Presse über die Aufführung. Weiler

Igor Golowatenko Absolvent des Moskauer Konservatoriums in der Klasse für Opern- und Sinfoniedirigieren (Klasse von Professor G. N. Rozhdestvensky). Er studierte Sologesang an der Akademie Chorkunst benannt nach V. S. Popov (Klasse von Professor D. Yu. Vdovin).

2006 debütierte er in F. Delius' „Mess of Life“ mit dem National Philharmonic Orchestra of Russia unter der Leitung von Vladimir Spivakov. Von 2007 bis 2014 war er Solist am Moskauer Novaya Opera Theatre, wo er Hauptrollen in den Opern Eugen Onegin und Iolanta von P. Tschaikowsky, La Traviata, Il trovatore und Aida von G. Verdi, L'elisir d'amore spielte » G. Donizetti, Der Barbier von Sevilla von G. Rossini, Rural Honor von P. Mascagni.

Seit 2014 - Solist des Bolschoi-Theaters Russlands. Er trat auf als Lopakhin (The Cherry Orchard von F. Fenelon), Germont und Rodrigo (La Traviata und Don Carlos von G. Verdi), Marseille (La Boheme von G. Puccini), Doctor Malatesta (Don Pasquale von G. Donizetti), Lionel und Robert (Die Jungfrau von Orleans und Iolanthe von P. Tschaikowsky).

Preisträger des internationalen Wettbewerbs „Drei Jahrhunderte klassischer Romanze“ in St. Petersburg und des Wettbewerbs italienischer Opernsänger am Bolschoi-Theater.

Zu den Auslandsengagements der Sängerin zählen Auftritte an der Pariser Nationaloper, der Bayerischen Staatsoper, dem neapolitanischen San Carlo Theater, den Theatern von Palermo, Bergamo, Triest, Lille, Luxemburg, dem Colon Theater in Buenos Aires, der Santiago National Opera in Chile, der Griechischen Nationaloper, der Lettischen Nationaloper sowie bei den renommierten Wexford und Glyndebourne Opera Festivals.

Igor Golovatenko arbeitete mit berühmte Dirigenten, darunter Mikhail Pletnev, Vladimir Spivakov, Tugan Sokhiev, Vasily Sinaisky, Kent Nagano, Gianluigi Gelmetti, Laurent Campellone, Christophe-Matthias Muller, Enrique Mazzola, Robert Trevigno; Zu den Regisseuren, mit denen der Sänger zusammengearbeitet hat, gehören Francesca Zambello, Adrian Noble, Elijah Moshinsky und Rolando Panerai.

Tritt oft mit Russisch auf nationales Orchester unter der Leitung von Mikhail Pletnev (insbesondere nahm er an konzertanten Aufführungen der Opern „Carmen“ von G. Bizet, „Hoffmanns Erzählungen“ von G. Offenbach und „Eugen Onegin“ von P. Tschaikowsky sowie der Musik von E. Grieg für G. Ibsens Drama Peer Gynt"). Nimmt am Großen Festival des Russischen Nationalorchesters teil. Hat mit dem National Philharmonic Orchestra of Russia unter der Leitung von Vladimir Spivakov und dem State Symphony Orchestra " Neues Russland unter der Leitung von Yuri Bashmet.

Laura Claycomb

Laura Claycomb gilt zu Recht als eine der vielseitigsten Sängerinnen ihrer Generation – und das weltweit Musikkritik Sowohl die großartige Stimme der Sängerin als auch das breite Spektrum ihrer schauspielerischen Fähigkeiten werden gleichermaßen bewundert. Preisträgerin mehrerer großer internationaler Wettbewerbe (darunter der Internationale Tschaikowsky-Wettbewerb 1994, wo sie mit dem II. Preis ausgezeichnet wurde und Silbermedaille) machte Laura Claycomb erstmals nach ihrem Debüt an der Genfer Oper in Bellinis Capulets e Montecchi 1994 auf sich aufmerksam, als sie im letzten Moment eine erkrankte Kollegin ersetzen musste. Die Rolle der Julia brachte ihr ihren ersten großen Erfolg – ​​später sang sie sie an der Los Angeles Opera, der Pittsburgh Opera und der Paris Opera Bastille. Eine weitere „Krone“-Rolle der Sängerin war Gilda in Verdis „Rigoletto“, die sie an der Houston Opera, der Paris Opera Bastille, der Lausanne Opera, Bilbao, der Salerno Opera und der New Israel Opera sang. Weitere Belcanto-Rollen waren Lucia („Lucia di Lammermoor“ von Donizetti an der New Israel Opera, Houston Grand Opera), Linda („Linda di Chamouni“ von Donizetti an der Mailänder Scala), Maria („Tochter des Regiments“ von Donizetti). an der Houston Grand Opera), Adele (Rossinis Comte Ory an der Lausanne Opera) und Ophelia (Thomas' Hamlet am Verdi-Theater in Triest). In den vergangenen Spielzeiten gastierte Laura Claycomb erfolgreich als Zerbinetta (Ariadne auf Naxos von R. Strauss) an der Los Angeles Opera und in Palermo.

Ein weiteres Interessengebiet der Sängerin ist die Barockmusik, wo ihr Beitrag von führenden Fachdirigenten gebührend gewürdigt wird Musik XVIII Jahrhundert: Christoph Rousset, Mark Minkowski, Ivor Bolton, Roy Goodman, Harry Bicket. Laura Claycomb hat die Rollen von Cleopatra (Händels Julius Caesar an der Houston Opera, dem Drottninholm Baroque Theatre in Schweden und beim Montpellier Festival), Morgana (Händels Alcina an der English National Opera), Drusilla (Die Krönung der Poppea von Monteverdi am Niederländische Oper), Ginevra ("Händels Ariodante" an der Bayerischen Nationaloper und an der Opéra Garnier in Paris), Polissene ("Händels Radamist" beim Santa Fe Opera Festival in den USA), Romilda ("Xerxes" von Händel an der Houston Grand Opera), Semele ("Semele von Händel an der Flämischen Oper). Laura Claycomb hat mit so angesehenen Opernregisseuren wie Peter Sellars, Robert Lepage, Robert Carsen, David Poutney, Julie Taymor, Jérôme Savary, David McVicar, Olivier Pi, Nicolas Joel, Pierre Audi, Catharina Thomas, Luca Ronconi und John Cox zusammengearbeitet.

Das Konzertrepertoire der Sängerin umfasst die Musik aus vier Jahrhunderten. In der Musik von Mozart, Beethoven, Berlioz fühlt sie sich gleichermaßen wohl, legt viel Wert auf zeitgenössisches Repertoire: Ihr Debüt bei den Salzburger Festspielen gab sie in György Ligetis Oper Der große Tote, Esa-Pekka Salonen vertraute ihr die Uraufführung an seines Vokalzyklus Five Fragments from Sappho “ stellt sie in ihren Soloprogrammen oft die Werke von Strawinsky, Copland, Messiaen, Saariaho. Zu den Dirigenten, mit denen Laura Claycomb zusammengearbeitet hat, gehören Pierre Boulez, Esa-Pekka Salonen, Richard Hickox, Valery Gergiev, Roger Norrington, Michael Tilson-Thomas, Kent Nagano, Ivan Fischer, Evelino Pido, Carlo Rizzi und viele andere. Die Diskographie des Sängers, vertreten durch Alben bei Sony, Virgin Classics, Chandos, umfasst Kompositionen von Händel bis Ligeti.

In den letzten Spielzeiten stand Laura Claycomb auf den Bühnen der Houston Grand Opera („Die Fledermaus“ von I. Strauss), des Bolshoi Theatre of Russia („La Sonnambula“ von Bellini), des Glyndebourne Opera Festival („Ariadne auf Naxos “ von R. Strauss), der Oper Florenz („Candide von Bernstein), den Bregenzer Festspielen (Mozarts Zauberflöte), der Oper Bergen (Rimsky-Korsakows Der goldene Hahn) sowie in Konzertprogrammen unter der Leitung von Dirigenten wie Michael Tilson-Thomas, Valery Gergiev und Zubin Mehta.

Rafal Schivek

Sein professionelles Debüt gab der Sänger 2002 an der Warschauer Nationaloper als Gremin (Tschaikowskis Eugen Onegin). Rafal Schivek tritt oft in Italien auf. Insbesondere sang er Collena (Puccinis La Boheme) in der Arena di Verona und bei den Florentiner Musikfestspielen im Mai, Graf Rudolph (Bellinis La Sonnambula) am Theater. G. Verdi in Triest, König Markus (Wagners Tristan und Isolde) an der Oper Rom, Orovesa (Bellinis Norma) am Teatro Comunale in Bologna, Don Basilio (Rossinis Der Barbier von Sevilla) in Bari, Palermo und Piacenza, Timura (Turandot von Puccini) beim Puccini-Festival in Tore del Lago.

Er ist ein anerkannter Interpret von Verdis Rollen. Hat die Rolle des Königs Philip (Don Carlos) mit dem Israel Philharmonic Orchestra unter der Leitung von Zubin Mehta sowie am Turiner Teatro Regio unter der Leitung von Semyon Bychkov gesungen; die Rolle des Ramfis (Aida) in Sao Paolo (unter der Leitung von Lorin Maazel) und Rio de Janeiro; die Rolle des Zacharias (Nabucco) an der Warschauer Nationaloper; Wurma (Louise Miller) in Valencia (Dirigent Lorin Maazel), Parma und Modena; Padre Guardiana ("Force of Destiny") an der Lodz Opera (Polen), de Silva ("Ernani") am Theater. V. Bellini in Catania.

Er sang Thibault d'Arc (Tchaikovskys Maid of Orleans) im Concertgebouw in Amsterdam, Erzbischof Szymanowskis (King Roger) im Chatelet Theatre in Paris, Commander (Mozarts Don Giovanni) in La Monnaie, der Oper von Lille und dem Bolschoi-Theater in Luxemburg . Weitere Engagements umfassen Sir George Walton (Bellinis Puritani) an der Oper Łódź, Sparafucile (Verdis Rigoletto) beim Savonlinna Festival, Timur (Turandot) in der Bunka Kaikan Hall in Tokio. In Warschau trat er als Hunding (Wagners Walküre), Seneca (Monteverdis Die Krönung der Poppea), Sarastro ( magische Flöte Mozart), Raymond („Lucia di Lammermoor“ von Donizetti), Don Basilio („Der Barbier von Sevilla“), Zachariah („Nabucco“), Sparafucile („Rigoletto“), Timur („Turandot“).

Unter anderem 2010/12: Der Großinquisitor (Don Carlos) an der Staatsoper Berlin, Ramfis (Aida) an der Oper Rom, Timur (Turandot), Ramfis (Aida), Wurm (Louise Miller) und Fafner (Wagners Siegfried ) an der Bayerischen Staatsoper.

In der Spielzeit 2012/13 sang er Wladimir Jaroslawitsch (Prinz Igor Borodin) an der Staatsoper Hamburg, den Großinquisitor (Don Carlos) und Ramfis (Aida) an der Staatsoper Berlin, König Philipp (Don Carlos). Nationaloper Warschau, Commander (Don Giovanni) an der Oper Zürich, Daland (Wagners Der fliegende Holländer) an der Bayerischen Staatsoper. 2013 wirkte er als Philipp II. (Dirigent Robert Trevigno, Regisseur Adrian Noble) in einer Produktion von Verdis Don Carlos am Rossini Theater mit.

Tritt oft auf der Konzertbühne auf. Er hat Verdis Requiem unter der Leitung von Lorin Maazel in Mailand, Casablanca, Busseto und Jerusalem und Beethovens Neunter Symphonie in Rom, Mailand, Brüssel und Taormina aufgeführt. Unter der Leitung von Zubin Meta sang er an der Römischen Akademie Santa Cecilia (Verdis Requiem) und beim Florentiner Musikfest im Mai (Beethovens Neunte Symphonie). In Verona wirkte er bei der Aufführung von Rossinis Stabat Mater (Dirigent Alberto Zedda) mit. Teilnahme an Aufführungen der Glagolitischen Messe von Janáček beim Prager Frühling, beim Beethovenfest Bonn, sowie in Bratislava, Brünn und Linz. Bei den Warschauer Philharmonikern nahm er an Aufführungen von Verdis Requiem, Dvořáks Stabat Mater, Beethovens Feierlicher Messe, Rossinis Kleiner Feierlicher Messe, Krönungsmesse und Mozarts Requiem, J. S. Bachs h-Moll-Messe teil. In Riga sang er unter der Leitung des Autors das Credo von Krzysztof Penderecki.

Doris Lamprecht

Doris Lamprecht Geboren in Linz (Österreich), studierte sie Gesang am Pariser Konservatorium bei Jeanne Berbier, danach absolvierte sie eine Ausbildung an der Pariser Nationaloper. Sie ist in den unterschiedlichsten Repertoires gefragt – von Monteverdi, Bach, Händel und Rameau bis hin zu den Werken zeitgenössischer französischer Komponisten. Zu ihren wichtigsten Engagements zählen Verdis Rigoletto an der Rheinischen Nationaloper in Straßburg und Verdis La Traviata beim Orange Festival, Offenbachs Die Räuber an der Pariser Nationaloper und Mozarts Die Zauberflöte bei den Festspielen von Aix-en-Provence und Lyon La Belle Helena an der Oper Zürich, Bergs Lulu an der Oper Metz und Humperdincks Hänsel und Gretel an der Flanders Opera.

In den vergangenen Jahren sang Doris Lamprecht an der Oper von Lille (Gounods Faust), am Pariser Théâtre du Chatelet (R. Strauss' Arabella, H. W. Henzes Pollicino), an der Pariser Nationaloper (Ramo's Platea, "Tochter des Regiments") von Donizetti, „Hänsel und Gretel“ von Humperdinck, „Faust“ von Gounod, „Elektra“ von R. Strauss), Opera Avignon („Eugen Onegin“ von Tschaikowsky), Pariser Opera Comique („Fra Diavolo“ von Auber), Oper Sainte-Etienne („Hamlet“ von Thomas), die Niederländische Oper („Romeo und Julia“ von Gounod), die Genfer Oper („Der Rosenkavalier“ von R. Strauss, „Juliet“ von Martin), das Barcelona Liceu Theatre („ Aschenputtel“ von Massenet), der Oper von Lyon („Comte Ory“ von Rossini), sowie in den Opernhäusern von Straßburg, Nantes, Madrid, Marseille, Nancy und Tours. Die Sängerin ist mit so herausragenden Dirigenten wie Nikolaus Harnoncourt, Michel Plasson, Christophe Rousset, Jean-Christophe Spinozi, Jacques Lacombe, Mikhail Yurovsky, Jiri Beloglavek, Alain Altinoglu, William Christie, Marc Minkowski und Stefano Montanari aufgetreten.

Alexej Nekljudow

Alexej Nekljudow Er ist Preisträger zahlreicher russischer und internationaler Wettbewerbe, darunter der IV Alexander Pirogov Open Competition for Young Vocalists (I. Preis, 2007), der XV Bella voce International Vocal Competition (II. Preis und der Hope Prize der Moskauer Kulturstiftung, 2007). . Seit 2009 studiert er an der V. S. Popov Academy of Choral Art in der Klasse von Professor S. G. Nesterenko. Im April 2010 gab Alexei sein Debüt auf der Bühne der Großen Halle des Konservatoriums mit dem Nationalen Philharmonischen Orchester Russlands unter der Leitung von Vladimir Spivakov, wo er die Tenorpartie im Requiem von C. Saint-Saens aufführte.

2012 wurde Alexei Stipendiat des National Philharmonic Orchestra of Russia, ein Jahr später erhielt er ein Stipendium der M. Magomayev Foundation. 2013 und 2014 nahm am internationalen Festival teil klassische Musik V. Spivakov in Colmar (Frankreich). Der Sänger trat mit Dirigenten wie Vladimir Fedoseev, Mikhail Pletnev, Vladimir Yurovsky, Otto Tausk, Konstantin Orbelian, Peter Neumann, Fabio Mastrangelo, Stefano Montanari und Andreas Shpering auf. Er nahm an den Festivals "Kirschwald", "Vladimir Spivakov lädt ..." und vielen anderen teil.

2013 wurde Alexei Neklyudov Solist am nach E. V. Kolobov benannten Moskauer Städtischen Novaya Opera Theatre, wo er Rollen in den Opern „The Snow Maiden“ von N. A. Rimsky-Korsakov, „Salome“ von R. Strauss und „Eugen Onegin“ von P. I. Tschaikowsky aufführte . Seit 2014 ist Alexey Gastsolist am Bolshoi Theatre of Russia. Auf der Neuen Bühne des Theaters wirkte er bei einer Neuinszenierung von W. A. ​​Mozarts Oper „So machen es alle ...“ (Partie Ferrando; Regisseur Floris Visser, Dirigent Stefano Montanari), bei der Inszenierung von Der Schnee mit Maiden von N. A. Rimsky-Korsakov (Regisseur Alexander Titel; Dirigent Tugan Sokhiev) und eine konzertante Aufführung von G. Rossinis Oper Journey to Reims (Dirigent Tugan Sokhiev). Im Mai 2015 sang er die Rolle des Lykov in der Oper von N. A. Rimsky-Korsakov königliche Braut im Opernhaus Tel Aviv (Israel). Im Juni 2015 nahm er am Summer Academy Festival in Aix-en-Provence (Frankreich) teil. Am Badischen Staatstheater Karlsruhe singt die Sängerin die Rollen von Nemorino (L'elisir d'amore von G. Donizetti), Tamino (Die Zauberflöte von W. A. ​​​​Mozart), Oronte (Alcina von G. F. Händel) und Lord Percy ( Anna Boleyn“ von G. Donizetti). Zu den bevorstehenden Auftritten der Sängerin gehören Debüts an der Komischen Oper Berlin, der Deutschen Oper am Rhein in Düsseldorf, den Bregenzer Festspielen und dem Theater St. Gallen.

Dmitri Skorikow

Dmitri Skorikow wurde 1974 in Ruza geboren. Absolvent der Akademischen Musikschule am Moskauer Konservatorium mit einem Abschluss in Chorleitung (Klasse von Professor Igor Agafonnikov) und der Moskauer staatliches Institut nach Schnittke benannte Musik, spezialisiert auf " Sologesang» (Klasse von Professor Alevtina Belousova).

Unmittelbar nach dem Abschluss wurde er Solist des Helikon-Operntheaters (2002). Sein Repertoire umfasst mehr als zwanzig Hauptrollen, darunter Don Bartolo und Leporello („Die Hochzeit des Figaro“ und „Don Giovanni“ von Mozart), Don Pasquale („Don Pasquale“ von Donizetti), Falstaff („Falstaff“ von Verdi), Timur ("Turandot Puccini"), Advocate Kolenatiy (Yanacheks Makropulos Remedy), Boris Godunov und Pimen (Mussorgskys Boris Godunov), Gremin und Kochubey (Eugene Onegin und Tschaikowskys Mazepa), Salieri (Rimsky-Rimskys Mozart und Salieri). Korsakov) und Famusov (Manotskovs Chaadsky).

Seit 2016 ist er Gastsolist des Samara Opera and Ballet Theatre. National nominiert Theaterpreis « Goldene Maske„(2017) für die Rolle von Boris Timofeevich Izmailov in der Oper Lady Macbeth Bezirk Mzensk» Schostakowitsch. Auf der Bühne des russischen Bolschoi-Theaters spielte er die Rollen von Voyevoda Polkan (Rimsky-Korsakovs Der goldene Hahn) und Maga Cheliy (Prokofjews Die Liebe zu drei Orangen). Am Michailowski-Theater in St. Petersburg trat er in den Opern „Der Barbier von Sevilla“ von Rossini (Don Bartolo), „La bohème“ von Puccini (Collin) und „Meerjungfrau“ von Dvorak (Vodyanoy) auf. 2014 nahm er am 6. Großen Festival des Russischen Nationalorchesters auf der Bühne des Tschaikowsky-Konzertsaals teil, wo er die Rolle des Pisar in der Oper " Mainacht» Rimski-Korsakow.

Mit der Theatertruppe tourte er durch Frankreich, Spanien, Italien, die Niederlande, Israel, den Libanon, Aserbaidschan, China, Südkorea und Thailand. Er führt eine aktive Konzerttätigkeit in Moskau und anderen Städten Russlands, tritt mit Symphonieorchestern und Orchestern mit Volksinstrumenten auf. Zusammenarbeit mit berühmten Dirigenten: Gennady Rozhdestvensky, Eri Klas, Mikhail Pletnev, Vasily Sinaisky, Vladimir Ponkin, Yuri Bashmet, Mikhail Tatarnikov und anderen. Teilnahme an gemeinsamen Projekten mit den Stars der Weltopernszene, darunter Elena Obraztsova, Dmitry Hvorostovsky, Anna Netrebko, Dmitry Korchak und Laura Claycombe. Regelmäßiger Teilnehmer der Sendung „Romance of Romance“ im Fernsehsender „Culture“.

Igor Morozov

Geboren 1990 in Rjasan. Absolvent der nach A. V. Sveshnikov benannten Moskauer Chorschule (2010) und der nach V. S. Popov benannten Akademie für Chorkunst (2016) mit einem Abschluss in Chorleitung und akademischem Gesang. Preisträger internationaler Wettbewerbe, Allrussischer Wettbewerb „Junge Talente Russlands“. Gewinner des Elena-Obraztsova-Preises "Für einen glänzenden Anfang in der Kunst". Nominiert für die Russische Nationalmannschaft Musikpreis in der Kategorie „Sänger des Jahres“ (2016).

2013 debütierte er auf der Opernbühne und trat in einer Produktion von Richard Strauss' Oper Der Rosenkavalier auf der Historischen Bühne des Bolschoi-Theaters Russlands unter der Leitung von Vasily Sinaisky auf. Derzeit ist er Solist des Helikon-Operntheaters.

Als Gastkünstler arbeitete er mit dem Russischen Nationalorchester, dem nach E. F. Svetlanov benannten Staatsorchester Russlands, dem Akademischen Symphonieorchester der Moskauer Philharmonie, den Dirigenten Alberto Zedda, Mikhail Pletnev, Vladimir Yurovsky, Marco Zambelli und Alexander Vedernikov zusammen. Teilnahme an Aufführungen von Rachmaninovs Aleko, Richard Strauss' Salome, Donizettis Anna Boleyn, Rossinis Hermine und Rubinsteins The Demon. Er sang Soloparts in den Requiems von Mozart und Saint-Saens, in Leonid Desyatnikovs The Pinezhsky Tale of the Duel and the Death of Pushkin.

2016 debütierte er an der Estnischen Nationaloper, Kroatisch nationales Theater, das Stadttheater von São Paulo, das Königliche Theater de la Monnaie in Brüssel, in der Concertgebouw Hall in Amsterdam. 2017 trat er erstmals am Opernhaus von Nizza und am Stadttheater von Santiago auf (2020 wird er auf diese Bühne zurückkehren, um an der Produktion der Oper " Feuerengel» Prokofjew). Im Frühjahr 2018 sang er in Rubinsteins The Demon in Barcelona.

Teilnahme an Videoaufnahmen von Aufführungen der Helikon-Oper für den Fernsehsender Kultura: Sadko von Rimsky-Korsakov (Titelrolle) und Eugen Onegin von Tschaikowsky (Lensky).

Alexander Miminoschwili

Alexander Miminoschwili wurde im Stawropol-Territorium geboren. Nach dem Schulabschluss Musikschule, trat in die Gesangsabteilung des Moskauer Regional College of Arts ein. 2006 trat er ein Russische Akademie Theaterkunst (RATI-GITIS) an die Fakultät Musiktheater, geleitet von D. A. Bertman (Gesangslehrerin T. V. Bashkirova), die 2011 ihren Abschluss machte. Noch während seines Studiums an der RATI spielte er erfolgreich verantwortliche Rollen in mehreren Aufführungen des Bildungstheaters RATI-GITIS (Mussorgskys Hochzeit, Yu. Musiktheater „Helikon-Opera“). In „Helikon“ spielt Alexander Miminoschwili ein umfangreiches und abwechslungsreiches Repertoire – die Partien des Figaro in Mozarts Le nozze di Figaro, Angelo in Wagners Verbotene Liebe, Renato in Un ballo in maschera von Verdi, Quarterly in Lady Macbeth of the Mtsensk District von Schostakowitsch, Dankaira in Bizets Carmen.

Seit 2011 ist er ständiger Gastsolist des Bolshoi Theatre of Russia – am Bolschoi sang er die Rollen von Papageno (Mozarts Zauberflöte), Schonar (Puccinis La Boheme), Black Cat (Ravels Kind und Magie), Dancair ( Carmen) Bizet), Donald („Billy Bud“ Britten). An der Uraufführung teilgenommen neue Produktion aus Mozarts Oper „So machen es alle“ (Guglielmos Part) auf der Neuen Bühne des Bolschoi-Theaters im Jahr 2013. Außerdem ist er Gastsolist des Musical Theaters. K. S. Stanislavsky und Vl. I. Nemirovich-Danchenko ("The Blind" L. Auerbach und "Songs at the Well" E. Langer).

Alexander Miminoshvili arbeitete mit Dirigenten wie Vladimir Spivakov, Stefano Montanari, Tugan Sokhiev, Vladimir Ponkin, Evgeny Brazhnik und Vasily Sinaisky zusammen. Er nahm an Tourneen des Theaters "Helikon-Opera" sowohl in Russland als auch im Ausland teil.

im Ausland. Teilnahme an der Sommerakademie des Festivals in Aix-en-Provence.

Zu den wichtigsten Engagements der Sängerin der letzten Zeit zählen die Mitwirkung bei der Produktion von Francesco Cavallis Oper „Erismena“ beim Musikfestival von Aix-en-Provence, die Rolle des Figaro in Mozarts Oper „Die Hochzeit des Figaro“ auf der Bühne der Zürcher Oper, die Wiederaufnahme der Aufführungen von Mozarts „So machen es alle“ unter der Regie von Tugan Sokhiev im Bolschoi-Theater. Die Sängerin plant eine Rückkehr an das Opernhaus Zürich für Aufführungen von Le nozze di Figaro, Debüt in Königliches Theater Versailles in Francesco Sacratis „The Imaginary Mad Woman“ unter der Leitung von Leonardo Garcia Alarcon.

Dmitri Orlow

Dmitri Orlow absolvierte die V. S. Popov Academy of Choral Art (Klasse von Dmitry Vdovin) und anschließend ein Aufbaustudium (Klasse von Svetlana Nesterenko). Er tourte mit dem Academy Choir in Mexiko, den USA, Kanada, der Schweiz, Deutschland, Frankreich und England. Teilnahme an Konzerten von Dmitry Hvorostovsky, Jonas Kaufmann, Rene Fleming. 2007-2008 nahm er am Projekt " Internationale Schule stimmliche Fähigkeiten.

Der Sänger ist Preisträger XIII International Studentischer Gesangswettbewerb Bella voce in Moskau (2005, zweiter Preis) sowie Diplomsieger des XXIV. Internationalen Glinka-Gesangswettbewerbs in Moskau (2011). 2008 spielte Dmitry Orlov die Rolle des Lord Sydney in der konzertanten Aufführung von Rossinis Reise nach Reims im Kammersaal des Moskauer Internationalen Musikhauses. Anschließend wirkte er an der Produktion dieser Oper in Aix-en-Provence mit. 2009 sang die Sängerin bei den Bayreuther Festspielen die Titelrolle in einer Kinder-Sonderproduktion von Wagners Der fliegende Holländer. 2010 trat er als Herzog von Verona in einer konzertanten Aufführung von Gounods Romeo und Julia im Tschaikowsky-Konzertsaal auf. Bei den Internationalen Festspielen Oldenburg sang er die Titelpartie in Rachmaninoffs Aleko.

Seit 2010 arbeitet Dmitry Orlov am Moskauer Novaya Opera Theatre, das nach E. V. Kolobov benannt ist. Auf der Bühne des Theaters spielt er die Rollen von Vladimir Galitsky (Prinz Igor Borodin), Malyuta Skuratov (Rimsky-Korsakovs Die Zarenbraut), Alidoro (Rossinis Aschenputtel), Figaro (Mozarts Hochzeit des Figaro), Kurvenal (Tristan und Isolde " Wagner), Bertrand („Iolanta“ von Tschaikowsky), Zaretsky („Eugen Onegin“ von Tschaikowsky), Moliere, Baron, Lehrer der Philosophie („Schule der Ehefrauen“ von Martynov) und viele andere.

Timofey Dubovitsky

Timofey Dubovitsky Absolvent der gleichnamigen Musikhochschule in Nowosibirsk A. Murova (Gesangsabteilung, Klasse von V. A. Prudnik). Von 2009 bis 2011 studierte er am Staatlichen Konservatorium Nowosibirsk. M. I. Glinka in der Klasse von Professor V. A. Prudnik. Preisträgerin des ersten Preises des Wettbewerbs „Young Voices of Siberia“ (2009). Von 2011 bis 2013 studierte er an der Akademie für Chorkunst. V. S. Popov in der Klasse von Professor D. Yu. Vdovin; ist derzeit Student des fünften Jahres der Akademie in der Klasse von Professor S. G. Nesterenko. Im März 2012 debütierte er auf der Bühne des russischen Bolschoi-Theaters als Vogelhändler in Richard Strauss Oper Der Rosenkavalier (Dirigent Vasily Sinaisky). Im April 2013 wirkte er bei einer konzertanten Aufführung der Oper Salome von R. Strauss mit dem State Academic Symphony Orchestra of Russia mit. E. F. Svetlanov unter der Leitung von Vladimir Yurovsky.

Igor Podoplelow

Geboren am 9. April 1993 in der Stadt Kirow. Von 2009 bis 2013 studierte er am A. N. Scriabin College of Music. Derzeit Student an der V. S. Popov Academy of Choral Art (Klasse von Professor N. B. Nikulina). Künstler des Chors des Moskauer Musiktheaters "Helikon-Oper". Preisträger internationaler Wettbewerbe. 2015 gewann er beim russischen Gesangswettbewerb „Silver Voice“ den II. Preis. Im Oktober 2015 nahm die Sängerin an einer konzertanten Aufführung der Oper „Hamlet“ von Tom im Konzertsaal teil

Tschaikowsky mit dem Moscow Philharmonic Academic Symphony Orchestra unter der Leitung von Benjamin Pyonnier.

Akademisches Sinfonieorchester der Moskauer Philharmonie

Akademisches Sinfonieorchester der Moskauer Philharmonie Im Laufe seiner Geschichte war es eines der besten heimischen Orchester und repräsentiert die russische Musikkultur im Ausland würdig.

Das Orchester wurde im September 1951 unter dem All-Union Radio Committee gegründet, 1953 wurde es Teil des Personals der Moskauer Philharmonie. Sein künstlerisches Image und sein Aufführungsstil wurden unter der Anleitung renommierter russischer Dirigenten geformt. Erste künstlerischer Leiter und der Hauptdirigent des Ensembles war Samuil Samosud (1951–1957). 1957–1959 Das Orchester unter der Leitung von Natan Rakhlin erlangte den Ruf eines der besten in der UdSSR. 1958 am I Internationaler Wettbewerb Das Tschaikowsky-Orchester unter der Leitung von Kirill Kondrashin begleitete den triumphalen Auftritt von Van Clyburn und tourte 1960 als erstes russisches Symphonieensemble durch die Vereinigten Staaten.

Kirill Kondraschin köpfte Symphonieorchester Moskauer Philharmoniker seit 16 Jahren (1960-1976). Diese Jahre sind geworden Meilenstein in der Geschichte des Ensembles: Der Maestro gab Uraufführungen von Schostakowitschs Vierter und Dreizehnter Symphonie, sein eigenes Gedicht „Die Hinrichtung von Stepan Razin“, Prokofjews Kantate „Zum 20. Jahrestag des Oktobers“, spielte und nahm viele von Mahlers Symphonien auf. 1973 wurde dem Orchester der akademische Titel verliehen. Noch mehr Musik des 20. Jahrhunderts spielte das Orchester unter der Leitung von Dmitry Kitayenko (1976–1990), darunter Uraufführungen von Werken von Khrennikov, Denisov, Schnittke, Butsko, Tishchenko. Zum ersten Mal wurden in der UdSSR Messiaens „Turangalila“, die „Sterngesichtige“ Kantate und Strawinskys „Requiem Hymns“ aufgeführt. Zukünftig wurde das Team von Vasily Sinaisky (1991-1996) und Mark Ermler (1996-1998) geleitet.

Die größten in- und ausländischen Dirigenten – Andre Kluitans, Igor Markevich, Charles Munsch, Zubin Mehta, George Enescu, Neeme Jarvi, Mariss Jansons, Jansug Kakhidze, Kurt Mazur, Evgeny Svetlanov, die Komponisten Benjamin Britten, Igor Strawinsky, Krzysztof Penderecki – standen an der Spitze das Podium des Orchesters. Mit dieser Gruppe ist Svyatoslav Richters einzige Erfahrung als Dirigent verbunden. Fast alle großen Solisten der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts spielten mit dem Orchester: Isaac Stern, Yehudi Menuhin, Glenn Gould, Emil Gilels, David Oistrach, Leonid Kogan, Daniil Shafran, Yakov Flier, Nikolai Petrov, Mstislav Rostropovich, Vladimir Krainev , Maurizio Pollini, Eliso Virsaladze , Natalia Gutman und viele andere. Das Orchester hat mehr als 350 Schallplatten und CDs aufgenommen, von denen viele die höchsten internationalen Auszeichnungen im Bereich der Tonaufnahme erhalten haben und immer noch gefragt sind.

Eine neue Etappe in der Geschichte des Moskauer Philharmonischen Orchesters begann 1998, als es vom Volkskünstler der UdSSR Juri Simonow geleitet wurde. Unter seiner Führung hat das Team Herausragendes geleistet kreative Leistungen. Heute ist das Orchester eine der Säulen des russischen philharmonischen Lebens, tritt oft in russischen Städten auf (in den letzten zehn Jahren konzertierte es in mehr als 40 Städten), tourt erfolgreich durch Großbritannien, Deutschland, Spanien, Japan und Hongkong Kong, China, Korea.

IN letzte Jahrzehnte mit dem Orchester aufgeführt herausragende Musiker anwesend: Marc-Andre Hamlen, Valery Afanasiev, Yuri Bashmet, Boris Berezovsky, Yujia Wang, Maxim Vengerov, Stefan Vladar, Khibla Gerzmava, David Geringas, Barry Douglas, Lilia Zilberstein, Sumi Cho, Laura Claycomb, Alexander Knyazev, Sergey Krylov, John Lill

Nikolai Lugansky, Konstantin Lifshitz, Oleg Mayzenberg, Denis Matsuev, Ekaterina Mechetina, Victoria Mullova, Daniel Pollak, Vadim Repin, Sergei Roldugin, Dmitry Sitkovetsky, Viktor Tretyakov; Dirigenten Luciano Acocella, Semyon Bychkov, Alexander Vedernikov, Michael Güttler, Alexander Dmitriev, Marco Zambelli, Thomas Sanderling, Alexander Lazarev, Andres Mustonen, Vassily Petrenko, Benjamin Pyonnier, Gintaras Rinkevicius, Alexander Sladkovsky, Leonard Slatkin, Saulius Sondeckis, Antonino Fogliani, Maris Jansons und viele andere.

Einer der Schwerpunkte des Orchesters ist die Arbeit mit einer neuen Generation von Musikern: Im Rahmen des Zyklus „Stars des 21. Jahrhunderts“ arbeitet das Orchester mit begabten Solisten zusammen, die sich auf den Weg machen große Bühne, lädt junge Künstler zu seinen Philharmonie-Abonnements ein. Das Orchester nimmt regelmäßig an internationalen und gesamtrussischen Meisterkursen für junge Dirigenten von Yuri Simonov teil, die von der Moskauer Philharmonie organisiert werden.

Die Aktivitäten von Maestro Simonov und dem Orchester zielen weitgehend darauf ab, junge Zuhörer zu erziehen. Der Abonnementzyklus „Erzählungen mit einem Orchester“, der in Moskau und in vielen Städten Russlands unter Beteiligung von Theater- und Filmstars stattfindet, hat große Popularität erlangt. Unter ihnen sind Marina Alexandrova, Maria Aronova, Alena Babenko, Valery Barinov, Sergei Bezrukov, Anna Bolshova, Olga Budina, Valery Garkalin, Sergei Garmash, Nonna Grishaeva, Ekaterina Guseva, Evgenia Dobrovolskaya, Mikhail Efremov, Evgeny Knyazev, Avangard Leontiev, Pavel Lyubimtsev , Dmitry Nazarov, Alexander Oleshko, Irina Pegova, Yulia Peresild, Mikhail Porechenkov, Evgenia Simonova, Grigory Siyatvinda, Daniil Spivakovsky, Yuri Stoyanov, Evgeny Stychkin, Victoria Tolstoganova, Mikhail Trukhin, Gennady Khazanov, Chulpan Khamatova, Sergei Shakurov. Dieses Projekt brachte Maestro Simonov den Titel des Preisträgers des Moskauer Bürgermeisteramtes im Bereich Literatur und Kunst 2008 ein. 2010 wurden Yuri Simonov und das Orchester Preisträger des Musical Review National Newspaper Award in der Nominierung für Dirigenten und Orchester.

In den letzten Jahren hat das Team eine Reihe von Moskauer, russischen und Weltpremieren präsentiert. Es wurden Kompositionen von Andrey Eshpay, Boris Tishchenko, Krzysztof Penderetsky, Philip Glass, Alexander Tschaikowsky, Sergei Slonimsky, Valentin Silvestrov, Eduard Artemiev, Gennady Gladkov, Sofia Gubaidulina, Alexei Rybnikov, Ephraim Podgaits, Kuzma Bodrov und anderen Komponisten aufgeführt. In der Saison 2019/20 tourt das Orchester durch Großbritannien und Deutschland, im November 2019 begleitet es die Auftritte der Teilnehmer beim III. Allrussischen Musikwettbewerb in der Spezialität „Opern- und Sinfoniedirigieren“, dessen Jury geleitet wird von Yuri Simonov, nimmt traditionell an der Eröffnung und am Abschluss des XX. Internationalen Fernsehwettbewerbs für junge Nussknacker-Musiker teil.

Staatlicher akademischer russischer Chor, benannt nach A. V. Sveshnikov

Die Geschichte des Teams reicht bis ins Jahr 1936 zurück, als, basierend auf Vokalensemble unter dem Radiokomitee der UdSSR, organisiert vom legendären Chorleiter Alexander Sveshnikov, im Auftrag des Komitees für Kunst beim Rat der Volkskommissare der UdSSR, Staatschor DIE UdSSR. Am 26. Februar 1937 fand das erste Konzert der Band im Säulensaal des Hauses der Gewerkschaften statt. Der Verdiente Künstler der RSFSR Alexander Sveshnikov (1936–1937, 1941–1980) und Professor des Moskauer Konservatoriums Nikolai Danilin (1937–1939) wurden die ersten Leiter des Staatschors. In der Zukunft wurde der Chor von renommierten Dirigenten geleitet: Igor Agafonnikov (1980–1987), Vladimir Minin (1987–1990), Evgeny Tytyanko (1991–1995), Igor Raevsky (1995–2007), Boris Tevlin (2008–2012). ). Derzeit ist der künstlerische Leiter der Gruppe ein Schüler von Boris Tevlin, Evgeny Volkov.

Der Staatschor der UdSSR wurde zum Flaggschiff der nationalen Chorkunst, die internationales Ansehen erlangte. Einen besonderen Platz unter den vielen Aufnahmen des Staatschors nimmt Rachmaninows All-Night Vigil unter der Leitung von Alexander Sveshnikov (1965) ein, ein Meisterwerk der Aufführung, das mit zahlreichen renommierten Preisen ausgezeichnet wurde.

Das Repertoire der Gruppe umfasst Chorklassiker, Musik sowjetischer und zeitgenössischer Komponisten sowie exklusive Autorenprogramme: "Russisches Chorkonzert", " Orthodoxe Musik Welt", "Komponisten - Schüler der Sveshnikov-Schule", "Russische Lieder in klassischen und modernen Arrangements", "Russische und ausländische weltliche Klassiker", "Lieblingslieder des vergangenen Jahrhunderts", "Hymnen und Feiern Russlands", "Lieder und Märsche der russischen kaiserlichen Armee “, „Musik der Revolution von 1917“ usw.

bedeutende Rolle bei Kreative Aktivitäten Goskhora beteiligt sich an einzigartigen Konzert- und Theaterprojekten. Darunter sind eine Konzertaufführung zum 70. Jahrestag der vollständigen Befreiung Leningrads von der faschistischen Blockade („Leningrader. 900 Tage im Namen des Lebens“), Konzertaufführungen „Ein Held unserer Zeit“ zum 200. Jahrestag von die Geburt von Mikhail Lermontov und „Musik als Schicksal“ bis zum 100. Geburtstag von Georgy Sviridov ua Der Staatschor nimmt aktiv an internationalen Festivals teil. In den letzten Jahren ist das Team an den führenden Konzertorten in Großbritannien, Frankreich, Japan, Polen, Lettland, Litauen, Moldawien und Georgien aufgetreten.

Im Jahr 2010 nahm der Staatschor auf CD 12 Chöre von Sergej Tanejew zu den Worten von Yakov Polonsky auf, im Jahr 2013 - Hymne Russische Föderation in der Orchesterfassung von Jan Frenkel (ASO MGAF, Dirigent - Yuri Simonov), schuf er 2016 einen Soundtrack für das Abschlusskonzert der World Choir Games in Sochi ("Hymn to the Earth" von Alexei Rybnikov - Uraufführung).

Im Rahmen der Kooperation mit der Open Sea Foundation führte der Staatschor eine Konzert- und Bühnenfassung von Bizets Oper Carmen auf (Dirigent Mikhail Simonyan, Regisseur Yuri Laptev). Mit Unterstützung der Stiftung wurde zu Ehren des 80-jährigen Jubiläums des Kollektivs ein Konzert auf der historischen Bühne des Bolschoi-Theaters veranstaltet. Auch Jubiläumsfeiern fanden in der Säulenhalle statt. Eine besonders helle Seite in der Geschichte der Gruppe war ihre Teilnahme am internationalen Projekt "Tag Russlands in der Welt - Russischer Tag": Am Tag des Nationalfeiertags der Russischen Föderation gab der Chor Solokonzerte in der Gaveau Hall in Paris (2015), im London Barbican Centre (2016) und in der Assembly Hall in Jerusalem (2017).

2018 wurde der Staatschor mit der Anthologie des Militärliedes Slava Russkaja Sieger des Stipendienwettbewerbs des Präsidenten der Russischen Föderation. Forschungs-, Bildungs- und Konzerttätigkeiten im Rahmen des Projekts wurden von Bevollmächtigten des Bundespräsidenten in allen Bundesbezirken unterstützt.

Evgeny Volkov wurde 1975 in Moskau geboren. Absolvent der theoretischen Abteilung der Akademie Musikschule am Moskauer Konservatorium, der Dirigenten- und Chorfakultät des Moskauer Konservatoriums (mit Auszeichnung) und Aufbaustudien (Klasse Chorleitung Professor Boris Tevlin; Opern- und Sinfonie-Dirigentenklasse von Professor Igor Dronov). Seit 2000 - Dozent am Moskauer Konservatorium, seit 2009 - außerordentlicher Professor. 2002–2008 - Leitender Chorleiter des Kammerchors des Moskauer Konservatoriums unter der Leitung von Boris Tevlin, 2008-2012. - Hauptchorleiter Auf Einladung des Maestro übernahm er 2008 das Amt des Chorleiters des nach A. V. Sveshnikov benannten Staatschors, 2011 wurde er Chefchorleiter der Gruppe, 2012 künstlerischer Leiter. Seit 2013 - Mitglied des Präsidiums der Allrussischen Chorgesellschaft.

Benjamin Pionier

Benjamin Pionier geboren 1977, absolvierte das Nationalkonservatorium in Nizza als Pianist. Nach Abschluss seines Studiums am Konservatorium verbesserte er sich in Paris bei Brigitte Angerer und führte eine intensive Konzerttätigkeit als Solist und Mitglied verschiedener Kammerensembles. Er begann seine Karriere als Dirigent mit einem Studium in Großbritannien bei George Hirst und wurde Preisträger des renommierten Manchester Conducting Competition des Royal Northern College of Music. Später assistierte er vielen bedeutenden Dirigenten bei der Vorbereitung von Opernaufführungen, darunter James Levine, Michel Plasson, Antonello Allemandi und Paolo Olmi.

Das Opernrepertoire von Benjamin Pionnier umfasst Dutzende von Opern, darunter Werke von Gluck, Mozart, Donizetti, Gounod, Offenbach, Bizet, Lehar, Verdi und Puccini; Aus dem französischen Repertoire dirigierte er die Opern Carmen, Romeo und Julia, Die Perlensucher, Hoffmanns Erzählungen, Pariser Leben, Werther, Faust und Lakme. Drei Spielzeiten lang – von 2006 bis 2009 – war er als künstlerischer Berater an der Oper von Nizza und dem Philharmonischen Orchester von Nizza tätig. Zu den bevorstehenden Engagements des Dirigenten gehören Produktionen von „ Pariser Leben»Offenbach in Paris, Offenbachs Erzählungen von Hoffmann in Singapur, Bizets Beauty of Perth in Nizza. Im Februar 2010 dirigierte er erfolgreich eine konzertante Aufführung von Gounods Romeo und Julia in Moskau in der Tschaikowsky-Konzerthalle. P. I. Tschaikowsky im Rahmen des Abonnements „Opera Masterpieces“. Von 2011 bis 2013 war er Chefdirigent der Slowenischen Nationaloper in Maribor. Zu den Engagements des Dirigenten der letzten Jahre zählen Bizets Carmen in Hongkong, Seoul und an der Shanghai Opera, Gounods Faust in Buenos Aires, Lehárs Die lustige Witwe in Avignon, Glucks Orfeo ed Eurydice in Nizza. Benjamin Pionnier hat mit Orchestern wie dem Philharmonischen Orchester von Nizza, dem Orchestre National de Montpellier, dem Teatro Massimo in Catania, dem Orchestre d'Avignon, dem Orchestre National Opera in Laurens und vielen anderen zusammengearbeitet.

Michail Fichtengolz

Keine Hauptfigur

Hamlet inszeniert an der Novaya Opera

In der NEUEN SAISON Neue Oper setzt seine alte Repertoirepolitik fort und beliefert das Publikum regelmäßig mit Opernraritäten, die man bisher nur aus Büchern kannte. „Hamlet“, geschrieben vom französischen Komponisten der zweiten Hälfte 19. Jahrhundert Ambroise Thomas wird in Büchern nur selten erwähnt: Durch einen Zufall geriet er aus dem Blickfeld der normalerweise neugierigen Musikwissenschaftler, fiel aber Evgeny Kolobov, einem Kenner und Sammler von Raritäten, ins Auge. Nach Kolobov, der die Partitur seinem jungen Kollegen Dmitry Volosnikov übergab, wurde auch Hamlet vom Publikum geschätzt – schmerzhaft gut und poetisch diese Musik, wenn auch ohne Shakespeare-Skala und einen brodelnden Strudel von Leidenschaften, aber zweifellos mit einer gewissen Lebensfreude.

Allerdings irgendwelche Mann der Kultur immer noch versuchen, Toms Oper mit ihrer berühmten literarischen Quelle zu vergleichen. Im Vergleich zu Shakespeare scheint Toma ein Miniaturist zu sein: Er halbiert die Zahl der Figuren (es gibt weder Laertes noch Polonius, noch das ewige Paar Rosencrantz und Guildenstern) und hebt die Liebeslinie von Hamlet und Ophelia hervor. Die Regisseure setzten die Reform fort und "komprimierten" die Partitur um das Eineinhalbfache, ließen nur den Kern der Handlung übrig und präsentierten ein kompaktes zweistündiges Drama in zwei Akten. Evgeny Kolobov legte, ohne auf der Bühne zu erscheinen, seine Hand an die Partitur und orchestrierte einige Fragmente neu (er tut dies immer, unabhängig davon, ob das Werk dies erfordert oder nicht). In der letzten Folge erschien sein „Signature“-Schild, eine Art Signatur des Maestro – ein Instrument namens „Box“ mit einem dumpfen Klopfgeräusch, das den Zuschauern und Helden Angst einflößen sollte. Es wurde alles getan, um sicherzustellen, dass die Aufführung leicht und schmerzlos in den Stil des Theaters aufgenommen und in das Repertoire aufgenommen wurde.

Es ist immer noch schwer zu sagen, wie erfolgreich diese Arbeit für das Theater geworden ist. Ein offensichtlicher Pluspunkt ist die Inszenierung einer in Russland unbekannten Komposition und ihre durchaus kompetente Beschallung durch Sänger und Orchester. Ein offensichtliches Minus ist der dramatische Mangel an Ausrichtung der von Valery Raku geleiteten Handlung. Die Aufführung hat kein Gesicht - die Hauptfigur, die die Handlung leiten könnte: Hamlet (junger und vielversprechender Tenor Ivan Kuzmin) und Ophelia (Prima-Theater, Sopranistin Marina Zhukova) werden zu unentschlossenen Kindern, die vom Schicksal und ihren eigenen Komplexen zermalmt werden. Das kriminelle Paar - Claudius und Gertrude (Vladimir Kudashev und Elena Svechnikova) - ist noch gesichtsloser und mittelmäßiger. Es scheint, Hauptrolle im neuen "Hamlet" spielt die Dunkelheit, die die Helden umgibt, und soll offenbar die Abgründe der menschlichen Seele mit ihren verborgenen Leidenschaften darstellen. Die vorherrschende äußere Entourage - die antike Kleidung der Helden und Komparsen mit schwerer Vergoldung und schwarzem Samt (Marina Azizyans luxuriöse Kostüme) vor dem Hintergrund völliger Dunkelheit - wird durch primitives technisches Equipment vulgarisiert: die gesamte Aufführung mit einem Schrecken Knarren fährt eine hölzerne Plattform um die Bühne, wird zum dritten Rad in Hamlets lyrischen Duetten und Ophelia und heult auf dem Höhepunkt.

Musikalisch ist die Oper gleichmäßiger und solider geworden, obwohl es schwer zu verstehen ist, warum es notwendig war, das Orchester tief in der Bühne zu verstecken - wo es sogar schwer zu sehen, geschweige denn zu hören ist. Auch der schöne Novoopersky-Chor ist von weitem zu hören, und nur die Hauptfiguren erscheinen in beängstigender Nähe zum Zuschauerraum. Der männliche Teil der Darsteller zeigte sich bei der Premiere viel besser als der weibliche Teil: weder die süßliche Ophelia noch die lautstarke Gertrude (vom ehemaligen hochwertigen Gesang von Elena Svechnikova scheint keine Spur zu sein) die richtigen Farben für deine Charaktere. Hoffentlich gibt es in der nächsten Produktion der Novaya Opera, Verdis Rigoletto, noch denkwürdige Charaktere - Dmitry Hvorostovsky wurde eingeladen, die Rolle des alten Buckligen zu spielen, der wahrscheinlich nicht der Willkür des Regisseurs erliegen wird.

MN-Zeit, 12. November 2000

Julia Bederowa

Hamlet stirbt nicht

Zumindest im Neuen Opernhaus

„Zwischen Shakespeares Hamlet und Ambroise Thomas‘ Hamlet“, bemerkt Valery Raku, Leiter der Aufführung an der Novaya Opera, „nur Ähnlichkeit Auch äußerlich besteht eine Ähnlichkeit zwischen dem „Hamlet“ der „Neuen Oper“ und dem alten Film mit Smoktunovsky in der Rolle des Prinzen von Dänemark: Farben und Licht sind erkennbar, Visualität vom Typ „Figur – Hintergrund“, hinter dem Körper - Dunkelheit ohne Lebenszeichen Das Eintauchen der Szene in schwarze Dunkelheit, das Fehlen von Dekor, der Porträttypus der szenografischen Bildlichkeit betonen die Bildhaftigkeit der seltenen Musik von Ambroise Thomas und mildern die Leichtigkeit der Oper ein wenig Libretto.

Hamlet von Ambroise Thomas wurde erstmals 1868 an der Paris Grand Opera aufgeführt. Die Uraufführung war von Publikumserfolg und wohlwollender Kritik begleitet. Ende der 60er Jahre des 19. Jahrhunderts war Thomas in seiner Jugend ein fleißiger Schüler der besten französischen Professoren, der im Alter von 26 Jahren, dem Besitzer des renommierten, erfolgreich auf der Bühne der Opera Comic debütierte Rome Prize, dann nicht mehr beliebt, übernahm aber den Posten des Direktors dieses Theaters, wurde im Alter von 57 Jahren erneut einer der beliebtesten Opernautoren in Paris.

Tom's Hamlet ist trotz der Anwesenheit eines Geistes und der Infusion von Gift in sein Ohr in erster Linie eine dramatische Liebesgeschichte. Hier stirbt Ophelia, aber der Tod von Hamlet selbst, geblendet von Rachegedanken und kühl gegenüber dem unglücklichen Mädchen, bleibt außerhalb der Handlung. Toms Musik ist plastisch und malerisch. Dies ist teilweise das Verdienst des Komponisten selbst, teilweise - des Dirigenten und künstlerischen Leiters des Theaters Yevgeny Kolobov, der wie üblich die musikalische Ausgabe und Orchestrierung des wenig bekannten Operntextes vorgenommen hat. Und einige Episoden aus Toms Musik – wie Ophelias Sterbelied – kamen nur durch Zufall nicht in die Anthologien der Opernhits.

Das Orchester, in den Tiefen der Bühne hinter den Rücken der Figuren platziert, klingt saftig und ausdrucksstark und entpuppt sich als eine der Figuren der Aufführung (so multipliziert sich die Konstruktion „Theater im Theater“, und die Aufführung in der "Neuen Oper" reimt sich auf die Aufführung im dänischen Königreich), und die einzige Realität, erkennbar in der abstrakten Schwärze des Hintergrunds.

Der durchaus traditionelle Kostümstil von Regie und Szenografie, der das schüchterne Opernpublikum sanft beruhigt, spielt dennoch auf dem Feld der eigentlichen Moderne und macht einen Knicks vor jenem Teil des Publikums, der den verknöcherten Traditionalismus nicht vertragen kann. Hier ist die Haupttechnik eine riesige, sich knarrend bewegende Plattform - "Zunge", auf der die Charaktere reibungslos in den Zuschauerraum gehen. Diese Version des filmischen Zoom-in ist eine weitere Möglichkeit, das Publikum in Subjekte von Claudius und Gertrude zu verwandeln, die Straßenschauspieler anstarren, die eine herzzerreißende Geschichte spielen.

Wie diese Komödianten spielen die Sänger der „Neuen Oper“ zunächst fleißig „Hamlet“. Sie spielen, was sie verlangen. Als würde man versuchen, die Aufmerksamkeit nicht mit zu raffiniertem Gesang, zu raffiniertem Schauspiel abzulenken. Dieser Hamlet (Ilya Kuzmin), diese Ophelia (Marina Zhukova) sind sehr detailliert, aber wenig interessant. Im allgemeinen Maskenmodus der Inszenierung arbeitet, wenn nicht ausgelöscht, zumindest die typische Stimmbildsprache leise für sich. Und jeder Betroffene kann es nicht als starken Mangel an stimmlicher Schönheit wahrnehmen, sondern irgendwie konzeptionell interpretieren und sich darauf beruhigen. Kein Wunder, dass die Aufführung mit all ihrer düster-tragischen Intonation und mit ihr das theatralische Programm so ruhig angelegt sind: „Ambroise Thomas starb still, umgeben von seiner Familie und dankbaren Schülern …“

Nachrichtenzeit, 13. November 2000

Jekaterina Birjukowa

Hamlet mit einem Knarren

Shakespeare an der Neuen Oper

Ambroise Thomas, ein Franzose, beschloss 1868, Shakespeares wichtigstes Meisterwerk zu vertonen. Als er sich einem großartigen Werk gegenübersah, zögerte der Komponist nicht, damit dasselbe zu tun, was er mit jeder anderen Handlung getan hätte, die für eine laufende durchschnittliche Oper adaptiert werden sollte. Zusammen mit seinen Librettisten Carré und Barbier entfernte er fast alle Gedanken daraus, reduzierte die Zahl der Helden stark (Rosencrantz und Guildenstern gingen beispielsweise unters Messer), machte eine Liebesgeschichte zur Haupthandlung und überhöhte dementsprechend die weibliche Hauptfigur Rolle so weit wie möglich. Das ist verständlich: Wenn zu Shakespeares Zeiten die Rolle der Ophelia von einem unprätentiösen Jungen gespielt wurde, dann würde in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts niemand eine Oper inszenieren, in der es keine gewinnende Rolle für die Primadonna gibt. Wer, wenn nicht Thomas, der Direktor der Pariser „Opera Comic“, sollte das nicht wissen. So ist die berühmteste Nummer von „Hamlet“ die Abschiedsarie der Ophelia, die zum goldenen Repertoire des Koloratursoprans gehört. Daraus lassen sich Toms musikalische Vorlieben leicht ableiten - Bellini, Donizetti, Gounod.

Die Librettisten arbeiteten auch am Finale, das für seine endlosen Todesfälle berühmt ist. In der Opernfassung haben wir fast ein Happy End. Es stimmt, es kommt nicht zur Hochzeit - Ophelia stampft, wie es sich gehört. Aber Hamlet, der Claudius erstochen und Gertrude in ein Kloster geschickt hat, wird gekrönt und singt ihm Ehre. Es gibt ein sogenanntes „Finale für Covent Garden“, bei dem Thomas mit seiner Oper auf Tournee ging. Für Shakespeares Landsleute musste Hamlet noch hingerichtet werden. In der englischen Fassung ruft der dänische Prinz "Ophelia, ich sterbe mit dir!" - und fällt. Dann singen sie ihm wieder Ehre. Es wurde noch blöder.

Jetzt ehren Operndirektoren Hamlet nicht (Musik ist beliebter als frühe Oper Tom - "Minion"), obwohl es einen hervorragenden Darsteller der Titelrolle gibt - Thomas Hampson. Um mit der Freiwilligkeit der Librettisten und der zweitklassigen Musik fertig zu werden, braucht es sowohl eine starke Regieentscheidung als auch hohe Qualität musikalische Arbeit. Beides in der Nowaja-Oper, die schon vor langer Zeit beschlossen hat, ihr Repertoire mit dem seltenen Hamlet aufzufüllen, wurde zunächst erwartet. Die Rolle des Regisseurs wurde niemandem angeboten, sondern Alexander Sokurov. Auch wenn er sich in seiner neuen Funktion als Opernregisseur als völlig unhaltbar herausstellte, so konnte zumindest die Kombination der Namen Shakespeare-Thomas-Sokurov amüsant sein. Aber Sokurov, verärgert darüber, dass so viele Menschen in der Oper singen, verlor jegliches Interesse an der Produktion. Zusammen mit ihm verlor der künstlerische Leiter des Theaters Yevgeny Kolobov das Interesse an Hamlet. Und geschmückt mit Sokurovs ziemlich absurder Idee – das Orchester aus dem traditionellen Graben in die Gesäßtasche der Bühne zu verlegen – wurde die Oper in die Hände des Stabsdirektors der Neuen Oper, Valery Raku, des Stabsdirigenten Dmitry Volosnikov und des Films gegeben Künstlerin Marina Azizyan.

Es kam nichts Gutes dabei heraus. Der beste Moment in der Inszenierung ist die berühmte „Mausefalle“, in der lustige Puppen spielen und zumindest etwas Humor durchschlüpft. Alles andere ist dunkel und elend. Die mobile Plattform, auf der sich die Helden abwechselnd niederlassen, beginnt immer genau zum Zeitpunkt der Arie zu knarren. Dies macht einen besonders deprimierenden Eindruck, da durch die Abgeschiedenheit des Orchesters das Knarren zur Hauptbegleitung der Gesangsparts wird. Hamlet (junger fleißiger Bariton Ilya Kuzmin) regelt die Dinge mit dem königlichen Paar, mit sich selbst und mit der ganzen Welt, indem er sich auf die unordentlichste Weise in eine Art Vorhang mit Blumen hüllt. Das karikierte Gespenst des ermordeten Vaters, bemalt und verkleidet als Vampoo, scheint nicht aus einer anderen Welt, sondern aus einem Kreis ländlicher Laiendarbietungen zu stammen. Ophelia (erfahrene, stimmgewaltige Marina Zhukova), eingehüllt in einen riesigen steifen Sack, der einem Spazierstock ähnelt, rutscht auf dem Bauch die Plattform hinunter, plumpst von ihr auf das Polyethylen, das Wasser darstellt, und liegt dort bis zum Ende.

Das Ende ist allerdings nicht mehr weit, denn die fünfstündige Oper wurde halbiert. Und wie üblich in der "Neuen Oper" - neu orchestriert. Die Partitur wurde nicht korrekter behandelt, als Tom mit Shakespeare behandelt wurde. In der Nowaja-Oper war auch Platz für das geliebte Schlaginstrument - eine Box, die im Klang einem Metronom ähnelt (selbst Boris Godunov kann auf diese relativ neue Erfindung nicht verzichten). Dazu gibt es ein vollwertiges Saxophon-Solo – scheinbar ein freundliches Hallo zum gleichnamigen Auftritt von Peter Stein. Welche der verfügbaren Versionen der Oper – Französisch oder Englisch – in der Neuen Oper gezeigt wird, ist nicht klar. Höchstwahrscheinlich russisch und am erfolglosesten.

Wedomosti, 14. November 2000

Wadim Schuravlew

Omelett aus Weiler

Vorbereitet für drei Jahre an der „Neuen Oper“

Drei Jahre lang arbeiteten Regisseur Alexander Sokurov und Dirigent Yevgeny Kolobov am Novaya Opera Theatre in Moskau an der auch für westliche Verhältnisse seltenen Oper Hamlet des französischen Komponisten Ambroise Thomas. Sokurovs erste Operninszenierung sollte viel Aufsehen erregen, und das Theater sparte nicht an Promotion. Doch vor einem Jahr gab der Filmregisseur die Produktion auf, und Kolobov blieb nichts anderes übrig, als das Orchester an den jungen Dirigenten Dmitry Volosnyakov zu übergeben. Daher hatte man bei den Uraufführungen das Gefühl, dass die neue Aufführung des Theaters veröffentlicht wurde, weil es nirgendwo hingehen konnte.

Der französische Komponist Ambroise Thomas liebte es, literarische Themen mit Leidenschaft neu zu interpretieren. Sein erstes Erfolgserlebnis war die Oper „Mignon“ von Goethe, 1868 führte er Shakespeares „Hamlet“ ad absurdum. Die Oper Vampuka nach Shakespeare erstreckte sich über fünf Akte und endete mit der Ermordung von Onkel Claudius und der Thronbesteigung Hamlets unter den zustimmenden Ausrufen des Chores. Die Novaya Opera verzichtete sofort auf ein solches Finale und beschloss, die Oper in der Mitte abzubrechen. Evgeny Kolobov selbst hat sich der Reduktion der Partitur und ihrer Neuorchestrierung angenommen, und viele halten dies für eine Meisterleistung. Aber wir müssen noch herausfinden, was mehr in dieser Geste des Dirigenten ist - Askese oder Genügsamkeit. Schließlich vermeidet das Theater auf diese Weise, Verlage für die Verwendung einer seltenen Partitur zu bezahlen. In Kolobovs Version verliert „Hamlet“ seinen einzigen unbestrittenen Vorteil – die Eleganz der französischen lyrischen Oper und die Faszination für Holzkisten (wie in „Boris Godunov“) lassen Zweifel an der Zweckmäßigkeit solcher Machenschaften mit der Partitur aufkommen. Toma erscheint als schlechte Kopie einer italienischen Oper aus der Verdi-Zeit, und mit dem Verschwinden des Stils verliert sich die Bedeutung, sich einer Rarität zuzuwenden.

Sie sagen, dass Kolobov nicht müde wird, den westlichen Impresario zu schockieren, indem er mit seiner Orchestrierung von Donizettis „Mary Stuart“ prahlt, die direkt vom Videoband gemacht wurde. Im Westen gilt dies als Frevel und niemand darf die Partituren anfassen. Aber Kolobov macht in seinem Theater, was er will, zumal das Publikum immer noch keine Vergleichsmöglichkeiten hat.

Für Sokurovs Ablehnung muss der Vollzeitdirektor des Theaters, Valery Rak, bezahlen, der, bewaffnet mit einer traditionellen Herangehensweise an Shakespeares Stücke, versucht, die Vampoo-Oper wiederzubeleben.

Ein so großer Regisseur wie Peter Stein ist bereits mit Hamlet vor den Augen des Moskauer Publikums in diese Falle getappt. Was können wir über den durchschnittlichen Regisseur des Musiktheaters sagen, dessen Inszenierungen davor eher wie schön dekorierte Konzerte waren. Raku ist ein großer Spezialist für düstere Thriller, daher passt "Hamlet" in eine Reihe von Auftritten des Regisseurs in der "Neuen Oper" - "Valli" und "Die zwei Foscari". Darüber hinaus hat die Novaya Opera-Truppe einfach keine Sänger mit einem solchen schauspielerischen Gepäck, um legendäre Bilder zu verkörpern. Das Orchester der Aufführung landete im hinteren Teil der Bühne, aber dafür gibt es keine Erklärung. Nur die Musik leidet und die Sänger leiden, sie strecken ihre Hälse in Richtung Backstage, wo Fernseher mit dem Konterfei des Dirigenten aufgehängt sind. Die Bühnenbildnerin Marina Azizyan war schon immer als Balletttänzerin bekannt, daher sind die Kostüme der Solisten und des Chores im Ballettstil reich mit Gold und Strass verziert. Das Hauptelement der Szenografie – eine riesige Holzzunge, auf der sich fast alle Hauptszenen abspielen – kriecht ins Parkett, knarrt und stört die Musik. Zwei Stunden lang sucht das Publikum auf einer abgedunkelten Bühne nach glücklichen Momenten und schnappt sich aus der französischen Rede statt des Namens der Hauptfigur entweder „Amle“ (das ist auf Französisch) oder „Omelet“ (das ist in Nischni Nowgorod). Wenn Marina Zhukova in der berühmten Szene von Ophelias Wahnsinn eine Reihe virtuoser Rouladen aufführt, bricht der Saal daher in beispiellosen Applaus aus. Der Bariton Ilya Kuzmin (Hamlet) erhält viel weniger Applaus für seine Weinarie (die Shakespeares „To be or not to be“ ersetzt), aber seine Arbeit wirkt in dieser undeutlichen und nicht mehr benötigten Aufführung am ernstesten.

Iswestija, 15. November 2000

Peter Pospelov

Weiler lebt

Uraufführung an der Neuen Oper

Auf dem Moskauer Opernplakat - ein neuer Name. Das Theater von Evgeny Kolobov, bekannt für seine Leidenschaft für Raritäten, inszenierte eine halb vergessene Oper des französischen Komponisten Ambroise Thomas (1811-1896) „Hamlet“. Dem Erfolg der Aufführung tat die Verwandlung der Tragödie des großen Briten in ein lyrisches Drama keinen Abbruch Französisch und trug zur Enthauptung einer französischen Oper mit fünf Akten in einem Moskauer Format mit zwei Akten bei.

Bei einem großartigen Werk kann man machen, was man will – etwas bleiben lassen, entschieden Ambroise Thomas und seine Librettisten. Im Finale der Oper „Hamlet“ (erfolgreiche Pariser Uraufführung – 1868) stehen alle Figuren (mit Ausnahme der ertrunkenen Ophelia und des erschlagenen Claudius, aber einschließlich des lebenden und unverletzt gebliebenen Polonius und Laertes) auf der Bühne und singen: "Es lebe Hamlet, unser König!" In der Autorenausgabe für London (uraufgeführt in Covent Garden, 1869) wurde dem lokalen Publikum ein Zugeständnis gemacht: Hamlet wird erstochen. In der Moskauer Ausgabe bleibt Hamlet in trauriger Pose auf der Bühne. Regisseur Valery Raku erklärt in der Sendung: „Diese Blutströme, die die Shakespeare-Szene überschwemmten, sind in der lyrischen Welt von Tom unmöglich, aber in der Sprache der Musik beschreibt er einen solchen Tod der Seele, nach dem der physische Tod keinen Sinn mehr macht ."

Sie können mit einem wenig bekannten Werk noch freier umgehen, entschieden sie sich an der Novaya Opera. Und sie haben fünf Akte von Toms Partitur in zwei kombiniert, Laertes, Polonius, die Totengräber, das Ballett komplett rausgeschmissen ... Das war weder bei Eugen Onegin noch bei " Boris Godunow", nicht einmal mit "La Traviata", die in den Ausgaben von Yevgeny Kolobov zur "Neuen Oper" gehen. Man kann sich zunächst darüber trösten, dass dies der russischen Tradition in keiner Weise schadet: Der heimische Hörer erinnert sich aus der Oper nur das Bacchische Lied von Hamlet - die Krönung großer Baritone aus abgenutzten Schallplatten, und zweitens, weil Toms Oper im Original exorbitant lang ist (aber sie inszenieren sie doch in San Francisco und Genf?) , es ist kein Meisterwerk der ersten Reihe, und dafür stehen die Schnitte nur gut.

Vielleicht sollten wir dem zustimmen. Und die Änderungen in der Orchestrierung nicht zu bemängeln, die durch die Notwendigkeit verursacht wurden, die alte Partitur in die Zusammensetzung und Struktur des modernen Orchesters zu bringen. Und sich darüber zu freuen, wie authentisch das Saxophon im Orchester klingt - eine modische Neuheit, erfunden in Mitte des neunzehnten Jahrhundert durch das belgische Saxophon. Die einzige Gesamtaufnahme (EMI CDS 7 54820-2, mit Thomas Hampson in der Titelrolle) ist übrigens kurz vor der Inszenierung von Peter Steins „Hamlet“ erschienen: Jetzt ist klar, woher er die Idee hatte, das Saxophon ins Spiel zu bringen Hände des Schauspielers Yevgeny Mironov.

Toms Meisterwerk, wenn auch nicht die erste Reihe, wenn auch gekürzt und neu montiert, ergänzt dennoch die bekannte Musikgeschichte – hört man Ophelias Todeslied, kann man die Inspirationsquelle für Verdi erahnen, der Desdemonas Todesgebet in Othello schrieb. Außerdem ist "Hamlet" ein schönes Beispiel für rein französische Manier. Und hier gibt es etwas, um dem jungen Dirigenten Dmitry Volosnikov mit einem freundlichen Wort zu gedenken.

In der Regel besteht jedes unserer Opernteams, selbst das beste, aus Stimmen unterschiedlicher Natur; der Wunsch nach einem einheitlichen Gesangsprinzip manifestiert sich nur in seltenen Fällen der Aufführung barocker Opern, die dies erfordern besondere Herangehensweise zu erklingen (und genau das ist Volosnikovs Interessensgebiet – er hat bereits Purcells Dido and Aeneas im Foyer des Theaters inszeniert). Den Werken der jungen Sänger Ilya Kuzmin (Hamlet), Lyudmila Kaftaykina (Ophelia) und Vladimir Kudashev (Claudius) mangelte es an Können und Präzision. Aber sie und sogar die Interpreten von Nebenrollen (Sergey Sheremet und Maxim Ostroukhov) versuchten, mit ihrem Gesang zu tragen, wozu der Dirigent sie verpflichtete - die Eleganz der Linie, das Fehlen von Kraft, ein angemessenes Maß an Affektiertheit (der geehrte Künstlerin Elena Svechnikova wurde ärgerlich aus dem Gesamtensemble geschlagen). In Anbetracht der Tatsache, dass zwei Ensembles die Oper singen, sollten die Verdienste von Dmitry Volosnikov verdoppelt werden: Fast zum ersten Mal hörten wir von unserer Opernbühne aus die Ergebnisse der systematischen Arbeit des Dirigenten an einem bestimmten Gesangsstil, der allen Sängern gemeinsam ist - in diesem Fall der Stil der französischen lyrischen Oper.

Gleiches gilt für den Chor, der leider nach dem Willen der Schneider nur in der ersten Hälfte der Aufführung sang, und das Orchester, das in einer Sonderstellung stand: manchmal ungeschickt verwechselt, aber oft sehr schön klingend, es daraus extrahiert wurde Orchestergraben(an seiner Stelle wurde ein Rückstau aus Polyethylen errichtet, der schließlich zum Grab von Ophelia wurde) und in den hinteren Laderaum hinter der Bühne geschickt – was das organische Gleichgewicht zwischen dem Orchester und den Sängern störte. Andererseits spielte das Spektakel eines entfernten Orchesters mit Frack und Glühbirne in Marina Azizyans Szenografie die Rolle einer semantischen Kulisse und betonte die Konventionalität des "Theaters im Theater" (die "Mausefallen"-Szene wurde amüsant von drei Grotesken gespielt). Mimen). Geizig Holzkonstruktionen, auf dem sich das Geschehen abspielte, glich zugleich dem Amphitheater der Shakespeare-Arena und dem finsteren Brunnen (und die "Kiste", die schamlos im Orchester über Toms Partitur hämmert, ist ein Pendel). Die Hauptvorteile von Valery Rakus Inszenierung, die wie immer solide langweilig ist (der zweite Akt fügte dem ersten wenig hinzu) und manchmal mit optionalen Spielereien mit Requisiten (wie ein Vorhang, der zu einem Zopf gedreht wird) verdünnt wurden, blieben die innere Musikalität und das Können für Gesangssituationen die richtigen, opernhaft guten Posenzeichnungen und Mise-en-scenes zu finden.

Interessanterweise war der erste Kandidat für die Rolle des Regisseurs Alexander Sokurov, einer der musikalischsten Filmregisseure, aber seine Pläne sahen so radikal aus, dass selbst der furchtlose künstlerische Leiter des Theaters, Evgeny Kolobov, es nicht wagte, es zu riskieren. Vielleicht hatte er recht: „Hamlet“ wurde keine Sensation, aber es wurde lebendig und auf Französisch und im französischen Geist gesungen. Ob diese Erfahrung weitergehen soll – das ist die Frage.

Abendclub, 17.-23. November 2000

Dmitri Morozov

Prinz von Dänemark beschnitten

Ambroise Thomas, Hamlet. "Neue Oper"

Auf dem Weg von der Idee bis zur lang versprochenen Produktion wurde das Schiff zuerst von Regisseur Alexander Sokurov, dessen öffentlich angekündigte Teilnahme den Weg für eine Sensation bereitete, und dann von Maestro Kolobov selbst verlassen. Beide verschwanden jedoch nicht spurlos. Szenografie und Kostüme von Marina Azizyan blieben von Sokurovs Bühne, und das ist vielleicht das einzige, was uns erlaubt, von dieser Aufführung als einem Theaterphänomen zu sprechen.

Kolobovs Spur ist viel umstrittener. Seinem Nachfolger in diesem Werk, Dmitry Volosnikov, hinterließ er seine eigene Musikausgabe und Orchestrierung (letztere ist besonders zweifelhaft in Bezug auf die Übereinstimmung mit dem Stil der französischen lyrischen Oper sowie den elementaren Geschmack, mit dem Kolobov der Orchestrator konstant ist Probleme). Im Gegenzug ging der junge und zweifellos begabte Dirigent, ermutigt durch einen so offensichtlichen Mangel an Ehrfurcht vor der Partitur des Autors von seinem Chef, sogar noch weiter und unterzog die Oper einer weiteren Beschneidung. Dadurch blieb ein Teil der Charaktere und fast die Hälfte der Partitur auf der Strecke.

Es mag eingewendet werden, dass für die Allgemeinheit all diese Einzelheiten keine besondere Bedeutung haben, für sie ist das Ergebnis am wichtigsten. Nun, wenn wir Shakespeares Hamlet und Toms gleichnamige Oper ignorieren und die Aufführung als freie Komposition betrachten, die auf beiden basiert, dann kommt man nicht umhin, die Vorzüge zu bemerken, die jedoch getrennt existieren und kein zusammenhängendes Bild ergeben wollen.

Dass in der „Neuen Oper“ meist Orchester und Chor im Vordergrund stehen, ist jeder schon gewohnt. Diesmal war die Ausrichtung etwas anders: Die Sänger standen an erster Stelle. Höchstes Lob verdienen nicht nur die erfahrenen Handwerkerinnen Marina Zhukova (Ophelia) und Elena Svechnikova (Gertrude), sondern auch die blutjunge Ilya Kuzmin in der Titelrolle. Vladimir Kudashev zeigte sich in der Rolle des Claudius sehr würdig. Der Chorpart (Chorleiter Andrei Lazarev) nahm einen bescheidenen Platz in der Aufführung ein, und das Orchester, von den Regisseuren tief in die Bühne gedrängt, verlor sich merklich in der Helligkeit des Klangs. Hat die Show etwas gewonnen? Leider gelang es dem Regisseur Valery Racu nicht, die Präsenz des Orchesters auf der Bühne zu übertreffen, wodurch es nur ein Schandfleck war.

Im Allgemeinen ist die Regie die verwundbarste Seite der Aufführung. Es geht nicht um die statische Inszenierung. Während die Charaktere ihre Reden halten, fast bewegungslos auf der Tribüne stehend, irritiert das nicht, zumal der Regisseur hier von einem unserer besten Lichtdesigner Gleb Filshtinsky sehr gut „gedeckt“ wird. Aber sobald der Regisseur, der versucht, das Bühnengeschehen zu beleben, Hamlet auf einer sich bewegenden Bühne Claudius und Gertrude buchstäblich „über den Weg laufen“ lässt oder wenn die Charaktere regelmäßig bedeutungslose Spiele um einen kleinen inneren Vorhang arrangieren, beginnt man zu denken, dass dies abgeschlossen ist das Fehlen einer Regie wäre einer solchen "Regiepräsenz" vorzuziehen.

Das Ergebnis fiel daher sehr ambivalent aus. Der Appell an Raritäten an sich verdient Dankbarkeit, aber in diesem Fall konnte das Theater seine Wahl nicht überzeugend begründen. Wenn Toms Arbeit nach Meinung der Leitung der Novaya Opera solch radikale Vivisektionen erfordert, wäre es dann nicht besser gewesen, etwas anderes zu inszenieren? Darüber hinaus war auch dieser "Teil der Musik, der in der Aufführung erklang, nicht sehr aufregend. Daran ist Ambroise Thomas schuld? Oder ist es immer noch der Grund, dass die französische lyrische Oper eine heikle Angelegenheit ist und ihre Schönheiten nur denen offenbart, die es tun." sind geeignet für sie ohne Skepsis, gezeichnet von der Liebe, nicht vom chirurgischen Juckreiz?

Hauptcharaktere:
Hamlet (Bariton), Ophelia (Sopran), Claudius (Bass), Gertrude (Mezzo), Laertes (Tenor), Phantom (Bass), Marcellus (Tenor), Horatio (Bass), Polonius (Bass), Two Gravediggers (Bariton, Tenor) usw.

Die Handlung spielt im mittelalterlichen Dänemark.

Parzelle:
1 Akt.
Im königlichen Schloss Helsingör findet die feierliche Krönung von Claudius statt, der mit der Thronfolgerin Gertrude, der Witwe des verstorbenen Königs, Bruder von Claudius, die Ehe eingeht. Der ganze Adel ist versammelt, nur der Sohn des verstorbenen Königs und Gertrud, Prinz Hamlet, fehlt. Nachdem die Zeremonie vorbei ist, zerstreuen sich alle. Weiler erscheint. Er wird von Polonias Tochter Ophelia empfangen. Sie liebt den Prinzen, den sie bald heiraten wird, und ist beunruhigt, dass er den Hof verlässt. Hamlet versichert ihr die Unveränderlichkeit seiner Gefühle für sie. Währenddessen suchen Hamlets Freunde Marcellus und Horatio nach dem Prinzen, um zu berichten, dass ihnen nachts ein Geist erschienen ist – der Schatten seines toten Vaters.
Um Mitternacht ruft Hamlet den Geist. Er erscheint ihm und ruft nach Rache, nachdem er von der Täuschung von Claudius und Gertrude erzählt hat, die seinen Vater getötet haben. Hamlet muss Claudius bestrafen, aber seine Mutter verschonen!
2 Akt.
Ophelia geht im Elsinore-Park spazieren. Sie ist traurig, es scheint ihr, dass Hamlet ihr gegenüber kalt geworden ist. Um abgelenkt zu werden, nimmt das Mädchen das Buch. Plötzlich sieht sie Hamlet. Aber der Prinz sieht sie nicht, und sie beobachtet ihn heimlich. Als Hamlet schließlich seine Geliebte bemerkt, geht er dennoch schweigend weg und geht nie zu ihr. Gertrud tritt ein. Sie sieht die traurige Ophelia an. Das Mädchen bittet die Königin um Erlaubnis, den Hof zu verlassen und sich ins Kloster zurückzuziehen, weil der Prinz sie nicht mehr liebt. Gertrud überredet sie zu bleiben, in der Hoffnung, die Gründe für die düstere Stimmung und das seltsame Verhalten des Prinzen herauszufinden. Claudius erscheint. Ophelia geht. Gertrude teilt ihrem Mann ihre Bedenken mit. Es scheint ihr, dass Hamlet von ihren Verbrechen weiß. Claudius beruhigt die Königin und versichert, dass der Prinz einfach verrückt ist. Ihr Gespräch wird durch Hamlets Auftritt unterbrochen. In der Ferne sind die Klänge fröhlicher Musik zu hören. Hamlet erklärt, dass er beschlossen hat, eine Komikertruppe zur Unterhaltung in den Palast einzuladen. Die verängstigte Königin geht mit Claudius. Marcellus tritt mit Schauspielern ein. Hamlet erklärt ihnen, wie sie eine Pantomime über den heimtückischen Mord an König Gonzago spielen sollen. Dann lädt er alle zum Weintrinken ein und singt ein Trinklied.
Höflinge versammeln sich auf dem Platz vor dem Schloss. Die Pantomime beginnt. Hamlet kommentiert das Geschehen auf der Bühne, wo der alte König, der in den Armen der Königin eingeschlafen ist, von einem Verräter Gift in ein Glas gegossen wird und sich heimtückisch seiner Krone bemächtigt. Wütend befiehlt Claudius, die Schauspieler auszuweisen, und Hamlet, der vorgibt, verrückt zu sein, reißt seine Krone ab und behauptet, er habe den Mörder gefunden.
3 Akt.
Hamlet ist allein in den Gemächern. Er überlegt ewige Frage- Sein oder Nichtsein? Claudius erscheint. Er beachtet den Prinzen nicht, wird von Ängsten gequält und ist der Bund des Polonius. Hamlet hört ihr Gespräch aus der Ferne und erkennt, dass auch Ophelias Vater in die Verschwörung verwickelt ist. Es wird also keine Ehe mit Ophelia geben!
Auftritt OPHELIA mit der Königin. Hamlet überredet Ophelia, in ein Kloster zu gehen, er wird nicht heiraten. Ophelia nimmt pflichtbewusst ihren Ehering ab, gibt ihn dem Prinzen und geht. Hamlet, allein gelassen mit seiner Mutter, wirft ihr ein heimtückisches Verbrechen vor und bedroht sie mit einem Schwert. Die Königin bittet um Vergebung. Das plötzlich aufgetauchte Gespenst ruft nach Hamlet und dieser lässt, nachdem er zur Besinnung gekommen ist, die Königin frei.
4 Akt.
Urlaub im Dorf. Bauern und Jäger begrüßen freudig den Frühling. Lustige Tänze beginnen - der Tanz der Jäger, der Mazurka-Walzer. Ophelia kommt zur Party. Sie trägt ein weißes Kleid mit Blumen in ihren Händen. Ihr Blick ist verrückt. Die unglückliche Frau singt wie im Delirium und spricht dann über den Jeep, der Reisende zu Boden reißt. Ophelia wird von Visionen überwältigt, sie stürzt sich ins Wasser.
Akt 5
Auf einem Friedhof in der Nähe von Helsingör heben zwei Totengräber ein Grab aus und trinken. Weiler erscheint. Er weiß noch nichts von Ophelias Tod. Er wird von Laertes verfolgt und fordert den Prinzen zum Duell heraus, um seine Schwester zu rächen. Das begonnene Duell wird durch einen Trauerzug unterbrochen. Weil Hamlet erkennt, dass Ophelia tot ist, will er Selbstmord begehen. Aber der Geist, der ihm wieder erschien, erinnert den Prinzen an Rache, und Hamlet, der alle seine Kräfte gesammelt hat, tötet Claudius mit einem Schwerthieb. Nun muss sich die Königin in ein Kloster zurückziehen und Hamlet besteigt den Thron. Alle preisen den neuen Monarchen!

Zweitbeliebteste nach Günstling, Toms Oper wurde in einem Genre geschrieben, das dem französischen nahe steht große Oper (was durch groß angelegte Massenszenen, das Vorhandensein von Ballett usw. belegt wird), „verdünnt“ mit Stilelementen, Melodien und Intonationen Lyrische Oper. Ausgehend von Shakespeares großer Tragödie vereinfachte der Komponist deren Inhalt stark und konzentrierte sich auf die Liebeslinie. Im Prinzip waren solche Metamorphosen sowohl in der großen als auch in der lyrischen Oper ganz natürlich (das Gleiche sehen wir zum Beispiel in Faust). Wir müssen uns bewusst sein, dass die Opernkunst nach ihren eigenen inneren Gesetzen lebt, und es ist sinnlos, sie unter dem Gesichtspunkt ihrer Übereinstimmung mit der literarischen Quelle zu bewerten. Allerdings ging der Komponist hier sehr weit, er verkürzte nicht nur die Handlung der Tragödie, sondern änderte auch die Auflösung radikal – Hamlet bleibt am Leben und wird König! Es gibt andere signifikante Unterschiede, einschließlich derjenigen, die sich auf das Schicksal anderer Charaktere beziehen. Allerdings fand hier nicht nur Toms „Voluntarismus“ statt. Der Punkt ist, dass wir nicht vergessen sollten, dass viele der uns vertrauten Handlungen der klassischen Literatur (einschließlich der von Shakespeare, demselben Goethe oder Schiller usw.) auf ältere Legenden zurückgehen. Auch in diesem Fall verwendete der Komponist neben der Shakespeare-Tragödie die Motive der altnordischen Hamlet-Sage mit „glücklichem“ Ende, die uns in der lateinischen Handschrift „Die Akten der Dänen“ überliefert ist von dem mittelalterlichen dänischen Chronisten und Priester Saxo Grammatik (ca. 1140 - zwischen 1206 und 1220), der in Roskilde geboren wurde.

Wie oben erwähnt, haben wir es mit einer Oper zu tun, und ein Werk muss ausschließlich nach seiner eigenen Ästhetik und seinem musikalischen und dramatischen Wert beurteilt werden. Aus dieser Perspektive ist G. ein unbestreitbar interessantes und bedeutendes Werk in der Geschichte des Genres, wenn auch nicht ohne Widersprüche, die Toms Werk insgesamt innewohnen. Helle melodische und orchestrale Funde, herzliche Episoden werden darin mit eher banaler und sekundärer Musik einer Reihe anderer Szenen kombiniert.

Zu den auffälligsten und beeindruckendsten Episoden der Oper gehört eine große Szene des Wahnsinns und des Todes von Ophelia. A vos jeux, mes amis ihr 4. Akt. Frei und zugleich sehr organisch und überzeugend in dramatischer Entwicklung und Stimmungswechsel ähnelt es ähnlichen Episoden in italienischen Opern der Blütezeit des Belcanto (Donizetti, Bellini). Die Ähnlichkeit wird durch den virtuosen Charakter der Rolle der Heldin verstärkt. Das beliebte „Bacchic Song“ von Hamlet ist sehr wirkungsvoll. O vin, dissipe la tristesse ab dem 2. Akt. Zu den ursprünglichen Neuerungen gehört auch die Verwendung von Saxophonen in der Partitur (die Szene auf dem Platz aus dem 2. Akt), die kurz zuvor (1840) von A. Saks erfunden wurde.

Es sei darauf hingewiesen, dass das pompöse und künstliche Ende der Oper zum Gegenstand der Kritik wurde. Darüber hinaus wurde versucht, zumindest teilweise zu Shakespeares Auflösung zurückzukehren. Für die Uraufführung in Covent Garden, in der Hamlet, wie es sich für eine Shakespeare-Tragödie gehört, stirbt, existiert eine Ausgabe des Autors. Diese Version wurde nicht weiter verbreitet, praktisch nicht aufgeführt, obwohl es eine Aufnahme des Dirigenten gibt Entbeinen(1983), durchgeführt von der Welsh Opera (Solisten Milnes, Sutherland), wo die Handlung mit dem Tod von Hamlet endet, der von Laertes erschlagen wurde, und der unangenehme Schlusschor von "Vive Hamlet" stoppt.

Die Oper wurde an der Grand Opera uraufgeführt und war ein außergewöhnlicher Erfolg. Die Hauptrollen wurden von einem hervorragenden französischen Bariton gespielt Vordergrund(Für ihn hat Toma dringend die ursprünglich als Tenorpartie konzipierte Rolle des Protagonisten umgestaltet) und der berühmte Sänger K. Nilson. Die von Faure gespielte Titelrolle hinterließ bei seinen Zeitgenossen einen so starken Eindruck, dass der große Edouard Manet den Künstler in dieser Rolle porträtierte (1877).

1869 sang Nilsson auch in der bereits erwähnten englischen Erstaufführung der Oper auf der Bühne von Covent Garden. Im selben Jahr fand die deutsche Erstaufführung in Leipzig statt. Bald wurde die Oper in Italien aufgeführt und ins Italienische übersetzt. 1872 gab es eine amerikanische Erstaufführung an der New York Academy of Music. Die Popularität von G. war sehr hoch. Aufführungen in Barcelona (1876), Mailand (1878) sind ebenfalls zu vermerken. 1883 fand ihr 200. Auftritt an der Grand Opera statt. 1884 wurde die Oper im Metropolitan Theatre mit aufgeführt Sembrich im Titelteil, 1889 Wiener Oper. 1908 in der ersten Spielzeit des Theaters Doppelpunkt brillant wie Hamlet Rufo. 1914 sang sie auf der Bühne der Grand Opera die Partie der Ophelia Lipkiwska. Die Rolle der Ophelia gehörte unter anderem zum Repertoire vieler wunderbarer Sängerinnen Nordica, Nevada, Melba usw.

Auf der russischen Bühne wurde G. erstmals 1892 im Schelaputin-Theater von der privaten Opernvereinigung (in der Titelrolle) aufgeführt Tartakow). 1893 debütierte er in Russland als Hamlet. Battistini. Er hat es in unserem Land und in Cotogni aufgeführt. Im vorrevolutionären Russland wurde die Oper immer wieder in privaten Betrieben aufgeführt, trat aber nie auf den kaiserlichen Bühnen auf.

Im Laufe des 20. Jahrhunderts G. blieb eine Repertoireoper. Seine Popularität nahm jedoch besonders gegen Ende des Jahrhunderts zu. Unter den Produktionen dieser Periode erwähnen wir die Aufführungen an der New York City Opera (1982, Milnes in der Titelrolle), Turin und Leeds (1990), Monte Carlo (1992, in der Titelrolle). Hampson) Wiener Volksoper (1995, Skofhus in der Titelrolle), Genf, Kopenhagen und San Francisco (1996), Karlsruhe (1998), Paris (2000), Covent Garden (2003, Keenleyside in der Titelrolle), wieder in Genf (2006), an der Met (2010, mit Keenleyside und Dessay) usw.

In Russland, zu Sowjetzeiten, erschien G. nicht auf Plakaten. Erst im Jahr 2000 wurde eine Neuinszenierung der Oper an der Moskauer Nowaja-Oper unter der Leitung von inszeniert Kolobowa. In dieser Zweiakter-Aufführung wird die Partitur der Oper (wie so oft in später arbeiten Kolobov) hat erhebliche Veränderungen erfahren. Viele Szenen wurden gekürzt, darunter das Dorffest, die Duellszene, und einige Figuren fehlen (Laertes, Polonius, Totengräber). Die Handlung erhielt einen symbolischeren Charakter und das Ende wurde mehrdeutig. Hamlet, in dessen Herzen keine Wut mehr ist, verabschiedet sich einfach von allen und geht.

Kurze Diskographie:
CD Decca (Studio) – dir. R. Boning, Solisten S. Milns, D. Sutherland, D. Morris, B. Konrad, G. Vinberg.
EMI (Studio) - dir. A.de Almeida, Solisten T.Hampson, D.Anderson, S.Rami, D.Graves, G.Kunde.

Illustration:
Ambroise Thomas.

1 - Im Folgenden typisiert kursiv das Wort verweist den Leser auf den entsprechenden Eintrag im Opera-Wörterbuch. Leider vor der Veröffentlichung voller Text Wörterbuch, ist es unmöglich, solche Referenzen zu verwenden.

Ambroise Thomas (05.08.1811, Metz - 12.02.1896, Paris) - Französischer Komponist. Sohn des Musiklehrers. Er absolvierte das Pariser Konservatorium, wo er bei F. Kalkbrenner, P. Zimmermann (Klavier) und Lesueur (Komposition) studierte. 1832 erhielt er den Prix de Rome für die Kantate Hermann und Ketty. Nach einem dreijährigen Aufenthalt in Rom lebte Thomas etwa ein Jahr in Wien und kehrte 1836 nach Paris zurück, wo er sich dem Komponieren von Opern widmete. Ab 1837 wurden Thomas' Werke regelmäßig auf der Pariser Bühne aufgeführt. Seine erste Oper war der Einakter „Double Staircase“ nach der Komödie von E. Scribe (aufgegeben 1837). Die Handlung von Toms nächster Oper "The Barber of the Regency" (nach 1838) war mit der russischen Geschichte verbunden (die Handlung der Oper spielt im Russland des 18. Jahrhunderts). Toms erste 8 Opern waren ein mittelmäßiger Erfolg. Aber seine nächsten beiden komische Opern- "Kadi" aus dem östlichen Leben (nach 1849) und "Ein Sommernachtstraum" nach Shakespeares Komödie (nach 1850) - machten den Namen des Komponisten nicht nur in Frankreich, sondern weit über seine Grenzen hinaus bekannt. 1851 wurde Thomas zum Mitglied des Institut de France gewählt nächstes Jahr wurde als Professor für Komposition an das Pariser Konservatorium eingeladen (unter seinen Schülern - Jules Massenet); seit 1871 - Direktor des Konservatoriums.

Thomas schreibt weiterhin komische Opern in der Tradition der damaligen französischen Opernschule. 1859 wurde Gounods Oper Faust mit beispiellosem Erfolg in Paris aufgeführt. Unter dem Eindruck dieser Aufführung schuf Thomas, auch in Anlehnung an Goethes Werk „Die Lehrjahre des Wilhelm Meister“, die lyrische Oper „Mignon“ (nach 1866). Die Pariser nahmen die Aufführung begeistert an, und bald etablierte sich „Mignon“ im Repertoire vieler Opernhäuser der Welt. Diese Oper hat neben Faust die meisten Aufführungen in Paris. Auch die Produktion von Toms nächster Oper Hamlet (1868) war erfolgreich.

"Mignon" und "Hamlet" umgingen alle erstklassigen Szenen in Europa. Thomas schrieb auch die Ballette „La Gipsy“ und „Betty“, die Opern „Raymond“, „Le songe d“ une nuit d „éty“, „Francesca da Rimini“, Kantaten, Märsche, Motetten, Quintette, Quartette, Nocturnes, Chöre und andere Anmutige melodische Musik und bemerkenswert feine Orchestrierung machen Tom zu einem der wichtigsten französischen Komponisten.

Da sich das Libretto nicht genau an Shakespeare anlehnt, gebe ich einen kurzen Hinweis

Hamlet und Ophelia - Dante Gabriel Rossetti

Weiler

Oper in fünf Akten

Libretto Kare und Barbier

Figuren

Weiler (Bariton)

Claudius, König von Dänemark (Bariton)

Hamlets Vaters Schatten (Bass)

Marcellus, Freund von Hamlet (Tenor)

Horatio, Freund von Hamlet (Bariton)

Polonius, Kämmerer (Bariton)

Laertes, sein Sohn

Königin (Sopran)

Ophelia, Tochter des Polonius (Sopran)

Die Handlung spielt im Helsingör (Dänemark) im 16. Jahrhundert.

Aktion eins. Bild eins. Halle im Palast. Die Höflinge begrüßen König Claudius von Dänemark, der gerade Gertrude, die Frau seines Vorgängers, geheiratet hat. Der König wendet sich an Gertrud und bittet sie, den Kummer zu vergessen und seine geschäftliche Assistentin zu sein. Als alle gehen, erscheint der dänische Prinz Hamlet, der Sohn von Gertrude. Er trauert um den Tod seines Vaters und die Wankelmütigkeit seiner Mutter: Kaum zwei Monate sind seit dem Tod seines Vaters vergangen, als seine Mutter ihn vergaß und Claudius, dem Bruder des verstorbenen Königs, die Hand reichte. „O Weib!“ sagt Hamlet, „Ihr Name ist Unbeständigkeit und Leere!“ Als Hamlet die Tochter des Kammerherrn Polonius Ophelia den Saal betreten sieht, eilt Hamlet auf sie zu. Zwischen ihnen spielt sich eine zärtliche Szene ab. Als Ophelia erfährt, dass Hamlet sich vom König verabschiedet hat und gehen wird, drückt sie ihre Befürchtung aus, dass er aufgehört hat, sie zu lieben, und deshalb den Palast verlassen will. Hamlet sagt ihr, dass er keiner ist, dessen Herz in der Lage ist, die heiligen Liebesgelübde zu brechen, und versichert ihr, dass er sie immer noch liebt und den Hof aus anderen Gründen verlässt. Auftritt Laertes, Ophelias Bruder. Er kam, um sich von Prinz und Schwester zu verabschieden, da der König ihn nach Norwegen schickt. Er sagt, dass er für die Ehre seines Vaterlandes kämpfen wird, und wenn es ihm nicht bestimmt ist, zurückzukehren, dann lass Ophelia sich von der Liebe Hamlets trösten, dem er sie anvertraut. Hamlet schwört, dass er Ophelia immer beschützen wird. Laertes verabschiedet sich von ihm und geht mit Ophelia. Hamlet sieht sie traurig an. Meine Damen und Herren versammeln sich zu einem neuen Fest. Die Offiziere Marcellus und Horatio, Hamlets Freunde, suchen nach dem Prinzen, um ihm von dem Erscheinen des Schattens des toten Königs auf den Wällen zu erzählen.

Bild zwei. Festung in der Nähe des Palastes. Nacht. Horatio, Marcellus und Hamlet warten auf den Geist des verstorbenen Königs, der letzte Nacht an diesem Ort erschienen ist. Aus dem Palast können Sie die Klänge der Musik und den Lärm eines fröhlichen Festes hören. Mitternacht schlägt. Der Schatten des Königs, Hamlets Vater, erscheint. Hamlet, von der Vision fürchterlich erregt, wendet sich an den Geist mit der Bitte, ihm, einem liebenden Sohn, den Grund für sein Erscheinen zu offenbaren. Der Schatten des Königs gibt Marcellio und Horatio ein Zeichen zu gehen. Als sie gehen, nähert sich Hamlet dem Schatten und bittet sie, ihm zu sagen, was sein Vater von ihm will. Der Schatten vermacht Hamlet Rache und offenbart ihm, dass sein Vater durch die Hände seines Bruders Claudius gefallen ist, der ihn im Schlaf verräterisch vergiftet hat, um den Thron von Dänemark und Gertrud in Besitz zu nehmen. Der Schatten sagt, dass die Stunde der Vergeltung gekommen ist, der Sohn muss den Tod seines Vaters rächen, aber er soll die Königin, seine Mutter, verschonen, die Gott selbst für die Teilnahme an dem Verbrechen bestrafen wird. Als der Morgen naht, verschwindet der Schatten. Hamlet schwört, den Willen des Geistes zu erfüllen und sich an den Tätern des Mordes zu rächen.

Aktion zwei. Bild eins. Garten am Palast des Königs. Ophelia träumt von Hamlet. Sie wird von seiner düsteren, nachdenklichen Erscheinung gequält. Hamlet erscheint im Hintergrund. Als Ophelia ihn sieht, versucht sie, ihn mit unschuldiger Koketterie an sich zu locken, aber zu ihrem großen Leidwesen beachtet der besorgte Hamlet sie nicht und geht schnell. Ophelia weint und denkt, dass Hamlet sich nicht mehr in sie verliebt hat. Auftritt der Königin, Hamlets Mutter. Ophelia erzählt der Königin von ihrem Kummer und bittet sie, sie ins Kloster gehen zu lassen, wo sie Trost in ihrem Kummer finden könnte. Die Königin sagt, dass sie das seltsame Verhalten und den Geisteszustand ihres Sohnes in letzter Zeit nicht versteht, und versichert Ophelia, dass Hamlet sie nach wie vor liebt. Sie bittet Ophelia, Hamlet von der Sehnsucht zu heilen und nicht ins Kloster zu gehen. Ophelia, gerührt von der Bitte der Königin, willigt ein, im Palast zu bleiben. Als die Königin den König eintreten sieht, befiehlt die Königin Ofelia zu gehen. Die Königin warnt Claudius: Es scheint, dass Hamlet auf ihr Verbrechen aufmerksam geworden ist. Der König versichert ihr, dass ihr Sohn nichts weiß. Hamlet tritt auf, mysteriös und spöttisch. Der König streckt ihm die Hand entgegen und bittet Hamlet, sich Vater zu nennen. Hamlet bemerkt, dass sein Vater in einem kalten Grab schläft. Der König lädt ihn dann zu einer Reise nach Italien ein, um ein wenig abzuschalten. Hamlet weigert sich zu reisen und erklärt, dass er zur Unterhaltung eine Truppe von Schauspielern in den Palast eingeladen hat, die eine interessante Vorstellung geben werden. Der König und die Königin erklären sich bereit, an dieser Aufführung teilzunehmen und zu gehen. Hamlet, der sich um die Abreisenden kümmert, sagt, dass die Stunde der Rache nahe ist. Eine Truppe von Schauspielern erscheint. Hamlet nimmt sie auf, bestellt ihnen das Stück "Der Mord an Gonzago", trinkt mit ihnen und lobt mit einem bitteren Lachen den Wein, der einem Menschen in Tagen der Trauer und Trauer das Vergessen bringt.

Bild zwei. Halle im Palast. In den Tiefen der Theaterbühne. In Anwesenheit von König und Königin, Hamlet und Höflingen wird auf der Bühne die Pantomime „Der Mord an Gonzago“ aufgeführt. Unter diesem Titel arrangierte Hamlet den Tatort des Mordes an seinem Vater, der Claudius und seine Mutter foltern wollte. Er weist Marcellio und Horatio an, den Eindruck zu verfolgen, den die Aufführung auf den König machen wird, und der Sami erklärt, was auf der Bühne passiert: „König Gonzago wird von Königin Genevieve begleitet, die ihm sanfte Worte zuflüstert Gonzago setzt sich nieder und schläft vor Erschöpfung auf der Brust der Königin ein. „Der Bösewicht erscheint, in seinen Händen einen Giftkelch tragend. Mit Hilfe einer in ihn verliebten Königin gießt er Gift in den Mund des schlafenden Königs König stirbt, und der Bösewicht nimmt seine Krone und wird König" ... Diese Geschichte und Pantomime lassen den König sehr blass werden. Der König befiehlt, die Schauspieler zu vertreiben. Damit ist Hamlet endgültig von der Schuld des Königs überzeugt. Hamlet gibt vor, verrückt zu sein, um damit durchzukommen, und nennt Claudius einen Bösewicht, den Mörder seines Bruders, und reißt ihm die Krone vom Kopf und erklärt, dass der Mörder sie nicht tragen kann. Alle ziehen sich entsetzt zurück. Der König und die Königin laufen weg. Hamlet fällt bewusstlos in die Arme von Horatio und Marcellio.

Aktion drei. Zimmer der Königin. Im Hintergrund ist ein Ganzkörperporträt von Claudius und Hamlets Vater zu sehen. Analog zum Gebet. Hamlet tritt ein und hält nachdenklich inne. Das Verbrechen des Königs ist klar, und vergebens verschont er ihn und verschiebt die Rache. Er erinnert sich an seinen verstorbenen Vater und spricht einen Monolog voller philosophischem Pessimismus aus: "Sein oder nicht sein?" Hamlet hört die Annäherung seines Stiefvaters und versteckt sich hinter dem Vorhang. Geben Sie Claudius ein. Er wird von Gewissensbissen gequält und betet am Fuß des Rednerpults. Er möchte an der Stelle seines Bruders sein, „in den Dörfern des Paradieses schweben“, und nicht hier auf Erden leiden. Hamlet, der hinter dem Vorhang auftaucht, sagt, dass es jetzt leicht wäre, den König zu töten, hält aber inne, als er sieht, dass er betet. Hamlet verspricht sich, ihn später zu töten, nicht während des Gebets, und versteckt sich erneut. Der König, der Hamlets Schritte hört, springt auf und ruft voller Angst seinen Kämmerer Polonius. Polonius tritt ein und beruhigt den König, der den Geist von Hamlets ermordetem Vater sieht. Aus den weiteren Worten von Polonius erfährt Hamlet, dass der schlaue Höfling ein Komplize von Claudius ist. Polonius führt den König ab. Hamlet kommt hinter dem Vorhang hervor. Die Königin erscheint mit Ophelia und sagt Hamlet, dass alles für die Zeremonie seiner Hochzeit mit Ophelia bereit ist. Ohne der Königin zu antworten, nähert sich Hamlet Ophelia und sagt ihr, dass ihre Ehe nicht stattfinden kann, da sein Herz "kalt wie Marmor und für heilige Liebe unzugänglich" ist; sie muss ihn vergessen und in ein Kloster gehen. Ophelia weint über ihre zerbrochene Liebe und gibt Hamlet seinen Ring zurück. Die Königin überredet Hamlet, Ophelia treu zu bleiben, zieht sich jedoch, getroffen von seiner düsteren Erscheinung, entsetzt von ihm zurück. Ophelia geht verzweifelt. Hamlet, der mit seiner Mutter allein gelassen wird, entlarvt sie im Zorn eines schrecklichen Verbrechens. Die Königin bittet ihn um Gnade. Hamlet erklärt, dass er sie nicht töten, sondern "der Gerechtigkeit des Himmels" überlassen werde. Er zeigt auf die Porträts der beiden Ehepartner von Gertrude und sagt, dass einer von ihnen "die Verkörperung von Schönheit und Stärke, Größe und Güte" ist, der andere "voll von Bosheit und Verderbtheit" ist und sie letzterem ihre Liebe gegeben hat. Teilnahme an der Ermordung ihres ersten Mannes. Die Königin fällt Hamlet entsetzt zu Füßen und bittet um Gnade für sie. Hamlet schwört Rache für den Tod seines Vaters und verzichtet auf seine Mutter. Plötzlich erscheint der Schatten des Königs, nur für Hamlet sichtbar; Der Geist sagt dem Sohn, er solle seine Mutter verschonen. Die Königin, die den wandernden Blick ihres Sohnes sieht, fragt ihn, was mit ihm los sei. Hamlet zeigt auf den Schatten ihres Vaters. Die Königin, die nichts sieht, glaubt, dass Hamlet den Verstand verloren hat. Er tröstet die Königin und rät ihr, Buße zu tun und zu beten.

Aktion vier. Ländliche Landschaft. In der Tiefe ist ein See. Eine Gruppe dänischer Bauern vergnügt sich mit Frühlingstänzen und Spielen. Ophelia, die vor Trauer den Verstand verloren hat, erscheint. Sie träumt von Hamlet und erinnert sich an ihre unglückliche Liebe. Bauernmädchen umringen sie und bemitleiden die Leidende. Sie sammelt Blumen, verteilt sie an die Mädchen und singt eine traurige Ballade über eine Meerjungfrau, die mit ihren Netzen am Ufer schlafende Menschen einfängt. Traurig zerstreuen sich die Bauern. Ophelia hört die Stimmen von Meerjungfrauen, die nach ihr rufen, und plötzlich scheint es ihr, als würde Hamlet kommen. Um ihn für sein langes Warten zu bestrafen, beschließt sie, sich zwischen den Meerjungfrauen zu verstecken und stürzt sich in die Wellen. Das Kleid stützt sie einige Zeit auf der Wasseroberfläche, und sie sinkt langsam, von der Strömung mitgerissen, und wiederholt die Liebesworte, die sie einst von Hamlet gehört hat.

Aktion fünf. Friedhof. Zwei Totengräber, die ein Grab für Ophelia ausheben, philosophieren über die Zerbrechlichkeit alles Irdischen und dass "der Sinn des Seins Wein ist". Hamlet betreten. Er kam hierher, auf der Flucht vor der Verfolgung durch Attentäter des Königs, die ihn tot sehen wollen. Mit tiefer Trauer erinnert sich Hamlet an Ophelia und bittet sie innerlich um Vergebung. Hamlet erwartet, hier Horatio zu treffen, aber stattdessen erscheint Laertes, der aus Norwegen zurückgekehrt ist. Laertes macht Hamlet für den Tod von Ophelia verantwortlich. Sie kämpfen mit Schwertern, hören aber auf, wenn sie die Geräusche eines Trauermarsches hören. Der Trauerzug mit dem Leichnam von Ophelia wird gezeigt. Hamlet will sich beim Anblick der toten Ophelia mit einem Dolch erstechen, aber seine Freunde hindern ihn daran. Der Schatten von Hamlets Vater erscheint, der seinem Sohn befiehlt, das Werk der Rache zu vollenden. Alle sind erschrocken über das Erscheinen des Geistes. Hamlet deckt das Geheimnis des Verbrechens auf und tötet Claudius. Der Geist fordert Gertrud auf, ins Kloster zu gehen und verschwindet. Die Höflinge begrüßen den neuen König von Dänemark in der Person von Hamlet.

Weiler: Thomas Hampson, br;

ophelie: june anderson, sopr;

claudius: samuel ramey, bs;

laerte: gregory kunde, zehn;

gertrude: Denyce Graves, msopr;

lo spettro: jean courtis, bs:

Marcellus: Gerard Garino, zehn;

Horatio: François le Roux, bs;

Polonius: Michel Trepont, bs;

2 Becchini: Thierry Felix, Br; Jean Pierre Furlan, zehn;

Londoner Philharmoniker e

Ambroise Thomas schrieb eine Oper namens Hamlet, die erstmals im März 1868 von der Paris Grand Opera aufgeführt wurde. Begeisterte Kritiken sprechen von unglaublichem Erfolg. Das Libretto für die Oper in fünf Akten stammt von Carré und Barbier nach Shakespeares gleichnamiger Tragödie. Die Oper war der nächste Schritt des Komponisten zur Beherrschung eines neuen Genres – der French Grand Opera. Es ist erwähnenswert, dass das Libretto in der einfachsten Form erstellt wurde, was sich im Bild des Protagonisten und der Bedeutung der Oper selbst widerspiegelte, die sich von philosophisch in Liebe und Lyrik verwandelte. Liebesdrama bildete die Grundlage des Librettos, aber das tragische Finale von Shakespeare wird verändert und nur der Tod des heimtückischen Claudius wird in der Oper dargestellt. Hamlet erhält den Thron, was den Triumph der Gerechtigkeit kennzeichnet. Es ist erwähnenswert, dass diese Version (der Hamlet-Geschichte) der ältesten nahe kommt bekannte Deutung Grundstück in der skandinavischen Version, entstanden um 1200. Der Autor der skandinavischen Saga war der mittelalterliche Chronist Saxo Grammatik.

Auf der russischen Bühne wurde die Oper im Moskauer Theater aufgeführt Schelaputin im Jahr 1892. In der modernen Inszenierung feiern Kritiker die 1992 in Monte Carlo aufgeführte Aufführung. Für alle Liebhaber dieser Art von Kunst gibt es heute die einmalige Gelegenheit, kostenlos Musik zu hören die berühmtesten Arien aus der Oper Hamlet auf der Website des Orpheus Club. Hier können Sie sich auch das Video der Aufführung online ansehen. moderne Möglichkeiten verschiedene Opern.

Die Handlung der Oper beginnt mit einer Szene im Vordergrund Saal des königlichen Palastes von Helsingör, wo Claudius, der der Ehemann von Gertrude, der Witwe seines älteren Bruders, wurde, gekrönt wird. Hamlet ist abwesend und betritt am Ende der Zeremonie die Bühne, versunken in Gedanken an weibliche Untreue. Es kommt zu einem Treffen zwischen dem Prinzen und Ophelia, die traurig darüber ist, dass Hamlet den Hof verlässt und denkt, dass der junge Mann aufgehört hat, sie zu lieben. Laertes begibt sich auf einen Feldzug und vertraut dem Prinzen das Schicksal seiner Schwester an. Die Leute amüsieren sich, Horatio und Marcellus bringen Neuigkeiten über den Geist von Hamlets Vater.

Weiler mit Freundenäh Planade des Schlosses, wo jeder das Erscheinen eines Gespenstes erwartet. Um Mitternacht erscheint ein Geist, der Hamlet auffordert, Claudius zu töten und seine Mutter zu verschonen. Hamlet verspricht, alles zu erfüllen.

Der Inhalt der Oper setzt sich mit einem Bild der Gemächer im Palast fort, dem Bild von Ophelia, die die Kälte des Prinzen spürt. Sie liest ein Buch über die Untreue der Liebe und bittet die Königin, den Hof zu verlassen, als sie ihre Befürchtungen bestätigt sieht. Aber die Königin glaubt, dass Ophelia helfen wird, das Geheimnis ihres Sohnes herauszufinden. Sie macht sich Sorgen, dass Hamlet die Wahrheit über den Tod ihres Vaters herausfinden könnte. Claudius tröstet sie. Hamlet wird auf eine Reise gehen und zum Abschied lud er die Schauspieler ein, die in der Aufführung auftreten sollten Mord an Gonzago. Vor der Aufführung haben alle Spaß und trinken Wein, in dem Hamlet die Möglichkeit des Vergessens sieht.

Außerdem zeigt der Autor der Oper den Platz vor dem Palast, wo die Aufführung organisiert wird. Hamlet erklärte sich freiwillig bereit, die Schauspielerei zu kommentieren, und empfiehlt seinen Freunden, den König im Auge zu behalten. Er beschreibt den Tod seines Vaters Claudius mit dem Befehl, die Schauspieler zu vertreiben, wobei er sich als er selbst ausgibt. Hamlet, der sich wie verrückt verhält, nimmt ihm die Krone ab und beschuldigt ihn des Mordes.

Darauf folgt ein Bild, in dem der Held über ein ernstes Thema nachdenkt, wie die Arie berichtet "sein oder nicht sein" und aus der Oper Hamlet. Claudius tritt ein, der beim Kruzifix stehen bleibt und seinen Bruder um Gnade bittet. Hamlet verspricht sich, den König auf seinem Thron zu töten. Claudius ist erschrocken, er ruft Polonius an, aus dem Gespräch der beiden Gameten erfährt er, dass Ophelias Vater am Tod seines Vaters beteiligt war.

Auf dieser Grundlage weigert sich Hamlet, Ophelia zu heiraten, die bereits das Outfit der Braut trägt. Sie gibt ihm den Ring zurück. Die Königin hat Angst, die sich mit den anklagenden Worten ihres Sohnes verstärkt. Er lässt seine Mutter am Leben, aber nur wegen des Erscheinens des Schattens seines Vaters. Diese Episode überzeugt die Königin schließlich vom Wahnsinn ihres Sohnes.

Der kurze Inhalt wird durch das Bild eines Dorffestes zu Ehren des Frühlingsanfangs weiter verdeutlicht. Eine verstörte Ophelia erscheint am Flussufer, schließt sich der Feier an und erzählt den Mädchen eine Geschichte darüber heller Velise. Sie stellt sich vor, dass sie Hamlet geheiratet hat, beleidigt von der langen Wartezeit, sie will sich vor ihm im Schilf verstecken, wo sich die Velses verstecken. Er spricht Hamlet den Treueeid aus und wirft sich ins Wasser.

Die Szene auf dem Friedhof, wo Hamlet, der sich vor den Mördern des Königs versteckt, umherwandert. Er sieht Totengräber, die ein Grab ausheben und Wein trinken. Wendet sich gedanklich an Ophelia um Vergebung. Er weiß nicht, dass Ophelia tot ist, aber der Bruder des Mädchens erscheint und fordert ihn zu einem Duell heraus, das erst durch die nahende Trauerfeier abgebrochen wird. Ophilia, die in einem Sarg liegt, lässt Selbstmordgedanken aufkommen, aber der Schatten ihres Vaters stoppt Hamlets Impuls. Der Geist befiehlt, Claudius zu töten, und Hamlet ersticht ihn mit einem Schwert. Gertrud wird in ein Kloster geschickt, und der Thron geht an Hamlet. Der junge Mann ist verzweifelt, er muss zum Wohl seiner Untertanen regieren, wenn seine Seele mit Ophelia begraben wird.