Belgische Künstler des 19. Jahrhunderts. Flämische Maler des 17. Jahrhunderts

Kultur

Belgische Künstler

Der Höhepunkt der Blüte der Malerei in Belgien fällt in die Zeit der burgundischen Herrschaft im 15. Jahrhundert. Während der Renaissance malten Künstler Porträts mit aufwendigen Details. Es handelte sich um vitale und nicht idealisierte Gemälde, bei denen die Künstler versuchten, ein Höchstmaß an Realismus und Klarheit zu erreichen. Dieser Malstil erklärt sich durch den Einfluss der neuen niederländischen Schule.

Für die belgische Malerei war das 20. Jahrhundert das zweite goldene Zeitalter. Doch bereits in der Malerei haben sich Künstler von den Prinzipien des Realismus abgewendet und sich dem Surrealismus zugewandt. Einer dieser Künstler war Rene Magritte.

Die belgische Malerei hat eine alte Tradition, auf die die Belgier zu Recht stolz sind. Das Rubenshaus-Museum befindet sich in Antwerpen und das Königliche Museum der Schönen Künste befindet sich in Brüssel. Sie wurden zum Ausdruck des tiefen Respekts der Belgier für ihre Künstler und die alten Traditionen der Malerei.

Flämische Primitivisten

Auch am Ende des Mittelalters in Europa wurde der Malerei in Flandern und Brüssel Aufmerksamkeit geschenkt. Jan Van Eyck (ca. 1400-1441) revolutionierte die flämische Kunst. Er war der Erste, der Öl zur Herstellung haltbarer Farben verwendete und Farben auf Leinwand oder Holz anmischte. Diese Neuerungen ermöglichten es, die Gemälde länger aufzubewahren. Während der Renaissance begann sich die Tafelmalerei auszubreiten.

Jan Van Eyck wurde zum Begründer der flämischen Schule des Primitivismus, der das Leben in leuchtenden Farben und in Bewegung auf Leinwänden darstellte. In der Genter Kathedrale gibt es ein Altar-Polyptychon „Die Anbetung des Lammes“, das vom berühmten Künstler und seinem Bruder geschaffen wurde.

Der flämische Primitivismus in der Malerei zeichnet sich durch besonders realistische Porträts, klare Beleuchtung und sorgfältige Darstellung von Kleidung und Stofftexturen aus. Einer der besten Künstler, die in dieser Richtung arbeiteten, war Rogierde la Pasture (Rogier van der Weyden) (ca. 1400-1464). Eines der berühmten Gemälde von Rogirde la Pasture ist die Kreuzabnahme. Der Künstler vereinte die Kraft religiöser Gefühle und Realismus. Die Gemälde von Rogierde la Pasture inspirierten viele belgische Künstler, die die neue Technik übernahmen.

Die Möglichkeiten der neuen Technologie wurden durch Dirk Bouts (1415-1475) erweitert.

Hans Memling (ca. 1433–1494) gilt als der letzte flämische Primitivist, dessen Gemälde Brügge aus dem 15. Jahrhundert darstellen. Die ersten Gemälde, die europäische Industriestädte darstellen, wurden von Joachim Patinir (ca. 1475-1524) gemalt.

Bruegel-Dynastie

Die belgische Kunst im frühen 16. Jahrhundert wurde stark von Italien beeinflusst. Der Maler Jan Gossaert (ca. 1478–1533) studierte in Rom. Um Bilder für die herrschende Dynastie der Herzöge von Brabant zu malen, wählte er mythologische Themen.

Im 16.-17. Jahrhundert. Den größten Einfluss auf die flämische Kunst hatte die Familie Bruegel. Einer der besten Maler der flämischen Schule war Pieter Brueghel der Ältere (ca. 1525–1569). Er kam 1563 nach Brüssel. Seine berühmtesten Werke sind Gemälde mit komischen Bauernfiguren. Sie bieten die Möglichkeit, in die Welt des Mittelalters einzutauchen. Eines der berühmten Gemälde von Pieter Brueghel dem Jüngeren (1564-1638), der Gemälde zu religiösen Themen malte, ist „Die Volkszählung in Bethlehem“ (1610). Jan Brueghel der Ältere (1568–1625), auch bekannt als Brueghel der Samtene, malte komplizierte Stillleben mit Blumendarstellungen vor einem Hintergrund aus Samtvorhängen. Jan Brueghel der Jüngere (1601–1678) malte prächtige Landschaften und war Hofmaler.

Künstler aus Antwerpen

Das Zentrum der belgischen Malerei verlagerte sich im 17. Jahrhundert von Brüssel nach Antwerpen – dem Zentrum Flanderns. Dies wurde zu einem großen Teil dadurch beeinflusst, dass einer der ersten weltberühmten flämischen Künstler, Peter Paul Rubens (1577-1640), in Antwerpen lebte. Rubens malte prächtige Landschaften, Gemälde mit mythologischer Handlung und war Hofmaler. Am berühmtesten sind jedoch seine Leinwände mit der Darstellung bauschiger Frauen. Die Popularität von Rubens war so groß, dass die flämischen Weber eine große Sammlung von Wandteppichen mit Darstellungen seiner großartigen Gemälde schufen.

Rubens‘ Schüler, der Hofporträtmaler Anthony van Dyck (1599–1641), erlangte als zweiter Antwerpener Maler Weltruhm.

Jan Bruegel der Ältere ließ sich in Antwerpen nieder und sein Schwiegersohn David Teniers II. (1610-1690) gründete 1665 die Akademie der Schönen Künste in Antwerpen.

Europäischer Einfluss

Im 18. Jahrhundert blieb der Einfluss von Rubens auf die Kunst bestehen, so dass es in der Entwicklung der flämischen Kunst keine wesentlichen Veränderungen gab.

Ab Beginn des 19. Jahrhunderts war ein starker Einfluss anderer europäischer Schulen auf die Kunst Belgiens spürbar. François Joseph Navez (1787-1869) fügte der flämischen Malerei den Neoklassizismus hinzu. Constantin Meunier (1831-1905) bevorzugte den Realismus. Guillaume Vogels (1836-1896) malte im impressionistischen Stil. Der Befürworter der romantischen Tendenz in der Malerei war der Brüsseler Künstler Antoine Wirtz (1806-1865).

Verstörende, verzerrte und verschwommene Gemälde von Antoine Wirtz, wie das um 1830 entstandene Werk „Hasty Cruelty“, sind der Beginn des Surrealismus in der Kunst. Fernand Khnopff (1858-1921), bekannt für seine erschreckenden Porträts zweifelhafter Frauen, gilt als früher Vertreter der belgischen symbolistischen Schule. Sein Werk wurde von Gustav Klimt, einem deutschen Romantiker, beeinflusst.

James Ensor (1860-1949) war ein weiterer Künstler, dessen Werk vom Realismus zum Surrealismus überging. Auf seinen Leinwänden sind oft geheimnisvolle und gruselige Skelette abgebildet. Künstlervereinigung „LesVingt“ (LesXX) 1884-1894. organisierte in Brüssel eine Ausstellung mit Werken berühmter ausländischer Avantgarde-Künstler und belebte damit das kulturelle Leben in der Stadt.

Surrealismus

Seit Beginn des 20. Jahrhunderts ist Cezannes Einfluss in der belgischen Kunst spürbar. In dieser Zeit tauchten in Belgien die Fauves auf, die helle, von der Sonne durchflutete Landschaften darstellten. Ein prominenter Vertreter des Fauvismus war der Bildhauer und Künstler Rick Wauters (1882–1916).

Der Surrealismus entstand Mitte der zwanziger Jahre des 20. Jahrhunderts in Brüssel. Rene Magritte (1898-1967) wurde zu einem prominenten Vertreter dieser Kunstrichtung. Der Surrealismus begann sich im 16. Jahrhundert zu entwickeln. In diesem Stil wurden phantasmagorische Gemälde von Pieter Brueghel dem Älteren und Bosch gemalt. In Magrittes Leinwänden gibt es keine Meilensteine; er definierte seinen surrealistischen Stil als „eine Rückkehr vom Vertrauten zum Fremden“.

Paul Delvaux (1897-1989) war ein schockierenderer und emotionalerer Künstler. Seine Leinwände zeigen bizarre, elegante Innenräume mit nebligen Figuren.

Die CoBrA-Bewegung setzte sich 1948 für abstrakte Kunst ein. Der Abstraktionismus wurde durch Konzeptkunst unter der Leitung von Marcel Brudtaers (1924-1976), einem Installationsmeister, ersetzt. Broodtaers stellten bekannte Gegenstände dar, beispielsweise einen mit Muscheln gefüllten Topf.

Wandteppiche und Spitze

Belgische Wandteppiche und Spitzen gelten seit über sechshundert Jahren als Luxus. Im 12. Jahrhundert begann man in Flandern mit der Herstellung handgefertigter Wandteppiche, später dann in Brüssel, Tournai, Oudenarde und Mechelen.

Ab dem Beginn des 16. Jahrhunderts begann sich in Belgien die Kunst der Spitzenherstellung zu entwickeln. Spitze wurde in allen Provinzen gewebt, am meisten geschätzt wurde jedoch Spitze aus Brüssel und Brügge. Oftmals wurden die erfahrensten Spitzenklöpplerinnen von Aristokraten gefördert. Für den Adel galten wunderschöne Wandteppiche und exquisite Spitzen als Zeichen ihrer Stellung. Im 15.-18. Jahrhundert. Spitzen und Wandteppiche waren die Hauptexportgüter. Und heute gilt Belgien als Geburtsort der besten Wandteppiche und Spitzen.

Die flämischen Städte Tournai und Arras (heute in Frankreich gelegen) wurden zu Beginn des 13. Jahrhunderts zu berühmten europäischen Webzentren. Handwerk und Handel entwickelten sich. Die Technik ermöglichte die Herstellung filigranerer und teurerer Arbeiten; der Wolle wurden Fäden aus echtem Silber und Gold hinzugefügt, was die Produktkosten noch weiter erhöhte.

Die Revolution in der Herstellung von Wandteppichen erfolgte durch Bernard van Orley (1492-1542), der flämischen Realismus und italienischen Idealismus in Zeichnungen verband. Später wurden die flämischen Meister nach Europa gelockt, und am Ende des 18. Jahrhunderts ging der ganze Ruhm der flämischen Wandteppiche auf die Pariser Fabrik über.

Belgien das ganze Jahr über

Das belgische Klima ist typisch für Nordeuropa. Aus diesem Grund können Feiern sowohl auf der Straße als auch zu Hause durchgeführt werden. Die Wetterbedingungen ermöglichen es den Künstlern der Hauptstadt perfekt, sowohl in Stadien als auch in antiken Gebäuden aufzutreten. Die Einwohner Belgiens wissen den Wechsel der Jahreszeiten zu nutzen. Im Sommer wird beispielsweise in der Hauptstadt ein Blumenfest eröffnet. Der Grand Place ist jede Sekunde im August mit Millionen von Blumen bedeckt. Die Eröffnung der Tanz-, Film- und Theatersaison findet im Januar statt. Hier warten Premieren vom „Autokino“ bis zum alten Kloster auf ihre Zuschauer.

In Brüssel können Sie das ganze Jahr über den Ablauf verschiedener Festivals beobachten. Hier können Sie luxuriöse, lebendige historische Prozessionen sehen. Sie finden seit dem Mittelalter jedes Jahr statt. Hier werden die neuesten experimentellen Künste Europas demonstriert.

Feiertage

• Neujahr - 1. Januar
• Ostern - schwebendes Datum
• Sauberer Montag – gleitendes Datum
• Tag der Arbeit – 1. Mai
• Himmelfahrt - schwebendes Datum
• Dreifaltigkeitstag - schwebendes Datum
• Spirituosen-Montag – schwebendes Datum
• Belgischer Nationalfeiertag – 21. Juli
• Entschlafung – 15. August
• Allerheiligen – 1. November
• Waffenstillstand – 11. November
• Weihnachten – 25. Dezember

Frühling

Während die Frühlingstage in Belgien länger werden, erwacht das kulturelle Leben zu neuem Leben. Es beginnen Touristen hierher zu kommen. Musikfestivals finden direkt auf der Straße statt. Wenn die Stadtparks blühen, sind die weltweit bekannten tropischen Gewächshäuser von Laiken für Besucher geöffnet. Belgische Schokoladenhersteller sind damit beschäftigt, alle Arten von Süßigkeiten für das bedeutsame Osterfest vorzubereiten.

• Internationales Fantasy-Filmfestival (3. und 4. Woche). Fans von Wundern und Kuriositäten warten in den Kinos der Hauptstadt auf neue Filme.
• Ars Music (Mitte März – Mitte April). Dieser Feiertag ist eines der besten europäischen Feste. Berühmte Künstler kommen dorthin. Im Museum für Alte Meister finden häufig Konzerte statt. Bei diesem Festival sind alle Musikkenner anwesend.
• Euroantique (letzte Woche). Das Heysel-Stadion ist voller Besucher und Verkäufer, die Antiquitäten kaufen oder verkaufen möchten.
• Ostern (Ostersonntag). Man glaubt, dass vor Ostern Kirchenglocken nach Rom fliegen. Bei ihrer Rückkehr hinterlassen sie Ostereier speziell für Kinder auf den Feldern und in den Wäldern. So werden jedes Jahr mehr als 1000 bemalte Eier von Erwachsenen im Königlichen Park versteckt, und Kinder aus der ganzen Stadt versammeln sich, um danach zu suchen.

April

• Frühlingsbarock auf Sablon (3. Woche). Der berühmte Place de la Grande Sablon versammelt junge belgische Talente. Sie spielen Musik aus dem 17. Jahrhundert.
• Königliche Gewächshäuser in Laiken (12 Tage, Termine variieren). Wenn Kakteen und allerlei exotische Pflanzen zu blühen beginnen, werden die persönlichen Gewächshäuser der belgischen Königsfamilie speziell für die Öffentlichkeit geöffnet. Die Räume bestehen aus Glas und sind mit Eisen verkleidet. Hier werden zahlreiche seltene Pflanzen vor schlechtem Wetter geschützt.
• Festival in Flandern (Mitte April – Oktober) Dieses Festival ist ein musikalisches Fest, das alle möglichen Stile und Trends mischt. Mehr als 120 berühmte Orchester und Chöre treten hier auf.
• „Bildschirmszenen“. (3. Woche - Ende). Speziell für das Publikum werden täglich neue europäische Filme präsentiert.

• Feier zum Europatag (7.-9. Mai). Da Brüssel die Hauptstadt Europas ist, wird dies bei der Feier noch einmal betont. So trägt beispielsweise auch Mannequin Pis einen blauen Anzug, der mit gelben Sternen verziert ist.
• Kunstin-Festival der Künste (9.-31. Mai). An diesem Festival nehmen junge Theaterschauspieler und Tänzer teil.
• Königin-Elizabeth-Wettbewerb (Mai – Mitte Juni). Dieser Musikwettbewerb versammelt Fans der Klassiker. Dieser Wettbewerb läuft seit über vierzig Jahren. Dort treten junge Pianisten, Geiger und Sänger auf. Berühmte Dirigenten und Solisten wählen unter ihnen die würdigsten Interpreten aus.
• 20-km-Rennen in Brüssel (letzten Sonntag). Laufen in der Hauptstadt, an dem mehr als 20.000 Amateur- und Profiläufer aktiv teilnehmen.
• Jazz-Rallye (letzter freier Tag). Kleine Jazz-Ensembles treten in Bistros und Cafés auf.

Sommer

Im Juli beginnt in Ommengang die Saison des Hofglanzes. Dies ist ein ziemlich alter Brauch. Eine riesige Prozession zieht über den Grand Place und die umliegenden Straßen. Zu dieser wunderbaren Zeit des Jahres können Sie die Musik verschiedener Richtungen hören. Künstler können an verschiedenen Orten Musik spielen, beispielsweise im riesigen König-Baudouin-Stadion in IJsel oder in kleinen Café-Bars. Am Unabhängigkeitstag kommen alle Belgier zur Midi-Messe. Es findet auf dem Platz statt, wo die Tabletts aufgestellt und Wege gebaut werden.

• Brüsseler Sommerfestival (Anfang Juni – September). Konzertprogramme finden in berühmten antiken Gebäuden statt.
• Festival in der Wallonie (Juni - Oktober). Die Durchführung einer Reihe von Galakonzerten in Brüssel und Flandern ermöglicht es, dem Publikum die talentiertesten jungen belgischen Solisten und Orchesterspieler vorzustellen.
• Festivalcafé „Cooler“ (letzte Woche). Drei Tage lang findet im umgebauten Tour-e-Taxi-Lager ein hochmodernes Programm statt. Das Publikum wird von afrikanischen Schlagzeugern, Salsa, ethnischer Musik und Acid Jazz erwartet.
• Musikfestival (letzter freier Tag). Benefizveranstaltungen und Konzerte finden zwei Wochen hintereinander in Rathäusern und Museen statt, die der Weltmusik gewidmet sind.

Juli

• Ommegang (1. Wochenende im Juli). Touristen aus aller Welt kommen, um dieser Aktion beizuwohnen. Dieses Fest findet seit 1549 in Brüssel statt. Diese Prozession (oder, wie sie genannt wird, „Umweg“) umrundet den Grand Place und alle angrenzenden Straßen und bewegt sich im Kreis. Hier nehmen über 2000 Teilnehmer teil. Dank der Kostüme verwandeln sie sich in Städter der Renaissance. Die Parade führt an hochrangigen belgischen Beamten vorbei. Tickets müssen im Voraus bestellt werden.
• Jazz-Folk-Festival „Brosella“ (2. Ruhetag). Das Festival findet im Osseghem Park statt. Es zieht alle berühmten Musiker aus Europa an.
• Sommerfestival in Brüssel (Juli – August). Zu dieser Jahreszeit spielen Musiker klassische Stücke in der Unter- und Oberstadt.
• Midi-Messe (Mitte Juli – Mitte August). Durchführung der Messe am berühmten Brüsseler Bahnhof Gardu-Midi. Diese Veranstaltung dauert einen ganzen Monat. Es ist bei Kindern sehr beliebt. Diese Messe gilt als die größte in Europa.

• Belgien-Tag (21. Juli). Durchführung einer Militärparade zu Ehren des seit 1831 gefeierten Unabhängigkeitstages, anschließend wird im Brüsseler Park ein Feuerwerk abgefeuert.
• Tage der offenen Tür im Königspalast (letzte Juliwoche – 2. Septemberwoche). Die Türen des Königspalastes werden für Besucher geöffnet. Diese Veranstaltung findet sechs Wochen hintereinander statt.

August

• Maibaum (Meiboom) (9. August). Dieses Fest entstand im Jahr 1213. Die Teilnehmer dieser Aktion verkleiden sich in riesigen Kostümen – Puppen. Die Prozession führt durch die Unterstadt. Es hält am Grand Place, dann wird dort ein Maibaum aufgestellt.
• Blumenteppich (Mitte August, alle 2 Jahre). Dieser Feiertag findet alle zwei Jahre statt. Dies ist eine Hommage an den Blumenanbau in Brüssel. Der gesamte Grand Place ist mit frischen Blumen bedeckt. Die Gesamtfläche eines solchen Teppichs beträgt ca. 2000 m².

Herbst

Im Herbst zieht die belgische Unterhaltung unter das Dach – in Cafés oder Kulturzentren, wo Sie moderne Musik hören können. Während der „Tage des Kulturerbes“ hat die Öffentlichkeit die Möglichkeit, die Architektur zu genießen, indem sie Privathäuser besucht, die zu anderen Zeiten für die Öffentlichkeit geschlossen sind, und die dort befindlichen Sammlungen besichtigt.

September

• Geburtstag Mannequin Pis (letzter freier Tag).
• Die berühmte Skulptur eines pissenden Jungen ist in einen anderen Anzug gekleidet, der von einem hochrangigen ausländischen Gast gespendet wurde.

• Festival „Happy City“ (erster freier Tag).
• Derzeit finden etwa 60 Konzerte in drei Dutzend der besten Brüsseler Cafés statt.
• Botanische Nächte (letzte Woche).
• Das französische Kulturzentrum „Les Botaniques“, gelegen in den ehemaligen Gewächshäusern des Botanischen Gartens, veranstaltet eine Reihe von Konzerten, die alle Kenner der Jazzmusik begeistern werden.
• Kulturtage (2. oder 3. freier Tag).
• Für einige Tage öffnen zahlreiche denkmalgeschützte Gebäude und Privathäuser sowie geschlossene Kunstsammlungen ihre Türen für Besucher.

Oktober

• Audi Jazz Festival (Mitte Oktober – Mitte November).
• Überall im Land sind Jazzklänge zu hören, die die herbstliche Langeweile vertreiben. Lokale Künstler spielen, aber auch einige europäische Stars treten oft im Palast der Schönen Künste in Brüssel auf.

Winter

Im Winter regnet und schneit es in Belgien normalerweise, sodass fast alle Veranstaltungen in dieser Zeit in Innenräumen stattfinden. Kunstgalerien veranstalten Weltklasse-Ausstellungen und das Brüsseler Filmfestival zeigt die Werke sowohl etablierter Meister als auch junger Talente. Vor den Weihnachtsfeiertagen erstrahlt die Unterstadt in hellem Licht und an Weihnachten werden die Tische der Belgier mit traditionellen Gerichten geschmückt.

• „Sablon’s Nocturne“ (letzter freier Tag). Alle Geschäfte und Museen des Grande Sablon sind erst spät abends geschlossen. Kutschen mit bespannten Pferden fahren mit Kunden über den Jahrmarkt und auf dem Hauptplatz kann jeder echten Glühwein probieren.

Dezember

• Nikolaustag (6. Dezember).
• Der Legende nach kommt an diesem Tag der Schutzpatron von Weihnachten, der Weihnachtsmann, in die Stadt und alle belgischen Kinder erhalten Süßigkeiten, Schokolade und andere Geschenke.
• Weihnachten (24.-25. Dezember).
• Wie in anderen katholischen Ländern wird Weihnachten in Belgien am Abend des 24. Dezember gefeiert. Die Belgier tauschen Geschenke aus und am nächsten Tag besuchen sie ihre Eltern. Bis zum 6. Januar schmücken allerlei Weihnachtsattribute die Straßen der Hauptstadt.

Januar

• Königstag (6. Januar).
• An diesem Tag werden besondere Mandel-„Königskuchen“ zubereitet und jeder, der möchte, macht sich auf die Suche nach der dort versteckten Erbse. Derjenige, der es findet, wird für die ganze festliche Nacht zum König erklärt.
• Brüsseler Filmfestival (Mitte - Ende Januar).
• Premiere neuer Filme unter Beteiligung europäischer Filmstars.

Februar

• Antiquitätenmesse (2. und 3. Woche).
• Der Palast der Schönen Künste versammelt Antiquitätenhändler aus aller Welt.
• Internationales Comic-Festival (2. und 3. Woche).
• Comicautoren und -künstler kommen in die Stadt, die einen starken Einfluss auf die Kunst des Comiczeichnens hatte, um Erfahrungen auszutauschen und neue Arbeiten vorzustellen.

Emile Claus (niederländisch: Emile Claus, geboren am 27. September 1849 in Waregem – geb. 14. Juni 1924 in Deinze) ist ein belgischer Künstler, einer der Hauptvertreter der impressionistischen Malerei in Belgien und Begründer des Luminismus.

E. Klaus wurde in einer großen Familie eines ländlichen Ladenbesitzers geboren. Er begann an einer örtlichen Kunstschule Zeichnen zu studieren. Auf Anraten des Komponisten Peter Benois trat Klaus 1869 in die Antwerpener Akademie der Schönen Künste ein, wo er Porträt-, Historien- und Landschaftsmalerei studierte. 1874 schloss er sein Studium an der Akademie ab. 1875 stellte der Künstler seine Werke erfolgreich in Gent und 1876 in Brüssel aus.

In der Frühzeit seines Schaffens beschäftigte sich E. Klaus hauptsächlich mit der Porträt- und Genremalerei. Er malt realistisch, meist in dunklen Farben und verwendet soziale Themen (zum Beispiel das Gemälde Reichtum und Armut (1880)). 1879 reist der Künstler nach Spanien, Marokko und Algerien. 1882 debütierte er im Pariser Salon, wo Klaus sein Gemälde Hahnenkampf in Flandern (1882) präsentierte. Von diesem Moment an verbringt er viel Zeit in Paris – insbesondere im Winter – und gerät unter den kreativen Einfluss des französischen Künstlers Bastien-Lepage, der auch gesellschaftliche Themen realistisch malte.

Mit dem Aufkommen des finanziellen Wohlstands im Jahr 1883 kauft der Künstler die Villa Zonneschijn (Sonnenschein) in seiner Heimat. 1886 heiratet er Charlotte Dufour, die Tochter eines Notars aus dem nahegelegenen Deinze. In dieser Zeit malt Klaus hauptsächlich Landschaften seiner Heimat, gehalten in einem realistischen Stil. Während seines Lebens auf dem Land pflegt er freundschaftliche Beziehungen und führt einen regen Briefwechsel mit dem Künstler Albin van den Abele, dem Bildhauer Constantine Meunier, den Schriftstellern Cyril Beuysse und Emile Verhaern. Durch sie und auch durch den Künstler Henri Le Sidanet entdeckt Klaus das Phänomen des französischen Impressionismus. Die Bekanntschaft mit den Werken der Impressionisten verändert auch die Malerei von E. Claus selbst – seine Farben werden heller und wärmer: Er achtet mehr auf das Zusammenspiel von Licht und Schatten, wodurch formale Fragen in den Hintergrund treten (Eisvögel (1891)) ). Unter den französischen Impressionisten hatte Claude Monet einen besonderen Einfluss auf die Malerei von E. Claus. In den Werken beider Künstler ist nicht nur die Farbgebung ähnlich, sondern sogar die nahezu identische Auswahl der Motive für ihre Leinwände (während der Londoner Zeit). Die ständige Suche nach neuen Ausdrucksformen und Lichtexperimenten machte E. Claus zum unmittelbaren Vorläufer eines Trends in der belgischen Malerei wie dem Luminismus. In Paris ist Klaus auch mit berühmten Kulturschaffenden befreundet, darunter den Schriftstellern Emile Zola und Maurice Maeterlinck.

Bis zum Ausbruch des Ersten Weltkriegs bildete der Künstler viele Schüler aus, darunter Anna de Werth, Robert Hutton Monks, Torajiro Kojima, Georges Morren, Leon de Smet und andere. Im November 1893 trat er der Künstlergruppe Union Artistique bei. Ihr Zweck war – wie ähnliche Gruppen französischer Impressionisten – die Organisation von Ausstellungen und der Verkauf von Gemälden. Darüber hinaus erscheinen Klaus‘ Werke auf den Ausstellungen des Brüsseler Künstlerverbandes La Libre Esthétique im Jahr 1896 und in der Berliner Secession. 1904 gründete E. Klaus zusammen mit dem Maler Georges Beuysset die Gruppe Vie et Lumière, zu der später Künstler wie James Ensor, William Deguve de Nuncque und Adrian Heymans gehörten.

Bis zum Ersten Weltkrieg reiste E. Klaus viel – er besuchte wiederholt Paris in den Niederlanden: 1907 unternahm er eine Reise in die USA, 1914 an die Côte d'Azur in Frankreich. Kurz vor dem Einmarsch deutscher Truppen im Jahr 1914 in seine Heimatstadt gelingt dem Künstler die Emigration nach England. Hier lebt er in London, in einem Haus am Ufer der Themse. Das Hauptthema für die Arbeit des Meisters während der Jahre des Exils war dieser Londoner Fluss. Gemälde von E. Klaus mit Themselandschaften in postimpressionistischer Manier erfreuten sich nach dem Krieg sowohl in London als auch in Brüssel großer Erfolge.

Nach dem Ende der Feindseligkeiten kehrt E. Klaus in seine Villa in Asten zurück. Hier starb er 1924 und wurde in seinem Garten begraben. Auf dem Grab des Meisters wurde ein Marmordenkmal von Georges Minnet errichtet.

L. Aleshina

Ein kleines Land, das der Welt in der Vergangenheit eine Reihe der größten Künstler bescherte – es genügt, die Brüder van Eyck, Brueghel und Rubens zu nennen – Belgien zu Beginn des 19. Jahrhunderts. erlebte eine lange Stagnation der Kunst. Eine gewisse Rolle spielte dabei die politisch und wirtschaftlich untergeordnete Stellung Belgiens, das bis 1830 keine nationale Unabhängigkeit besaß. Erst wenn sich ab Beginn des neuen Jahrhunderts die nationale Befreiungsbewegung immer stärker entwickelt, erwacht die Kunst zum Leben, die bald einen sehr wichtigen Platz im kulturellen Leben des Landes einnimmt. Es ist zumindest bezeichnend, dass im Vergleich zu anderen europäischen Ländern die Zahl der Künstler im kleinen Belgien im Verhältnis zur Bevölkerung sehr groß war.

Bei der Entstehung der belgischen Kunstkultur des 19. Jahrhunderts. Dabei spielten die großen Traditionen der Nationalmalerei eine wichtige Rolle. Die Verbundenheit mit Traditionen drückte sich nicht nur in der direkten Nachahmung vieler Künstler ihrer herausragenden Vorgänger aus, obwohl dies für die belgische Malerei insbesondere in der Mitte des Jahrhunderts charakteristisch war. Der Einfluss von Traditionen beeinflusste die Besonderheiten der belgischen Kunstschule der Neuzeit. Eine dieser Besonderheiten ist das Engagement belgischer Künstler für die objektive Welt, für das wahre Fleisch der Dinge. Daher der Erfolg der realistischen Kunst in Belgien, aber auch einige Einschränkungen bei der Interpretation des Realismus.

Ein charakteristisches Merkmal des künstlerischen Lebens des Landes war die enge Interaktion der belgischen Kultur mit der Kultur Frankreichs im Laufe des Jahrhunderts. Junge Künstler und Architekten gehen dorthin, um ihr Wissen zu vertiefen. Viele französische Meister wiederum besuchen Belgien nicht nur, sondern leben dort auch viele Jahre und nehmen am künstlerischen Leben ihres kleinen Nachbarn teil.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts dominierte in Belgien wie in vielen anderen europäischen Ländern der Klassizismus die Malerei, Bildhauerei und Architektur. Der bedeutendste Maler dieser Zeit war François Joseph Navez (1787–1869). Er studierte zunächst in Brüssel, dann ab 1813 in Paris bei David, den er im Exil nach Brüssel begleitete. Während seines belgischen Exils genoss der bemerkenswerte französische Meister das größte Ansehen unter den einheimischen Künstlern. Navez war einer von Davids Lieblingsschülern. Seine Arbeit ist unvergleichlich. Mythologische und biblische Kompositionen, in denen er den Kanonen des Klassizismus folgte, sind leblos und kalt. Porträts, die den größten Teil seines Erbes ausmachen, sind sehr interessant. In seinen Porträts verbanden sich genaue und aufmerksame Beobachtung und Studium der Natur mit einer erhabenen Idealvorstellung der menschlichen Persönlichkeit. Die besten Merkmale der klassischen Methode – starke kompositorische Konstruktion, plastische Formenfülle – verschmelzen in Navez‘ Porträts harmonisch mit der Ausdruckskraft und Spezifität des Lebensbildes. Das Porträt der Familie Hemptinne (1816; Brüssel, Museum für moderne Kunst) scheint in seiner künstlerischen Qualität das höchste zu sein.

Die schwierige Aufgabe eines Porträts mit drei Charakteren wird vom Künstler erfolgreich gelöst. Alle Mitglieder der jungen Familie – ein Ehepaar mit einer kleinen Tochter – werden in lebhaften, entspannten Posen, aber mit einem Gefühl starker innerer Verbundenheit dargestellt. Die Farbgebung des Porträts zeugt von Navez‘ Wunsch, die klassischen Traditionen der flämischen Malerei zu verstehen, die auf van Eyck zurückgehen. Reine, strahlende Farben verschmelzen zu einem fröhlichen harmonischen Akkord. Ein hervorragendes Porträt der Familie Hemptinne kommt in seiner plastischen Kraft und dokumentarischen Genauigkeit den späten Porträtwerken Davids nahe, und in den Texten wird der Wunsch, das Innenleben der Seele zu vermitteln, mit der bereits aufkommenden Romantik verbunden. Noch näher an der Romantik ist Navez‘ Selbstporträt in jungen Jahren (1810er Jahre; Brüssel, Privatsammlung), in dem der Künstler sich selbst mit einem Bleistift und einem Album in der Hand darstellt, wie er lebhaft und aufmerksam auf etwas vor ihm starrt. Navez spielte als Lehrer eine sehr bedeutende Rolle. Viele Künstler studierten bei ihm, der später den Kern des realistischen Trends in der belgischen Malerei bildete.

Das Anwachsen der revolutionären Stimmung im Land trug zum Siegeszug der romantischen Kunst bei. Der Kampf um die nationale Unabhängigkeit führte im Sommer 1830 zu einer revolutionären Explosion, in deren Folge Belgien die Beziehungen zu den Niederlanden abbrach und einen unabhängigen Staat gründete. Kunst spielte bei den Ereignissen eine wichtige Rolle. Es weckte patriotische Gefühle, entfachte rebellische Stimmungen. Bekanntlich war die Aufführung von Auberts Oper „Der Stumme aus Portici“ der unmittelbare Auslöser des revolutionären Aufstands in Brüssel.

Am Vorabend der Revolution in der belgischen Malerei nimmt eine patriotische Richtung des historischen Genres Gestalt an. Der Anführer dieses Trends war der junge Künstler Gustave Wappers (1803-1874), der 1830 das Gemälde „Die Selbstaufopferung des Bürgermeisters van der Werf bei der Belagerung von Leiden“ (Utrecht, Museum) ausstellte. Die Meister dieser Richtung besingen die Heldentaten ihrer Vorfahren und wenden sich der romantischen Formensprache zu. Die pathetische Überhöhung der figurativen Struktur, der verstärkte Farbklang der Farben wurde von Zeitgenossen als Wiederbelebung der ursprünglich nationalen Bildtraditionen wahrgenommen, die Rubens am deutlichsten vertrat.

In den 30er Jahren. Die belgische Malerei gewinnt dank der Leinwände des historischen Genres in der europäischen Kunst zunehmend an Anerkennung. Sein programmatischer und patriotischer Charakter, der den gemeinsamen Aufgaben der Landesentwicklung diente, war ausschlaggebend für diesen Erfolg. Wappers, Nicaise de Keyser (1813-1887) und Louis Galle gehörten zu den beliebtesten Künstlern Europas. Doch schon bald offenbarte diese Richtung ihre begrenzten Seiten. Am erfolgreichsten waren jene Werke, die das Pathos der nationalen Befreiungsbewegung des Volkes widerspiegelten und vom Heldentum vergangener und gegenwärtiger Freiheitskämpfe inspiriert waren. Es ist kein Zufall, dass Wappers‘ Septembertage von 1830 (1834-1835; Brüssel, Museum für Moderne Kunst) den größten Erfolg hatten. Der Künstler schuf eine historische Leinwand auf modernem Material und enthüllte die Bedeutung revolutionärer Ereignisse. Gezeigt wird eine der Episoden der Revolution. Die Aktion findet auf dem zentralen Platz von Brüssel statt. Der stürmische Aufschwung der Volksbewegung wird durch eine unausgewogene diagonale Komposition vermittelt. Die Anordnung der Gruppen und einige der Figuren erinnern an Delacroix‘ Gemälde „Die Freiheit führt das Volk“, das zweifellos ein Vorbild für den Künstler war. Gleichzeitig ist Wappers auf dieser Leinwand etwas extern und deklarativ. Seine Bilder zeichnen sich teilweise durch theatralische Auffälligkeit und Demonstrativität beim Ausdruck von Gefühlen aus.

Kurz nach der Unabhängigkeit Belgiens verlor die Historienmalerei an inhaltlicher Tiefe. Das Thema der nationalen Befreiung verliert seine Relevanz, seine gesellschaftliche Grundlage. Aus dem historischen Bild wird ein prächtiges Kostümspektakel mit unterhaltsamer Handlung. In der historischen Malerei kristallisieren sich zwei Strömungen heraus; Einerseits handelt es sich um monumentale pompöse Leinwände; die andere Richtung zeichnet sich durch eine Genreinterpretation der Geschichte aus. Die nationalen Traditionen der Malerei werden sehr oberflächlich verstanden – als Summe von Techniken und Mitteln, die nicht durch den Einfluss der Epoche bestimmt sind. Es gibt viele Künstler, die ihre ganze Berufung in der Malerei von Genres wie „Meister des 17. Jahrhunderts“ oder historischen Szenen wie „Rubens“ sehen.

Antoine Joseph Wirtz (1806-1865) versucht prätentiös, aber erfolglos, die Errungenschaften von Michelangelo und Rubens in seinen riesigen historischen und symbolischen Gemälden zu vereinen. Hendrik Leys (1815-1869) malt zunächst kleine genrehistorische Gemälde und imitiert dabei die Farben Rembrandts. Aus den 60er Jahren. er wechselt zu umfangreichen mehrfigurigen Kompositionen mit Alltagsszenen aus der nordischen Renaissance, in deren Ausführung er sich an der naiven Genauigkeit und Detailtreue der Meister dieser Zeit orientiert.

Unter den zahlreichen historischen Malern der Jahrhundertmitte ist Louis Galle (1810-1887) zu erwähnen, dessen Gemälde sich durch Zurückhaltung und lakonische Komposition auszeichnen und dessen Bilder für ihre innere Bedeutung und Noblesse bekannt sind. Ein typisches Beispiel ist das Gemälde „Letzte Ehrungen für die Überreste der Grafen Egmont und Horn“ (1851; Tournai, Museum, Wiederholung von 1863 – Puschkin-Museum). Dieselben Eigenschaften sind noch charakteristischer für seine Genrebilder wie „Die Familie des Fischers“ (1848) und „Slavonets“ (1854; beide Eremitage).

Allmählich verliert die historische Malerei Belgiens ihre führende Rolle im Genresystem und tritt etwa ab den 60er Jahren in den Vordergrund. Haushaltsgemälde kommt heraus. Die Genremaler der Mitte des Jahrhunderts imitierten in der Regel die Künstler des 17. Jahrhunderts und wandten sich der Schaffung unterhaltsamer Szenen in Tavernen oder gemütlichen Innenräumen zu. Dies sind die vielen Gemälde von Jean Baptiste Madou (1796-1877). Hendrik de Brakeler (1840-1888) ist in seinen Motiven sehr traditionell und zeigt einsame Figuren bei ruhiger Beschäftigung in lichtdurchfluteten Innenräumen. Sein Verdienst liegt in der Lösung des Problems der Beleuchtung und luftigen Atmosphäre mittels moderner Malerei.

Die kapitalistische Entwicklung des Landes erfolgte bereits in den 60er Jahren nach der Erlangung der Unabhängigkeit in einem sehr schnellen Tempo. stellte die Kunst vor neue Herausforderungen. Die Moderne beginnt zunehmend in die künstlerische Kultur Belgiens einzudringen. Die jüngere Künstlergeneration vertritt den Slogan des Realismus und zeigt die charakteristischen Aspekte des umgebenden Lebens. In ihren Bestrebungen stützten sie sich auf das Beispiel Courbets. 1868 wurde in Brüssel die Freie Gesellschaft der Schönen Künste gegründet. Die bedeutendsten seiner Teilnehmer waren Charles de Groux, Constantin Meunier, Felicien Rops und Louis Dubois. Sie alle entwickelten das Motto des Realismus, mit dem Aufruf zum Kampf gegen die alte Kunst mit ihren lebensfernen Themen und der überholten Kunstsprache. Die Zeitschrift Free Art, deren Veröffentlichung 1871 begann, wurde zum Verkünder der ästhetischen Ansichten dieser Gesellschaft. wurde bekannt durch Gemälde aus dem Leben der unteren Gesellschaftsschichten. Seine Schreibweise steht Courbet nahe. Die Farbgebung ist in dunklen, zurückhaltenden Tönen gehalten, die emotional der schmerzlichen Düsterkeit des Dargestellten entsprechen. So ist das Bild „Kaffeeröster“ (60er Jahre; Antwerpen, Museum); Hier werden die Armen gezeigt, wie sie sich an einem dunklen, kalten Wintertag draußen an einer Kohlenpfanne wärmen, in der Kaffeebohnen geröstet werden. Tiefes Mitgefühl für die Benachteiligten prägt das Werk des Künstlers.

Der Realismus erlangte in Belgien sehr bald eine starke Stellung in allen Kunstgattungen. Es erscheint eine ganze Galaxie von Landschaftsmalern, die ihre heimische Natur wahrheitsgetreu und zugleich vielfältig darstellen – die sogenannte Tervuren-Schule (nach dem Namen eines Ortes in einem Wald in der Nähe von Brüssel). Der Leiter der Schule, Hippolyte Boulanger (1837-1874), malt subtile, etwas melancholische Waldlandschaften, die in der Farbe dem Barbizon ähneln. Energischer nimmt die Natur von Louis Artan (1837-1890) wahr. Am häufigsten stellte er Ansichten des Meeres und der Küste dar. Sein Abstrich ist dynamisch und belastbar; Der Künstler möchte die wechselnde Atmosphäre und Stimmung der Landschaft vermitteln.

Felicien Rops (1833-1898) nahm in der belgischen Kunst einen besonderen Platz ein. Obwohl der Meister einen bedeutenden Teil seines kreativen Lebens in Frankreich verbrachte, war er ein aktiver Teilnehmer am belgischen künstlerischen Prozess. Der eher skandalöse Ruhm des Künstlers – als Sänger der Pariser Kokotten – verdeckt oft seine sehr wichtige Rolle im kulturellen Leben Belgiens. Rops ist einer der Gründer der Literatur- und Kunstzeitschrift Ulenspiegel (gegründet 1856 in Brüssel) und der erste Illustrator des berühmten Romans von Charles de Coster (1867). Die in der Ätztechnik angefertigten Illustrationen geben die Bilder der Hauptfiguren des Romans scharf und interessant wieder. Rops war ein brillanter Meister des Zeichnens und ein aufmerksamer Beobachter des modernen Lebens, wie viele seiner Werke beweisen.

Belgische Architektur bis zum Ende des 19. Jahrhunderts. hat nichts Bedeutendes geschaffen. In der ersten Hälfte des Jahrhunderts wurden mehrere Gebäude im Stil des Klassizismus errichtet, die von strengem Geschmack geprägt waren (Akademiepalast in Brüssel – 1823–1826, Architekt Charles van der Straten; Gewächshäuser im Botanischen Garten von Brüssel – 1826– 1829, Architekten F.-T. Seys und P.-F. Ginest). Seit der Mitte des Jahrhunderts wächst in der Architektur ein ungezügelter Eklektizismus und der Wunsch, prachtvolle Prunkbauten zu schaffen. Charakteristisch sind beispielsweise das Börsengebäude in Brüssel (1873–1876, Architekt L. Seiss), das Gebäude des Museums für Antike Kunst an gleicher Stelle (1875–1885, Architekt A. Bala). Der wohlhabende belgische Kapitalismus möchte seiner Macht ein Denkmal setzen. So entsteht der Bau des Justizpalastes in Brüssel (1866-1883, Architekt J. Poulart) – eines der grandiosesten Bauwerke Europas, das sich durch eine prätentiöse und absurde Anhäufung und Vermischung verschiedenster architektonischer Formen auszeichnet. Gleichzeitig spielt die Stilisierung eine wichtige Rolle in der Architektur Belgiens. Es werden viele Kirchen, Rathäuser und andere öffentliche Gebäude im gotischen, flämischen Renaissance- und romanischen Stil gebaut.

Belgische Skulptur bis zum letzten Viertel des 19. Jahrhunderts. blieb in seiner Entwicklung gegenüber der Malerei zurück. In den 30er Jahren. Unter dem Einfluss patriotischer Ideen entstanden dennoch einige interessante Statuen. Zuallererst sind die Werke von Willem Gefs (1805-1883) zu erwähnen – sein Grabstein für Graf Frederic de Merode, der in den revolutionären Schlachten in Brüssel (1837, Brüssel, Kathedrale St. Gudula) fiel, und die Statue des Generals Belliard, stehend auf einem der Plätze der Hauptstadt (1836). Die Mitte des Jahrhunderts war in Belgien, wie in vielen anderen Ländern, vom Niedergang der Bildhauerkunst geprägt.

In diesen für die Monumentalkunst schwierigen Jahren entsteht das Werk des größten belgischen Künstlers Constantin Meunier (1831-4905). Meunier begann sein Studium an der Brüsseler Akademie der Schönen Künste in der Bildhauerklasse. Hier dominierte in der Mitte des Jahrhunderts ein konservatives akademisches System; Lehrer folgten in ihrer Arbeit und in ihrem Unterricht dem Muster und der Routine und forderten die Verschönerung der Natur im Namen eines abstrakten Ideals. Die ersten plastischen Werke Meuniers standen dieser Richtung noch sehr nahe („Garland“; wurde 1851 ausgestellt, ist nicht erhalten). Bald jedoch gab er die Bildhauerei auf und wandte sich der Malerei zu und wurde Schüler von Navez. Letzteres war zwar in jenen Jahren ein Symbol des überholten Klassizismus, konnte aber eine sichere Beherrschung des Zeichnens, plastische Modellierung von Formen in der Malerei und ein Verständnis für großen Stil vermitteln. Ein weiterer Einflussstrom auf den jungen Meister dieser Zeit war mit seiner Freundschaft mit Charles de Groux und seiner Bekanntschaft mit den Werken der französischen Realisten Courbet und Millet verbunden. Meunier ist auf der Suche nach einer zutiefst bedeutungsvollen Kunst, der Kunst der großen Ideen, doch zunächst wendet er sich nicht einem modernen Thema zu, sondern der religiösen und historischen Malerei. Besonders interessant ist das Gemälde „Episode aus dem Bauernkrieg von 1797“ (1875; Brüssel, Museum für Moderne Kunst). Der Künstler wählt eine der letzten Szenen des Aufstands, der mit einer Niederlage endete. Er stellt das Geschehen als nationale Tragödie dar und zeigt gleichzeitig den unbeugsamen Willen des Volkes. Das Bild unterscheidet sich stark von anderen Werken des belgischen historischen Genres dieser Jahre. Hier geht es um einen anderen Ansatz zum Verständnis der Geschichte, um Realismus in der Darstellung von Charakteren, um die durchdringende Emotionalität des Dargestellten und um die Einführung der Landschaft als aktiv klingende Umgebung.

Ende der 70er Jahre. Meunier fällt in das „schwarze Land“ – die Industrieregionen Belgiens. Hier eröffnet er eine völlig neue Welt, die noch niemand in der Kunst widerspiegelt. Lebensphänomene mit ihren völlig unterschiedlichen Schönheitsaspekten diktierten eine neue künstlerische Sprache, eine eigene besondere Farbe. Meunier schafft Gemälde, die der Arbeit der Bergleute gewidmet sind, er malt Typen von Bergleuten und Bergarbeiterinnen und fängt die Landschaften dieses „schwarzen Landes“ ein. In seinen Bildern steht nicht das Mitgefühl im Vordergrund, sondern die Stärke der Werktätigen. Genau darin liegt die innovative Bedeutung von Meuniers Werk. Der Mensch wird nicht als Objekt des Mitleids und der Sympathie betrachtet, der Mensch als Schöpfer großer Lebenswerte, der damit bereits eine würdige Haltung gegenüber sich selbst einfordert. In dieser Anerkennung der großen Bedeutung der Werktätigen im Leben der Gesellschaft stand Meunier objektiv auf einer Ebene mit den fortschrittlichsten Denkern seiner Zeit.

Meunier bedient sich in seinen Gemälden der Sprache der Verallgemeinerung. Er modelliert die Form mit Hilfe der Farbe. Seine Farbgebung ist streng und zurückhaltend – ein oder zwei leuchtende Farbflecken sind in erdigen Grautönen durchsetzt und lassen die gesamte Bandbreite harsch erklingen. Seine Komposition ist einfach und monumental, es verwendet den Rhythmus einfacher, klarer Linien. Charakteristisch ist das Gemälde „Rückkehr aus der Mine“ (um 1890; Antwerpen, Museum). Drei Arbeiter sind, als würden sie über die Leinwand gehen, als klare Silhouette vor dem rauchigen Himmel gezeichnet. Die Bewegung der Figuren wiederholt sich und variiert gleichzeitig das Gesamtmotiv. Der Rhythmus der Gruppe und der Rhythmus des Bildraumes ergeben eine harmonisch ausgewogene Lösung. Die Figuren sind an den linken Bildrand verschoben, zwischen ihnen und dem rechten Seitenrahmen entsteht ein offener Freiraum. Die Klarheit und Verallgemeinerung der Silhouette der Gruppe, die Lakonie des Bildes jeder Figur verleihen der Komposition den Charakter eines fast plastischen Flachreliefs. Meunier wandte sich einem neuen Thema zu, das ihn faszinierte, und erinnerte sich sehr bald an seine ursprüngliche Berufung. Die Verallgemeinerung und Lakonisierung der Mittel der plastischen Sprache könnte nicht besser genutzt werden, um die Schönheit der menschlichen Arbeit zu besingen. Seit Mitte der 80er Jahre. Nacheinander erscheinen Statuen und Reliefs von Meunier, die seinen Namen verherrlichen und eine Ära in der Entwicklung der bildenden Künste im 19. Jahrhundert einläuten. Das Hauptthema und Bild des Bildhauers ist die Arbeit, die Werktätigen: Hämmer, Bergleute, Fischer, Bergmannsmädchen, Bauern. Die Skulptur, die bisher auf einen engen Kreis bedingter Subjekte und Figuren fernab der Moderne beschränkt war, betrat das Werktätige mit schwerem, selbstbewusstem Schritt. Die bis dahin völlig entkräftete plastische Sprache erlangte wieder eine gewichtige rohe Gewalt, eine starke Überzeugungskraft. Der menschliche Körper zeigte die neuen Möglichkeiten der Schönheit, die in ihm verborgen waren. Im Relief „Industrie“ (1901; Brüssel, Meunier-Museum) entstellt die Anspannung aller Muskeln, die elastische Flexibilität und Kraft der Figuren, das angestrengte Atmen, das die Brust zerreißt, schwere, geschwollene Hände – all das entstellt einen Menschen nicht, sondern verleiht ihm besondere Kraft und Schönheit. Meunier wurde zum Vorläufer einer neuen bemerkenswerten Tradition – der Tradition der Darstellung der Arbeiterklasse, der Poesie des Arbeitsprozesses.

Die von Meunier porträtierten Menschen nehmen keine besonders schönen oder traditionell klassischen Posen ein. Sie werden vom Bildhauer in einer wirklich realen Position gesehen und präsentiert. Ihre Bewegungen sind grob, wie zum Beispiel im starken, übermütigen „The Hauler“ (1888; Brüssel, Meunier-Museum), manchmal sogar ungeschickt („The Pudding Man“, 1886; Brüssel, Museum für Antike Kunst). In der Art und Weise, wie diese Figuren stehen oder sitzen, spürt man die Spuren, die die Arbeit in ihrem Aussehen und Charakter hinterlassen hat. Und gleichzeitig sind ihre Posen voller fesselnder plastischer Schönheit und Kraft. Dies ist eine Skulptur im wahrsten Sinne des Wortes, die im Raum lebt und ihn um sich herum organisiert. Der menschliche Körper offenbart unter Meuniers Hand seine ganze elastische Kraft und seine starke, intensive Dynamik.

Meuniers plastische Sprache ist verallgemeinert und prägnant. So wurde bei der Statue „Der Lader“ (um 1905; Brüssel, Meunier-Museum) weniger ein Porträt als vielmehr ein verallgemeinerter Typus geschaffen, was ihr eine große Überzeugungskraft verleiht. Meunier lehnt herkömmliche akademische Drapierungen ab, seine Arbeiter tragen sozusagen „Overalls“, aber diese Kleidung drückt nicht und lässt die Form nicht schrumpfen. Die breiten Stoffflächen scheinen sich um die Muskeln zu legen, einige einzelne Falten betonen die Bewegung des Körpers. Eines von Meuniers besten Werken ist Antwerpen (1900; Brüssel, Meunier-Museum). Der Bildhauer wählte keine abstrakten Allegorien, sondern ein ganz konkretes Bild eines Hafenarbeiters als Personifikation einer fleißigen und aktiven Stadt. Der strenge und maskuline Kopf, mit äußerster Lakonie geformt, sitzt fest auf muskulösen Schultern. Meunier besingt die Wehen und verschließt dabei nicht die Augen vor deren Schwere. Eines seiner auffälligsten plastischen Werke ist die Mine Gas-Gruppe (1893; Brüssel, Museum für Antike Kunst). Dies ist eine wirklich moderne Version des ewigen Themas der Trauer der Mutter um ihren toten Sohn. Es fängt die tragischen Folgen der Katastrophe in der Mine ein. Die traurige Frauenfigur beugte sich in verhaltener, stummer Verzweiflung über den krampfhaft gedehnten nackten Körper.

Meunier schuf in den 90er Jahren unzählige Typen und Bilder von arbeitenden Menschen. monumentales Denkmal für Labour. Es sollte mehrere Reliefs enthalten, die verschiedene Arten der Arbeit verherrlichen – „Industrie“, „Ernte“, „Hafen“ usw., sowie eine runde Skulptur – Statuen von „Der Sämann“, „Mutterschaft“, „Arbeiter“, usw. Diese Idee fand aufgrund des Todes des Meisters nie ihre endgültige Verwirklichung, wurde aber 1930 in Brüssel nach den Originalen des Bildhauers ausgeführt. Das Denkmal als Ganzes macht keinen monumentalen Eindruck. Überzeugender sind die einzelnen Fragmente. Ihre Kombination in der vom Architekten Orta vorgeschlagenen architektonischen Version erwies sich als eher äußerlich und bruchstückhaft.

Das Werk von Meunier fasste auf besondere Weise die Entwicklung der belgischen Kunst im 19. Jahrhundert zusammen. Es erwies sich im Berichtszeitraum als höchste Errungenschaft des Realismus hierzulande. Gleichzeitig ging die Bedeutung der realistischen Eroberungen Meuniers über die Grenzen der reinen Nationalkunst hinaus. Die bemerkenswerten Werke des Bildhauers hatten großen Einfluss auf die Entwicklung der Weltplastik.

N. Stepanlin (Bildende Kunst); O. Shvidkovsky, S. Khan-Magomedov (Architektur)

Bereits im letzten Jahrzehnt des 19. Jahrhunderts. In der Kunst Belgiens zeigen sich erste Anzeichen einer Abkehr von den demokratischen, volkstümlichen Grundlagen, die das Werk des größten belgischen Künstlers Constantin Meunier prägten. Die Lebendigkeit und Erhabenheit von Meuniers Bildern war für seine jüngeren Zeitgenossen unzugänglich. Das weitere Schicksal der belgischen Kunst entwickelt sich in vielerlei Hinsicht widersprüchlich und dramatisch.

Der realistische Trend, der im 19. Jahrhundert in der belgischen Malerei aufkam, wurde von Meistern wie Leon Frederic (1856-1940), Eugene Larmanet (1864-1940) und anderen entwickelt. Gewöhnliche Menschen, ihr Alltag – das ist das Thema der Werke dieser Meister, doch in ihrer Interpretation weichen sie von der heroischen Monumentalität, Aktivität und Integrität ab, die für die Skulpturen und Gemälde von C. Meunier so charakteristisch sind. Die Menschen auf den Leinwänden von L. Frederick erscheinen auf eine viel gewöhnlichere, alltäglichere Weise. Mystische Tendenzen verbinden sich in der belgischen Kunst mit Elementen des Naturalismus, fotografischer Genauigkeit bei der Übertragung von Landschaft, Schrift und einer besonderen Verzweiflung und führen den Betrachter zum Gedanken an die Ewigkeit der tragischen Hoffnungslosigkeit der Weltordnung. Selbst ein thematisch so bedeutsames Werk wie „Evening of the Strike“ von E. Larmans (1894), ganz zu schweigen vom Gemälde „Death“ (1904; beide – Brüssel, Museum für Moderne Kunst), zeichnet sich durch eine Stimmung aus der Verzweiflung und Ziellosigkeit des Handelns.

Am charakteristischsten für die Entwicklung der belgischen Kunst ist das Werk von James Ensor (1860-1949). Von genrerealistischen Gemälden gelangt Ensor allmählich zur Symbolik. Die fantastischen, unheimlichen Bilder dieses Künstlers, sein Verlangen nach Allegorien, der Darstellung von Masken und Skeletten, nach trotzig leuchtenden, fast lauten Farben waren zweifellos eine Art Protest gegen die kleinbürgerliche Borniertheit und Vulgarität der bürgerlichen Welt. Allerdings fehlt Ensors Satire ein konkreter sozialer Inhalt, sie scheint eine Satire auf die Menschheit zu sein, und in diesen Eigenschaften seiner Kunst ist es unmöglich, den Keim weiterer formalistischer Abweichungen in der belgischen Kunst zu erkennen.

J. Ensor nimmt in der Grafik Belgiens einen besonderen Platz ein. Seine originellen Radierungen voller nervöser Energie sind sehr ausdrucksstark, sie vermitteln eine Atmosphäre innerer Erregung und Angst. Besonders dramatisch sind die Landschaften „Ansicht von Mariakerke“ (1887) und „Die Kathedrale“ (1886; beide im Gravurraum der Königlichen Bibliothek in Brüssel), die auf einem scharfen und paradoxen Kontrast zwischen der majestätischen Schöpfung des Menschen und der Menschenmenge basieren schwärmte wie ein alarmierter Ameisenhaufen am Fuße des gotischen Tempels. Die Verbindung von Satire mit Fantasie – die nationale Tradition der belgischen Kunst, die auf I. Bosch zurückgeht – findet hier eine neue und scharfe Brechung.

Die mit dem Namen Maurice Maeterlinck verbundene literarische Symbolik, das Auftauchen neuer Stilphänomene im Zusammenhang mit dem Jugendstil (Architekt A. van de Velde und andere) in der Architektur- und angewandten Kunst Belgiens spielten in der bildenden Kunst eine bedeutende Rolle von Belgien. Unter ihrem Einfluss in den Jahren 1898-1899. Es entstand die „1. Latem-Gruppe“ (benannt nach dem Ort, an dem sich die Künstler niederließen, dem Dorf Latem-Saint-Martin in der Nähe von Gent). An der Spitze dieser Gruppe stand der Bildhauer J. Minnet, ihr gehörten G. van de Wusteine, V. de Sadeler und andere an. Ihre Arbeit basierte auf der Idee des Vorrangs der „höheren“ geistigen Welt vor der Realität. Diese Meister überwanden impressionistische Tendenzen und versuchten, sich „von der Oberfläche der Phänomene“ zu entfernen, „um die spirituelle Schönheit der Dinge auszudrücken“. Die Latemianer wandten sich den nationalen Bildtraditionen zu, den niederländischen Primitiven des 14.-16 weit entfernt von den Traditionen, auf die sie sich bezogen. II In den strengen, schönen Landschaften von Valerius de Sadeler (1867-1914) und in den von Mystik durchdrungenen Werken des jüngeren Mitglieds der Gruppe – Gustav van de Wusteine ​​(1881-1947) – ist für das Bild kein Platz einer Person.

Zu Beginn des Jahrhunderts erlebte auch der Pointillismus eine recht starke Entwicklung, deren prominentester Vertreter in Belgien Theo van Reiselberghe (1862-1926) war.

In den frühen 20er Jahren. Es entstand die „2. Latem-Gruppe“, die unter dem Einfluss des Expressionismus arbeitete, obwohl der Expressionismus selbst in Belgien, verbunden mit den tragischen Ereignissen des Ersten Weltkriegs, eine besondere Farbe annimmt. Der Leiter dieser Richtung war Constant Permeke (1886-1952). Auf den großen, weitläufig gemalten Leinwänden dieses Meisters sind die in der belgischen Kunst bekannten Themen – Land, Meer, Bilder von Bauern – in Tönen der Tragödie und tiefer spiritueller Verwirrung gemalt. Bei aller bewussten Deformation, der Betonung der spirituellen Begrenztheit und Grobheit von Permekes Bauernbildern bricht seine Sympathie und Sympathie für Menschen durch, die es dem Künstler ermöglichten, emotional beeindruckende Bilder zu schaffen. Die düstere, stumpfe Farbgebung, die Undeutlichkeit der Handlung, die Unbeweglichkeit menschlicher Charaktere vermitteln die Stimmung trauriger Vorahnungen und Hoffnungslosigkeit („Die Verlobten“, 1923; Brüssel, Museum für Moderne Kunst).

Gustave de Smet (1877-1943), Jean Brusselmans (1884-1953) überarbeiteten die Prinzipien des Expressionismus auf ihre eigene Weise, der erste durch die Vereinfachung der Formen, wobei er großen Wert auf die kompositorische Harmonie ihrer Gemälde legte, der zweite durch Steigerung, Hervorhebung das Farbsystem ihrer Landschaften zu einer durchdringenden Kraft. Das Interesse an Farbe als Träger emotionaler Wirkung in der Malerei verband Brusselmans mit der Gruppe der Brabanter Fauvisten, zu der R. Woutsrs, E. Taitgat und F. Cox gehörten. Von besonderem Wert ist die Kunst von Rick Wouters (1882-1916). Die Leidenschaft für leuchtend dekorative Farbkombinationen verdeckt für diesen Künstler nicht die psychologischen Qualitäten seiner Modelle; Im Gegensatz zu den französischen Fauvisten sucht Wauters nach Plastizität, dem Volumen der Dinge – so etwa in seiner „Lektion“ (1912; Brüssel, Museum der Schönen Künste), dem späten „Selbstporträt mit schwarzem Verband“ (1915; Antwerpen). , Sammlung L. van Bogart), „Nele in Rot“ (1915; Privatsammlung).

Seit den 30er Jahren. In Belgien entwickelt sich der Surrealismus, von dem zwei Vertreter weithin bekannt werden: R. Magritte (geb. 1898) und P. Delvaux (geb. 1897). Diese Meister zeichnen sich durch eine Kombination aus reiner Salonschönheit mit einer kranken Fantasie in den Kombinationen einzelner Teile der Komposition, obsessiven Vorstellungen eines erotischen Plans usw. aus. Gleichzeitig waren „intimistische“ Künstler Albert van Dyck (1902-) 1951) arbeitete Jacques Mas (geb. 1905) mit ihnen zusammen. ), die ihr Schaffen auf eng intime Landschafts- und Genremalerei beschränkten. Die Maler L. van Lint (geb. 1909) und R. Slabbink (geb. 1914) wurden zunächst mit den „Intimisten“ in Verbindung gebracht, die sich in der Nachkriegszeit und vor allem in den 1950er Jahren niederließen. zur abstrakten Malerei, die in Belgien weit verbreitet und anerkannt war.

Von den Meistern der belgischen Malerei sind im 20. Jahrhundert nur noch wenige übrig geblieben. in realistischen Positionen. Der bedeutendste von ihnen ist Isidore Opsomer (geb. 1878), der Autor scharfsinniger, ausdrucksstarker und tiefgründiger psychologischer Porträts („Porträt von K. Huysmans“, 1927; Antwerpen, Königliches Museum der Schönen Künste). Opsomer schuf eine Reihe von Stillleben, sehr malerisch, frisch und in leuchtenden Farben.

Soziale Themen, die Themen des Kampfes des belgischen Volkes um seine Rechte, sind in den Werken von Pierre Polus (geb. 1881) und Kurt Peiser (1887-1962) und insbesondere dem jungen progressiven Künstler Roger Somville (geb. 1923) zu hören. , der auch im Bereich der Monumentalmalerei, Glasmalerei und Teppichkunst tätig ist. Große thematische Gemälde zu den Themen des Kampfes des belgischen Volkes werden von E. Dubrenfo, L. Deltour und R. Saumville geschaffen. Diese Künstler arbeiten in engem Kontakt mit Architekten.

Die moderne belgische Grafikschule zeichnet sich durch eine kühne Darstellung neuer Themen und neuer Stilprobleme aus. Neben dem bereits genannten D. Ensor war Jules de Breuker (1870-1945) der größte Radierer Belgiens. Seine Blätter widmen sich dem Leben in städtischen Slums, den sozialen Gegensätzen der modernen kapitalistischen Welt. Breakers durchdringender Blick erkennt die tragikomische Seite des Lebens und ist trotz der analytischen Natur seiner Arbeit von tiefem Mitgefühl für die Menschen geprägt. In diesem Sinne sind viele von Breakers Blättern („Death soars over Flanders“, 1916) mit den Volkstraditionen der belgischen Kunst verbunden.

Der prominenteste Vertreter der modernen belgischen Grafik ist Frans Mazerel (geb. 1889), der auch im Bereich der Monumental- und Staffeleimalerei tätig war. Maserels schöpferische Tätigkeit ist untrennbar mit den Interessen der fortgeschrittenen Kreise nicht nur der belgischen, sondern auch der französischen und deutschen Intelligenz verbunden. Seit dem Ersten Weltkrieg, als Maserel eine Reihe scharfsinniger antimilitaristischer Zeitungszeichnungen herausbrachte, behauptet er, er sei ein Meister, der sein gesamtes Werk dem Kampf der Menschheit für hohe humanistische Ideale widmete. Während dieser Zeit pflegte Maserel enge Beziehungen zu führenden Journalisten und Künstlern und war mit Romain Rolland befreundet; Gleichzeitig begann seine Arbeit als Illustrator, es entstanden die ersten Holzschnittserien („Der Kreuzweg eines Mannes“, 1918; „Mein Stundenbuch“, 1919 usw.) – In diesen Serien, wie In einer stillen Chronik wird der Lebensweg des modernen Menschen beschrieben, sein Kampf, die Entwicklung seines Bewusstseins, seine Freuden und Sorgen. Die Schärfe der Kontraste, die Kürze und die Ausdruckskraft der visuellen Mittel bringen Maserels Stiche oft näher an das Plakat heran.

Zusammen mit den größten Meistern der modernen europäischen Kultur strebt F. Mazerel nach der organischen Entwicklung der Traditionen der demokratischen Kultur des 19. Jahrhunderts, der Traditionen des Realismus und Humanismus sowie einer hohen, wirksamen Philanthropie. Gleichzeitig strebte Maserel bei der Lösung der grundlegenden gesellschaftlichen Probleme unserer Zeit in der Kunst stets danach, die Mittel der realistischen Kunst zu erweitern und eine neue realistische Bildsprache zu schaffen, die mit der modernen Weltanschauung übereinstimmt.

Die Sprache von Maserels Stichen zeichnet sich durch Kürze, Prägnanz und tiefe metaphorische Assoziationen aus. Mazerels Blätter haben einen Subtext, bei aller ausdrucksstarken Eingängigkeit entfalten sie ihren Inhalt nach und nach. Die Tiefe der Absicht des Autors verbirgt sich nicht nur in jedem Blatt, sondern auch im Verhältnis der Blätter jeder Themenreihe, in ihrer Reihenfolge, in ihrer Handlung und emotionalen Differenz sowie ihrer ideologischen und künstlerischen Einheit. Die für die Gravur charakteristische Sprache des Kontrasts wird in den Händen von Maserel zu einer flexiblen Waffe der sozialen Charakterisierung, dient der Vermittlung subtilster lyrischer Erlebnisse und direkter agitatorischer Anziehungskraft.

Eine Reihe von Stichen, die der modernen Stadt gewidmet sind („Stadt“, 1925), ist großartig. Die Ausdruckskraft der Zeichnung und der gesamten Komposition gerät nie in übermäßige Deformation, Maserels Sprache ist verständlich. Auch im Rückgriff auf die Symbolik (Siren, 1932) weicht der Künstler nicht von der bildlichen Konkretheit ab, er strebt bewusst nach Klarheit, nach der Möglichkeit, mit seiner Kunst mit den Menschen zu sprechen. In Maserels neuesten Werken, seiner Serie „From Black to White“ (1939), „Youth“ (1948) und in den Gemälden des Künstlers sind Anklänge an Optimismus besonders stark ausgeprägt. Indem er die Laster der modernen bürgerlichen Gesellschaft aufdeckt, verliert Maserel nie ein klares soziales Kriterium, er glaubt an fortschrittliche Kräfte, glaubt an den endgültigen Sieg und die Größe des Menschen. Maserel ist tief in der Volkskunst von der Idee des Kampfes für den Frieden durchdrungen. Maserel ist ein Beispiel für einen Künstler-Kämpfer, der mit seiner Kunst den hohen Idealen der Gerechtigkeit dient. „Ich bin kein Ästhet genug, um nur Künstler zu sein“, sagte Maserel.

L. Spilliart (1881-1946), der den Einfluss des Expressionismus kaum zu spüren bekam, steht in der belgischen Grafik etwas abseits, ein Meister der lyrischen, in der Farbe zurückhaltenden Aquarellmalerei („Ein Windstoß“, 1904; „Weiße Kleidung“) , 1912).

Die bedeutendste Figur der belgischen Bildhauerei des 20. Jahrhunderts ist Georges Minnet (1866-1941). Minne, ein Schüler von Rodin, hatte wenig mit den kreativen Prinzipien seines Lehrers zu tun, seine Freundschaft mit Maeterlinck hatte einen viel größeren Einfluss auf die Bildung seiner Persönlichkeit. Basierend auf abstrakten, allgemeinen Ideen verleiht Minne seinem Werk eine etwas abstrakte Spiritualität. Dies ist ein Meister der subtilen und präzisen Übertragung von Gesten; Der ständige Wunsch, Konzepte auszudrücken und nicht spezifische Manifestationen menschlicher Gefühle, führt den Bildhauer zu weit hergeholten Bildern und zur Verzerrung der plastischen Form. Dazu gehören seine „Mutter trauert um ihr Kind“ (1886, Bronze; Brüssel, Museum für Moderne Kunst) und „Junger Mann auf den Knien“ (1898, Marmor; Essen, Folkwang-Museum). In den Jahren 1908-1912. Minnet wendet sich der Gegenwart zu, seine Porträts belgischer Arbeiter basieren auf sorgfältiger Naturbeobachtung und führen die Tradition der Bildhauerei des 19. Jahrhunderts fort. Am Ende seines Lebens tauchen in Zeichnungen zu religiösen Themen erneut die symbolischen und mystischen Merkmale auf, die für Minnes Werk charakteristisch sind.

Im Allgemeinen entwickelt sich die moderne belgische Skulptur im Zeichen naturalistischer und formalistischer Bestrebungen, mit Ausnahme der Arbeiten von Ch. Leple (geb. 1903), der emotionale, schöne Porträtbüsten und skulpturale Kompositionen schafft, und O. Jespers (geb . 1887), ein Meister, der absichtlich schwarze Primitiven nachahmt.

Die für dieses Land traditionelle Medaillenkunst wird in Belgien stark entwickelt. Moderne belgische dekorative Keramik (Werkstatt in Dura), dekorative Skulptur (Meister P. Kay; geb. 1912), bemalte dekorative Gefäße mit dem Wunsch nach dekorativer Helligkeit, Natürlichkeit von Formen und Dekor, einer organischen Verbindung mit modernem architektonischem Interieur.

Ende des 19. – Anfang des 20. Jahrhunderts. In Belgien gibt es ein schnelles Wachstum von Industrie- und Handelsstädten, das auf der intensiven Erschließung der natürlichen Ressourcen des Landes (Eisenerz und Kohle) und der räuberischen Ausbeutung riesiger afrikanischer Kolonien beruht. Die spontane Ansiedlung der Industrie, das Privateigentum an Land und die administrative Unabhängigkeit der Vororte (Gemeinden), die für Belgien charakteristisch sind, behinderten die normale Entwicklung und das Wachstum der Großstädte, deren Wiederaufbauarbeiten sich hauptsächlich auf die Verbesserung des Zentrums und der Entwicklung beschränkten des städtischen Verkehrs. Die Verschärfung der Wohnungskrise führte zu verschiedenen Formen des Wohnungsbaus von „billigen“ Wohngebäuden für Arbeiter: Aktiengesellschaften, Genossenschaften und Wohltätigkeitsgesellschaften.

In dieser Zeit begann in den belgischen Städten der umfangreiche Bau neuartiger Industrie-, Geschäfts- und öffentlicher Gebäude, was sowohl die Entwicklung der Wirtschaft als auch das Aufkommen eines neuen Kunden, insbesondere der in Gewerkschaften organisierten Arbeiterklasse, widerspiegelte - der Bau sogenannter Volkshäuser auf Genossenschaftsbasis. (zum Beispiel in Brüssel, entworfen vom Architekten V. Horta in den Jahren 1896-1899), wo Handels-, Kultur-, Bildungs- und Büroräume in einem Gebäude vereint waren.

In den frühen 1890er Jahren Belgien wird zu einem der wichtigsten (in der europäischen Architektur) Zentren des Kampfes gegen die Kanons des Klassizismus und Eklektizismus (einschließlich der sogenannten Nationalromantik). Die belgischen Architekten A. van de Velde, V. Horta, P. Ankar, deren Arbeit in dieser Zeit von der Ablehnung des stilistischen Eklektizismus der Architektur des 19. Jahrhunderts geprägt war, waren die Ursprünge der Entstehung eines neuen „Stils“. ” – Europäischer Jugendstil. und beharrliche Versuche, einen modernen Stil zu finden, der auf der Nutzung der Möglichkeiten neuer Materialien, Designs und unter Berücksichtigung neuer funktionaler Anforderungen an Gebäude basiert.

Henri van de Velde (1863–1957) war einer der größten Vertreter und Ideologen der europäischen Moderne. Er widersetzte sich den Kanons der Klassiker und der „Fassade“, kämpfte für eine dreidimensionale Komposition, für einen neuen Ansatz bei der Gestaltung von Innenräumen und Haushaltsgegenständen. Gleichzeitig war er gegen die Einführung industrieller Massenproduktionsmethoden in die Prozesse des Gebäudebaus und der Herstellung von Haushaltsgegenständen, verteidigte handwerkliche Methoden zur Herstellung von Haushaltsprodukten und befürwortete die Individualität jedes Projekts.

Der zweitgrößte Befürworter des Jugendstils, Victor Horta (1861-1947), war der Architekt, der die gestalterischen Prinzipien des Jugendstils nicht nur zum ersten Mal in die Praxis umsetzte (das Herrenhaus in der Turen-Straße in Brüssel, 1892-1893), sondern auch bestimmte auch maßgeblich die Richtung der Suche nach dem architektonischen Dekor dieses „Stils“. An der Wende der 1880er und 1890er Jahre. Mehrere Jahre lang beschäftigte er sich im Labor intensiv mit der formal-ästhetischen Suche nach einem neuen Dekor und verwendete als Erster die elastische Mäanderlinie des „Schlags mit der Peitsche“ (Horta-Linie), die dann zu einem der charakteristischen Merkmale aller Dekore wurde Der Jugendstil war Ende der 1890er und Anfang des 20. Jahrhunderts in fast allen europäischen Ländern am weitesten verbreitet.

Zur Entwicklung kreativer Richtungen der belgischen Architektur der 20-30er Jahre. Die Tatsache, dass Belgien vor dem Krieg eines der Hauptzentren für die Entwicklung der Moderne war, konnte nicht umhin, Auswirkungen zu haben, und so große Architekten wie van de Velde und Horta arbeiteten in den Nachkriegsjahren intensiv weiter, obwohl sie sich davon entfernten orthodoxe Moderne, waren in ihrer Arbeit aber weit von radikaler Innovation entfernt. Zwar versuchte van de Velde in dieser Zeit, die rationalistischen Aspekte der Moderne weiterzuentwickeln. Allerdings erlebte er in seinem Werk tatsächlich eine Phase, die von den rationalistischen Tendenzen in der europäischen Architektur der Vorkriegsjahre im Großen und Ganzen bereits überschritten worden war. Horta versuchte unter dem Einfluss der amerikanischen Architektur (er war 1916–1919 in den USA) den Neoklassizismus in der belgischen Architektur zu verbreiten, indem er eine vereinfachte Ordnung ohne dekorative Elemente verwendete (Palast der Schönen Künste in Brüssel, 1922–1928).

Rationalistischer Trend in der Architektur Belgiens in den 20er und 30er Jahren. wurde vor allem mit der Arbeit junger Architekten in Verbindung gebracht, deren Haupttätigkeitsfeld der sogenannte „soziale“ Bau von billigem Wohnraum war, der von Kommunen und Genossenschaften mit Staatskrediten durchgeführt wurde. Aufgrund der äußerst begrenzten Mittel, die dafür zur Verfügung standen, erforderte dieser Bau von den Architekten die Verwendung neuer effektiver Baumaterialien und Strukturen in ihren Projekten, um eine rationelle Aufteilung der Wohnungen zu schaffen. Der Bau billiger Häuser war eigentlich das kreative Labor, in dem Architekten unter den Bedingungen der Sparmaßnahmen versuchten, relativ komfortable Wohnungen für Arbeiter zu schaffen, und dabei versuchten, die Prinzipien der Typisierung und Errungenschaften der angewandten Wissenschaften (z. B. das Erfordernis der Sonneneinstrahlung) zu nutzen , also Beleuchtung mit direktem Sonnenlicht), führte moderne sanitäre und technische Anlagen, Zentralheizung, Strom, Müllschlucker und Einbaumöbel in Massenwohnungen ein und versuchte auch, das architektonische Erscheinungsbild des Gebäudes mit seiner neuen Funktionalität und Konstruktion zu verbinden Basis.

Einer der ersten modernen Wohnkomplexe nicht nur in Belgien, sondern auch in Europa wurde 1922–1925 von Victor Bourgeois (1897–1962) in der Nähe von Brüssel entworfen. das Dorf Cite Modern (moderne Stadt). Dabei kamen für die damalige Zeit neue Planungstechniken zum Einsatz: In den Quartieren wurden spezielle landschaftlich gestaltete Erholungsplätze geschaffen, Spielplätze für Kinder eingerichtet und Häuser unter Berücksichtigung der vorteilhaftesten Ausrichtung platziert. Darüber hinaus verfolgte Bourgeois das Prinzip der vorteilhaftesten Ausrichtung der Wohnungen so konsequent, dass er eine Reihe von Häusern entwarf, die aus Gründen der Gesamtkomposition des Dorfgrundrisses nicht in Nord-Süd-Richtung platziert werden konnten (z. B (um einen geschlossenen Raum des zentralen Platzes zu schaffen), entwarf er mit Leisten (Sägezahn im Grundriss). Die Wohnungen in den Häusern des Dorfes wurden mit Querlüftung und obligatorischer Beleuchtung aller Räume mit Tageslicht konzipiert. Das äußere Erscheinungsbild der Häuser spiegelte die für Stahlbeton charakteristischen Merkmale wie Flachdach, Eck- und Liegefenster sowie helle Vordächer über den Eingängen wider.

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Von großem Interesse im Hinblick auf die Entwicklung rationalistischer Tendenzen in der belgischen Nachkriegsarchitektur ist der Schulbau, bei dem nach einer funktionalen Lösung für den Grundriss und die volumetrisch-räumliche Zusammensetzung des Gebäudes unter Berücksichtigung der neuen Anforderungen gesucht wird Der Bildungsprozess wurde auf die gleiche Weise wie beim Bau von billigem Wohnraum unter den Bedingungen strengster Kosteneinsparungen durchgeführt.

Neue Trends im Bereich der Architektur haben, wenn auch mit Schwierigkeiten, dennoch ihren Weg in den Bau einzigartiger öffentlicher Gebäude gefunden. Die Internationale Ausstellung von 1935 in Brüssel wurde zu einer Art Arena für den Kampf rationalistischer Strömungen mit Neoklassizismus und Eklektizismus, wobei das traditionelle Erscheinungsbild vieler Pavillons ihre moderne konstruktive Grundlage verbarg. Dies ist beispielsweise der Große Palast des Jahrhunderts, der nach dem Entwurf des Architekten Jean van Peek erbaut wurde. Die kühne Gestaltung der Decke der riesigen Halle (Parabolbögen aus Stahlbeton) spiegelt sich nicht im äußeren Erscheinungsbild des Gebäudes wider, dessen Fassade eine im Geiste des Neoklassizismus stilisierte Stufenkomposition darstellt. Doch schon bei dieser Ausstellung wurden in einigen Pavillons (wenn auch nicht in den Hauptpavillons) mutig neue Materialien und Strukturen (Glas, Stahlbeton) eingesetzt, um den Anschein eines modernen Gebäudes zu erwecken.

Die Zerstörungen durch den Zweiten Weltkrieg erforderten umfangreiche Restaurierungsarbeiten. Darüber hinaus wurde die Restaurierung im Gegensatz zum Restaurierungsbau nach dem Ersten Weltkrieg, als der Wunsch vorherrschte, vieles in seiner früheren Form wiederherzustellen, unter den neuen Bedingungen mit Wiederaufbauarbeiten kombiniert, insbesondere in alten Stadtvierteln, wo komplizierte Planung und enge Straßen den Verkehr verursachten Schwierigkeiten. Rundfunkstädtepläne, die im Nachkriegsbelgien in großer Zahl erstellt wurden, liefen letztendlich auf konkrete Maßnahmen zur Entlastung des Verkehrs in der zentralen Region von Brüssel hinaus, die zeitlich mit der Organisation der Internationalen Ausstellung 1958 in Brüssel zusammenfielen. Um das Verkehrsnetz des zentralen Teils der Stadt vom Transitverkehr der Passagiere zwischen zwei Sackgassenbahnhöfen in Brüssel zu entlasten, verband ein Durchgangstunnel deren Gleise mit einem U-Bahnhof im Stadtzentrum.

Der Wohnungsbau im Belgien der Nachkriegszeit ist von großem Interesse. Hier ist die Überwindung der Traditionen des Städtebaus mit Einfamilienhäusern mit „vertikalen“ Wohnungen, deren einzelne Räumlichkeiten sich auf mehreren Etagen befinden, und ein entscheidender Übergang zum Bau moderner Mehrfamilienhaustypen (Sektions-, Galerie-)Gebäude zu beobachten , Turm), zusammengefasst zu Wohnkomplexen, darunter eine Reihe öffentlicher Gebäude (hauptsächlich Wohn- und Gewerbegebäude). Solche Wohnanlagen befinden sich meist auf unbebauten Grundstücken: die Kieler Anlagen in Antwerpen (Architekten R. Brahm, R. Mas und V. Marmans, 1950-1955), am Manevrov-Platz in Lüttich (Projekt der Architekten der EGAU-Gruppe, 1956) und andere. Wohnkomplexe werden in der Regel mit Häusern verschiedener Typen bebaut, und um die Fläche des unbebauten Gebiets zu vergrößern, werden viele Häuser auf oft V-förmigen Stützen aufgestellt, was die Zusammensetzung neuer belgischer Wohnkomplexe ergibt Räumlichkeit, eine gewisse formale Schärfe und Originalität.

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In dicht bebauten Altstädten, wo Häuser unterschiedlicher Epochen mit schmalen Hochhausfassaden in durchgehenden Reihen entlang der Straßen stehen, müssen in diesen „Schichtkuchen“ neue Häuser eingebaut werden. Darüber hinaus versuchen belgische Architekten in diesen Fällen nicht, das äußere Erscheinungsbild benachbarter Häuser zu imitieren, sondern führen mutig in eine Reihe von Häusern verschiedener Epochen ein modernes Gebäude aus Beton und Glas ein, das dem gesamten Gebäude eine besondere Note verleiht. Bei diesen Neubauten handelt es sich in der Regel um rentable Häuser, bei deren Gestaltung Architekten wirklich virtuoses Können und Einfallsreichtum beweisen müssen, da ein schmales Grundstück es ermöglicht, Fensteröffnungen nur an den Hausrändern (zur Straße hin) anzuordnen in den Innenhof).

Seit der zweiten Hälfte der 50er Jahre. In der belgischen Architektur nahm der Einfluss der amerikanischen Spielart des Funktionalismus, der Schule von Mies van der Rohe, zu. Dies gilt zunächst für den Bau von Bürogebäuden, darunter das Sozialversicherungsgebäude in Brüssel, das 1958 nach dem Projekt des Architekten Hugo van Cuijk erbaut wurde. Dieses Gebäude befindet sich erfolgreich auf einem der höchsten Punkte der Stadt und ist ein flaches, hohes Glasprisma mit rechteckiger Grundfläche, als würde es aus einem breiteren Stylobat herauswachsen. Das Gebäude schließt die Perspektive einer der Hauptverkehrsstraßen der Stadt ab und ist das kompositorische Zentrum eines komplexen, aber ausdrucksstarken Ensembles, einschließlich der umliegenden multitemporalen Gebäude und eines malerisch angelegten schattigen Platzes vor dem Gebäude, in dem zahlreiche Msnier-Skulpturen stehen werden im Freien aufgestellt. Diese realistischen Skulpturen stehen in scharfem Kontrast zum modernen Erscheinungsbild des Gebäudes, dessen urbaner Charakter durch den Strom von Autos, die über die moderne Autobahn rasen, die in den Tunnel in der Nähe des Gebäudes führt, noch verstärkt wird.

Eines der berühmtesten und zweifellos eines der besten Werke der belgischen Architektur der Nachkriegszeit ist der Bau des neuen Brüsseler Flughafenterminals, der im Zusammenhang mit der Ausstellung von 1958 vom Architekten M. Brunfo errichtet wurde. Bei der Planung und räumlichen Gestaltung dieses Gebäudes werden sowohl rein utilitaristische als auch künstlerische Aufgaben erfolgreich gelöst. Den größten Eindruck hinterlässt das Innere des Hauptoperationssaals. Die Halle ist mit freitragenden, auf ^-förmigen Stützen ruhenden Aluminiumbindern von 50 m Länge überdeckt. Eine der Längswände der Halle wurde in eine riesige Glasscheibe mit Blick auf das Sommerfeld verwandelt.

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Ein bedeutendes Ereignis im architektonischen Leben Belgiens war die Internationale Brüsseler Ausstellung im Jahr 1958. Belgische Architekten waren direkt an der Schaffung zahlreicher Ausstellungspavillons und anderer Gebäude beteiligt, deren Bau mit der Eröffnung verbunden war. Unter diesen Gebäuden kann man so eigenartige Bauwerke wie das Atomium (Ingenieur A. Waterkeyn, Architekten A. und J. Polak) erwähnen, die als symbolische Denkmäler eingestuft werden können; Pavillon „Reinforced Concrete Arrow“ – mit einer Auskragung von 80 m (Ingenieur A. Paduard, Architekt J. van Dorselaer), der die konstruktiven Möglichkeiten von Stahlbeton demonstrierte, sowie der Pavillon des Informationszentrums im Zentrum von Brüssel , dessen Decke eine sattelförmige Schale ist, die auf zwei Stahlbetonstützen in Form eines hyperbolischen Paraboloids ruht, bestehend aus einer dreischichtig verleimten Holzplatte (Architekten L. J. Bochet, J. P. Blondel und O. F. Philippon, Ingenieur R. Sarge) .

Unterwegs gibt es mehrere Museen. In diesem Artikel erzähle ich Ihnen etwas über die Königlichen Museen der Schönen Künste in Brüssel. Vielmehr handelt es sich um einen Gesamtkomplex bestehend aus sechs Museen.

Vier im Zentrum von Brüssel:

*Museum für antike Kunst.
Eine wunderbare Sammlung alter Meister aus dem 15. bis 18. Jahrhundert.
Der Großteil dieser Sammlung besteht aus Gemälden südniederländischer (flämischer) Künstler. Die Meisterwerke von Meistern wie Rogier van der Weyden, Petrus Christus, Dirk Bouts, Hans Memling, Hieronymus Bosch, Lucas Cranach, Gerard David, Pieter Brueghel dem Älteren, Peter Paul Rubens, Anthony van Dyck, Jacob Jordaens, Rubens und anderen…
Die Sammlung entstand während der Französischen Revolution, als viele Kunstwerke von den Invasoren beschlagnahmt wurden. Ein erheblicher Teil wurde nach Paris transportiert, und aus den eingelagerten Gegenständen wurde 1801 von Napoleon Bonaparte das Museum gegründet. Alle beschlagnahmten Wertgegenstände kehrten erst nach der Absetzung Napoleons von Paris nach Brüssel zurück. Seit 1811 ging das Museum in den Besitz der Stadt Brüssel über. Mit der Entstehung des Vereinigten Königreichs der Niederlande unter König Wilhelm I. erweiterten sich die Mittel des Museums erheblich.

Robert Campin. „Verkündigung“, 1420-1440

Jacob Jordanes. Satyr und Bauern, 1620

*Museum für moderne Kunst.
Die Sammlung zeitgenössischer Kunst umfasst Werke vom späten 18. Jahrhundert bis zur Gegenwart. Grundlage der Sammlung sind Werke belgischer Künstler.
Das berühmte Gemälde von Jacques-Louis David – Der Tod von Marat – ist im alten Teil des Museums zu sehen. Die Sammlung veranschaulicht den belgischen Neoklassizismus und basiert auf Werken, die der belgischen Revolution und der Gründung des Landes gewidmet sind.
Es wird nun in Form von Wechselausstellungen im sogenannten „Patio“-Raum der Öffentlichkeit präsentiert. Diese ermöglichen einen regelmäßigen Wechsel zeitgenössischer Kunstwerke.
Das Museum beherbergt „Salome“ von Alfred Stevens, dem berühmtesten Vertreter des belgischen Impressionismus. Und auch so berühmte Werke wie „Russische Musik“ von James Ensor und „Zärtlichkeit der Sphinx“ von Fernand Khnopf werden präsentiert. Unter den im Museum vertretenen Meistern des 19. Jahrhunderts stechen die Meisterwerke von Jean Auguste Dominique Ingres, Gustave Courbet und Henri Fantin-Latour hervor. Französische Malerei des späten 19. Jahrhunderts. vertreten durch „Portrait of Suzanne Bambridge“ von Paul Gauguin, „Spring“ von Georges Seurat, „Bay“ von Paul Signac, „Two Disciples“ von Edouard Vuillard, Landschaft von Maurice Vlaminck und Skulptur von Auguste Rodin „Caryatid“, „Portrait von ein Bauer“ von Vincent van Gogh (1885) und Stillleben mit Blumen von Lovis Corinth.

Jean Louis David. „Tod des Marat“, 1793

Gustav Wappers. „Folge der Septembertage“, 1834

* Magritte-Museum.
Eröffnet im Juni 2009. Zu Ehren des belgischen surrealistischen Malers René Magritte (21. November 1898 – 15. August 1967). Die Sammlung des Museums umfasst mehr als 200 Werke in Öl auf Leinwand, Gouache, Zeichnungen, Skulpturen und bemalte Objekte, außerdem Werbeplakate (er arbeitete viele Jahre als Plakat- und Werbezeichner in einer Papierfabrik), alte Fotografien und gedrehte Filme von Magritte selbst.
Ende der 20er Jahre schloss Magritte einen Vertrag mit der Galerie Cento in Brüssel ab und widmete sich damit ganz der Malerei. Er schuf das surrealistische Gemälde „The Lost Jockey“, das er als sein erstes erfolgreiches Gemälde dieser Art betrachtete. 1927 veranstaltet er seine erste Ausstellung. Kritiker erkennen es jedoch als erfolglos an und Magritte reist nach Paris, wo er Andre Breton trifft und sich seinem Kreis von Surrealisten anschließt. Er erwirbt einen charakteristischen Stil, der seine Bilder erkennbar macht. Nach seiner Rückkehr nach Brüssel setzt er seine Arbeit in neuem Stil fort.
Das Museum ist auch ein Forschungszentrum für das Erbe des surrealistischen Künstlers.

*Museum des Endes des Jahrhunderts (Fin de siècle).
Das Museum vereint Werke des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts, des sogenannten „Jahrhundertendes“, überwiegend mit avantgardistischem Charakter. Malerei, Bildhauerei und Grafik einerseits, aber auch angewandte Kunst, Literatur, Fotografie, Film und Musik andererseits.
Vertreten sind überwiegend belgische Künstler, aber auch Werke ausländischer Meister, die in den Kontext passen. Werke von Künstlern, die zu den großen progressiven Bewegungen der damaligen belgischen Künstler gehörten.

Und zwei in den Vororten:

*Wirtz-Museum
Wirtz (Antoine-Joseph Wiertz) – belgischer Maler (1806–1865). 1835 malte er sein erstes bedeutendes Gemälde, Der Kampf der Griechen mit den Trojanern um den Besitz der Leiche des Patroklos, das nicht für eine Ausstellung in Paris angenommen wurde, aber in Belgien große Begeisterung hervorrief. Es folgte: „Der Tod des hl. Dionysius“, das Triptychon „Die Grablegung“ (mit den Figuren von Eva und Satan auf den Flügeln), „Die Flucht nach Ägypten“, „Der Aufstand der Engel“ und das beste Werk des Künstlers, „Der Triumph Christi“. . Die Originalität des Konzepts und der Komposition, die Kraft der Farben, das kühne Spiel der Lichteffekte und der schwungvolle Pinselstrich gaben der Mehrheit der Belgier Anlass, Wirtz als den Erneuerer ihrer alten nationalen Historienmalerei, als den Direkten zu betrachten Erbe von Rubens. Je weiter, desto exzentrischer wurden seine Geschichten. Für seine meist enorm großen Werke sowie für Experimente zur Anwendung der von ihm erfundenen Mattmalerei baute ihm die belgische Regierung eine umfangreiche Werkstatt in Brüssel ein. Hier sammelte Wirtz, der keines seiner Gemälde verkaufte und nur als Porträtauftrag existierte, alle seine seiner Meinung nach wichtigsten Werke und vermachte sie zusammen mit der Werkstatt selbst als Vermächtnis dem belgischen Volk. Jetzt ist diese Werkstatt das Wirtz-Museum. Es speichert bis zu 42 Gemälde, darunter die oben genannten sechs.

*Meunier-Museum
Das Museum wurde zu Ehren von Constantin Meunier (1831-1905) eröffnet, der in einer armen Einwandererfamilie aus der belgischen Kohlebergbauregion Borinage geboren und aufgewachsen ist. Von Kindesbeinen an war er mit der schwierigen sozialen Lage und dem oft elenden Dasein der Bergleute und ihrer Familien vertraut. Meunier hielt seine Eindrücke vom Leben in der Bergbauregion in plastischen Formen fest und zeigte den Arbeiter als harmonisch entwickelte Persönlichkeit. Der Bildhauer hat ein solches Bild eines Arbeiters entwickelt, das seinen Stolz und seine Stärke widerspiegelt und der sich seines Berufes als Lader oder Hafenarbeiter nicht schämt. Wenn man bedenkt, dass Meunier seine Helden mit einer gewissen Idealisierung schuf, muss man auch sein großes historisches Verdienst darin erkennen, dass er einer der ersten Meister war, der einen Mann, der körperliche Arbeit verrichtete, zum zentralen Thema seines Werkes machte und ihn gleichzeitig als Schöpfer zeigte voller innerer Würde.