Unterhaltsame Eschatologie. Tickets für die polnischen Avantgarde-Stücke „Mommy“ in der School of Dramatic Art
In der Schule dramatische Kunst» die polnische Avantgarde spielen ( Kino, 01.06.2017).
Mama. Schule für Schauspielkunst. Drücken Sie auf das Stück
Kino, 6. Januar 2017
Natalia Shainyan
Unterhaltsame Eschatologie
Polnische Avantgarde spielt an der School of Dramatic Art
„Mama“ – neue Leistung nach dem Stück von Stanislav Vitkevich „Mutter“, aufgeführt am ShDI. Regisseurin Elena Nevezhina wandte sich der Arbeit zu, die die Regisseure aus irgendeinem Grund ignorieren.
Der Autor, der sich Witkacy nannte, ist ein polnischer Avantgarde-Künstler mit aristokratischer Erziehung, Talent für Malerei und Literatur, der den Selbstmord der Braut, die Schützengräben des Ersten Weltkriegs und den Oktoberputsch in Petrograd überlebte und mit dem er experimentierte Drogen, Eros, Wort, Realität und Versuche, darüber hinauszugehen, beging während der sowjetischen Invasion in Polen Selbstmord. Vergessen und verboten, zeitlos und unglaublich sensibel für sie, prägte dieser Mann, auf den sich kaum vollständige Definitionen anwenden lassen, die Suche in der polnischen Kunst der nächsten Jahrzehnte, war ein Betrüger und Provokateur, der wie die Pest vor der Mittelmäßigkeit floh . Laut Witkevich ist Theater nicht das, was auf der Bühne geschieht, sondern das, was in der Seele des Zuschauers geschieht.
Produktionsdesigner Dmitry Razumov stellte vor dem Hintergrund einen langen weißen Tisch auf, der mit Flaschen vollgestopft war – Hochzeit oder Beerdigung, egal, niemand wird am Tisch sitzen. Vor ihm, an der Seite, steht ein Sterbebett, üppig geschmückt mit Strängen bunter Wolle. Der Verstorbene ist eine Schaufensterpuppe, die darin wie in Blumen ertrinkt: „Wo der Tisch Essen war, steht ein Sarg“ – die Situation wird buchstäblich verkörpert. Über diesem Trauerfest dreht sich eine Spiegelkeulenkugel. Die zentrale Bühnentafel wird von einem rautenförmigen, glänzenden Podium eingenommen, das ganz mit blinkenden Glühbirnen bedeckt ist – die Charaktere kommen heraus und geben an, einer nach dem anderen.
Hier strahlt Leon mit Briolinscheitel und verrücktem Blick – ein gutaussehender Mann, ein Erotomane, ein Drogenabhängiger und ein Vampir – so oder so ähnlich bescheinigt er sich. Die wichtigsten Ereignisse in seinem Leben sind der Tod seiner Mutter und seine Begegnung mit Kokain. Als nächstes erscheint Mammy – weiß getüncht, in einem luxuriösen Outfit, ihr ist ihre nicht ganz lebendige Position überhaupt nicht peinlich und sie beteiligt sich im Soloteil am Geschehen – schließlich gehen unsere Toten nie wirklich weg, sie leben weiter und kommunizieren mit uns in unseren Köpfen. Die Handlung entfaltet sich von Anfang an in der Gegenwart des Todes, und dieses Memento mori manifestiert sich in allen folgenden Momenten auf die allgemeinste und heidnischste Weise – Liebe, Hochgefühl, Wut, Ekstase, Hoffnungslosigkeit.
Von Klarheit des Bewusstseins sowie klaren Grenzen zwischen Traum und Realität, Delirium und Vernunft, Realität und Phantasmagorie kann jedoch einfach keine Rede sein. Alles ist unlogisch, verschoben in dieser Welt, die wie ein Café-Chantan aussieht – der imposante tote Papa – der alte Seigneur mit einem riesigen gebrochenen Flügel und die mehr als lebhafte sarkastische Magd Dorota und die junge Schönheit Zosya, Leons Frau, und seine die erhabene Geliebte von Lucina und ein paar wohlerzogene Liebende, Zosia, und sogar die Theaterdirektorin, die eine verkleidete Frau ist, und das ist in der allgemeinen Verwirrung überhaupt nicht verwunderlich. Für die überschwängliche und exquisite Schönheit der Outfits möchte ich dem Künstler Vadim Andreev gesondert danken.
Der Betrachter erstarrt vor dem, was vor seinen Augen passiert, nachdem er versucht hat, die Logik in dem, was passiert, zu finden, übergibt er sich der Gnade dieser Vampire, die hier den Ball beherrschen, und hört mit Mitgefühl den Versen russischer Dichter zu ihre Leistung Silbernes Zeitalter- Ich habe dieses Jahrhundert in Verwirrung, Kokain und Verzweiflung verstanden. Das Wort „Liebe“ erweist sich hier als am meisten abgenutzt – vom privaten Gebrauch zum Ort und nicht zum Ort, es wurde völlig ausgewaschen und wurde zu einer nervigen Vignette in Diskussionen darüber, wie zum Beispiel die Welt dem Untergang geweiht ist oder wo um das Medikament zu bekommen.
Roman Dolgushin spielt seinen Leon mit fröhlichem Mut und drapiert seine durchdringende eschatologische Stimmung – wie sonst kann man in den Saal stürmen, sich durch die Zuschauerreihen schneiden und aufgeregt einen riesigen Monolog von unglaublicher Komplexität über einen Menschen tragen, der unter der Hegemonie der Gesellschaft stirbt, über die Den metaphysischen Ausstieg der Menschheit aus der Zivilisation komponierte er in einer Sackgasse. Haufenweise Perioden, Wirbel politischer Begriffe und mystischer Jargon – all das wirft er haufenweise in die Halle, als würde er sie in seinem Wahnsinn ertränken, und sieht darin überzeugend aus, wie ein wahrer Verrückter oder ein Derwisch bei der Herabkunft des Geistes. Der Utopismus seiner Vorstellung von der spirituellen Anstrengung jedes Einzelnen, seine Entschuldigung des Einzelnen vor der drohenden entpersonalisierenden Masse, klingt besonders ergreifend durch das Prisma der Zeit, eines Jahrhunderts, das die Zeit des Schreibens und der Aufführung dieses Monologs teilte und das Individuum zermalmte mit allen Panzern, Dekreten und Repressionen.
Mama - Lyudmila Drebneva, sieht überraschend gesund und ruhig aus. Sie ist trotz des erbärmlichen Inhalts ihrer Reden voller Kraft und Würde – mit dem Stricken verdient sie kaum den Unterhalt ihres liederlichen Sohnes, der ihr wie ein echter Vampir die letzten Säfte entzieht. Ihre Dialoge mit Dorota, die ihren Sohn im Krieg verloren hat, klingen wie eine groteske, bissige, zynische Schießerei, beantworten für sie aber nicht die bitterste Frage: Was ist für eine Mutter einfacher – ihren Sohn tot zu sehen oder nicht so wie sie gesucht? Der Sohn, der seiner Mutter wie ein Stein um den Hals hing und sie ins Grab brachte – ihr Unglück oder ihre Schuld? Inwieweit sind die Ältesten dafür verantwortlich, was ihren Kindern widerfahren ist und womit sie nicht klargekommen sind? Sowohl die Schauspielerin als auch der Regisseur geben keine Antwort auf diese Fragen, sondern vermitteln ein Gefühl der ständigen Präsenz der Mutter das Leben des Sohnes, Akzeptanz, Vergebung, Trost, streichelnde Berührung – und das ist fast mehr als jede Antwort.
Zosya und Lutsina verkörpern zwei Arten weiblicher Liebe – räuberische, fleischliche, gierig und in ihrer Verderbtheit schamlos unschuldig; und erhaben, stumm, epileptisch und erschöpfend lyrisch. Die aufgeweckte und temperamentvolle Regina Khakimova konkurriert hier mit der zerbrechlichen Olga Bondareva um die Aufmerksamkeit des Publikums, und beide sind bereit, Leon auseinander zu reißen, der auf keine Freuden verzichten will. Die Nerven liegen bei allen blank, das Gefühl einer Klippe und einer gravierenden Kluft wird immer deutlicher und das Einzige, was keiner der Mitleidigen, Klugen, Dummen, Machtlosen, Zynischen, bestialischen Egoisten, Impulsiven, Verzweifelten aneinander klammert und sich gegenseitig mit Füßen zu treten, ist kategorisch dazu fähig – es ist etwas zu tun. Sie vermeiden Langeweile mit allen legalen und illegalen Mitteln und bleiben tadellos inaktiv. Sogar Mammy strickt nicht, offenbar um eine völlige Ähnlichkeit mit der Moira-Spinnerei Fate zu vermeiden.
Diese fröhlichen Geister ergeben im Finale eine echte Tanz-Makabra. In einem rhythmischen Tanz zuckend, fast mit den Knochen rasselnd, versetzen sie den Betrachter, der längst den Faden der Geschichte verloren hat, schließlich in eine Art Trance. Das Spiel ist die mächtigste Droge. In seiner Arbeit spürte Witkacy die maximale Intensität des Seins und verschlüsselte sie in seinen Stücken dieser absurden, grotesken, betrügerischen Welt, die auf mysteriöse Weise den Geist des Zuschauers beeinflusste und ihn in die Erfahrung des Todes einbezog. Verzweiflung, Spaß und Schönheit, die in jedem Moment ein Spiegelbild des anderen sind. Der mutige Versuch von Elena Nevezhina, die Codes der polnischen Avantgarde-Künstlerin zu entschlüsseln, ist neu interessante Erfahrung sowohl für sie als auch für die SDI-Truppe und für den Zuschauer.
Das Stück „Mamula“ des polnischen Schriftstellers, Künstlers und Philosophen, des Urvaters des Theaters des Absurden, Stanislaw Witkewitsch, wird erstmals auf der Moskauer Bühne aufgeführt.
„Mammy“ von Stanislav Vitkevich – Familiendrama im Spiegel des grotesken und schwarzen Humors metaphysischer Ausmaße. Yanina und ihr Sohn Leon leben in einer widersprüchlichen Verbindung, in der es unmöglich ist, zwischen Selbstaufopferung und Sklaverei, dem Biss eines Vampirs von einem Kuss, Liebe von Stolz zu unterscheiden; und in philosophischer und kultureller Hinsicht - Utopie aus Anti-Utopie, Wiedergeburt aus Degeneration. Yanina erschöpft ihre letzte Kraft für ihren Sohn, einen Weisen, der auf der Suche nach philosophischen Schlüsseln zur Tür der Zukunft ist. Doch wie erreicht man die Integrität der Idee und ihres Autors? Wird es jemals eine Entsprechung zwischen der Skala des Denkens und der Skala von geben? menschliche Persönlichkeit? Wird sich der Kreislauf der Schöpfung in einen Kreislauf der Zerstörung verwandeln? Vitkevichs Drama sucht nach einer Antwort.
Witkevich war von der Idee angesteckt, in das Geheimnis des Seins einzudringen. In der Welt seiner Zeit spürte er deutlich den „Seinsriss“, durch den die Metaphysik das Leben verlässt.“
- Elena Nevezhina, Regisseurin.
Das Stück Mamula erzählt eine sehr relevante Geschichte über die widersprüchliche Liebe einer Mutter zu ihrem Sohn. Die Mutter des jungen Philosophen war von seinen utopischen Ideen, Türen in die Zukunft zu finden, praktisch erschöpft. Daher wird in ihrer Beziehung Liebe mit Narzissmus, Selbstaufopferung und Sklaverei kombiniert. Aber auch in dieser Geschichte ist es fast unmöglich, Utopie von Dystopie, Wiedergeburt von Degeneration zu unterscheiden. Wie wird diese Geschichte enden? Können die Charaktere eine Übereinstimmung zwischen Gedanken und Persönlichkeit finden? Wird die Schöpfung zur Zerstörung führen?
Diese Aufführung wurde erstellt von berühmtes Theaterstück der berühmte polnische Philosoph, Künstler und Schriftsteller Stanislav Witkevich, der einer der ersten Ideologen des Absurden in diesem Land ist. Dieses Werk voller Groteske und schwarzem Humor wurde 1924 von ihm geschrieben. Es möchte uns das Geheimnis des Seins verraten. Darüber hinaus ist dies eine philosophische Geschichte über die Suche nach Spiritualität in einer Zeit, in der die gesamte Gesellschaft spirituell erschöpft ist. Aber ist es möglich, es in so schwierigen Zeiten zu finden? Und ist es ein Problem einer einzelnen Familie oder der ganzen Welt? Antworten auf all diese Fragen findet jeder, der Karten für das Theaterstück Mamul bestellen möchte.
Obwohl dieses Werk seit langem auf der ganzen Welt bekannt ist, wurde es in unserem Land noch nie aufgeführt. Theaterbühne. Und erst in dieser Saison wird das Publikum der Hauptstadt die Uraufführung dieser für unsere Zeit sehr relevanten Aufführung sehen können. Denn obwohl das Stück vor fast einem Jahrhundert geschrieben wurde, kommt es uns auch heute noch recht modern vor. Die heutige Gesellschaft ist alles andere als ideal. Dies betrifft nicht nur einzelne Familien sondern auch alle Menschen. Und aus diesem Teufelskreis herauszukommen ist sehr schwierig. Dies ist die Aufgabe der gesamten Gesellschaft und zugleich jedes einzelnen ihrer Vertreter.
