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: —

43. Dmitri Wrubel
Fotorealistischer Maler, bekannt vor allem für sein Gemälde, das Breschnew und Honecker beim Küssen zeigt (genauer gesagt dank der Reproduktion des Autors auf der Berliner Mauer).
Geburtsjahr: 1960
Werk: „Brüderlicher Kuss (Triptychon)“. 1990
Verkaufsdatum: 25.11.2013
Preis (GBP)1: 45.000

Platz: 40
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 16.429
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: 2

44. Leonid Lamm
Der Autor von Installationen, die Motive der russischen Avantgarde und Szenen des sowjetischen Gefängnislebens kombinieren. Lebt in Amerika. In den 1970er Jahren verbrachte er aufgrund falscher Anschuldigungen drei Jahre in Gefängnissen und Lagern.
Geburtsjahr: 1928
Werk: „Apple II“ (aus der Serie „Seventh Heaven“). 1974-1986
Verkaufsdatum: 16.12.2009
Preis (GBP)1: 43.910
Gesamtkapitalisierung (GBP): 115.000
Platz: 41
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 14.375
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: —

Irina Nakhovas malerische Installationen aus den 1980er Jahren in ihrer Wohnung können eine Urheberschaft im Genre „Total“ für sich beanspruchen.

45. Irina Nachowa
Muse des Moskauer Konzeptualismus. Gewinner des Kandinsky-Preises 2013 für „Projekt des Jahres“. 2015 auf der 56. Biennale von Venedig
wird Russland vertreten.
Geburtsjahr: 1955
Werk: „Triptychon“. 1983
Verkaufsdatum: 12.03.2008
Preis (GBP)1: 38.900
Gesamtkapitalisierung (GBP): 85.000
Platz: 45
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 17.000
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: 1

46. ​​​​Katja Filippowa
Avantgardistischer Bekleidungsdesigner, der während der Perestroika berühmt wurde. Sie dekorierte die Schaufenster des Pariser Kaufhauses Galeries Lafayette und war mit Pierre Cardin befreundet.
Geburtsjahr: 1958
„Werk: Marina Ladynina“ (aus der Serie „Russian Hollywood“)
Verkaufsdatum: 12.03.2008
Preis (GBP)1: 38.900
Gesamtkapitalisierung (GBP): 39.000
Platz: 49
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 39.000
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: —

47. Boris Zaborov
Theaterkünstler, Buchillustrator. 1980 wanderte er nach Paris aus und arbeitete an Kostümen für die Comedy Française.
Geburtsjahr: 1935
Werk: „Participant“. 1981
Verkaufsdatum: 30.10.2006
Preis (GBP)1: 36.356
Gesamtkapitalisierung (GBP): 67.000
Platz: 47
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 13.400
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: 2

48. Rostislaw Lebedew
Klassischer sozialistischer Künstler, Kollege (und Werkstattnachbar) von Boris Orlow und Dmitri Prigow. Kreativ transformierte visuelle Propaganda aus der Sowjetzeit.
Geburtsjahr: 1946
Werk: „Russisches Märchen“. 1949
Verkaufsdatum: 06.03.2008
Preis (GBP)1: 34.000
Gesamtkapitalisierung (GBP): 122.000
Platz: 39
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 24.400
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: 2

49. Andrej Filippow
Gehört zur Moskauer Konzeptschule. Der Autor von Gemälden und Installationen, die das Thema „Moskau – das Dritte Rom“ vereint. Seit 2009 ist er zusammen mit Yuri Albert und Victor Skersis Mitglied der Cupid-Gruppe.
Geburtsjahr: 1959
Werk: „Seven Feet Under the Keel“. 1988
Verkaufsdatum: 31.05.2006
Preis (GBP)1: 33.600
Gesamtkapitalisierung (GBP): 137.000
Platz: 37
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 12.455
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: 3

50. Wladimir Shinkarev
Der Gründer und Ideologe der Leningrader Künstlergruppe „Mitki“, in deren Roman „Mitki“ dieser Begriff erstmals verwendet wurde. Der Roman entstand aus Langeweile während der Arbeit im Heizungskeller.
Geburtsjahr: 1954
Werk: „Leninplatz I“. 1999
Verkaufsdatum: 30.06.2008
Preis (GBP)1: 32.450
Gesamtkapitalisierung (GBP): 33.000
Platz: 50
Durchschnittliche Arbeitskosten (GBP): 16.500
Anzahl der Wiederholungsverkäufe: —

Verkauf vs. Ausstellungen

Marktanerkennung und Anerkennung durch die Fachwelt scheinen für viele unterschiedliche Dinge zu sein, doch die Einteilung in „kommerzielle“ und „nichtkommerzielle“ Künstler ist sehr willkürlich. So sind von den russischen Künstlern, die in den letzten zehn Jahren auf der Biennale für zeitgenössische Kunst in Venedig ausgestellt haben (und dies ist der Höhepunkt ihrer beruflichen Laufbahn), sieben (nach Personen gezählt, dann 11 Personen) in unserer Bewertung enthalten. Und die Top-10-Künstler aus der Bewertung stellten entweder schon einmal auf der Biennale von Venedig aus oder hatten Einzelausstellungen in großen Museen. Was die wunderbaren Künstler betrifft, die nicht in die Bewertung aufgenommen wurden, so lässt sich ihre Abwesenheit oder nicht sehr herausragende Verkäufe einfach und banal erklären. Sammler sind konservativ und kaufen selbst von den avantgardistischsten Künstlern lieber Gemälde (Gemälde, gemäldeähnliche Objekte oder Fotografien) oder Skulpturen (oder skulpturähnliche Objekte). In unserer Bewertung gibt es keine rekordverdächtigen Aufführungen oder riesigen Installationen (Installationen werden normalerweise von Museen gekauft, aber die Preise sind Museumsqualität, mit einem Rabatt). Deshalb sind solche Stars wie Andrey Monastyrsky, Oleg Kulik, Pavel Pepperstein(Bis vor kurzem habe ich hauptsächlich Grafiken gemacht, und Grafiken sind von vornherein billiger als Malerei) oder zum Beispiel Nikolai Polissky, deren grandiose Entwürfe noch keine verständnisvollen Sammler gefunden haben.

Darüber hinaus ist der Markt auch konservativ, da die Anerkennung langsam eintritt – beachten Sie, dass in den Top 10 alle Künstler 1950 oder älter geboren wurden. Das heißt, vielversprechende Teilnehmer der Biennale haben noch alles vor sich.

Große internationale Auktionen beziehen zunehmend zeitgenössische russische Künstler in ihre Auktionen von Nachkriegs- und zeitgenössischer Kunst ein. Im Februar 2007 veranstaltete Sotheby’s die erste und geradezu sensationelle Spezialauktion russischer zeitgenössischer Kunst, die 22 Auktionsrekorde erzielte. „Artguide“ beschloss herauszufinden, welche unserer zeitgenössischen Künstler auf internationalen Auktionen die größten Summen erzielten, und entdeckte einige interessante Muster, nachdem es auf der Grundlage der Auktionsergebnisse die zehn teuersten lebenden russischen Künstler zusammengestellt hatte. Alle Verkaufspreise basieren auf Auktionshausdaten und verstehen sich inklusive Käuferaufgeld.

Alexander Winogradow und Wladimir Dubossarski. Nachtfitness. Fragment. Mit freundlicher Genehmigung der Autoren (www.dubossarskyvinogradov.com)

Natürlich konnte es keinen Zweifel darüber geben, wer genau der Anführer des Auktionsrennens wurde: Ilya Kabakovs grandioser „Käfer“, der im Februar 2008 bei Phillips de Pury für fast 3 Millionen Pfund verkauft wurde, ist wahrscheinlich jedem in Erinnerung, der sich für zeitgenössische Kunst interessiert Kunst. Ein lustiger Kinderreim, dessen Text mit einem Käfer auf eine Holztafel geschrieben ist, hat in der kunsthistorischen und marktwirtschaftlichen Interpretation sogar eine nachdenkliche Intonation erhalten: „Mein Käfer bricht aus, springt, zwitschert, er will nicht hinein.“ „Meine Sammlung“ – das bedeutet metaphorisch die Leidenschaft eines Sammlers moderner Kunst für ebendiesen Käferhandel. (Der von Kabakov zitierte Vers, geschrieben von der Architektin A. Maslennikova, einer Amateurdichterin aus Woronesch, wurde in der 1976 im Verlag „Kinderliteratur“ erschienenen Kindersammlung von Gedichten, Reimen und Rätseln „Zwischen Sommer und Winter“ veröffentlicht ” – und Kabakov illustrierte dieses Buch. Allerdings war dieser Käfer nicht in seinen Schwarz-Weiß-Illustrationen enthalten.

Es sollte hinzugefügt werden, dass, wenn wir nicht die Top 10 der teuersten lebenden Künstler, sondern die Top 10 ihrer teuersten Werke erstellen würden, Kabakovs Gemälde die ersten drei Plätze dieser Liste belegen würden. Das heißt, die drei teuersten Werke eines lebenden russischen Künstlers gehören ihm – neben „Beetle“ sind dies „Luxury Room“ 1981 (Phillips de Pury, London, 21. Juni 2007, 2,036 Millionen Pfund) und „Vacation Nr. 10“ 1987 (Phillips de Pury London, 14. April 2011, 1,497 Millionen Pfund). Darüber hinaus „schenkte“ der großzügige Kabakov der Wiener Dorotheum-Auktion einen weiteren Rekord: Vor einem Jahr, am 24. November 2011, ging das Gemälde „An der Universität“ für 754,8 Tausend Euro dorthin und wurde damit zum teuersten zeitgenössischen Werk Kunst, die jemals auf dieser Auktion verkauft wurde.

Der Silbermedaillengewinner wird wahrscheinlich auch von vielen leicht genannt werden – das ist Eric Bulatov, dessen Leinwand „Ruhm der KPdSU“ bei derselben Phillips de Pury-Auktion wie Kabakovs „Käfer“ für einen Rekordpreis für den Künstler verkauft wurde.

Aber der dritte Platz des Nonkonformisten Evgeny Chubarov, dessen Spätwerk „Untitled“ im Juni 2007 für 720.000 Pfund an Phillips de Pury ging, könnte man eine Überraschung nennen, wenn nicht die Tatsache gewesen wäre, dass das Gleiche einige Monate zuvor, im Februar, der Fall gewesen wäre Jahr zuvor hatte Chubarov bereits bei Sotheby's in London bei einer Spezialauktion russischer zeitgenössischer Kunst für Aufsehen gesorgt, wo sein Werk mit demselben Titel (oder besser gesagt ohne Titel) für 288.000 Pfund (mit einer oberen Schätzung von 60 Pfund) verkauft wurde Damit übertraf er nicht nur das vermeintliche Spitzenlos dieser Auktion, Bulatovs Gemälde „Revolution – Perestroika“ (Verkaufspreis 198.000 £), sondern wurde auch zum damals teuersten Werk eines lebenden russischen Künstlers. Hier liegt übrigens die Ironie der Wechselkursschwankungen: Im November 2000 wurde Grisha Bruskins Polyptychon in New York für 424.000 US-Dollar verkauft, in Pfund Sterling waren es dann 296,7.000 Pfund, und im Februar 2007, als es … installiert wurde, kostet Chubarovs erster Rekord bereits nur 216,6 Tausend Pfund.

Werke der Viertplatzierten Vitaly Komar und Alexander Melamid sind häufige und recht erfolgreiche Lose auf westlichen Auktionen, obwohl ihre Schätzungen selten über 100.000 £ liegen. Das zweitteuerste Werk des Duos ist „The Yalta Conference“. „Das Urteil des Paris“ wurde 2007 bei der Macdougall-Auktion für 184,4 Tausend Pfund verkauft. Allerdings sollte man natürlich berücksichtigen, dass das Gemälde, das ihnen den vierten Platz einbrachte, zu recht frühen Werken gehört, die selten auf Auktionen erscheinen, und das war auch der Fall 1976 auf der ersten (und sehr hochkarätigen) Auslandsausstellung von Komar und Melamid in der Ronald Feldman Gallery in New York ausgestellt.

Nach Komar und Melamid legen Oleg Vasiliev und Semyon Faibisovich die Messlatte bei Auktionen stets hoch. Vasiliev wurde Dritter bei der außerordentlich erfolgreichen Phillips de Pury-Auktion 2008, die Ilya Kabakov und Erik Bulatov Rekorde einbrachte, und Faibisovich wurde Vierter. Dann wurde Vasilievs Gemälde „Variation zum Thema des Covers der Zeitschrift „Ogonyok““ aus dem Jahr 1980 für 356.000 Pfund mit einer Schätzung von 120.000 Pfund verkauft, und „Ein weiterer Blick auf das Schwarze Meer“ von Faibisovich aus dem Jahr 1986 300,5.000 £ mit einer Schätzung von 120.000 ₤. Schätzung 60-80.000 £. Werke beider Künstler erzielen bei Auktionen oft sechsstellige Beträge.

Zwar waren es nicht die rekordverdächtigen „Soldaten“, die Faibisovich bei einer Auktion berühmt machten, sondern das Gemälde „Beauty“, das am 12. März 2008 bei Sotheby's verkauft wurde – dies war die zweite Auktion zeitgenössischer russischer Kunst durch das Auktionshaus, das nicht mitgerechnet Moskauer Auktion 1988. Das Gemälde (sein anderer Name ist „Der Erste Mai“) wurde dann für 264.000 Pfund verkauft, mit einer Schätzung von 60.000 bis 80.000 Pfund; es entbrannte ein regelrechter Käuferkampf um das Gemälde. Ein weiteres Gemälde von Faibisovich „On Moskovskaya Street“ übertraf bei dieser Auktion die Schätzung zweimal und wurde für 126.000 Pfund verkauft. Wir fügen hinzu, dass Semyon Faibisovich laut dem Artprice-Portal der einzige russische Künstler ist, der in den Top 500 der meistverkauften Werke des Jahres 2011 vertreten ist -2012.

Ähnliches gilt für Oleg Tselkov, der in den Top 10 den achten Platz belegt. Bereits vor einem halben Jahrhundert hat er seinen Stil und sein Thema gefunden, ein wiedererkennbarer und maßgeblicher Künstler, der regelmäßig Auktionen mit seinen leuchtenden runden Gesichtern beliefert, die weiterhin Erfolg haben. Das zweitteuerste Gemälde von Tselkov, „Fünf Gesichter“, wurde im Juni 2007 bei MacDougall's für 223,1 Tausend Pfund verkauft, das dritte, „Zwei mit Käfern“, wurde im November desselben Jahres auf derselben Auktion verkauft (MacDougall's behauptet immer). (mehrere Tselkovs unterschiedlicher Preisklasse wurden für 202,4 Tausend £ versteigert).

Grisha Bruskin spielt seit 1988 eine besondere Rolle in der Auktionsgeschichte russischer zeitgenössischer Kunst, mit der Moskauer Sotheby's-Auktion mit dem Titel „Russische Avantgarde und sowjetische zeitgenössische Kunst“, bei der sein „Fundamental Lexicon“ zwölfmal für sensationelle 220.000 £ verkauft wurde höhere Schätzung. Etwa das Gleiche, vielleicht sogar noch Sensationelleres, geschah mit dem Polyptychon „Logia. Teil I“ im Jahr 2000 bei Christie’s in New York: Das Polyptychon wurde für 424.000 US-Dollar versteigert und übertraf damit den oberen Schätzwert um das 21-fache (!) Mal – allein dies kann als eine Art Rekord angesehen werden. Höchstwahrscheinlich ist dieser außergewöhnliche Kauf nicht zuletzt auf die Bedeutung von Bruskins Namen als Held der legendären Moskauer Sotheby’s-Auktion zurückzuführen, denn keine andere Auktion von Bruskin kommt auch nur annähernd an diese Beträge heran.

Der Preis von Oscar Rabin schwankt nicht, sondern steigt stetig und sehr deutlich an, insbesondere für Werke aus der Sowjetzeit – alle teuersten auf einer Auktion verkauften Werke dieses Meisters wurden Ende der 1950er – Anfang der 1970er Jahre gemalt. Dies sind (zusätzlich zu seinem rekordverdächtigen „Socialist City“) „Baths (Smell the Cologne „Moscow“, 1966, Sotheby's, New York, 17. April 2007, 336.000 US-Dollar) und „Violin in the Graveyard“ (1969, Macdougall's, London, 27. November 2006, £168,46).

Die Top Ten werden von Vertretern der jüngeren Generation geschlossen – Alexander Vinogradov und Vladimir Dubossarsky, deren teuerste Gemälde bei Phillips de Pury verkauft wurden (das zweitteuerste ist „The Last Butterfly“, 1997, Phillips de Pury, New York, 181 $). tausend). Generell setzen diese Künstler einen Trend fort, der sich im Ranking der teuersten Gemälde lebender Künstler deutlich bemerkbar macht. Wir werden etwas weiter unten darauf eingehen, aber hier ist jetzt endlich eine Liste der teuersten Werke lebender russischer Künstler.

Top 10 Werke lebender russischer Künstler

1. Ilja Kabakow (geb. 1933). Insekt. 1982. Holz, Emaille. 226,5 x 148,5. Auktion von Phillips de Pury & Company, London, 28. Februar 2008. Schätzpreis 1,2–1,8 Millionen £. Verkaufspreis 2,93 Millionen £.

2. Erik Bulatov (geb. 1933). Ehre sei der KPdSU. 1975. Öl auf Leinwand. 229,5 x 229. Auktion von Phillips de Pury & Company, London, 28. Februar 2008. Schätzpreis 500–700.000 £. Verkaufspreis 1,084 Millionen £.

3. Evgeny Chubarov (geb. 1934). Untitled. 1994. Öl auf Leinwand. 300 x 200. Auktion von Phillips de Pury & Company, London, 22. Juni 2007. Schätzpreis 100–150.000 £. Verkaufspreis 720.000 £.

4. Vitaly Komar (geb. 1943) und Alexander Melamid (geb. 1945). Treffen zwischen Solschenizyn und Bell in Rostropowitschs Datscha. 1972. Öl auf Leinwand, Collage, Goldfolie. 175 x 120. Auktion von Phillips de Pury & Company, London, 23. April 2010. Schätzpreis 100–150.000 £. Verkaufspreis 657,25.000 £.

5. Oleg Wassiljew (geb. 1931). Vor dem Sonnenuntergang. 1990. Öl auf Leinwand. 210 x 165. Sotheby’s-Auktion, London, 12. März 2008. Schätzpreis 200–300.000 £. Verkaufspreis 468,5.000 £.

6. Semyon Faibisovich (geb. 1949). Soldaten. Aus der Serie „Stationen“. 1989. Öl auf Leinwand. 285,4 x 190,5. Auktion von Phillips de Pury & Company, London, 13. Oktober 2007. Schätzpreis 40-60.000 £. Verkaufspreis 311,2.000 £.

8. Oleg Tselkov (geb. 1934). Junge mit Luftballons. Leinwand, Öl. 103,5 x 68,5. MacDougall's-Auktion, London, 28. November 2008. Schätzpreis 200–300.000 £. Verkaufspreis 238,4.000 £.

9. Oscar Rabin (geb. 1928). Stadt und Mond (Sozialistische Stadt). 1959. Öl auf Leinwand. 90 x 109. Sotheby’s-Auktion, New York, 15. April 2008. Schätzpreis 120.000–160.000 US-Dollar. Verkaufspreis 337.000 US-Dollar (171,4 £ zum Wechselkurs von Dollar zu Pfund Sterling vom April 2008).

10. Alexander Vinogradov (geb. 1963) und Vladimir Dubossarsky (geb. 1964). Nachttraining. 2004. Öl auf Leinwand. 194,9 x 294,3. Auktion von Phillips de Pury & Company, London, 22. Juni 2007. Schätzpreis 15.000 bis 20.000 £. Verkaufspreis 132.000 £.

Es ist bekannt, dass Auktionspreise eine irrationale Sache sind und man an ihnen nicht die wahre Rolle und Bedeutung des Künstlers im künstlerischen Prozess beurteilen kann. Aber an ihnen und an den Top-Lots kann man grob die Vorlieben des Sammlers ablesen. Was sind Sie? Um diese Frage zu beantworten, müssen Sie kein Experte sein. Sie sind offensichtlich. Erstens sind alle Künstler (außer vielleicht Alexander Winogradow und Wladimir Dubossarski) seit Jahren „lebende Klassiker“, und zwar sehr respektable. Zweitens wurden die Rekorde bei fast jedem von ihnen nicht durch Werke der letzten Jahre aufgestellt, sondern durch viel frühere, das heißt, auch hier gilt das Muster „Je älter, desto besser“. Drittens sind ausnahmslos alle Werke aus den Top 10 Staffeleigemälde. Viertens sind das alles große und sehr große Gemälde. Die einzigen, die in dieser Hinsicht als mehr oder weniger „Standard“ gelten können, sind „Die Stadt und der Mond“ von Oscar Rabin und „Der Junge mit den Luftballons“ von Oleg Tselkov; alle anderen übertreffen die menschliche Körpergröße bei weitem (nicht einmal). in der Breite). Schließlich ist für alle diese Künstler das Thema der sowjetischen (insbesondere nonkonformistischen) Vergangenheit auf die eine oder andere Weise relevant und wird in vielen Fällen in ihren Werken akzentuiert. Es scheint, dass unsere Sammler eine starke Nostalgie für diese sowjetische Vergangenheit verspüren (es ist bekannt, dass es russische Sammler sind, die russische Kunst im Westen kaufen).

Alexander Vinogradov und Vladimir Dubossarsky sind jünger als die anderen Auktionsleiter und versuchen etwas hartnäckig, aus den Dutzenden harter Nonkonformisten auszubrechen, aber das ist nur auf den ersten Blick so. Wenn Sie sich tatsächlich vorstellen, welche der Generationen nach Kabakov, Bulatov, Rabin, Vasiliev, Tselkov die oben genannten Kaufkriterien (großformatige Staffelei-Gemälde, Wiederaufnahmen sowjetischer Genres, Motive und Stilistiken) am besten erfüllen kann, dann wird sich dies wahrscheinlich ändern sich als Winogradow und Dubossarski herausstellen, würdige Erben der Meister vergangener Jahrzehnte. Zumindest gemessen an den Auktionsverkäufen.

Wenn Sie denken, dass alle großen Künstler der Vergangenheit angehören, dann haben Sie keine Ahnung, wie falsch Sie liegen. In diesem Artikel erfahren Sie mehr über die berühmtesten und talentiertesten Künstler unserer Zeit. Und glauben Sie mir, ihre Werke werden Ihnen nicht weniger in Erinnerung bleiben als die Werke der Meister vergangener Epochen.

Wojciech Babski

Wojciech Babski ist ein zeitgenössischer polnischer Künstler. Er schloss sein Studium am Schlesischen Polytechnischen Institut ab, schloss sich aber diesem an. In letzter Zeit malt er hauptsächlich Frauen. Konzentriert sich auf den Ausdruck von Emotionen und strebt danach, mit einfachen Mitteln die größtmögliche Wirkung zu erzielen.

Liebt Farben, verwendet aber oft Schwarz- und Grautöne, um den besten Eindruck zu erzielen. Keine Angst davor, mit verschiedenen neuen Techniken zu experimentieren. In letzter Zeit erfreut er sich zunehmender Beliebtheit im Ausland, vor allem im Vereinigten Königreich, wo er seine Werke, die bereits in vielen Privatsammlungen zu finden sind, erfolgreich verkauft. Neben der Kunst interessiert er sich für Kosmologie und Philosophie. Hört Jazz. Lebt und arbeitet derzeit in Kattowitz.

Warren Chang

Warren Chang ist ein zeitgenössischer amerikanischer Künstler. Geboren 1957 und aufgewachsen in Monterey, Kalifornien, schloss er 1981 sein Studium am Art Center College of Design in Pasadena mit Auszeichnung ab, wo er einen BFA erhielt. In den nächsten zwei Jahrzehnten arbeitete er als Illustrator für verschiedene Unternehmen in Kalifornien und New York, bevor er 2009 eine Karriere als professioneller Künstler begann.

Seine realistischen Gemälde lassen sich in zwei Hauptkategorien einteilen: biografische Innengemälde und Gemälde, die Menschen bei der Arbeit darstellen. Sein Interesse an diesem Malstil geht auf die Arbeit des Künstlers Johannes Vermeer aus dem 16. Jahrhundert zurück und erstreckt sich auf Themen, Selbstporträts, Porträts von Familienmitgliedern, Freunden, Studenten, Atelierinnenräumen, Klassenzimmern und Häusern. Sein Ziel ist es, durch die Manipulation des Lichts und die Verwendung gedämpfter Farben Stimmung und Emotionen in seinen realistischen Gemälden zu erzeugen.

Chang wurde berühmt, nachdem er sich der traditionellen bildenden Kunst zugewandt hatte. In den letzten 12 Jahren hat er zahlreiche Auszeichnungen und Ehrungen erhalten, von denen die prestigeträchtigste die Master Signature der Oil Painters of America ist, der größten Ölmalergemeinschaft in den Vereinigten Staaten. Nur eine von 50 Personen hat die Möglichkeit, diese Auszeichnung zu erhalten. Warren lebt derzeit in Monterey und arbeitet in seinem Atelier. Außerdem unterrichtet er (bekannt als talentierter Lehrer) an der San Francisco Academy of Art.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni ist ein italienischer Künstler. Geboren am 15. Oktober 1955 in Blair. Er erhielt ein Diplom in Szenografie vom Institut für Kunst in Spoleto. Als Künstler ist er Autodidakt, da er auf dem in der Schule gelegten Fundament selbstständig „ein Haus des Wissens aufgebaut“ hat. Im Alter von 19 Jahren begann er mit der Ölmalerei. Lebt und arbeitet derzeit in Umbrien.

Brunis frühe Gemälde haben ihre Wurzeln im Surrealismus, doch mit der Zeit beginnt er, sich auf die Nähe von lyrischer Romantik und Symbolik zu konzentrieren und diese Kombination mit der exquisiten Raffinesse und Reinheit seiner Charaktere zu verstärken. Belebte und unbelebte Objekte erhalten die gleiche Würde und sehen fast hyperrealistisch aus, verstecken sich aber gleichzeitig nicht hinter einem Vorhang, sondern ermöglichen Ihnen, das Wesen Ihrer Seele zu sehen. Vielseitigkeit und Raffinesse, Sinnlichkeit und Einsamkeit, Nachdenklichkeit und Fruchtbarkeit sind der Geist von Aurelio Bruni, genährt von der Pracht der Kunst und der Harmonie der Musik.

Aleksander Balos

Alkasander Balos ist ein zeitgenössischer polnischer Künstler, der sich auf Ölmalerei spezialisiert hat. Geboren 1970 in Gliwice, Polen, lebt und arbeitet er seit 1989 in den USA, in Shasta, Kalifornien.

Als Kind studierte er Kunst unter der Anleitung seines Vaters Jan, einem autodidaktischen Künstler und Bildhauer, so dass die künstlerische Tätigkeit schon in jungen Jahren die volle Unterstützung beider Elternteile erhielt. 1989, im Alter von achtzehn Jahren, verließ Balos Polen in Richtung USA, wo seine Schullehrerin und Teilzeitkünstlerin Cathy Gaggliardi Alkasander ermutigte, sich an einer Kunstschule einzuschreiben. Anschließend erhielt Balos ein Vollstipendium an der University of Milwaukee, Wisconsin, wo er Malerei bei Philosophieprofessor Harry Rozin studierte.

Nach seinem Bachelor-Abschluss im Jahr 1995 zog Balos nach Chicago, um an der School of Fine Arts zu studieren, deren Methoden auf der Arbeit von Jacques-Louis David basieren. Figurativer Realismus und Porträts bildeten in den 90er und frühen 2000er Jahren den Großteil von Balos‘ Werken. Heute nutzt Balos die menschliche Figur, um die Merkmale und Mängel der menschlichen Existenz hervorzuheben, ohne Lösungen anzubieten.

Die thematischen Kompositionen seiner Bilder sollen vom Betrachter unabhängig interpretiert werden können, erst dann erhalten die Bilder ihre wahre zeitliche und subjektive Bedeutung. Im Jahr 2005 zog der Künstler nach Nordkalifornien. Seitdem hat sich das Thema seiner Arbeit erheblich erweitert und umfasst nun freiere Malmethoden, darunter Abstraktion und verschiedene Multimedia-Stile, die dabei helfen, Ideen und Ideale der Existenz durch Malerei auszudrücken.

Alyssa Monks

Alyssa Monks ist eine zeitgenössische amerikanische Künstlerin. Geboren 1977 in Ridgewood, New Jersey. Schon als Kind begann ich mich für die Malerei zu interessieren. Sie studierte an der New School in New York und der Montclair State University und schloss 1999 ihr Studium am Boston College mit einem Bachelor ab. Gleichzeitig studierte sie Malerei an der Lorenzo de' Medici-Akademie in Florenz.

Anschließend setzte sie ihr Studium im Masterstudiengang an der New York Academy of Art in der Abteilung für Figurative Kunst fort, die sie 2001 abschloss. 2006 schloss sie ihr Studium am Fullerton College ab. Eine Zeit lang lehrte sie an Universitäten und Bildungseinrichtungen im ganzen Land und unterrichtete Malerei an der New York Academy of Art sowie an der Montclair State University und dem Lyme Academy of Art College.

„Mit Filtern wie Glas, Vinyl, Wasser und Dampf verzerre ich den menschlichen Körper. Mit diesen Filtern können Sie große Bereiche mit abstraktem Design erstellen, durch die Farbinseln hindurchschauen – Teile des menschlichen Körpers.

Meine Bilder verändern den modernen Blick auf die bereits etablierten, traditionellen Posen und Gesten badender Frauen. Sie könnten einem aufmerksamen Betrachter viel über scheinbar selbstverständliche Dinge wie die Vorteile von Schwimmen, Tanzen usw. erzählen. Meine Figuren pressen sich gegen das Glas des Duschfensters, verzerren ihren eigenen Körper und erkennen, dass sie dadurch den berüchtigten männlichen Blick auf eine nackte Frau beeinflussen. Dicke Farbschichten werden gemischt, um Glas, Dampf, Wasser und Fleisch aus der Ferne zu imitieren. Doch aus der Nähe werden die erstaunlichen physikalischen Eigenschaften der Ölfarbe deutlich. Durch das Experimentieren mit Farb- und Farbschichten finde ich einen Punkt, an dem abstrakte Pinselstriche zu etwas anderem werden.

Als ich anfing, den menschlichen Körper zu malen, war ich sofort fasziniert und sogar besessen davon und glaubte, dass ich meine Bilder so realistisch wie möglich machen musste. Ich habe mich zum Realismus „bekennt“, bis er anfing, sich aufzulösen und Widersprüche in sich aufzudecken. Ich erforsche jetzt die Möglichkeiten und das Potenzial eines Malstils, in dem gegenständliche Malerei und Abstraktion aufeinander treffen – wenn beide Stile gleichzeitig koexistieren können, werde ich das tun.“

Antonio Finelli

Italienischer Künstler – „ Zeitbeobachter” – Antonio Finelli wurde am 23. Februar 1985 geboren. Lebt und arbeitet derzeit in Italien zwischen Rom und Campobasso. Seine Werke wurden in mehreren Galerien in Italien und im Ausland ausgestellt: Rom, Florenz, Novara, Genua, Palermo, Istanbul, Ankara, New York und sind auch in privaten und öffentlichen Sammlungen zu finden.

Bleistiftzeichnungen“ Zeitbeobachter„Antonio Finelli nimmt uns mit auf eine ewige Reise durch die innere Welt der menschlichen Zeitlichkeit und der damit verbundenen gewissenhaften Analyse dieser Welt, deren Hauptelement der Durchgang durch die Zeit und die Spuren, die sie auf der Haut hinterlässt, sind.

Finelli malt Porträts von Menschen jeden Alters, Geschlechts und jeder Nationalität, deren Mimik den Lauf der Zeit andeutet, und der Künstler hofft, auch auf den Körpern seiner Figuren Beweise für die Gnadenlosigkeit der Zeit zu finden. Antonio definiert seine Werke mit einem allgemeinen Titel: „Selbstporträt“, denn in seinen Bleistiftzeichnungen stellt er nicht nur eine Person dar, sondern ermöglicht es dem Betrachter, über die tatsächlichen Ergebnisse des Zeitablaufs im Inneren einer Person nachzudenken.

Flaminia Carloni

Flaminia Carloni ist eine 37-jährige italienische Künstlerin und Tochter eines Diplomaten. Sie hat drei Kinder. Sie lebte zwölf Jahre in Rom und drei Jahre in England und Frankreich. Sie erhielt einen Abschluss in Kunstgeschichte von der BD School of Art. Anschließend erhielt sie ein Diplom als Kunstrestauratorin. Bevor sie ihre Berufung fand und sich ganz der Malerei widmete, arbeitete sie als Journalistin, Koloristin, Designerin und Schauspielerin.

Flaminias Leidenschaft für die Malerei entstand bereits im Kindesalter. Ihr Hauptmedium ist Öl, weil sie es liebt, „coiffer la pate“ zu machen und auch mit dem Material zu spielen. Sie erkannte eine ähnliche Technik in den Werken des Künstlers Pascal Torua. Flaminia lässt sich von großen Meistern der Malerei wie Balthus, Hopper und François Legrand sowie verschiedenen künstlerischen Strömungen inspirieren: Street Art, chinesischer Realismus, Surrealismus und Renaissance-Realismus. Ihr Lieblingskünstler ist Caravaggio. Ihr Traum ist es, die therapeutische Kraft der Kunst zu entdecken.

Denis Tschernow

Denis Chernov ist ein talentierter ukrainischer Künstler, geboren 1978 in Sambir, Region Lemberg, Ukraine. Nach seinem Abschluss an der Charkower Kunstschule im Jahr 1998 blieb er in Charkow, wo er derzeit lebt und arbeitet. Er studierte außerdem an der Staatlichen Akademie für Design und Kunst in Charkow, Fachbereich Grafik, und schloss sein Studium 2004 ab.

Er nimmt regelmäßig an Kunstausstellungen teil; derzeit gibt es mehr als sechzig davon, sowohl in der Ukraine als auch im Ausland. Die meisten Werke von Denis Chernov befinden sich in Privatsammlungen in der Ukraine, Russland, Italien, England, Spanien, Griechenland, Frankreich, den USA, Kanada und Japan. Einige der Werke wurden bei Christie's verkauft.

Denis arbeitet in einem breiten Spektrum grafischer und malerischer Techniken. Bleistiftzeichnungen gehören zu seinen liebsten Malmethoden; auch die Themenliste seiner Bleistiftzeichnungen ist sehr vielfältig; er malt Landschaften, Porträts, Akte, Genrekompositionen, Buchillustrationen, literarische und historische Rekonstruktionen und Fantasien.